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Andrei Korobeinikov

Andrei Korobeinikov

Publicado: Mayo 2016
Pianista excepcional

Su triunfante debut con la Orquesta de París y Yutaka Sado en la nueva Philharmonie, la exitosa gira por el Reino Unido con la Filarmónica de Dresde y su tour por Europa con el violinista Vadim Repin han convertido al extraordinario pianista en protagonista de la actualidad musical. Conversamos con Andrei Korobeinikov (Moscú, 1986), unos días antes de su actuación en España este mes de mayo. 

Alexander Scriabin ocupa un lugar especial entre sus compositores favoritos, es uno de los grandes expertos del pianista y compositor moscovita, y eligió Scriabin para su primera grabación en CD, que recibió un Choc du Monde de la Musique y el Diapason d’Or. ¿Por qué Scriabin? 

Scriabin es realmente uno de los genios más increíbles y mágicos de la música clásica. Y, además, se trata de un pianista muy interesante, que creó su propio estilo al piano y, extrañamente, me resulta muy cómodo. Al mismo tiempo, le adoro y, en efecto, yo creo en su particular misticismo, que se encuentra en cierto modo entre Nietzsche y el simbolismo ruso. Una vez escribió en su diario: “¡Yo soy Dios!”, en el sentido de que creó su mundo ¡Y realmente sí lo hizo en términos de sonido! En su Prometheus para piano y orquesta, el pianista es el símbolo del Hombre y toca la frase “¡Yo soy!,  así que tocar la música de Scriabin es mi “¡Yo soy!” en la música.

En Madrid, interpretará la famosa Rapsodia sobre un tema de Paganini de otro de sus compositores de cabecera junto a la Filarmónica de San Petersburgo. ¿Cuál es el mayor reto para un pianista a la hora de enfrentarse a Rachmaninov? ¿Qué tienen en común las obras de Schubert, Liszt y Beethoven, que ha unido en un mismo programa para su recital de Valencia?

Creo que sus bonitas melodías inacabadas, su mágico romanticismo y su apasionada energía, convierten a Rachmaninov en el compositor favorito de casi cualquier pianista porque, además, escribió de forma magistral y descubrió nuevas posibilidades a nuestro instrumento. Tocar sus últimas obras es algo asombroso, porque parecen obras del siglo XX, con su potencia, ritmos, energía, oscuro misticismo…, especialmente en la Rapsodia de Paganini, donde uno necesita tener una complicidad especial con el  director y la orquesta. Esta obra es triplemente demoníaca: Rachmaninov mismo, Paganini y el motivo del Dies Irae… En cuanto al recital de Valencia, el nexo de unión podría ser la Divina Comedia de Dante Alighieri. Para mí, los dos movimientos de la última Sonata de Beethoven son como el Purgatorio en un sentido amplio y el Paraíso (Arietta). La Sonata Dante de Liszt está dedicada claramente a la historia de Paolo y Francesca…, así que sería el Infierno. La música de Schubert es divina, pero estos Impromptus son especialmente la oración. Además, escogí este programa porque me encanta la sala “José Iturbi” de Valencia, y creo que es ideal para un recital de piano.

¿La enseñanza en los conservatorios rusos se centra en desarrollar más las capacidades expresivas del intérprete que las técnicas?

Cuando me preguntan por la escuela rusa siempre dudo qué responder porque, de hecho, tenemos muchas y muy diferentes escuelas, que incluso son antagónicas. Me imagino que tratan de unir a los diferentes Richter, Gilels, Pletnev, Horowitz, Sokolov, Rachmaninov... en una sola entidad. Hay dos cosas especiales en la educación musical rusa: las asociaciones artísticas a la hora de construir la imagen, es decir, a partir de pinturas, literatura, cine... Y, además, una amplia educación teórica e histórica. Me gradué en el RCM de Londres también, por lo que puedo comparar. En Moscú, por ejemplo, a los pianistas, los profesores nos hacían conocer óperas, sinfonías, polifonía, etc. Posiblemente tenga razón, efectivamente, la expresividad siempre ha estado presente en el arte ruso, pero la mayoría de los pianistas rusos, además, han adquirido una gran técnica debido a la rigurosa educación escolar desde niños.

¿Qué proyectos más inmediatos esperan a Andrei Korobeinikov?

Me esperan varios recitales en Alemania, en concreto en las ciudades de Berlín (Konzerthaus) y Leipzig, así como en los estupendos Festivales de Verano en Francia. En octubre, haré mi debut en Viena en la mítica Musikverein con la Sinfónica de Viena y Vladimir Fedoseyev, y pronto tendré también debuts orquestales en Eslovenia, Chile y Noruega, así que me esperan muchos conciertos, muchos países… Y si hablamos de nuevos experimentos, estoy preparando un proyecto único con mi amigo Stanislav Makovsky, que es un compositor vanguardista y también improvisador. Vamos a presentar unas fantasías para piano escritas como si fueran improvisaciones combinadas con electrónica en vivo, improvisada también. ¡Es fantástico sentir tu vida como si fuera una improvisación!

Lorena Jiménez

Foto: Andrei Korobeinikov actuará en España este mes de mayo.
Acred: © Irene Zandel 

http://www.korobeinikov.com/

Macarena Martínez

Macarena Martínez

Publicado: Mayo 2016
Violín solo, pero no solo violín

Conocimos recientemente a la sensacional violinista por un estupendo CD que criticamos elogiosamente en el número de febrero de 2016. Ahora, Macarena Martínez nos cuenta sus impresiones actuales y sus proyectos, enmarcados en nuevos repertorios y la enseñanza.

¿Qué proyecto está realizando actualmente?

Actualmente estoy tocando a dúo con Juan Escalera al piano repertorio francés y español del XIX y XX. Es una música fabulosa y que tienen mucho en común, han bebido la una de la otra y creo que definen mucho el carácter español. En el extranjero tiene mucho éxito, hemos tocado en Praga y  recientemente en Londres, donde tuvo una gran acogida. También suelo tocar con una estupenda pianista italiana con quien he debutado recientemente en su país, Barbara Panzarella, algo que me enriquece enormemente. Una de las cosas más importantes para un músico es trabajar con otros artistas de diferente procedencia, esto te hace un músico más completo para poder ofrecer una visión renovada de las piezas y que te permita conectar mejor con el público.

Su grabación reciente de un CD con obras para violín solo de Bach, Paganini, Ysaÿe y Prokofiev ha tenido buenas críticas…

Ha sido mi primer CD, un proyecto independiente muy personal, me motivó mucho lo inusual que resulta en España este tipo de trabajos. Fue fantástico grabar este complejo repertorio, requiere una enorme exigencia musical y técnica y ha supuesto una enorme responsabilidad plasmar estas piezas que han sido grabadas por grandes violinistas. Además, al ser obras de tan marcado carácter todas ellas y tan diferentes entre sí, resulta todo un reto transmitir la esencia de cada una en un solo álbum.

¿Qué instrumento usa? ¿Qué importancia tiene el instrumento para un músico?

El violín con el que toco actualmente es con el que tocaba mi abuelo. Ha sido restaurado recientemente y es un violín italiano de principios del XIX, está atribuido a Lorenzo Ventapane. La importancia del instrumento para un músico es enorme, a medida que avanza tu carrera te vas dando cuenta de tus necesidades y de cómo un violín y un arco de calidad las cubren. Este último normalmente no se tiene tan en cuenta y en mi opinión es de igual importancia para un músico, mi arco es un François Lupot II de 1820. Con unas buenas herramientas puedes jugar más con los matices y los timbres, algo que ayuda a expresarte musicalmente, y por otro lado, una buena articulación y proyección de sonido facilitan la ejecución  técnica en ambas manos. Además ayudan a competir en potencia sonora con otros instrumentos más densos como el piano o una orquesta.

¿Próximos proyectos?

Próximamente tengo varios compromisos con la llegada de los festivales de verano en Sevilla y Madrid. En otoño tocaré en tres de las salas de concierto de Unicaja un programa netamente para violín solo y el 15 de diciembre volveré a la magnífica Sala María Cristina, gracias a la Sociedad Filarmónica de Málaga, y para la Sociedad Filarmónica de A Coruña a principios del año 2017. Por otro lado, tengo un proyecto de grabación de un CD para violín y piano de música española con una discográfica puntera en España. También voy a estrenar próximamente una obra de uno de nuestros estupendos compositores, de las cosas que más me llenan es la relación con otros músicos, sobre todo con los compositores actuales, el contacto directo con el creador de la obra obviamente es todo un lujo, además es una forma de renovarse en la visión de la música y las nuevas tendencias.

Da clases en el conservatorio, ¿cómo compatibiliza la carrera artística con las clases?

Oposité a profesora de conservatorio con solo 23 años y ya llevo unos cuantos años de experiencia como docente, aunque solo dos años trabajando por mi carrera como intérprete. Compaginar ambas cosas requiere mucho esfuerzo, entusiasmo y pasión por lo que haces, pero con organización y voluntad se puede sacar tiempo para las clases, la preparación de los conciertos, hacer el management y, por supuesto, disfrutar del tiempo libre y la familia.

¿Qué opina de la educación musical en España?

Está claro que la música debe ser una asignatura indispensable e importante para todos los niños en el colegio, y nuestro país necesita mejorar mucho en este tema. En cuanto a la educación en los conservatorios, por regla general y en mi opinión, a nivel elemental y profesional necesita un enfoque más profesional, con una visión hacia el futuro. Pienso que la comunidad educativa tiene el deber de encaminar a los niños a un trabajo musical más serio y con una visión más profesionalizante. En cuanto a alumnos avanzados, hay gente con mucho talento en nuestro país, pero necesitan más orientación sobre el mundo de la música clásica. He observado que este tipo de estudiantes tienen un bajo rendimiento durante sus estudios y podrían rentabilizar mejor su tiempo con dicha orientación y más autoexigencia técnico-musical.

Están surgiendo grandes músicos españoles en los últimos años. ¿Cree que en la actualidad se puede hablar de una tradición de instrumentistas españoles?

La mayoría de los aficionados a la música, y sobre todo estudiantes de música, no sabe que antes de la Guerra Civil, además de compositores que sí valoramos todos, había grandes instrumentistas españoles de éxito triunfando por Europa, en realidad sí que había una escuela y una tradición. Desgraciadamente, la guerra hizo estragos como con todo los demás. No ha sido hasta los años 80-90 cuando se ha creado toda una infraestructura seria en torno a la música (orquestas, auditorios, festivales, conservatorios…), han venido músicos desde el extranjero a estas orquestas y han contribuido a formar a nuestros músicos y eso ha sido crucial para nuestra evolución, solo que parece que aún estamos estancados en esa idea. Seguimos pensando, tanto público como músicos, y sobre todo estudiantes, que todo músico extranjero viene con más nivel que un español, cuando en realidad hay toda una generación de artistas con una gran formación y experiencia, y que muchos de ellos han tenido que buscar trabajo fuera. Pienso que un artista español lo tiene siempre más difícil por estos prejuicios y es una pena, pero por suerte somos muchos músicos trabajando duro para cambiar esta visión.

