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CRÍTICA - Schönberg y Shostakovich

CRÍTICA - Schönberg y Shostakovich

Publicado: octubre 2018

Orquesta Sinfónica de Galicia

Prueba de resistencia para el aficionado por ambas obras, a consecuencia de la  inmensa sensación de enfrentarse a dos obras que dejarán testimonio de una época de acuciantes urgencias. Patricia Kopatchinskaja pudo trasmitirnos el ideario de Schönberg en el Concierto para violín y orquesta op. 36, bajo el ojo clínico de Slobodeniouk, siguiendo en trazado en los tres tiempos de las exigencias de una técnica de un visible virtuosismo de largo alcance, al servicio de una obra de dodecafónica en su trayecto sonoro y discursivo. Cada uno de los movimientos respondía a las directrices en la superposición de un par de grupos de series, desde un recurso original como a la retrogradación. El autor llegaría a un desenlace inevitable, tras sus devaneos brahmsianos en lo que serían las variaciones desarrolladas, pero como manifiesto a conciencia de las urgencias evolutivas. La obra, una vez concluida, con una solista capaz de situarnos en sus parámetros a sabiendas de encontrarse ante un público al que convencer, definitivamente consiguió su objetivo, por la respuesta colectiva.     

Mayor impacto para el Shostakovich de la Sinfonía nº 11, en Sol m. Op. 103 (El año 1905), Kryzsztof Meyer sostendrá más que una sinfonía en sentido estricto, es un poema sinfónico de grandes proporciones. Un Adagio sobre el canto fúnebre Kontaction y la cita de una canción revolucionaria o el Allegro en perfecta sintonía por la temática recurrente, que se confirmaría a través de la transfiguración de su obra coral sobre textos revolucionarios, en una disputa en la que los vientos se impondrían a las cuerdas, para entregarse a otro obsesivo Adagio encumbrado a través de los pizzicati de la cuerda grave, para que entre acordes estremecedores, la marcha testimonial reafirmada por abundancia de elementos tímbricos, insista en las recurrencia a esa idea motriz, con efectos percusivos contundentes y así hasta el encadenamiento en el final en una convulsa carga  decibélica.

Imposible describir lo que la sinfonía de Shostakovich, como en las se anuncian en breve, consigue en su absoluta dimensión ante un auditorio entregado a la causa. Valga, en lo efectivo, el calificativo de poema sinfónico, porque el encorsetamiento de sinfonía quedará inevitablemente superado. Dima, que lo lleva en las entrañas, promete otro Shostakovich para dejarnos anonadados.  

Ramón García Balado

Patricia Kopatchinskaja. Orquestra Sinfónica de Galicia / Dima Slobodeniouk. Schönberg y Shostakovich
Palacio de la Ópera, A Coruña 

Foto: Patricia Kopatchinskaja.
Foto de Marco Borggreve

El Ballet del Rin en el Teatro Real

El Ballet del Rin en el Teatro Real

Publicado: octubre 2018

El Ballet del Rin será la compañía encargada de inaugurar la temporada de danza 2018-2019 del Teatro Real

El Ballet del Rin se presenta en el Teatro Real con su premiada versión de Un réquiem alemán, de Martin Schläpfer, inspirado en la obra homónima de Brahms de la que se conmemoran 150 años

Las representaciones contarán con la participación del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real,  junto a la soprano Adela Zaharia y el barítono Richard Šveda, bajo la dirección musical del Marc Piollet

Se ofrecerán cuatro funciones los días: viernes 12 a las 20.00 h, el sábado 14 en dos sesiones, a las 18.00 y a las 21.30 horas, y el domingo 15 a las 18.00 horas

Enfoques: El experto en danza Roger Salas ofrecerá un análisis de la producción del Balllet del Rin el 10 de octubre, a las 20.15 h, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso libre hasta completar aforo 

El Teatro Real inaugurará el próximo viernes, 12 de octubre, la temporada de danza 2018-2019 con la presencia de la prestigiosa compañía alemana Ballet del Rin, con sede en Düsseldorf y Duisburgo, traerá al escenario madrileño una de las coreografías más aclamadas de su repertorio, Un réquiem alemán (Ein deutsches Requiem), inspirada en la obra homónima del compositor Johannes Brahms y realizada por Martin Schläpfer, coreógrafo y director artístico de la compañía.   

Esta gran obra musical, posiblemente la más conocida y admirada del compositor alemán, contará con la interpretación en directo  del Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real, junto a la soprano Adela Zaharia y el barítono Richard Šveda, todos ellos bajo la dirección musical del maestro Marc Piollet y la indispensable colaboración de Andrés Máspero en la dirección del coro. 

Se ofrecerán cuatro representaciones los días: viernes 12 a las 20.00 h, el sábado 14 en dos sesiones, a las 18.00 y a las 21.30 horas, y el domingo 15 a las 18.00 horas 

Estrenada en Bremen en su primera versión en 1868, Brahms se aleja en su composición del punto de vista estrictamente religioso, oscuro y opresivo, para convertir Un réquiem alemán en una meditación, a través de los textos bíblicos, sobre la vida y la muerte, la compasión y la esperanza, cargada de una poderosa humanidad que trasciende lo divino y sirve de punto de partida a la creación de la coreografía. 

Schläpfer, director artístico del Ballet de Rin desde 2009, ha sido capaz de llevar a cabo una importante trasformación en la compañía, en la que ha sabido condensar su propio estilo con una estética de ballet contemporáneo de marcado carácter de expresión individual, convirtiéndola, en los últimos años, en una de las formaciones de referencia en Alemania y en el resto de Europa, cosechando numerosos premios y reconocimientos, uno de los últimos, el premio de Teatro alemán Der Faust 2012 por Un réquiem alemánque veremos estos días en el Teatro Real. 

Con una gran inquietud musical, Martin Schläpfer crea una coreografía de profunda carga psicológica. A través de la obra de Brahms se lanza a una búsqueda de las últimas cuestiones de la existencia humana, sabiendo que no puede haber respuesta. El cuerpo, unido al espíritu y el alma, la búsqueda de lo divino en la naturaleza humana, el hombre como parte del colectivo y, a la vez, individual forman el discurso de su propuesta. Así, se alternan momentos coreográficos de conjunto, con casi toda la compañía en escena, con pas de deux,  solos y conjuntos más pequeños, saltando de la expression convulsa y a veces deseperada al lirismo ligero, casi etéreo de la expresion física de los bailarines. El resultado, una coreografía conmovedora. 

Schläpfer ha contado con la colaboración de Florian Etti en la escenografía, de Catherine Voeffray en los figurines y de Volker Weinhart en la iluminación. 

La muerte de su gran amigo Robert Schumann, y la de su madre después llevan a Brahms a la composición de Ein deutsches Requiem, del que se conmemoran ahora sus 150 años. Una conmovedora partitura que, a través de textos bíblicos, reflexiona sobre la vida y la muerte, sobre la idea de Dios, pero alejado de la tradicional idea opresiva del réquiem católico -que atraviesa un camino de culpa, miedo y castigo para llegar a la redención- planteando una reflexión más humana, asentada en la misericordia y la esperanza, más cercano a las tesis luteranas. 

