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La gran Antonacci en el Ciclo de Lied del CNDM y Teatro de la Zarzuela

La gran Antonacci en el Ciclo de Lied del CNDM y Teatro de la Zarzuela

Publicado: julio 2018

Este recital, aplazado del pasado 24 de octubre debido a una enfermedad debidamente justificada de la soprano Anna Caterina Antonacci, tiene lugar este próximo 9 de julio a las 20 hs. (Teatro de la Zarzuela), con la misma validez de las localidades de entonces.

Pocas voces son tan sugerentes como las de esta cantante italiana (entrevistada para esta revista por Lorena Jiménez en el número de octubre de 2017), siempre musical y expresiva, tanto como mezzosoprano en épocas pretéritas, o como, más recientemente, soprano. Su timbre penumbroso, de tersa encarnadura, y su fraseo, elegante y cuidado, son ideales para captar los claroscuros de un programa modélico en el que se integran canciones de Debussy, Britten, Poulenc, Respighi y Albéniz, que sirven de cortejo a la gran novedad que suponen las escritas por la gran Nadia Boulanger, una de las pedagogas musicales más importantes y famosas de la historia moderna, maestra de músicos y creadora original. Estará acompañada por el pianista Donald Sulzen.

http://www.cndm.mcu.es/es/lied/anna-caterina-antonacci-soprano-donald-sulzen-piano/lunes-9-julio-2018-2000

Foto Acred: © Pierre Mandereau

¡24 horas mintiendo!, comedia musical en el Teatro de la Zarzuela

¡24 horas mintiendo!, comedia musical en el Teatro de la Zarzuela

Publicado: julio 2018

El Teatro de la Zarzuela acogerá hasta el 14 de julio ¡24 horas mintiendo!, una disparatada comedia musical de Francisco Alonso en la que nada es lo que parece. En esta ocasión, el libreto que escribieran Francisco Ramos de Castro y Joaquín Gasa para el estreno de la obra en 1947 ha sido actualizado por el último Premio Nacional de Literatura Dramática, Alfredo Sanzol. Esta versión libre de Sanzol y la dramaturgia de Jesús Castejón conforman un espectáculo chispeante donde aparecen reflejados algunos de los males de la sociedad de entonces y de ahora, centrados en el cinismo del mundo de la gastronomía, la política y el espectáculo.

La obra, llena de situaciones especialmente hilarantes provocadas por las mentiras de todos los protagonistas que tratan de aparentar lo que no son, está dirigida y protagonizada por Jesús Castejón, quien redescubre “aquellos olores, sonidos, rumores y melodías por los que había transitado a muy corta edad cuando los teatros de España eran mis primeros lugares de juegos y aventuras”; se trata de una buena comedia que, asegura, “se enmarañaba de la forma más divertida posible”, lo que hace de ella “un gran musical español, como lo fue en la época de su estreno”.

La dirección musical corre a cargo de Carlos Aragón, que recalca la singularidad de la pieza como comedia musical: “lo que la emparenta con los musicales que tanto en Broadway como en Hollywood vivían su época dorada en los años 40 del pasado siglo. Pero esa singularidad radica, además, en su formato más castizo, porque se trata de una revista brillante, hilvanada a través de un argumento entre inverosímil y surrealista. Es un auténtico vodevil”. Aragón ocupará el podio del foso junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (formación titular del Teatro).

Sobre las tablas estarán, además de Castejón, un plantel de cantantes y actores de primera línea como Gurutze Beitia, Estíbaliz Martyn, Nuria Pérez, Joselu López, Enrique Viana, Raffaela Chacón, Ángel Ruiz, Cecilia Solaguren, José Luis Martínez, María José Suárez, Mario Martín y Luis Maeso, que a lo largo de la representación estarán acompañados por ocho bailarines.

La escenografía es de Carmen Castañón, el vestuario de Ana Garay, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón. El disfrute, sin duda, está servido.

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: El equipo que protagoniza la disparatada comedia musical de Francisco Alonso, ¡24 horas mintiendo!

CRÍTICA Libros - Descubriendo Tristán

CRÍTICA Libros - Descubriendo Tristán

Publicado: julio 2018

La prestigiosa editorial Acantilado, que dedica importantes referencias de su catálogo a libros sobre temas musicales, nos presenta un extraordinario libro-diálogo sobre diversos aspectos de Tristán e Isolda de Wagner, una de las mayores óperas de la historia y probablemente la obra que más influencia ha tenido en el discurso musical de finales del siglo XIX y del siglo XX. El libro, como tal, no es un ensayo, sino un esclarecedor diálogo sobre todos los aspectos  musicales, literarios, dramáticos y escenográficos de esta obra maestra entre dos grandes figuras de la ópera de nuestro tiempo, cada uno en su campo: en el musical, el gran director Daniel Barenboim, formidable traductor de esta partitura, y Patrice Chéreau, ilustre director de escena, ya fallecido, también uno de los más prestigiosos de los últimos años.

El diálogo, que se realizó durante meses alternos, con motivo del estreno de una producción de Tristán en La Scala de Milán en diciembre de 2007 (que tuvo en sus roles protagonistas a la gran soprano Waltraud Meier y al tenor Ian Storey y que se publicó en DVD), está dividido en parcelas tales como las diferentes funciones del director de orquesta y del director de escena, la dramaturgia (relación texto-música, la no existencia de interpretación del texto, transformación progresiva del contenido psicológico de la música y su reflejo en los personajes,  análisis de la puesta en escena, gestualización) la Música (melodismo, cromatismo-ambigüedad tonal) y los grandes temas que comprende Tristán (Eros-Tánatos, el amor-pasión, el amor inmortal, dialéctica día-noche, etc.).

En todo caso, libro apasionante, de placentera y ágil lectura, testimonio de dos grandes artistas de profunda experiencia y sabiduría artística e intelectual que calan hondo en el público melómano. Magnífica edición y presentación de Acantilado, que continúa por su senda de excelencia en el mundo editorial español, tan ayuno de publicaciones sobre música de verdadera riqueza y amenidad. Imprescindible.

por Luis Agius

Diálogos sobre música y teatro: Tristán e Isolda
Daniel Barenboim y Patrice Chéreau (edición de Gastón Fournier-Facio).
Editorial Acantilado, 208 págs.  

http://www.acantilado.es/catalogo/dialogos-sobre-musica-y-teatro-tristan-e-isolda/

Francisco Lorenzo Fraile de Manterola, nuevo director del Centro Nacional de Difusión Musical

Francisco Lorenzo Fraile de Manterola, nuevo director del Centro Nacional de Difusión Musical

Publicado: julio 2018

El nuevo director asumirá el cargo el próximo 1 de octubre  
Posee una amplia experiencia en la dirección y programación de destacados centros artísticos nacionales
Ha sido adjunto a la dirección y coordinador artístico del Centro Nacional de Difusión Musical desde 2012

La directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat Iglesias, ha anunciado hoy el nombramiento de Francisco Lorenzo Fraile de Manterola como nuevo director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

La designación de Fraile de Manterola se ha realizado tras un proceso de selección que ha atendido a los principios de igualdad, mérito y capacidad, y tras someterse a valoración del Consejo Artístico de la Música la totalidad de los proyectos presentados, de acuerdo con lo dispuesto en el Real Decreto 497/2010, de 30 de abril, por el que se regulan los órganos de participación y asesoramiento del INAEM, y los artículos 7 y 8 del Estatuto del CNDM.

Este órgano asesor del INAEM seleccionó un número reducido de candidaturas, recibiendo la de Francisco Lorenzo Fraile de Manterola el respaldo unánime de todos sus miembros.

El nuevo director del CNDM, que asumirá su cargo el próximo 1 de octubre, ha ocupado el puesto de adjunto a la dirección y coordinador artístico de este centro de creación del INAEM desde el 2012.

Amplia experiencia profesional

Francisco Lorenzo Fraile de Manterola cuenta con una dilatada experiencia en la gestión artística. Desde 2012 ha ejercido como adjunto a la dirección del CNDM, donde ha desempeñado la coordinación artística de exitosos ciclos de conciertos como los de Universo Barroco, Contrapunto de Verano, el Ciclo de Lied –que se realiza junto al Teatro de la Zarzuela–, o los populares Bach Vermut, Bach en la Catedral y el maratón musical ¡Solo Música!, un amplio programa de conciertos para todos los públicos con el que el CNDM celebra cada dos años el Día de la Música.