Sabias palabras, gracias por su tiempo.

Lucas Quirós

Foto: “La importancia del instrumento escogido para un músico es enorme”, afirma la violinista Macarena Martínez”

http://www.macarenamartinez.com/

 

Tonhalle-Orchester Zürich

Tonhalle-Orchester Zürich

Publicado: Mayo 2016
Un paso adelante

Zürich, la pequeña ciudad del país alpino, situada en el centro de Europa, en la llanura central de Suiza y en el extremo norte del Zürichsee (lago de Zurich), que en el siglo XX se convirtió en el centro comercial y financiero de Suiza, y que acoge a un gran número de entidades financieras de la banca internacional, no es solo una ciudad de banqueros en un país de bancos, es también centro cultural del país. La ciudad que vio nacer el movimiento dadaísta en el cabaret Voltaire, alberga las extraordinarias vidrieras de Chagall de la abadía de Fraumünster, medio centenar de museos, numerosas galerías de arte y dos baluartes del conocimiento: la Universidad de Zürich y el prestigioso Instituto Federal de Tecnología (ETH), cantera de más de 20 ganadores del Premio Nobel. Pero para los aficionados a la música clásica la ciudad suiza es, sobre todo, la ciudad de la Opernhaus Zürich y la Tonhalle-Orchester Zürich, la orquesta que llevó a cabo el primer estreno autorizado por Wagner de Parsifal, fuera del Festival de Bayreuth.

La Tonhalle-Orchester Zürich, la más antigua de Suiza y una de las principales orquestas sinfónicas de Europa, fundada en 1868, está formada en la actualidad por 100 músicos de 20 nacionalidades distintas, entre los que se encuentran el español Luis Esnaola (Madrid, 1985), líder de la sección de segundos violines y el único español de la Tonhalle. La célebre orquesta, que cuenta con más de cuarenta grabaciones discográficas con obras de Richard Strauss y Schumann y los ciclos completos de las Sinfonías de Beethoven, Mahler, Brahms y Schubert, ha recibido destacados premios y reconocimientos, incluido el premio de la crítica alemana por su memorable grabación de las Sinfonías de Beethoven bajo la batuta del americano David Zinman, director titular de la orquesta durante dos décadas (hasta la temporada 2013-2014) y hoy, director honorario.

Lionel Bringuier

Junto al joven Lionel Bringuier (Niza, 1986), actual director musical y director principal de la orquesta, tras finalizar su exitosa gira por Europa junto a la violinista Lisa Bathiashvili (Artist in Residence de la presente temporada), el pianista Jean-Yves Thibaudet y el chelista Gautier Capuçon, la orquesta continúa con su programa de conciertos en Zürich. Durante la temporada 2015/2016, la Tonhalle-Gesellschaft Zürich ofrece un total de 154 actuaciones con 103 programas diferentes, que incluyen 33 conciertos dentro del programa educativo, 62 eventos musicales de distinta índole y 101 conciertos en la Grossen Saal de la Tonhalle, la sala de conciertos sede de la orquesta, inaugurada por Johannes Brahms en 1895, que cuenta con un aforo de 1500 butacas y que es una de las salas de conciertos con mejor acústica del mundo.

Desde que Ilona Schmiel (Hannover, 1967) asumió su puesto como nueva  Intendantin al inicio de la temporada 2014/2015, soplan nuevos aires en la Tonhalle-Orchester Zürich, que inicia así una nueva era. El compositor, clarinetista y director Jörg Widmann sucede a Esa-Pekka Salonen como Creative Chair de esta temporada que continúa con la serie Tonhalle LATE-Classic meets electronic y, además, presenta dos importantes novedades: TOZdicover, evento para jóvenes entre 16 y 21 años, y TOZintermezzo, conciertos de tarde con Apéro (aperitivo), en los que el director y la orquesta presentan una obra maestra, un nuevo formato de conciertos que se celebran durante tres jueves de la temporada, que duran aproximadamente tres cuartos de hora y finalizan con un aperitivo entre todos los participantes. Ilona Schmiel afirma que, además de mantener el Klang (sonido) propio de la orquesta, otro de sus objetivos es: “ampliar el repertorio con la música del siglo XXI y, sobre todo, el acercamiento del público, romper la barrera entre público y escenario, que la Tonhalle sea una casa para los estudiantes de la Zürcher Hochschule der Künste y de todos”. “Para mí -insiste la Intendantin-, es muy importante intercambiar opiniones con el público para saber qué obras encajan con otras a la hora de programar, es importante que solistas y directores encajen en determinadas obras; respondo personalmente a los emails y, por supuesto, acepto cualquier feedback, aunque sea negativo”.

Tras asistir el pasado 6 de abril al extraordinario concierto de la Orquesta, con un programa dedicado al Concierto para piano de Grieg (Jean-Yves Thibaudet), y el Cuarteto en sol menor Op. 25 de Brahms/Schoenberg, que cautivó literalmente al público de la Grossen Saal, pudimos comprobar que nunca hubo tanta gente joven entre el público. Algo habitual, según nos confirmaron, desde que la nueva Intendantin tomó las riendas de la Tonhalle-Orchester Zürich.

Foto: Grossen Saal de la Tonhalle, la sala de conciertos sede de la orquesta, inaugurada por Brahms en 1895.
Acred: PriskaKetterer 

http://www.tonhalle-orchester.ch/ 

Lorena Jiménez 

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Publicado: Mayo 2016
Primer Premio: Cuarteto Insólito.

Qué nos cuenta el Cuarteto Insólito…

El grupo se fundó en octubre del año pasado, cuando empezamos a cursar la asignatura “Música de cámara” y gracias a nuestro profesor, Pedro Pablo Cámara, que fue quien pensó que el cuarteto podría funcionar bien a pesar del poco repertorio compuesto para la formación, tan sólo tres obras originales de las cuales, una de ellas, es la que presentamos a este concurso, el Cuarteto Op. 22 de Anton Webern.

El nombre del cuarteto surgió cuando decidimos que queríamos mantener la formación y ser un grupo estable. Cada vez que alguien nos escuchaba tocar se quedaba sorprendido por lo bien que funcionábamos a pesar de ser una formación poco común: ¿Qué tocan un violín, un piano, un clarinete y un saxofón juntos? Una pregunta que parece de chiste en el mundo más conservador de la música clásica, pero que en el de la música contemporánea tiene amplias posibilidades. Por eso decidimos que el adjetivo que nos describía mejor era “insólito”, como “grupo fuera de lo común” y el mejor nombre Cuarteto Insólito.

La obra de Webern fue compuesta en 1930 para esta formación, influenciada por el dodecafonismo de Schoenberg, con gran claridad en la textura y densidad emocional. Decidimos presentarla al concurso porque es la pieza que más hemos trabajado e investigado desde la fundación de grupo. Nuestro principal proyecto como cuarteto es seguir evolucionando como grupo de cámara, conseguir fusionar al cien por cien y sobre todo, hacer música de calidad. Actualmente estamos trabajando en adaptaciones de repertorio muy variado, desde Telemann a Stockhausen. También nos gustaría promover la música contemporánea entre el público de hoy en día e investigar al máximo todas las posibilidades que proporciona nuestra formación en este ámbito.

Madrid (Laura Vázquez, piano; Livia Camprubí, violín; Sandra Caldera, clarinete; Julia Segovia, saxofón), estudiantes del Centro Superior Katarina Gurska.

Contacto: juliasegovia97@gmail.com

http://www.rookiebox.com

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Publicado: Mayo 2016
Segundo Premio: Quinteto Laatu.

Qué nos cuenta el Quinteto Laatu…

El Quinteto Laatu, que significa “calidad” en finlandés, nace en el Conservatorio Superior de Música de Murcia en el año 2015. Cinco músicos con ganas de fomentar el compañerismo y crear la mejor música que saben, al mismo tiempo que hacen de su pasión su forma de vida, deciden juntarse para formar un quinteto de viento clásico, una de las formaciones estrella en la música de cámara. Y es que el Quinteto Laatu aporta variedad geográfica, ya que cada uno de los músicos pertenece a distintos lugares de la geografía española, pero todos ellos se han encontrado en Murcia por un mismo afán, hacer de su música un arte y fundir diferentes maneras de verla para sonar como una misma alma.

Desde Albaida hasta Totana, pasando por Benidorm, Redován y Torre-Pachecho, el Quinteto Laatu ha dado conciertos en el Auditorio del Conservatorio Superior de Murcia bajo la tutela del profesor Pepe Sánchez, quien ha contagiado a estos jóvenes el espíritu de compañerismo y las ganas de seguir ensayando cada día para llegar donde se propongan. Cada componente brinda sus peculiaridades al grupo, de manera que la madurez de unos acompaña con total armonía la fresca juventud de los más jóvenes.

Pese a su corta vida, el Quinteto Laatu ya tiene previstas diversas actuaciones para estos próximos meses en pueblos de Valencia, Alicante y Murcia y varias entrevistas en televisión y radio. Además, el pasado 22 de noviembre, día de Santa Cecilia, patrona de los músicos, sus miembros fueron entrevistados por el diario La Verdad de Murcia para homenajearla. La obra que elegimos para el concurso Rookie Chamber Music fue el Quinteto de viento n. 1 del compositor Gordon Jacob, creada en el año 1931. 

Murcia (Quinteto de viento: Inés Llàcer Carbó, clarinete; Javier Ayala Romero, oboe; Remedios Bernabé Galindo, trompa; Mª Lourdes Guillén Benzal, flauta e Inés Martínez Vidal, fagot).

Contacto: quintetolaatu@hotmail.com 

http://www.rookiebox.com/

Ashan Pillai

Ashan Pillai

Publicado: Abril 2016
Sonatas para viola de la Real Capilla

Hace dos años, el violista Ashan Pillai y el clavecinista Tony Millán decidieron ponerse manos a la obra con el firme objetivo de presentar una edición definitiva de las así llamadas Sonatas para viola de la Real Capilla que resultara practicable tanto para músicos historicistas como modernos. Y es que si bien en 2011 el ICCMU se hará cargo de una primera edición integral de este repertorio tras doscientos años de polvo y silencio (un total de 36 Sonatas para diversos instrumentos), dicho rescate se antojará a la postre puramente académico, pues el bajo no se presenta cifrado y la línea de viola permanece sin revisar.