Es el coro el gran protagonista musical de esta partitura, donde tienen también destacada presencia las voces solistas de la soprano,  Adela Zaharia, y del barítono, Richard Šveda. El Coro Titular del Teatro Real dirigido por Andrés Máspero y considerado uno de los mejores de Europa, se colocará en este ocasión en el foso, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real y los solistas, bajo la dirección musical del maestro Marc Piollet, buen conocedor de ambas formaciones a las que ha dirigido en  Don Quichotte, C(h)oeurs, L’elisir d’amore, Tristan und Isolde y, la temporada pasada, Carmen. 

www.teatro-real.com 

Foto El Ballet del Rin
© Gert Weigelt

Estreno de

Estreno de "Whispers in the Dark’ del XXXV Premio Reina Sofía de Composición Musical

Publicado: octubre 2018

La Orquesta y Coro RTVE estrena ‘Whispers in the Dark’ de Juan Durán, XXXV Premio Reina Sofía de Composición Musical

Bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez-Martínez

Completan el programa ‘Danzas fantásticas’ de Turina y ‘Te Deum’ de Bruckner

Jueves 11 de octubre, a las 19:30 horas en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial 

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, dirigida por su titular Miguel Ángel Gómez-Martínez, estrena este jueves, 11 de octubre, en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, ‘Whispers in the Dark’, obra ganadora del XXXV Premio Reina Sofía de Composición Musical, que concede anualmente la Fundaciò de Música Ferrer-Salat. Juan Durán, compositor de la obra, recibirá el galardón en el descanso del concierto, cuyo programa se completa con ‘Danzas fantásticas, Op. 22’ de Joaquín Turina y ‘Te Deum’ de Bruckner. Radio Clásica ofrecerá el concierto este viernes 12 de octubre (20:00 horas) y TVE lo emitirá posteriormente en ‘Los Conciertos de La 2’. 

El segundo concierto de la temporada de abono de la Orquesta y Coro RTVE comenzará con las ‘Danzas fantásticas, Op. 22’ de Joaquín Turina. A continuación, el estreno absoluto de ‘Whispers in the dark’ de Juan Durán, obra ganadora del XXXV Premio Reina Sofía de Composición Musical. Escrita en 2016, está inspirada en el libro ‘The Whisperer in Darkness’, del escritor de novelas fantásticas H. P. Lovecraft. 

En el intermedio, el compositor y secretario del jurado, Jesús Rueda, entregará el diploma a Juan Durán como ganador del galardón que concede anualmente la Fundaciò de Música Ferrer-Salat. Una fundación que tiene como objetivo estimular la creación musical en sus diferentes modalidades y facilitar a los compositores la posibilidad de que su música pueda ser interpretada, escuchada y difundida. La Orquesta Sinfónica RTVE ha interpretado y estrenado todas las obras ganadoras del Premio Reina Sofía de Composición Musical. 

En la segunda parte, el Coro RTVE se une a la Orquesta Sinfónica RTVE para interpretar el ‘Te Deum’, de Anton Bruckner, con la soprano María Espada, la mezzosoprano Mireia Pintó, el tenor César Augusto Gutiérrez y el bajo Felipe Bau, como solistas. 

Radio Clásica ofrecerá el concierto este viernes 12 de octubre, a las 20:00 horas. 

Juan Durán

Nacido en Vigo en 1960, ha sido galardonado con el Premio da Crítica 2009 y el Premio da Cultura Galega 2013, entre otros premios. Considerado por la crítica y por el público como el más importante compositor gallego de su generación y el de mayor proyección internacional, con un catálogo en el que la ópera y la música sinfónica y sinfónico-coral conviven con una importantísima producción de música de cámara y lied, además de infinidad de arreglos y orquestaciones de música popular gallega. 

Su obra suena con frecuencia por todo el mundo, desde Europa y Estados Unidos, hasta diversos países de América del Sur (Argentina, Brasil, Chile, México) pasando por Hong Kong y Tailandia, y bajo la dirección de grandes batutas como Osmo Vanska, Pietro Rizzi, Edmon Colomer, Juanjo Mena, Víctor Pablo Pérez y Antoni Ros-Marbà, entre otros muchos. 

Nombres como los de Elina Garança, Cristina Gallardo-Domâs, Isabel Rey o el mismo Orfeón Donostiarra han cantado muchas de sus creaciones vocales, mientras su música de cámara ha sido interpretada y llevada al mundo del disco por agrupaciones como Zoar Ensemble, Hércules Brass o el Grupo Instrumental Siglo XX. 

En RTVE.es, redes sociales y a través de su app

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE (www.rtve.es/rtve/orquesta-coro) sus seguidores pueden informarse de todas las noticias, vídeos de los conciertos y el programa de la temporada de abono. En  'A la carta' volver a sus actuaciones. Además, con su  app (disponible en RTVE.es. de forma gratuita para dispositivos iOS y Android) con la que además de noticias se puede disfrutar conciertos en directo y a la carta, y comprar entradas, entre muchas otras funciones. Y en las redes sociales: Twitter  @OCRTVE y Facebook.

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Foto: Juan Durán, XXXV Premio Reina Sofía de Composición Musical (fotografía de Eduardo Pérez) 

Fallece Montserrat Caballé

Fallece Montserrat Caballé

Publicado: octubre 2018

La gran soprano Montserrat Caballé ha muerto el sábado 6 de octubre a los 85 años en el Hospital Sant Pau de Barcelona, donde se contraba ingresada desde mediados de septiembre por un problema en la vesícula. El pasado 24 de septiembre, la familia informaba del ingreso e indicaba que la evolución era positiva y tenían previsto disponer del alta hospitalaria en breve.

Montserrat Caballé ha recibido numerosos reconocimientos académicos, oficiales y privados a lo largo de su vida, destacando los doctorados "honoris causa" por la Universidad Politécnica de Valencia (1999), Internacional Menéndez Pelayo de Santander (2008) y Barcelona (2011); el Lazo de Dama de Isabel la Católica (1966), el Premio de la Academia del Disco Lírico de París (1971), Rosa de Oro de Brescia (1976), medallas del Liceo (1966), de Oro del Teatro (1972), Oro de las Bellas Artes (1973), Oro de la Generalitat de Cataluña (1982), Oro de Madrid (1988), Fidelio de la Asociación Internacional de Directores de Ópera (1992), del Spanish Institute de Nueva York (1994), y Honorífica de la Escuela Superior de Música "Reina Sofía" (1998), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, recibido en 1991 "ex aequo" con otros grandes de la lírica española, entre otros muchos.

Montserrat Caballé ha cantado bajo la batuta de los más prestigiosos directores como Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Zubin Mehta, James Levine, Claudio Abbado, Seiji Ozawa o Riccardo Muti, entre otros. Ha estado presente en los carteles de los más destacados teatros de ópera del mundo, como La Scala de Milán, Staatsoper de Viena, Royal Opera House Covent Garden de Londres, Opera de París, Bolshoi de Moscú, Teatro Colón de Buenos Aires, Opera de San Francisco, Opera de Hamburgo, Opera de Múnich, así como en los festivales de Salzburgo, Aix en Provence, Glydebourne, Pesaro o Verona, entre otros muchos.

Montserrat Caballé Folch nació el 12 de abril de 1933 en el barrio de Gracia de Barcelona, en el seno de una familia modesta, donde su madre le dio su primera formación musical que le sirvió para ingresar a los 11 años en el Conservatorio Superior de Música del Liceo con una beca. A lo largo de sus más de 50 años de carrera, Caballé ha interpretado cientos de óperas y conciertos en los principales teatros de todo el mundo junto a las mejores orquestas, directores y repartos, gracias a un repertorio que abarca cerca de 90 papeles correspondientes a más de 40 óperas. Montserrat Caballé es una de las grandes voces líricas del siglo XX, la más universal de las cantantes de ópera españolas, una diva a la altura de mitos como Maria Callas, Joan Sutherland, Elisabeth Schwarzkopf o Renata Tebaldi, tanto por su calidad vocal como por su dominio de la técnica.

