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artistas y gestores musicales
Programación Lírica Extremeña

Programación Lírica Extremeña

Publicado: Octubre 2016
Carmina Antiqva en Badajoz

El Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral (InDiCCEx) ha programado un nuevo ciclo de conciertos que tendrá lugar en Badajoz bajo el nombre Carmina Antiqva. Con él dará comienzo una programación lírica que pretende llegar hasta el mes de junio de 2017, concatenando este que ahora se presenta (septiembre-diciembre del año en curso), con los ciclos Juan Vázquez, músico natural de la ciudad de Badajoz (enero-marzo de 2017) y Voces extra urbem (abril-junio, también del próximo año). En paralelo a estos, la actividad se implementa  articulando otros de formato más abierto como The children singers, La voz del verso, La música en el estado de Feria, Música del Real Monasterio de Guadalupe (Cáceres) o Contemp-Coralia.

En esta labor de difusión es importante destacar la búsqueda del equilibro estilístico y la presencia de temáticas que giren hacia la producción musical nacional y regional tanto en el ámbito más antiguo como en el contemporáneo. De esta forma, InDiCCEx intenta canalizar el fruto de investigaciones (estudios, trabajos, composiciones de encargo, nuevas armonizaciones, ediciones…, en la mayoría de ocasiones propias), estimulando, además, la demanda de materiales vinculados a la realidad musical española y, en especial, a la extremeña.

Plan de Acción Extremadura y su Música

Sepa el lector que todas estas acciones se contienen en el denominado Plan de Acción Extremadura y su Música, una iniciativa nacida a principios de la pasada década, cuyo objetivo es dar a conocer de manera eficiente el patrimonio musical más cercano.

De otra parte, la variedad temática que aportan los ciclos de la Programación Lírica Extremeña propicia además un crisol de formatos vocales, géneros y estilos que cubren ciertos vacíos de programación existentes en Badajoz, pudiendo exportarse además a otros lugares, sobre todo hacia el final del curso académico.  

Carmina Antiqva es, pues, el primero de estos ciclos y se presenta con cuatro conciertos cuyos programas se moverán en un marco temporal que abarcará desde el s. XVI hasta el XVIII.

El viernes 23 de septiembre de 2016 se inauguró la programación con Il nobile Diletto. Se trata de una formación afincada actualmente en Badajoz y liderada por Santiago Pereira (clave). En esta ocasión estuvieron acompañados por la soprano salmantina Sara Garvín, que interpretaron un programa que llevaba por título “Cantatas italianas del barroco tardío: Scarlatti, Gabrieli, Caldara, Bononcini y Händel”.

El viernes 7 de octubre de 2016 será el turno del Dúo Marizápalos. Está integrado por dos grandes conocidos de la música antigua: el cantante pacense César Carazo y el vihuelista Aníbal Soriano. El repertorio estará dedicado en su totalidad al polifonista pacense Juan Vázquez y a la música y versiones que de él aparecen en los libros de vihuela del s. XVI.

El jueves 4 de noviembre de 2016 intervendrá el grupo sevillano A5 vocal ensemble interpretando el primer libro de madrigales de Monteverdi a cinco voces. Son sus componentes María J. Pacheco, Raquel Batalloso, Teresa Martínez, Julio López y Alejandro Ramírez.

El cuarto y último concierto tendrá lugar el viernes 2 de diciembre de 2016 y correrá a cargo del Coro Amadeus de Puebla de la Calzada, dirigido por su fundador Alonso Gómez Gallego. La formación pacense presentará un programa elaborado con polifonías inéditas del monasterio de Guadalupe, que incluirán obras de Melchor de Montemayor y Manuel del Pilar junto a otras de Francisco Guerrero o Palestrina. Cabe destacar a este respecto que todos los materiales de este concierto han sido transcritos y editados por el InDiCCEx. El programa llevará por título “Músicas para un año jubilar. Guadalupe 2016”, y ha sido confeccionado especialmente por el director del coro para conmemorar las actividades que durante todo el año se están realizando con motivo de la celebración del año jubilar guadalupense.

Este ciclo cuenta, por tanto, con la colaboración de la asociación Coro Amadeus de Puebla de la Calzada y de la Diputación Provincial de Badajoz. Está patrocinado por la obra social de la Caja Rural de Extremadura y varios benefactores anónimos que hacen posible (en definitiva) que todos los conciertos gocen de entrada gratuita hasta completar el aforo. Todos los conciertos tendrán lugar a las 20:30 horas en el Salón Noble de la Diputación Provincial de Badajoz.

Por: Lucas Quirós

http://www.indiccex.es/

En Facebook http://bit.ly/2ddsxkI

Foto: Alonso Gómez, organizador de la Programación Lírica Extremeña en Badajoz. 

MITO SettembreMusica 2016

MITO SettembreMusica 2016

Publicado: Octubre 2016
Renovada identidad

En la señorial Turín, la ciudad abrazada por el río Po y rodeada por los Alpes, y en su vecina Milán, la ciudad más cosmopolita de Italia, celebró su décimo aniversario el festival MITO SettembreMusica, del 2 al 22 de septiembre, con renovada identidad musical y más de un centenar de conciertos (80 en cada ciudad).

Un festival temático renovado

El nuevo equipo de dirección del festival, presidido por la milanesa Anna Gastel, historiadora y sobrina de Luchino Visconti, y su director artístico, Nicola Campogrande (Torino, 1969), uno de los compositores italianos más interesantes de la nueva generación, decidieron darle este año un nuevo impulso al festival. “Cuando imaginé un nuevo MITO SettembreMusica con el deseo de dedicar el festival exclusivamente a la música clásica, -nos explica Nicola Campogrande-, pensé en dos tipos de público: los que acuden periódicamente a los conciertos y aquellos que nunca han ido a una sala de conciertos. Quería ofrecer algo distinto, algo que renovase la experiencia como oyentes para aquellos que regularmente acuden a los conciertos y, al mismo tiempo, derribar barreras para aquellos que no lo hacen. Esa es la razón por la que pensé en un festival temático, donde cada evento es ad hoc, y está pensado para una audiencia a la que, a veces, también se invita a participar. Por eso el lema de este año es Padri e figli (padres e hijos), porque creo que encaja con la idea de un festival que ya tiene detrás una historia, pero que se abre a la innovación, enriquecido con la mejor música de los compositores vivos”.

Y, efectivamente, MITO ha sido este año una invitación para que todos pudieran disfrutar de la música clásica, incluidos los más pequeños. Gentes de todas las edades participaron en el MITO open singing el pasado 10 de septiembre en Milán y al día siguiente en Turín. Treinta coros procedentes de toda Italia, y más de un millar de coristi, cantaron con el público en la Piazza del Duomo di Milano y en la Piazza San Carlo di Torino, bajo la batuta del director Michael Gohl y el apoyo del Coro Giovanile Italiano, que actuó cono coro guía. Además, tal y como nos comentó la presidenta Anna Gastel: “En esta ocasión, se redujeron los precios de las entradas para facilitar la accesibilidad a las salas de conciertos, y se prestó especial atención a los habitantes de las áreas periféricas, que pudieron disfrutar de un concierto gratis cada tarde, en ocasiones con los mismos artistas presentes en las grandes salas de conciertos”.

Otra novedad de esta décima edición del MITO fue la introducción previa a la escucha de los musicólogos Stefano Catucci en Turín y Gaia Varon en Milán.  Durante las dos primeras veladas del festival, el público dispuso de una guía de audición, realizada por Fabrizio Festa (Nicola Campogrande, La Mer) que se visualizaba en el display que se usa para los subtítulos operísticos.

Originales programas, específicamente diseñados para el festival e idénticos en ambas ciudades, con un arco temporal que recorre más de 800 años de música, en muchas ocasiones rompiendo la barrera de los géneros, donde las nuevas composiciones emergieron entre el repertorio barroco, y Richard Strauss dejó espacio a las bandas sonoras de Hollywood y al repertorio contemporáneo, fueron la tónica dominante del festival, que en esta edición estuvo dedicada a Giorgio Balmas, Assessore per la Cultura (1975-1985) y fundador del original Settembre Musica en los años 70.

La gala inaugural de esta décima edición del festival MITO tuvo lugar el día 2 de septiembre en el que fue teatro de la corte de Saboya: el renovado Teatro Regio di Torino. Ocho minutos de entusiastas aplausos para la batuta de Gianandrea Noseda y la Orquesta Sinfónica de Londres que, por primera vez en Italia, estrenó cinco Preludios del II libro de Debussy, transformados en “bocetos” sinfónicos, gracias a la fantasía tímbrica de Nikos Christodoulou, presente en la sala. Aunque, sin duda, lo mejor de la velada inaugural fue la Sinfonía n. 2 de Rachmaninov, que nos permitió apreciar la particular sonoridad de la LSO y su excelente sección de cuerda, a pesar de la mala acústica de la sala. Ante la insistencia del público, ferviente admirador del director italiano (es el director musical del Regio desde el 2007), Noseda, ya sin partitura, y con auténtico entusiasmo, regaló a su público dos populares bises: Trepak, la famosa danza rusa del Cascanueces de Tchaikovsky y la Danza Húngara n. 5 de de Brahms.

