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UAM continúa su temporada de conciertos con la actuación del virtuoso cellista Nicolas Altstaedt

UAM continúa su temporada de conciertos con la actuación del virtuoso cellista Nicolas Altstaedt

Publicado: abril 2018

El CSIPM – UAM continúa su temporada de conciertos con la actuación del virtuoso violonchelista Nicolas Altstaedt, quien ofrecerá su interpretación de la integral de las Suites para violonchelo solo de J. S. Bach.

Nicolas Altstaedt es uno de los instrumentistas más reconocidos por la creatividad y versatilidad de sus interpretaciones. Director artístico del Festival de Lockenhaus y de la Orquesta Austro-húngara Haydn, actúa regularmente en salas como Concertgebouw de Ámsterdam y Nueva York, Festival de Salzburgo, BBC Proms, etc. y cuenta con grabaciones para Hyperion y Channel Classics, entre otros.

Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música (CSIPM-UAM)
XLV CICLO DE GRANDES AUTORES E INTÉRPRETES DE LA MÚSICA 
NICOLAS ALTSTAEDT
Suites para violonchelo solo I-VI
J.S. Bach
Sábado 21 de abril, 19:00 h.
Auditorio Nacional de Madrid Sala de Cámara. 

Toda la actividad del Centro se puede seguir en 

http://eventos.uam.es/csipm 

Foto: Nicolas Altstaedt (foto de Marco Borggreve).

TEATRO REAL: Temporada 2018 – 2019

TEATRO REAL: Temporada 2018 – 2019

Publicado: abril 2018

Continúan las celebraciones del Bicentenario con una programación que incorpora nuevos títulos al repertorio del Teatro Real

Quince títulos, diez nuevas producciones 

El Teatro Real presenta una programación que crece en títulos y diversifica su apuesta cultural, con ambiciosas coproducciones y la presencia de nombres de referencia en el panorama lírico actual, tanto en el plano musical como en el escénico. 

Siete títulos se incorporan al repertorio del Teatro Real: La Calisto, de Francesco Cavalli; Dido & Aeneas, de Henry Purcell; Capriccio, de Richard Strauss; La peste, de Roberto Gerhard; Com que voz, de Stefano Gervasoni; Only the Sound Remains, de Kaija Saariaho y un estreno absoluto, Je suis narcissiste, de Raquel García-Tomás. 

La temporada incluye diez nuevas producciones, en coproducción con algunos de los teatros más destacados del panorama lírico mundial, de las que siete se estrenarán en la temporada del Teatro Real. 

Los nombres más prestigiosos de la dirección de escena mundial con David Alden, Robert Carsen, Christof Loy, Àlex Ollé, Laurent Pelly, Peter Sellars y Robert Wilson, entre otros. 

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, estará al frente de las óperas de Francesco Cavalli, La Calisto; W.A. Mozart, Idomeneo, y Kaija Saariaho, Only the Sound Remains. 

Pablo Heras-Casado, principal director musical invitado, será el responsable de un nuevo y ambicioso proyecto de El anillo wagneriano, con dirección de escena de Robert Carsen, que dará comienzo en enero de 2019 con El oro del Rin  y continuará durante las próximas tres temporadas. 

Turandot, de Giacomo Puccini, se escuchará bajo la batuta de Nicola Luisotti, director musical asociado, con una producción que llevará el sello inconfundible de Robert Wilson en su parte escénica. 

La programación de ópera incluye el estreno absoluto de la ópera bufa Je suis narcissiste, de la compositora Raquel García-Tomás, con libreto de Helena Tornero, con el que el Teatro Real prosigue su  apoyo a los nuevos creadores españoles. 

Se incrementa la temporada de danza con cinco compañías presentes en la programación: el Ballet am Rhein de Düsseldorf y Duisburg, la Compañía Nacional de Danza, el Ballet de l’Opéra national de Paris, Sasha Waltz & Guests y el Víctor Ullate Ballet. 

Seis grandes cantantes forman el ciclo Las voces del Real: Mariella Devia, Max Emanuel Cencic, Bryn Terfel -en el que será su debut en el Teatro Real-, José Bros, Matthias Goerne y Sonya Yoncheva. 

‘Los domingos de cámara’, interpretados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real estarán presentes una vez más con programas temáticos relacionados con los títulos, las estéticas musicales y los compositores de la temporada. 

’El Real Junior’ crece, junto a su público más joven, con siete espectáculos -dos más que en la presente temporada, seis de los cuales serán nuevas producciones-, el ciclo familiar ‘Todos a la Gayarre’y la recuperación de los Talleres de verano. 

’Realízate’, el programa de formación del Teatro Real, incluirá dos nuevos cursos de introducción a la ópera, además de los ya consolidados en su programa, como ‘La ópera al descubierto’, los ‘Cursos monográficos’ o ‘La Universidad a escena’, para atender la creciente demanda de los nuevos públicos. 

Se afianza la colaboración con las principales instituciones culturales del país, a las que se suman otras nuevas, con una nutrida agenda de actividades paralelas en torno a las óperas que conforman la nueva temporada.

Se ofrecerán 27 categorías de abonos para todos los públicos: 13 abonos de ópera, 4 abonos de danza; 2 modalidades de abonos de conciertos y recitales; 3 tipos de abonos familiares para funciones infantiles y juveniles; 2 abonos Joven (para menores de 30 años), 1 abono de Ópera en Cine, y 1 modalidad de abonos, abono Selección, con dos turnos, compuesto por 2 óperas y 1 espectáculo de danza. 

Habrá 200 abonos para jóvenes con descuentos de 80% (menores de 30 años) y 60% (menores de 35 años). 

El Teatro Real refuerza su proyecto para acercar la ópera cada vez a más públicos gracias a las retransmisiones de títulos populares en plazas, auditorios, museos, centros culturales y ayuntamientos de toda la geografía española y, con el apoyo de las nuevas tecnologías, a través de las redes sociales y su plataforma de internet Palco Digital, así como la retransmisión vía satélite a numerosos puntos del planeta. 

Palco Digital, la plataforma de internet del Teatro Real, amplía horizontes y desarrolla nuevos proyectos, con importantes coproducciones para televisión y DVD con los títulos más destacados de la programación: Faust, Turandot, El oro del Rin, Idomeneo y Falstaff, además de la retransmisión en cines e instituciones culturales de España, Europa, Latinoamérica, China y Japón 

El Teatro Real culminará la celebración de los 200 años de su fundación con la Temporada 2018-2019, cuya programación crece con una mirada hacia el pasado y un paso firme hacia el futuro, completando una parte de su proyecto artístico y asumiendo nuevos retos e iniciativas capaces de seducir a todos los públicos. El sueño que nacía en 2016 con el afán de recuperar y aumentar el repertorio, abrirse a nuevos públicos y diversificar la oferta cultural, ve cumplidas muchas de sus expectativas.

Quince títulos de ópera vertebran la nueva programación, diez de ellos nuevas producciones, tres producciones invitadas y dos en versión de concierto. Grandes compositores junto a los que hacer un recorrido histórico desde el siglo XVII hasta el siglo XXI, acompañados por las mejores voces de la actualidad, los más prestigiosos directores de escena y el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real, además de formaciones barrocas de gran trayectoria como la Orquesta Barroca de Sevilla, Akademie für Alte Musik Berlin y el Vocalconsort Berlin. 

Las tres batutas vinculadas al Teatro Real: Ivor Bolton, director musical, Pablo Heras-Casado, principal director musical invitado, y Nicola Luisotti, director musical asociado, reforzarán su presencia al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. El primero con dos títulos cuyos compositores forman parte de su repertorio más querido La Calisto, de Francesco Cavalli e Idomeneo, de W.A. Mozart, y un tercero contemporáneo, Only the Sound Remains, de Kaija Saariaho. El segundo, tras la magnífica acogida obtenida por su versión de El holandés errante de R. Wagner, se sumerge en la Tetralogía del compositor alemán, que comenzará el próximo mes de enero con El oro del Rin y se prolongará en las tres próximas. Y Nicola Luisotti dirigirá el título probablemente más popular de la Temporada, junto con Il trovatore y Faust, Turandot.

Dan Ettinger (Faust), Nacho de Paz (Com que voz), Christopher Moulds (Dido & Aeneas y La calisto), Daniele Rustioni (Falstaff) y Maxim Emelyanychev (Agrippina), Asher Fisch (Capriccio), Juanjo Mena (La peste), Maurizio Benini (Il trovatore), James Conlon (Giovanna de Arco) y Vinicius Kattah (Je suis narcissiste) serán los otros nombres destacados en la dirección musical.

Regresan al Teatro Real los nombres de referencia en la dirección escena. Àlex Ollé (La Fura dels Baus), en estrecha colaboración con Alfons Flores, será el responsable de abrir la Temporada 2018-2019 con su personal visión del Faust de Gounod, mito que ha abordado en numerosas ocasiones y desde distintas disciplinas, teatro y cine, y cuyo estreno en Amsterdam fue muy bien recibido por la crítica. Peter Sellars, querido y admirado por el público de Madrid, nos mostrará su premiada versión de la ópera Only the Sound Remains, de la compositora finlandesa Kaija Saariaho, inspirada en el teatro nôh japonés. Robert Wilson se enfrentará por primera vez a Turandot, en una nueva producción que verá la luz en el Real y que supondrá el regreso del título pucciniano veinte años después de su estreno en la primera temporada de la reapertura del Teatro Real.

Robert Carsen será el gran protagonista de la programación con su participación en dos producciones: Idomeneo, junto a Ivor Bolton, y el gigantesco proyecto del anillo wagneriano, que comenzará en 2019 con Das Rheingold con Pablo Heras-Casado en la dirección musical. David Alden prosigue su estrecha colaboración con el Real con el delicioso barroco de La Calisto y Laurent Pelly pondrá su sentido del humor, bien conocido y querido por el público del Teatro Real, para la última ópera verdiana, Falstaff.

Oscar García Villegas, en Com que voz; Marta Pazos para Je suis narcissiste; Christof Loy en el estreno de Capriccio en el Real; Justin Way en La peste y Francisco Negrín con Il trovatore, completan la nómina de directores de escena en ópera de la nueva temporada.

