Esquina superior izquierda Esquina superior derecha
Con nombre propio

Información disponible en la nueva WEB

www.ritmo.es

 

Un punto de encuentro con las actividades de
artistas y gestores musicales
Spirio, la última revolución del piano liderada por Steinway & Sons

Spirio, la última revolución del piano liderada por Steinway & Sons

Publicado: Abril 2018

Si hablamos de calidad, innovación y perfección del piano, solo podríamos referirnos a Steinway & Sons. Porque desde que la casa neoyorquina fundara en el siglo XIX la era del piano moderno, nada ha marcado de manera más relevante la historia de este instrumento.

Ahora Steinway lo ha vuelto a conseguir. La segunda de las revoluciones históricas del piano se llama “Spirio”, y hace posible que el instrumento toque solo. Es decir, la genialidad de este modelo de piano es ser el primer sistema de interpretación automática de alta resolución, que reproduce con absoluta precisión y fidelidad las distintas piezas de los mejores pianistas del mundo.

Las teclas fluyen solas con el mismo rigor con el que son acariciadas por Yuja Wang o el dúo Anderson & Roe. Y la experiencia musical se hace intensa y tan real, como si verdaderamente los pianistas estuvieran interpretando ante nosotros la pieza, con la misma fuerza y pasión que en un concierto en vivo.

Esta increíble experiencia cuenta con la ventaja de ser un sistema musical de uso sencillo. Porque “Spirio” hace posible su manejo mediante la conexión a un Ipad, que muestra la biblioteca musical única a través de una aplicación.

Sencilla e intuitiva app

Además, esta sencilla e intuitiva app, ofrece sin coste y de por vida, una gran variedad de composiciones, interpretadas por autores de todos los tiempos. Un recorrido por la historia de la música, que transporta al melómano desde las piezas más clásicas de Bach o Beethoven, hasta el blues nostálgico, de la mano de Billy Joel. Una colección que además está en continuo crecimiento, puesto que prácticamente a diario, los artistas Steinway graban nuevos temas para incorporar a la biblioteca de “Spirio”.

En España, este transgresor modelo de piano está disponible en exclusiva en la tienda Hinves Pianos, quienes además son distribuidores oficiales de Steinway & Sons.

Boston y Essex
El lujo accesible de tocar un Steinway

Tener un piano Steinway es el sueño de cualquier aficionado o profesional del piano. De hecho, la marca Steinway & Sons es una referencia del lujo, de sobra conocida por cualquier persona que forma parte del mundo del piano. Su excelencia y garantías han posibilitado que para cualquier pianista, poseer un Steinway sea el equivalente a la ilusión por tener un Rolls-Royce de cualquier aficionado del motor.

Sin embargo, no tantos conocen a los hermanos pequeños de la familia de pianos Steinway. Los pianos Boston y Essex, desarrollados por la casa neoyorquina, ofrecen una oportunidad a la inigualable experiencia de tocar un Steinway, convirtiendo este lujo en una posibilidad accesible.

Essex

Por un lado, tenemos los pianos Essex, orientados a principiantes y pianistas de estudios avanzados, que quieren disfrutar de una experiencia plena del mejor instrumento.

Boston

Pero también tenemos los pianos Boston, indicados para pianistas profesionales que necesitan de una sonoridad brillante y dulce, que envuelva al público.

Ambos instrumentos disponen de toda la belleza estética de su hermano mayor, el Steinway, y su mecánica está íntegramente fabricada con madera (nada de plásticos) para una repetición más rápida, mayor estabilidad y mejor control de la ejecución. 

Desde el gran lujo de “Spirio” (la última de las innovaciones de Steinway), hasta el lujo accesible de la gama Boston y Essex, la firma ofrece una gran familia de pianos irrepetibles, que se adaptan a cada pianista y ocasión.