Otro de los conciertos a destacar fue, sin duda, el original concierto de la Academia Montis Regalis, “Casa Bach”, con música de Bach y sus hijos Carl Philipp Emanuel, Wilhelm Friedemann y Johann Christoph Friedrich, que se celebró en el escenario circular del Piccolo Teatro Studio Melato de Milán y en el Conservatorio de Turín. Además, en la edición de este año, se dieron cita destacados solistas y ensembles de la escena internacional como Gabriela Montero, Diego Matheuz con la Orchestra del Teatro Regio di Torino, Riccardo Chailly con la Filarmonica della Scala y Beatrice Rana, Mario Brunello, la Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, la Capella Napolitana o el Ghislieri Choir&Consort. La conocida como “diva del siglo XXI”, la soprano y directora Barbara Hannigan, al frente de su Orchestra Ludwig, llenó la Sala Verdi del Conservatorio di Musica “Giuseppe Verdi” di Milano y el original Auditorium Giovanni Agnelli-Lingotto, con un ecléctico programa dedicado a Debussy (Syrinx), Sibelius (Luonnotar), Fauré (Pelléas et Mélisande), la Suite de Lulu de Alban Berg, y entusiasmó al público con su interpretación de Girl Crazy Suite de George Gershwin.

http://www.mitosettembremusica.it

Por: Lorena Jiménez

Foto: La conocida como “diva del siglo XXI”, la soprano y directora Barbara Hannigan, al frente de su Orchestra Ludwig.
Acreditación: Gianluca Platania

 

Jerusalem International Chamber Music Festival

Jerusalem International Chamber Music Festival

Publicado: Octubre 2016
La música como instrumento de paz

En Jerusalén, la ciudad tres veces santa, lugar de peregrinación de judíos, musulmanes y cristianos, tuvo lugar la decimonovena edición del Festival Internacional de Música de Cámara, fundado y dirigido por la reconocida pianista de origen ruso, Elena Bashkirova (hija del célebre Dmitri Bashkirov y esposa de Daniel Barenboim). El Jerusalem International Chamber Music Festival (JCMF), que comenzó su andadura en septiembre de 1998, como experimento para establecer un diálogo entre culturas a través de la música de cámara, lejos de celos políticos y religiosos, se ha convertido, casi dos décadas después, en uno de los eventos más importantes de la escena musical israelí.

En palabras de Elena Bashkirova: “Podemos decir que el primer festival fue un experimento, porque no sabías qué público iba a asistir, cómo reaccionaría, qué podíamos hacer, etc. Aunque, desde el principio, queríamos tener aquí a los mejores, no a los más famosos, pero sí a los mejores, y afortunadamente muchos de ellos han querido volver, siempre que han podido”.

El ambiente de camaradería es, sin duda, una de las señas de identidad de este festival, en el que los conciertos rara vez duran menos de tres horas, y público y artistas comparten espacio durante las pausas en la terraza del legendario hotel YMCA. “Los artistas invitados conviven como mínimo 5 días, y participan al menos en dos conciertos. Aquí no prima el glamour, el evento social, los clientes VIP, los managers o las grandes compañías discográficas -nos cuenta Bashkirova-; este no es un sitio para hacer carrera, aquí los artistas conviven, ensayan, comen y beben juntos en la terraza y hablan durante horas; hay un buen feeling, no hay ninguna presión, más allá de la propiamente musical”.

Y, efectivamente, un año más, durante diez días (del 1 al 10 de septiembre) en la sala abovedada del edificio de la YMCA, a solo diez minutos a pie de la ciudad antigua, jóvenes y talentosos músicos israelís se unieron a miembros de las mejores orquestas de la escena internacional y a renombrados solistas de todo el mundo, como el flautista Emmanuel Pahud, la violinista letona Baiba Skride, la violista Madeleine Carruzzo (la primera mujer en formar parte de la Filarmónica de Berlín, con Karajan), el chelista alemán Julian Steckel o los pianistas Sir András Schiff y Kirill Gerstein, entre otros. El objetivo: hacer música juntos. Tal y como nos contó el pianista Kirill Gerstein: “Es un festival muy especial, es el único festival al que regreso cada año, desde hace catorce ediciones, y he visto como el público se entrega cada vez más a la música de cámara (…) Y es maravilloso que los músicos vengan solo por la alegría de tocar juntos, ya que aquí no hay dinero de por medio (el festival no paga a los músicos), lo importante es la música, hacer música con otros y compartirla con el público”.

Octeto de Mendelssohn

El Jerusalem International Chamber Music Festival 2016, que como cada año se clausuró con el Octeto de Mendelssohn (memorable actuación de Baiba Skirde, violín, y de Madeleine Carruzzo, viola), estuvo dedicado, en esta ocasión, a los aniversarios de tres compositores: Reger, Busoni y Shostakovich.

Además, siguiendo la tradición, se estrenó una nueva obra de encargo del compositor israelí Yinam Leef. Entre los conciertos de este año es necesario destacar la excelente interpretación del dúo Bashkirova y Pahud de la Sonata en la menor para Arpeggione y piano D 821 de Schubert, en arreglo del propio Pahud, la magistral interpretación de obras de Bach y Busoni de Sir András Schiff, y las exquisitas Bagatelles para quinteto de viento de Ligeti que ofrecieron Les Vents Français. Mención especial merece el legendario pianista Menahem Pressler, que actuaba por primera vez en el Festival. Su interpretación del Quinteto para piano n. 2 en la mayor Op. 81 de Dvorak, junto a Baiba Skride, Benny Peled (violines), Krzysztof Chorzelski (viola) y Julian Steckel (violonchelo), fue recibida con enormes aplausos y la ovación del público puesto en pie, que el nonagenario pianista agradeció con una propina.

http://jcmf.org.il/

Por: Lorena Jiménez 

Foto: Elena Bashkirova junto al legendario pianista Menahem Pressler.
Acreditación: © Dan Porges

Rosana Orsini y Marco Brescia

Rosana Orsini y Marco Brescia

Publicado: Julio-Agosto 2016
Ángeles y Sirenas, música religiosa en Oporto y Santiago de Compostela (siglos XVIII/XIX)

La compañía discográfica Arkhé Music presenta el CD “Angels and Mermaids – religious music in Oporto and Santiago de Compostela (18th/19th century)”, recientemente grabado por la soprano Rosana Orsini y el organista Marco Brescia en el órgano histórico Manuel de la Viña/Ramón Cardama (1713/1865) del convento de Santa Clara de Santiago de Compostela.

Este proyecto discográfico contempla un repertorio no sólo temporalmente coetáneo, sino también nacido de un contexto religioso común a dos ciudades dominadas por los campanarios de sus iglesias. En su consecución, Rosana Orsini y Marco Brescia realizaron un profundo trabajo de investigación y restitución musicológica de un repertorio prácticamente inédito, para alcanzar así un resultado artístico de gran interés y calidad.

El disco está compuesto de obras vocales con acompañamiento de organo obbligato del compositor António da Silva Leite (Oporto, 1759-1833), además de obras de tecla compuestas para los conventos femeninos de Oporto por el fraile carmelita calzado Francisco de São Boaventura (Oporto, fl. 1773-1802) y de obras de Melchor López (Hueva, 1759 - Santiago de Compostela, 1822), maestro de capilla de la catedral de Santiago (1784-1822), extraídas de su personal libro de órgano, custodiado por el archivo de la catedral jacobea.

Las mencionadas obras de Silva Leite le fueron especialmente encargadas por las clarisas y benedictinas de Oporto, y presentan pasajes de coloratura de un virtuosismo de notable brillantez. El canto de las monjas portuenses parecía emular a un irresistible canto de sirena, capaz de atraer a un gran número de admiradores que acudían a las festividades celebradas en los conventos de la ciudad invicta para dejarse maravillar por el refinamiento y la belleza de las voces de las religiosas.

LOS INTÉRPRETES

Rosana Orsini

Máster en Canto Lírico por la Manhattan School of Music de Nueva York, así como de un Posgrado en Canto por la Royal Academy of Music de Londres, Rosana Orsini se especializó con Antonio Florio en la interpretación de la Música Antigua en el Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles. Es Doctora en Historia Moderna y Contemporánea por la Universidad Paris IV-Sorbonne y en Ciencias Musicales por la Universidad Nova de Lisboa y actúa regularmente en prestigiosas salas y festivales internacionales de música en Europa y en las tres Américas.

http://www.rosanaorsini.com/

Marco Brescia

Organista italiano/brasileño especializado en la interpretación histórica de la música de tecla ibérica e italiana, Marco Brescia actúa con regularidad en prestigiosos ciclos de concierto y festivales internacionales de música en Europa y Latinoamérica. Está en posesión de un Máster de Interpretación de la Música Antigua/Órgano Histórico (Escuela Superior de Música de Cataluña/Universidad Autónoma de Barcelona) y de un Doctorado en Musicología Histórica (Universidades Paris IV–Sorbonne / Nova de Lisboa). Es director artístico del Festival Internacional de Música Histórica de Diamantina, Brasil.

http://www.marcobrescia.com/

Arkhé Music

Arkhé Music es un sello de vocación internacional especialmente dedicado a la grabación y edición fonográfica de interpretaciones históricamente informadas de la música producida en el Sur de Europa entre los siglos XVI y XIX. Sus ediciones están comprometidas con la fidelidad en relación al contexto histórico de este repertorio, ofreciendo al público grabaciones con instrumentos históricos o copias fidedignas de éstos y siempre buscando recrear el ambiente sonoro más adecuado a cada interpretación. Todo ello para que la esencia de este rico repertorio sea debidamente puesta en valor y, así, proyectada a las futuras generaciones.