Cinco años después de esta meritoria labor pionera del ICCM (la cual, por supuesto, cabe celebrar desde un punto de vista paleográfico o documental) y tras una ardua labor de reconstrucción por parte de Pillai y Millán, se anuncia la salida para el próximo mes de mayo de la primera edición revisada del compendio puramente violístico de las Sonatas de la Real Capilla (11 Sonatas debidas a varios autores).

Una edición práctica que se arroga la prestigiosa casa Boileau y que integra tanto las partes de viola revisadas a cargo de Ashan Pillai como una línea de bajo restaurada por Tony Millán y habilitada para la ejecución en piano y clave. Pero el motivo de celebración es doble, ya que también en mayo se pondrá a la venta la primera grabación mundial de este repertorio en un doble CD interpretado por el propio Ashan Pillai y el pianista Juan Carlos Cornelles, que editará el sello Nîbius en coproducción con Solé Recordings. Todo un hito en la historia de la musicología española, que se presentará públicamente entre el 3 y el 6 de mayo de 2016 en Madrid, Cuenca y Barcelona.

Breve crónica de las Sonatas

Entre los reinados de Felipe V y Fernando VII (de 1700 a 1850), España fue testigo de uno de los períodos artísticos más fecundos de la historia de Europa. En estos años de esplendor acontece el incendio del Palacio Real, que será reconstruido en la década de 1730 y decorado por artistas de la época tan relevantes como Sachetti, Giaquinto y Tiépolo. Del mismo modo, la flor y nata de la música europea es requerida para sumarse a la orquesta palaciega y engrosar con sus composiciones el repertorio de la Corte. Boccherini y Scarlatti serán dos de las figuras más relevantes que pondrán su arte al servicio de la corte, pero no las únicas, pues otros colegas de ingenio consumado escribirán también para palacio notables páginas sacras, camerísticas y a solo. Entre ellas destacan las así llamadas Sonatas para la Real Capilla, unas refinadas piezas a solo o acompañadas, concebidas como pruebas de admisión para los aspirantes que deseaban ingresar en la orquesta de palacio. De las treinta y seis Sonatas conservadas, once son para viola a solo o acompañamiento.                     

La viola fue acaso el instrumento más mimado por los compositores de estas Sonatas, pues nada menos que once de ellas fueron escritas para ella: cinco firmadas por Juan Oliver y Astorga y tres por Felipe de los Ríos, mientras que José Lidón y Juan Balado escribieron una cada uno. A esta decena se suma la de Gaetano Brunetti, cuya aportación pasa por ser la única de la colección que hasta el rescate del ICCMU había sido editada y grabada a partir de una copia conservada en Washington.

Por: Rostán Sanlanz

A tener en cuenta...

  • Ashan Pillai presenta el estreno mundial de la primera edición integral de las Sonatas para viola de la Real Capilla, un tesoro incontestable de nuestro patrimonio musical y una de las joyas de la literatura violística universal. 
  • Se trata de un compendio de once sonatas formado por obras de Gaetano Brunetti, Juan Balado, Felipe de los Ríos, Juan Oliver y Astorga y José Lidón, caracterizadas por una escritura virtuosística de gran refinamiento, pues fueron compuestas como pruebas de oposición para los aspirantes a la orquesta de la Real Capilla del Palacio Real.
  • La nueva publicación de la partitura, pensada para intérpretes historicistas y modernos, cuenta con un bajo restaurado por el clavecinista Tony Millán y una parte de viola minuciosamente revisada y editada por el maestro Pillai.
  • Entre el 3 y el 6 de mayo las Sonatas serán presentadas en Madrid, Cuenca y Barcelona. Además, durante ese mes la editorial Boileau publicará la partitura y el sello Nîbius lanzará en co-producción con Solé Recordings la primera grabación mundial de este repertorio en un doble CD interpretado por Ashan Pillai y el pianista Juan Carlos Cornelles.


http://ashanpillai.com/ES/index.php

Foto: El violista Ashan Pillai ha dado vida a las Sonatas para viola de la Real Capilla.
Acred: Txema Salvans 

María Teresa Chenlo

María Teresa Chenlo

Publicado: Abril 2016
Todos los claves del mundo

La clavecinista hispano-uruguaya, que recorre en su arte la creación completa mundial para el instrumento, desde el barroco a nuestros días, nos habla de su reciente grabación de las obras de Sergio Cervetti, Las Indias Olvidadas y Candombe, ambas dedicadas a la intérprete.

¿Cómo se gestó este disco?

Este CD es consecuencia directa del interés de la JONDE hacia la música Iberoamericana, como parte del proyecto de intercambios realizados a través del Programa Iberorquestas Juveniles de la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB). El programa también favorece el conocimiento del repertorio de cada país y la posibilidad de trabajar directamente con los compositores. Hace tres años grabaron en México la integral de los Danzones de Arturo Márquez con una orquesta integrada por jóvenes de toda Iberoamérica, España incluida. Este CD monográfico de Sergio Cervetti siguió el mismo camino, pero participando únicamente solistas y músicos españoles, contando, para una de las obras, con el maestro colombiano Alejandro Posada. Quiero resaltar la magnífica experiencia que fue trabajar con la JONDE. Yo ya había estrenado el Concierto Las Indias Olvidadas en el Festival de Alicante de 1992, con un grupo instrumental de la Orquesta Nacional bajo la dirección de José Luis Temes; fue una velada memorable. Los jóvenes de la JONDE, verdaderos profesionales, hicieron una exquisita labor en la interpretación del Concierto en el Festival de Alicante de 2011, en el Auditorio Nacional y en esta grabación. Deseo agradecer a José Luis Turina, excelente director artístico de la JONDE, el haber gestado este proyecto, al director Jordi Bernácer por su eficaz dirección y a los jóvenes músicos por su estupenda labor.

La creación para clave actual se enriquece con estas obras de Cervetti, que están dirigidas en su pensamiento hacia usted. ¿Se siente como la modelo ante la mirada del pintor?

No sé si como una modelo, él a veces me llama su musa, sí como una profesional con una responsabilidad tremenda para interpretar fielmente lo que el compositor escribe y transmitir todo lo que desea expresar. Nuestra relación y amistad le han  motivado a escribir para el clave no solo estas dos obras, sino otras cinco más, todas ellas de gran belleza e interés compositivo para el instrumento, del que ha sabido captar su peculiaridad; no es un piano.

¿Cómo podría definir estas dos obras, “Las Indias Olvidadas” y “Candombe”, qué aportan a la literatura para el clave contemporáneo?

En la partitura del Concierto, Cervetti no hace distinciones entre materiales de origen folclórico, de la tradición europea y de las corrientes minimalistas. Para mí eso es un gesto de gran valentía en un compositor. Es la obra más difícil que he tocado, un verdadero reto por los problemas de ritmo, de velocidades, de densas armonías y de violentos contrastes. Fue un trabajo minucioso para dominar y adentrarme en ese mundo tan complejo, transmitiendo en su justa medida toda esa libertad de procedimientos y la maravillosa exuberancia de la invención melódica, así como el dificilísimo y delicado entramado de la escritura clavecinística. Estamos ante una obra importantísima para el repertorio del instrumento que le plantea al intérprete retos muy interesantes. En el Candombe imita el juego rítmico y obsesivo de los tamboriles, dotándole de una vitalidad que el clavecinista debe saber transmitir.

El oyente asocia el sonido del clave directamente a un periodo concreto de la música, que acabaría en el siglo XVIII. ¿Se considera usted como una representante elegida en la reconquista de repertorios?

Desde que Falla compuso dos obras maestras, El Retablo y su Concerto, demostrando que el instrumento era capaz de dar vida a la música contemporánea en todo su esplendor, un clavecinista actual no debe ignorar todo el rico repertorio que nos ofrecen los compositores actuales. Yo no sé si soy un referente en este aspecto, sé que con el mismo amor interpreto Bach, Rameau o Cervetti, Ligeti y tantos otros. Sé que he estrenado más de sesenta obras de compositores actuales y que lo seguiré haciendo, sin por eso dejar de recrearme con toda la música barroca. Para mí todo es MÚSICA y eso es maravilloso.                                                                                                    

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

www.mariateresachenlo.com 

Foto: María Teresa Chenlo, con Jordi Bernácer y el compositor Sergio Cervetti, en el concierto del Auditorio Nacional.

 

Daniel Ligorio

Daniel Ligorio

Publicado: Abril 2016
Propulsando el piano de Granados

Inmersos en el centenario de Enrique Granados, el sello Warner Classical lanza un disco dedicado a la música del autor de Goyescas, de la mano del pianista Daniel Ligorio, gran conocedor del compositor, en el que es su segundo trabajo para el sello discográfico.

¿Qué significa Granados en la vida de Daniel Ligorio?

Para cualquier pianista español, Enrique Granados es un compositor muy cercano y que, tanto en la etapa de formación como en la posterior de profesional, te acompaña en las programaciones de concierto. Yo estudié con Miquel Farré, gran intérprete de la obra de Granados, que tiene grabada la mayoría de su obra. En sus clases recibí una visión de su música muy refinada y poética, cuidando siempre el sonido y la elegancia. Obviamente, mis clases recibidas en la Academia Granados de Barcelona también han influido notablemente. Escuchar las clases de Alicia de Larrocha enseñando a enfrentarse a la música de Enrique Granados es impagable y muy revelador. A nivel personal, siempre he tenido en repertorio las obras que aparecen en el disco, de una manera o de otra siempre he encontrado la oportunidad de poderlas tocar en público.

¿Cómo ha evolucionado su visión de esta música?

Al principio, como estudiante, identificas más la música de Granados como algo folclórico, de carácter nacionalista. Enseguida te das cuenta que su lenguaje es muy diferente al de Falla o Albéniz, empiezas a descubrir similitudes con la música de Chopin, Schumann... También a apreciar el don innato por la melodía y por la elegancia en su música. Pocos compositores son capaces de crear melodías tan líricas y poéticas. Granados tiene seguramente una mezcla de influencia mediterránea y post-romántica que hacen de su música un paréntesis en la creación musical nacionalista española.

¿Es el disco el momento clave de la relación Ligorio-Granados?

Uno nunca sabe cuándo va a ser el momento clave, pero lo cierto es que para este disco se juntaron muchos factores a su favor, como el aniversario en 2016 del centenario de la muerte del compositor, la buena relación con Warner Classical que tuvimos con mi disco anterior de Gershwin o un repertorio de Granados ya maduro presentado en muchas salas de concierto. Al final se elige una fecha para la grabación, se edita, se monta, sale al mercado, pasa un tiempo, lo escuchas con perspectiva y lo ves como un trabajo en un momento puntual de una música que te ha acompañado y te acompañara para siempre.

Como pianista internacional que es, ¿cómo se valora Granados fuera de España?