Además, Fraile de Manterola ha coordinado importantes circuitos de conciertos organizados y coproducidos por el CNDM a lo largo del territorio nacional y fuera de nuestras fronteras. Entre estos, destacan los ciclos de conciertos Beethoven Actual y Beethoven Liszt, las Xornadas Contemporáneas de Santiago de Compostela, la Semana de Música Religiosa y las Jornadas de Zarzuela de Cuenca, los Congresos Cabanilles y Serenates de Estío de Valencia y los conciertos organizados por el centro artístico del INAEM en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá (Colombia).

Previamente, trabajó en la dirección, programación y gestión de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, y del Centro Cultural Miguel Delibes, donde ejerció como coordinador general de la División de Música Fundación Siglo para las Artes en Castilla y León de 2008 a 2012. De este periodo destaca la coordinación de los ciclos Grandes Orquestas, los festivales Otoño en Clave y Música para la Pasión y la Pascua, o el festival de órgano por las iglesias de Castillla y León Arte Orgánica.

Entre 1998 y 2008 ocupó el cargo de secretario técnico de dirección en el Palau de la Música, Congresos y Orquesta de Valencia, donde realizó labores de dirección, programación, producción y coordinación de la orquesta y de festivales como el Flamenco de Valencia, Jazz de Valencia y Pop al Palau.

www.mecd.es/artesEscenicas

CRÍTICA - Gergiev triunfa en el Festival de Granada

CRÍTICA - Gergiev triunfa en el Festival de Granada

Publicado: julio 2018

El Festival de Granada recibió a Valery Gergiev y a su orquesta, la Sinfónica del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, como uno de los platos fuertes de la programación de este año. Para la ocasión, un doble programa con autores rusos de los siglos XIX y XX.

El primero de estos programas se centró en los padres del nacionalismo ruso: Mijail Glinka y su discípulo Nikolai Rimski-Korsakov. De Glinka se interpretaron sus dos oberturas españolas; en estas piezas extrajo la esencia de danzas folklóricas españolas tales como la jota aragonesa o las seguidillas manchegas y las cultivó en una partitura orquestal rica en matices tímbricos y giros melódicos.

La interpretación de Gergiev al frente de la orquesta del Mariinsky estuvo plagada de momentos brillantes. El director supo imprimir a la partitura un ritmo vivo y dinámico, tanto en la “Jota aragonesa” como en  “Recuerdo de una noche de verano en Madrid”; equilibró magistralmente el rico entramado orquestal, dando particular protagonismo al primer violín, interpretado con gran elegancia y fuerza por la concertino Olga Volkova. La violinista, una de las violinista más destacadas del panorama europeo actual, fue también la responsable de las partes solistas en las dos obras que se interpretaron de Nikolai Rimski-Korsakov.

De Rimski-Korsakov interpretaron primeramente su Capricho español. Valery Gergiev, gran conocedor de este repertorio, se caracterizó por su concepción meridiana de los tempi y preciso calibrado de los colores tímbricos. Los potentes y limpios vientos, particularmente las maderas, destacaron en las “Variaciones” centrales, o como apoyo de las cuerdas en los demás números. La percusión, poderosa y exacta, fue igualmente un valor añadido a la interpretación: redobles de caja, castañuelas, golpes de platos y timbales configuraron un sustrato rítmico-expresivo muy oportuno. Y, cómo no, Olga Volkova en su posición de primer violín de la orquesta, encarnó su papel solista con una exactitud y presencia impactantes, ya fuera en las citas insertas en “Alborada”, en la línea melódica del “Canto gitano” o en el vibrante “Fandango asturiano” que da conclusión a la obra.

Sin duda, fue la noche de Olga Volkova, que compartió protagonismo con Gergiev en todas las obras. Su dominio del instrumento es prodigioso: la rotundidad de su détaché, la limpieza de los pasajes a dobles cuerdas, la linealidad de su legato y la musicalidad de su estilo hicieron de su interpretación de Scheherazade algo memorable. Por su parte, Valery Gergiev volvió una vez más a obrar su magia; con su aparentemente despreocupada dirección y su relativa economía de gestos mantuvo el control del la sonoridad en todo momento, articulando una y otra vez los motivos de atención entre cuerdas y vientos. Merecen también mención los solistas de la sección de vientos de la Orquesta del Teatro Mariinsky, que destacaron los múltiples y variados elementos temáticos con precisión y empaste, o las cuerdas, exactas tanto en los pizzicatti como en los momentos de gran desarrollo de arco.

En definitiva, se trató de un concierto de repertorio muy bien escogido y de ejecución perfecta a cargo de uno de las orquestas más precisas del momento, y todo bajo la batuta del quizás más reputado director eslavo.

Gonzalo Roldán Herencia

67 FESTIVAL DE GRANADA: ORQUESTA TEATRO MARIINSKY
Programa: Mijail Glinka, Obertura española núm. 1 y 2; Nikolai Rimski-Korsakov, Capricho español op. 34 y Scheherazade op. 35.
Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky de San Petersburgo
Director: Valery Gergiev
Concertino: Olga Volkova (violín)
Fecha y lugar: Palacio de Carlos V, 30 de junio de 2018 

Foto. Concierto del Festival de Granada en el Palacio de Carlos V.

El Teatro Real, fuerza generadora de cultura y motor económico de su entorno

El Teatro Real, fuerza generadora de cultura y motor económico de su entorno

Publicado: junio 2018

El Patronato del Teatro Real ha celebrado su última reunión de la presente temporada, en la que se han aprobado las cuentas anuales y el informe de actividad correspondiente al año 2017 y se han presentado las conclusiones del estudio elaborado por Deloitte sobre la contribución socio-económica del Teatro Real a su entorno.

Las cuentas aprobadas ponen de manifiesto que el año 2017 ha finalizado con resultados positivos superiores a 516.000 €, de los cuales 467.119 € han sido destinados al Fondo de Reservas, y dejan un superávit de 49.785 €. Así, los ingresos se situaron en 53.392.893 €, una cifra superior en más de 3 millones de euros respecto a 2016.

La línea de ingresos principal del Teatro Real ha sido la de ventas y actividad propia, de la que proceden 4 de cada 10 euros de los ingresos. Es una de las partidas de mayor crecimiento, con un 9% más que el año anterior, con un total de 22.598.619,84 €. En lo que se refiere al patrocinio y mecenazgo, la cifra total alcanzó los 14.051.822,99 procedentes de las aportaciones de patrocinadores y de las diferentes modalidades de mecenazgo.

Los ingresos procedentes de estas fuentes -ventas y actividad propia, y patrocinio- representan 7 de cada 10 euros del presupuesto, poniendo de manifiesto una capacidad de autofinanciación del 75%, con un incremento de 12 puntos porcentuales desde el año 2014 (en el que se situaba en un 63%).

Las subvenciones públicas fueron de 14.110.240,00 €, lo que representa un 25% del total ingresado por el Teatro en 2017.

La partida de gasto se ha situado en 53.343.108 €  (incluyendo la aportación al fondo de reserva), cuya distribución se ha realizado de la siguiente forma: 18.935.897 en gastos de producción, 13.285.014,70 destinados a la plantilla y 10.634.644 € para la orquesta y el coro, entre otros.

EL IMPACTO ECONÓMICO DEL TEATRO REAL

Uno de los aspectos principales analizados por Deloitte ha sido la estimación del impacto económico de la actividad del Teatro Real en la generación de riqueza y mantenimiento de empleos en su entorno.

Entre las principales conclusiones del estudio, la actividad del Teatro Real contribuyó a generar 66,5 millones de euros de PIB en la región y al mantenimiento anual de 1.428 empleos directos, indirectos e inducidos (1.144 empleos generados por vía de gasto y 284 empleos directos en plantilla del Teatro Real).

Además, la contribución al PIB por cada euro de subvención y patrocinio fue del 250%. Esto supone que por cada euro de subvención y patrocinio, el Teatro Real generó una contribución al PIB de 2,5 €.

Asimismo, el Teatro Real ha contribuido a la recaudación por las Haciendas Públicas de 24 millones de euros vía retornos fiscales (IS, IRPF, IVA, SS, Retención por Alquileres y Derechos de Imagen).

Adicionalmente, la actividad de asistentes y organizadores de eventos generó unos retornos fiscales, vía efecto multiplicador, de casi 16,2 millón de euros para la Hacienda Pública en concepto de IS, IRPF e IVA, de los cuales el 43% corresponde a las arcas públicas de la Comunidad de Madrid (7 millones de euros).

Todo ello ha supuesto que fiscalmente se recaudaran 1,8 millones de euros por cada euro de subvención percibida por el Teatro Real.

El estudio también pone de manifiesto que, gracias a la actividad del Teatro Real, el Ayuntamiento de Madrid registró unos ingresos de 0,9 millones de euros en concepto de parking, directamente abonados por el público asistente a las actuaciones y actividades del Teatro Real.