Arkhé Music cuenta con distribución mundial de la compañía británica Launch Music International.

www.arkhemusic.com

Lucas Quirós

Foto: Rosana Orsini y Marco Brescia, durante la grabación de Ángeles y Sirenas.
Acred: Belén Bermejo

 

Festival de Peralada, 30 años

Festival de Peralada, 30 años

Publicado: Julio-Agosto 2016
El clásico del verano

El Festival Castell de Peralada tiene lugar en el Castillo de Peralada y en sus jardines. Un entorno único en una zona privilegiada como el Empordà y la Costa Brava. La programación tiene tres líneas históricamente reivindicadas: la lírica, la danza y el verano musical, recogiendo este otros estilos musicales como el jazz, el pop o la canción de autor. Las tres líneas tienen como objetivo traer grandes artistas de proyección internacional. No se trata solo de garantizar la calidad de las propuestas, sino que, a lo largo de 30 años, sigue siendo la esencia del posicionamiento del Festival como referencia en la oferta artística nacional e internacional. Desde sus inicios, la calidad y el eco de los artistas que intervienen han situado el Festival como el clásico del verano.

En esta edición se celebra el 30 aniversario, por el que pasarán Lang Lang, Olga Peretyatko, Anita Rachvelisvili, Bryan Hymel, Xavier Sabata, la compañía joven de Alvin Ailey, Ailey II y Roberto Bolle and Friends en el campo de la danza y, dentro de la categoría verano musical, Pink Martini, El Gusto es nuestro, Seal, Diana Krall, Ezio Bosso, La Unión, The Original Blues Brothers Band y Simply Red.

Uno de los grandes momentos de esta edición del festival será el estreno de la producción propia 2016, Turandot de Puccini. Con dirección de escena a cargo de Mario Gas y con escenografía de Paco Azorín, Turandot se añade a la larga lista de producciones propias del Festival, en su clara apuesta por la cultura desde la iniciativa privada.

El punto álgido del Festival es la gala lírica del 30 aniversario, una noche con actuaciones únicas y extraordinarias en las que coincidirán en el escenario del Auditorio del Parque del Castillo grandes voces de la lírica nacional e internacional, como Sondra Radvanovsky, Eva-Maria Westbroek, Carlos Álvarez, Marcelo Álvarez y Ambrogio Maestri. Los acompañará la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, con dirección musical de Daniele Rustioni.

http://www.festivalperalada.com/es/

PARA LA HISTORIA 

1988. Dido and Eneas, de Purcell, con Montserrat Caballé. En los primeros años del Festival se representaron óperas infrecuentes como Mozart y Salieri o Acis y Galatea.

1996. Pepita Jiménez, de Albéniz, puesta en escena de Frederic Amat y dirección musical de Josep Pons; forma parte de la tarea de recuperación de patrimonio del Festival.

1997. El martirio de san Sebastián, de Debussy. La Fura dels Baus con Àlex Ollé y Carlus Padrissa, dirección musical de Frederik Chalsin. El Festival siempre apostando por la nueva creación.

1999. Carmen, de Bizet. Con Annie Vavrille, Angela Gheorghiu y Roberto Alagna. Calixto Bieito como director de escena y Gianandrea Noseda como director musical. La producción del Festival que aún se está programando por toda Europa. Uno de los iconos del Festival.

2001. Bernarda Alba Haus, de Aribert Reimann. Komische Oper Berlin. El Festival ha programado óperas de grandes teatros internacionales, como esta creación actual, obra maestra de la ópera contemporánea.

2015 (foto). Otello, de Verdi. Gregory Kunde, Eva-Maria Westbroek y Carlos Álvarez. Dirección de escena de Paco Azorín y dirección musical de Ricardo Frizza. Otello forma parte de las producciones propias del Festival construidas en los talleres de la misma zona.

Lucas Quirós 

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición - 3º

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición - 3º

Publicado: Julio-Agosto 2016
Tercer Premio: Córdoba Classical Music (Lucena, Córdoba). Cuarteto de saxofones y piano.

Qué nos cuenta el Córdoba Classical Music…

Somos alumnos del CPM “Maestro Chicano Muñoz” de Lucena (Córdoba), que durante este año hemos compartido la interpretación en conjunto a través de la asignatura de cámara. Cursamos sexto curso de enseñanzas profesionales y accederemos a las pruebas de acceso de enseñanzas superiores para continuar experimentando y aprendiendo en el mundo de la música.

Continuaremos con esta formación tan original hasta conseguir un programa atractivo al público, actualmente está compuesto por obras de Pedro Iturralde, Claudio Corradini o Piazzola, todas ellas incluidas en la literatura del siglo XX. 2015 ha sido nuestro nacimiento como formación y el 2016 será la consolidación. Hemos realizado varios conciertos y queremos finalizar el curso académico presentándonos al Concurso de Cámara del CPM de Écija (Sevilla). Tenemos una vasta experiencia como intérpretes en otras formaciones como Bandas Sinfónicas, Orquestas y formaciones mixtas.

Memorias, de Pedro Iturralde, nos presenta una serie lugares (Argel, Casablanca…) donde el autor realizó una gira de conciertos que les inspiraron la creación de esta obra. Una partitura basada en el estilo de swing y jazz, donde el autor nada con total soltura, dada la consolidada experiencia de Pedro Iturralde en el mundo del jazz, siendo uno de los grandes en esta disciplina.

Como Catedrático de Saxofón del Real Conservatorio Superior de Madrid y conocido intérprete y docente de música clásica y de jazz, Iturralde ha dejado un gran legado de música con tintes jazzísticos para ser interpretada en los Conservatorios. La elección de la obra se debe a que fue escrita originalmente para esta formación instrumental.

Actualmente cursamos el último curso de las enseñanzas profesionales, lo que supone un trampolín hacia un nuevo mundo de proyectos profesionales y un salto hacia una verdadera calidad musical. Pretendemos consolidar esta formación de cara al futuro por su originalidad grupal  y perspectivas musicales.

Contacto: julian37@telefonica.net

http://www.rookiebox.com/

 

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición - 6º

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición - 6º

Publicado: Julio-Agosto 2016
Sexto Premio: Trío Scherzando. Salamanca (Conservatorio Superior de Castilla y León). Violín, violonchelo y piano (Gema Jurado, violín; Ana Camacho, cello; Darío Meta, piano).


Qué nos cuenta el Trío Scherzando.…

Formado en el Conservatorio Superior de Castilla y León, sus integrantes atesoran, pese a su juventud, una dilatada experiencia concertística y una entusiasta dedicación al repertorio para trío de piano, que abordan con honestidad, compromiso y una gran intensidad interpretativa.

Forman parte de renombradas orquestas como la EUYO, JONDE, la ORCAM, OJA, Orquesta Freixenet, actuando en importantes salas, como el Auditorio Nacional (Madrid), Auditorio Baluarte (Pamplona) o el Auditorio de Zaragoza, entre otros. Han recibido clases magistrales de importantes figuras como el Cuarteto Quiroga, miembros del Cuarteto Casals o Ferenc Rados. Sus actuaciones más destacadas como agrupación han tenido lugar en ciudades como Valladolid (Centro Miguel Delibes-Sala de Cámara), Ávila (Auditorio San Francisco-Juventudes Musicales), Madrid (Espacio Ronda), Salamanca (CEB-Universidad de Salamanca), entre otras.

La obra elegida para el concurso fue el Trío n. 1 Op. 8 de Brahms. “Una de nuestras mejores experiencias hace dos temporadas. Tuvimos la oportunidad de tocarlo, en el espacio de unos cuatro meses, en Madrid, Valladolid, Ávila, Salamanca, Guadalajara, Getafe, entre otras muchas ciudades, y también lo grabamos para Radio Clásica, dentro del programa Música Joven”.

“Como es lógico, es una obra de la que existen cientos de versiones, y de la que se conservan grabaciones de grandes intérpretes. Algunas de estas grabaciones nos sirvieron como inspiración, pero es cierto que, principalmente, nos guiamos por nuestro propio trabajo como grupo, ayudados por nuestros profesores Héctor Sánchez y Alejandro Bustamante, que con gran generosidad compartieron con nosotros muchas horas de música y de dedicación. Llegar a controlar una obra semejante supone un gran reto, tanto a nivel técnico e interpretativo como a nivel humano. Disfrutamos mucho cada uno de los conciertos, sabiendo que nos movíamos en el terreno de la música con mayúsculas”.