Granados siempre genera mucha emoción, tiene bastantes similitudes a la reacción que genera la música de Chopin. En esta última gira que hice en China, me llamó mucho la atención el nivel de silencio, respeto y emoción que generó su música en el público chino y oriental. Mucha gente descubría por primera vez la música de Granados y para ellos fue como degustar unos sabores deliciosos y nuevos. Pocos compositores emocionan como Enrique Granados.

¿Cuéntenos el porqué de las obras seleccionadas en el disco?

En cierta manera, quise homenajear al repertorio paralelo a Goyescas, alguno muy popular como el Allegro de concierto y otro no tanto como las Escenas Románticas. Pensé que este era un repertorio que tenía muy maduro y que muestra a un Granados muy sólido, compositivamente hablando, y a la vez muy sincero con su música. Recordemos el caso de las Escenas Románticas, obra donde él escribía en música sus secretos amorosos de la época, donde se descubre un amor platónico con una de sus alumnas y donde el encuentra su único medio de comunicación posible. Esta obra nunca llego a estrenarse en vida de Granados ¡porque su mujer se lo prohibió…! (“lógico”, afirma entre risas el pianista). Por otra parte, la relación con Warner Classical ha sido fantástica, tanto en el disco de Gershwin como en el de Granados. En estos momentos estamos con todo el proceso de presentación del nuevo disco.

Estaremos atentos, gracias por su tiempo.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro 

www.danielligorio.com

Foto: El pianista Daniel Ligorio ha grabado un disco dedicado a Granados.
Acred: © Ricardo Rios

 

Ana Guijarro

Ana Guijarro

Publicado: Abril 2016
Una vida por la música

El piano es su vida, es una prolongación de su cuerpo. Ana Guijarro, catedrática y directora del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), lleva dedicando toda su vida a la música. Como docente, cumple una labor apasionante, compartiendo y transmitiendo conocimientos y, como intérprete, cuando sus manos recaen sobre el piano, su brillante melodía suscita toda una experiencia estética musical.

Me gustaría que compartieras tu primer recuerdo musical…

Era muy pequeña, tan solo seis años, cuando mi madre me preguntó si quería estudiar música en el colegio. Recuerdo mi respuesta, y me pregunto qué habría hecho ella si le hubiera dicho que no. Mi madre era una gran apasionada de la música y muy melómana. Recuerdo ir con ella desde muy niña a muchos conciertos al Teatro Real. Me vienen a la memoria los 24 Preludios de Chopin, por Rafael Orozco. Debía tener yo 11 o 12 años…

¿Qué te llevó a enamorarte del piano y por qué este instrumento? ¿Cómo lo definirías?

No me planteé ningún otro instrumento. A los 7 años mis padres me compraron mi primer piano vertical. Me gustaba mucho estudiar las Fugas de Bach, imaginándome un coro, y de esa forma estudiaba las voces separadas. Para mí era como un juego, para mis hermanos, que me oían repetir hasta la saciedad, un castigo. Ahora definiría al piano como un amigo irreemplazable.

Te formas en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), con la influencia de los maestros Antonio Lucas Moreno y Carmen Díez Martín. Háblame de lo importante que fueron ambas presencias en el aprendizaje…

Lucas Moreno era un gran pianista. Con él aprendí por imitación, y se me quedaron grabados muchos consejos que he sabido concretar. Él fue muy importante en mi carrera, pues fue quien me aconsejó estudiar con Carmen Díez, tras su jubilación. Carmen ha sido mi gran referente hasta hace unos meses. Falleció con 103 años y aprendí de ella hasta el último momento. Carmen Díez era extraordinaria en todos los aspectos. Tenía un amplísimo repertorio, manejaba desde el siglo XVIII hasta la música contemporánea, no solo a través del repertorio para piano sino a través de la música de cámara. Ella contagiaba su entusiasmo por la música, era tremendamente exigente con el texto musical, que escudriñaba hasta límites insospechados. Tenía un gusto exquisito y una gracia inigualable. Lo mejor ha sido disfrutar de su música hasta los últimos momentos de su vida. He aprendido de muchos maestros a lo largo de los años, pero Carmen ha sido realmente imprescindible en mi formación y un auténtico regalo en mi vida. 

¿Cuál fue el momento culmen de tu carrera?

(Entre risas) Dicho así creo que no ha llegado todavía… Desde mi punto de vista, la clave del éxito reside realmente en el trabajo bien hecho cada día.

En alguna ocasión has mencionado que ganar un concurso no asegura hoy en día una carrera artística. ¿Por qué piensas eso? ¿Quizás no sean los premios tan importantes?

Es muy importante ganar un concurso, pues brinda muchas oportunidades, abre muchas puertas, pero efectivamente a largo plazo no asegura una carrera. Actualmente es casi imprescindible trabajar con una buena agencia de conciertos, a la que hay que responder con responsabilidad y exigencia personal. Hoy en día encontramos intérpretes de renombre que ni siquiera han pasado por concursos internacionales. En nuestra profesión lo difícil no es estar reconocido sino mantenerse, para ello el trabajo es imprescindible.

Presentas una doble faceta, como intérprete y como docente. ¿Cómo compenetras estas dos actividades? ¿Resulta difícil?

Ser intérprete es sinónimo de aprender constantemente, lo cual me enriquece como docente. Como profesora aprendo continuamente con y de mis alumnos, quienes me enriquecen como intérprete. Ambas facetas se compenetran. Nunca me ha resultado difícil compaginarlas. Me considero una afortunada de poder transmitir y compartir conocimientos. He tenido, y tengo, magníficos alumnos. ¡Algunos de ellos me han superado! Es apasionante ser testigo de su crecimiento profesional…

¿Cuáles son tus pilares fundamentales como intérprete?

Ante todo un respeto profundo al texto musical en todos los aspectos, que no es sino un respeto hacia el compositor. Lo que más valoro en un intérprete es la honestidad y la sinceridad, cualidades que yo intento aplicarme a mí misma.

Continuando con la interpretación, ¿te consideras músico para tocar solo o en conjunto?

Más bien lo segundo. Disfruto mucho con la música de cámara. He interpretado mucho repertorio para toda clase de agrupaciones, desde dúo hasta quinteto. Para la formación de un pianista es fundamental tocar en grupo. Ahora bien, no siempre es fácil acordar ensayos y encontrar un grupo con el que uno se compenetre, no solo en el plano profesional, sino también en el plano humano. Cuando se dan ambas circunstancias, se produce un fenómeno sublime.

Y como pedagoga, ¿cuáles son los métodos empleados para desarrollar la estrategia del aprendizaje?

Cada alumno requiere un método, por llamarlo de alguna manera, diferente. En una enseñanza individualizada un buen pedagogo es aquel que es capaz de sacar de cada alumno los mejores resultados. Cada intérprete es un mundo. Es absolutamente necesario enseñar una buena base técnica, que proporcione al intérprete las herramientas necesarias para abordar todo tipo de dificultades del repertorio pianístico. Sin olvidar un “método” esencial que es la PACIENCIA, para que el alumno aprenda a escucharse, quizás esto es lo más difícil. Cuando se logra este paso, se desarrolla el espíritu crítico, imprescindible para el crecimiento y desarrollo personal.

Actualmente eres directora del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Anteriormente, también lo fuiste hasta el año 2013. ¿Cómo llevaste estos cambios bajo el nombramiento? ¿Fue una época complicada para el Conservatorio?

El primer nombramiento supuso un cambio drástico en mi vida. Además, el Conservatorio atravesaba un momento complicado. Realmente, cuando dejé el cargo en el año 2013, jamás pensé que podría volver a la dirección. Pero no era eso lo que el destino me tenía deparado, al parecer. En 2012, cuando fui nombrada por primera vez, era esencial crear un clima de convivencia y un buen clima de trabajo en toda la comunidad educativa, y personal de administración y servicios del Centro. He tenido la suerte de contar en ambas ocasiones con equipos directivos dispuestos a darlo todo, y a trabajar con auténtica profesionalidad, sin tener en cuenta las horas de dedicación.

Como directora, ¿cuál consideras que podría ser tu aportación más importante?

Considero esencial dar visibilidad al Conservatorio. Tenemos un altísimo nivel entre nuestros alumnos, como se puede observar en las actuaciones que se realizan fuera del marco de la propia Institución: Auditorio Nacional, Fundación Juan March, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Residencia de Estudiantes, Sala 400 del Centro Nacional de Arte Reina Sofía, etc. El nivel artístico de las agrupaciones es cada vez más alto. Y un número muy elevado de alumnos son aceptados en todas las pruebas de admisión de posgrado en instituciones europeas o americanas. Somos, sin duda, una institución de referencia por la calidad de nuestros docentes y de nuestros alumnos. Además, estamos dando importantes pasos en el ámbito de la investigación, que serán importantes para el futuro.

¿Hacia qué lugar crees que se dirige el Conservatorio como institución y sus enseñanzas en Europa?

Mi opinión es que, tarde o temprano, estaremos en el lugar que nos corresponde como centro superior. Un número importante del claustro de profesores son doctores y esto, para la Administración, puede tener un valor muy significativo a la hora de un cambio de ubicación de nuestras enseñanzas.

A lo largo de tu carrera profesional como intérprete, ¿te has encontrado con alguna obra que te haya marcado?

Me ha marcado mucho el estudio realizado recientemente de las 6 Partitas de Johann Sebastian Bach. Ellas me han conducido a otra esfera en el pensamiento musical.

Respecto al repertorio, ¿con qué género te encuentras más cómoda?

Cómoda, cómoda, lo que se dice cómoda, con aquel al que he dedicado miles de horas de mucho trabajo y estudio. Aunque, si tuviera que decantarme por una época, elegiría, sin duda, el repertorio romántico.

¿En qué época o periodo musical crees que se puede situar el apogeo musical en España? Si piensas que en algún momento llegó a estarlo…

Desde mediados del siglo XIX, con la aparición de las figuras más relevantes de la zarzuela, la música española adquiere una importancia muy significativa con figuras ligadas al Conservatorio de Madrid, fundado en 1830, como Arrieta, Barbieri, Chapí, Chueca o Sarasate; y especialmente el creador del nacionalismo junto a los dos grandes nombres de la música española y universal: Albéniz, que revoluciona la técnica pianística, abriendo una estética nueva a partir de la Suite Iberia, y Granados. Por supuesto hay que citar a la Generación del 27, también con  grandes nombres como Manuel de Falla, Adolfo Salazar y Robert Gerhard. La generación de entreguerras y cómo no los compositores españoles a partir de la generación del 51, con el resurgir de las vanguardias. Me gustaría citar la importancia que ha tenido para la música de nuestro país la creación de red de auditorios en todas las comunidades autónomas, a raíz de la creación del estado de las autonomías. Hay que reconocer que, gracias a la afluencia de salas de concierto, hoy en día se puede escuchar música en vivo en la mayoría de las ciudades españolas, cuando hace unas décadas estaba restringido a Madrid y Barcelona.

