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Return, un apasionante viaje a las raíces

Return, un apasionante viaje a las raíces

Publicado: Febrero 2017
El Dúo Rosa presenta su primer disco al público español

En su primer álbum, el Dúo Rosa (formado por Stephany Ortega, soprano dominicano-luxemburguesa, y Léna Kollmeier, pianista belga) traza el recorrido biográfico de Ortega por medio de una serie de canciones.

Hace diez años esta joven soprano viajó desde su país natal, República Dominicana, hasta Luxemburgo, para continuar sus estudios de canto, piano y dirección coral. Ese viaje real se transforma ahora en música con un recorrido inverso: en Return partimos de Luxemburgo para llegar, al fin del trayecto, a la República Dominicana, un regreso imaginario a los orígenes.

Aller-retour

Este recorrido musical arranca con una obra del compositor luxemburgués Camille Kerger, encargada para la ocasión, la pieza Aller-retour (Ida y vuelta). Después, llevándonos a través de Francia, España y Latinoamérica, el Dúo Rosa nos hace descubrir en el repertorio de la mélodie francesa y de la canción hispanoamericana verdaderas joyas, algunas bien conocidas, otras casi olvidadas.

Más que ofrecer un simple viaje musical, este álbum reúne compositores de dos continentes, artistas que se influenciaron mutuamente y crearon fuertes vínculos entre sí. En Francia, Chausson, Debussy, Duparc, Fauré, Saint-Saëns. En España, Granados, Rodrigo, Falla, Obradors. Y cruzando el océano, en América Latina, Piazzolla, Villa-Lobos, Grever, Lecuona, para concluir con los dominicanos Rivera y Solano. Tal y como nos explica Stephany Ortega:

La idea del disco parte del deseo que yo tenía de unir los dos países más importantes para mí, la República Dominicana, donde nací, y Luxemburgo, donde resido. Me parecía importante que en el CD aparecieran los dos países. Pero no se me ocurría cómo enlazar las dos culturas, ya que tienen estilos muy diferentes. Hablando con el compositor Camille Kerger, fue él quien me dio la idea de hacer un viaje que los enlazara, atravesando Europa y América Latina”.

De esta manera, Stephany Ortega ha seguido el mismo camino que muchos otros músicos latinoamericanos al instalarse en el continente europeo, para profundizar sus conocimientos y enriquecerse con nuevas experiencias a través de esas Idas y vueltas (Allers-retours), todo ello sin perder en nada su identidad.

Stephany Ortega y Léna Kollmeier se conocieron en el Conservatorio de Bruselas y, aunque las separan 10 años, tienen las mismas ideas musicales, los mismos objetivos en la música, la misma forma de trabajar, la misma energía, que se consigue con una simbiosis que funciona perfectamente.

“Coincidimos hasta en lo que no nos gusta”, afirma Stephany Ortega. El Dúo Rosa no es sólo una cantante con una pianista acompañante. Es realmente un dúo, donde cada una de las partes se responsabiliza al 50% del resultado de su trabajo y aporta al conjunto las virtudes musicales y vitales que poseen por separado. Quizá porque Ortega es también pianista y conoce la importancia crucial del piano en un recital vocal.

El viaje de Return no es solo una ficción musical. La gira de presentación del disco va a llevar al Dúo Rosa desde Luxemburgo y Bruselas, donde ya se interpretó en sendos conciertos en noviembre de 2016, hasta Santo Domingo en abril de 2017. Entre medias, Berlín, Roma y El Vaticano, Nueva York, y España.

El Dúo Rosa y Return visitarán España durante este mes de febrero. En Barcelona estarán el viernes 17, dando un recital en el Teatrino del Conservatorio del Liceu. El mismo recital se podrá escuchar en Valencia el sábado 18, en el Conservatorio Profesional de Música. Y en Madrid presentarán el disco en La Quinta de Mahler (c/Amnistía 5) el miércoles 22, además de dar un recital con el programa del disco en el Ateneo de Madrid el jueves 23.

“Cuando Stephany y Léna me pidieron que compusiera un ciclo de canciones para su primer álbum, acepté con gran placer… Siempre que pude presenciar las interpretaciones de las dos artistas me causaron una profunda y grata impresión. Además, desde la llegada de Stephany a Luxemburgo, tuve el privilegio de trabajar con ella con frecuencia: siempre noté, con gusto, su inteligencia musical y su gran energía. En Léna ella ha encontrado una colega que está artísticamente a su misma gran altura. Estoy seguro que el futuro camino de estos dos músicos excepcionales nos tiene reservados muchas gratas sorpresas musicales”.

“El tema ‘Retorno’ sugiere y presupone que antes tuvo lugar una partida. Partir hacia lo desconocido, viajar, mantenerse curioso, aprender y tratar de comprender…esos son los grandes temas de la vida: por ende, ellos mismos son el fundamento de todas mis composiciones”
(Camille Kerger, compositor de Aller-retour)

Por Blanca Gutiérrez

www.stephanyortega.com

www.lenakollmeier.com

www.etcetera-records.com/album/618/return

Foto: El Dúo Rosa presentará en España durante el mes de febrero Returns, CD dedicado a la canción europea e hispanoamericana.
Acreditación: Mael G. Lagadec

Violín en llamas

Violín en llamas

Publicado: Febrero 2017
Bruno Monteiro, nuevo disco en Brilliant Classics

Tras su alabada grabación de la obra para violín y piano de Szymanowski, el violinista portugués Bruno Monteiro prosigue en el sello Brilliant Classics con otro fascinante creador del siglo XX, Erwin Schulhoff, conocido por su inquietante ópera Flammen (Llamas), cuya fogosa energía se transmite a su importante obra para violín y piano.

De Szymanowski a Erwin Schulhoff, el compositor de su nueva grabación para Brilliant Classics con João Paulo Santos...

Ambas grabaciones fueran propuestas del propio presidente de Brilliant Classics. Szymanowski fue la primera grabación que hice para el sello. Y fue un reto. Es una música compleja, difícil, si hablamos en términos interpretativos. Fue una grabación que dio una duración para dos discos, lo que significaba la obra completa para violín y piano del compositor. De hecho, en la actualidad es la única grabación disponible que incluye todas las obras para este dúo. Afortunadamente, no solo tuvo buenas ventas, la crítica reaccionó de manera muy favorable con la grabación. Y luego llegó Schulhoff, que parece una continuación natural de Szymanowski. Ambos son músicas del siglo XX, pero son muy diferentes. Mientras Szymanowski es sobre todo colores o atmósferas, Schulhoff es un compositor mucho más “objetivo”. Con mi pianista habitual, João Paulo Santos, mientras trabajábamos las obras para la grabación, entablamos el diálogo de cómo enfocar su música, basándonos en la información que teníamos de ella. Concluimos con sencillez que debía sonar con objetividad, sin mayor retórica. El ritmo es extremadamente importante, las frases claras, la articulación y, por supuesto, lograr que la música suene lo más virtuosa posible. Es una música que conlleva cierta dificultad en la escucha para un determinado tipo de público, por lo que quisimos “facilitar” las cosas y que el oyente pudiera entender el mensaje.

El repertorio para violín del siglo XX es muy importante, pero, ¿“dónde” está la música y para violín y piano de Schulhoff?

Siento que su música para violín y piano está en lo alto del repertorio, aunque no se toque con frecuencia. También, las cuatro obras que comprende la grabación son muy diversas entre sí, especialmente porque están escritas en diferentes etapas creativas del compositor. La Suite Op. 1, por ejemplo, es una pieza escrita en un estilo neoclásico. La Sonata n. 1 Op. 47 muestra todavía a un Schulhoff en búsqueda de su personalidad definitiva. Y la Sonata para violín solo está claramente influenciada por la música y el folklore de su natica Checoslovaquia. Finalmente, la Sonata n. 2, considerada por muchos, entre los que me incluyo, su obra maestra para el violín, es una obra con verdaderas e innovadoras ideas que pertenecen al estilo de madurez del compositor.

¿Cuáles son las principales “obligaciones” cuando se enfrenta a un repertorio como este, caso de la obra completa de Schulhoff?

Saber sobre la propia vida del compositor, sus periodos creativos, su estilo y también escuchar todo lo que sea posible otras obras del compositor que haya escrito para otros géneros.

¿La escena de la música clásica en nuestro país vecino, Portugal, es una industria en auge y en crecimiento?

Las cosas están mucho mejor en Portugal, en términos de que la gente tiene más acceso a la música, en todos los niveles (conciertos, educativo, etc.), que hace, podría decirle, unos 15 o 20 años. El problema es que en Portugal hay menos posibilidades para que los jóvenes músicos desarrollen una carrera. Las ayudas para las artes y la música en particular son pequeñas. De este modo, numerosos jóvenes y talentosos músicos e intérpretes tienen que sobrevivir haciendo diferentes trabajos o tocando en orquestas. Por tanto, me siento un privilegiado, he realizado una sólida carrera en Portugal, pero también he tocado en multitud de países y he realizado diversas grabaciones para sellos importantes internacionales. Pero aún tengo que trabajar mucho para mantener mi posición musical. Hay que mantenerse activo y tocar con asiduidad, quizá esto sea lo más complejo, mantener una intensa actividad de conciertos.

¿Algunos proyectos futuros en Brilliant Classics o Naxos, sello donde grabó las obras completas para violín y piano del estimado compositor portugués Fernando Lopes-Graça?

Tengo dos futuras grabaciones para Brilliant, pero son obras, en esta ocasión, con orquesta. Una es este mismo año 2017 y la otra es ya para 2018.

¿Y conciertos próximos? ¿Quizá España…?

Entre los muchos planes y proyectos, como le he contestado, están las grabaciones, pero también los conciertos. Además de mis regulares ciclos en Portugal, toqué recientemente en Madrid (“Centro Centro”, Palacio de Cibeles), Viena (Musikverein) y París. Ofreceré en junio una serie de conciertos en el Reino Unido y tengo programadas varias giras a final de año y principios del siguiente por diferentes países. Me pregunta España… La verdad es que disfruté mucho del recital de Madrid, donde la sala estaba a tope de su capacidad, y el público fue muy cálido y escuchó con mucho interés. Creo que volveré a Madrid en 2018.