Contacto: ddmeta@yahoo.es
http://www.rookiebox.com/ 

 

Christoph Denoth

Christoph Denoth

Publicado: Junio 2016
Nacido para tocar la guitarra

El guitarrista Christoph Denoth ha grabado para Signum un programa español con obras de Rodrigo y Palomo, entre otros. Tuvimos la ocasión de hablar con el guitarrista, que ya fue portada de RITMO en octubre de 2015.

Estimado maestro, considera que la guitarra es “solo española”, quizá debido a la influencia de Andrés Segovia…

La guitarra siempre estará conectada a España y su historia. Los últimos siglos y la mezcla de culturas con elementos sefardíes y árabes están fuertemente conectados con la cultura europea. La guitarra es probablemente uno de los instrumentos más conocidos y amados de todos, al mismo tiempo que su repertorio es limitado en lo que entendemos por gran música clásica. Segovia popularizó la guitarra clásica por todas las salas del mundo, estando estrechamente vinculado al instrumento. La belleza y cualidades de la guitarra pueden engañar dependiendo de la manera en que esta pueda ser tocada. Este es un hecho que muchos guitarristas de hoy en día ignoran. La guitarra es entendida a menudo como un instrumento “punteado”, pero la búsqueda de la expresión misma de la música necesita tener siempre el carácter cantábile que conocemos de la misma voz y expresión humana. A pesar de ello, a pesar de ser “punteada”, no hay nada más bello como el sonido creado de la forma más bella posible, con una resonancia corporal, del mismo modo que si se estuviera cantando. Este detalle fue entendido perfectamente por Segovia, que nos transmitió su amor por el sonido y el canto de la guitarra.

¿Cómo responden las audiencias fuera de España con la música española?

Mis experiencias me han demostrado que este público no español ama la música española especialmente cuando es interpretada a la guitarra. Parece muy natural para el público no español escuchar la música española a la guitarra, o música de cámara con guitarra y especialmente conciertos para guitarra. Mis mayores éxitos son con el Concierto de Aranjuez y aún más con los Nocturnos de Andalucía de Lorenzo Palomo. Con esta obra para gran orquesta y guitarra las orquestas y el público disfrutan a partes iguales, experimentando nuevas dimensiones sonoras y expresivas durante la interpretación. No me había ocurrido antes.

¿Le gusta el flamenco? ¿Lo ha tocado alguna vez?

Siendo guitarrista, tocar flamenco es una parte importante para entender la música española, su tradición, la misma guitarra y sus raíces. La forma de sus elementos folklóricos y su contenido emocional se experimentan en el flamenco. Mi formación como director y guitarrista me vinculan a un estilo diferente del flamenco, pero entenderlo ayuda a conocer mejor la música española para guitarra.

El repertorio para guitarra del siglo XX es muy importante pero, ¿podría decirnos la importancia de las transcripciones para guitarra y su significado?

El repertorio original para la guitarra clásica gira en torno a los últimos cinco siglos, pero es bastante más pequeño si se compara con los compuesto para el piano, el violín o la voz humana. Los grandes compositores del pasado, como Mozart, Beethoven, Brahms, Schumann o Debussy, no compusieron una sola pieza para este instrumento.  Aparte de Sor, Giuliani, Tárrega y otros, solo disponemos de unas pocas canciones para voz y guitarra de Schubert y Weber, así como música de cámara de Paganini y Boccherini, entre otros. De este modo, para ampliar el repertorio, los guitarristas podemos tocar transcripciones de obras de Bach o las originales para piano de Albéniz y Granados, que suenan como si hubieran sido escritas específicamente para guitarra, especialmente la Suite Española Op. 47 del primero. En el siglo XX la situación cambió cuando Andrés Segovia inspiró la composición de tantas y tantas obras originales para guitarra. Con compositores como Moreno Torroba, Villa-Lobos, Turina o Rodrigo, por citar solo a unos pocos de una larga lista, la percepción de la guitarra cambió completamente. Más compositores comenzaron a escribir para la guitarra, desarrollando nuevas maneras estilísticas. Después de la Segunda Guerra Mundial, compositores como Britten, Walton, Berkley, Hindemith, Boulez, Brouwer, Henze, Carter, Martin, Donatoni, Ginastera, Berio, Ohana, Maxwell Davies, Linde o Takemitsu crearon obras para guitarra, muchas de ellas escritas para Julian Bream. El lenguaje de estas obras presenta a menudo aspectos más modernos que no se encuentran en el típico lenguaje de la guitarra española. La guitarra se desarrolla, conoce nuevos terrenos sonoros y rítmicos y nuevas técnicas interpretativas. Realizar transcripciones a la manera tradicional, por tanto, es todavía una manera de ampliar el repertorio de guitarristas profesionales. 

Ha grabado los Nocturnos de Palomo y el Concierto de Aranjuez. ¿Cuáles son los principales aspectos de los Nocturnos de Andalucía?

El repertorio que toco incluye obras de cinco siglos. El principal aspecto para mí a la hora de escoger nuevas obras es su poder musical y su calidad. Lo principal de cuando una obra nos habla es si el oído y el corazón pueden entenderla. Sin inspiración, no hay música. De otra manera, nuestro corazón no se conmovería. En los Nocturnos de Andalucía de Lorenzo Palomo disponemos de un nuevo concierto para guitarra, comparable a la mejor música escrita en este repertorio. Rafael Frühbeck de Burgos fue el primer director que descubrió los Nocturnos, y me dijo: “Es uno de los mejores conciertos para guitarra que se han compuesto”. De hecho, Palomo se ha convertido, con su música, en un embajador internacional de la cultura española, inspirado por la música española de la más alta calidad. En la cima se encuentran estos Nocturnos de Andalucía, una nueva dimensión musical que nos toca en nuestros sentimientos y nuestro corazón.

¿Cuáles son sus próximos proyectos? ¿Algún concierto en España?

En el futuro más cercano y en los próximos años continuaré con mis recitales como guitarrista a solo, con cantantes y con orquesta. Actualmente preparo un programa Bach junto al Nocturnal de Britten y Preludios de Villa-Lobos, además de las obras completas de Boccherini. Tengo planeada una gira con los Nocturnos de Palomo, además de estar en permanente contacto con otros compositores actuales de los que estreno sus creaciones. En la temporada 2017/18 estrenaré y tocaré por todo el mundo un nuevo concierto de Lorenzo Palomo, junto a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Espero poder regresar a España más a menudo en el futuro para ofrecer más conciertos, si fuera posible.

Eso esperamos maestro, gracias por su tiempo.

http://www.christophdenoth.com/ 

Ángel Carrascosa Almazán
Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: El guitarrista Christoph Denoth avanza con paso firme como intérprete de nuestro tiempo.
Acred: © B. Ealovega 

 

indiCtivE_ y la consolidación de la escena madrileña

indiCtivE_ y la consolidación de la escena madrileña

Publicado: Junio 2016
Conversaciones a 3

Desde que empezó a interesarme la música contemporánea en su vertiente más experimental y el arte sonoro, distinción que mi cabeza no admite pero que quizá sea preciso establecer, en el aluvión de información procedente de emails, redes sociales o podcasts, siempre he tenido la impresión de que Madrid carecía de una verdadera escena en este sentido, no en lo que se refiere a músicos nacionales sino a organizaciones que lo promoviesen, existía sí, pero entendía que no lo suficiente  y, sobre todo, en arte sonoro leía con envidia lo que ocurría en otras ciudades, como Valencia, Barcelona, etc. 

Respecto a arte sonoro sí que sabía que indiCtivE_ se estaba moviendo de un tiempo a esta parte de manera autogestionada y con el esfuerzo desinteresado de sus integrantes madrileños. Así fue mi alegría al conocer una serie ciclos que van desde la música contemporánea al arte sonoro y al Multimedia, que comenzaron en abril y finalizarán en junio: indiCtive-uno, Encuentros AVLAB y EMA Festival (seguro que hay más que desconozco y pido disculpas), que son el resultado de mucho trabajo tiempo atrás.

Ahora si podemos hablar de una sólida escena madrileña en música contemporánea, con el mérito añadido de la escasa o nula ayuda pública para la gestión de estos ciclos, algo que no se puede entender, pues, en otras ciudades europeas estos ciclos estarían todos llevándose a cabo en espacios públicos. No obstante, están ahí que es lo importante y lo que les da entidad.

El día 23 de abril asistí a la primera propuesta del Ciclo indiCtivE_, festival de música contemporánea con interesantes interacciones multimedia, para comprender mejor esta propuesta realicé una serie de preguntas a sus organizadores: Olivia Carrión Arteta y Jorge Sancho.

Interlocutor 1: Olivia Carrión Arteta (OCA)
Afuera: Jorge Sancho (JS)
Antístrofa: Lucía López (LL) 

LL: Algunos de vosotros, no sé si muchos o algunos, comenzasteis o una de vuestras primeras intervenciones públicas tuvieron lugar en SON de Músicadhoy: Puntos de partida, orígenes y por qué o por qué no despegar con este ciclo indiCtivE_...