El Teatro Real contará con la participación de dos salas de referencia del ámbito teatral de Madrid. Por un lado, el estreno absoluto de la ópera Je suis narcissiste, con marcado acento femenino – composición de Raquel García-Tomás, libreto de Helena Tornedo y dirección de escena de Marta Pazos- se realizará en colaboración con el Teatro Español. Por otro, el estreno en España de Com que voz, de Stefano Gervasoni, tendrá lugar en Naves Matadero.

La temporada de danza crece con la presencia de cinco compañías en su programación: el Ballet am Rhein de Düsseldorf y Duisburg, hará su presentación en el Teatro Real  con una coreografía que explora y arriesga, de enorme fuerza visual y musical, inspirada en el Réquiem alemán de Brahms; La Compañía Nacional de Danza, regresará para mostrarnos su lado más clásico con una nueva adaptación de El cascanueces desde la mirada de José Carlos Martínez; el Ballet de l’Opéra national de Paris ofrecerá un programa compuesto por cinco coreografías, entre la tradición y la modernidad, firmadas por George Balanchine y Jerome Robbins. Sasha Waltz & Guests, hermanará música, ópera y danza, traspasando los límites convencionales, para hacer una inspiradora versión de la ópera Dido & Aeneas, y el Víctor Ullate Ballet celebrará el 30º aniversario de la compañía con la presencia de grandes figuras de la danza formadas por el maestro aragonés.

El compromiso con los más jóvenes, recogido en la programación de ’El Real Junior’, se afianza tanto en el aspecto lúdico como formativo. Se ofrecerán siete espectáculos, uno más que en la presente temporada, cinco de los cuales serán nuevas producciones, con la participación de grandes nombres como el polifacético Luis Piedrahita, la compañía de títeres La Maquiné -ganadora de un premio Max- o el reputado director de escena Tomás Muñoz, además de la colaboración de la Orquesta Titular del Teatro Real y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid. Continúa asimismo la colaboración con Fernando Palacios, tanto en la presentación de conciertos como en el ciclo ’Todos a la Gayarre’.  Algunos de estos espectáculos podrán verse a través de Palco Digital en centros de las seis comunidades autónomas con las que el Teatro Real tiene suscritos acuerdos de colaboración: Cantabria, Castilla y León, Castilla-La Mancha, Murcia, Andalucía y Comunidad de Madrid.

Se inauguran los Talleres de verano para niños del Real Junior, continúa el proyecto LOVA (La ópera un vehículo de aprendizaje) y se consolida el curso ‘La Universidad a escena’. Junto a estos cursos, y ante la creciente demanda de los nuevos públicos, nacen dos nuevos cursos de introducción a la ópera que se sumarán a los ya existentes: ‘La ópera al descubierto’ y los ‘Cursos monográficos’.

Palco Digital, la plataforma de internet del Teatro Real, amplía horizontes y desarrolla nuevos proyectos. En la nueva temporada se llevarán a cabo importantes coproducciones para televisión y DVD con los títulos destacados de la programación: Faust, Turandot, El oro del Rin, Idomeneo y Falstaff, además de la retransmisión en cines de España, Europa y Latinoamérica de títulos de otras temporadas como El holandés errante, Madama Butterfly, La traviata, Billy Budd, o la nueva Faust. Todo ello sin olvidar los ciclos de retransmisiones a ayuntamientos, comunidades autónomas e instituciones culturales a nivel nacional y los previstos en el ámbito internacional en países como China y Japón. 

El Teatro Real refuerza su proyecto para acercar la ópera cada vez a más públicos gracias a las retransmisiones de títulos populares en plazas, auditorios, museos, centros culturales y ayuntamientos de toda la geografía española y, con el apoyo de las nuevas tecnologías, a través de las redes sociales. Se llevará a cabo una nueva edición de la Semana de la ópera y cerrará la temporada, un año más, la celebración del Universal Music Fesival en la que será su quinta edición. 

LA TEMPORADA EN NÚMEROS 

  • La temporada artística 2018-2019 cuenta con un presupuesto de 30.200.000 euros. 
  • Se ofrecerán un total de 244 funciones: 115 funciones  de ópera repartidas entre 15 títulos;  17 funciones de danza;  6 conciertos y recitales líricos;  97 funciones para el público infantil y juvenil;  6 conciertos de ‘‘Los domingos de cámara’’ y proyecciones de ‘Ópera en Cine’. 
  • Entre las 15 óperas programadas habrá 1 estreno absoluto, estrenos en España, y 7 títulos se incorporarán al repertorio del Teatro Real. 
  • Habrá 10 nuevas producciones del Teatro Real (en coproducción con otros teatros), 3 producciones invitadas y 2 óperas en versión de concierto 
  • Participan en la programación de danza compañías de reconocido prestigio.   
  • Conforman la programación infantil y juvenil de ‘El Real Junior’ 7 producciones concebidas para diferentes edades (6 nuevas producciones y reposición), 9 talleres musicales ¡Todos a la Gayarre! y retransmisiones de los espectáculos en centros escolares y cines de toda España. 
  • Se impartirán cursos monográficos y talleres en el marco del Programa de Formación del Teatro y más de 100 alumnos de las 30 instituciones de enseñanzas universitarias y artísticas que participan en el proyecto ‘Universidad a Escena’, cuyos alumnos conocerán el funcionamiento del Teatro Real y la realización de una ópera de la mano de sus profesionales y artistas. 
  • Se ofrecerán más de 60 actividades gratuitas que incluyen exposiciones, coloquios y conferencias en el Teatro Real y en instituciones culturales de Madrid en torno a las distintas producciones de la temporada, así como retransmisiones de ópera en directo en plazas, cines, auditorios, y centros culturales y escolares de toda España. 

    Abonos y localidades
     

  • Se ofrecerán 27 categorías de abonos para todos los públicos: 13 abonos de ópera (compuestos por selecciones de entre 5 y 11 títulos de ópera por abono), abonos de danza; modalidades de abonos de conciertos y recitales; 3 tipos de abonos familiares para funciones infantiles y juveniles; 2 abonos Joven (para menores de 30 años), 1 abono de Ópera en Cine, y abonos Selección compuestos por 2 óperas y 1 espectáculo de danza. 
  • Habrá 200 abonos para jóvenes con descuentos de 80% (menores de 30 años) y 60% (menores de 35 años). 
  • Habrá cerca de 300.000 localidades disponibles, incluyendo entradas sueltas y abonos 
  • Los menores de 30 años podrán disfrutar de una Tarifa plana de 19 euros en las localidades de ópera de ‘último minuto’, incluyendo las funciones de estreno; y 90% de descuento en el resto de espectáculos para menores de 30 años, también en localidades del ‘último minuto’. Los jóvenes de entre 30 a 35 años, tendrán un 60% de descuento en entradas de último minuto.
     

TÍTULOS QUE SE INCORPORAN AL REPERTORIO DEL TEATRO REAL   

La Calisto, de Francesco Cavalli (1602-1676).
Una de las obras más divertidas del barroco, satírica y llena de enredo, redescubierta en la actualidad, a cuyo frente estará Ivor Bolton, especialista en música barroca y director musical del Teatro Real. Interpretada por la Orquesta Barroca de Sevilla junto a un doble reparto en el que destacan las voces de las sopranos Anna Devin y Louise Alder, las mezzosopranos Monica Bacelli y Teresa Iervolino y los contratenores Time Mead y Xavier Sabata, en una producción procedente de la Bayerische Staatsoper de Múnich concebida por David Alden.

Dido & Eneas, de Henry Purcell (1659-1695).
Será la primera versión escenificada completa de este título en el Teatro Real. Música y danza convivirán en un espectáculo diseñado por Sasha Waltz para su compañía, cuya dirección musical estará a cargo de Christopher Moulds al frente de la Akademie für Alte Musik Berlin y el Vocalconsort Berlin.

Capriccio, de Richard Strauss (1864-1949).
Asher Fisch en la dirección musical y Christof Loy en la dirección de escena, llevarán a cabo el estreno en el Teatro Real de la última ópera del compositor alemán con una nueva producción que se presentará en el escenario madrileño en coproducción con la Opernhaus de Zurich y la Göteborg Opera.

La peste, de Roberto Gerhard (1896-1970).
Basada en la obra homónima de Albert Camus, el autor español compone un oratorio en el que es responsable de música y libreto, y donde realiza una oscura reflexión sobre la naturaleza humana. La obra estará precedida por dos partituras de Benjamin Britten: Sinfonía da Requiem y el ciclo de canciones Les iluminations. El tenor británico Toby Spence será la única voz solista junto al Coro y Orquesta del Teatro Real bajo la dirección musical de Juanjo Mena. 

Com que voz, de Stefano Gervasoni (1962).
Estreno en España de esta experiencia musical que une ópera y fado, entrelazando las voces del barítono Frank Wörner y de Cristina Branco, intérprete de referencia en el fado actual: sonetos de Luis de Camões, fados de Amália Rodrigues y la colaboración de la Orquesta Titular del Teatro Real. 

Only the Sound Remains, de Kaija Saariaho (1952)
La premiada partitura de la compositora finlandesa reunirá en Madrid a dos aclamados artistas, Peter Sellars, en la dirección de escena, y el contratenor Philippe Jaroussky. Mística, profunda y misteriosa, la ópera nos empuja a una búsqueda interior a través de dos historias diferentes: Always Strong y Feather Mantle. 

Je suis narcissiste, Raquel García-Tomás (1984)
Primera colaboración del Teatro Real con el Teatro Español, en cuya sala tendrá lugar el estreno absoluto de esta nueva composición con libreto de Helena Tornedo y dirección de escena de Marta Pazos. Una divertida sátira contada y cantada en un ambiente de pura actualidad.  