En ese caso estaremos atentos para no perdernos ese concierto. Gracias por su tiempo.

Schulhoff: Obra completa para violín y piano. Bruno Monteiro, violín. João Paulo Santos, piano.
Brilliant Classics, BC95324 · 2 CD · DDD · 77’

por Gonzalo Pérez Chamorro 

http://www.bruno-monteiro.com/ 

Foto: El violinista portugués Bruno Monteiro.
Acred: Inês Monteiro 

 

Conversations con Enrique Bernaldo de Quirós

Conversations con Enrique Bernaldo de Quirós

Publicado: Febrero 2017
Nuevo disco CD en el mercado

El tercer CD en solitario de Enrique Bernaldo de Quirós, “Conversations”, editado por PlayClassics, reúne obras de Beethoven, Schubert y Liszt, con los que el pianista mantiene una intensa conversación en las notas del programa. Coincidiendo con la presentación de este nuevo trabajo discográfico, entrevistamos al pianista.

Ha recibido más de 40 premios internacionales de piano y hace pocos meses, en estas mismas páginas de RITMO, el crítico musical Rafael Banús le consideraba uno de los 8 mejores pianistas, ¿cómo se definiría Enrique Bernaldo de Quirós como pianista?

He de puntualizar que el Sr. Banús sólo incluyó en su lista a pianistas vivos, por lo que quiero entender que soy uno de sus “predilectos” de la actualidad. Francamente no me veo compitiendo con Rubinstein o Horowitz… Yo me considero, ante todo, un pianista omnívoro, capaz de enfrentarse a cualquier repertorio. No obstante, mis raíces rusas y mi formación eminentemente clásica, han marcado siempre mis preferencias musicales: Tchaikovsky, Rachmaninov, Schubert y, sobre todo (y por encima de todo), Beethoven.

Después de su CD con Sonatas de Beethoven y Brahms y el dedicado a los Preludios de Debussy, acaba de presentar su tercer disco, “Conversations”. ¿Qué nos encontramos en él?

Se trata de un proyecto muy personal. Puede parecer bastante heterodoxo, desde el punto de vista del repertorio, pero cuando lo escuchas terminas por ver la conexión tan estrecha que existe entre las tres visiones pianísticas que representan Beethoven, Schubert y Liszt. He de destacar, también, que tanto la Sonata de Schubert como, muy especialmente, las Bagatelas de Beethoven son obras que se han llevado al disco de forma inmerecidamente infrecuente lo que, a mi juicio, convierte este CD en un raro testimonio a tener en cuenta.

¿Cómo surgió la idea de este CD y cómo fue el proceso de grabación?

El germen del CD fueron las Bagatelas Op. 126, una obra muy significativa para mí. En seguida estimé que Schubert y Liszt serían dignos acompañantes. La grabación se desarrolló en un lapso de tres años y medio. Inicié el trabajo en el estudio al mismo tiempo que se ponía en marcha la creación de la Sociedad de Conciertos de Palma de Mallorca, que presido. Un proyecto cultural de este calibre requiere mucha dedicación y algunos trabajos, como el del CD, se dilataron más de la cuenta. Lo bueno es que tuve tiempo de seguir madurando las obras y documentarme bien para la concepción de las notas al disco…

¡Escritas por usted mismo…! Leyéndolas, las notas del álbum son una conversación entre Beethoven, Liszt, Schubert y usted en el reino del Supremo Hacedor Bach, ¿cómo surgió la original idea de plantearlo así?

En mi segundo álbum, dedicado a Debussy, decidí aventurarme a hacer las notas para dar al disco un enfoque más personal. El resultado fue una gouldiana entrevista en la que mantengo una acalorada conversación conmigo mismo sobre diversos temas de la actualidad musical, así como sobre el Impresionismo. En mi nuevo disco quise volver a coger la pluma, pero esta vez para ir un poco más lejos... “¿Por qué no organizar un encuentro conjunto con Beethoven, Schubert y Liszt?”, pensé. A todos nos hubiera gustado que dicho encuentro hubiera tenido lugar. Mezclando fantasía y datos objetivos, creo que estas notas aportan frescura y originalidad al trabajo.

Su formación se desarrolló entre su Rusia natal y España, ¿quiénes han sido los nombres que más han influido en su carrera o que han sido una referencia para usted?

He tenido la suerte de tener buenos maestros; muchos de ellos se han convertido con el paso del tiempo en entrañables colegas. No obstante, Galina Eguiazarova es, sin lugar a dudas, la persona que ha significado un antes y un después en mi formación. También aprendí mucho de los grandes pianistas, especialmente de Richter, Benedetti-Michelangeli y Gould.

Excelente trilogía… ¿Dónde le veremos en los próximos meses?

Como comenté antes, el proyecto de la Sociedad de Conciertos de Palma absorbe gran parte de mi tiempo y de mis esfuerzos. En el marco del III Festival Beethoven interpretaré los magníficos Quintetos de piano y viento de Mozart y Beethoven. También he sido invitado a tocar en el ciclo de música de cámara de la Orquesta Sinfónica de Baleares. En primavera presentaré un precioso programa de recital con música rusa. Además, desde el mes de septiembre y durante todo el curso, imparto el seminario “El piano a través de los siglos”, un ciclo de conferencias-concierto.

CONVERSATIONS. Obras de BEETHOVEN, SCHUBERT y LISZT. Enrique Bernaldo de Quirós, piano.
PlayClassics, PC13007 · DDD 

Por Lucas Quirós 

http://quirospiano.com/es/

http://www.playclassics.com/album7

Foto: El pianista Enrique Bernaldo de Quirós.
Acred: Pablo Salto-Weis 

 

Eludir las aduanas

Eludir las aduanas

Publicado: Enero 2017
Ramón Paus, nuevo disco en Naxos

Como un Toru Takemitsu, la música del compositor castellonense Ramón Paus se presenta ante el oyente bajo nombres de sugerentes universos creativos, donde el color se plasma como una forma más de una música siempre muy hermosa, con una personalidad propia. En esta página, el maestro nos relata la génesis de las obras para su nuevo disco, grabado en el sello Naxos y editadas en Unión Musical.

Cuando el viola israelí Yuval Gotlibovich vino a casa para leer por primera vez Cobalto Azul, en tránsito (track 2), pieza para orquesta de cuerda y viola que iba a estrenar en 2013, le puse un vídeo del pianista Eduardo Fernández; Yuval se sintió cautivado por lo que estaba escuchando, y me manifestó su deseo de conocerle. No se me ocurrió un modo mejor que escribir una nueva obra para viola y piano. La pieza se llamó Madera Ocaso (track 1) y la estrenaron en septiembre de 2015. En esta obra intenté ser permeable a las enormes capacidades de ambos, generando un diálogo camerístico donde nadie ocupara un lugar mejor que el otro. Durante buena parte de Madera Ocaso se producen idas y venidas, escarceos entre viola y piano en los que se exploran distintas maneras de estar y sonar, bariolages de la viola sobre cuyos acantilados percuten los acordes pirómanos del piano, y ágiles y repetitivos arpegios del piano desde donde emergen melodías leves e incandescentes en la viola. Todo desemboca en un adagio final que permite entender algo de lo que aconteció en el camino de Madera Ocaso.

Cobalto Azul, en tránsito

En Cobalto Azul, en tránsito la viola adopta un claro papel de solista que interactúa con una orquesta de cuerdas, reivindicando su enorme agilidad y color. El monólogo inicial plantea preguntas más adelante asimiladas y reconducidas por la orquesta, que tiene una aparición delicada. En otros momentos la viola aborda líneas que asemejan las vertiginosas improvisaciones del jazz, para luego buscar momentos de sosiego y dejarse acunar por un mullido y estático acorde en las cuerdas. Finalmente la viola despliega todo su color y carga dramática en el Largo que conduce a la conclusión. En este pasaje intenté generar una melodía que se percibiera como ilimitada, pasando las aduanas de la modalidad y de la abstracción lírica sin prestar ningún tipo de declaración, como si dicha melodía viajara dentro de una valija diplomática. Quisiera haberlo conseguido aunque solo fuera fugazmente.

Elegía primera, la deriva

Edith Maretzki fue amiga y violín de la Orquesta del Gran Teatro del Liceo durante casi dos décadas. Murió prematuramente, y su viudo, el cineasta Gerardo Gormezano, me envió un escrito, Elegía primera, la deriva (track 3), que se sitúa en el momento en el que el dolor de la pérdida irreparable se manifiesta sin ambages.

Ante la enorme belleza del escrito, le propuse a Gerardo utilizar este texto como soporte de una obra musical dedicada in memoriam a Edith. Durante el proceso de composición hubo momentos muy dolorosos y vacilantes. Un fragmento de texto que dice concretamente “…no sé si despedirte o es ahora que has llegado…”, me tuvo muchos días contra las cuerdas, al enfrentarlo se me venía encima un aluvión de nostalgia.

Gerardo me sugirió que describiera en un bloc de notas mis reflexiones y zozobras a lo largo del proceso de composición de esta obra, un cuaderno de bitácora que describe el lento crecimiento de Elegía primera, la deriva. Estos son algunos de los apuntes tomados tras las jornadas de trabajo:

13-11-2013…

Las Campanas Tubulares me aportan lo atávico y la premonición, los acordes graves y pastosos del vibráfono me sirven para percutir y viajar hacia espacios más luminosos, la languidez del arpa en registro medio y grave me regala la delicadeza del ocaso… avanzo!

15-11-2013…

He pensado crear un falso andamio que me aporte una aparente seguridad; después, cuando la obra avance, quitaré dicho andamio. También he considerado tratar de un modo diferente en lo tímbrico cada área del escrito que yo considero distinta. Ahora me voy al piano y me dejo mecer por la música de las palabras, ellas van a ser la horma de un zapato que desconozco.