El gasto final realizado por los diferentes agentes participantes en la actividad y eventos del Teatro Real ha sido el principal elemento de tracción económica analizado por Deloitte para estimar el impacto económico del Teatro Real.

En conjunto, los agentes vinculados a la actividad del Teatro Real realizaron en 2017 un gasto total de 67,8 millones de euros, de los cuales 57,4 millones de euros se concentraron en la Comunidad de Madrid.

Destacan como principales agentes de gasto el propio Teatro Real, que representa el 68%. Le sigue, en importancia, el público asistente con un gasto medio de espectador por función de 97,7 euros (estimado a partir del perfil del público obtenido a través varias encuestas, tanto presenciales como online) y representa el 30% del gasto. Por último, el gasto realizado por terceros para la celebración de eventos asciende a 1,4 millones de euros (2% del gasto total en la región madrileña).

Finalmente, el informe pone de manifiesto la importancia del Teatro Real en la oferta cultural de Madrid, evaluada por sus abonados y espectadores, que le han dado una puntuación de 8,4 sobre diez y han valorado con 7,7 puntos el esfuerzo del Teatro Real por la digitalización de contenidos (resultados obtenidos a partir de varias encuestas presenciales y telemáticas realizadas en enero del año 2018).

RESUMEN ACTIVIDAD 2017

La programación artística, con un total de 216 funciones en 2017, de las cuales el 47% fueron títulos de ópera, registró una ocupación media del 92%, acogiendo a más de 240.000 personas. El Real Junior, por su parte, alcanzó una ocupación del 95% de media en sus 79 funciones, de las cuales 56 fueron familiares y 23 escolares, congregando a más de 32.200 jóvenes espectadores.

Junto con ello, más de 100.000 personas participaron en otras actividades del Teatro Real (cursos, conferencias, visitas…) y eventos celebrados en el teatro.

La suscripción de acuerdos con comunidades autónomas para llevar espectáculos del Real a centros culturales y escolares, así como la apuesta por las retransmisiones apoyadas en las nuevas tecnologías, llevó la ópera a millones de personas. Un ejemplo de ello es la retransmisión de la ópera Madama Butterfly, que congregó a más de 120.000 espectadores en plazas, museos, auditorios, teatros, centros culturales y ayuntamientos y llegó a 913.810 personas través de la retransmisión en Facebook y a más de 330.000 a través de Televisión Española.

Asimismo, el Teatro Real continuó su política de promoción y expansión internacional, mediante importantes acuerdos de coproducciones y la suscripción de convenios con instituciones en China y América Latina

www.teatro-real.com

Gala de verano con Davinia Rodríguez  y la Sinfónica de Tenerife

Gala de verano con Davinia Rodríguez y la Sinfónica de Tenerife

Publicado: junio 2018

La soprano canaria cambia de isla después de su triunfal Liù en la Ópera de Las Palmas

Después de enamorar a público y crítica como Liù de Turandot (Puccini) en la Temporada Alfredo Kraus de los Amigos Canarios de la Ópera en Las Palmas de Gran Canaria, la soprano de Moya Davinia Rodríguez viajará a Tenerife para ofrecer un concierto al aire libre junto a la Sinfónica de Tenerife, una velada dirigida musicalmente por el maestro Jader Bignamini –director residente de Orquesta Sinfónica La Verdi de Milán– que incluirá arias del amplio repertorio de la diva canaria y en la que no faltará uno de sus compositores de cabecera: Giuseppe Verdi.

Este concierto marca el regreso de la aclamada cantante española a Tenerife después de que comenzara el actual curso con una gala en La Laguna junto al tenor tinerfeño Celso Albelo. La cita es el 13 de julio en el campo de golf Costa Adeje, en el sur tinerfeño, dirigida especialmente a vecinos de Adeje y a los muchos turistas que en estas fechas inundan la isla canaria enmarcado en el proyecto de promoción cultural Adeje Happy Streets del ayuntamiento local.

Pasado el verano, la recién nombrada Hija Adoptiva de Las Palmas de Gran Canaria iniciará la temporada 2018-19 en el Festival Verdi de Parma (Italia), cuna del famoso compositor italiano, escenario en el que volverá a meterse en la piel del difícil rol verdiano de Lady Macbeth (Macbeth) que debutó la temporada pasada en el Theater an der Wien de Viena junto al Macbeth de Plácido Domingo. Se trata de uno de los papeles más complejos y exigentes de todo el repertorio sopranil, personaje que Davinia Rodríguez domina con comodidad y al que le tiene una gran admiración y respeto.

http://sinfonicadetenerife.es/

http://www.daviniarodriguez.com/

Foto © Giuliano Scalvini

La soprano Hanna-Elisabeth Müller canta a Schumann y Strauss en el Ciclo de Lied

La soprano Hanna-Elisabeth Müller canta a Schumann y Strauss en el Ciclo de Lied

Publicado: junio 2018

El lunes 2 de julio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presenta por primera vez en el Ciclo de Lied a la soprano alemana Hanna-Elisabeth Müller (Mannheim, 1985), que estará acompañada por Juliane Ruf al piano. El programa tiene como protagonistas a dos de los compositores más destacados del género, delimitadores entre el Romanticismo temprano y el muy tardío: Robert Schumann y Richard Strauss. Según Arturo Reverter: "El arte caleidoscópico de esta cantante, que se desenvuelve estupendamente en la ópera italiana más tradicional, resplandece en este mundo más interiorizado". Las últimas entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Müller: sabia juventud

Hanna-Elisabeth Müller estudió con Rudolf Piernay con quien todavía colabora. Galardonada en múltiples ocasiones, la soprano continuó perfeccionando su técnica en clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau, Julia Varady, Elly Ameling y Thomas Hampson. En 2017 hizo su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York como Marzelline (Fidelio) y Jürgen Flimm, debutó en La Scala de Milán como Donna Anna (Don Giovanni) y en la Ópera de Zúrich como Ilia en Idomeneo de Mozart. En  2015 se presentó en Ámsterdam cantando el papel de Sophie en una nueva producción de Der Rosenkavalier. Un año después, se estrenó en el Festival de Ópera de Salzburgo como Zdenka junto a Renée Fleming y Thomas Hampson bajo la dirección de Christian Thielemann. Poco después fue distinguida por la revista Opernwelt como "Artista Joven del Año". Desde 2012 hasta 2016, ha sido miembro de la Ópera Estatal de Baviera, donde interpretó a Pamina, Zerlina, Susanna, Servilia, Gretel, Zdenka, la Infanta doña Clara en The Dwarf de Zemlinski y Sophie en Werther, entre otros.

En la presente temporada ha cantado con la Orquesta Estatal de Baviera en una gira por Japón (Pamina) y en el Carnegie Hall de Nueva York (Sophie en Der Rosenkavalier). En el verano de 2018 volverá a Múnich como Zdenka. Esta versátil cantante es habitual en las salas de concierto más prestigiosas como la Elbphilharmonie de Hamburgo (con la Novena Sinfonía de Beethoven), la Filarmónica de París, Philharmonie Essen, Philharmonie Cologne (con WDR Symphony Orchestra), y el Tonhalle en Düsseldorf. En la temporada 17/18 ha interpretado Ein deutsches Requiem de Brahms con la Orquesta Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Yannick Nézét-Seguin y Sieben frühe Lieder de Berg con la Orquesta Sinfónica de Bilbao y Erik Nielsen.

http://www.cndm.mcu.es/sites/default/files/programa-de-mano/lied_02julio18_hanna-elisabeth_muller.pdf

Crédito foto: Chris Gonz

CRÍTICA - Patricia Petibon: Aires nuevos en el Carlos V

CRÍTICA - Patricia Petibon: Aires nuevos en el Carlos V

Publicado: junio 2018

Festival de Granada

Tras el doble programa francés dedicado a Debussy  a cargo de la fabulosa orquesta Les Siècles,  volvemos a sorprendernos en Carlos V con la  versátil e inclasificable soprano francesa Patricia Petibon y la pianista neoyorkina Susan Manoff.  En un encuentro que mantuvo antes de su primer concierto para este festival con periodistas  y público, definió éste como “un viaje sensorial”. Y así fue, un espectáculo no sólo para el oído, sino también para la vista y para el alma.

Con una selección de repertorio  francés y español, hubo algunas concesiones a autores del Nuevo Continente como  Heitor Villa-Lobos, Carlos Guastavino, Francisco Mignone, Leonard Bernstein y George Gershwin, que aportaron un contrapunto más que refrescante  a un programa que ya de por sí se presentaba variado.