OCA/JS: Aunque indiCtivE_ nació como tal a finales de 2015, es un proyecto que llevábamos gestando desde tiempo atrás. Nos decidimos a darle forma cuando empezaron a converger distintos factores e ideas que vimos podían encauzarse hacia la producción de este primer ciclo, indiCtivE-uno (en el nombre queda reflejada la intención de continuidad).

LL: La idea queda clara y expuesta en vuestra página web, pero ¿cómo se conformó o terminaron encajando todas las piezas de este híbrido mecanismo? No me parece fortuita su composición...

OCA/JS: Nos gusta la expresión “híbrido mecanismo”, ¿nos la podemos quedar? No, efectivamente, no es nada fortuita en tanto que el desarrollo de cada espectáculo y del ciclo en general está cuidado para que sea coherente, pero de una forma particular y subjetiva. Como todo proyecto creativo, siempre tendrá algo inefable y relativo. Nuestra intención es integrar unos con otros todos los elementos en juego de manera que el resultado final se perciba natural.

LL: Estado actual de la música contemporánea y/o arte sonoro, etc. ¿Habrá un momento en el que se normalizará el uso de instrumentos no convencionales?, ¿qué es clásico? no la música contemporánea aún...

OCA/JS: Más que hablar del estado actual de la música contemporánea o el arte sonoro, preferimos hablarte de nuestra manera de pensar la música, y no nos resulta cómodo hacer esas distinciones. Nuestra intención es que cualquier elemento sonoro puede ser susceptible de formar parte de nuestras propuestas. Tanto los medios audiovisuales y la electrónica, como los distintos tipos de instrumentos, son herramientas, en igualdad de condiciones, que nos permiten construir una idea. Ninguno de los elementos en nuestro caso, ha de verse como un componente exótico y, por tanto, tampoco queremos que eclipse al resto ni que parezca una “obligación” de los tiempos o de la moda.

LL: Olivia, me gusta tu uso del lenguaje, ¿podríais los enredadores definir el ciclo completo?

Interlocutor 1 (OCA): No entiendo bien a qué te refieres, si a las obras o a los textos de la página. En cualquier caso, gracias; el lenguaje desempeña para nosotros un papel muy relevante.

Afuera (JS): El ciclo indiCtivE-uno es una propuesta unitaria formada por cuatro espectáculos sin solución de continuidad en los que exploramos, de forma distinta en cada uno de ellos, una posibilidad de convivencia e interacción entre la música instrumental, la electrónica, la videocreación y la improvisación. Cada una de las sesiones tiene un hilo conductor propio (un sello distintivo visual y acústico) que es, a su vez, una variación (o forma particular de afrontar) el planteamiento general del ciclo.

Interlocutor 1 (OCA): Como decimos en la página web, el ciclo no es “sólo” una sucesión de conciertos, de la misma manera que cada uno de los conciertos no es “sólo” una sucesión de obras.

Antístrofa (LL): Lo esencial es que se haya dado esta escena en Madrid y que se trabaje para que se consolide y se intervengan mutuamente, en estos tiempos en que todo es discutido y discutible, en el que no se va a decidir por los espectadores actuales lo que es vanguardia o canon ni falta que hace y donde los irregulares ya empiezan a formar parte de lo que se decida. Es en este tiempo donde creador y público interesado conformarán sin más intermediarios lo determinante.

Lucía López

Dónde: sala EL MANICOMIO (C/Francisco Campos 12, Madrid. Metro Cruz del Rayo)
Cuándo:
indiCtivE-uno.3 domingo 3 de julio, a las 19:00
indiCtivE-uno.4 sábado 9 de julio, a las 20:00

Entradas: 10 € (con consumición incluida). Aforo limitado. Reserva de entradas:

info@elmanicomio.es
http://www.indictive-uno.com/
En Twitter: https://twitter.com/indictive_

Foto: Cartel 

19 Festival “Nits de Jazz” en Platja D’aro

19 Festival “Nits de Jazz” en Platja D’aro

Publicado: Junio 2016
Decimonovena edición de lasNoches de Jazz

Decimonovena edición del Festival Nits de Jazz (Noches de Jazz) en Platja d’Aro, con un programa global de 10 conciertos (del 25 de junio al 2 de septiembre), que presenta como principal novedad la ampliación tanto del número de actuaciones, como de las fechas del programa y de los escenarios. La mayor parte del programa continúa desarrollándose en la Platja Gran de Platja d’Aro (zona de Cavall Bernat), con ocho conciertos gratuitos (con zona de asiento para mil espectadores), todos los viernes del 8 de julio al 26 de agosto (23 horas). Este año, sin embargo, se extienden los escenarios hasta el exterior del espacio cultural de la Masía Bas de Platja d’Aro (sábado, 25 de junio) y la Plaza Lluís Companys de Castell d’Aro (viernes, 2 de septiembre).

Organizado por el Ayuntamiento de Castell-Platja d'Aro, con el apoyo de la Diputació de Girona y la Generalitat de Catalunya, presenta un programa ecléctico, abierto también a los estilos musicales que hacen frontera con el jazz y lo complementan: gospel, swing, soul, blues o musicales. El festival apuesta por las principales formaciones del panorama del jazz catalán del momento, pero también propone, en cada nueva edición, la actuación de artistas internacionales. Del mismo modo, mantiene también la apuesta por nuevas formaciones emergentes, para convertirse en una plataforma para los músicos profesionales del futuro.

Este año presenta un cartel formado por The Mellow Sound Jazz Quartet, una propuesta de jazz sutil, agradable y atrayente (domingo, 25 de junio, en la Masía Bas de Platja d’Aro); Sant Andreu Jazz Band, concierto conmemorativo de su 10 aniversario (viernes, 8 de julio); Ignasi Terraza Trío, formación encabezada por uno de los músicos de jazz del país más valorados internacionalmente (viernes, 15 de julio); Monica Green, con el espectáculo Project Soul (viernes, 22 de julio); y Orquesta Nacional de Andorra & Laura Simó, con su propuesta de jazz sinfónico (viernes, 29 de julio), entre otros espectáculos.

El festival prevé repetir, e incluso incrementar, los 20.000 espectadores que de media han tenido las últimas ediciones, lo que lo consolida como una de las propuestas más frescas, dinámicas, de calidad y con éxito de público en verano de la Costa Brava. Tras casi dos décadas de programación ininterrumpida (se inició modestamente con dos actuaciones en el verano de 1998), acredita más de 130 conciertos y un currículum de actuaciones con formaciones referenciales.

Nits de Jazz forma parte de Estereofònics, la marca que desde el año 2015 reúne todos los festivales y espectáculos musicales que se desarrollan en verano en Castell d’Aro, Platja de Aro y S’Agaró, y que este año propone 70 conciertos.

A pesar de su crecimiento y consolidación, el festival no ha perdido sus rasgos de identidad, al contrario, los ha potenciado; convirtiéndose en una propuesta gratuita, al fresco de las noches de verano junto al mar, apostando por artistas y formaciones del jazz catalán e internacionales, abierto a los estilos musicales fronterizos con el jazz. Es así como ha consolidado y ha generado un público heterogéneo, agradecido y fiel. Con estos ingredientes ha forjado su propia identidad, comparable a cualquier otro evento similar (por calidad en la programación, organización y difusión), pero con unas dimensiones, un formato y un espacio que lo acercan a todos los públicos. Y es así como convive con naturalidad con otros grandes festivales de renombre de la Costa Brava, sin querer competir, pero siendo una opción diferente (que no alternativa) para disfrutar de las noches musicales de verano.

Recuadro

19 Festival Noches de Jazz en Playa de Aro

Del 25 de junio al 2 de septiembre de 2016

Organiza
Ayuntamiento de Castell-Platja d’Aro
Concejalía de Turismo y Dinamización Cultural
T 972 804 207 · cultura@platjadaro.com
Dirección musical: Josep Maria Sauret
Comunicación: 972 804 205 · comunicacio@platjadaro.com

www.nitsdejazz.com

www.estereofonics.com 

Foto: Noches de jazz a la orilla del mar en Platja D’aro.

Carmine Miranda

Carmine Miranda

Publicado: Mayo 2016
Conversando con Schumann y Dvorák

El cellista Carmine Miranda, del que ya tuvimos amplias noticias en esta revista por su grabación de los Caprichos para cello solo Op. 25 de Alfredo Piatti, ha regresado al estudio discográfico para ofrecer sus interpretaciones de dos obras cimeras del repertorio para cello y orquesta, como son los Conciertos de Schumann y Dvorák, grabados para el sello Navona Records. Precisamente, el cellista ha publicado recientemente un ensayo titulado “Decoding the Schumann Cello Concerto”, (“Descodificando el Concierto para cello de Schumann”) en el que descifra un lenguaje oculto e intencionado por parte del compositor, en el que crea una conversación a cuatro entre él, su esposa Clara y sus personalidades anímicas, las conocidas como Eusebius y Florestan.

Qué tiene de particular esta nueva grabación de los Conciertos para cello de Dvorák y Schumann, porque no parece que sea una más… ¿Cuéntenos?