11-1-2014…

He necesitado este tiempo de reposo para no perder objetividad, la obra me estaba haciendo sufrir en exceso, necesitaba este silencio… Finalmente no va a haber contralto, ya que el texto es profundamente masculino, el coro de hombres con tenores y barítonos al modo de Listz finalmente se ha impuesto. La partitura está ahora incendiada por muchos lugares, debo encontrar si existen los modos de enlace, he descubierto como hacer un religare con una pequeña célula melódica para encaminarnos hacia el final.

Elegía primera, la deriva fue estrenada el 15 de noviembre de 2015 en el auditorio del CCCB de Barcelona; al día siguiente comenzaron las sesiones de grabación de este CD.

Ramón Paus: Obras para viola (Madera Ocaso. Cobalto azul, en tránsito, Elegía primera, la deriva). Yuval Gotlibovich, viola. Raquel Castro, violín. Eduardo Fernández, piano. ESMUC Coro. Orquesta de Cámara Catalana / Joan Pàmies.
Naxos, 8.573602 · 53’ · DDD 

Por Ramón Paus 

http://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.573602

http://www.ramonpaus.com/

Comprar el CD 

Foto: Compositor e intérprete, Ramón Paus y Eduardo Fernández, comienzan a dar vida a la música a través de las palabras.

Festival Donizetti Opera

Festival Donizetti Opera

Publicado: Enero 2017
Bérgamo y Donizetti: un binomio inseparable

En el noroeste de Italia, en la rica y próspera Lombardía (cuna de Virgilio, Monteverdi y el famoso luthier Antonio Stradivari) se encuentra Bérgamo, la ciudad natal de Domenico Gaetano Maria Donizetti (1797-1848), el célebre y prolífico compositor que escribió algunas de las páginas más bellas del género lírico, cuyas arias resuenan desde hace siglos en los coliseos operísticos de todo el mundo. La figura de Donizetti está sólidamente ligada a la bella ciudad de Bérgamo. El compositor está presente en su casa natal transformada hoy en museo, en el monumento de mármol blanco situado frente al teatro que lleva su nombre, en su tumba en la Basilica di Santa Maria Maggiore o en la torta del Donizetti, la tarta de piña y albaricoques confitados en forma de rosca y espolvoreada con azúcar, creada por Alessandro Balzer en 1948, con ocasión del centenario de la muerte del compositor más querido y admirado de la ciudad.

Reforzar el vínculo entre Bérgamo y el patrimonio cultural universal de la obra de Donizetti, es el objetivo que se ha propuesto la Fondazione Donizetti y su director artístico, Francesco Micheli, con este nuevo festival: el Festival Internacional Donizetti Opera, que se celebró por primera vez el pasado otoño desde el 23 de noviembre al 4 de diciembre.

Un festival que nace con el propósito de dar a conocer el amplio repertorio operístico de su ilustre ciudadano, no solo haciendo hincapié en su indudable calidad artística, sino también, desarrollando un innovador y polifacético proyecto con nuevos e interesantes contextos y lenguajes para involucrar a la propia ciudad. Tal y como afirmó la Assessore alla Cultura, Nadia Ghisalberti: “Bérgamo y Donizetti son hoy más que nunca un binomio inseparable, cada vez más consolidado y reconocido internacionalmente”. En palabras de Francesco Micheli: “La música de Donizetti es para nosotros los bergamascos el material de construcción de la identidad ciudadana y la imagen de Bérgamo en el mundo”.

El melodrama giocoso Olivo e Pasquale y Rosmonda d’Inghilterra, dos títulos donizettianos poco conocidos, en cuya revisión crítica ha participado el departamento científico de la Fundación dirigido por el musicólogo Paolo Fabbri, fueron los protagonistas de esta primera edición del festival. Olivo e Pasquale, en el Teatro Sociale de la Città Alta, que firma OperAlchemica (Ugo Giacomazzi y Luigi di Gangi), forma parte del proyecto “experimental” con jóvenes artistas a los que el festival ofrece una privilegiada ocasión, bajo la experta batuta de Federico Maria Sardelli, y los jóvenes músicos de la Orchestra dell’Accademia del Teatro alla Scala.  En el Teatro Donizetti disfrutamos del excelente cast de protagonistas de Rosmonda: las sopranos Jessica Pratt (Rosmonda) y Eva Mei (Leonora); muy acertada también la labor de la joven batuta especialista en este repertorio: Sebastiano Rolli. 

Paola Rota, conocida colaboradora de Mario Martone en sus producciones operísticas como Cavalleria Rusticana/Pagliacci en la Scala, firmó la regia. La versión para estudiantes de Olivo e Pasquale, bajo el título Frattelanza en el Teatro Sociale, y el recital de Leo Nucci, junto al Donizetti Opera Ensemble, fueron otros de los eventos de este festival, que da especial importancia a los proyectos pedagógicos, que incluyen trabajos temáticos, encuentros y conferencias, vinculando así la programación del festival al discurso didáctico.  

La primera edición del Festival Donizetti Opera contó, además, con un padrino de  lujo: Riccardo Muti, que con la Orchestra Cherubini, celebró en el marco del festival, el concierto extraordinario de los 50 años de su debut en Bérgamo el día del cumpleaños de Donizetti (il Dies natalis, 29 de noviembre), con el Presidente de la Repubblica entre el público.

Sonó el himno de Italia, hubo aplausos interminables, una enorme pancarta con “Grazie Muti”, banderas tricolores y otras con los colores de la ciudad, que caían del loggione; el público, puesto en pie, entre aplausos y vítores, agradeció al maestro Muti sus habituales palabras de orgoglio italiano y su presencia en Bérgamo.

Por Lorena Jiménez
 

http://www.donizetti.org/

Foto: Francesco Micheli, director artístico de la Fondazione Donizetti di Bergamo, ante el monumento dedicado al compositor en su ciudad natal.
Acred: Gianfranco Rota

 

Delicias del Clasicismo en EMEC Discos

Delicias del Clasicismo en EMEC Discos

Publicado: Diciembre 2016
Músicas de Rode, Giuliani, Haydn y Carulli


Repleto de un jugoso estilo clásico, el nuevo disco de EMEC bucea en la música de cámara con guitarra, con obras de Rode, Giuliani, Haydn y Carulli, músicas que reciben sus referenciales registros tras un cuidado estudio de las partituras, que en este caso contienen la guitarra como “exótico” elemento instrumental en la música de cámara del Clasicismo.

Pierre Rode

Cuando hablamos sobre el compositor francés Jacques-Pierre-Joseph Rode (1774-1830) es inevitable hablar de sus composiciones para violín, sus Conciertos o sus famosos Caprichos, lo que ya no es tan frecuente es referirnos a sus obras para guitarra o con guitarra. EMEC Discos fue el primer sello en publicar su Polonesa para flauta y guitarra (referencia E-040), una exquisita pieza interpretada en ese registro por la excelente flautista Sabine Dreier y el guitarrista Agustín Maruri. En esta nueva grabación de EMEC añaden al catálogo el maravilloso Trío en re mayor para violín, viola y guitarra. Escrito en cuatro movimientos, se trata de una obra de gran belleza, donde la textura generada por la combinación sonora y tímbrica del violín la viola y la guitarra crean un clima expresivo maravilloso.

Trío en re mayor de Rode

El Adagio inicial tiene un carácter casi dramático que da paso a un Minuetto juguetón donde el violín es protagonista. El Trio rescata la serenidad y da el protagonismo a la viola. El tercer movimiento está compuesto por un Largo introductorio de carácter nostálgico que nos lleva a un tema con variaciones. Cada variación muestra un virtuosismo amable y salonístico de los instrumentos que componen el Trio. El Presto final devuelve el protagonismo al violín en un movimiento brillante cargado de energía que, a través de una cadencia del violín, nos lleva a un reflexivo Adagio final donde parecería que toda la alegría previa se ha evaporado.

Rode nació en Burdeos el 16 de febrero de 1774. Niño prodigio, a los 12 años dominaba el violín. En 1787 se muda a París, donde estudia con el Giovanni Battista Viotti. Rode se convierte en su alumno favorito, bajo su tutela hace su debut con 16 años tocando un Concierto de su maestro. La separación entre maestro y alumno se produjo irremisiblemente en 1792, cuando Viotti se marchó a Londres. Dos años después, Rode escribe su Primer Concierto, donde muestra su estilo personal distinto al de su mentor. En Madrid, Luigi Boccherini va a escucharle y queda tan impresionado que nace entre los dos músicos una amistad que llevará a Boccherini a orquestar los primeros Conciertos de Rode.

Napoleón Bonaparte le nombra primer violín de su orquesta privada. Viaja por Francia obteniendo éxito tras éxito, no solo por su virtuosismo, sino también como compositor. Rode llega a ser más famoso que su gran maestro, Viotti, y se le considera el mejor violinista de Europa.

En 1803, junto a Francisco Boieldieu, viaja a Rusia, y en 1804 llega a San Petersburgo donde toca para el Zar Alejandro I, quien después de escucharle lo nombra “solista del zar”, con una renta anual de 5.000 rublos de plata. Allí escribirá su Concierto para violín n. 12, dedicado al Zar que, incluye en su movimiento final temas populares rusos, el principal de estos inspiró a Tchaikovsky su Sinfonía n. 4.

Más adelante, con 34 años decide no tocar más en público en Francia y no regresa a su puesto de profesor en el Conservatorio de París, debido a que su popularidad disminuyó. En 1812 se encuentra con Beethoven en Viena, que le dedica su gran Sonata para violín n. 10 Op. 96 (estimulado al escucharle, Beethoven termina la obra y se la dedica). Rode la estrena y Spohr se une a las críticas negativas, llegando a decir que Rode ya no toca como hace diez años, que es “frío” y “amanerado” en sus interpretaciones. Beethoven queda decepcionado.