Se podría decir que su primer éxito internacional tuvo lugar en 1965, cuando el 20 de abril sustituyó a Marilyn Horne, que indispuesta no pudo cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causó sensación y la hizo famosa en el mundo de la ópera. Un periódico neoyorquino tituló al día siguiente: «Callas + Tebaldi = Caballé».

La soprano, que se retiró hace unos años, habiendo ofrecido más de 4.000 representaciones. Sin embargo, tal y como explicaba ella misma en una entrevista en 2014, Caballé rechazaba el apelativo de diva: “No me considero una leyenda de la ópera, ni tampoco la última diva, como a veces escriben los periodistas. Cada época tiene sus divos y en mi caso lo único que he hecho es hacer bien mi trabajo, lo mejor posible, al más alto nivel”. De su voz se ha destacado que era plena, potente y bella, que estaba dotada de tersura, nitidez, pureza o suavidad, y que su timbre era iridiscente y tornasolado.

Descanse en paz la gran estrella española de la ópera.

Karel Mark Chichon impartirá unas clases magistrales de dirección de orquesta con la OFGC

Karel Mark Chichon impartirá unas clases magistrales de dirección de orquesta con la OFGC

Publicado: octubre 2018

Tendrán lugar entre el 21 y el 25 de enero de 2019 en la sede de la OFGC

En programa la Suite de El pájaro de fuego de Stravinski, Don Juan de Strauss y la Sinfonía nº 5 de Beethoven.

Las clases magistrales concluirán con un concierto dirigido por los alumnos finalistas.

El Maestro Karel Mark Chichon, director artístico y titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, marcará un importante hito en la labor formativa de la Fundación OFGC ofreciendo por vez primera una serie de clases magistrales de dirección de orquesta dirigidas a alumnos de todo el mundo entre los días 21 y 25 de enero de 2019.

Con estas clases magistrales el Maestro Chichon deja bien patente su apoyo a las nuevas generaciones de directores, a la vez que ofrece una importante plataforma para potenciar la imagen internacional de Gran Canaria como centro receptor de talentos musicales de todo el mundo.

Las sesiones de trabajo de estas clases, que tendrán lugar en la Sede de la Fundación, girarán en torno a tres destacadas composiciones del repertorio sinfónico, la Suite de 1919 de El pájaro de fuego de Stravinski (Universal Edition), Don Juan, op. 20 de Richard Strauss (Ed. Dover) y la Sinfonía nº 5 en Do menor, op. 67 de Ludwig van Beethoven (Ed. Bärenreiter).

Las clases magistrales se desarrollarán con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, salvo el lunes 21 donde serán a dos pianos.

Las clases van dirigidas a alumnos con un perfil académico en donde se valora la experiencia profesional como director de orquesta.

El precio general de inscripción del curso es de 1.000 euros.

Los músicos de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y los residentes canarios podrán inscribirse con una tarifa de 750 euros.

También están previstas las inscripciones en las categorías de Alumnos oyentes (100 euros) y Alumnos oyentes de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria o del Conservatorio Superior de Música de Canarias (20 euros, semana completa).

Los inscritos deberán mandar un vídeo con un enlace de youtube o similar con diferentes obras y una duración máxima de 20 minutos.

Las clases magistrales concluirán con un concierto el 25 de enero en la Sala Gabriel Rodó de la OFGC a las 20.00 h. dirigido por los alumnos finalistas, con una selección de obras a cargo del Maestro Chichon. La entrada tendrá un precio de 5 euros.

Las bases detalladas se encuentran disponibles en la página web de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria:

www.ofgrancanaria.com

Séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara Antón García Abril

Séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara Antón García Abril

Publicado: octubre 2018

La entrega de premios más repartida de la historia del Concurso. Así sucedió la noche del 5 de octubre, en la clausura de la VII edición del Concurso Internacional de Música de Cámara Antón García Abril.

El gran nivel de los grupos de música de cámara que llegaron a la final provocó que el jurado determinara el reparto compartido de los premios. Formado por intérpretes de reconocido prestigio, el jurado lo integraban Pascual Osa, Javier Herreros, Maria Antonia Rodríguez, y Jesús Ángel León.

El dúo de japoneses procedentes de Austria, “Dúo Kanade” de violín y piano, y el quinteto de cuerda con piano de Polonia, “Chopin Piano Quintet”, merecieron el Primer premio compartido. Magnífica fue la interpretación del dúo japonés, de obras de Bolcom, Schumann y Shostakovich. El quinteto de Varsovia interpretó obras de Schumann, Brahms, Granados y Shostakovich, con un nivel técnico y una unidad musical extraordinarios.

El Segundo Premio fue compartido entre “Santres Trío” (violín, violonchelo y piano) de Países Bajos, y el grupo de percusionistas “Van3uard Trío”, de Granada.

El Tercer Premio lo obtuvieron el dúo de percusionistas de Castellón “Tulam Dúo”, y el trío de violín, violonchelo y piano “Casasblancas”, de Barcelona.

El premio a la mejor interpretación de una obra española fue otorgado al cuarteto de saxofones  madrileño, “Rhea Quartet”; y el premio a la mejor interpretación de una obra del maestro Antón García Abril fue otorgado al dúo de pianistas de Murcia, Iber pianoduo”.

Los ganadores del primer premio tendrán la oportunidad de tocar un concierto en diversos escenarios como el Festival de Música y danza de Granada, el Festival de Huéscar, y la Fundación Hispania Música-Concerto Málaga, entre otros. Y los restantes premiados, tendrán la oportunidad de tocar en el ciclo de conciertos organizado por Momentum Toledo, en dicha ciudad.

La excelente trayectoria que caracteriza a este concurso se ha puesto de manifiesto una vez más en el desarrollo de esta edición. Sin embargo, en Baza se ha echado de menos la presencia de Antón García Abril, quien en esta ocasión no ha podido acudir a la cita por motivos de agenda. Sin embargo, en el acto fue proyectado un emotivo vídeo del maestro, expresando su pesar por no haber podido asistir, y dando las gracias a las autoridades patrocinadoras (Ayuntamiento de Baza y Diputación de Granada), a la organización, y a todos los músicos participantes. Hace ya más de 7 años que comenzó la relación del maestro con este proyecto originario del conservatorio de Baza, y desde entonces, su entusiasmo, su trabajo infatigable y su amor por la música, siguen siendo un ejemplo para todos los que forman parte de este Concurso. Un ejemplo que anima a seguir creciendo, y a preparar con mayor ilusión la próxima edición.

Foto: Imagen de familia del Concurso y sus ganadores.