Vivimos tiempos complicados, por eso, me gustaría preguntarte, ¿en qué lugar sitúas o crees que se encuentra la música en España?

Soy optimista y, precisamente por los momentos complicados que vivimos, la música se hace más necesaria que nunca, por lo que instaría a los políticos a invertir en la enseñanza musical, lo cual llevaría a invertir en valores, en desarrollo y en una sociedad más humanizada.

Háblame sobre los futuros proyectos como intérprete…

Tengo en proyecto una serie de grabaciones, entre ellas las 6 Partitas de Bach, y una serie de conciertos a partir del 2017, participando, junto a otros pianistas de renombre internacional, en la integral de obras del repertorio pianístico de Robert Schumann y Frederic Chopin.

Gracias, estimada amiga, por tu tiempo.

Por: Virginia Camarena Parrondo

http://www.anaguijarro.com/index.php

Foto: La pianista es la directora del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Acred: José María Ortega Pérez “Sitoh”

 

Yago Mahúgo

Yago Mahúgo

Publicado: Marzo 2016
El barroco francés pasa por sus manos

Tras su registro de la obra completa para clave de Royer para Brilliant Classics, Yago Mahúgo repite colaboración con el sello holandés. Conversamos con el clavecinista, fortepianista y director madrileño sobre su nuevo disco, dedicado de nuevo al repertorio barroco francés para clave y con Louis-Nicolas Clérambault y Louis Marchand como protagonistas.

Nueva colaboración con el sello Brilliant, la segunda. ¿Cómo surge la grabación de este disco?

Ha sido a propuesta de Brilliant. En realidad, su proposición inicial fue la grabación de la integral de la obra para clave de Rameau, pero consideré que era demasiado pronto para abordar un proyecto de esa envergadura, que requiere una gran maduración como músico y una enorme aportación personal. Así que les ofrecí varias alternativas, entre las cuales estaban estos dos autores.

Por lo tanto, el interés del sello estaba centrado nuevamente en la música francesa. ¿Se considera, en cierto modo, un músico francés?

Aunque mi repertorio es muy amplio, la música francesa figura entre mis predilectas y creo que se podría decir que se me considera fundamentalmente un músico francés.

En el caso de ambos compositores, ha registrado la integral de sus obras para clave, y ambos estarían a caballo entre la música francesa para clave del siglo XVII y la posterior eclosión dieciochesca de la música para el instrumento. ¿Qué destacaría del repertorio de este disco?

Se trata de un repertorio imprescindible a la hora de entender la evolución de la música para clave en Francia entre los siglos XVII y XVIII. Es una música estilo Luis XIV, muy elegante, más austera y menos exuberante que la de autores posteriores como Rameau, François Couperin o el propio Royer. En el caso de Clérambault y Marchand hablamos de un repertorio que se ha grabado muy poco y que es necesario conocer.

De hecho, la aportación de estos compositores al clave es imprescindible pero no muy extensa…

Efectivamente. Clérambault sólo compuso las dos Suites que se contienen en el disco y Marchand fue más prolífico, pero no estuvo muy interesado en la publicación de sus obras, por lo que sólo conservamos las dos Suites que he grabado. Es una lástima, pues estaba considerado uno de los mayores virtuosos de su tiempo, pero fue todo un personaje que protagonizó muchas anécdotas… Tuvo incluso problemas con el propio Rey Sol (risas) y, al parecer, declinó batirse al clave con Johann Sebastian Bach en Alemania, donde supuestamente, estaba en el exilio…

Junto a las cuatro Suites, aparecen otras piezas sueltas de ambos autores…

Así es. Se trata de piezas independientes que no están integradas en ningún corpus pero que completan todo su legado y que se encuentran en archivos de París y Estados Unidos. Aunque no en todos los casos está confirmada la autoría cien por cien, todo parece indicar que fueron compuestas por ellos…

¿Se identifica en especial con alguna de las obras o hay algo en alguna de ellas que le parezca de especial mención?

Es difícil decantarme por un autor, o una obra u otra. Quizá la música de Clérambault es más fácil de entender, en general… La Suite en re menor de Marchand es espléndida y contiene una magnífica chacona. Es curioso señalar además que Marchand no usó un Prélude non mesuré para iniciar esta Suite, como era habitual en su época, sino un preludio con compás, toda una rareza.

¿Qué instrumento ha utilizado para la grabación?

He utilizado una copia de un clave flamenco del siglo XVII, un instrumento muy adecuado para la interpretación de este repertorio, aunque no sea un instrumento francés. Es el mismo que utilicé para el disco Royer. En realidad, la diferencia entre un clave francés y un clave flamenco es relativamente pequeña, pero el clave flamenco tiene un sonido más incisivo y directo.

Aparte de este lanzamiento, ¿cuáles son sus proyectos para los próximos meses?

Tengo previstos varios conciertos, yo creo que muy interesantes. Aparte del que ofreceré con mi conjunto, Ímpetus, el 1 de abril dentro de la programación del Festival de Arte Sacro de la CAM, el 11 de marzo estaré en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca, donde Interpretaré al fortepiano las Siete Palabras de Cristo en la Cruz de Joseph Haydn. Se trata de una recuperación histórica por encargo del CNDM, una reducción autorizada aunque no escrita por Haydn y cuya copia manuscrita está en el archivo de la Catedral. Es curioso escuchar esta versión de una obra inicialmente orquestal que Haydn compuso para una cofradía de Cádiz y de la que él mismo hizo versiones posteriores en forma de oratorio y cuarteto de cuerda. También en abril, el día 16, interpretaré en la Fundación Juan March una selección de obras para tecla procedentes del Archivo de los Borbones de Parma.

Muchas gracias por conversar con nosotros, Yago. Seguiremos atentos.

Gonzalo Pérez Chamorro

http://www.yagomahugo.com/

Foto: El clavecinista, fortepianista y director Yago Mahúgo.
Acreditación: David de Olalde

 

Catálogo del Archivo de Música

Catálogo del Archivo de Música

Publicado: Marzo 2016
Catedral de Pamplona

Acaba de publicarse el “Catálogo del Archivo de Música de la Catedral de Pamplona”. Se trata del primer volumen del fondo histórico y abarca el periodo que va desde los orígenes hasta mediados del siglo XX.

Editorial Analecta S. L., Pamplona. 636 páginas. Autor: Aurelio Sagaseta, musicólogo conocedor del Archivo, maestro de capilla de la Seo desde 1962.

Contenido del Catálogo

La obra abarca la descripción de:
I. Libros de facistol o cantorales de polifonía (7).
II. Libros de canto llano (65).
III. Música en “Papeles”, con los datos técnicos de 2.046 títulos, siendo la parte central de todo el catálogo.
IV. Libros de partituras (56), la mayoría impresas. Cada libro contiene varias partituras. Hay bastante presencia de autores alemanes precursores del Cecilianismo y Motu Proprio de San Pío X, en general arreglados ya para la plantilla coral e instrumental de la Catedral.  
V. “Varia” (22 libros de menor entidad), con temas marginales que no encajan en ninguna de las secciones anteriores, como antiguos métodos de solfeo y arpa de los Infantes, cantos y oraciones para tiempos de guerra y de plagas, índices antiguos del propio archivo. 

El volumen publicado se presenta en edición impresa (libro) y en breve en Internet. Por lo que conocemos, es el primer catálogo musical de una catedral española presentado en edición digital (base de datos, no simple copia en PDF), lo que permite al usuario interrelacionar por autores, títulos, fechas, instrumentos, voces, solos, etc.

Interés musical

La digitalización previa a la edición arrojó un patrimonio de 75.000 páginas de música, la mayoría inéditas y exclusivas de esta catedral, que no se publican, sino solo los “incipit”, en este caso de 2.300 títulos. En cuanto a su valor estético, digamos que no todo es de primer orden, pero tiene un indudable interés y debe ser conocido.

A través de la publicación se puede comprobar que en la Catedral de Pamplona, igual que en algunas otras de España, se estaba al tanto, por ejemplo, de las distintas corrientes estéticas imperantes en la segunda mitad del siglo XVIII en Europa, como el llamado Estilo Galante, el Rococó y el Clasicismo. Así, por ejemplo, figuran en el Archivo Sonatas para cuarteto de cuerda de Ignaz Pleyel o Joseph Haydn, publicadas en Londres en ediciones muy restringidas y luego compradas en París para uso de los Infantes de coro. Aparecen también particellas de la Misa de Requiem de Mozart en copias realizadas en Italia a comienzos del siglo XIX y hasta una misa “con todo Ynstrumental del célebre Mozart” (sic), en Fa mayor.

Proyección social

Una vez hecho el primer trabajo y sentadas las bases, resta ahora ir dando a conocer este patrimonio a través de conciertos anuales, con una selección de su repertorio y con la misma plantilla musical para la que se creó: coro y orquesta de cámara, la propia de la Seo: cuerda, flauta, bajón (figle o fagot), trompas, órgano-arpa. El arpa como continuo se utilizó en liturgia de la Seo hasta la última década inclusive del siglo XIX, posiblemente caso único dentro de las catedrales españolas en las que dejó de usarse más o menos un siglo antes. 

La Capilla de Música ha publicado con sus medios 19 CD con obras preferentemente del propio Archivo (coro y orquesta). Con todo, lo publicado solo es una mínima parte del patrimonio conservado.

Distribución

La distribución del vol. I publicado corre por cuenta de la Librería Diocesana (libreriadiocesana@yahoo.es - tlf: 948227332), que puede enviar el libro por correo a los solicitantes de fuera de Pamplona. El precio de PVP es de 58 €.

Volúmenes II y III (proyecto)

Se ha publicado el vol. I, quedan para el futuro la edición del Fondo II o correspondiente al de “Donaciones” (maestros de capilla y organistas del siglo XX), y el Fondo III o el correspondiente al repertorio en uso de la actual Capilla de Música. Este último fondo, en volumen o metros lineales de música (no en interés musicológico), ocupa tanto como todo el archivo I, y abarca desde 1962  hasta la actualidad. Un día también será fondo “histórico” y reflejará la música que se hacía en la Seo en un determinado periodo de tiempo, dentro de la larga historia de la Capilla de Música de Pamplona (año 1206 hasta nuestros días, en que sigue vigente y activa).   

Aurelio Sagaseta
Chantre-maestro de capilla 

Foto: “Catálogo del Archivo de Música de la Catedral de Pamplona”.