En el otoño de 1828, con 54 años, Rode decide dar un concierto en París. El público lo rechazó casi de manera hostil. Ante esta situación, Rode regresa a Burdeos, su ciudad natal, donde muere dos años después en el castillo de Bourbon, cerca de Damazon, el 25 de noviembre de 1830, a los 56 años de edad.

Mauro Giuliani

No hay muchas grabaciones disponibles en disco de la Serenade Op. 19 de Mauro Giuliani (1781-1829), la más importante es quizás la que realizó Leonid Kogan en los años sesenta, difícil de localizar. Del amplio catálogo de obras de Giuliani hay que hacer parada obligatoria en las dedicadas a la música de cámara. Siendo quien es Giuliani en la guitarra, su obra camerística merece una atención especial y está pendiente aún de difundirse y conocerse en su justa medida.

Giuliani escribió 3 Conciertos para guitarra y orquesta y son, sin duda, junto al de Fernando Carulli, los más importantes del siglo XIX, del Romanticismo. Conocida es su participación en el estreno de la Sinfonía n. 7 de Beethoven tocando en la sección de cellos, es decir, podía escribir con conocimiento de causa y salir de la de la guitarra o interactuarla sin miedo a equivocarse con otros instrumentos de cuerda, conseguir un equilibrio perfecto de volumen y de color un dialogo concertante en su justo punto. Giuliani solo escribió dos obras para esta plantilla, pero ambas son extraordinarias y de lo mejor de su música de cámara. En las Variaciones concertantes para violín, chelo y guitarra, obra sin número de opus, el chelo tiene un papel fundamental y la textura es como en la Serenade, exquisita.

Serenade Op. 19 de Giuliani

Consta de tres movimientos, el Adagio inicial da el protagonismo al violoncello, que presenta el tema inicial que es desarrollado por el violín y recogido por la guitarra; el juego está servido. Una de las características de la obra es la variedad del dialogo instrumental y la belleza de los temas y las melodías que, una vez más, muestran un Giuliani más emocional sin menoscabo de su virtuosismo. Todo se encuentra en esta obra, el lirismo cantabile y el virtuosismo instrumental. El segundo movimiento Scherzo muestra el estilo vienes y la influencia de Beethoven en sus contemporáneos. Un movimiento equilibrado con una factura magistral, son especialmente atractivos y singulares los armónicos del Trio. El último movimiento, Alla Polacca, nos devuelve al virtuoso sin concesiones técnicas, el ejecutante brillante que hace lucir a su instrumento y que demanda un dominio no al alcance de todos. Una obra para disfrutar del mejor Giuliani donde la guitarra, el violín y el chelo se integran sin perderse nunca en esfuerzos inútiles.

Franz Joseph Haydn

Se han hecho algunos arreglos de música de cámara de Franz Joseph Haydn (1732-1809), entre ellos quizás el mejor logrado es el Concierto Hob. VII: 3 en sol mayor, original para dos Lyra organizata, que vio una afortunada transcripción del dúo Pomponio-Zárate para dos guitarras y orquesta y que se grabó en los años sesenta. Fuera de esto, quizás la única obra original que se ha podido incorporar es el Cuarteto en re mayor Hob. III: 8, Op. 2 n. 2. Si bien es original para laúd, es en su versión de guitarra como ha alcanzado su mayor difusión y popularidad. Consta de cuatro movimientos, de los cuales dos son Minuetos y uno de ellos es alternativo, algunas veces se interpreta, otras no, depende del criterio de los intérpretes. En la grabación que presenta EMEC se ofrecen los dos en su integridad.

Cuarteto Op. 2 n. 2 de Haydn

Se trata de una obra de juventud, pero, sin duda, de las más acertadas por su frescura, equilibrio y también profundidad. El Adagio es uno de los movimientos más líricos que hay en el repertorio de la guitarra con acompañamiento de cuerdas. El primer y último movimiento rebosan clasicismo y tienen una precisión estructural casi matemática. Los dos Minuetos vienen a completar el cuerpo de todo el cuarteto. Es muy posible que Haydn tocara el laúd, hay una imagen que así lo atestigua, lo que sí está claro es que conocía bien el instrumento, pues su escritura instrumental así lo indica.

Fernando Carulli

Afincado en París donde prácticamente vivió toda su vida, Fernando Carulli (1770-1841) se dedicó fundamentalmente a la enseñanza de la guitarra y la composición de obras para su instrumento. Su catálogo alcanza casi los 400 títulos con obras para guitarra sola y combinaciones con otros instrumentos. Es importante no olvidar su Método, obra de gran valor didáctico.

De la obra de este disco existen dos versiones, una para pianoforte y guitarra y la que se presenta en esta grabación en primicia absoluta para guitarra con acompañamiento obligado de violín, viola y bajo. Quizás la versión de pianoforte venía a suplir la falta de instrumentistas y era una manera de “salvar” que la obra se interpretara. La edición anunciaba a sus compradores que el autor decía que estos “solos” eran “muy brillantes” y de “un gran efecto”, pues el público así lo constataba en distintos conciertos públicos en los que se había interpretado. En realidad se trata prácticamente de un pequeño concierto para guitarra y cuerdas.

Dos solos Op. 207 de Carulli

Los Dos solos Op. 207 para guitarra, violín, viola y bajo están compuestos de dos Allegros y un Tema con variaciones entre estos dos movimientos, inicial y final a modo de reexposición. Obra de carácter virtuosístico que busca el lucimiento del solista de una manera sobria y elegante, es una obra importante dentro del conjunto de las de Carulli para guitarra y cuerdas y no se explica cómo ha podido pasar desapercibida para los guitarristas durante tanto tiempo. Es un feliz acontecimiento su recuperación para el repertorio clásico-romántico.

Por: María Bustamante

http://www.emecdiscos.com/

 

Música española desde Nueva York

Música española desde Nueva York

Publicado: Diciembre 2015
Eva León graba la integral para violín y piano de Rodrigo


La violinista canaria Eva León, residente en Nueva York, está considerada como una de las figuras españolas más importantes de su generación. En su fructífera carrera cuenta ya con una larga lista de premios obtenidos en concursos violinísticos en España e internacionales, así como presentaciones en el Carnegie Hall de Nueva York y recitales y conciertos como solista con numerosas orquestas internacionalmente.

En los últimos años se he sumergido en la obra de Joaquín Rodrigo, no sólo grabando la integral para violín y piano en el sello discográfico Naxos, sino también interpretando su obra camerística y su Concierto para violín, “Concierto de Estío”, con diferentes orquestas alrededor de Estados Unidos. Anteriormente ya había grabado para Naxos las integrales para violín y piano de Turina (8.570402) y Montsalvatge (8.572621), siendo la primera violinista española grabando el repertorio violinístico español para Naxos.

En sus propias palabras: “Grabar la música de Rodrigo ha sido una experiencia única, porque, además de grabar con músicos extraordinarios como Olga Vinokur y Virginia Luque, tuve la suerte de contar con el productor Adam Abeshouse, ganador de varios premios Grammys”.

“La música de Rodrigo, luminosa y optimista, me ha ayudado a ampliar mis conocimientos del repertorio español. Rodrigo contribuyó con una voz única a la tradición y el folclore nacional; una voz que ha resistido la prueba del tiempo. Obviamente, su obra para guitarra es mundialmente conocida, no así su obra para violín. Sus numerosas obras para este instrumento, muchas desconocidas para el gran público, muestran su alcance técnico del potencial violinístico, capturando a sus oyentes con su intenso lirismo y su genuina originalidad. Rodrigo era simplemente extraordinario a la hora de crear sencillas melodías que llegan al alma y es admirable la capacidad que tuvo de entretejer las fuentes masivas de inspiración de España con las formas clásicas de otra época”.

Como proyectos inmediatos, Eva León participará en diciembre en unja gira en Alemania como solista, interpretando Las Cuatro Estaciones de Vivaldi. Regresará a Nueva York para tocar en recital en el National Sawdust y a partir de enero promocionará su nuevo disco de Joaquín Rodrigo en recitales en Estados Unidos. Hace unos pocos meses, Eva León realizó una gira por España y poco antes estuvo en Alemania tocando con la French Chamber Orchestra, interpretando Conciertos para violín de J.S. Bach.

Además de su carrera internacional, Eva León es una gran defensora de la música española fuera de nuestras fronteras y ha realizado numerosos conciertos con repertorio español en salas de conciertos internacionales, especialmente en Nueva York, como en el Carnegie Hall, Bargemusic o National Sawdust (la nueva sala alternativa que ofrece música desde los New York Philharmonic Players, pasando por Philip Glass o John Zorn). Además, está en proceso de crear su propio ciclo de conciertos en Brooklyn, donde reside, poniendo especial énfasis en la música contemporánea y trabajando con un gran número de compositores residentes en la ciudad, aunque manteniendo parte de repertorio standard.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

http://www.evaleon.es/

Foto: Tras sus registros de Turina y Montsalvatge, Eva León ha grabado la integral para violín y piano de Rodrigo para Naxos.
Acred: © 2016 Eva León

Zulema de la Cruz, compositora

Zulema de la Cruz, compositora

Publicado: Diciembre 2016
Hispania is different

Hispania ha vuelto a los atriles madrileños, en este caso en la temporada de la ORCAM, con algunas modificaciones... ¿Qué nos puede contar de esta obra? ¿Cómo surgió?