El CNDM y la Universidad de Salamanca presentan 26 conciertos para la temporada 18/19

El CNDM y la Universidad de Salamanca presentan 26 conciertos para la temporada 18/19

Publicado: octubre 2018

Como parte del programa CIRCUITOS del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presente en veintiocho ciudades españolas y catorce extranjeras

Repartidos en tres ciclos diferentes, recorrerán cuatrocientos años de música, del siglo XVII a XXI

Ricardo Rivero, rector de la Universidad de Salamanca, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical y Bernardo García-Bernalt Alonso, director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, han presentado en rueda de prensa la programación de sus ciclos musicales coproducidos, a través de su Servicio de Actividades Culturales, entre la Universidad de Salamanca y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura y Deporte) para el curso académico 2018-2019. En esta ocasión, además del ciclo “Salamanca Barroca”, que llega ya a su sexta edición, la comunidad universitaria y el público salmantino podrán disfrutar de dos series más: “La voz de los afectos” y “Beethoven actual”, alcanzando un total de 26 conciertos que abarcan músicas de los siglos XVII a XXI.

Salamanca Barroca

La sexta edición del ciclo “Salamanca Barroca” presentará 14 citas del 8 de octubre al 1 de junio de 2019. Europa Galante, la famosa agrupación dirigida y liderada desde el violín por Fabio Biondi, serán los encargados de la inauguración en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León con un programa monográfico dedicado a Vivaldi. Junto a la histórica versión de Biondi de Las cuatro estaciones, el más universal de los opus, se escucharán Gloria e Imeneo, protagonizado por dos de las grandes estrellas de la ópera barroca, Vivica Genaux y Sonia Prina, así como el Concierto para cuerdas en sol menor.

Una semana después, el lunes 15 de octubre, la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca dirigida por Pedro Gandía y con Alfonso Sebastián al órgano, ofrecerá Poéticas de la familiaridad con sendas sinfonías de Wilhelm Friedemann Bach y Franz Joseph Haydn, así como el Concierto para órgano en fa mayor de este último.

Las demás agrupaciones que conforman la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca también estarán presentes a lo largo de la temporada. El 17 de diciembre, con la soprano Dagmar Šašková y bajo la dirección de Sara Ruiz, el Consort de Violas da Gamba de la Universidad de Salamanca interpretará If Love is a sweet Passion: Música para soprano y consort de violas de Henry Purcell. Por su parte, la agrupación Concento de Bozes, bajo la dirección de Carlos Mena, interpretará el 18 de marzo de 2019 I canti d’il caro ‘Sassone’: Música vocal de Haendel en su estancia en Italia (1706-1710).

Ya en la primavera del año que viene, el 1 de abril, el Coro de Cámara y la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, bajo la dirección de Bernardo García-Bernalt Alonso, interpretarán Inchiodato languia l’eterno Amore:Música para la Pasión del Barroco italiano (1680-1705), con la mezzosoprano Marta Infante. Y, finalmente, como ya es costumbre en este ciclo, la Orquesta Barroca de la USAL será la encargada de dar cierre a la temporada. En esta ocasión, la aclamada mezzosoprano Ann Hallenberg y el conjunto liderado por Pedro Gandía interpretarán Dicha y desdicha de amor: Música escénica de Nebra y Haendel, dentro de #Nebra 2.5.0, programación del CNDM dedicada al 250 aniversario de la muerte del compositor español José de Nebra.

Dentro de la programación dedicada a José de Nebra se incluyen también los conciertos Es prodigio, es milagro de la agrupación Concerto 1700 con la soprano Aurora Peña y Daniel Pinteño en la dirección y el violín; De Durón a Nebra: Óperas y zarzuelas en la Corte española del siglo XVIII, a cargo del conjunto L’Apothèose, junto a la soprano Lucía Caihuela; la interpretación del Miserere de Nebra a cargo de María Espada, Marieanne Beate Kielland y Al Ayre Español, bajo la dirección de Eduardo López Banzo; y el concierto extraordinario de La Grande Chapelle y Schola Antiqua en el que, bajo la dirección de Alberto Recasens y Juan Carlos Asensio, reconstruyen el Oficio de Vísperas del Común de los Santos y de la Virgen, también conocidas como Vísperas de Confesores, que el compositor barroco escribió en 1759.

Completan el ciclo Les Paladins con el concierto titulado Heroínas, en el que la soprano Sandrine Piau interpretará, bajo la dirección de Jérôme Correas, arias cantadas por algunas de las heroínas de las óperas escritas por George Frideric Haendel. Antonio Florio y su Capella Neapolitana interpretarán música de Pietro Marchitelli, Michelle Mascitti, así como de Alessando y Domenico Scarlatti. Por su parte, el conjunto Café Zimmermann hará lo propio con música de Heinrich Ignaz Franz von Biber, Johann Heinrich Schmelzer y Johann Jakob Froberger. Como colofón y en colaboración con la Catedral de Salamanca, los organistas Pablo Márquez y Atsuko Takano ofrecerán el concierto extraordinario Dos órganos y cuatro manos.

“Salamanca Barroca” continúa también su apuesta educativa con tres cursos de interpretación barroca y dos clases magistrales impartidas por Carlos Mena y organizadas por la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca. Los interesados en estos cursos pueden cosultar toda la información en la página web

http://sac.usal.es/index.php/academia-de-musica-antigua

La voz de los afectos

Junto a la programación de “Salamanca Barroca”, y coincidiendo con el VIII Centenario de la Universidad de Salamanca, nace el ciclo “La voz de los afectos”, tres conciertos de música vocal de los siglos XVII a XX programados del 15 al 27 de noviembre en el Aula Salinas de las Escuelas Mayores de la USAL. El primer concierto correrá a cargo del barítono José Antonio López y el pianista Vicente David Martín para interpretar Winterreise de Franz Schubert, posiblemente el ciclo de lied más conocido del genio austriaco. En el segundo concierto, la soprano Alicia Amo y el Cuarteto Granados se centrarán en obras de Anton Webern, Aribert Reimann, Felix Mendelssohn y Arnold Schoenberg y, como clausura, el contratenor Carlos Mena dirigirá a la Capilla Santa María en un homenaje a tres pilares de la música inglesa: Henry Purcell, Ralph Vaughan Williams y Benjamin Britten.

Beethoven Actual

La programación coproducida por la Universidad de Salamanca y el Centro Nacional de Difusión Musical añade este año a su apuesta salmantina “Beethoven actual”, proyecto pianístico que une las 32 Sonatas de Ludwig van Beethoven junto a los 18 estudios para piano de György Ligeti y el reestreno de nueve obras encargadas por el CNDM a compositores españolesactuales pertenecientes a distintas generaciones y estéticas, como son Francisco Lara (Étude d’Oiseaux), José Luis Greco (Study in Stride), Armando Alfonso (Juego de tresillos), Ramón Paus (Estudio para Uracilo, un príncipe genómico), Ricardo Llorca (Cavatina), Carles Guinovart (Toccata ‘Al-Ándalus’), Jesús Rueda (Sonata nº 3 ‘Upon a Ground’), Gustavo Díaz-Jerez (Metaludios) y José Menor (New Crossroads for piano).