Cada parte del concierto se dividía a su vez en dos partes, donde la primera tenía una mayor carga dramática y la segunda se alejaba radicalmente de dicho dramatismo para acercarse a una comicidad cercana al cabaret. Patricia Petibon es una soprano de coloratura con una tesitura muy amplia y  con una enorme versatilidad vocal que favoreció todos los cambios de registro que requirieron las obras en cada caso. Su enorme experiencia en Música Antigua se puso de manifiesto en la contención vocal, casi desprovista de vibrato con la que abordó  el Beau Soir de Debussy, All through Eternity de Nicolas Bacri, la melancólica Canción del grumete de Rodrigo y Les Berceux de Fauré. Precisión, afinación exquisita, y una línea de canto en ocasiones entrecortada, todo en aras de la máxima expresión de los textos, todos melancólicos y ensoñadores.

El punto culminante de este primer bloque, casi a modo de catarsis fue la Asturiana de Manuel de Falla, donde  la voz de Petibon se tornó amplia, poderosa, tanto en el registro de mezzo como en los agudos. A partir de la Gnossienne de Erik Satie, comenzó a utilizar un somero atrezzo que iba desde telas hasta sombreros de copa, con los que fue escenificando el resto de las piezas más cómicas de la primera parte. Supo dar  la ligereza y frivolidad necesarias al Voyage à Paris de Poulenc, con un canto cercano al sprechtimme del expresionismo – no en vano tiene una espectacular Lulú de Alban Berg en Salzburgo- y el punto de locura al imitar el canto de los pájaros tropicales en la brasileña Doña Janaína de Francisco Mignone.

De nuevo  sobrecogió  al público con la sutil y sensual Mes longs cheveux descendent de la Pelléas y Melisande de Debussy, iniciando después un camino de queja  o “pianto” puestos en boca de una mujer que sufre por amor, a través de La maja  dolorosa de Granados, La rosa y el sauce de Guastavino hasta llegar al paroxismo del dolor y el desgarro en el Allí está riyendo de Manuel de Falla. Las primeras las interpretó con una delicada sutileza de matices vocales que se transformaron en un canto amplio, con el vibrato y la amplitud necesarias que la pieza de Falla requería. Tras un receso, pianista y cantante salieron de nuevo al escenario ataviadas con delantales, gorros de cocinero, ollas, cucharas de palo y objetos de cocina varios con los que ilustraron La Bonne Cuisine de Bernstein.

La vis cómica de Petibon (en un momento llegó a arrojar garbanzos a un público enormemente divertido) y de Susan Mannoff, no distrajo de la musicalidad y a la vez osadía vocal -de nuevo el sprechtimme y el cabaret presentes- con la que la soprano  realizó la obra. Tras un jazzístico y sentimental Bernstein, despidieron el concierto con una Granada de Agustín Lara que hubiera sido más adecuado  como propina y no como cuerpo del programa, pero con el que terminó de  levantar de su sitio a un público ya rendido desde las primeras notas.

En definitiva, un concierto brillante, innovador, sorprendente y casi subversivo, teniendo en cuenta que el Palacio de Carlos V es el sancta sanctorum o espacio insignia del Festival de Música y Danza de Granada y que ha continuado sumando calidad a la programación realizada por el nuevo director, Pablo Heras-Casado.

Mercedes García Molina

Festival de Música y Danza de Granada, Palacio de Carlos V, Alhambra. Jueves 28 de junio. Patricia Petibon soprano, Susan Mannoff, piano. 

Foto: Patricia Petibon: Aires nuevos en el Festival de Granada.
Foto acred: Alfredo Aguilar

 

Presentación de la nueva Temporada 2018-2019 de la Real Filharmonía de Galicia

Presentación de la nueva Temporada 2018-2019 de la Real Filharmonía de Galicia

Publicado: junio 2018

“Archipiélago de sonidos” es el lema de la nueva temporada 2018-2019 de la RFG, constituida por 21 conciertos de abono. La música de las Islas Británicas será el hilo conductor.

También formarán parte de la programación 3 propuestas didácticas, 5 conciertos en barrios, 2 conciertos extraordinarios y conciertos familiares.

La ópera “El holandés errante” de R. Wagner abrirá la temporada, una coproducción con Amigos de la Ópera de Vigo y Amigos de la Ópera de Santiago.

La Real Filharmonía de Galicia se trasladará al Auditorio Nacional de Música para abrir el “XLVI Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música” de la Universidad Autónoma de Madrid.

Destacados solistas y artistas internacionales como Eun Sum Kim, Enrico Onofri, Kun-Woo Paik, Nicholas Angelich, Wayne Marshall o Cristina Franco  compartirán escenario con la RFG.

La Real Filharmonía de Galicia (RFG) presentó la nueva temporada de abono 2018-2019 en su sede, el Auditorio de Galicia. Asistieron al acto el alcalde de Santiago y presidente del Consorcio de la Ciudad, Martiño Noriega; el director titular y artístico de la orquesta, Paul Daniel; la directora técnica de la RFG, Sabela García Fonte; junto al director-gerente del Auditorio de Galicia, Xaquín López.

La RFG celebrará 21 conciertos de abono bajo el lema “Archipiélago de sonidos”, en referencia a la música inglesa, que será el hilo conductor de esta temporada, y en los que se interpretarán obras de compositores británicos como Ralph Vaughan Williams, Cecil Coles, Edward Elgar, William Walton, Frederick Delius, Malcolm Arnold o Jonathan Rathbone. Además, y volviendo a la esencia clásica de la RFG, las “Sinfonías Londres” de F. J. Haydn vertebrarán los diferentes programas de abono.

En el transcurso de la temporada habrá varias referencias a la obra de Oscar Wilde: en marzo, la orquesta interpretará la Suite para el aniversario de la infanta de Franz Schreker, escrita sobre un cuento de Oscar Wilde. Para cerrar la temporada, se interpretará la Balada desde la prisión de Reading, obra que el británico J. Rathbone compuso a partir del texto homónimo de Wilde. En este concierto, que dirigirá Paul Daniel, se contará con la colaboración del actor gallego Carlos Blanco.

Actuaciones gratuitas en los barrios, proyectos didácticos e iniciativas solidarias

En septiembre, la orquestra saldrá a la calle con 4 conciertos gratuitos en barrios de la ciudad: Conxo, Plaza Roja, Fontiñas y Plaza de Abastos. Y se programarán 6 conciertos didácticos para escolares, que podrán disfrutar con la música clásica en 3 propuestas dirigidas a diferentes edades: El Cascanueces, con la compañía de títeres Per Poc, Pangea, con el poliinstrumentista galego Abraham Cupeiro y Mini Mozart, un espectáculo del Serviço Educativo da Casa da Música (Porto).

Con el fin de acercar la música clásica y la RFG a nuevos públicos, continúa el ciclo ¡Descubre una orquestra para ti, la tuya!. Dirigido a las familias y a los que non tienen la oportunidad de asistir habitualmente a los conciertos de abono, ofrece horarios y precios accesibles. En el marco del proyecto “RFG Solidaria”, cada una de estas 5 actuaciones se destinará a dar visibilidad a asociaciones y ONGs que trabajan en la ciudad y en el resto de la comunidad.

Una ópera abrirá la Temporada

La temporada comenzará el 27 de septiembre con la versión concierto de la ópera El holandés errante de R. Wagner, un proyecto en coproducción con la Asociación de Amigos de la Ópera de Vigo y la Asociación de Amigos de la Ópera de Santiago. El título, dirigido por Paul Daniel, contará con las voces de Maribel Ortega, Eduard Martynyuk, Richard Wiegold, Alexander Krasnov, María Luisa Corbacho y Moisés Marín, todos ellos junto al Coro de la Sinfónica de Galicia. Este concierto se repetirá en Vigo el día 29.

En noviembre, dentro del Festival Cineuropa, la orquesta pondrá la banda sonora a la película muda El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene, bajo la batuta del propio compositor de la música, Timothy Brock. El Concierto de Navidad girará a Ferrol y Ourense, y en enero será la ocasión para disfrutar del tradicional Concierto de Reyes, dirigido por Paul Daniel, quien también dirigirá a la orquesta en la Ciudad de la Cultura en el mismo mes.

La música portuguesa será la protagonista en el concierto que la RFG ofrecerá con la extraordinaria fadista Cristina Franco, que contará además con Mário Laginha al piano, Miguel Amaral en la guitarra portuguesa y el maestro luso Pedro Neves.

Obras de jóvenes compositores gallegos

Con motivo de la conmemoración del 60 aniversario del fallecimiento de Andrés Gaos, la RFG hará un encargo muy especial al compositor Joam Trillo: la orquestación de algunas de las canciones de Gaos.