Hispania la escribí en 2003 como encargo de la Fundación Siemens, para la Orquesta y Coro Filarmonía, estrenada por Pascual Osa. Siento un especial amor por ella, como toda madre por sus creaciones, pero Hispania fue mi primera obra para gran coro y orquesta; también es un compendio de trabajos anteriores, utilizando motivos que provenían del folklore popular, que en este caso los pude ensamblar en un tronco común, como es mi propio lenguaje, pero uniendo los folklores y sus motivos de cada una de las regiones o comunidades de España. Es una obertura (su nombre exacto es Obertura Hispania) que ya ha sido interpretada varias veces y está grabada en un disco de la Fundación Siemens para su concierto de Navidad en 2003. Hispania, con la que estuve como finalista en los Premios de la Música, es una obra que me ha dado muchas satisfacciones. En esta ocasión, casi inesperadamente, Víctor Pablo Pérez decidió programarla con la JORCAM-ORCAM y la Camerata BBVA, además de añadirle una parte a la soprano solista (en este caso la impresionante Iwona Sobotka), que introduce lo que antes hacía el coro, la melodía popular El cant dels ocells. Para esta ocasión he necesitado hacer un nuevo montaje de la obra, que la ha llevado a un punto nuevo y diferente. También, al ir en la segunda parte del concierto programado por Víctor Pablo, le hemos cambiado el nombre y acortado a Hispania, suprimiendo Obertura. El cambio citado de la soprano es un momento mágico cuando canta su parte con El cant dels ocells, ya que ella se sitúa tras la orquesta, y no delante de ella, como suele ser habitual. Su sonido procede de un lugar recóndito, remoto, misterioso… Como un ángel que canta y al que no hace falta verlo para descubrir su radiante belleza.

¿Qué impresión le produjo ver a tanto joven interpretando su música?

Ver a la JORCAM y a la Camerata BBVA interpretar mi música, junto a atriles de la propia ORCAM, más todos los integrantes del Coro juvenil y profesional, así como al estupendo concertino de doce años, ha sido toda una experiencia. No imaginaba que mi obra podría dar tanto de sí y, especialmente, sonar como sonó, interpretada bajo el punto de vista de mentes con otra proyección y visión de la vida. Fue realmente estimulante. La producción de Víctor Pablo Pérez fue excelente. Nos conocemos bien, hace dos años participé en la inauguración de la temporada de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid con mi obra Canto a las víctimas inocentes, también de amplio formato, con tres solistas, tres coros y gran orquesta. Tras el Canto, pensaba que aquella experiencia iba a ser única, pero las expectativas que tenía con la obra y con Víctor Pablo han vuelto a superarse. La obra ha adquirido otro nivel, por los cambios y por el trabajo de Víctor Pablo; de hecho, no sé cómo quedara Hispania tras los cambios, si volverá a su forma de 2003 o se mantendrá como ahora, en su revisión. En resumen, Hispania se ha convertido en una obra diferente y ha aparecido, por decirlo de algún modo, en un momento decisivo de mi vida, un punto de inflexión en el que me considero una compositora que compone música que se programa y que cierra un concierto sinfónico-coral.

¿Cuáles son sus principales influencias?      

Cuando estaba acabando mi titulación superior de piano, más o menos con dieciséis años, me encontré con Carmelo Bernaola, que me introdujo en el mundo de la composición. Carmelo descubrió a la compositora que la entonces pianista Zulema de la Cruz llevaba dentro y que surgía en breves chispazos creativos, pero que no tenía claro que ese podría ser un camino musical a desarrollar en el futuro. Viví con él años apasionantes, tanto en los cursos de Granada como de Santiago. Con Carmelo se vivía la música y la música era la vida. Después tuve las enseñanzas de Luis de Pablo, especialmente sobre las estructuras de la música. Después conocía a Antón García Abril, aunque yo ya había ganado un premio (el Arpa de Oro), y ya estaba bastante sumergida en el mundo de la composición. Con Antón aprendí multitud de cosas, especialmente a orquestar, aunque él ha tratado la música popular, el folklore, desde otro punto diferente al mío.

¿Qué proyectos hay para los próximos meses?

Estoy componiendo una obra que se llama Alma de habanera, que se estrenará el próximo 14 de enero en el Auditorio Nacional de Madrid por la Fundación Colmenero, en el aniversario de la muerte del gran trompista Miguel Ángel Colmenero, para el que diversos compositores hemos creado una serie de obras. En mi caso, Alma de Habanera la estrenará mi hijo Sergio Lecuona de la Cruz, que es violinista, junto a Adriana Gómez Cervera, pianista. Esta obra se volverá a hacer en la Fundación Juan March en abril en un ciclo de habaneras, con Mariana Todorova y Mariana Gurkova. Tengo varias obras más entre manos, como unas Canciones del alma, con textos de Ilia Galán, que probablemente se hagan en el próximo Festival de Santander. También tengo un encargo del excepcional Trío Cervelló (Joseph Fuster, Ashan Pillai y Enrique Bagaria clarinete, viola y piano, respectivamente). También tengo en perspectiva música escénica, ya que estoy trabajando sobre un par de libretos…

Buen momento personal para componer una ópera maestra… Gracias por su tiempo.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro 

Zulema de la Cruz (Apuntes biográficos)

Nacida en Madrid, Zulema de la Cruz es Titulada Superior en Piano y Composición por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Master of Arts en la especialidad de Composición y Música por Ordenador por la Stanford University (California) y Diploma de Estudios Avanzados en Cultura y Comunicación por la IE University de Segovia. Amplió sus conocimientos sobre Música Electroacústica a través de Ordenador con J. Chowning, financiada por la beca de doctorado George Maile en el CCRMA. Premiada en numerosos concursos de composición, asesora y es jurado de múltiples instituciones, sus obras, encargos de diversas entidades, han sido interpretadas en Europa, Estados Unidos, Canadá, América del Sur, Japón, China y Australia.

Desde el año 1996 pertenece al Consejo Asesor del Concurso Internacional de Piano “Premio Jaén”, siendo en 1998 la autora de su obra obligada Trazos del sur para su XL Edición. En el año 2005 el VI Concurso Internacional de Piano “Compositores de España” le dedica su edición.

http://www.zulemadelacruz.com/es/ 

Foto: La compositora madrileña Zulema de la Cruz, junto a su hijo Sergio Lecuona de la Cruz, violinista.

 

Danzas imaginarias

Danzas imaginarias

Publicado: Noviembre 2016
Música instrumental del medioevo europeo

Aprovechando la presentación en el sello Cantus de “Danzas imaginarias”, nuevo disco de Eloqventia en su formato de dúo, conversamos con el flautista y fundador del grupo Alejandro Villar

Háblenos de Eloqventia ¿cuándo y por qué surge el ensemble?

Eloqventia es un proyecto personal que inicié en 2009 con intención de dar a conocer mi particular enfoque de la monodia lírica y el repertorio instrumental del medioevo, música a la que siempre he estado bastante ligado por mi condición de flautista de pico. El grupo tiene una formación variable que va adaptándose a las exigencias de cada programa. Puede presentarse a dúo como en el disco, o con una variada plantilla de instrumentistas y cantantes como en nuestro reciente espectáculo músico-teatral sobre el Libro de buen amor del Arcipreste de Hita “Cantando al amor”, que ha formado parte de la Temporada 15/16 del CNDM.

¿Qué puede decirnos sobre este programa concreto del disco?

Es posiblemente la propuesta más original de Eloqventia y, sin duda, la más característica. La idea empezó a desarrollarse hace años cuando, tras una invitación para ofrecer un concierto a dúo con el percusionista David Mayoral, ambos nos dimos cuenta de que el repertorio de danzas medievales funcionaba perfectamente con esa reducidísima formación, e incluso nos permitía alcanzar mayor grado de sutileza, aspecto éste que quizás se pierde un poco en agrupaciones más numerosas. Tanto para David como para mí, este programa se ha planteado desde el primer momento como un auténtico reto profesional pues nos ha obligado a explorar constantemente nuevas sonoridades y llevar al extremo las posibilidades técnicas de los instrumentos que utilizamos.

¿Cuáles son exactamente esos instrumentos?

Yo toco distintos tipos de flautas de pico, flauta doble, gemshorn, flauta de bambú y una symphonia o zanfona medieval; David, panderos, panderetas, tamburellos, darbukas, campanas, cascabeles y un dulcimer o santur. Una de nuestras premisas ha sido siempre conseguir la variedad tímbrica necesaria para evitar la monotonía que, a priori, puede asociarse a una formación tan pequeña como el dúo. Por eso hemos ido eligiendo distintas combinaciones instrumentales en función de las características y el origen de cada pieza. Si interpretamos una istanpitta italiana uso, por ejemplo, una flauta doble similar a la que aparece en la iconografía del trecento y si, por el contrario, tocamos una muwashaha andalusí, utilizo la flauta de bambú, que tiene una sonoridad próxima al ney, acompañada de darbukas, cascabeles y otros instrumentos orientales de percusión.

En cuanto al repertorio ¿cómo se han seleccionado las obras?

El programa se ha ido confeccionando poco a poco, pues antes de grabarlo dedicamos mucho tiempo a la preparación y rodaje del mismo por distintos festivales europeos (Sevilla, Madrid, Santander, Ravenna, Berlín, Potsdam...). Sin todo ese trabajo previo hubiera sido imposible alcanzar el grado de complicidad necesario para que el diálogo entre flauta y percusión resultase natural y espontáneo. Finalmente, las piezas elegidas han sido una estampie francesa del Chansonier du Roi, cinco istanpitte italianas, una canción del trovador Guiraut Riquier en versión instrumental y el famoso Polorum Regina del Llibre Vermell. Junto a estas músicas heredadas de la Europa cristiana occidental, interpretamos también dos moaxajas andalusíes y una obra sefardí, con el fin de trazar una visión completa del panorama musical de los siglos XIII y XIV que, como es bien sabido, estuvo caracterizado por su multiculturalidad.

Y el título “Danzas imaginarias” ¿a qué se debe?

Refleja nuestro planteamiento interpretativo. Está claro que los conocimientos que tenemos del medioevo son limitados, por eso el intérprete actual ha de aproximarse a estas músicas asumiendo que la especulación va a ser inevitable en su trabajo. Pensamos que estas danzas que tocamos son imaginarias porque, en definitiva, surgen de nuestra propia fantasía creativa, convirtiéndose en recreaciones libres de las escuetas líneas melódicas que nos han legado los códices medievales, enriquecidas gracias a la ornamentación y la improvisación.