Los recitales, en el Auditorio de la Hospedería de Fonseca entre enero y mayo de 2019, tendrán como intérpretes a Eduardo Fernández (sonatas 10, 11 y 18 y los estudios 4 y 18), Judith Jáuregui (sonatas 2, 4, 13 y 25 y los estudios 11 y 12), Gustavo Díaz-Jerez (sonatas 3, 9, 12 y 27 y los estudios 5 y 14), Daniel del Pino (sonatas 1, 6, 7, 19 y 20 y los estudios 1 y 13), Javier Negrín (sonatas 5, 15 y 30 y los estudios 3 y 16), Alba Ventura (sonatas 14, 17 y 23 y los estudios 6 y 10), José Menor (sonatas 8, 24, 26 y 32 y los estudios 9 y 17), Carmen Yepes (sonatas 21, 28 y 31 y los estudios 2 y 8) y Miguel Ituarte (sonatas 16, 22 y 29 y los estudios 7 y 15).

http://www.cndm.mcu.es/

Foto: Ricardo Rivero, rector de la Universidad de Salamanca, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical y Bernardo García-Bernalt Alonso, director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, durante la firma de la nueva temporada.
Crédito/Foto de Salamanca24horas.com

 

Las cuatro estaciones de Fabio Biondi: Vivaldi revolucionado

Las cuatro estaciones de Fabio Biondi: Vivaldi revolucionado

Publicado: octubre 2018

El domingo 7 de octubre, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo UNIVERSO BARROCO en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con el violinista Fabio Biondi y su conjunto Europa Galante, que interpretarán un programa monográfico sobre Vivaldi encabezado por su obra más reconocida por el gran público y un clásico ya dentro de su extenso repertorio, Las cuatro estaciones. Completan el programa la infrecuente Gloria e Imeneo, serenata escrita también en 1725 para las bodas de Luis XV que acercó a Vivaldi al estilo de la música francesa, en esta ocasión protagonizada por dos de las grandes estrellas actuales de la ópera barroca, las mezzosopranos Vivica Genaux y Sonia Prina, así como el Concierto para cuerdas en sol menor.

Las cuatro estaciones más esperadas

Fabio Biondi fue uno de los pioneros, hace ya un cuarto de siglo, de la eclosión mundial de la interpretación de la música barroca. Desde entonces, Biondi y su grupo Europa Galante, se han convertido en el conjunto italiano especializado en música antigua más premiado y famoso del panorama internacional. La especial relación que les une a Vivaldi nació con su primer disco (de la editorial Yolanta Skura en 1991), en el que grabaron una versión muy personal de Las cuatro estaciones del maestro veneciano un año después de formarse como grupo, grabación que obtuvo un gran éxito de público. Esa nueva visión mostraba a Vivaldi como un músico revolucionario que experimentaba con el sonido y la armonía. Diez años después, volvieron a recogerlas en otro proyecto discográfico para el sello Virgin, la opus 8 completa, Il Cimento dell’armonia e dell’inventione, que incluye un total de doce conciertos cuyos cuatro primeros son Las cuatro estaciones. El domingo volverán a presentar su histórica versión llena de audacia, color y contraste que ha marcado una tendencia en su género y a demostrar que el grupo sigue estando en la vanguardia de este concepto interpretativo. Casi tres décadas después, con otra grabación entre medias que supuso una vuelta de tuerca más sobre el género, aquella mirada podrá contrastarse con esta nueva interpretación en Madrid.

Las localidades ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en la web www.entradasinaem.es y en el teléfono 902 22 49 49, con precios que van de los 15€ a los 40€. Para animar al público a descubrir esta recuperación histórica, desde una hora antes del inicio del concierto se podrán adquirir en las taquillas del Auditorio las entradas de Último Minuto con un descuento del 60% para menores de 26 años y desempleados (localidades desde 6 euros). 

http://www.cndm.mcu.es/es/universo-barroco/europa-galante/domingo-7-octubre-2018-1900 

La revista RITMO de octubre

La revista RITMO de octubre

Publicado: octubre 2018

Con el otoño ya entre nosotros, presentamos la revista RITMO de OCTUBRE de 2018, que ya está disponible en su número 922 (#Ritmo922) y que anuncia en breve la que será nuestra revista de 90 años, el próximo mes de noviembre. En el editorial de octubre hablamos sobre “La profesionalización musical”, ya que, para la mayoría de nuestros músicos, se basa necesariamente en el marco del pluriempleo.

En portada tenemos al director de orquesta Karel Mark Chichon, titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, con la que acaba de inaugurar temporada con la Sinfonía Resurrección de Mahler.

Igualmente entrevistamos a Mariella Devia, la regina del belcanto, coincidiendo con su regreso al Teatro Real, donde ofrecerá un recital el 28 de octubre. Y profundizamos en la relación nacionalista entre Dvorák y Erben, así como sobre el compositor Paul Hindemith.

En nuestra sección de crítica, incluimos tres secciones: conciertos, con la actualidad nacional e internacional; ópera, desde los coliseos más importantes del mundo y españoles, también atendiendo a los inicios de temporada de los principales teatros; y crítica de discos, en pequeño y amplio formato. Nuestros discos recomendados del mes vienen capitaneados por irrepetible Haydn de Leonard Bernstein en DVD.

Todos estos contenidos, además de la actualidad con pequeñas entrevistas, noticias, reportajes y las secciones de opinión como “Las Musas”, “Contrapunto”, “El laúd de Vermeer”, “Mesa para 4”, “Tribuna libre”, “Doktor Faustus” y “El estudio de Andrea”, firmado por prestigiosos críticos nacionales e internacionales, forma parte del completo número de OCTUBRE de RITMO.

www.ritmo.es

El Cuarteto Quiroga y Javier Darias, Premios Nacionales de Música 2018

El Cuarteto Quiroga y Javier Darias, Premios Nacionales de Música 2018

Publicado: octubre 2018

El jurado ha reconocido al Cuarteto Quiroga “por ser uno de los conjuntos de cámara más singulares de la nueva generación”

Javier Darias destaca por “la calidad y solidez de su obra, por su dilatada trayectoria en el ámbito de la creación y por su importante faceta de investigador musical”

El Cuarteto Quiroga, en la modalidad de Interpretación, y Javier Darias, en la modalidad de Composición, han sido galardonados hoy con los Premios Nacionales de Música correspondientes a 2018. Estos premios, que concede anualmente el Ministerio de Cultura y Deporte, están dotados con 30.000 euros cada uno.

El jurado ha resuelto conceder el premio al Cuarteto Quiroga, “por ser uno de los conjuntos de cámara más singulares de la nueva generación” y “por su implicación en la difusión de la música actual, en especial de la creación española”.

Asimismo, el jurado ha destacado “su significativa labor docente y su proyección internacional, que les ha llevado a los principales festivales y salas de conciertos de Europa y América, con proyectos de colaboración con artistas de la talla de Martha Argerich, Javier Perianes, Veronika Hagen o Valentin Erben”.

Por su parte, el jurado ha otorgado el premio a Javier Darias Payá “por la calidad y solidez de su obra, por su dilatada trayectoria en el ámbito de la creación, por su importante faceta de investigador musical con la publicación de significativos estudios en el entorno de las teorías escalísticas (Lepsis I, Lepsis II, Estudios y clasificación de los modos o Las transposiciones limitadas en la teoría escalística).

Asimismo, han valorado “su labor al frente de la Escuela de Composición y Creación Artística (ECCA), que acaba de celebrar su 30º aniversario, y en la que se han formado varias generaciones de compositores”.

Biografías

Interpretación 

El Cuarteto Quiroga –compuesto por los violinistas Aitor Hevia y Cibrán Sierra; el viola Josep Puchades y la chelo Helena Poggio– está considerado como uno de los grupos más singulares y activos de la nueva generación europea, internacionalmente reconocido por su fuerte personalidad como grupo y por sus interpretaciones audaces y renovadoras, con un repertorio que abarca desde el siglo XVIII hasta la actualidad.