Estas interpretaciones en particular son diferentes debido a que principalmente fueron basadas en investigaciones históricas, las cuales proporcionaron las bases interpretativas para estas dos obras fundamentales del repertorio para violonchelo y orquesta. En el caso del Concierto en la menor, Op. 129, de Robert Schumann,  hice una investigación intensa y escribí un artículo en el cual descubrí un código basado en el nombre de su esposa Clara Schumann, que recientemente fue publicado en la revista musical especializada The Musical Times (vol. 157, n. 1934, primavera de 2016), en Inglaterra. Este descubrimiento dio luz y proporcionó un mejor entendimiento sobre las selecciones musicales que Schumann utilizó en su Concierto. Por ejemplo, el compositor basó la pieza completa y el contenido armónico y melódico en el nombre de su esposa, el suyo propio (Robert) y los nombres de sus dos personalidades con los que se identifica: Eusebius y Florestan, algo que sus lectores, especialmente los más schumannianos, conocerán bien...

De nuevo las habituales dualidades de estados anímicos de Schumann…

Claro, ya que básicamente la pieza trata de un conflicto constante y una conversación entre Robert y Clara. Vuelven a estar dos personalidades confrontadas una a la otra.

¿Y respecto a Dvorák?

Por su parte, en el Concierto en si menor Op. 104 de Dvorák, el compositor tuvo influencias de muchas nacionalidades. Desde muy pequeño, Dvorák tuvo una fascinación muy grande por la música folclórica de diferentes países, incluyendo Italia, España, Francia, la República Checa (ahora así llamada) y la música indígena de los Estados Unidos. Durante su estancia en Nueva York como director del Conservatorio Nacional de Música, Dvorák extrañó mucho su país, el cual inspiro el Concierto para cello. Esta colosal obra tiene influencias de múltiples nacionalidades y cambia de estilo constantemente. Todos estos detalles acerca de la vida del compositor me proporcionaron las herramientas para interpretar la pieza.

¿Fue este uno de los motivos de grabar estas músicas?

Por supuesto, pero también por el propio sonido, que, desde esta perspectiva del sonido, estas obras fueron grabadas con uno de los mejores equipos en el mundo. Más de cinco ingenieros de sonido formaron parte de este proyecto para proporcionar al público una grabación de alta definición y un sonido más cercano al habitual de un concierto en vivo. Mucho trabajo y esfuerzo se ha invertido en las mezclas, para que todas las conversaciones musicales y partes instrumentales se puedan escuchar con claridad. Estas grabaciones son diferentes a cualquiera, desde un punto de vista sonoro e interpretativo.     

¿Dónde se realizaron?

Ambas sesiones tuvieron lugar en Junio de 2015 en Olomouc, en la República Checa, en el corazón de Europa.

¿Hay similitudes entre estas obras?

Las dos están escritas en una tonalidad menor con un tono de diferencia entre ambas. Las dos también comienzan sus introducciones con instrumentos de viento en la orquesta. Ambas tienen además una orquestación similar, pero el Concierto de Dvorák es una obra más “pesada” y sinfónica. Las dos también tienen influencias de otras nacionalidades y tienen los habituales tres movimientos. Hay que tener en cuenta que los dos compositores fueron amigos de Johannes Brahms, el cual ayudó a la familia Schumann y también ayudo a editar las partituras del Concierto de Dvorák.  

¿Sería el Concierto de Dvorák el Titán de los Conciertos para cello, como podría serlo el Emperador de Beethoven o alguno de los de Brahms para violín o piano?

El Concierto de Dvorák es un titán desde un punto de vista musical, debido a que la obra es una sinfonía más un violonchelo solista. El compositor tuvo un gran conocimiento de las dinámicas del instrumento y las aplicó de tal manera, que el cello se puede escuchar por encima de una orquestación substanciosa. Desde un punto físico, se necesita una resistencia constante en los más de cuarenta minutos que dura el Concierto, lo que puede ser fatigoso para muchos cellistas. Desde un punto de vista técnico, la obra requiere un entendimiento muy profundo del violonchelo por parte del instrumentista, debido a los cambios constantes de dinámicas, estilo musical y rango tonal. Es, sin duda alguna, una obra que requiere un gran nivel de concentración y fuerza física por casi una hora de interpretación. 

¿Qué instrumento ha usado?

El violonchelo empleado es un instrumento moderno, construido en Nueva York por el excelente luthier Jules Azzi, que tiene su sede en Cincinnati (Ohio). Tuve la gran suerte de que Jules me prestara su instrumento para realizar el proyecto completo. Pienso que tener un buen instrumento es importante, pero, a fin de cuentas, es el instrumentista, el músico, el que tiene que saber cómo trabajarlo bien. Por ejemplo, la escudería Ferrari no habría ganado tantas carreras sin la ayuda de Michael Schumacher y el gran conocimiento del coche que conducía. Muchos músicos piensan que con tener un instrumento antiguo y más costoso que los actuales, instantánea y mágicamente van a poder sonar bien. En realidad, es una combinación mutua entre el nivel de entendimiento por parte del instrumentista y un instrumento bueno que pueda facilitar la técnica del músico.

La relación con su instrumento debe de ser muy íntima, es un instrumentista que abraza a un cello…

El violoncello es un instrumento no solo muy versátil, también proporciona al instrumentista una gran conexión física. Debido a la técnica y a la manera de tocar, las vibraciones del instrumento se pueden sentir especialmente en la parte del tórax, pero también en ambas manos y piernas. Esto ayuda al músico, no solo para tener una mejor conexión, también para sentir mejor ciertos aspectos musicales como la afinación, los rangos tonales y las dinámicas. Para mí, tocar el violoncello se siente muy similar al canto vocal y, debido a esa conexión natural que el instrumento ofrece, es posible utilizarlo como si fuese una voz humana. También, debido a su construcción, el violoncello ofrece una técnica muy natural, donde utilizamos la gravedad para nuestra conveniencia.     

Para grabar este disco, ¿ha tenido en cuenta otras interpretaciones u otras referencias?

Las únicas referencias que tuve en cuenta para estas interpretaciones fueron las partituras y los registros históricos. Espero que esta respuesta no suene un poco arrogante, pero primero hago una búsqueda histórica, y después tomo mis decisiones artísticas basadas en la música y conocimiento histórico del compositor y su entorno. Al tomar en cuenta otras grabaciones como referencia, corro el riesgo de influenciarme y tomar decisiones que ya otros tomaron y que, por consecuencia, no son mías. No tengo intenciones o deseos de imitar otras interpretaciones y a otros intérpretes, en especial con un repertorio que ha sido grabado y tocado tantas y tantas veces. Otra cosa es que evidentemente he escuchado a otros violoncellistas tocar las obras en grabaciones y estoy seguro que muchos de ellos, especialmente los grandes maestros de final de la primera mitad del siglo XX han influido en mi manera de tocar. Pero lo bonito de ser un músico clásico es el hecho que cada uno tiene su propia voz y sus propias interpretaciones. Esta es unas de las razones por la que el público decide escuchar diferentes versiones de una misma pieza.   

SCHUMANN & DVORÁK: Conciertos para cello. Carmine Miranda, cello. Moravian Philharmonic Orchestra / Petr Vronský.
Navona Records, NV6034 · 62’ · DDD
(CD) 

También disponible:

CD2
PIATTI: 12 Caprichos para cello. Carmine Miranda, cello.
Navona Records, NV5972 · 41’ · DDD 

Carmine Miranda ha pasado, desde su último disco para Navona, de desarrollar un ejercicio como intérprete en solitario, con los 12 Caprichos para cello de Piatti (puede leerse la crítica de Esther Martín en enero de 2015), a envolverse de todo un aparato orquestal para dos obras cimeras del repertorio para cello y orquesta, como son los Conciertos para cello de Schumann y Dvorák. Del primero ya nos habla de su peculiar diálogo entre sus “ocultos habitantes”, mientras que del segundo, seguramente el concierto para cello más prodigioso de la historia de la música, Carmine consigue crear una interpretación de reposada belleza (Adagio) y encendido lirismo (Allegro inicial), cuidando todos los detalles de fraseo y equilibrio con una orquesta y director que entienden muy bien esta música. Hay un entendimiento muy natural entre solista y orquesta-director, los tempi son muy acertados en el complejo mundo que envuelve al Adagio, siempre rondado por la intensidad romántica de los cambios de “humor”. En Schumann, obra que encierra otra poesía menos explícita (el mismo Schumann desarrolló en su creación el camino inverso del poeta, cada vez se hizo más introvertido), el violonchelo del venezolano habla un idioma repleto de pasión, desde su arco y su fuerte presión para llegar al alma del de Zwickau con una fluida naturalidad.

Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El cellista venezolano Carmine Miranda ha grabado los Conciertos de Schumann y Dvorák.
Acred: Cody Vickers 

http://www.carminemiranda.com/

 

Andrei Korobeinikov

Andrei Korobeinikov

Publicado: Mayo 2016
Pianista excepcional

Su triunfante debut con la Orquesta de París y Yutaka Sado en la nueva Philharmonie, la exitosa gira por el Reino Unido con la Filarmónica de Dresde y su tour por Europa con el violinista Vadim Repin han convertido al extraordinario pianista en protagonista de la actualidad musical. Conversamos con Andrei Korobeinikov (Moscú, 1986), unos días antes de su actuación en España este mes de mayo. 