NUEVAS PRODUCCIONES 

Faust, Charles Gounod (1818-1893)
Director musical: Dan Ettinger  
Dirección de escena: Àlex Ollé
Escenógrafo y diseñador de vídeo: Alfons Flores
Figurinista: Lluc Castells
IIuminador: Urs Schönebaum

Only the Sound Remains, de Kaija Saariaho (1952)
Director musical: Ivor Bolton     
Dirección de escena: Peter Sellars
Escenógrafa: Julie Mehretu
Figurinista: Robby Duivemann
Iluminador: James F. Ingalls

Com que voz, de Stefano Gervasoni (1962).
Director musical: Nacho de Paz
Director de escena: Óscar García Villegas
Escenógrafo: Marco Canevacci (Plastique Fantastique) 

Turandot, de Giacomo Puccini (1858-1924)
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena, escenógrafo e iluminador: Robert Wilson 

Idomeneo, de W. A. Mozart (1756-1791)
Director musical: Ivor Bolton
Director de escena: Robert Carsen
Escenógrafos: Robert Carsen, Luis Fernando Carvalho
Iluminadores: Robert Carsen, Peter Van Praet
Figurinista: Petra Reinhard 

Je suis narcissiste, Raquel García-Tomás (1984)
Director musical: Vinicius Kattah
Directora de escena: Marta Pazos
Escenógrafo: Fernando Ribeiro
Iluminador: Rui Monteiro 

Fasltaff, de Giuseppe Verdi (1813-191)
Director musical: Daniele Rustioni
Director de escena y figurinista: Laurent Pelly
Escenógrafa: Bárbara de Limbourg
Iluminadora: Duane Schuler 

Capriccio, de Richard Strauss (1864-1949).
Director musical: Asher Fisch
Directora de escena: Christof Loy
Escenógrafo: Raimund Orfeo Voight
Figurinista: Klaus Bruns
Iluminador: Franck Evin 

La peste, de Roberto Gerhard (1896-1970).
Director musical: Juanjo Mena
Director de escena: Justin Way
Concepto artístico y escenógrafa: Dora García 

Il trovatore, de Giuseppe Verdi (1813-191)
Director musical: Maurizio Benini
Director de Escena: Francisco Negrín
Escenógrafo y figurinista: Louis Desiré
Iluminador: Bruno Poet 

VOCES PARA UNA TEMPORADA
(Selección)

Sopranos

Maria Agresta, Maite Alberola, Louise Alder, Yolanda Auyanet, Eleonora Buratto, Malin Byström, Mariella Devia, Rebecca Evans, Anett Fritsch, Karina Gauvin, Hibla Gerzmava, Carmen Giannattasio, Lianna Harountounian, Ruth Iniesta, Raquel Lojendio, Marina Puértolas, Marina Rebeka, Nina Stemme, Irene Theorin y Sonya Yoncheva.

Mezzosopranos

Monica Bacelli, Daniela Barcellona, Maite Beaumont, Marie-Claude Chappuis, Joyce DiDonato, Marie-Nicole Lemieux y Ekaterina Semenchuk

Tenores

Piotr Beczala, José Bros, Eric Cutler, Michael Fabiano, Ismael Jordi, Gregory Kunde, Francesco Meli, Piero Pretti, Joel Prieto, Juan Sancho y Toby Spence; barítonos como Nicola Alaimo, Nikolai Borchev, Stéphane Degout, Plácido Domingo, Christof Fischesser, Matthias Goerne, Simone Piazzola, Dimitri Platanias, Borja Quiza, Artur Rucinski y Ludovic Tézier

Bajos

Ain Anger, Greer Grimsley, Luca Pisaroni, Erwin Schrott, Roberto Tagliavini, Bryn Terfel y Samuel Youn

Contratenores

Max Emanuel Cencic, Franco Fagioli, Philippe Jaroussky, Tim Mead y Xavier Sabata 

TEATROS COPRODUCTORES

Canadian Opera Company de Toronto, Opèra National de París, Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam, Finnish National Opera de Helsinki, Teatro Nacional de Lituania, Teatro Dell’opera Di Roma, Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas, Lyric Opera De Chicago, Opéra National de Burdeos,  Tokyo Nikikai Opera, Opernhaus de Zúrich, Göteborg Opera, Opéra de Monte-Carlo,  Royal Danish Opera De Copenhague, Naves Matadero - Centro Internacional De Artes Vivas, Ircam (Institut De Recherche Et Coordination Acoustique/Musique) de París, Casa da Música de Oporto, Òpera de Butxaca I Nova Creació, Teatro Español De Madrid y el Teatre Lliure de Barcelona.

Consultar online la Temporada 2018/19: Temporada

Vídeo de la Temporada 2018/19: Vídeo

http://www.teatro-real.com/

Foto:  Pablo Heras-Casado (principal director invitado),  Ignacio García-Belenguer (director general), Gregorio Marañón (presidente), Joan Matabosch (director artístico), Ivor Bolton (director musical)  
Crédito: Javier del Real

 

La Tonhalle Orchester Zürich celebra su 150 aniversario con 2 conciertos para Ibermúsica

La Tonhalle Orchester Zürich celebra su 150 aniversario con 2 conciertos para Ibermúsica

Publicado: abril 2018

Los días 18 y 19 de abril ofrecerán dos conciertos con su director titular, Lionel Bringuier y el destacado pianista Simon Trpčeski

La Tonhalle se ha convertido en una agrupación de referencia en los últimos años. No sólo por su altísimo nivel musical sino por el proyecto de acercamiento a públicos de diferentes edades en el que trabaja combinando música clásica y electrónica en algunas de sus citas u ofreciendo conciertos adaptados para adolescentes entre otras iniciativas.

En 2018 la orquesta celebra su 150 aniversario, un acontecimiento que están celebrado con varias giras por Asia y Europa. Tras un concierto en San Sebastián el 17 de abril aterrizarán en Madrid los próximos 18 y 19 dentro de la 48 temporada de Ibermúsica. La gira también pasará por Austria, Alemania y Francia.

La primera cita contará además con el destacado pianista macedonio Simon Trpčeski que interpretará el Concierto núm. 2 de Liszt en la primera parte. Trpčeski que ha debutado esta temporada en Beijing, Shanghái, Sídney y Adelaida; ha sido solista con las orquestas más importantes del mundo y los directores más destacados, y sus grabaciones para el sello EMI han recibido numerosos premios y elogios. La segunda parte del primer concierto ofrecido por la orquesta suiza y su director titular tendrá como protagonista a la sinfonía por excelencia de Berlioz: la rompedora Sinfonía Fantástica.

El jueves 19, orquesta y director presentan un programa enteramente orquestal en el que la formación demostrará su versatilidad interpretando tres grandes obras representativas de 3 periodos musicales con las que disfrutaremos de un paseo musical por el siglo XIX. En la primera parte se pondrán escuchar la Sinfonía núm. 4 de Beethoven (1806) y la Suite Peer Gynt de Grieg (1867). Tras el descanso la agrupación abordará las Variaciones Enigma de Elgar, obra escrita en 1899.

INTÉRPRETES

Tonhalle Orchester Zürich Dir. Tit.: Lionel Bringuier Solista: Simon Trpčeski 

PROGRAMA MIÉRCOLES 18

F. Liszt - Concierto para piano núm. 2
H. Berlioz - Sinfonía fantástica 

PROGRAMA JUEVES 19

L. v Beethoven - Sinfonía núm. 4, op. 60
---intermedio---
E. Grieg - Peer Gynt, suite núm. 1, op. 16
E. Elgar - Variaciones Enigma 

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 

Entradas a la venta en  www.entradasinaem.es ; 902 22 49 49 o directamente en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, a partir de 45 €. 

TONHALLE ORCHESTER ZÜRICH

Integrada por más de cien músicos de veinte países, interpreta cincuenta programas diferentes en más de cien conciertos cada temporada. 

Distinguidos solistas, como Joshua Bell, Rudolf Buchbinder, Alfred Brendel, Julia Fischer, Hélène Grimaud, Yuja Wang, Jean-Yves Thibaudet, Yo-Yo Ma, Lisa Batiashvili, Maria João Pires y Sabine Meyer, han colaborado con esta orquesta durante sus giras. Más de cuarenta CDs documentan su sólida reputación. Cabe destacar las sinfonías completas de Beethoven, Mahler, Brahms y Schubert y un álbum de Ravel. Sus conciertos son transmitidos regularmente por la SRF (Radio y Televisión Suiza), Radio Swiss Classic, Mezzo TV y Medici.tv. 

Ha establecido estrechas relaciones de colaboración con prestigiosos directores invitados como Herbert Blomstedt, Christoph von Dohnányi, Charles Dutoit, Bernard Haitink, Ton Koopman y Giovanni Antonini. Durante casi veinte años y hasta 2013–2014, David Zinman ejerció una decisiva influencia en la orquesta desde su puesto de director titular. Actualmente es director honorífico y siendo relevado como director titular por Lionel Bringuier desde la temporada 2014-2015. 

La Tonhalle Orchester recibido varios premios y distinciones, incluyendo el de la Crítica Discográfica Alemana (1999) por la integral de las sinfonías de Beethoven; Midem Classical Award (2007) por el Concierto para violín de Beethoven, con Christian Tetzlaff; Prix Choc de Le Monde de la Musique (2009) por la Sexta Sinfonía de Mahler; Echo Klassik (2011) por la Octava de Mahler; Symphonic Recording of the Year, 19th century o Record Academy Award (2014), en la categoría de mejor calidad de sonido discográfico, por La canción de la tierra. 

LIONEL BRINGUIER

Después de completar con honores sus estudios de violonchelo y dirección en el Conservatorio Nacional de París, dirigió numerosas e importantes formaciones ocupando el puesto de director residente de Los Angeles Philharmonic durante seis años. De 2009 a 2012, fue director titular de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Actualmente y desde la temporada 2014-2015 es director titular de la Tonhalle Orchester Zürich. 

Ha sido director invitado con la Filarmónica de Nueva York, Cleveland Orchestra, Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, Philharmonia Orchestra e Israel Philharmonic. 

En la presente temporada ha dirigido dos programas con la Orchestre National de Lyon y conciertos con la Gewandhausorchester Leipzig, Chicago Symphony Orchestra, Montreal Symphony Orchestra, Orquesta Radio Finlandia, Orquesrta de Radio Suecia, Sinfónica de Goteburgo y la Orquesta Filarmónica de Malasia.