El conjunto, que nació con la voluntad de rendir homenaje al gran violinista gallego Manuel Quiroga, se formó con los maestros Rainer Schmidt, Walter Levin y Hatto Beyerle, en la Escuela Reina Sofía, la Musikhochschule de Basilea y la European Chamber Music Academy (ECMA). En su estilo musical han influido también maestros como György Kurtág, Ferenc Rados, András Keller, Eberhard Feltz y Johannes Meissl.

Es un cuarteto habitual en las salas más importantes del panorama camerístico internacional, como la Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, el Frick Collection y el Lincoln Center de Nueva York, el Invalides de París, el Auditorio Nacional de Madrid o el alemán Heidelberger Frühling, entre otros.

El conjunto fue nombrado Cuarteto residente responsable de la colección de Stradivarius del Palacio Real de Madrid en 2014 y en las temporadas 2011-12 y 2012-2013 fue invitado como grupo residente en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid. El grupo, que tiene su residencia oficial en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid, ha desarrollado una intensa actividad concertística a lo largo de 2018, que le ha llevado a la String Quartet Biennale de Ámsterdam y a ciudades como Bélgica, Suiza, Alemania, Suecia, Canadá y Polonia, además de actuar en varias localidades españolas. En los próximos meses también tienen previstos conciertos en Holanda, Alemania, Inglaterra y Suiza.

Además de la vertiente interpretativa, los miembros del Cuarteto Quiroga ejercen la docencia de la música de cámara en distintas instituciones, como el Curso Internacional de Llanes o la Cátedra de Cuarteto y Música de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Aragón, y son invitados regularmente a impartir clases en la JONDE y en Conservatorios Superiores y Universidades de toda Europa, EE.UU. y América Latina.

El grupo ha recibido múltiples premios a lo largo de su trayectoria, como la Medalla de Oro del Palau de Barcelona (2006) o el Premio Ojo Crítico de RNE (2007). Asimismo, han sido premiados en concursos internacionales para cuarteto de ciudades como Burdeos, Pekín, Ginebra y París.

Más información: http://cuartetoquiroga.com/es/

Composición

El compositor Javier Darias (Alcoi, Alicante, 1946), artista de vocación multidisciplinar, fue discípulo de Patricio Galindo en Valencia y de Juan Hidalgo en Madrid y se formó como químico especializado en cerámica en el Departamento de Silicatos de la Facultad de Ciencias de Valencia.

Inició su carrera en los años 70, periodo en el que realizó la mayor parte de sus trabajos combinando diferentes manifestaciones artísticas (pintura, escultura, dibujo y collage, fotografía, nuevas grafías, instrumentos preparados…).

Desde 1988 ha colaborado en la creación de las orquestas Sinfónica de Asturias, con Edmond Colomer; Real Filarmonía de Santiago, con Helmuth Riling; Orquestra del Palau de les Arts de Valencia, con Lorin Maazel y las Sinfónicas de Tenerife y Galicia, con Víctor Pablo, con quien prosigue su labor como asesor para audiciones. Desde 2008 colabora con Eiji Oue en la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya.

Es académico numerario de la M.I. Academia de la Música Valenciana y académico correspondiente de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. Como docente ha sido profesor en numerosos cursos impartidos tanto en la Universidad de Salamanca, como en los conservatorios de Pamplona, Alicante y La Coruña, entre otros.

Sus investigaciones escalísticas, armónicas y formales están recogidas en su tratado Lêpsis (vol.I, 2006, y vol.II, 2010) y en las relativas al terreno acústico y al teórico y pedagógico, destaca su libro Una Carta a David Tudor (1992).

Sus composiciones orquestales y camerísticas están recogidas en nueve discos monográficos, y sus sinfonías han sido publicadas por la Ed. EMEC (Madrid), y grabadas por las orquestas Sinfónica de Tenerife, Galicia, RTVE y Royal Philharmonic Orchestra de Londres. Darias dirige la Escuela y el Colectivo de Compositores de la ECCA desde su fundación en 1987 y, desde 1996 a 2000, estuvo al frente, en Sevilla, del Aula de Composición Manuel de Falla de la Orquesta Joven de Andalucía (OJA).

Más información: http://lepsis-darias.blogspot.com/

Jurado

El jurado, presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel Toral, ha estado integrado por el director de la Quincena Musical de San Sebastián, Patrick Alfaya McShane; la directora de la Sección de Investigación de la Fundación Don Juan de Borbón, Alicia Lázaro Cadena; la compositora Elena Mendoza López; el gestor musical Antonio Moral Rubio; el director gerente de la Fundación Baluarte de Navarra, Félix Palomero González; la profesora e intérprete de guitarra Pilar Rius Fortea; la compositora y catedrática Teresa Catalán Sánchez (Premio Nacional de Música 2017 en la modalidad de Composición); la pianista Rosa Torres-Pardo Criado (Premio Nacional de Música 2017 en la modalidad de Interpretación) y Antonio Garde Herce, subdirector general de Música y Danza, quien ha ejercido como vicepresidente.

Premiados en ediciones anteriores

Los premiados en anteriores convocatorias han sido: Teresa Catalán (Composición) y Rosa Torres-Pardo (Interpretación) en 2017, Antoni Parera (Composición) y Juanjo Mena (Interpretación) en 2016, Alfredo Aracil (Composición) y María José Montiel (Interpretación) en 2015, María de Alvear (Composición) y Jordi Savall (Interpretación) (Renuncia) en 2014; Benet Casablancas (Composición) y Trío Arbós (Interpretación) en 2013; Jesús Torres (Composición) y Javier Perianes (Interpretación) en 2012, Alberto Posadas (Composición) y Orquesta barroca de Sevilla (Interpretación) en 2011.

www.mecd.es/artesEscenicas

Foto: Javier Darias Premio Nacional de Música 2018

Mikhail Pochekin, de gira con grandes orquestas rusas

Mikhail Pochekin, de gira con grandes orquestas rusas

Publicado: octubre 2018

El violinista ganador del Premio Nacional “Pablo Sarasate” en gira de conciertos con obras de Mendelssohn, Penderecki, Chausson, Ravel y Mozart

El violinista hispano-ruso Mikhail Pochekin estará de gira acompañado de grandes orquestas rusas durante el otoño de 2018. Interpretará obras de Mendelssohn, Penderecki, Chausson, Ravel y Mozart. Participará en el Festival Internacional Sofía Gubaidulina de Música Contemporánea “CONCORDIA” junto a su hermano Iván Pochekin (viola) con quien forma un dúo desde hace años, The Pochekin Brothers, del que existe un CD también, The Unity of Opposites, en el sello Melodiya para interpretar el Concerto Doppio para violín y viola de Penderecki.

El 2 de octubre, en Moscú, Mikhail Pochekin interpretará el Concierto para violín de Felix Mendelssohn en la sala Filarmonia-2 (Auditorio Rachmaninov) con la Orquesta Filarmónica de Moscú, recital que será retransmitido en directo a partir de las 18:00 en el siguiente enlace:

https://meloman.ru/videos/online/filarmonia-2/.

El miércoles 31 de octubre, en Kazán, los hermanos Pochekin debutarán en el Festival Internacional Sofía Gubaidulina de Música Contemporánea con el Concerto Doppio para violín y viola de Krzysztof Penderecki. Estarán acompañados por la Orquesta nacional de Tatarstán dirigida por Alexander Sladkovsky, el vibrante creador del “milagro de Kazán” (Enlace: http://en.tatarstan-symphony.com/calendar/show/359).