También tendrá lugar la presentación de un doble CD grabado por la RFG en homenaje al compositor ferrolano José Arriola, discípulo de Strauss, con primeras grabaciones mundiales de obras suyas, que se apoyará con una gira de cuatro conciertos en las ciudades de Ferrol, Lugo, Santiago y Vigo.

Por otro lado, la RFG encargará una obra a los compositores gallegos Xabier Mariño y Adrián Saavedra. Siguiendo con el compromiso con la creación contemporánea, la orquesta estrenará en Galicia la obra ganadora del Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA 2017, Nocturno Sinfónico, de Marcos Fernández-Barrero.

Grandes batutas y solistas de renombre internacional

Al frente de la orquesta se pondrán grandes maestros nacionales e internacionales. Debutarán con la RFG Jan Wierzba, Erik Nielsen, Baldur Brönnimann, Wayne Marshall, además de la directora coreana Eun Sun Kim -que ofrecerá un programa con dos obras de mujeres de los siglos XVIII y XIX- y el maestro catalán Francesc Prat; repetirán visita Antoni Wit y Manuel Hernández-Silva, junto al principal director invitado de la orquesta, Jonathan Webb.

Respecto a los solistas invitados, algunos de los cuales llevarán también la batuta, destacan figuras reconocidas como Enrico Onofri, Nicholas Angelich, Isabel Villanueva, Ye-Eun Choi, Wayne Marshall, Berna Perles, Svetlin Roussev, Kun-Woo-Paik o Nicolas Altstaedt. En diciembre, el magnífico clarinetista finlandés Kari Kriikku interpretará el Concierto para clarinete que el compositor Magnus Lindberg escribió para él en una gira de 3 conciertos.

Se continuará con la experiencia CONvers@ndo con, una cita antes de los conciertos, que pretende un acercamiento entre los directores y solistas y el público.

Mayor presencia de la RFG en Galicia

La Real Filharmonía de Galicia ofrecerá 23 conciertos fuera de Santiago. Así, mantiene su compromiso territorial y su vocación de servicio público, articulando musicalmente Galicia entera. Continúa su temporada de conciertos estable en Vigo con 10 actuaciones en el Teatro Afundación; ofrecerá 4 conciertos en el Auditorio de Ferrol, 2 en el Palacio de la Ópera de A Coruña,  2 en el Teatro Principal de Ourense, otros 2 en el Círculo de las Artes de Lugo y 1 en Pontevedra.

La temporada incluye un concierto en octubre en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, donde la orquesta inaugurará e “XLVI Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música”, promovido por el Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid.

http://www.rfgalicia.org/

Foto: La Real Filharmonía de Galicia (RFG) presentó la nueva temporada de abono 2018-2019 en su sede, el Auditorio de Galicia. Asistieron al acto el alcalde de Santiago y presidente del Consorcio de la Ciudad, Martiño Noriega; el director titular y artístico de la orquesta, Paul Daniel; la directora técnica de la RFG, Sabela García Fonte; junto al director-gerente del Auditorio de Galicia, Xaquín López.

CRÍTICA - Sobre pintura musical o música pictórica

CRÍTICA - Sobre pintura musical o música pictórica

Publicado: junio 2018

Madrid (Museo del Prado)

¡Que mejor día que un 21 de junio, Día de la Música, para la puesta en largo de un nuevo proyecto de colaboración donde la música juega un papel fundamental! Nuestra más gloriosa institución pictórica, el Museo del Prado, aúna sus fuerzas con el ICCMU, Instituto Complutense de Ciencias Musicales actualmente bajo la dirección de Álvaro Torrente, para ofrecer un concierto cada vez que se inaugure una nueva exposición temporal pictórica. Y motivos de trasversalidad no van a faltar, sin lugar a dudas.

Prueba de ello es este primer concierto, con motivo de la exposición del hasta ahora ignoto, al menos para la mayoría de los aficionados al arte, pintor veneciano Lorenzo Lotto (1480-1557) con el sexteto vocal de Ratisbona (Regensburg) Singer Pur, con un repertorio de una hora larga de música y una selección cuidadísima de trece piezas corales a cappella, la mayoría a seis voces, en las que el compositor vertebrador del programa, con tres piezas, ha sido Adrian Willaert, no en vano Maestro de capilla de San Marco y estricto coetáneo de Lorenzo Lotto durante su último periodo de estancia en Venecia, y que a  buen seguro se hubieron de conocer en aquella Venecia del XVI. He aquí una primera conexión.

Dos ejemplos más: para la ilustración del San Jerónimo de Lotto se escuchó el motete Gloriose confessor Domini, escrito por Francisco Guerrero para la celebración de San Jerónimo el 30 de septiembre, en el cual por cierto calaron; y la música de Cipriano de Rore, que también fuera con posterioridad Maestro de Capilla en San Marco, y un poco más joven que Lotto, con su chanson Susanne un jour, ilustra a la perfección el tema clásico de Susana en el baño y los viejos, del cual Lotto realizó también una bella muestra.

Singer Pur es un inusual conjunto vocal que está en activo desde 1994 como sexteto, inusual porque consta de una soprano, un contratenor, dos tenores, y dos barítonos. De afinación impecable, uno de sus rasgos es que no buscan la fusión de timbres, sino que más bien prefieren que cada línea vocal sea perfectamente entendible, lo cual promueve en el oyente un juego lúdico-vocal de gran atractivo. Del repertorio ofrecido, en su mayor parte del primer Renacimiento, también  cinco piezas eran de autores aún vivos y en activo, como Pärt, Lauridsen, Schanderl o Gavin Bryans, con una musicalización de Cantai or Piango que se hermanó con el madrigal de igual título de Willaert y sirvió como cierre del concierto. El único déficit de Singer Pur es la falta de presencia de una línea de bajo sonora, pues a pesar de que por tesitura Marcus Schmidl consigue cantar un sol, fa o mi graves, no tienen cuerpo esos sonidos y como consecuencia los cimientos de los acordes no provocan la aparición de los armónicos.

En cualquier caso, el concierto ha supuesto una primera piedra firme y sólida en un ciclo del que anunciaron su continuidad para el próximo curso y que se prevé de gran calidad tanto en lo musical como en la selección del repertorio. Y que podría ver incrementado su impacto entre los asistentes si pudieran aparecer más evidentes las conexiones entre cuadros y músicas con la simple proyección del lienzo que origina la sugerencia musical, algo poco costoso y que, sin dudarlo, haría la experiencia sonora más completa.

Jerónimo Marín

Museo del Prado, Madrid. Singer Pur. 21-06-18. 

Más Info, haga "clic" en: Museo del Prado 

Foto: El conjunto vocal Singer Pur (foto de Marku Samon). 

Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart

Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart

Publicado: junio 2018

El programa, con dirección de Günther Herbig, incluye la Rapsodia española de Ravel y la Sinfonía nº 1 “Primavera” de Schumann.
El concierto tendrá lugar el viernes 29 de junio en el Auditorio Alfredo Kraus a las 20.00.

La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) ofrece el viernes 29 de junio su decimoséptimo concierto de la temporada de abono 2017-2018, un programa compuesto por obras de Ravel, Mozart y Schumann bajo la dirección de Günther Herbig, su principal director invitado.

En este nuevo programa de la temporada del conjunto sinfónico del Cabildo de Gran Canaria tendrá lugar el debut de Matthias Kirschnereit, uno de los más señalados intérpretes del piano en Alemania y  ganador de un premio ECHO-Classic. Kirschnereit es un artista heredero de una tradición que, a través de figuras de su país como Kretschmar-Fischer, Conrad Hansen, Edwin Fischer y Martin Krause, nos lleva directamente a Franz Liszt.

Músicas de los siglos XVIII, XIX y XX

El concierto de la OFGC, como señala José Luis García del Busto en las notas al programa, está compuesto por “una obra orquestal de configuración formal libre (del siglo XX), un concierto para instrumento solista y orquesta (del XVIII) y una sinfonía (del XIX)”, lo que nos permite “observar la evolución experimentada por la música europea durante tres etapas claves de su desarrollo: el Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo”.

El clima de sensualidad y misterio que evoca Maurice Ravel en su Rapsodia Española de 1908, con su magistral amalgama de ritmos, timbres y armonías, sirve de contrapunto al tono oscuro y amenzador que preludia al Concierto para piano nº 20 de Wolfgang Amadeus Mozart (1785), pieza muy alejada del aura optimista y despreocupada que el genio salzburgués había convertido en divisa de sus conciertos vieneses hasta aquel momento. Lejos de las convenciones galantes, Mozart da un importante salto conceptual en esta página protorromántica y de fuerte carga dramática, que, comprensiblemente, fue objeto de auténtica veneración por parte de Beethoven, quien escribió para él sendas cadenzas.