 Dedica un gran interés a la música del siglo XXI habiendo estrenado obras de compositores como Kaija Saariaho, Marc-André Dalbavie, Magnus Lindberg, Rebecca Saunders y Esa-Pekka Salonen. 

Con tan sólo dieciocho años ganó el 49º Concurso de Jóvenes Directores de Besançon. También ha sido galardonado con la «Médaille d’or à l’unanimité avec les félicitations du jury à l’Académie Prince Rainier III de Monaco», «Médaille d’or» otorgada por el alcalde de Niza; el primer premio del Concurso Janáček de la Philharmonic Orchestra, en Ostrava; y otras distinciones de la Fundación Langart, de Suiza, y de la Fundación Cziffra. 

SIMON TRPČESKI

Simon Trpčeski se ha consolidado como uno de los músicos más notables que han surgido en los últimos años, reconocido por su compromiso de fortalecer la imagen cultural de Macedonia. 

Toca frecuentemente con orquestas como la London Symphony, City of Birmingham Symphony, Philharmonia, Royal Liverpool, London Philharmonic, Royal Concertgebouw Orchestra, Teatro del Bolshói, NDR de Hamburgo, DSO y RSO Berlin, WDR de Colonia, Real Filarmónica de Estocolmo, la Filarmonía de Oslo, Bergen, Goteburgo, Helsinki, San Petersburgo, National de France, EUYO, Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Chicago, Boston, Cleveland, Filadelfia, Pittsburgh, San Francisco o Los Angeles Philharmonic. 

Trpčeski ha trabajado con una larga lista de directores destacados: Maazel, Pappano, Petrenko, Ashkenazy, Dudamel, Dutoit, Jurowski, Oramo, Saraste, Dausgaard, Ticciati, Malkki, Nelsons, Urbanski, Hrůša, Slobodeniouk, Bringuier, Orozco-Estrada, Shani, Alsop y Noseda. También un excelente recitalista, ha realizado conciertos en solitario en Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, Washington D.C., Londres, París, Múnich, Hamburgo, Dublín, Lisboa, Praga y Tokio. 

En 2017/18, vuelve con San Francisco Symphony (Gardner), St. Louis Symphony (Robertson), CBSO (Sinaisky), Philharmonia (Urbanski), New Zealand Symphony   (Jaime   Martín)   y  Tonhalle  Orchester Zürich en gira (Bringuier). Tocará con la Sinfonica de Stavanger (Macelaru), el Teatro San Carlo (Valcuha), la BBC Scottish Symphony, la Tasmanian Symphony, Ulster Orchestra y la Filarmónica Eslovena (apertura de temporada y gira), entre otros. Otoño 2017 marca el inicio de una serie de actuaciones en Wigmore Hall como artista residente, exhibiendo un dúo con Daniel Müller Schott, así como el debut en Reino Unido de su proyecto "Makedonissimo" celebrando la música, cultura y la gente de su Macedonia natal. 

Sus  grabaciones  en  recital  para  el  sello  EMI  han recibido elogios generalizados. Su primera grabación,lanzada en 2002, presentó obras de Chaikovski, Scriabin, Stravinski y Prokófiev, y fue nombrado “Selección del Editor” y Mejor Álbum Debut en los Premios Gramophone. Después de los igualmente aplaudidos discos de EMI con música de piano solo de Rachmaninoff, Chopin y Debussy, su recital de marzo de 2012 en Wigmore Hall se lanzó en el sello "Wigmore Hall Live", e inmediatamente fue aclamado por The Telegraph como "CD clásico de la semana " Su recital de julio de 2014 en Wigmore Hall se lanzó también en la etiqueta "Wigmore Hall Live". Entre 2010 y 2011 grabó los cuatro conciertos de piano  de Rachmaninoff junto con la Rapsodia Paganini, con Petrenko y la Royal Liverpool Philharmonic para Avie en dos discos separados. 

Ambas grabaciones han sido reconocidas con distinciones de Classic FM, Gramophone "Selección del Editor" y Diapason d'Or. Después del igualmente exitoso disco de Conciertos de Chaikovski, su último CD es una grabación de los Conciertos para piano 1 y 3 de Prokófiev (septiembre 2017), galardonado de nuevo con un Diapason d'Or, con Petrenko y la Royal Liverpool Philharmonic. Con el apoyo especial de KulturOp, la principal organización cultural y artística de Macedonia, y el Ministerio de Cultura, Trpčeski trabaja regularmente con jóvenes músicos en Macedonia para cultivar el talento de la próxima generación de artistas del país. Más recientemente, en septiembre de 2011, se convirtió en el primer receptor del título de la Orden del Mérito y del título Artista Nacional de Macedonia. 

http://www.ibermusica.es/es 

Foto: Lionel Bringuier (foto de Simon Pauly).

Seis pianistas en la semifinal del 60º Concurso Internacional Premio “Jaén”

Seis pianistas en la semifinal del 60º Concurso Internacional Premio “Jaén”

Publicado: abril 2018

Por primera vez en la historia de este concurso, organizado por la Diputación Provincial de Jaén, los participantes interpretarán en esta tercera prueba eliminatoria obras de música de cámara, acompañados por el prestigioso Cuarteto Bretón

Seis pianistas actuarán el miércoles, 11 de abril, en la semifinal del 60º Concurso Internacional de Piano Premio “Jaén” organizado por la Diputación Provincial. A partir de las 11 horas, en el Nuevo Teatro Infanta Leonor, dará comienzo este miércoles la tercera prueba eliminatoria de este certamen a la que se han clasificado Jin-Hyeon Lee, Honggi Kim y Da Young Kim (Corea del Sur); Ran Feng (China); Jorge Nava Vásquez (España); y Shaun Choo (Singapur).

Por primera vez en la historia del Premio “Jaén” de Piano y con motivo de la celebración de sus bodas de diamante, los pianistas que van a tomar parte en esta tercera fase eliminatoria interpretarán obras de música de cámara, que habrán tenido que elegir entre un quinteto con piano de Franck, Brahms o Schumann, o bien, el quinteto número 2 en la mayor Opus 81, B.155, de Dvorak. Para ello, estarán acompañados por el prestigioso Cuarteto Bretón, con el que los seis semifinalistas tendrán la oportunidad de ensayar a lo largo de la jornada de mañana martes, 10 de abril, en el Nuevo Teatro Infanta Leonor de Jaén.

El pianista que destaque por su interpretación de la obra de música de cámara en esta fase eliminatoria será el ganador del nuevo galardón dedicado a este tipo de música que ha pasado a engrosar el catálogo de premios de este certamen pianístico, un galardón que ha sido creado con motivo de la 60ª edición del mismo y que está dotado con un total de 8.000 euros, aportados por la Diputación Provincial.

También en esta tercera prueba, los seis pianistas tendrán que interpretar una segunda pieza que será una obra de importancia pianística y editada internacionalmente que comprenda a compositores del siglo XX y XXI como Bartók, Janacek, Messiaen, Ligeti o Barber. En total, la intervención de cada uno de los participantes en esta semifinal no podrá exceder de los 60 minutos.

Asimismo, además de celebrarse la tercera prueba eliminatoria de esta 60ª edición, en la jornada de este miércoles dará comienzo el periplo del Premio “Jaén” de Piano por otros municipios de la provincia a través de distintos recitales en los que tomarán parte concursantes que, aunque no han accedido a la tercera prueba eliminatoria, han demostrado su calidad, a juicio del jurado. El primero de estos conciertos será el miércoles 11 en la Casa de la Cultura de Bailén, a las 20.00 horas, mientras que durante la jornada del jueves 12 de abril se celebrarán recitales en el Conservatorio Elemental de Música “Pep Ventura”, de Alcalá la Real –a las 19.00 horas–; y, a partir de las 20.00 horas, en los conservatorios “Maestro Paterna” y “Sebastián Valero”, de Cazorla y de Huelma, respectivamente

Web del 60º Concurso Internacional de Piano Premio 'Jaén'

Foto: Los semifinalistas junto al Cuarteto Bretón (foto de José María Ortega “Sitoh”) 

Tres de cuatro: Cuartetos Belcea, Mandelring y Jerusalén en el ciclo Liceo de Cámara XXI

Tres de cuatro: Cuartetos Belcea, Mandelring y Jerusalén en el ciclo Liceo de Cámara XXI

Publicado: abril 2018

El ciclo del CNDM recibirá del 10 al 17 de abril a estos tres portentosos cuartetos que interpretarán obras de Haydn, Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Dvorák, Janácek, Schulhoff, Ligeti y Kurtág

El Cuarteto Mandelring estará acompañado por Joaquín Riquelme, viola de la Orquesta Filarmónica de Berlín

Las tres próximas citas del ciclo Liceo de Cámara XXI, centrado en la música de cámara, estarán protagonizadas por un trío de cuartetos excepcionales: el martes 10 de abril, el Cuarteto Belcea interpretará obras de Josep Haydn, Ludwig van Beethoven y György Ligeti; el domingo 15 de abril, el Cuarteto Mandelring junto a Joaquín Riquelme, viola de la Orquesta Filarmónica de Berlín, presentarán piezas de Johannes Brahms y Felix Mendelssohn junto a dos "homenajes" escritos por György Kurtág y el martes 17 de abril, el Cuarteto de Jerusalén regresa a este ciclo con obras de Antonin Dvorák, Leos Janácek y Erwin Schulhoff. Todos los conciertos de esta serie musical del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) se desarrollan en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, a las 19.30 horas. Las últimas entradas, con un precio de 10€ a 20€, están disponibles en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49 

Tres soberbios cuartetos y un solista de excepción

Fundada en el Royal College of Music de Londres en 1994 y con residencia en Inglaterra, los miembros fundadores del Cuarteto Belcea son la violinista rumana Corina Belcea y el violista polaco Krzysztof Chorzelski, cuya procedencia artística, muy diferente al resto del conjunto, aporta un desarrollo más tradicional recibido por sus mentores: el Cuarteto Alban Berg y el Cuarteto Amadeus. Este espectro se extiende a los músicos franceses Axel Schacher (violín) y Antoine Lederlin (violonchelo), combinando así sus diversas influencias en un lenguaje musical común. El Cuarteto toca regularmente con gran éxito en las salas de todo el mundo, entre ellas, el Concertgebouw de Ámsterdam, Wigmore Hall de Londres, y el Carnegie Hall de Nueva York y en los festivales de Salzburgo, Aldeburgh, Edimburgo y en la Schubertiade Schwarzenberg y comparte residencia en la Konzerthaus de Viena con el Cuarteto Artemis desde 2010. También es Cuarteto en Residencia en la Escuela Guildhall de Música y Drama de Londres. Los músicos recientemente crearon el Belcea Quartet Trust, cuyo objetivo principal es apoyar e inspirar a los jóvenes cuartetos de cuerda a través de una serie de clases intensivas organizadas de acuerdo a las necesidades de cada conjunto seleccionado, así como para apoyar la puesta en marcha de nuevas obras de los principales compositores de hoy en día. Poseen una extensa discografía. Durante su colaboración con EMI Classics, el Cuarteto grabó los Cuartetos de Britten y Bartók, así como obras de Schubert, Brahms, Mozart, Debussy, Ravel y Dutilleux, entre otros. En 2012 y 2013, el Cuarteto grabó los Cuartetos de Beethoven en directo en el Estudio Benjamin Britten, grabación fue publicada por ZigZag Territoires, nuevo sello del cuarteto (Premio ECHO Klassik). 