Alexander Scriabin ocupa un lugar especial entre sus compositores favoritos, es uno de los grandes expertos del pianista y compositor moscovita, y eligió Scriabin para su primera grabación en CD, que recibió un Choc du Monde de la Musique y el Diapason d’Or. ¿Por qué Scriabin? 

Scriabin es realmente uno de los genios más increíbles y mágicos de la música clásica. Y, además, se trata de un pianista muy interesante, que creó su propio estilo al piano y, extrañamente, me resulta muy cómodo. Al mismo tiempo, le adoro y, en efecto, yo creo en su particular misticismo, que se encuentra en cierto modo entre Nietzsche y el simbolismo ruso. Una vez escribió en su diario: “¡Yo soy Dios!”, en el sentido de que creó su mundo ¡Y realmente sí lo hizo en términos de sonido! En su Prometheus para piano y orquesta, el pianista es el símbolo del Hombre y toca la frase “¡Yo soy!,  así que tocar la música de Scriabin es mi “¡Yo soy!” en la música.

En Madrid, interpretará la famosa Rapsodia sobre un tema de Paganini de otro de sus compositores de cabecera junto a la Filarmónica de San Petersburgo. ¿Cuál es el mayor reto para un pianista a la hora de enfrentarse a Rachmaninov? ¿Qué tienen en común las obras de Schubert, Liszt y Beethoven, que ha unido en un mismo programa para su recital de Valencia?

Creo que sus bonitas melodías inacabadas, su mágico romanticismo y su apasionada energía, convierten a Rachmaninov en el compositor favorito de casi cualquier pianista porque, además, escribió de forma magistral y descubrió nuevas posibilidades a nuestro instrumento. Tocar sus últimas obras es algo asombroso, porque parecen obras del siglo XX, con su potencia, ritmos, energía, oscuro misticismo…, especialmente en la Rapsodia de Paganini, donde uno necesita tener una complicidad especial con el  director y la orquesta. Esta obra es triplemente demoníaca: Rachmaninov mismo, Paganini y el motivo del Dies Irae… En cuanto al recital de Valencia, el nexo de unión podría ser la Divina Comedia de Dante Alighieri. Para mí, los dos movimientos de la última Sonata de Beethoven son como el Purgatorio en un sentido amplio y el Paraíso (Arietta). La Sonata Dante de Liszt está dedicada claramente a la historia de Paolo y Francesca…, así que sería el Infierno. La música de Schubert es divina, pero estos Impromptus son especialmente la oración. Además, escogí este programa porque me encanta la sala “José Iturbi” de Valencia, y creo que es ideal para un recital de piano.

¿La enseñanza en los conservatorios rusos se centra en desarrollar más las capacidades expresivas del intérprete que las técnicas?

Cuando me preguntan por la escuela rusa siempre dudo qué responder porque, de hecho, tenemos muchas y muy diferentes escuelas, que incluso son antagónicas. Me imagino que tratan de unir a los diferentes Richter, Gilels, Pletnev, Horowitz, Sokolov, Rachmaninov... en una sola entidad. Hay dos cosas especiales en la educación musical rusa: las asociaciones artísticas a la hora de construir la imagen, es decir, a partir de pinturas, literatura, cine... Y, además, una amplia educación teórica e histórica. Me gradué en el RCM de Londres también, por lo que puedo comparar. En Moscú, por ejemplo, a los pianistas, los profesores nos hacían conocer óperas, sinfonías, polifonía, etc. Posiblemente tenga razón, efectivamente, la expresividad siempre ha estado presente en el arte ruso, pero la mayoría de los pianistas rusos, además, han adquirido una gran técnica debido a la rigurosa educación escolar desde niños.

¿Qué proyectos más inmediatos esperan a Andrei Korobeinikov?

Me esperan varios recitales en Alemania, en concreto en las ciudades de Berlín (Konzerthaus) y Leipzig, así como en los estupendos Festivales de Verano en Francia. En octubre, haré mi debut en Viena en la mítica Musikverein con la Sinfónica de Viena y Vladimir Fedoseyev, y pronto tendré también debuts orquestales en Eslovenia, Chile y Noruega, así que me esperan muchos conciertos, muchos países… Y si hablamos de nuevos experimentos, estoy preparando un proyecto único con mi amigo Stanislav Makovsky, que es un compositor vanguardista y también improvisador. Vamos a presentar unas fantasías para piano escritas como si fueran improvisaciones combinadas con electrónica en vivo, improvisada también. ¡Es fantástico sentir tu vida como si fuera una improvisación!

Lorena Jiménez

Foto: Andrei Korobeinikov actuará en España este mes de mayo.
Acred: © Irene Zandel 

http://www.korobeinikov.com/

Macarena Martínez

Macarena Martínez

Publicado: Mayo 2016
Violín solo, pero no solo violín

Conocimos recientemente a la sensacional violinista por un estupendo CD que criticamos elogiosamente en el número de febrero de 2016. Ahora, Macarena Martínez nos cuenta sus impresiones actuales y sus proyectos, enmarcados en nuevos repertorios y la enseñanza.

¿Qué proyecto está realizando actualmente?

Actualmente estoy tocando a dúo con Juan Escalera al piano repertorio francés y español del XIX y XX. Es una música fabulosa y que tienen mucho en común, han bebido la una de la otra y creo que definen mucho el carácter español. En el extranjero tiene mucho éxito, hemos tocado en Praga y  recientemente en Londres, donde tuvo una gran acogida. También suelo tocar con una estupenda pianista italiana con quien he debutado recientemente en su país, Barbara Panzarella, algo que me enriquece enormemente. Una de las cosas más importantes para un músico es trabajar con otros artistas de diferente procedencia, esto te hace un músico más completo para poder ofrecer una visión renovada de las piezas y que te permita conectar mejor con el público.

Su grabación reciente de un CD con obras para violín solo de Bach, Paganini, Ysaÿe y Prokofiev ha tenido buenas críticas…

Ha sido mi primer CD, un proyecto independiente muy personal, me motivó mucho lo inusual que resulta en España este tipo de trabajos. Fue fantástico grabar este complejo repertorio, requiere una enorme exigencia musical y técnica y ha supuesto una enorme responsabilidad plasmar estas piezas que han sido grabadas por grandes violinistas. Además, al ser obras de tan marcado carácter todas ellas y tan diferentes entre sí, resulta todo un reto transmitir la esencia de cada una en un solo álbum.

¿Qué instrumento usa? ¿Qué importancia tiene el instrumento para un músico?

El violín con el que toco actualmente es con el que tocaba mi abuelo. Ha sido restaurado recientemente y es un violín italiano de principios del XIX, está atribuido a Lorenzo Ventapane. La importancia del instrumento para un músico es enorme, a medida que avanza tu carrera te vas dando cuenta de tus necesidades y de cómo un violín y un arco de calidad las cubren. Este último normalmente no se tiene tan en cuenta y en mi opinión es de igual importancia para un músico, mi arco es un François Lupot II de 1820. Con unas buenas herramientas puedes jugar más con los matices y los timbres, algo que ayuda a expresarte musicalmente, y por otro lado, una buena articulación y proyección de sonido facilitan la ejecución  técnica en ambas manos. Además ayudan a competir en potencia sonora con otros instrumentos más densos como el piano o una orquesta.

¿Próximos proyectos?

Próximamente tengo varios compromisos con la llegada de los festivales de verano en Sevilla y Madrid. En otoño tocaré en tres de las salas de concierto de Unicaja un programa netamente para violín solo y el 15 de diciembre volveré a la magnífica Sala María Cristina, gracias a la Sociedad Filarmónica de Málaga, y para la Sociedad Filarmónica de A Coruña a principios del año 2017. Por otro lado, tengo un proyecto de grabación de un CD para violín y piano de música española con una discográfica puntera en España. También voy a estrenar próximamente una obra de uno de nuestros estupendos compositores, de las cosas que más me llenan es la relación con otros músicos, sobre todo con los compositores actuales, el contacto directo con el creador de la obra obviamente es todo un lujo, además es una forma de renovarse en la visión de la música y las nuevas tendencias.

Da clases en el conservatorio, ¿cómo compatibiliza la carrera artística con las clases?

Oposité a profesora de conservatorio con solo 23 años y ya llevo unos cuantos años de experiencia como docente, aunque solo dos años trabajando por mi carrera como intérprete. Compaginar ambas cosas requiere mucho esfuerzo, entusiasmo y pasión por lo que haces, pero con organización y voluntad se puede sacar tiempo para las clases, la preparación de los conciertos, hacer el management y, por supuesto, disfrutar del tiempo libre y la familia.

¿Qué opina de la educación musical en España?