Günther Herbig culmina la velada con una de las piezas emblemáticas del sinfonismo romántico, la Sinfonía nº 1 “Primavera” de Robert Schumann, partitura de inspiración poética en la que el compositor alemán, sin separarse sustancialmente de la estructura formal heredada de Beethoven, deja oír ya una voz personal e inconfundible.

Entradas
Las localidades para el concierto (32, 26, 19, 15 y 13 euros) pueden adquirirse a través de ofgrancanaria.com y en la taquillas del Auditorio Alfredo Kraus y el Teatro Pérez Galdós.
Hay descuentos especiales para estudiantes, desempleados y mayores de 65 y menores de 26 años.


Concierto de abono 17 temporada 17/18
ORQUESTA FILARMÓNICA DE GRAN CANARIA
GÜNTHER HERBIG director
MATTHIAS KIRSCHNEREIT piano
           
RAVEL                Rapsodia española
MOZART    Concierto para piano nº 20
SCHUMANN    Sinfonía nº 1 “Primavera”

Viernes 29 junio 2018, 20.00 h
Auditorio Alfredo Kraus

GÜNTHER HERBIG
principal director invitado
Günther Herbig es uno de los más destacados directores de la escena musical internacional. Su carrera se ha desarrollado con especial fuerza en América desde 1980. Ocupó durante seis años el puesto de Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Detroit y posteriormente el de Director Titular de la Sinfónica de Toronto durante cinco años, cargo que dejó en 1994 para poder dirigir con más frecuencia en Europa. Continúa viviendo en Michigan.

Empezó su aprendizaje musical con Hermann Abendroth en la Academia Franz Liszt en Weimar. Continuó sus estudios con Hermann Scherchen y fue uno de los pocos estudiantes elegidos para estudiar con Herbert von Karajan, con quien trabajó durante dos años. En 1972 se convirtió en Director General de Música de la Orquesta Filarmónica de Dresde, y desde 1977 a 1983 ocupó la misma posición con la Orquesta Sinfónica de Berlín, antes de trasladarse a América. Debido a la situación política en la Alemania del Este, la primera oportunidad de Günther Herbig para dirigir en Occidente no llegó hasta 1979, cuando fue invitado a ocupar el cargo de Principal Director Invitado de la Sinfónica de Dallas.

Con posterioridad a su traslado a Estados Unidos en 1984 ha dirigido a todas las grandes orquestas americanas: Filarmónicas de Nueva York y Los Angeles, Sinfónicas de Chicago, Boston y San Francisco y Orquestas de Filadelfia y Cleveland. Hizo giras por América con la Sinfónica de Detroit, recibiendo grandes elogios en sus numerosas actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Con esta misma orquesta y Gidon Kremer como solista realizó una gira por Europa en 1989. En 1990 visitó el Lejano Oriente con la Sinfónica de Toronto y en 1991 Europa con esta misma orquesta, su 37ª gira internacional con orquesta. Desde 1990 a 1997 fue Profesor de Dirección en la Universidad de Yale, ofreciendo una clase magistral semanal cada trimestre.

Su carrera en la Europa Occidental comenzó en Gran Bretaña en 1979, cuando fue invitado a convertirse en Principal Director Invitado de la Orquesta Filarmónica de la BBC, pero hasta 1984, tras abandonar Alemania Oriental, no tuvo oportunidad de dirigir en Europa con regularidad. Rápidamente fue invitado por las otras grandes agrupaciones británicas, incluyendo la Sinfónica de Londres, la Philharmonia y la Royal Philharmonic. Desde entonces ha dirigido a la mayor parte de las principales orquestas europeas y ha hecho numerosas giras a Japón, Sudamérica y Australia.

Ha grabado más de 100 obras, algunas de ellas con orquestas de la Alemania del Este con las que estuvo asociado antes de su traslado a Europa Occidental, habiendo realizado desde entonces registros con algunas de las orquestas de Londres, entre ellas la Filarmónica de la BBC.

En 2001 se convirtió en Director Titular de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken por un período de tres años con vistas a reconstruir la orquesta y elevar su nivel. El éxito se vio reflejado en algunos conciertos transmitidos por las televisiones francesa y alemana y Günther Herbig renovó su contrato hasta 2006. La drástica reducción de las subvenciones a todas las orquestas de radio alemanas en 2005 impidió al Maestro Herbig renovar su contrato más allá de ese año.

Merece destacarse su invitación para dirigir en el Festival de Edimburgo de 2001 el mismo programa que fue tocado en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808, cuando Beethoven presentó y dirigió el estreno de su Sinfonía Pastoral. Este programa de tres horas dispuesto por Beethoven incluía la Sinfonía nº 6, Ah! Perfido, el “Gloria” de la Misa en Do mayor, el Concierto para piano nº 4, la Sinfonía nº 5, el “Sanctus” de la Misa en Do mayor y la Fantasía Coral. El concierto fue visto también en la cadena BBC.

Günther Herbig es Principal Director Invitado de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria desde la temporada 2006-2007.

MATTHIAS KIRSCHNEREIT piano
Matthias Kirschnereit es uno de los más fascinantes y destacados pianistas alemanes de su generación. Galardonado con un premio ECHO-Classic, ofrece cada año 50 conciertos y es celebrado como un “poeta del piano” (Süddeutsche Zeitung). En este sentido, persigue su ideal artístico de encontrar y comunicar las emociones musicales, la historia y el elemento humano de las obras. Él mismo se ve en la tradición alemana que, a través de Kretschmar-Fischer, Conrad Hansen, Edwin Fischer y Martin Krause, lleva directamente a Franz Liszt.

Ha dado conciertos con prestigiosas orquestas como la de la Tonhalle de Zúrich, Residencia de La Haya, Filarmónica de San Petersburgo, Sinfónica de la SWR de Stuttgart, Konzerthausorchester de Berlín, Sinfónica de Bámberg, Camerata de Salzburgo, Cámara de Múnich, y colaborando con reconocidos maestros como Hartmut Haenchen, Bruno Weil, Christopher Hogwood, Carl St. Clair, Sándor Végh, Michael Sanderling, Frank Beermann, Alexander Liebreich, Yuri Temirkanov y Alondra de la Parra.

Sus actuaciones tienen como escenario importantes salas como la Konzerthaus y la Philharmonie de Berlín, Herkulessaal de Múnich, Festspielhaus de Baden-Baden, Théâtre des Champs Elysées de París, Tonhalle de Zúrich, Sala Verdi de Milán, Rudolfinum de Praga, Teatro Municipal de Santiago de Chile, Suntory Hall de Tokio y Shanghai Oriental Art Center. Igualmente importantes para él son los momentos de intimidad musical camerística durante sus recitales, donde cautiva al público con  sus matizadas pero intensa interpretaciones.

Su verdadera pasión es la música de cámara. Entre sus colegas musicales se encuentran nombres como Christian Tetzlaff, Sharon Kam, Alban Gerhardt, Daniel Müller-Schott, Felix Klieser, Carolin Widmann, Ingolf Turban, Julian Steckel, Nils Mönkemeyer, Kit Armstrong, el Cuarteto Klenke, el Cuarteto Vogler y el Cuarteto Verdi.

Desde 2012 Matthias Kirschnereit es director artístico del Gezeitenkonzerte Ostfriesland, un festival entre amigos que gana renombre año tras año.

Ha publicado 30 CDs, incluyendo los habituales conciertos completos para piano de Mozart y Mendelssohn o grabaciones referenciales de repertorio inhabitual como los conciertos para piano de Julius Röntgen o los arreglos para piano de los conciertos para órgano de Haendel. “¡Kirschnereit merece todas las aclamaciones que está recibiendo!“ fue el veredicto de la revista de Londres Gramophone Magazine en relación a sus discos con obras de Schumann (“Scenes”, 2010) y Schubert (“Wanderer Fantasy”, 2012). Su disco Brahms (2017) recibió calificativos en Fono Forum como “éxtasis controlado”, “ardiente intensidad” y “potencialmente adictivo”.

Su éxito en varios concursos -Deutscher Musikwettbewerb, Concurso Géza Anda de Zúrich, así como certámenes para piano en Sydney y Pretoria- impulsaron su carrera internacional a principios de los 90. Hasta entonces, su trayectoria  era poco convencional: nacido en Westphalia, dejó Alemania a los 9 años para establecerse en Namibia con su familia. A pesar de su fascinación por la cultura de África del Sur, pronto comprendió que su sueño de ser pianista solo podría llevarse a cabo en Alemania. Tras volver a su casa él mismo a los 14 años, comenzó a estudiar con Renate Kretschmar-Fischer en la Academia Musical de Detmold. Otros impulsos artísticos le llegaron a través de su intensa colaboración Murray Perahia, Claudio Arrau, Bruno Leonardo Gelber y Oleg Maisenberg.