Durón soñado por García Alarcón

Durón soñado por García Alarcón

Publicado: Marzo 2016
estrenos en el Teatro de la Zarzuela

Leonardo García Alarcón ocupa actualmente un puesto en el firmamento internacional de los directores de orquesta barrocos. Reclamado por los más prestigiosos festivales y teatros líricos, este argentino de cepa vive entre Ginebra y Bélgica, con frecuentes estancias en Francia. Además de acumular responsabilidades (la Cappella Mediterranea, el Coro de Cámara de Namur, el Milenium Orchestra o la Orquesta Francesa Barroca de Jóvenes…), da muestras de una curiosidad insaciable, que le hace buscar y divulgar partituras desconocidas de los siglos XVII y XVIII. Con un talento incomparable. Es decir, que está totalmente en su salsa para las conmemoraciones del tricentenario de la desaparición de Sebastián Durón (1660-1716), que se señalarán en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con dos obras líricas recuperadas: La guerra de los gigantes y El imposible mayor en amor, le vence Amor.

No es la primera vez que usted dirige en el Teatro de la Zarzuela. ¿Cómo se concretó la cosa para esta ocasión?

Conozco el Teatro de la Zarzuela de Madrid, ya que en el año 1999 este teatro programó La púrpura de la rosa de Tomás de Torrejón y Velasco con texto de Calderón de la Barca. Esta obra fue dirigida por el maestro Gabriel Garrido, con quien he compartido muchas experiencias musicales y humanas, apenas toqué suelo europeo para estudiar clavicémbalo en Ginebra en 1997. Tengo un recuerdo muy claro y luminoso de estos días en Madrid. El director del Teatro en ese momento era Emilio Sagi y el coreógrafo el gran Óscar Araiz, argentino de origen, quien había sido director del Ballet del Gran Teatro de Ginebra, con quienes había creado una brillante coreografía para La púrpura. Siento todavía la sensación que me invadió apenas puse mis pies en ese teatro. Una cierta mística mezclada con una nostalgia de una época pasada gloriosa, que me hicieron sentir más cerca de Argentina aún. Fueron días inolvidables, ya que pude conocer España por primera vez, país del que mis abuelos me han hablado muchísimo, y pude percibir que lo compartido con las personas de este país era mucho más fuerte que las diferencias. En tono de anécdotas, recuerdo que había comprado tantos libros de música en los mercados de Madrid, que no me dejaban subirlos al avión de vuelta a Suiza. Tuvimos que dividirnos el botín entre varios músicos que me ayudaron en esa ardua tarea (risas). Es un gran honor a día de hoy ser invitado por la Zarzuela y trabajar con Gustavo Tambascio, un grandísimo director de escena de cuya experiencia aprendo día a día. Fue Paolo Pinamonti (hoy director del Teatro San Carlo de Nápoles) quien me invitó a dirigir aquí Sebastián Durón, gran compositor que admiro y que interpreto desde los orígenes de mi ensamble, Cappella Mediterranea.

Va a la Zarzuela con dos obras atribuidas a Sebastián Durón. ¿Esta elección es suya?

La elección de las zarzuelas no fue idea mía, fue una idea del entonces director del Teatro, Paolo Pinamonti, gran conocedor de la historia del melodrama europeo y quien ha creído conveniente que España pueda rendir homenaje a uno de sus más grandes compositores al cumplirse, en 2016, tres siglos de su muerte.

Entonces, anteriormente ya había interpretado obras de Durón…

Es la primera vez que dirigiré una obra lírica de Durón con puesta en escena. Cappella Mediterranea interpreta a Durón desde sus primeros días, ya que es un compositor fundamental para todos los que nos especializamos en barroco musical ibérico. Es importante recordar que su obra era también muy apreciada en las colonias americanas y que tal vez sus cantatas fueran interpretadas durante todo el siglo XVIII en los virreinatos, cuando su nombre ya había sido olvidado en España.

¿Cómo presentaría a este compositor?

Espero poder presentarlo el día del estreno en la Zarzuela, y que su genio sea una evidencia para el público que no está habituado a este estilo de música. Para que podamos entenderlo mejor, creo que es importante explayarme sobre un punto que generalmente se ha negligido en el momento de resucitar la música de los siglos pasados. Todos los parámetros concretos que tenemos de una obra y su época, como la partitura manuscrita, indicaciones de instrumentación, conocimiento de los instrumentos originales de la época, de los tratados y los documentos que rodean una obra, componen el grupo de los llamados “afectos intrínsecos”. Este tipo de afectos son los que contienen todos los útiles “concretos” indispensables para que una obra tome vida. Sin embargo, el carácter de “indispensable” desde el punto de vista del conocimiento no le otorga el rango de “imprescindible” desde el punto de vista de la emoción, que yo le otorgaría a los “afectos extrínsecos”. Este último grupo de parámetros es el que más me apasiona como intérprete, ya que como amante de los dinosaurios desde mi más tierna infancia, siempre he sentido amor por la búsqueda de fósiles, pero el sueño más grande es poder resucitar al animal gracias a técnicas modernas como el ADN. De la misma manera que yo asociaría los “afectos intrínsecos” a los huesos, compararía la resurrección de un saurio a la resurrección de las emociones que un intérprete de música está obligado a provocar gracias a los “afectos extrínsecos”, como son las dinámicas que la relación entre los intervalos y el texto nos sugieren, la elección de tiempos retóricos y articulaciones instrumentales en relación con la acción, el restablecer los colores de la instrumentación del bajo continuo para revivir las pulsiones teatrales de un texto, la utilización de instrumentos de viento y percusión que no se indicaban generalmente en las partituras, el carisma y virtuosismo particulares de cada solista vocal, la acústica del lugar para jugar con la “espacialización” sonora en el teatro, además de muchos otros aspectos, que no están escritos en ningún documento. Para darles vida debemos guiarnos por lo propuesto retóricamente por el texto, por las figuras retóricas de la música, pero también por la imaginación y el sentido común. La música de Durón está compuesta en un ochenta por ciento por “afectos extrínsecos”, como casi todas las músicas mediterráneas, en oposición a las músicas del norte de Europa. Por lo tanto, resucitar las emociones de Durón hoy en día nos interpela, porque somos seres de otro siglo, enfrentados a una música que comparte con nosotros emociones que se mantienen intactas a través de los siglos, aunque los códigos para transmitirlas sean diferentes y a veces debamos “actualizarlos”. La particularidad de Durón radica en el trabajo que se toma para crear un nuevo género, haciendo una síntesis entre el teatro calderoniano y el melodrama italiano. De alguna manera, esta ardua tarea es la que tuvo Lully al crear la tragédie lyrique francesa. Pero insisto en que para penetrar en el universo de Durón, hay que aproximarse más al universo de las músicas populares del sur de Europa, incluso de América Latina, para entender los procedimientos que el compositor ideó para dar vida a la zarzuela y al melodrama español.

¿Qué podría decirnos de La guerra de los gigantes?

La guerra de los gigantes es una obra que se puede considerar como ópera, en el sentido moderno del término. Sin embargo, me inclino más por el término de «serenata», ya que estas obras se componían para festejos, bodas reales, nacimiento de un monarca o bien para conmemorar una fecha particular, utilizando pocos solistas y sin ser particularmente largas, y sobre todo, no desarrollaban una trama dramática. La guerra de los gigantes se representó con el motivo del matrimonio del V conde de Salvatierra, José Francisco Sarmiento de Sotomayor y Velasco, con Doña María Leonor Dávila López de Zúñiga, marquesa de Loriana, posiblemente el 23 de febrero de 1702. Estamos en presencia de una obra de una riqueza rítmica única, donde todas las particularidades de los ritmos de la península ibérica están representadas. La influencia italiana casi no se percibe, ya que los tonos humanos y las coplas se suceden de principio a fin, solo siendo interrumpidos por grandes coros, sin embargo algunas reminiscencias de las danzas francesas son evidentes en la partitura. Como la obra es un homenaje evidente a Felipe V, siendo este rey de origen francés, pueden entenderse algunas elecciones de la parte de Durón.

¿Y de El imposible mayor en amor, le vence Amor?

El imposible mayor en amor, le vence Amor es una zarzuela en dos actos, de 1710, con libreto de Francisco Bances Candamo y José de Cañizares. Es, en realidad, una comedia entorno a la celosía de Juno provocada por el amor que Júpiter, su marido, sintió de manera instantánea por la ninfa Dánae, luego que Cupido se decidiera a castigar al Dios supremo con una de sus flechas. Inmediatamente al leer esta partitura, he sentido una gran admiración por la exquisita manera de construir las arias alla italiana, preservando una vocalidad típica española. Estamos frente a una obra de dimensiones importantes, donde la búsqueda del virtuosismo vocal invade el discurso a medida que transcurre la historia. El recitativo italiano encuentra nuevos ecos en la lengua castellana y los dúos y tríos alla veneciana abundan, siendo todos ellos de una belleza abrumadora. Debo decir que siento una diferencia fundamental entre el Durón de La guerra de los gigantes y el Durón de El imposible. No parecen ser el mismo compositor, ya que la manera de tratar la materia sonora es fundamentalmente opuesta. Durón está creando, adaptando, defendiendo e imaginando nuevas formas para el arte musical ibérico en El imposible y el resultado es una obra maestra de exquisitas proporciones que no abandonan ni traicionan jamás el gusto musical ibérico, aunque sus fuentes sean los melodramas veneciano y napolitano. 

¿Tratándose de dos obras tan diferentes, cómo se traducirán desde el punto de vista de la puesta en escena?

Prefiero no compartir con el público de antemano la concepción estética de Gustavo Tambascio entorno a estas óperas, ya que el efecto sorpresa de este maestro de la escena no debe quebrarse. Solo puedo adelantar que una reflexión sobre el poder del tiempo y la fuerza de los códigos compartidos por siglos muy distantes, serán los ejes de nuestro espectáculo Durón.

¿Es la primera vez que trabaja con Gustavo Tambascio?

He conocido a Gustavo Tambascio gracias a Paolo Pinamonti, quien nos ha presentado y ha decidido asociarnos entorno a este gran homenaje a Durón. Gustavo Tambascio es, sin duda, una de las personas con más conocimientos en el mundo teatral. No hablo sólo de lo erudito que puede ser en territorio literario, sino también en repertorio lírico. Todo ello unido a una inteligencia que le permite asociar hechos históricos trascendentes con historias cotidianas, íntimas y autobiográficas. Además de ello, posee una sabiduría popular que cubre todos los puntos anteriores y que es fruto de la experiencia y una vida rodeada de todas las formas de arte sin condicionamiento alguno. Solo puedo aprender de él y ofrecerle los sonidos que sus ideas moldearán.