CD - Referencia: Cantus C9646
Alejandro Villar, flautas
David Mayoral, percusión

www.eloqventia.com

www.facebook.com/eloqventia

www.youtube.com/eloqventia

Foto: Eloqventia, formado por Alejandro Villar (flautas) y David Mayoral (percusión).
Acred: Pablo Fernández Juárez 

Por: Lucas Quirós 

Baviera es música

Baviera es música

Publicado: Noviembre 2016
Festival y conciertos en el sur de Alemania

Uno de los grandes placeres para todo aficionado musical es asistir a conciertos u óperas fuera de su circuito habitual. Y aquí les escribo el que he realicé recientemente por si alguno quisiera tomar nota para futuros años. Presupongo que los nombres de los grandes festivales son conocidos por el aficionado medio, pero no sólo de grandes festivales vivimos los aficionados. En Baviera coexisten, de manera pacífica, varios de ellos, incluido el Wagner de Bayreuth. Mi primera día consistió (10h de la mañana) en asistir en la Iglesia de San Sebaldo de Nürnberg a la Misa dominical, que en colaboración con el 29. Festtage Alter Musik Musica Franconia, ofrecía la Cantata Coral “Meinen Jesum lass ich nicht”, interpretada por el Madrigalchor der Hochschule für Musik Nürnberg, además de la música de órgano y corales cantados por todos los fieles. El centenario del fallecimiento de Max Reger no se está dejando pasar de largo.

En esa misma iglesia, pero a las 18h, tuvo lugar también la primera interpretación en Alemania de la Messe de Requiem de Jean Paul Egide Martini, compositor de la zona (nació en Freystadt cerca de Nuremberg y llegó a ser el Sobreintendente de la Corte de Francia, con obras dedicadas luego a Napoleón por su boda, y de nuevo Sobreintendente de la Música en 1816, año de su muerte). Este Requiem,  acompañado de entrada por la última obra que escribió Glück, su De Profundis (1787), elegantemente interpretado por La Banda, orquesta de instrumentos originales, junto al Festivalchor Musica Franconia y bajo la dirección de W. Riedelbauch, tiene toda la grandilocuencia de la música francesa de esos primeros años, con momentos memorables. Este Festival, que tiene lugar en diferentes ciudades de Franconia como Triesdorf, Freystadt o Rügland, ofreció este concierto en colaboración con el Festival Glück, el cual en esta edición de 2016 proponía unas cinco o seis óperas de este autor, y no justamente las más conocidas, además de música de ballet.

Pero aún había más actividad musical en la que probablemente sea la más bella ciudad alemana. En el Teatro de ópera daba comienzo ese fin de semana el Concurso de canto de Nürnberg con el curioso nombre de Die Meistersinger von Nürnberg 2016, cuyas fases son todas abiertas al público. Así pues, estuvimos escuchando a varios participantes, con sorpresa grande ante el buen nivel mostrado por casi todos y su especial dedicación al Fach alemán, cantando Elsas, Jokanaans, Salomés, Holandeses…, con lo que el relevo generacional está asegurado. Como curiosidad, si quiere saber los resultados finales, en este enlace puede comprobar cómo les fue a los participantes, y de paso conocer a la española Rocío Pérez, una de las ganadoras:

http://bit.ly/2eUay3C

Festival de Ópera de Munich

Para los amantes de la ópera no debe ser desconocido el Festival de Ópera de Múnich, que consiste fundamentalmente en ofrecer cada día un título distinto, con el añadido de un par de premières. Las de este año fueron La Juive y Les Indes Galantes, en el Prinzregententheater. Don Giovanni, para ser una ópera de repertorio, me imagino que habría tenido medio ensayo, pero el nivel fue excelente, lo que habla a las claras tanto del sistema de producción de representaciones por estos lares como de la calidad media de los productos ofrecidos. Ni que decir tiene que estaba todo el aforo vendido a pesar de la fuerte competencia con representaciones y artistas de días anteriores. La pareja protagonista Don Giovanni/Leporello cantada por Schrott/Esposito funciona de maravilla en complicidad, gestualidad y ritmo en los recitativos y miles de pequeños matices e intenciones. Ambos están pletóricos en su madurez vocal. En cuanto a las protagonistas femeninas no le iban a la zaga, con una Donna Anna excepcional de Albina Shagimuratova, cantante para mi desconocida, y la muy aplaudida Donna Elvira de Dorothea Röschmann. También vimos en directo por primera vez a Pavel Breslik, de estilo mozartiano inmaculado, pero al que le falta más volumen en la voz. La producción de Stephan Kimming, a base de contenedores que abren y cierran en una plataforma giratoria de ambiente portuario funciona bien, traslada el argumento a nuestros días y no chirría en demasía. Sorpresa también muy grata la del joven director británico James Gaffigan, lleno de energía y gesto expresivo que sin lugar a dudas proporcionó un extra a la interpretación.

Y, por último, asistimos al fin último de nuestro viaje, la nueva producción de Les Indes Galantes, ópera de Rameau muy difícil de encontrar sobre el escenario. En este caso era la partitura de su estreno parisino de 1735, con el añadido de la entrada de Les Fleurs de 1736, sabia elección, pues esta entrada contiene el que probablemente sea el momento más sublime de toda la partitura, el cuarteto “Tendre amour”, sino de toda la producción de Rameau. Los paladines de esta première han sido Ivor Bolton, nuestro director musical y artístico del Teatro Real, y Sidi Larbi Cherkaoui, con una brillante puesta en escena, donde venía a demostrar que el concepto de amor viene a ser igual en los países exóticos según la mirada del XVIII, de ahí el título Les Indes Galantes. El elenco de cantantes, todos desconocidos por aquí, excepto Anna Prohaska como Phani, incluyen a 17 solistas, y entre ellos ningún borrón, lo cual es más que meritorio. El coro, excepcional desde todos los puntos de vista que miremos, no en vano fue el Balthasar-Neumann-Chor de Friburgo. Merecen mención especial el cuerpo de baile, Tänzer der Compagnie Eastman de Antwerpen. Y única en su conjunto y por sus solistas la Orquesta del Festival de Munich, una orquesta donde participaban los mejores instrumentistas barrocos de toda Europa. Sobresale sobre todo Ivor Bolton, talentísimo director que lleva más de veinte años haciendo ópera en este Festival de Munich y en Salzburgo, muy apreciado en este círculo, que desde el clave, pues a veces colabora en el continuo tocando el clave durante los recitativos, el cual no deja pasar ni una sola ocasión de hacer música muy expresiva. Todo un placer verlo dirigir con tanta complicidad tanto a músicos como a cantantes. Experiencia inolvidable que a buen seguro saldrá editada en breve en DVD.

https://www.staatsoper.de/en/opera-festival.html 

Foto: Una escena del Don Giovanni del regista Stephan Kimming.
Acreditación: Martin Pfeil / Barbara Burgdorf 

Por: Jerónimo Marín 

Festival de Pesaro

Festival de Pesaro

Publicado: Noviembre 2016
Voces hispanas para Rossini

Hace muchos años que el Festival Rossini en Pesaro es una cita obligada. Tengo la suerte de pasar el verano en Senigallia, a orillas del Adriático, a tres cuartos de hora de la patria chica de Rossini y no me veo obligada, como los japoneses y alemanes, apasionados del compositor, a horas de viaje para asistir. Les comprendo porque el Festival es un acontecimiento lírico extraordinario y compensa con creces un largo viaje. Desde su primera edición ha descubierto magnificas voces y ha ofrecido óperas y escenografías inolvidables; algunas obras eran desconocidas y han encontrado en el teatro que lleva su nombre, o en la “bombonera” del Pedrotti, un marco incomparable ¡Como olvidar la Giovanna d’Arco de Teresa Berganza, la voz más rossiniana de todos los tiempos!

No soy crítico, tan solo me considero una amante del bel canto, por lo que, en una revista tan prestigiosa como esta, no me atrevo a exponer mi opinión sobre tal o cual ópera de Rossini, pero sí quiero recordar y hablar de las voces hispanas que han triunfado en Pesaro y de cuyos éxitos he sido testigo, para quienes el Rossini Festival ha sido el trampolín para alcanzar la fama internacional.

De esta larga lista, ocupa el primer lugar y lugar de honor el peruano Juan Diego Flórez. Lo conocí hace 20 años; era un jovencísimo tenor del que los entendidos hablaban maravillas. A Pesaro llegó en 1996 para sustituir en Matilde di Shabran a Bruce Ford. Nadie imaginaba que esa noche íbamos a asistir al nacimiento de una estrella. Mi colega de la agencia EFE en Roma, Victoria Pallant, le había hecho para diarios peruanos alguna entrevista y me habló de él como el Pavarotti peruano. La noche de su inesperado debut, en la cena de gala que siguió a la premier, cené en la mesa del tenor con su madre y Victoria; la madre de Juan Diego no escondía la emoción por el triunfo arrollador de su hijo; nos habló de los primeros años de carrera y de su pasión por la música; de los sacrificios hasta llegar a Milán y de la ilusión que tenia de que un día le aplaudieran en el Festival de Pesaro…

Aquel sueño había llegado ¡Juan Diego Flórez ha quedado vinculado con el Rossini Festival hasta el punto que Pesaro le ha conferido la ciudadanía honoraria y en esta ciudad reside y aquí ha nacido su hija! Rossini y Flórez forman el más perfecto binomio que se pueda imaginar.

Este verano, en el vigésimo aniversario de su entrada apoteósica en el Rossini Festival, Flórez ha vuelto a triunfar en La donna del lago (ver las críticas en el número 900 de octubre). Su voz bellísima, su talento teatral innato, una apabullante perfección técnica, hizo vibrar al público; se habían agotado las entradas nada más anunciarse el cartel y eran muchas las personas dispuestas a pagar cuatro veces su precio con tal de conseguirlas.