Está claro que la música debe ser una asignatura indispensable e importante para todos los niños en el colegio, y nuestro país necesita mejorar mucho en este tema. En cuanto a la educación en los conservatorios, por regla general y en mi opinión, a nivel elemental y profesional necesita un enfoque más profesional, con una visión hacia el futuro. Pienso que la comunidad educativa tiene el deber de encaminar a los niños a un trabajo musical más serio y con una visión más profesionalizante. En cuanto a alumnos avanzados, hay gente con mucho talento en nuestro país, pero necesitan más orientación sobre el mundo de la música clásica. He observado que este tipo de estudiantes tienen un bajo rendimiento durante sus estudios y podrían rentabilizar mejor su tiempo con dicha orientación y más autoexigencia técnico-musical.

Están surgiendo grandes músicos españoles en los últimos años. ¿Cree que en la actualidad se puede hablar de una tradición de instrumentistas españoles?

La mayoría de los aficionados a la música, y sobre todo estudiantes de música, no sabe que antes de la Guerra Civil, además de compositores que sí valoramos todos, había grandes instrumentistas españoles de éxito triunfando por Europa, en realidad sí que había una escuela y una tradición. Desgraciadamente, la guerra hizo estragos como con todo los demás. No ha sido hasta los años 80-90 cuando se ha creado toda una infraestructura seria en torno a la música (orquestas, auditorios, festivales, conservatorios…), han venido músicos desde el extranjero a estas orquestas y han contribuido a formar a nuestros músicos y eso ha sido crucial para nuestra evolución, solo que parece que aún estamos estancados en esa idea. Seguimos pensando, tanto público como músicos, y sobre todo estudiantes, que todo músico extranjero viene con más nivel que un español, cuando en realidad hay toda una generación de artistas con una gran formación y experiencia, y que muchos de ellos han tenido que buscar trabajo fuera. Pienso que un artista español lo tiene siempre más difícil por estos prejuicios y es una pena, pero por suerte somos muchos músicos trabajando duro para cambiar esta visión.

Sabias palabras, gracias por su tiempo.

Lucas Quirós

Foto: “La importancia del instrumento escogido para un músico es enorme”, afirma la violinista Macarena Martínez”

http://www.macarenamartinez.com/

 

Tonhalle-Orchester Zürich

Tonhalle-Orchester Zürich

Publicado: Mayo 2016
Un paso adelante

Zürich, la pequeña ciudad del país alpino, situada en el centro de Europa, en la llanura central de Suiza y en el extremo norte del Zürichsee (lago de Zurich), que en el siglo XX se convirtió en el centro comercial y financiero de Suiza, y que acoge a un gran número de entidades financieras de la banca internacional, no es solo una ciudad de banqueros en un país de bancos, es también centro cultural del país. La ciudad que vio nacer el movimiento dadaísta en el cabaret Voltaire, alberga las extraordinarias vidrieras de Chagall de la abadía de Fraumünster, medio centenar de museos, numerosas galerías de arte y dos baluartes del conocimiento: la Universidad de Zürich y el prestigioso Instituto Federal de Tecnología (ETH), cantera de más de 20 ganadores del Premio Nobel. Pero para los aficionados a la música clásica la ciudad suiza es, sobre todo, la ciudad de la Opernhaus Zürich y la Tonhalle-Orchester Zürich, la orquesta que llevó a cabo el primer estreno autorizado por Wagner de Parsifal, fuera del Festival de Bayreuth.

La Tonhalle-Orchester Zürich, la más antigua de Suiza y una de las principales orquestas sinfónicas de Europa, fundada en 1868, está formada en la actualidad por 100 músicos de 20 nacionalidades distintas, entre los que se encuentran el español Luis Esnaola (Madrid, 1985), líder de la sección de segundos violines y el único español de la Tonhalle. La célebre orquesta, que cuenta con más de cuarenta grabaciones discográficas con obras de Richard Strauss y Schumann y los ciclos completos de las Sinfonías de Beethoven, Mahler, Brahms y Schubert, ha recibido destacados premios y reconocimientos, incluido el premio de la crítica alemana por su memorable grabación de las Sinfonías de Beethoven bajo la batuta del americano David Zinman, director titular de la orquesta durante dos décadas (hasta la temporada 2013-2014) y hoy, director honorario.

Lionel Bringuier

Junto al joven Lionel Bringuier (Niza, 1986), actual director musical y director principal de la orquesta, tras finalizar su exitosa gira por Europa junto a la violinista Lisa Bathiashvili (Artist in Residence de la presente temporada), el pianista Jean-Yves Thibaudet y el chelista Gautier Capuçon, la orquesta continúa con su programa de conciertos en Zürich. Durante la temporada 2015/2016, la Tonhalle-Gesellschaft Zürich ofrece un total de 154 actuaciones con 103 programas diferentes, que incluyen 33 conciertos dentro del programa educativo, 62 eventos musicales de distinta índole y 101 conciertos en la Grossen Saal de la Tonhalle, la sala de conciertos sede de la orquesta, inaugurada por Johannes Brahms en 1895, que cuenta con un aforo de 1500 butacas y que es una de las salas de conciertos con mejor acústica del mundo.

Desde que Ilona Schmiel (Hannover, 1967) asumió su puesto como nueva  Intendantin al inicio de la temporada 2014/2015, soplan nuevos aires en la Tonhalle-Orchester Zürich, que inicia así una nueva era. El compositor, clarinetista y director Jörg Widmann sucede a Esa-Pekka Salonen como Creative Chair de esta temporada que continúa con la serie Tonhalle LATE-Classic meets electronic y, además, presenta dos importantes novedades: TOZdicover, evento para jóvenes entre 16 y 21 años, y TOZintermezzo, conciertos de tarde con Apéro (aperitivo), en los que el director y la orquesta presentan una obra maestra, un nuevo formato de conciertos que se celebran durante tres jueves de la temporada, que duran aproximadamente tres cuartos de hora y finalizan con un aperitivo entre todos los participantes. Ilona Schmiel afirma que, además de mantener el Klang (sonido) propio de la orquesta, otro de sus objetivos es: “ampliar el repertorio con la música del siglo XXI y, sobre todo, el acercamiento del público, romper la barrera entre público y escenario, que la Tonhalle sea una casa para los estudiantes de la Zürcher Hochschule der Künste y de todos”. “Para mí -insiste la Intendantin-, es muy importante intercambiar opiniones con el público para saber qué obras encajan con otras a la hora de programar, es importante que solistas y directores encajen en determinadas obras; respondo personalmente a los emails y, por supuesto, acepto cualquier feedback, aunque sea negativo”.

Tras asistir el pasado 6 de abril al extraordinario concierto de la Orquesta, con un programa dedicado al Concierto para piano de Grieg (Jean-Yves Thibaudet), y el Cuarteto en sol menor Op. 25 de Brahms/Schoenberg, que cautivó literalmente al público de la Grossen Saal, pudimos comprobar que nunca hubo tanta gente joven entre el público. Algo habitual, según nos confirmaron, desde que la nueva Intendantin tomó las riendas de la Tonhalle-Orchester Zürich.

Foto: Grossen Saal de la Tonhalle, la sala de conciertos sede de la orquesta, inaugurada por Brahms en 1895.
Acred: PriskaKetterer 

http://www.tonhalle-orchester.ch/ 

Lorena Jiménez 

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Concurso Rookie Chamber Music - Premiados I Edición

Publicado: Mayo 2016
Primer Premio: Cuarteto Insólito.

Qué nos cuenta el Cuarteto Insólito…

El grupo se fundó en octubre del año pasado, cuando empezamos a cursar la asignatura “Música de cámara” y gracias a nuestro profesor, Pedro Pablo Cámara, que fue quien pensó que el cuarteto podría funcionar bien a pesar del poco repertorio compuesto para la formación, tan sólo tres obras originales de las cuales, una de ellas, es la que presentamos a este concurso, el Cuarteto Op. 22 de Anton Webern.

El nombre del cuarteto surgió cuando decidimos que queríamos mantener la formación y ser un grupo estable. Cada vez que alguien nos escuchaba tocar se quedaba sorprendido por lo bien que funcionábamos a pesar de ser una formación poco común: ¿Qué tocan un violín, un piano, un clarinete y un saxofón juntos? Una pregunta que parece de chiste en el mundo más conservador de la música clásica, pero que en el de la música contemporánea tiene amplias posibilidades. Por eso decidimos que el adjetivo que nos describía mejor era “insólito”, como “grupo fuera de lo común” y el mejor nombre Cuarteto Insólito.

La obra de Webern fue compuesta en 1930 para esta formación, influenciada por el dodecafonismo de Schoenberg, con gran claridad en la textura y densidad emocional. Decidimos presentarla al concurso porque es la pieza que más hemos trabajado e investigado desde la fundación de grupo. Nuestro principal proyecto como cuarteto es seguir evolucionando como grupo de cámara, conseguir fusionar al cien por cien y sobre todo, hacer música de calidad. Actualmente estamos trabajando en adaptaciones de repertorio muy variado, desde Telemann a Stockhausen. También nos gustaría promover la música contemporánea entre el público de hoy en día e investigar al máximo todas las posibilidades que proporciona nuestra formación en este ámbito.

Madrid (Laura Vázquez, piano; Livia Camprubí, violín; Sandra Caldera, clarinete; Julia Segovia, saxofón), estudiantes del Centro Superior Katarina Gurska.

Contacto: juliasegovia97@gmail.com

http://www.rookiebox.com

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