¿Hay algún proyecto de grabación para estas obras o para al menos una de las dos? Teniendo en cuenta que en España se empieza a conocer a Durón y que fuera de ese país es todavía casi desconocido, ¿se tiene prevista alguna reposición, en otro lugar, o quizás incluso fuera de España?

Hay sellos discográficos y televisiones francesas interesadas por la filmación de un DVD que, espero, se confirme en los próximos días. Ello nos permitirá iniciar una tournée europea en 2017, comenzando por Francia, en donde varios teatros de ópera están curiosos por conocer más sobre las extravagantes y lejanas obras musicales barrocas de la península ibérica.

¿Desearía dirigir otras obras de otros compositores hispanos barrocos? La tarea es inmensa… ¿Tiene otros proyectos previstos para España?

Desearía tener más contacto con el público español. España representa para mí la fuerza de la tierra de mis antepasados y siento que me llama de manera natural. Estamos invitados para homenajear a Claudio Monteverdi en 2017 (Vespro y Orfeo), además de nuestros programas habituales con Cappella Mediterranea que comenzaremos a echar a rodar en 2017 por España y América Latina. Espero poder dirigir pronto José de Nebra y Antonio Literes, dos grandes compositores contemporáneos de Durón. Años de estudio y descubrimientos se avecinan. Estoy verdaderamente feliz de poder participar de este homenaje en la Zarzuela y espero con ansiedad conocer su público pronto.

Nosotros también estamos deseando escuchar su Durón soñado. Gracias por su tiempo.

Por Pierre-René Serna

http://www.cappellamediterranea.com/

La guerra de los gigantes (Ópera escénica en un acto de autor anónimo)
Música de SEBASTIÁN DURÓN (Estrenada en Madrid el 23 de febrero de 1702)
El imposible mayor en amor, le vence Amor
Zarzuela en dos jornadas de Francisco Bances Candamo
Música de SEBASTIÁN DURÓN (Estrenada en el Teatro de la Cruz de Madrid, el 24 de julio de 1710)
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
Fechas y Horarios:
17, 18, 20, 22 y 23 de marzo de 2016
20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas) 

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: Leonardo García Alarcón dirigirá el programa doble dedicado a Durón en el Teatro de la Zarzuela.
Acred: Bertrand Pichene

50 Años de la Orquesta Sinfónica de la RTVE

50 Años de la Orquesta Sinfónica de la RTVE

Publicado: Febrero 2016
Entrevista con Mikaela Vergara, directora gerente

Qué es lo primero que hay que hacer cuándo se cumplen 50 años, que son los conmemorados por la Orquesta en 2015…

En primer lugar, agradecer al público y a los espectadores que han disfrutado, aplaudido y apoyado a la Orquesta Sinfónica RTVE durante medio siglo de historia, así como a todos y cada uno de los profesionales, dentro y fuera del escenario, que a lo largo de tres generaciones han construido una formación sinfónico-coral única en su género, puesto que es la única orquesta y coro de nuestro país con una función audiovisual intrínseca, abocada a la difusión de la música clásica a través de los medios de comunicación de la Corporación RTVE. Por cierto, que a este primer medio siglo de la Orquesta Sinfónica se suman los 65 años de brillante trayectoria del Coro RTVE. Y en los agradecimientos también hay que mencionar a las instituciones que nos han galardonado recientemente con motivo de nuestro 50 aniversario con la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada; la Antena de Oro Extraordinaria a la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, otorgada por la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España, o el  Premio Iris Especial de la Academia de las Ciencias y las Artes de Televisión a la Orquesta Sinfónica RTVE por sus 50 años de brillante trayectoria profesional y por su aportación a la cultura musical española. Y después de agradecer, hacer posible experiencias culturales de alto valor simbólico, únicas e irrepetibles como el concierto conmemorativo que celebramos en el marco del Festival de Música y Danza de Granada con el maestro Eliahú Inbal y el caballero del piano español, Joaquín Achúcarro; la inauguración del Festival Internacional de Santander, bajo la batuta de Pablo González, en un monográfico dedicado a Falla y Stravinsky; o  los conciertos del Concurso Internacional para piano de Santander, donde tuvimos ocasión de acompañar a los jóvenes finalistas. Estos conciertos extraordinarios, junto con la Gala del 50 aniversario, que dirigió nuestro titular Carlos Kalmar en el Teatro Monumental, han sido algunos de los actos más memorables de un calendario festivo que se inició el año pasado y que continúa en la presente temporada. No obstante, las conmemoraciones, más que una fecha señalada o un hito pasajero, han de servir para renovar la ilusión por el futuro, el amor por la música y el compromiso de servicio público de nuestra Orquesta Sinfónica y Coro RTVE como embajadora de excelencia cultural.

Desde su nombramiento en noviembre de 2014 como directora gerente de la Orquesta y Coro de RTVE, ¿cuáles han sido y son sus objetivos prioritarios?

Nuestra prioridad es mimar, impulsar y potenciar el valor de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE como herramienta imprescindible para cultivar la sensibilidad del público a través de la música clásica. En la actualidad, una formación sinfónico-coral de nuestro calibre es un símbolo de valores positivos para la sociedad: es un organismo complejo que supone un elogio del trabajo en equipo y que apela al desarrollo de la madurez emocional de los ciudadanos, pues la música clásica requiere del silencio interior para practicar la escucha atenta, invita a tomar conciencia del valor del instante presente y descubrir emociones, a través del sonido, que nos apelan tanto a viajar a nuestro interior como a conectar con los demás. En otro orden de cosas, en nuestras prioridades se encuentra cuidar del público fiel y apostar por sembrar en el público del mañana, a través de conciertos pedagógicos y actividades divulgativas para todas las edades y para disfrutar en familia. También creemos que es crucial reforzar la función audiovisual de nuestra institución diseñando programas de concierto específicos y nuevos formatos que sean atractivos para la radiodifusión pública y las nuevas tecnologías.

¿Hay estudios del público que asiste a los conciertos de la Orquesta?

En nuestra área realizamos un seguimiento exhaustivo de los niveles de ocupación y de las tendencias y hábitos de nuestro público. Más de 55.000 personas asisten a nuestros conciertos del Teatro Monumental cada temporada y otros cientos de miles siguen nuestros conciertos en las transmisiones de radio, televisión y streaming a través de la Web www.rtve.es. En 2015 se han recuperado los niveles de ocupación y venta de taquilla con respecto a antes del comienzo de la crisis. También desarrollamos una intensa actividad de responsabilidad social corporativa, ofreciendo más de 30 actividades gratuitas al año, de las que se benefician más de 18.000 personas pertenecientes a más de 120 colectivos, asociaciones, colegios e institutos y plataformas diferentes. Junto con la inauguración de un programa pedagógico propio del Coro, hemos estrenado un abono joven para menores de 26 años que permite asistir a todos los conciertos de temporada de abono por sólo 44 euros, así como descuentos muy atractivos para grupos, con la intención de facilitar el acceso a la gran música a todo tipo de públicos.

Ofrecen conciertos los jueves y viernes, ¿han pensado en cambiar fechas?

Nuestra intención es continuar siendo fieles al público abonado de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, que dispone de dos abonos en sendos conciertos semanales, jueves y viernes, desde octubre a mayo. No obstante, la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE celebra múltiples conciertos extraordinarios y actividades artísticas paralelas a la temporada de abono y que son programadas como eventos especiales en diferentes días de la semana: Ciclo de Jóvenes Músicos, Gala lírica, Concierto de Navidad, Concierto solidario “Un juguete, una ilusión”, Ciclo coral o el Ciclo de cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, que organizamos en colaboración con Radio Clásica.

¿Cree que la Orquesta tiene la suficiente difusión en TVE?

La Orquesta Sinfónica y Coro RTVE cuenta con el completo apoyo de todos los medios de la Corporación RTVE. De hecho, todo cuanto interpretamos es emitido en directo o en diferido a través de “Los Conciertos de La 2” de TVE, de Radio Clásica y de rtve.es. También deberíamos subrayar que en la última temporada se ha potenciado una mayor presencia de la actividad de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE en otros espacios de la programación de las emisoras y canales de la casa. Al mismo tiempo, no debemos olvidar que detrás de muchas de las bandas sonoras de las series de TVE y sintonías de radio y televisión se encuentra el trabajo de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE. Tal es el caso de algunas de las series de mayor éxito, como Carlos, Rey Emperador, o Isabel, dos colaboraciones con el compositor Federico Jusid y que, en el caso de Isabel, nos ha valido el Premio Iris a la Mejor Banda Sonora que otorga la Academia de Televisión.

¿Están contentos con su sede, el Teatro Monumental? ¿O entre los deseos del Año Nuevo está un cambio de aires?

Es momento de centrarse en el presente y valorar lo positivo. El Teatro Monumental de Madrid es nuestra sede desde hace veinticinco años y es una sala que reúne múltiples virtudes, como su excelente acústica, su ubicación en el centro de la capital y su aforo de 1.600 butacas. Además, en la práctica, el teatro está acondicionado como estudio de radio y plató de televisión, desde donde emitimos y grabamos un concierto todas las semanas. No olvidemos que nuestra Orquesta Sinfónica y Coro RTVE no solo se dirige al espectador sentado en el teatro, sino que su público objetivo está allí donde llega la radio, la televisión o internet. A través de la Unión Europea de Radiodifusión, nuestros conciertos tienen una magnífica proyección internacional. Nuestra misión es llevar la música clásica en vivo a todos aquellos lugares donde los ciudadanos tienen más difícil acceso al circuito de los grandes auditorios.

La Orquesta es un soplo de aire fresco en los repertorios, siempre buscando obras nuevas…

La programación de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE ha de responder a una función de servicio público audiovisual, por eso se articula en diferentes líneas: la divulgación de las grandes obras del repertorio clásico universal, el compromiso con el patrimonio español, la recuperación de títulos y autores menos conocidos y la difusión de la música contemporánea, así como el apoyo a los jóvenes directores, intérpretes y compositores. Estas líneas maestras son señas de nuestra identidad desde la fundación. Cumplir 50 años es un buen momento para corroborar nuestra esencia y actualizarnos de cara al futuro, siempre sobre la base del respeto por todo lo conseguido hasta el momento.

Felicidades por el aniversario y gracias por su tiempo.

http://www.rtve.es/orquesta-coro/

Por: Por Gonzalo Pérez Chamorro

 

Maestro y discípulo: Tchaikovsky & Taneyev

Maestro y discípulo: Tchaikovsky & Taneyev

Publicado: Febrero 2016
Próximo reto del Grupo Concertante Talía

Silvia Sanz Torre, directora del Grupo Concertante Talía (GCT), está volcada en la preparación del tercer concierto de su temporada en el Auditorio Nacional de Música en el año en que el grupo celebra su XX aniversario. El sábado 12 de marzo a las 22:30 en la Sala Sinfónica, Orquesta Metropolitana de Madrid y Coro Talía ofrecen un concierto emocional y apasionado dedicado a los compositores rusos Tchaikovsky y Taneyev, que fueron maestro y discípulo, y también amigos. Se interpretarán la Sexta y última Sinfonía del maestro, la “Patética”, y la Cantata San Juan de Damasco de su discípulo. 