El Cuarteto Mandelring destaca por su expresividad, colosal homogeneidad y firme voluntad de búsqueda de la esencia de la música. Sus primeros premios en importantes concursos de música - Múnich (ARD), Evian (Concours International de Quatuor à cordes) y Reggio Emilia (Premio Paolo Borciani), marcaron el comienzo de su carrera internacional. En la actualidad el conjunto actúa en los centros musicales de todo el mundo, como Ámsterdam, Bruselas, Londres, Madrid, París y Viena, además de Nueva York, Washington, Los Ángeles, Vancouver, Toronto, Centro y Suramérica, Oriente Próximo y Asia. También participa habitualmente en festivales de prestigio como Lockenhaus, Montpellier, Ottawa, Oleg-Kagan, Schleswig-Holstein, George Enescu en Bucarest y el Festival de Salzburgo. Sus numerosos y multipremiados discos (Premio de la Crítica del Disco Alemana, nominaciones al International Classical Music Award, etc.) demuestran la excepcional calidad del conjunto y su amplio repertorio. Su grabación completa de los Cuartetos de cuerda de Shostakóvich, así como sus producciones discográficas con obras de Schubert y Schumann, han sido consideradas por la crítica especializada como interpretaciones de referencia. Actualmente están llevando a cabo la grabación integral de los Quintetos y Sextetos de cuerda de Johannes Brahms. El festival Hambacher Musikfest, fundado por el Cuarteto Mandelring en 1997, es un punto de encuentro donde cada año se reúnen amantes de la música de cámara provenientes de todo el mundo. El cuarteto realiza ciclos de concierto propios en la Filarmonía de Berlín, en la Residencia de Múnich y en su ciudad de origen Neustadt an der Weinstraße. Además ha interpretado en numerosas ocasiones el ciclo completo de los quince cuartetos de Shostakóvich, entre otros en Berlín y en el Festival de Salzburgo. 

Nacido en Murcia en 1983, Joaquín Riquelme inició sus estudios en el Conservatorio Superior de Murcia con Pedro Navarro y Antonio J. Clares. Realiza estudios de Grado Superior en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) con Emilio Mateu y Alan Kovacs, finalizándolos con Matrícula de Honor. Continúa su formación académica, realizando estudios de Konzertexamen en la Universidad de las Artes (UdK) de Berlín con el Profesor Hartmut Rohde y finalizándolos con las más altas calificaciones. Ha realizado clases de perfeccionamiento con Hartmut Rohde, Bruno Giuranna, Ashan Pillai, Jesse Levine, Jean Sulem y otros destacados intérpretes de viola. Desde febrero de 2010 es miembro titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín, con la cual ha realizado conciertos en las mejores salas y festivales de todo el mundo, actuando bajo la batuta de directores como Sir Simon Rattle, Claudio Abbado, Maris Jansons y Daniel Barenboim, entre otros. Anteriormente formó parte como Asistente de Solista de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Barcelona y Nacional de Catalunya. Muy activo en música de cámara, ha colaborado con músicos de la talla de Emmanuel Pahud, Daishin Kashimoto, Christian Zacharias, Jörg Widmann y Hartmut Rohde, junto a diversas formaciones camerísticas como el Ensemble Berlin, Philharmonisches Oktett, Landsberg Sommerakademie, etc. También ha participado en festivales camerísticos como el Schwetzingen Festival, Festival "Musique à l'Emperi" en Salon de Provence y el Festival In Crescendo UdK Berlín, en prestigiosas salas de concierto como el KKL Luzern, Konzerthaus de Viena y la Herkulessaal de Munich.

Fundado en la temporada 1993/1994 y debutando en 1996, los músicos israelíes que conforman el Cuarteto de Jerusalén se embarcaron en un viaje de estudio y maduración que ha dado como resultado un amplio repertorio y una impresionante profundidad de expresión: un viaje todavía hoy motivado por la energía y curiosidad con la que empezó el grupo. El Cuarteto continúa con la tradición de cuartetos de cuerda de una manera única. El ensemble ha encontrado su propio lugar, un sonido complete, humano, y un equilibrio entre las voces altas y bajas, dándole la libertad de refinar sus interpretaciones del repertorio clásico y explorar obras de nuevos géneros y épocas, todo ello buscando la perfección del sonido. Sus colaboraciones con músicos excepcionales como András Schiff, Elisabeth Leonskaja, Alexander Melnikov, Tabea Zimmermann, Nobuko Imai, Steven Isserlis, Gary Hoffman, Sharon Kam y Martin Fröst demuestran claramente cómo los músicos se benefician de su trabajo, así como cada invitado se convierte en parte integral de un ensemble indivisible. Invitado querido y habitual de los más importantes escenarios de concierto, el ensemble ha sido especialmente bien recibido en Norteamérica y en Europa, habiendo actuado en Tonhalle de Zürich, Herkulessaal de Munich, Wigmore Hall en Londres y Théâtre des ChampsElysées, así como en Auditorium du Louvre en París, Laeiszhalle en Hamburgo y festivales como Schubertiade Schwarzenberg, Festival de Verbier, Rheingau Musikfestival, Salzburger Festspiele, Schleswig Holstein Musikfestival, Festival Noches Blancas de San Petersburgo y muchos otros. El Cuarteto de Jerusalén graba en exclusiva con Harmonia Mundi. Sus discos de los Cuartetos de cuerda de Haydn y La Muerte y la Doncella de Schubert han sido galardonados con numerosos premios como el Diapason d'Or, Premio Música de Cámara de la revista BBC Music y el ECHO Klassik. En 2014, su disco de los cuartetos de cuerda de Leoš Janáček y Bedřich Smetana salió al mercado con una gran aceptación de público y crítica. Un año después publicaron los Cuartetos op. 18 de Beethoven con similar reacción. La pasada temporada se ha centrado en tres programas: los Quintetos de piano de Mieczysław Weinberg & Johannes Brahms con Sir András Schiff; "Dvorák Feast" (un ciclo de concierto en dos partes que va desde tríos a sextetos de cuerda), y el ciclo completo Bartók. Además, durante la temporada realizaron una extensa gira por Australia.

http://www.cndm.mcu.es/es

Foto: Tres de cuatro: Cuartetos Belcea, Mandelring y Jerusalén en el ciclo Liceo de Cámara XXI.

El Mandelring Quartett en el CNDM

El Mandelring Quartett en el CNDM

Publicado: abril 2018

El Mandelring Quartett, uno de los seis mejores cuartetos de cuerda de todo el mundo según la revista de música Fono Forum, de nuevo en España. El próximo 15 de abril, en el Auditorio Nacional de Madrid (Liceo de Cámara XXI – CNDM), tendremos ocasión de escuchar al famoso conjunto alemán, cuya grabación completa de los quince cuartetos de cuerda de Shostakovich ha sido aclamada entre las grabaciones más destacadas de los últimos tiempos. En el programa de su gira española, obras de Kurtág, Mendelssohn y Brahms. 

El Mandelring Quartett, que suele invitar a destacados solistas a tocar con ellos en programas de colaboración, contará en esta ocasión con la presencia del violista murciano Joaquín Riquelme, viola de la Filarmónica de Berlín, para los quintetos de Mendelssohn y Brahms.

Fundado en los años 80 por los hermanos Sebastian (violín), Nanette (violín), Bernhard Schmidt (violonchelo), y su amigo Roland Glassl (viola), que tras 16 años abandonó el cuarteto para seguir con otros proyectos, y a quien, desde la temporada 2015-2016, sustituye Andreas Willwohl, experto interprete de cámara, que fue violista principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín. La expresividad y un extraordinario sonido homogéneo y transparente son seña de identidad de este conjunto de cuerda en el que cada musico brilla como virtuoso. Investigar y descubrir nuevos significados que revelen la esencia de la música que interpretan, es el deseo de los cuatro músicos que integran Mandelring Quartett.

Sus numerosas grabaciones galardonadas con los más prestigiosos premios, son una muestra del amplio repertorio del famoso conjunto alemán y de su extraordinaria calidad, que ha sido elogiada por la crítica internacional.

Además de tener su propio ciclo de conciertos en la Philharmonie de Berlín, el cuarteto Mandelring es el fundador y director artístico del Hambacher Musikfest, un lugar de encuentro para los músicos de cámara de todo el mundo.

http://mandelring.com

Foto: El Mandelring Quartett 

El Teatro Real acoge la primera edición del WORLD OPERA FORUM

El Teatro Real acoge la primera edición del WORLD OPERA FORUM

Publicado: abril 2018

Entre los días 12 y 15 de abril, coincidiendo con el estreno de Gloriana

Se reunirán por primera vez las tres asociaciones internacionales de teatros y festivales líricos Opera Europa, Opera America y Ópera Latinoamérica─ junto con representantes de África, Asia y Oceanía, con más de 250 participantes de todo el mundo.