Sus ideales artísticos y la experiencia de su actividad concertística los transmite a las generaciones futuras como profesor en la Escuela de Música y Teatro de Rostock. En su tiempo libre su interés se traslada a la pintura, fútbol y la cocina italiana. Vive en Hamburgo con su familia.

ORQUESTA FILARMÓNICA DE GRAN CANARIA

Tras una larga etapa de actividad sinfónica ininterrumpida que se remonta a 1845, la actual Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) surge como tal al amparo de la fundación pública del mismo nombre creada por el Cabildo de Gran Canaria en 1980. Desde entonces viene desarrollando una actividad musical continuada y estable, con un notable aumento de sus prestaciones sinfónicas y líricas.

Entre las figuras más destacadas que han dirigido la orquesta cabe señalar a Rudolf Barshai,  Frans Brüggen,  Rafael Frühbeck de Burgos, Bernhard Klee, Leopold Hager, Christopher Hogwood, Thomas Hengelbrock, Raymond Leppard, Jesús López Cobos, Iván Martín, John Nelson, Trevor Pinnock, Mstislav Rostropovich, Pinchas Steinberg, Ralf Weikert, Antoni Wit, así como Adrian Leaper, que fue su director titular entre 1994 y 2002, y Pedro Halffter, director artístico y titular entre 2004 y 2016.

Muchos han sido asimismo los solistas que han actuado con la OFGC, desde las grandes voces de la lírica: Montserrat Caballé, José Carreras, Plácido Domingo, Elina Garanca, Matthias Goerne, Alfredo Kraus, Petra Lang, Felicity Lott, Anne Sofie von Otter, René Pape, hasta los más reconocidos instrumentistas: Joaquín Achúcarro, Steven Isserlis, Janine Jansen,  Isabelle van Keulen, Katia y Marielle Labèque, Alicia de Larrocha, Nikolai Lugansky, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Daniel Müller-Schott, Eldar Nebolsin, Cécile Ousset, Maria João Pires, Mstislav Rostropovich, Fazil Say y Frank Peter Zimmermann, entre otros.

La OFGC ha participado en los más importantes ciclos sinfónicos españoles y ha hecho giras a Alemania, Austria, Suiza, Japón y China. Gran trascendencia han tenido los conciertos multitudinarios ofrecidos en el Gran Canaria Arena, en el Estadio de Gran Canaria junto a Sting y Raphael, con artistas canarios como José Vélez o Luis Morera, y en la Terminal de Contenedores del Muelle de la Luz dentro del Festival de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria Temudas, junto al Coro de la OFGC y el Coro Infantil de la OFGC.

La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria realiza una intensa labor de difusión de la música en los diferentes municipios de Gran Canaria, además de numerosas acciones y proyectos de carácter social.

Su discografía incluye registros para Deutsche Grammophon, Warner Music, Arte Nova, ASV y la colección “La mota de polvo” en AgrupArte.

La OFGC se caracteriza por su ejemplar programación de conciertos didácticos dirigidos a escolares y familias, a través de un Servicio Pedagógico cuyas campañas de conciertos escolares y actividades de apoyo al profesorado mueven a gran parte de los centros educativos de la Isla. La OFGC se ha incorporado a la Red de Organizadores de Conciertos Educativos y Sociales (ROCE).

Fue distinguida con el “Can de Plata” del Cabildo de Gran Canaria en el 92 aniversario de la Corporación y con el Premio de las Artes y de la Ciencia Canarios en el Mundo del periódico El Mundo y el Cabildo de Gran Canaria.

Karel Mark Chichon es Director Artístico y Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria desde mayo de 2017.
Günther Herbig es Principal Director Invitado desde la temporada 2006-2007.
 

www.ofgrancanaria.com 

Foto: Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart.

La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical

La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical

Publicado: junio 2018

Leonidas Kavakos, reconocido como uno de los mejores violinistas del mundo, ha firmado un contrato exclusivo con Sony Classical, sello al que regresa y para el cual Kavakos ha grabado previamente el Concierto para Violín de Mendelssohn, y los Conciertos para Violín de Mozart, dirigiendo y tocando con la Camerata de Salzburgo. Recientemente, Kavakos se unió a Yo-Yo Ma y Emmanuel Ax en la exitosa grabación de los Tríos de Brahms para el mismo sello. El primer proyecto en solitario de Kavakos con Sony es el Concierto para Violín de Beethoven, que él dirige e interpreta con la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Este será seguido por otro proyecto que incluye la grabación completa de las Sonatas y Partitas de Bach.

Kavakos, nacido y residente en Atenas, es un artista de calidad excepcional, aclamado por su técnica inigualable, su talento cautivante y exquisita musicalidad al igual que por la integridad de su interpretación. A principios de su carrera, tres premios importantes lo ayudaron a convertirse en una estrella internacional: en 1985 ganó el Concurso Sibelius y el 1988, ganó los Concursos Naumburg y Paganini. En la actualidad, aparece junto a las orquestas y directores más celebrados del mundo, y con frecuencia actúa en los festivales y salas más destacadas a nivel internacional. Esta temporada, ha sido Artista residente en el Concertgebouw de Ámsterdam y el Vienna Musikverein, y en la temporada anterior, lo hizo con la Filarmónica de Nueva York. En la temporada 2018/19 será artista residente con la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. 

En 2017, fue distinguido con el Léonie Sonning Music Prize, el honor musical más prestigioso de Dinamarca. Otros ganadores de este reconocimiento fueron Igor Stravinsky, Leonard Bernstein, Dmitri Shostakovich, Sir Simon Rattle, Mariss Jansons y Daniel Barenboim.

Leonidas Kavakos recibió el Premio Gramophone al Artista del año en 2014, por el voto del público, y ganó el Premio Gramophone al Concierto del año en 1991 por su grabación de la versión original del Concierto para Violín de Sibelius (1903/4), la primera que se hacía de este trabajo.

Los críticos describen el talento único de Kavakos con superlativos. En una crítica memorable, The Times escribió: “No recuerdo cuando fue la última vez que escuché semejante ovación del público en el Barbican Hall. Y luego, uno a uno, los asistentes se pusieron de pie. No era una diva: era Leonidas Kavakos al final de su interpretación del Concierto para violín de Sibelius.”

Kavakos se siente tan cómodo con una batuta en la mano como con un arco de violín, y ha desarrollado una sólida carrera como director. Como tal, ha trabajado con la London Symphony Orchestra, la New York Philharmonic, la Boston Symphony y la Chamber Orchestra of Europe, entre muchas otras agrupaciones. 

Leonidas Kavakos actualmente toca uno de los mejores instrumentos del mundo, el Stradivarius   ‘Willemotte’ de 1734, creado cuando el Maestro tenía noventa años. “Me impresionó la electricidad e intensidad que corona la oscuridad subyacente”, comentó Kavakos en una entrevista para The Strad magazine.                           

Leonidas Kavakos, un artista sin igual que actualmente está en la cima de su carrera, dice acerca de su nueva relación con Sony Classical:

“Es muy emocionante volver a Sony Classical para tocar algunas de las piezas más importantes y exigentes del repertorio de violín. Después de grabar música de Mozart, Mendelssohn y Brahms, me centro en el glorioso Concierto para violín de Beethoven y las Sonatas y Partitas de Bach. ¡Maravilloso! En un mundo en el que predomina  el ‘ruido’ visual y acústico, las grabaciones ofrecen un momento de comunión muy personal e íntimo con la esencia de la música y, por lo tanto, una manera de autodescubrimiento. Estoy encantado de unirme a la familia Sony Classical y compartir su misión de llevar la música de los grandes maestros a la gente de cada rincón del planeta.”