La donna del lago ha confirmado a Flórez como el más grande tenor rossiniano del mundo, pero también, en un pequeño papel (Albina), ha ratificado el éxito de una joven soprano española, que en España es un valor en alza. Se llama Ruth Iniesta y posee una voz limpia, clara y una fuerte vis teatral. Escuchándola pensaba que era una lástima que su paso por el Festival fuera tan “de puntillas”, algo que debió pensar también el maestro Alberto Zedda, director de la Academia Rossiniana, porque al día siguiente la llamó para que cantara en el concierto homenaje a Juan Diego Floréz. Estaba tomando café con Ruth Iniesta y la violonchelista María López Berlanga, en el Piazzale Lazzarini, cuando la llamó Zedda. No se necesita mucha imaginación para adivinar la alegría mezclada con un cierto estupor que se dibujó en el rostro de Ruth. Estoy convencida que la cantante aragonesa seguirá vinculada al Festival de Pesaro.

En la tradicional ópera bufa Il viaggio a Reims, con escena de Luis Sagi y el joven Gabriel Bebeselea a la batuta, también encandiló la valenciana Marina Monzó interpretando a la divertida, encantadora y frívola condesa de Folleville. Alumna de Isabel Rey, fue seleccionada para la Academia Rossiniana, una esplendida cantera de voces que son mucho más que simples promesas. La joven Marina también participaría en el concierto homenaje a Flórez, todo un honor para nuestras cantantes. Sagi, una vez más, hizo de esta divertida travesía una auténtica obra maestra que, además, da siempre la sorpresa del descubrimiento de nuevas figuras de la lírica... Basta recordar a David Alegret, por ejemplo. Y hablando de voces masculinas, cómo olvidar al barítono argentino Juan Francisco Gatell… o al gran barítono uruguayo-español Erwin Schrott. Es difícil nombrarlos a todos, no querría olvidarme de nadie y de antemano pido disculpas si a algunos, antes de la era tecnológica, dejo en el tintero, pero no puedo por menos de sacar del baúl de los recuerdos a Marifé Nogales, Leonor Bonilla, María Bayo, Silvia Tro Santafé, que de Pesaro saltó al otro lado del océano y ha conquistado a la crítica americana. También a la grandísima Montserrat Caballé y Mary Angeles Peters, Lola Casariego, Manuel Beltrán Gil o Juan Luque, que debutaron en Pesaro en la década de los noventa.

Después del cambio de milenio pudimos deleitarnos con el buen hacer de David Menéndez, José Manuel Zapata, Cristina Faus, María Jose Moreno, Sandra Ferró, Sara Blanch, Isabel Rodríguez García, Rubén Pérez Rodríguez, Carmen Buendía, Mariola Cantarero o Yolanda Auyanet, así como Celso Albelo, que hoy por hoy es uno de nuestros jóvenes tenores más internacionales, e incluso al fabuloso barítono menorquín Simón Orfila.

Sin olvidar la voz plena y versátil de la soprano Carmen Romeu, que desde su debut en 2011 (también en Il viaggio), se hizo habitual en las temporadas del Festival hasta 2014. Preguntada Carmen por su experiencia en el ROF, no hace más que destacar la labor del maestro Zedda con los jóvenes pues, dice, “nos enseña a comprender el lenguaje de Rossini de un modo totalmente expresivo y te ofrece todas las herramientas para poder interpretarlo y disfrutar de ello”.

Aunque quería recordar a las voces hispanas que han participado en el Rossini Opera Festival, no puedo dejar de reseñar la importante representación española en un podio desde el que, batuta en mano, han marcado los designios musicales  maestros como Jesús López Cobos, Víctor Pablo Pérez, José Miguel Pérez Sierra o José Ramón Encinar.

Esperamos seguir aplaudiendo y descubriendo talentos hispanos en un Festival que, desde sus comienzos, ha ido como en un crescendo rossiniano imparable de fama, prestigio, nivel… Un Festival que en Pesaro, la pequeña ciudad de la región de Las Marcas, mantiene viva la memoria de su ilustro conciudadano. Mantiene vivo al genial y grande Gioacchino Rossini.

http://www.rossinioperafestival.it/

Foto: Juan Diego Flórez en La donna del Lago.
Acred: Studio Amati Bacciardi 

Por:  Paloma Gómez Borrero

Teatro Real

Teatro Real

Publicado: Octubre 2016
200 años

En un plazo de tres años, el Teatro Real desarrolla las actividades para celebrar los doscientos años de su inauguración y los veinte de su reapertura en 1997. Para comenzar, creo oportuno matizar algunos puntos sobre los 200 años del coliseo madrileño. Si no estoy mal informado, el actual teatro se levantó en el lugar que ocupaba el Teatro de los Caños del Peral, que fue demolido en 1817. Según parece, la primera piedra del nuevo edificio la colocó en 1818 Fernando VII, monarca funesto, además de zote, al que la música importaba un bledo. Las obras comenzaron en serio en 1830 y se dilataron hasta 1850, año en que se inauguró. Posteriormente hubo que cerrarlo en 1925 por su estado ruinoso. En 1966 se volvió a inaugurar, pero como sala de conciertos, y se volvió a cerrar en 1988 para reinaugurarlo como teatro de ópera en 1997. En mi humilde opinión, los 200 años del teatro se cumplirán en 2050. Pero cualquier pretexto es bueno para celebrar cosas.

Como se quiere dar un especial realce al acontecimiento, la dirección del Teatro ha querido presentar sus proyectos para los próximos tres años. En este periodo escuchamos y escucharemos, cronológicamente hablando por su fecha de composición, Giasone de Francesco Cavalli (1649), la Rodelinda de Haendel (1726), Catone in Utica de Leonardo Vinci (1728). Todas ellas novedades en la casa. De Mozart Lucio Silla, novedad también, La clemenza di Tito y La flauta mágica; de Bellini, Norma (por primera vez representada) e I Puritani. De Donizetti, Lucia di Lammermoor y La Favorita; de Wagner, La prohibición der amar, que fue estreno absoluto en el coliseo, El Holandés y Parsifal; de Gounod, Fausto; de Verdi, Aida y Otello, con el que se ha inaugurado la presente temporada y del que doy buena cuenta en mi crítica en este número.

No podía faltar Carmen, de Bizet. Puccini estará presente con La Bohème, Madama Butterfly y Turandot. Y a partir de aquí todo han sido y son novedades: El Gallo de Oro de Rimsky-Korsakov, la exquisita Jeanne d’Arc au bûcher de Honegger, El emperador de la Atlántida de Ullmann, Street Scene de Kurt Weill, El Gato con Botas de Montsalvatge y una de las joyas de la programación, Billy Budd, de Britten, compositor del que también escucharemos otra obra que, en mi opinión, no alcanza el nivel de la anterior: Gloriana. También el inmenso Moses und Aron de Schoenberg, uno de los hitos de la pasada temporada. El estreno para mí más importante de todos es Die Soldaten, de Zimmermann, para el que a la orquesta del teatro se unirá la OCNE. Y además Bomarzo, de Ginastera (Arnoldo Liberman ya nos habló el mes pasado en su tribuna, ampliando sobre Mujica Láinez este mes), Yerma de Heitor Villa-Lobos, la escandalosa Powder her face de Thomas Adès, Dead man Walking de Jake Heggie, El caballero de la Triste figura de Tomás Marco, Wilde de Héctor Parra, Le malentendu de Fabian Panisello, Only the sound Remains de Kaija Saariaho, La ciudad de las mentiras de Elena Mendoza, Picasso de Juan José Colomer y El Abrecartas de Luis de Pablo.

Directores musicales

Ivor Bolton, director titular del teatro, es el encargado de dirigir Rodelinda, Lucio Silla, La flauta mágica, La prohibición de amar, El gallo de oro, Billy Budd, Gloriana y Only the sound Remains. Pablo Heras-Casado, primer director invitado, tendrá que vencer el reto de estrenar Die Soldaten y tomar las riendas del Holandés wagneriano y la Butterfly de Puccini. El pimpante y extraordinario nuevo director de la OCNE, David Afkham, conducirá el Bomarzo de Ginastera.

Repiten dirigiendo la escena Claus Guth con Rodelinda y Lucio Silla, la Fura dels Baus con el Holandés, Faust y Jeanne d’Arc au bûcher. Espero que Calixto Bieito  utilice toda su artillería para Die Soldaten

Cantantes

En la importantísima sección de cantantes visitan el Real en cuatro ocasiones Gregory Kunde para Norma, Otello, Aida y Turandot; Javier Camarena en tres, para Puritani, Lucia y La Favorita, además Bejun Mehta, Maria Agresta o Angela Meade, que espero respondan a las expectativas creadas sobre sus interpretaciones de Norma. También Diana Damrau, Celso Albelo, Ludovic Tesier, Olga Peretiaytko, Ismael Jordi, Ilderbrando D’Arcangelo, Violeta Urmana, Francesco Meli, la inmensa Ninna Stemme para Turandot con Maria Agresta como Liu. Anna Caterina Antonacci encarnará a Elisabeth I en Gloriana, y Joyce DiDonato será la protagonista de Dead man Walking. La fabulosa Stoyanova viene para un papel demasiado pequeño para ella, la Desdemona de Otello. El reparto de Faust es de fábula, nada más y nada menos que Damrau, Beczala, Ismael Jordi e Ildar Abdrazakov.

Lástima que no hayan tenido cabida obras nunca representadas en Madrid tan importantes como Guillermo Tell de Rossini y Los Troyanos de Berlioz. Triste también la ausencia creaciones de Dvorák, de Mussorgky, como Jovanchina, por ejemplo, de Borodin, de Tchaikovsky y, sobre todo, de uno de los grandes: Richard Strauss.

Hubiese sido apetecible, aunque debe ser casi imposible contratarlos, traernos a algún director de la talla de un Thielemann, un Petrenko, un Nelsons, un Salonen o un Dudamel. Y se nota la ausencia de Netrebko, Harteros, Garanca, Gheorghiu, pero estas cantantes deben estar contratadas hasta el año 2030. Aunque Kaufmann sí estará, ofreciendo un concierto, así como Elsner, Bartoli, Flórez, Palmer, Damrau o DiDonato, que compaginarán sus actuaciones operísticas con recitales y conciertos.