-Se establecerán debates en torno a cuatro temas: la ópera como patrimonio cultural, las nuevas óperas, ópera y diversidad cultural en el siglo XXI y el patrocinio de la ópera.

Los foros de discusión tendrán lugar simultáneamente en diferentes espacios del Teatro Real (ver programa adjunto, con la lista de ponentes).

La sección inaugural del World Opera Forum, el 12 de abril, coincide con el estreno en Madrid de la ópera Gloriana, de Benjamin Britten, nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la English National Opera y la Vlaamse Opera (Ópera flamenca) de Bélgica.

El World Opera Forum, impulsado por el Teatro Real junto con OPERA EUROPA, cuenta con el apoyo del Gobierno de España ─a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y de Acción Cultural Española (AC/E)─, de la Comunidad de Madrid y del Ayuntamiento de Madrid.

Las empresas patrocinadoras del World Opera Forum son Japan Tobacco International, Oesía, Deloitte y BMW.

Entre los días 12 y 15 de abril el Teatro Real acogerá el World Opera Forum, reuniendo por primera vez las tres asociaciones internacionales de teatros y festivales líricos ─Opera Europa, Opera America y Ópera Latinoamérica─ y representantes de África, Asia y Oceanía, con la participación de más de 250 profesionales de distintos ámbitos profesionales: gestores, directores artísticos, productores, editores, compositores, libretistas, directores de escena, directores musicales, intérpretes, etc.

El World Opera Forum, cuya inauguración coincide con el estreno de la nueva producción de Gloriana, de Benjamin Britten, establecerá grupos de debate en torno a cuatro temas: la ópera como patrimonio cultural, las nuevas óperas, ópera y diversidad cultural en el siglo XXI, y el patrocinio de la ópera.

El Teatro Real, que impulsó el Primer Encuentro de Teatros Iberoamericanos en Madrid en mayo de 2015, coincidiendo con la Conferencia Internacional de Opera Europa reafirma su compromiso con la unión internacional de teatros y festivales líricos, aprovechando su papel estratégico entre Europa y América Latina.

En esta ocasión el World Opera Forum volverá su mirada hacia el futuro, indagando sobre el devenir de la ópera en un mundo cada vez más globalizado.

Cuatro grandes temas vertebrarán el debate, articulando la discusión en los diferentes grupos participantes:

Patrimonio cultural (coincidiendo con el Año Europeo del Patrimonio Cultural)
─ ¿La ópera corre el riesgo de morir bajo el peso de su herencia?

Nuevas óperas
¿Las nuevas creaciones pueden recuperar su lugar en el corazón de la ópera, como ocurre con el teatro o el cine?

Diversidad
¿Cómo puede la ópera tener sentido para un público heterogéneo y reflejar la sociedad del siglo XXI?

Apoyo y promoción
¿Cómo desarrollaremos nuestra capacidad para defender la ópera en el contexto de nuestras democracias?

Cada uno de estos temas será impulsado por una serie de intervenciones cortas, que funcionarán como ‘provocaciones’ para debates animados por 12 delegados de diferentes ámbitos del mundo de la ópera ─gestores, ­­compositores, directores de escena, directores musicales, intérpretes, etc─, junto con un moderador experimentado.

Así, los enfoques sobre cada tema podrán ser vistos desde perspectivas muy diversas, lo que hará que las conclusiones sean más ricas y diversas.

La realización de un foro mundial, verdaderamente global, capaz de poner en común retos, proyectos y problemas que afectan al mundo de la ópera en los diferentes puntos del planeta era una aspiración compartida por muchos de los miembros de Opera Europa y Opera America. El pasado mes de septiembre, durante la conferencia conmemorativa del décimo aniversario de Ópera Latinoamérica en Bogotá, Nicholas Payne, director de OPERA EUROPA, Marc Scorca, presidente de OPERA AMERICA e Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, presentaron la propuesta de realización de la primera edición del World Opera Forum en Madrid, coincidiendo con la conmemoración del Bicentenario del Teatro Real.

El Gobierno de España, a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y de Acción Cultural Española (AC/E), apoyan la organización de este foro mundial, que traerá a Madrid a importantes e influyentes personalidades del mundo cultural y artístico internacional, que durante tres días compartirán sus experiencias, reflexiones y anhelos, además de asistir al estreno de la nueva producción de Gloriana, de Benjamin Britten, uno de los más esperados de la presente temporada del Teatro Real.

Como impulsor y anfitrión de la primera edición del World Opera Forum, el Teatro Real afianza su prestigio internacional y contribuye de manera activa para la difusión de la ópera como un arte vivo, multidisciplinar, global y abierto, con un hondo poder emocional y transformador.

http://www.teatro-real.com/es/temporada-17-18/otras-actividades/world-opera-forum

Foto: El Teatro Real acogerá la primera edición del WORLD OPERA FORUM.

Crítica - Muerte, sepultura… y resurrección (FeMÀS II)

Crítica - Muerte, sepultura… y resurrección (FeMÀS II)

Publicado: abril 2018

Sevilla

Pasado el ecuador de la edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (Femás), nos encontrábamos otra de las propuestas “transgresoras” a manos de dos especialistas: Uri Caine y Paolo Fresu. Su concierto tuvo muchas tonalidades, que fueron las del jazz más puro de Gershwin, Berlin o Gillespie, composiciones propias o Haendel, Monteverdi o Barbara Strozzi. Sería difícil quedarnos con algo, pero desde luego el Lascia ch’io pianga fue un momento de intimismo barroco-contemporáneo notable. Y seguramente Monteverdi fue el autor que quedó más “intacto”, ya que las improvisaciones oídas podríamos pensar que eran de época. Pocas veces hemos visto a Caine tan inspirado y virtuoso, a la vez que sobresalía el sonido espectacular, rico e imaginativo de Fresu, tanto con la trompeta o el fliscorno.

Esperada la actuación del contratenor argentino Franco Fagioli, que cumplió cuanto prometían todos los comentarios oídos y, en nuestro caso, por encima de la famosa grabación de DG, la primera realizada a un contratenor por la casa de discos germana. Destaca por un volumen por encima de los que hemos oído a otros falsetistas, su amplia tesitura le lleva a aprovechar su voz natural para las notas más graves o impreiona la limpieza y agilidad de su coloraturas. Con un programa exclusivamente dedicado a Haendel pudo poner de manifiesto todas sus cualidades y de paso emular las de un castrato, sobre todo en cuanto a tesitura. A su lado, Il Pomo d’Oro lució límpida hechura, pero nos impresionó especialmente su chelista Ludovico Minasi, de una expresividad y un sonido únicos.

Cerraba la presente edición del Femás con un concierto de la Orquesta Barroca de Sevilla dedicado a la memoria de Murillo en el 400 aniversario de su nacimiento. Pero era programa de adiós, de Lamento, partiendo de la obra homónima que se atribuye a Locatelli, y que iniciaba el programa, y que continuaba con la cantata BWV 209, de carácter doliente (Non sa che sia dolore), al menos en la primera parte, y que es una de las dos cantatas de Bach que compuso sobre un texto italiano. Aquí la soprano Alicia Amo mostró un atisbo de sus cualidades dramáticas y expresivas, porque tuvo que llegar el descanso para que, ya más relajada, ofreciese un auténtico recital de canto emocionado a través de la música de Antonio Caldara. Empezó por dos bellísimas arias del oratorio Maddalena ai piedi di Christo, sobre un terciopelo acordal tejido por las manos de pantocrátor de Maxim Emelyanychev, quien afortunadamente frecuenta Sevilla desde su visita junto a Cenčić hace dos años. Otra selección de otro oratorio, Morte e sepoltura di Christo, sublimó el concierto en el que Guillermo Peñalver, Mercedes Ruiz y Andoni Mercero acompañaron como solistas de lujo a la cantante burgalesa. La suerte es que el año que viene el Femás resucitará otra vez.

Carlos Tarín

Foto: Esperada la actuación del contratenor argentino Franco Fagioli (Javier Sierra, FEMÁS).

“Homenaje a Joaquín Sorolla y Enrique Granados”, recital de Luis Agius en el Museo Thyssen

“Homenaje a Joaquín Sorolla y Enrique Granados”, recital de Luis Agius en el Museo Thyssen

Publicado: abril 2018

20 y 21 de abril, en el Salón de actos del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Música y pintura. Con motivo de la exposición “Sorolla y la moda”, el pianista Luis Agius presenta sus composiciones inspiradas en obras del pintor Joaquín Sorolla, obras que interpreta junto a algunas piezas de Enrique Granados en dos sesiones que forman parte de las actividades que el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organiza en torno a esta muestra que, organizada en colaboración con el Museo Sorolla con quien comparte sede, se puede visitar hasta el 26 de mayo.

Las piezas de Agius inspiradas, entre otros, en los cuadros “Paseo a la orilla del mar” o “Triste herencia”, de Sorolla, forman parte del repertorio de este recital junto a otras de Enrique Granados como “Danza española nº2” o “Cartas de amor”.

El concierto del 20 de abril (a las 18.30 horas) está dirigido a los Amigos del Museo, mientras que el del día 21 (a las 19.30 horas) está abierto al público general y es de acceso gratuito hasta completar el aforo. Ambos tendrán lugar en el Salón de actos del Museo y cuentan con el patrocinio de Audi.

Programa:

Luis Agius (1969)
Dos imágenes para piano
Homenaje a Sorolla y Granados:Mediterránea I /Mediterránea II 

Enrique Granados (1867-1916)
Danza española nº 2,” Oriental”
Cartas de amor,(Valses Intimos), op 44 

Luis Agius
Estampas para piano sobre cuadros de Sorolla: “Agonía de un pescador:aún dicen que el pescado es caro” (1894) y “Niños en la playa” (1909) 

Enrique Granados
Intermezzo de “Goyescas” (1916, transcripción Luis Agius
Valses poeticos (nº 1,2,3,4,5,6 y 8) 

Luis Agius
Estampas para piano sobre cuadros de Sorolla: “Triste herencia” (1899) y “Paseo a la orilla del mar” (1909) 

Enrique Grandos
Escenas románticas:Epílogo 

Luis Agius
Impromptu para piano sobre “Idilio en el mar” (1908), de Joaquin Sorolla
(estreno mundial) 

Luis Agius (Madrid, 1969) es compositor, concertista de piano, crítico musical dramaturgo, escritor y licenciado en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Comenzó sus estudios musicales en 1981 y compuso su primera obra musical en 1990. Ha publicado dos discos de piano con composiciones propias “Doce Klavierstücke” e “Interiores” (2001). 