Bogdan Roscic, presidente de Sony Music Masterworks, añadió:

“Parece que Leonidas Kavakos está en su mejor momento. Pocos músicos disfrutan del respeto de sus colegas como él. Viendo el nivel de compromiso que han asumido algunos de los directores y orquestas más importantes con Leonidas, es un excelente momento para dar la bienvenida a este destacado artista a Sony Classical. Nuestro objetivo es crear con él nuevas grabaciones de referencia de algunas de las piezas más importantes del repertorio de violín durante muchos años.”  

http://www.sonyclassical.es/

Foto: La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical.
© Marco Borggreve 

Nueva temporada en el Teatro Apolo de la Camerata Musicalis

Nueva temporada en el Teatro Apolo de la Camerata Musicalis

Publicado: junio 2018

El exitoso espectáculo ‘¿Por qué es especial?’ iniciará el próximo 7 de octubre su segundo ciclo en el coliseo de la madrileña Plaza de Tirso de Molina

La orquesta dirigida por Edgar Martín ofrecerá un programa cargado de referencias populares y de autores que requieren de una mayor difusión

El mejor sentido del humor se seguirá combinando con el rigor musical en un show que contará con directores e intérpretes invitados

Grandes clásicos, como Mozart o Bach, y compositores que merecen una mayor difusión, como Bruch o Fauré, forman parte del programa de la nueva temporada del espectáculo de divulgación musical ‘¿Por qué es especial?’ de la orquesta sinfónica Camerata Musicalis, presentado hoy en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Tras los éxitos obtenidos durante este año, la primera orquesta residente del tradicional coliseo de Tirso de Molina iniciará el próximo 7 de octubre un nuevo ciclo de su transgresor espectáculo, en el que combina la interpretación de grandes sinfonías con explicaciones cargadas de humor y diversión a cargo del maestro Edgar Martín, creador de este peculiar formato.

Camerata Musicalis volverá a estar en el Nuevo Apolo el primer domingo de cada mes desde octubre de este año y hasta junio de 2019 con sus tradicionales conciertos divulgativos, con los que acerca la música clásica a todos los públicos.

La nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’ incluirá cada mes un compositor y una obra diferentes. El pistoletazo de salida a su nuevo programa lo pondrá la ópera, que dará paso al ‘Réquiem’ de Fauré en noviembre y a la ‘Sinfonía del nuevo mundo’ de Dvorak en diciembre.

Camerata Musicalis dará la bienvenida al 2019 con la sinfonía ‘Júpiter’ de Mozart. En febrero, volverá lo mejor de la zarzuela al Nuevo Apolo, mientras que en marzo se interpretará el concierto para violín número 1 de Bruch.

Tres grandes clásicos como Beethoven, Bach y Tchaikovsky completan el programa de la nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’, en la que volverán a participar prestigiosos directores, cantantes y solistas invitados, como Yago Mahúgo, Jordi Mora o la prometedora violinista María del Mar Jurado, ganadora del certamen nacional Intercentros.

“Se trata de un programa bastante romántico, en el que hemos querido combinar grandes clásicos con autores menos conocidos a nivel popular, pero con los que vamos a descubrir extraordinarias obras de la mano de los grandes músicos que conforman Camerata Musicalis”, afirmó Edgar Martín durante la presentación de la nueva temporada.

El maestro se mostró especialmente orgulloso de que el Teatro Nuevo Apolo haya apostado por una nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’. “Un segundo ciclo supone para nosotros una mayor responsabilidad, que asumimos con una motivación especial para seguir demostrando que la música clásica es apta para todos los públicos. Para nosotros es un verdadero sueño que Summum Music nos permita seguir acercando a tanta gente este género los domingos por la mañana”, explicó Martín.

Los conciertos de Camerata Musicalis volverán a esconder durante esta temporada grandes sorpresas, con divertidos cameos de rostros muy reconocibles para el gran público, que harán su particular aportación a un espectáculo familiar y apto para todas las edades.

‘¿Por qué es especial?’ mantendrá su combinación de diversión y entretenimiento con el rigor musical, al que contribuye también la presencia de destacados invitados. Uno de ellos será el clavecinista Yago Mahúgo, referente internacional de este instrumento.

“Yo soy un firme entusiasta del concepto que ha desarrollado Camerata Musicalis. ‘¿Por qué es especial?’ es de las mejores cosas que se han hecho en los últimos tiempos en el mundo de la música clásica, porque es capaz de enseñar y divertir al mismo tiempo”, afirmó el famoso clavecinista durante la presentación.

El público dispone ya de la posibilidad de adquirir abonos para toda la temporada de un ‘¿Por qué es especial?’ que arrancará su nuevo programa el 7 de octubre en el Teatro Nuevo Apolo, donde estará presente el primer domingo de cada mes al mediodía.

http://cameratamusicalis.com/

Foto: De izquierda a derecha, el clavecinista Yago Mahúgo y el director de Camerata Musicalis, Edgar Martín.

El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied

El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied

Publicado: junio 2018

El lunes 25 de junio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presenta por primera vez en el Ciclo de Lied a Xavier Sabata, uno de los contratenores más importates de la actualidad, que estará acompañado por Anne Le Bozec al piano. El ambicioso, insólito y heterogéneo programa, cantado en catalán, italiano, griego y francés está formado por obras de Giovanni Battista Perucchini, Déodat de Severac, Manos Jatzidakis, Federico Mompou, Luciano Berio y Manuel de Falla. El hilo conductor de esta variada selección nos hace viajar a las músicas populares. Según Enrique Martínez Miura: "Varios de los compositores del presente programa, caso de Falla y Berio, encontraron en la música popular una manifestación poética que les sirvió de acicate para la creación de su propio mundo sonoro. En las canciones de Déodat de Séverac está presente este fenómeno, recubierto además por una capa de regionalismo occitano. No es muy habitual en las salas de concierto de España el compositor griego Manos Jatzidakis, bien conocido por los cinéfilos empedernidos, pero en su país de origen es todo un mito, en cuya imagen se refleja la canción griega del último medio siglo. El compositor no solo se relacionó con el cine, puesto que también compuso música incidental con una estrecha colaboración con el Teatro del Arte de Atenas. El viaje definitivo es una atípica canción para voz sola escrita por Mompou en 1947 sobre un poema de Juan Ramón Jiménez. Luciano Berio tuvo una actitud muy distinta hacia la música popular. El compositor italiano buscaba crear una unidad nueva entre las canciones procedentes de ese acervo y su estilo personal.".

Las últimas entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Sabata: el contratenor inquieto

Nacido en Avià, Barcelona, se graduó en Interpretación teatral en el Institut del Teatre de Barcelona. Paralelamente cursó estudios superiores de saxofón. Entre los años 2002/06 estudia en el Departamento de Música Antigua de la ESMUC, en el aula de Marta Almajano. Luego continua estudios en Alemania en la Hochshule de Karlsruhe en Liedgestaltung con Hartmut Höll y Mitsuko Shirai. En 2005 participó con William Christie y Les Arts Florissants en Le Jardin des Voix. Ha colaborado y trabaja habitualemnte con orquestas como la Orquesta Barroca de Venecia de Andrea Marcon, Europa Galante de Fabio Biondi, El Concierto Español de Emilio Moreno, Al Ayre Español de Eduardo López Banzo, Forma Antiqua, La Risonanza, I Barocchisti, Los Músicos de su Alteza de Luis Antonio González, Laberintos Ingeniosos de Xavier Díaz-Latorre, La Tempestad, Ensemble Pulcinella de Ophéle Gallard, Washington Symphony Orchestra y Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Sabata desarrolla su actividad operística en teatros de ópera como el Gran Teatre del Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Oviedo, el Teatro de la Fenice de Venecia, el Teatro de Champs-Élysées en París, el Teatro de Caen, el Gran Teatro de Luxemburgo, el Teatro de Nancy, el Lincoln Center en Nueva York, el Festival de Aix-en-Provence, el Teatro de Montecarlo, el Teatro de Friburgo y Theater Basel. Se ha presentado en salas de concierto como el Auditorio de Barcelona, el Palau de la Música Catalana, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París, el Kennedy Center de Washington DC y el Barbican Center de Londres, entre otros.

Ha cantado los papeles de Ottone, Arnalta y la Nodriza en diferentes producciones de L’incoronazione di Poppea y Pisandro de Il ritorno d’Ulisse in patria, ambas de Monteverdi, Ruggiero del Orlando Furioso de Vivaldi, Perseo de Andromeda liberata de Vivaldi y otros autores, Gernando de Faramondo y Ottone de Agrippina, ambas de Haendel, el Príncipe Go-Go de Le Gran Macabre de Ligeti, la Madre de Il Sant’Alessio de Landi y Endimione de La Callisto de Cavalli, entre otros. Ha desarrollado una serie de proyectos a partir de la vida de varios personajes: Undercastration, sobre Francesco Bernardi y Senesino, así como La gacetilla de Alonso de Arrendó, capón. Sabata ha grabado para las discográficas Harmonia Mundi Ibérica, EMI-Virgen Classics y Faramondo de Haendel con I Barocchisti, Cencic y Jaroussky. Para Aparté grabó Bad Guys, con arias de Haendel, junto a Il Pomo d’Oro y Riccardo Minasi.

http://www.cndm.mcu.es/es/lied/xavier-sabata-contratenor-anne-le-bozec-piano/lunes-25-junio-2018-2000

Foto: El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied.

 

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