En noviembre, Mikhail Pochekin regresará a la capital rusa para tocar con la la Orquesta Sinfónica Estatal de Rusia "Evgeny Svetlanov” dirigida por Dimitris Botinis. Este recital se ofrecerá el viernes día 2 en el Auditorio Chaikovski de Moscú y Pochekin interpretará obras de los compositores franceses Ernest Chausson (Poeme) y Maurice Ravel (Tzigane). El concierto será retransmitido por vídeo en directo a las 18:00 de ese día en www.meloman.ru.

Diez días más tarde, el lunes 12 de noviembre, el mismo Auditorio Chaikovski de Moscú acogerá un recital de Ivan Pochekin (viola) y Mikhail Pochekin (violín) acompañados por la Orquesta Nacional Rusa dirigida por Vassily Sinaisky. En esta ocasión la obra elegida por los hermanos Pochekin es la Sinfonia Concertante para violín y viola de Mozart. El concierto será retransmitido en directo a las 18:00 en www.meloman.ru

Los hermanos Pochekin tienen una larga trayectoria como duo. Para quienes deseen verlos en acción, aquí un enlace al vídeo del Concierto doble para violín y viola en mi menor op. 88 de Max Bruch (1838-1920) con la Orquesta Filarmónica de Moscú dirigida por Dimitris Botinis:

https://youtube.com/watch?v=dVeDUjhyRw0

 

CRÍTICA – Jorge Pardo & Hippocampus. Del Barroco al Flamenco

CRÍTICA – Jorge Pardo & Hippocampus. Del Barroco al Flamenco

Publicado: octubre 2018

(Madrid – Sala Galileo Galilei)

Vivimos en un mundo lleno de contradicciones, una época de cambios, parámetros y valores que como poco aún están por definir. Hay veces en las que encontrar la correcta contradicción puede elevar nuestra mente y enriquecer nuestro espíritu. Quien como yo tuviese la suerte de visitar la sala Galileo Galilei el día 28 de septiembre de 2018, se vería sumido en una de estas encantadoras contradicciones, como es evocar la atmósfera de un antiguo salón de la aristocracia europea del siglo XVIII dentro de uno de los templos del rock de la capital madrileña.

Tras una breve pero intensa espera que va poniendo en “fuga” las ganas del público, por fin el flautista Jorge Pardo acompañado del grupo Hippocampus aparecen sobre el escenario y sin mas preámbulos comienza el concierto con la Obertura de la Suite en Sim BWV 1067, pieza que iremos visitando de forma recurrente a lo largo del concierto. Destaca el color que consiguen gracias a la combinación de sentimentales melodías de la flauta y las cuidadas voces intermedias de violines y chelo, todos siguiendo la estela de una misma idea estética que carga la interpretación de unidad y coherencia. Todo esto es construido sobre la enorme catedral armónica que levanta el clave, que termina por ser coronada con la obstinada pero elegante improvisación de la flauta, que magistralmente consigue traer antiguos modos exóticos y sonoridades flamencas del folclore andaluz, pero sin perturbar el orden, el dramatismo, y la esencia del estilo barroco.

Continua el concierto con el Trio de la Sonata en SolM BWV 1039, que comienza con unos sobrecogedores arpegios del clave que arrancan destellos de nostálgicos  pero cálidos colores, mientras que las sinuosas y cromáticas melodías del violín aportan momentos de dramática tensión que surgen al chocar con las melodías del chelo. Tras la cadencia entra un solo de Jorge con el sabor más flamenco de la noche, tras el solo entra el clave creando armonías que evocan luminosas catedrales y castillos encantados, esto sirve de transición para conducirnos al alegre Tema B de la Sonata. Mientras el clave y el contrabajo siguen construyendo el colosal edificio armónico, la viola crea una melodía que guía el discurso, la dirección y el fluir de la pieza. Jorge recoge motivos melódicos de la primera parte de la pieza y los fusiona con sus personales elementos traídos de ambientes frígios y dóricos. Llama a atención la forma peculiar que tiene Jorge Pardo de atacar las escalas, realiza estas de un modo tan vertiginoso que parecen glissandos. Llegamos a un final de la pieza en la que cadenciales destellos guitarrísticos de la flauta como si de una falseta flamenca se tratase, nos trasladan de los castillos a las callejuelas oscuras de la vieja España de candiles y faroles. De pronto estos momentos se desvanecen y ya no hay bruma, aparece el tema de la sonata en todo su esplendor, como si nada hubiese pasado y el flamenco no hubiese venido a visitarnos.

Pasamos ahora por un arreglo de la Suite Para Chelo Número 1 de Bach BWV 1007, de la cual destaca el magnífico contrapunto conseguido con la alternancia de motivos entre el chelo y el clave. Continúa la parte en Sol m, de la que destacamos los estrechos que se crean cuando la flauta dialoga con el chelo fusionando así el Bach más puro con el sabor flamenco, dando como resultado un ligero tinte polimodal gracias a la creación de acordes de sexta añadida al coincidir la tónica con las notas de la flauta improvisadas sobre escalas pentatónicas.

A continuación llegamos al momento más “purista” de la noche con la interpretación del Aria de las Variaciones Goldberg BWV 988 que realiza el clave. Podemos apreciar una interpretación magistral, emocionante, sensible y cargada de luminosidad. De pronto al clave se suman de las cuerdas, creando un ambiente de alegría y felicidad que la flauta no se atreva a romper, solo enarbola unas pocas notas en el momento adecuado trazadas sobre a escala de sol mayor pivotando sobre el III y VII grado. Poco a poco este mundo mágico se va difuminando trayéndonos de vuelta a un lugar de pasiones terrenales con las melodías cada vez más sensuales de la flauta.

Cabe destacar la enérgica interpretación que el grupo Hippocampus realiza del Concierto de Brandemburgo Número 5 BWV 1050. Es fascinante cómo los violines aumentan la tensión  enfatizando notas que son como punzadas añadidas a la melodía del clave, casi con violencia y sangre pero sin perder la elegancia de esta pieza.  A esto debemos sumar el marcado carácter flamenco que adquiere la pieza cuando Jorge extrae de su flauta rasgueos guitarrísticos y quejíos propios del cante jondo, y los hilvana de forma natural a la pieza debido a su conocimiento del estilo y la estructura formal de la misma, respetando el protagonismo de las entradas de las voces de los demás instrumentos. Tras este despliegue de exotismo la pieza recupera el carácter barroco al viajar la flauta a un ambiente tonal.

Después de seguir alternando danzas de la Suite en Sim y de la Sonata en Sol M, cabe destacar la interpretación de la Polonesa de la Suite. Dicha pieza es de carácter marcial y un marcado rigor rítmico. En ella percibimos el paso firme sobre el que discurre la interpretación del grupo Hippocampus, al que se suma la flauta de Jorge Pardo realizando atrevidas piruetas, e incluso algún pasaje cadencial casi más cercano al período romántico. Realiza una interpretación expresiva y atrevida, que inyecta en la pieza alejándose  un poco del medido baile de sus compañeros.

Vivimos en un mundo de contradicciones, fusión y sinergias. Y desde luego propuestas como la que ofrecen Jorge Pardo junto con Hippocampus nos muestran que la música es la más viva de las artes al traer música del pasado, que lejos de resultar antigua encaja perfectamente con el gusto de la estética actual, y que es compatible respetar la tradición y la interpretación historicista con el ejercicio excavar en las raíces más profundas de la música para encontrar ramas comunes que pueden enlazar la obra de Bach con la más pura tradición flamenca. 