Ha grabado con el patrocinio de la Fundación Autor su primera ópera “Monsalvat” (2005) y ofrecido recitales-concierto de poesía y piano en diversas capitales españolas desde 2001 (Madrid, Pamplona, Zaragoza, Alicante, etc.) y en el extranjero, Bratislava (2002) y Bruselas (2005 y 2009) con el patrocinio y apoyo del Ministerio de AA.EE. del Gobierno de España y el Instituto Cervantes. 

Es profesor de piano y armonía desde 1996. Asimismo, ha publicado dos obras de teatro “Todos somos Albert Camus” (2010) y “Mi nombre es Sarah” (2013), seleccionada por la Fundación SGAE para el I ciclo de Lecturas dramatizadas del Consejo Territorial de Madrid, ambas editadas por Ediciones Antígona. En los últimos años  ha grabado un recital de piano con piezas de Chopin “En busca de Chopin” (2010) y  una pieza de gran formato homenaje a las víctimas del tsunami y terremoto de Japón de 2011 “Tsunami en Sendai y Amanecer en Tokio”. Luis Agius ha ofrecido varios recitales con el patrocinio de la Fundación Banco Santander, “Homenaje a la Cultura Hispánica” en el Ateneo de Madrid (2013)  en la Fundación Olivar de Castillejo y en la Casa de Valencia (2015). Su último libro publicado es “Músicos ante el Abismo” (2014) editado por Oportet Editores. 

Ha actuado en Lisboa, en el Palacio Foz (Otoño de 2015) con el patrocinio   del Consejo de Ministros del Gobierno de Portugal, la Embajada de España y el Instituto Cervantes de Lisboa con un concierto homenaje a Pessoa y Lorca. El pasado mes de Junio de 2016 ofreció una gira de recitales por Alemania, tocando en Berlín, Leipzig y Munich, dentro del convenio AECID-AIE con  obras  propias  sobre    cuadros  de  Sorolla  (Kunsthalle  Munich,  dentro  de  la  magna exposición sobre el pintor valenciano). 

En el curso 2014-2015 impartió clase en el IES Avenida de los Toreros de Madrid y fue jefe de departamento de Música de dicho Instituto. Es colaborador habitual de la revista Melómano y permanente de RITMO. Sus últimos conciertos han sido en Madrid y Jaén en Septiembre de 2017. Su última composición es una pieza de piano, “Idilio en el mar” inspirada en el cuadro de Sorolla del mismo título (2017). 

Portal de Música y Literatura de Luis Agius

www.parnasodelasmusas.es 

https://www.museothyssen.org/actividades/recital-piano-naturaleza-emocion-recuerdo-homenaje-joaquin-sorolla-enrique-granados 

Foto: Luis Agius.

Nuria Rial y Maurice Steger se inspiran en los pájaros en ‘Baroque Twitter’ de Sony Classical

Nuria Rial y Maurice Steger se inspiran en los pájaros en ‘Baroque Twitter’ de Sony Classical

Publicado: abril 2018

La soprano española Nuria Rial y el virtuoso flautista suizo Maurice Steger se han asociado con la galardonada Kammerorchester de Basilea para grabar un fascinante álbum barroco, con un programa de arias y conciertos inspirados en el canto de los pájaros.

Baroque Twitter está integrado por algunas obras conocidas y otras raramente escuchadas de compositores como Antonio Vivaldi (1678-1741), Francesco Mancini (1672-1737), Pietro Torri (1650 - 1737), Tomaso Albinoni (1671 - 1751) o el maestro Alessandro Scarlatti (1660 - 1725).

Nuria Rial y Maurice Steger se encuentran entre los artistas más exitosos en el campo de la música antigua. Ambos ya han recibido los premios Echo Klassik. Su primer álbum juntos revela cuán magníficamente se mezcla la peculiar voz de Nuria Rial con el sonido de la flauta de Steger. El álbum ofrece a los oyentes un emocionante viaje al mundo de la poesía y la música barroca de principios del siglo XVIII.

En su búsqueda de obras para incluir en su álbum han descubierto algunas joyas deslumbrantes En el aria "Rondinella che dal nido" de la ópera Ifigenia en Tauride, de Leonardo Vinci (1696? -1730), los arpegios frenéticos en las cuerdas sugieren las alas zumbantes de una golondrina, mientras que en el aria “Bell'augelletto che vai scherzando”, de Francesco Gasparini (1661-1727), el amanecer es recibido por un canto de pájaro imitado por flautista y soprano.

Nuria Rial estudió canto y piano en su Cataluña natal y fue miembro de la clase de Kurt Widmer en la Academia de Música de Basilea. En 2003, fue galardonada con el premio "Preis der Helvetia Patria Jeunesse Stiftung" por Pro Europa, por sus logros excepcionales como cantante. Ha actuado en todos los principales festivales de música de Europa y colabora con directores como Ivan Fischer, Sir John Eliot Gardiner, Paul Goodwin, Trevor Pinnock, Howard Griffiths, Gustav Leonhardt, René Jacobs, Thomas Hengelbrock, Laurence Cummings, Neville Marriner y Teodor Currentzis.

Maurice Steger ha sido reconocido como “el Paganini de la flauta” por varios críticos musicales.

El Premio ECHO Classic 2015 que le distinguió como “Instrumentista del Año” es testimonio de su éxito. En sus conciertos, Maurice Steger lleva a los oyentes a un viaje musical fascinante, con cada pieza musical que ofrece algo por descubrir. Como solista, director de orquesta o ambos a la vez, actúa regularmente con conjuntos como la Akademie für Alte Musik Berlin, la Venice Baroque Orchestra, el English Concert, La Cetra, Lautten Compagney e I Barocchisti.

En sus 30 años de existencia la Kammerorchester de Basilea se ha convertido en una de las principales orquestas de cámara en la escena musical internacional. A la orquesta le gusta tocar bajo la dirección de su propio director y aprecia la cooperación con otros como Paul Goodwin, Kristjan Järvi, Paul McCreesh y Giovanni Antonini. La lista de solistas que han actuado con la orquesta incluye a Emmanuel Pahud, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Kristian Bezuidenhout, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Angela Hewitt, Renaud Capuçon, Thomas Zehetmair y Sandrine Piau, entre otros.

Contenido

Andrea Stefano Fiorè (1686 - 1732)
1 «Usignolo che col volo»
Aria di Engelberta from the opera Engelberta (Milano 1708) | soprano, flautino, strings & b.c. 

Leonardo Vinci (1690? - 1730)
2 «Rondinella che dal nido»
Aria di Ifigenia from the opera Ifigenia in Tauride (Venezia 1725) | soprano, strings & b.c. 

Francesco Gasparini (1661 - 1727)
3 «Bell’augelletto che vai scherzando»
Aria di Aurora from the opera L’oracolo del fato (Venezia c. 1709) | soprano, flautino & strings 

Francesco Mancini (1672-1737)
Sonata 14 in G minor
Concerto for Recorder, two violins, viola & b.c.
4 Comodo
5 Fuga
6 Larghetto
7 Allegro 

Pietro Torri (1650? - 1737)
8 «Amorosa rondinella»
Aria di Attalo from the opera Nicomede (Munich 1728) | soprano, strings & b.c. 

Tomaso Albinoni (1671 - 1751)
9 «Zeffiretti che spirate»
Aria di Epicide from the opera Eraclea (Genova 1705) | soprano & b.c. 

Johann Adolf Hasse (1699 - 1783)
10 «L’augelletto in lacci stretto»
Aria di Araspe from the opera Didone abbandonata (Hubertusburg 1742) | soprano, flautino, strings & b.c. 

Charles Dieupart (1667-1740)
Concerto in A minor
Concerto for ‘small flute’, strings & b.c.
11 Vivace
12 Grave staccato
13 Allegro 

Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
14 «Quell’usignolo ch’al caro nido»
Aria di Barzane from the opera Arsilda regina di Ponto (Venezia 1716) | soprano, strings & b.c. 

Alessandro Scarlatti (1660 - 1725)
15 «Più non m’alletta e piace»
Aria di Adone from the opera Il giardino d’amore (c. 1700-1705) | soprano, flautino, strings & b.c. 

Antonio Vivaldi
Concerto in F Major, RV 442
Concerto for recorder, strings & b.c.
16 Allegro mà non molto
17 Largo e Cantabile
18 Allegro 

Página web oficial Nuria Rial: www.nuriarial.com

Página web oficial Maurice Steger: www.mauricesteger.com

Página web oficial Kammerorchester Basel: www.kammerorchesterbasel.ch 

www.sonyclassical.es 

Foto: Nuria Rial y Maurice Steger se inspiran en el canto de los pájaros para grabar ‘Baroque Twitter’      

 

El amor brujo, metáfora de la modernidad

El amor brujo, metáfora de la modernidad

Publicado: abril 2018

El amor brujo, metáfora de la modernidad (estudios en torno a Manuel de Falla y la música española del siglo XX), es un libro de casi 900 páginas, coordinado en la edición por Elena Torres Clemente, Francisco J. Giménez Rodríguez, Cristina Aguilar Hernández y Dácil González Mesa, y publicado con la habitual calidad por el Centro de Documentación de Música y Danza - INAEM y la Fundación Archivo Manuel de Falla (2017).

El libro recoge las ponencias presentadas al Congreso Internacional que, organizado por el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, la Universidad de Granada y la Universidad Complutense de Madrid, celebró el centenario del estreno de la primera versión de El amor brujo. Esta obra aunaba la música de Manuel de Falla, el texto de María Lejárraga, la dirección escénica de Gregorio Martínez Sierra y la escenografía de Néstor Martín Fernández de la Torre, dando forma a una nueva concepción del espectáculo músico-teatral. Además de las ponencias, otros estudios completan algunas de las temáticas abordadas en el congreso. El resultado es un volumen plural, en el que se contempla la obra desde múltiples perspectivas, en un intento de valorarla en toda su integridad.

http://www.musicadanza.es/

Foto: Portada de El amor brujo, metáfora de la modernidad.