¿Qué nos puede decir la directora Silvia Sanz del porqué de esta elección?

Iniciamos la temporada con “Noche de brujas, espíritus y misterio”, con clásicos y cine. Despedimos el año con “Singing Europe”, pop y rock sinfónico. En ambos se agotaron las entradas y disfrutamos tanto el público como los músicos. Ahora esperamos que ese feedback se mantenga pero de otra manera. En este momento toca introspección, sentimientos, melancolía, todo lo que plasmó Tchaikovsky en su última Sinfonía, reflejo de su personalidad apasionada y de sus luchas internas. Es un concierto muy esperado que, tanto la orquesta como yo, afrontamos con mucha emoción.

“Maestro y discípulo” se iniciará con la cantata San Juan de Damasco o Juan Damasceno de Serguei Taneyev, un músico poco conocido en nuestro país…

Lo que no está reñido con la calidad. Estoy segura de que el público se va a sorprender ante la belleza, expresividad y poesía de esta Cantata. Los versos son parte de un extenso poema que Aleksei K. Tolstoi dedicó a Juan Damasceno, escritor, filósofo y teólogo sirio que vivió entre los siglos VII y VIII  y que tanto Tolstoi como Taneyev admiraban.

A esta obra se la conoce también como “Un réquiem ruso”…

Sí, pero no tiene nada que ver con un oficio de difuntos. La denominación “Un réquiem ruso” es una referencia a “Un réquiem alemán” de Brahms, por su carácter espiritual y reflexivo. La obra nos habla del amor que sobrevive a la muerte, así que la muerte está presente. Es otro aspecto que de alguna manera une las dos obras del concierto, pues muchos han definido la última Sinfonía de Tchaikovsky como su propio réquiem, como una premonición, ya que el músico murió nueve días después del estreno.

Contrastes atrevidos… ¿Es uno de los factores que determinan las temporadas del Grupo Concertante Talía?

Queremos atraer público nuevo a las salas de conciertos. La música mueve emociones y lo puede hacer de muy diversas maneras. Entre nuestro público hay personas que entraron por primera vez en el Auditorio Nacional para escuchar un concierto de bandas sonoras, de soul o de pop y rock sinfónico. Ahora son abonados. Se han divertido con “Singing Europe”, pero van a escuchar también a Tchaikovsky y a Taneyev y terminarán la temporada con un concierto de preludios y coros de zarzuela, un género que debemos mantener y apoyar.  

Y antes de Tchaikovsky, concierto de carnaval…

Se trata de un concierto extraordinario. Será el sábado 6 de febrero a las 19.30 en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, un concierto muy familiar en el que el humor es un elemento importante. Los animales protagonizan todas las obras. La Orquesta Metropolitana interpretará El carnaval de los animales de Saint-Saëns, tan divertida por sus parodias a otros compositores, el popular cuento de Prokofiev, Pedro y el Lobo, y un cuento más: En busca de la llama perdida, con texto y música de Alejandro Vivas. El Gaucho Colate busca a su llama por América del Sur y el Caribe y en su viaje conoce la milonga, el tango, el carnavalito, el joropo, el danzón, la samba… Es divertido y pedagógico. La obra se encuentra en proceso de publicación como audio-libro como parte de la colección Kekeñas Krónikas, con las historias de los jonsuis, seres musicales que viven en Keke, una isla que navega impulsada por la energía de un géiser. Hemos puesto toda nuestra ilusión en que esta publicación sea un proyecto colectivo y nos hemos lanzado a una campaña de micromecenazgo.

Como directora y fundadora del Grupo Concertante Talía, ¿qué supone cumplir 20 años?

Es un orgullo comprobar que un pequeño proyecto en el que solo estábamos implicadas 12 personas se ha convertido en una entidad que aúna una temporada de conciertos en el Auditorio Nacional, cursos musicales para todas las edades, difusión de la música a través de conferencias, cineforum, música en la calle, encuentros orquestales, campamentos musicales para niños y tantas otras actividades que nos mantienen vivos y trabajando por el futuro de la cultura dentro y fuera de España. 20 años de vida es una fecha para recordar el pasado, ser conscientes del presente y soñar el futuro, con responsabilidad, con confianza, con ilusión, con madurez, y sobre todo con constancia en el trabajo.

Enhorabuena por su XX Aniversario. Gracias por su tiempo.

Lucas Quirós

La Cita:

“Maestro y discípulo: Tchaikovsky & Taneyev”
Sábado 12 de marzo a las 22:30
Auditorio Nacional, Madrid (Príncipe de Vergara, 146)
Autobuses: 1, 9, 16, 19, 29, 51, 52 y 73
Metro: Cruz del Rayo (línea 9) / Prosperidad (línea 4)
Aparcamientos públicos:
Plaza de Rodolfo y Ernesto Halffter (entrada por Suero de Quiñones)
Museo de la Ciudad (Príncipe de Vergara, 140)

www.grupotalia.org

www.silviasanz.com

Twitter:  https://twitter.com/grupotalia
Facebook:
https://www.facebook.com/GRUPO-CONCERTANTE-TALIA-194410267265191/

Foto: Orquesta Metropolitana de Madrid y Coro Talía en el Auditorio Nacional.
Acreditación: Grupo Talía

 

Festspiele Mecklenburg-Vorpommern

Festspiele Mecklenburg-Vorpommern

Publicado: Febrero 2016
Cita con la música en “el país de los mil lagos”

Los amantes de la música clásica y los bellos paisajes tienen una cita ineludible en el idílico entorno de Mecklenburg-Vorpommern, el Bundesland situado a orillas del mar Báltico en el extremo nordeste de Alemania. Con sus casi dos mil kilómetros de costa, elegantes balnearios y playas de arena blanca, el excepcional paisaje de verdes pastizales y parques, numerosos ríos, y profundos lagos conectados entre sí, históricos edificios, testigos mudos de un pasado feudal, antiguas abadías, casas señoriales, iglesias de ladrillo, palacios y ciudades portuarias hanseáticas con sus calles medievales, han convertido a Mecklenburg Vorpommern en uno de los principales centros turísticos alemanes de las últimas décadas, y al Festspielsommer, su festival de verano, en el tercer festival de música clásica más grande de toda Alemania (17 de junio-17 septiembre), que cada año, elige como salas de conciertos lugares tan insólitos como antiguos graneros, salones de baile o naves industriales, en uno de los favoritos de  cualquier melómano.

Del 11 al 20 de marzo, los Festspiele Mecklenburg-Vorpommern celebran su cita musical con el Festival de la Primavera (Festspielfrühling), en la isla de Rügen (la mayor isla de Alemania e importante destino de vacaciones para los berlineses de principios del siglo XX), bajo la dirección artística de los componentes del Fauré Quartett.

Advent & Neujahr

En invierno, los Festspiele Mecklenburg-Vorpommern celebran los conciertos de Adviento y Año Nuevo (Advent & Neujahr), desde el 4 de diciembre al 10 de enero.  Hablar de Advent en Alemania, es hablar de esas cuatro semanas anteriores a las fiestas navideñas, en las que la gente sale a la calle en plena noche, hace las compras prenavideñas, elige regalos, y enciende cuatro velas, una en cada domingo, que decoran iglesias, escuelas y hogares. A los alemanes les encanta pasear entre las casetas de madera de los ornamentados mercadillos de Navidad (Weihnachtsmärkte), entre brillantes luces de colores, el delicioso aroma a almendra garrapiñada, el vino caliente con especias y los diversos acordes musicales que suenan en estas invernales y frías noches.

Pero, sin duda, uno de los grandes atractivos de estas fechas, son los conciertos de Adviento y Navidad que se celebran por todo el país. Ni el frío, ni la nieve, fueron obstáculo para los entusiastas melómanos, que bien abrigados, acudieron a los conciertos de Adviento con Kit Armstrong, Alice Sara Ott, Armida Quartett, Ramón Ortega Quero o el ensemble barroco l’Ornamento, que tuvieron lugar en las caballerizas de la Gutshaus Stolpe y el Schloss Ulrichshusen.

Los conciertos de bienvenida al Año Nuevo (Neujahrskonzerte) se celebraron a orillas del lago Ulrichshusen, en la sala del reconstruido palacio renacentista que lleva el mismo nombre, y cuyo antiguo granero inauguró Yehudi Menuhin como sala de concierto en 1994. Con entradas agotadas, el violinista británico y futuro director musical de la Orquesta de Cámara de Zurich, Daniel Hope, acompañado por su pianista habitual con el que ha hecho numerosas grabaciones, el alemán Sebastian Knauer, ofrecieron dos “Conciertos-sorpresa” (Überraschungskonzerte), en los que mostraron una perfecta compenetración musical en el escenario, presentando con micrófono en mano e interpretando un original programa en torno al Leitmotiv “América”.

Un concierto en el que escuchamos las obras favoritas de Hope, entre otras, de compositores como Dvorák, Copland, Gershwin, Ravel y Eisler. El Hollywood Sound de Ben-Hur, La Lista de Schindler y ciertos guiños jazzísticos alla Grappelli en la interpretación de Summertime de Gershwin entusiasmaron al público asistente. Además, el pianista Sebastian Knauer realizó una excelsa interpretación de la Rapshody in Blue de Gershwin.

En definitiva, un concierto que el público ovacionó con largos aplausos, aplausos que  los músicos agradecieron añadiendo dos propinas para poner punto y final a este particular y exitoso concierto de Año Nuevo: Polo de Manuel de Falla y Hexenlied de Mendelssohn. Daniel Hope y Sebastian Knauer, que en palabras del Intendant del Festival, Markus Fein, “están tan vinculados a los Festspiele como el Ostsee a Mecklenburg-Vorpommern”, regresarán en agosto para conmemorar el 100 Aniversario de Lord Yehudi Menuhin, en el que Hope, que acaba de sacar al mercado su nuevo disco “My tribute to Yehudi Menuhin”, interpretará obras de Mendelssohn, Walton, Bartók, Bach y Enescu, ligadas a su Musical grandfather.

http://www.festspiele-mv.de/

Foto: El violinista Daniel Hope, acompañado por su pianista habitual, Sebastian Knauer, ofrecieron dos “Conciertos-sorpresa”.
Acred: Harald Hoffmann / Deutsche Grammophon 

Lorena Jiménez

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