Juan Jiménez

Actuaciones en directo. Sala Galileo Galilei.
Obras: Suite orquestal en Si m para flauta y cuerdas BWV 1067 de Bach. Sonata en Trío en Sol M BWV 1039/1038 de Bach. Variaciones Goldberg (Aria) BWV 988 de Bach. Concierto de Brandemburgo núm. 5 BWV 1050 de Bach.
Interpretes: Jorge Pardo & Hippocampus. Dirección: Jorge Pardo y Alberto Martínez Molina.
Fecha: 28-09-18.
 

Foto: Jorge Pardo & Hippocampus.

Only the Sound Remains en el Teatro Real

Only the Sound Remains en el Teatro Real

Publicado: octubre 2018

El Teatro Real acoge el estreno en España de Only the Sound Remains, última ópera de Kaija Saariaho, una de las compositoras más reconocidas del panorama actual y ganadora en 2017 del premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA por su contribución a la música contemporánea. En una nueva producción del Teatro Real y la Opéra national de Paris, Philippe Jaroussky y Davone Tines dan vida a los simbólicos protagonistas de la ópera, una experiencia sensorial de tintes orientalistas. Peter Sellars firma la puesta en escena, en su regreso al Real tras sus aclamadas producciones de Iolanta y Perséphone, The Indian Queen y Tristán e Isolda.

Teatro nôh japonés

Con libreto de Ezra Pound y Ernest Fenollosa, está ópera está inspirada en el teatro nôh japonés. El nôh nació de la idea budista de que la Luz se esconde tras las Tinieblas para no cegar al común de los mortales. Saariaho destapa esta Luz oculta. Dos obras basadas en el nôh, Always Strong y Feather Mantle, sirven como fuente de inspiración a Only the Sound Remains, una obra en que el simbolismo sustituye a la acción, en un bello ejercicio de desbordante tensión. En Always Strong, el espíritu de un joven laudista se presenta ante un tribunal tras haber muerto en circunstancias violentas. Cuando aún vivía, su tañer era erótico y divino, pero ahora, ya fallecido, es incapaz de lograr el mismo efecto.

En Feather Mantle, un pescador encuentra una capa de plumas colgada en la rama de un árbol. Al tratar de llevársela a su casa, aparece un ángel celestial y le pide que se la devuelva. Inicialmente, el pescador se niega a hacerlo, pero el lamento del ángel al no poder volver al cielo sin la capa le conmueve y acaba prometiéndole devolvérsela si le muestra una de sus danzas. Él acepta y, danzando, asciende a los cielos. Detrás del laudista y del ángel, solo queda el sonido.

Esta ópera en dos partes fue estrenada en Ámsterdam el 15 de marzo de 2016. En este estreno en España, con nueva producción del Teatro Real, en coproducción con De Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam, la Canadian Opera Company de Toronto, la Opéra national de Paris y la Finnish National Opera de Helsinki, la dirección musical es de Ivor Bolton y las funciones comienzan el 23 octubre, prolongándose hasta el 9 de noviembre.

https://www.teatro-real.com/es/

Foto: Una escena de Only the Sound Remains en su estreno en Ámsterdam.
Crédito: © Ruth Walz

La London Symphony Orchestra inaugura la temporada de Ibermúsica

La London Symphony Orchestra inaugura la temporada de Ibermúsica

Publicado: octubre 2018

La orquesta más antigua de Londres y una de las agrupaciones sinfónicas más destacadas del mundo, la London Symphony Orchestra, inaugura la temporada 49 de Ibermúsica bajo la batuta de Nikolai Znaider y la actuación solista de Denis Kozhukhin. El violinista y la formación trabajan juntos habitualmente, mostrando una gran complicidad. Y si bien es cierto que ambos son habituales del ciclo, Znaider estará por primera vez en Ibermúsica en el podio. El broche de oro a esta apertura de temporada lo pondrá el pianista ganador del Concurso Queen Elizabeth en 2010, Denis Kozhukhin, que interpretará el Concierto n. 1 de Tchaikovsky. El programa se completa con una selección de Mi País, de Smetana (Vysehrad, Vlava, Šárka, Blanik).

El segundo concierto de la Sinfónica de Londres en Madrid cuenta con la dirección de Jaime Martín y la presencia del violinista Christian Tetzlaff. Martín, recién nombrado director musical de Los Angeles Chamber Orchestra, debuta con la London Symphony con un programa en el que se enlazarán tres obras de carácter enérgico y brillante con la danza como hilo conductor. Y es que el concierto se abrirá con Falla y El sombrero de tres picos, seguido por otro ballet como El pájaro de fuego de Stravinsky. Entre ellos, la Sinfonía española de Lalo con uno de los violinistas más solicitados del momento: Christian Tetzlaff.

London Symphony Orchestra / Nikolai Znaider & Jaime Martín
Solistas: Denis Kozhukhin (piano) & Christian Tetzlaff (violin)
Obras de Tchaikovsky, Smetana, Falla, Lalo y Stravinsky.
Martes, 16 de octubre, 19.30 hs /  Miércoles, 17 de octubre, 19.30 hs 
Auditorio Nacional de Música (Sala Sinfónica) 

http://www.ibermusica.es/es 

Foto: El que ha sido grandísimo violinista, Nikolai Znaider, es ahora uno de los directores jóvenes a seguir, que se presenta en Madrid con la London Symphony.
Crédito: Lars Gundersen

La gran obra de Schoenberg en la OCNE en octubre

La gran obra de Schoenberg en la OCNE en octubre

Publicado: octubre 2018

Compuestos a lo largo de más de una década, los Gurre-Lieder de Schoenberg se erigen como la extraordinaria muestra de una evolución personal que supuso una de las mayores revoluciones de toda la historia de la música. ¿Necesita la evolución de la violencia de la revolución para dar sus mejores frutos? Bueno, con Schoenberg se evidencia que sí. Nos encontramos ante una espectacular ¿cantata dramática? (lo cierto es que se hace difícil denominarla) que vuela desde el más voluptuoso postromanticismo wagneriano en la primera parte hacia un final ya de tintes mahlerianos, ciertamente atonalista.

Pensemos que para entonces Schoenberg ya había compuesto Erwartung o las Piezas para orquesta con su particular uso del cromatismo, y haciendo uso del sprechgesang. De lo lírico a lo teatral, a través de un entramado colosal de motivos y temas sostenido por una orquesta gigantesca, siempre cargada de sutilezas que hacen de esta una obra especialmente delicada a la hora de concebirla y plasmarla. Alguien ya dijo que los Gurre-Lieder son en realidad el cuarteto de cuerda más grande de la historia. No le faltaba razón.

Aunque su escucharon recientemente en los ciclo de la OCNE, ahora cuentan con un narrador de lujo, Thomas Quasthoff. Con la dirección al Coro y Orquesta Nacional de España y al Coro de la Comunidad de Madrid, David Afkham tendrá como solistas a Juliane Banse, Karen Cargill, Barry Banks, Simon O’Neill y Wilhelm Schwinghammer.

Coro y Orquesta Nacional de España / David Afkham
Thomas Quasthoff, Juliane Banse, Karen Cargill, Barry Banks, Simon O’Neill y Wilhelm Schwinghammer
Gurre-Lieder de Schoenberg
Auditorio Nacional, Madrid, 19-21 de octubre 

http://ocne.mcu.es/ 

Foto: Thomas Quasthoff, un narrador de lujo en estos Gurre-Lieder.
Crédito: © Bernd Brundert 

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