Cierto es que no se puede tener todo, pero está siendo interesante lo que vamos a tener y hemos tenido en el transcurso que llevamos de las celebraciones del Bicentenario.

http://www.teatro-real.com/es

Foto: El estreno de Bomarzo de Ginastera, según la novela de Mujica Láinez, tiene a Nicole Beller Carbone en el papel de Julia Farnese.
A: © Diana Sansano

 

Por: Francisco Villalba

Ciclo internacional de órgano de Torreciudad

Ciclo internacional de órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2016
Triple dúo español y solista de excepción

La presencia de instrumentos melódicos junto al órgano vuelve a ser una característica de la XXII edición del Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad, que se celebró el pasado mes de agosto. El instrumento que más destacó por su singularidad fue el “txistu”.

Como se ha comprobado, resultó un acierto apostar en su día por la fórmula “órgano más instrumento solista”, pues se trata de una combinación muy atractiva para el gran público, que aumenta de año en año.

Momentos destacados

Garikoitz Mendizabal y Ana Belén García inauguraron el Ciclo. Destacar el estreno absoluto de “Díptico” de Naji Hakim.

El gran órgano Blancafort  brilló el viernes 12 de agosto gracias a la maestría del organista italiano Paolo Oreni.

La apuesta por los jóvenes valores llegó el día 19 con el dúo compuesto por David Palanca (clave) y Aarón Ribas (órgano).

La clausura corrió a cargo de Aniol Botines y Maite Aranzabal, que ofrecieron un programa ecléctico.

www.torreciudad.org

Foto: Vista general de la sala bajo el órgano
Crédito: J.A. Arregui

Raquel del Val

Raquel del Val

Publicado: Octubre 2016
La música y su verdad

Ligada al piano desde los 6 años y concertista desde los 11, actualmente en plena madurez, es una de las pianistas de más éxito del panorama actual, presente en las programaciones de festivales y grandes auditorios, con una extensa biografía viajera que incluso le ha llevado a ser uno de los pocos españoles que ha impartido una masterclass en la Manhattan School of Music de Nueva York.

Precoz en lo académico, ya que obtiene el título de Profesor de Piano de Grado Medio a los 13 años de edad, y a los 14 es becada por la Doral Chennings School de Nueva York, precocidad que le hace no conformarse con pertenecer a un solo gremio, por lo que además de poseer las titulaciones superiores en Piano y Música de Cámara, también es licenciada en Derecho.

Amante de la música de verdad, de la autenticidad del directo, de la interpretación frente a la mera ejecución, huye de las etiquetas de todo tipo que a veces empañan el mundo de la música clásica. Alterna continuamente los conciertos como solista con orquesta con los recitales de piano solo y cámara; es una pianista completa que no se siente adscrita a ningún estilo en particular, si bien en los últimos años ha centrado buena parte de su trabajo en la recuperación del patrimonio musical de estilo español (no sólo de autores españoles), desde el siglo XVII hasta nuestros días.

Considera curioso ver como últimamente se dan por descubiertas y se califican de inéditas un buen número de obras y autores, que si bien no son muy conocidas, siempre estuvieron ahí, esperando que se sacaran del olvido; composiciones de un tremendo valor artístico y de gran dificultad técnica para el piano. En este campo ella ha sido pionera desde hace tiempo compartiendo su intensa labor de investigación musicológica junto a José Antonio Morcillo, músico y copista sinfónico.

Defiende que la música contemporánea no es sólo aquella clasificada como atonal o de vanguardia, ya que en el panorama actual muchos compositores componen en otros estilos, como el caso del compositor afincado en Washington Marcos Galvany, autor de la ópera Oh my son, quien está terminando para Raquel del Val su Concierto de piano y orquesta en estilo romántico.

Además del estreno europeo del Réquiem Trío de Salvador Brotons y del estreno absoluto del Concierto Heliconio para piano y orquesta de López Blanco, capítulo aparte está la relación de amistad y profesional con Federico Moreno-Torroba Larregla, culminada con proyectos en común, composiciones dedicadas a Raquel del Val y una compleja investigación para estrenar y reestrenar obras de la familia Larregla y Moreno-Torroba, convirtiéndose en la única pianista que recupera y estrena obras de tres generaciones de una importante saga de compositores: Federico Moreno-Torroba Larregla, su padre, Federico Moreno-Torroba Ballesteros y su abuelo, Joaquín Larregla.

En breve comenzará una pequeña gira con el Concierto Emperador de Beethoven con la Orquesta Filarmónica de Requena bajo la batuta de Francisco Melero, y posteriormente con la nueva Orquesta Filarmónica de Alicante, además de varios recitales de piano solo previstos para 2017 en varios auditorios. Además es una de las artistas españolas invitadas para ofrecer un recital en Londres dentro de la programación de “Música Ibérica” por intérpretes internacionales, después de recibir la estupenda crítica de Ray Picot de su CD Paisajes de España. También está inmersa en la preparación de la grabación de su nuevo CD que va a distribuir un conocido sello internacional.

http://www.raqueldelval.com/

Foto:  Raquel del Val que ha impartido masterclass en la Manhattan School of Music de Nueva York. 

Por: Lucas Quirós

Multisell2016, presentación de la editorial

Multisell2016, presentación de la editorial

Publicado: Octubre 2016
Nuevo libro sobre Antonio Stradivari


Quienes somos

Multisell2016, S.L., es una pequeña editorial de reciente creación, conocedora del mundo de la música, cuyo objetivo es el de “recuperar” algunos de los títulos más interesantes de  toda una época de la bibliografía musical europea, que permanecían ocultas para el gran público al no haberse traducido nunca al castellano. Obras representativas que nos relatan cómo vivían importantes personajes de la Historia de la Música, siempre desde una perspectiva personal muy próxima al protagonista, narradas a veces por ellos mismos (Autobiografías), o por personas cercanas a su entorno (Biografías).

Contenido de la Propuesta

Nuestro particular Proyecto consiste en la edición especial de una “Biblioteca Musical”, aprovechando el evento de la Capitalidad Cultural Donostia-San Sebastián 2016. Trata-mos de reeditar una serie de libros emblemá-ticos, “pequeñas joyas del mundo de la músi-ca”, la mayor parte de ellos antiguos (entre 80 y 180 años) y que nunca han sido traducidos al castellano.

Contienen acontecimientos y vivencias suce-didas durante los siglos XVIII, XIX y XX a los más importantes (y no tan importantes): compositores, cantantes, luthiers, violinistas, empresarios, libretistas, castrati, intermedia-rios, etc., relacionados con el mundo de la Ópera y de la Música en general de la época.

Nuestro Compromiso

La colección de libros la hemos llamado “Biblioteca Musical da se”. El término italiano “da sé”, que expresa el concepto “por sí mismo” o “para sí mismo”, es el matiz personal que queremos se contenga en la mayoría de las obras que presentaremos. Cada persona con su diferente sensibilidad podrá “introducirse” y/o “acercarse” en mayor o menor manera, a la vida de cada artista, estando presente y conociendo sus sentimientos, dada la cercanía con que están relatados los hechos, en sus más importantes acontecimientos (descubrimiento, estudios, sacrificios, debuts, matrimonio(s), éxitos, fracasos, anécdotas, etc., etc.). Todo desde un punto de vista personal (no académico) y del romántico estilo literario de la época. 

PrimerTítulo de la serie

Antonio Stradivari, Su Vida y Obra (1644 – 1737). Autores: W. Henry Hill, Arthur F. Hill y Alfred E. Hill.- 1909 – 382 Pags. 81 Ilustraciones; 300 notas a pie de pag. Características de la edición: lujo, tapa dura y estampado en oro. Precio: 50,00 €

Edición y traducción de la principal biografía del maestro constructor italiano más importante de violines, violas y violonchelos, en la que se trata con detalle aspectos de su construcción y cuestiones relacionadas con el sonido. Desde su diseño, materiales, maderas y barnices que empleaba, hasta sus etiquetas y número de instrumentos creados, su fama y legado.

Entre otros interesantes temas, el libro contiene información sobre:

  • El origen y composición de su familia, descendientes, viudedad, fallecimiento, etc.
  • Sus maestros (Gasparo da Salo, G. Paolo Maggini, Nicolo Amati, etc.), sus hijos y ayudantes (Francisco y Omobono) y sus discípulos (A. Guarnieri, G. Amati, G. B. Rogeri, Fco. Ruger y Carlo Bergonzi).
  • Ejemplares más famosos, (violines: ”Betts”, “Rode”, “Alard”, “Mesias”, “Viotti”, “Toscano”, etc.); (violonchelos: “Medici”, Aylesford”, “Cristiani”, “Servais”, Davidoff, etc.); análisis de sus características, historia de los mismos y de sus sucesivos propietarios, de sus restauraciones, etc.
  • Diferentes etapas en su evolución y sucesi-vos cambios en los modelos (normal y largo); procesos de corte de la madera, construcción y orientación de la veta (radial, tangencial, etc.); sistemas de diseño; herramientas y moldes empleados, partes del instrumento y tratamiento; tipos, composición y aplicación de sus barnices; diferentes tipos de etiquetas y contenido de las mismas; falsificaciones, etc., etc.
  • Ejemplares más famosos, (violines: “Betts”, “Rode”, “Alard”, “Mesias”, “Viotti”, “Tosca-no”, etc.); (violonchelos: “Medici”, Aylesford”, “Cristiani”, “Servais”, Davidoff, etc.); análisis de sus características, historia de los mismos y de sus sucesivos propietarios, de sus restau-raciones, etc.
  • Conversión de las pulgadas originales en centímetros/milímetros, según los casos.


Un libro en el que musicólogos, músicos, luthiers, profesores, profesionales, amantes de la música y aficionados en general, encontrarán aspectos muy interesantes e informati-vos, tratados de manera amena y profunda. Por primera vez en castellano. 210x140x30. Esta primera edición en castellano ha sido revisada a fondo, corregida y completada, incorporándole un Indice de Personajes y Entidades (645),  del que carecía.

Más información: www.bibliotecamusical.es 

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