El director Lucas Macías debuta con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León

El director Lucas Macías debuta con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Publicado: abril 2018

Lucas Macías, director asistente de la Orquesta de París, acaba de sacar un álbum dirigiendo a la Camerata Royal Concertgebouw Orchestra con la Cuarta Sinfonía de Mahler en versión camerística como protagonista.

El director andaluz es uno de los músicos españoles de mayor proyección internacional. Desde que empezara su carrera de director en 2014 ya se ha presentado con orquestas como la Radio Sueca, la Orchestre de Paris, la Orchestre de Chambre de Lausanne, Orchester de Chambre de Genève, o la Camerata de la Royal Concertgebouw Orchestra, formación con la que acaba de grabar un disco dedicado a la 4a Sinfonía de Mahler. Macías trabaja actualmente en su segunda temporada como director asistente de la Orchestre de Paris en estrecha colaboración con Daniel Harding.

Su debut con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León incluye 2 obras de Schoenberg en las que el director podrá demostrar su experiencia y dominio de la música de cámara y en la segunda parte, el joven pianista ganador del Queen Elizabeth en 2010, Denis Kozhukhin se unirá al director y formación para interpretar el Concierto para piano núm. 1 de Chaikovski, una de las páginas románticas más brillantes y virtuosísticas para piano y orquesta.

19 y 20 de abril de 2018 -Centro Cultural Miguel Delibes, Valladolid
Orquesta Sinfónica de Castilla y León
Lucas Macías, director
Denis Kozhukhin, piano 

PROGRAMA
Arnold Schönberg (1874-1951), Sinfonía de cámara nº 2, op. 38
Arnold Schönberg, Noche transfigurada, op. 4
Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893), Concierto para piano n.o 1 en mi bemol menor, op. 23 

https://www.oscyl.com/evento/temporada-oscyl-14-2017-2018-turno-1/ 

Foto: El director Lucas Macías debuta con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (foto de Marco Borggreve)

Annalisa Stroppa es Carmen en Canarias

Annalisa Stroppa es Carmen en Canarias

Publicado: abril 2018

La cantante italiana encabeza el reparto del próximo título grancanario

En julio, la mezzosoprano italiana Annalisa Stroppa regresará al Festival de Bregenz como protagonista de Carmen, de Bizet, cuya producción estrenó el verano pasado. Antes, sin embargo, ofrecerá su visión del personaje en la Temporada Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria que organizan los Amigos Canarios de la Ópera: serán tres funciones los días 22, 24 y 26 de mayo. Para Stroppa, que debutó el papel en 2011 en el Teatro Sociale di Trento (Italia) para retomarlo en 2014 en el Opéra-Théâtre de Limoges (Francia), se trata de un papel “soñado por toda mezzosoprano. Es muy completo, cambiante y profundo, muy sensual, con al menos diez personajes concentrados en uno, desde el más simpático y casi divertido al más salvaje. Aporta una vocalidad llena de colores diversos, incisivos, declamados. Me encanta su fuerza, su misterio insondable; al mismo tiempo me fascina su fragilidad y su carácter, no tenerle miedo a lo desconocido, su sed de libertad. ‘Eres un demonio’, le dice Don José, y su respuesta es un ‘sí’ que me da escalofríos”. La mezzo italiana, que debutará con este papel en Las Palmas de Gran Canaria, será protagonista de una Carmen muy española, firmada por el director de escena Paco López. “Desde el punto de vista emocional, las facetas del personaje son múltiples, porque es un rol muy exigente que te absorbe completamente: cantando, bailando, actuando… Es un papel de gestos y miradas”.

Después de su debut grancanario le esperan en el Teatro Regio de Turín como Dorabella de Così fan tutte (Mozart), en el Festival de Bregenz con su aclamada Carmen, en el Teatro Colón de Buenos Aires como Adalgisa de Norma (Bellini), en la Staatsoper Unter del Linden de Berlín como Rosina en Il Barbiere di Siviglia (Rossini) y en la Bayerisches Staatsoper de Múnich como Suzuki de Madama Butterfly (Puccini).

www.annalisastroppa.it

http://www.operalaspalmas.org/index.php/es/temporada/opera/83-rigoletto?jjj=1522918594967

Foto: Annalisa Stroppa (© Silvia Lelli)

El domingo 8 de abril en el Teatro Real, ‘Elías’, de Mendelssohn

El domingo 8 de abril en el Teatro Real, ‘Elías’, de Mendelssohn

Publicado: abril 2018

Dirige esta monumental partitura Pablo Heras-Casado, primer director musical invitado del Teatro Real, que estará al frente la Freiburger Barockorchester (Orquesta Barroca de Friburgo) y del Rias Kammerchor (Coro RIAS).

El papel titular será interpretado por el barítono Matthias Goerne, que actuará junto a la soprano Sophie Karthäuser, el tenor Sebastian Kohlhepp y la contralto Marianne Beate Kielland.

La función única de Elías en el Teatro Real viene precedida por su estreno en Friburgo (Konzerthaus Freiburg) el 2 de abril y otra función en París (Grande salle Pierre Boulez, Philharmonie) el 6 de abril, con los mismos intérpretes.

La interpretación de Elías en el Teatro Real cuenta con la colaboración de La Filarmónica y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Pablo Heras-Casado, principal director musical invitado del Teatro Real, vuelve a su escenario con un compositor muy presente en su repertorio y junto a la prestigiosa Freiburger Barockorchester, formación que dirige regularmente y con la que tiene un sólido proyecto de grabación discográfica, incluyendo las cuatro sinfonías y otros títulos de Felix Mendelssohn.

Cuatro solistas con una brillante carrera concertística, encabezados por el gran barítono Matthias Goerne actuarán junto al Rias Kammerchor, grupo que nació auspiciado por la cadena de radio y televisión RIAS, de Berlín Occidental, hace casi 70 años, y muy alabado por sus interpretaciones del rico repertorio coral alemán.

Felix Mendelssohn, que nació en el seno de una acaudalada e ilustrada familia de judíos convertidos al protestantismo, cultivó desde niño una gran admiración por la música coral religiosa y por la obra de Johann Sebastian Bach. De hecho, fue uno de los impulsores del ‘renacimiento’ de su música en el siglo XIX­­.

No sorprende, pues, que escribiera dos oratorios bíblicos: Paulus, basado en textos del Nuevo Testamento y estrenado en 1836 y Elías, que enlaza episodios del Libro de los Reyes del Antiguo Testamento, interpretado por primera vez diez años más tarde, en 1846.

Las dos obras tienen textos del pastor protestante Julius Schubring, amigo de Mendelssohn, pero el de Elías fue adaptado al inglés por William Bartholomew, quien conforma el texto luterano a los preceptos de la Biblia anglicana de 1611.

La obra cuenta episodios de la vida del profeta Elías, protagonizados por los varios personajes, en tiempo real y sin narrador, y con una escritura coral sinfónica heredera de Bach y Händel, ­en la que no faltan fugas y cánones, pero dotada de un dramatismo ya decimonónico.

El estreno de la versión inglesa en Birmingham, con cerca de 300 intérpretes, el 26 de agosto de 1846, fue uno de los más grandes triunfos de Mendelssohn ­-con bises en cuatro arias y en cuatro números corales- y rápidamente se convirtió en el oratorio más popular en Inglaterra después del Mesías de Händel.

Aun así el compositor hizo una revisión de la partitura posterior al estreno poco antes de su prematura muerte, en 1847, que lo sorprendió antes de que pudiera escuchar la versión alemana del oratorio, que se presentará en el Teatro Real

http://www.teatro-real.com/es/noticias/actualidad-tr/actividad-artistica/elias-de-felix-mendelssohn

Foto: Matthias Goerne.
Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

 

CRÍTICA - Ciclo Satélites OCNE

CRÍTICA - Ciclo Satélites OCNE

Publicado: abril 2018

“Contrabajo protagonista” - Madrid

La sección de contrabajos de la ONE, en su ciclo Satélites, tomó por asalto la sala de Cámara del Auditorio Nacional, con una propuesta fresca y concertada. Una propuesta que tenía también un activo adicional entre el público, el compositor Simón García. Compositor al que se debieron buena parte de las obras escuchadas en esta velada. Una velada que arrancaba con un dinámico aperitivo minimalista del citado músico, Mali Malist, para pasar pronto a una obra de mayor ambición formal. El Segundo cuarteto para contrabajos de Jan Alm fue una partitura que unió a su trascendente aspiración formal heredada de la forma de cuarteto de cuerda a la que no renuncia, y hace bien, el conocimiento del instrumento y una disposición estética que extiende con gusto, ciencia y maneras, tendencias acordes con la herencia tradicional. Una obra de ambición formal bien resuelta y dispuesta estratégicamente como sustancia y remate de esta primera parte.

Tras el descanso llegaría la cascada de obras de Simón García. Una sucesión que traducía en estilos emparentados una experiencia de crisol estético, que había quedado sólo perfilada superficialmente en la obra telonera. Términos más definidos y coherentes situados al amparo de una imaginada fusión neo-consonante. 

Un clásico del género, arreglado con destreza para contrabajos, de Scott Joplin, su incombustible The Entertainer, finalizó el programa. Una velada que discurriera pues con relativo desenfado, una hábil distribución de instrumentistas, variedad en la oferta, actitud cordial y desenvuelta... pero, sobre todo, el elogio de un contrabajo protagonista.

Luis Mazorra Incera

Sección de contrabajos de la ONE: Laura Asensio, Ramón Mascarós, Pablo Múzquiz (también al bajo eléctrico), Luis Navidad, Rodrigo Moro y Julio Pastor. Obras de Alm, García y Joplin.
OCNE. Auditorio Nacional de Música. Madrid.

Foto: Laura Asensio, contrabajo de la OCNE.

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