Por Blanca Gallego

https://eu.steinway.com/es/

Michael Fabiano

Michael Fabiano

Publicado: Marzo 2018
El tenor que vuela alto

Michael Fabiano vuela alto, no solo por su afición a volar y a los aviones, “es mi gran pasión”, afirma, sino por su momento artístico, requerido por los teatros más importantes del mundo (acaba de “llorar” la muerte de Mimì como Rodolfo en La Bohème en el Metropolitan de Nueva York). Este mes de marzo recala en el Palau de les Arts de Valencia para interpretar en escena a Corrado, de Il Corsaro de Verdi, ópera poco programada y que será una excelente oportunidad para comprobar la afinidad de Fabiano con el compositor italiano. Asiduo y enamorado de España, cantó recientemente en Bilbao a Des Griex de Manon y algunos lo recuerdan por aquel joven tenor que compartió escenario con Plácido Domingo en I Due Foscari de Verdi en el Teatro Real, después de haber actuado en Cyrano de Bergerac en la temporada 2011-12 del coliseo madrileño.

¿Qué opinión le merece estilísticamente Il Corsaro, tratándose de una obra bisagra entre el Verdi más romántico y el Verdi más maduro de la etapa posterior?

Primero, en mi opinión, en lugar de dos, Verdi tiene tres periodos de composición. Il Corsaro surge al final del primer periodo. Estrenada en 1848, no es una fecha temprana pero tampoco tardía en la producción del compositor. En esta ópera comienza a explorar al ser humano, del mismo modo que lo hace en La Traviata, Luisa Miller y posteriormente en Un ballo in maschera. En “Eccomi prigioniero!”, como usted sabe un aria de Il Corsaro, hay cambios tonales y armónicos muy avanzados, no sigue la estructura de las primeras óperas con la tradicional forma de “aria-duetto” y finales, dando mayor importancia, en cambio, a la melodía. ¡Realmente adoro esta música! Las dos arias de Corrado son muy agradecidas para el tenor.

¿Cómo ve el personaje de Corrado en Il Corsaro? ¿Qué características tiene tanto desde el punto de vista vocal como dramáticas?

Es un papel muy lírico y, desde el punto de vista argumental, es muy creíble. La primera aria es importante, más bien grande, quiero decir, con su cabaletta, que le imprime velocidad y “agresividad”. Son arias para un tenor “líder”, en las que el ímpetu escrito, como ocurre en I Lombardi, es muy avasallador.

¿Desde que lo debutó en Washington hace unas temporadas, cómo ha evolucionado su visión del personaje al interpretar otros roles verdianos?

Verdi es el compositor más natural para mi voz, para mí. Evoluciona del mismo modo como lo hacen otros papeles que he hecho en escena, como Luisa Miller (Rodolfo) o Don Carlo. De hecho, este Corrado supone mi noveno Verdi en escena.

¿Es Corrado su favorito de los personajes verdianos?

No sabría decirle… Cada personaje de cada ópera tiene sus propias y maravillosas cualidades. En esta ópera encontramos momentos mágicos, como cuando Corrado se encuentra con Gulnara, la esclava; en este momento de canto juntos se siente el éxtasis. Como en mi querida primera cabaletta; en realidad no podría escoger un único rol verdiano favorito, pero al estar inmerso ahora en Corrado me siento muy cercano a él.

Últimamente se ha prodigado por España; ha cantado Des Grieux en Bilbao y debutará en marzo en Les Arts de Valencia con Il Corsaro. ¿Cómo se siente en nuestro país? ¿Le gusta?

Habría que estar loco para que a uno no le guste España… El público es muy apasionado y sabe de repertorio. Es uno de los países en los que me siento más a gusto en un escenario y donde más me gusta cantar.

Además de Verdi y Puccini, cuyas óperas usted canta a menudo y parecen escritas para su voz, ¿qué otros repertorios le interesan? ¿Hacia dónde cree que podrá evolucionar?

Tengo también mucha inclinación por el repertorio ruso, por ejemplo con Eugene Onegin, del que ya he cantado el personaje de Lensky. También adoro Massenet, especialmente su ópera Manon. Y claro, el personaje de Hoffmann es uno de los pilares de la ópera francesa, que también incluyo, por supuesto. Es decir, además de mis papeles italianos, en mi repertorio están los que comprenden la opera rusa y francesa.

Usted canta mucho en Estados Unidos pero también en Europa. ¿Qué diferencias, ventajas o inconvenientes encuentra entre el mercado operístico norteamericano y el europeo?

La gran diferencia entre ambas es el sistema de gestión. En Estados Unidos son las fundaciones privadas las que gestionan los espectáculos operísticos, mientras que en Europa son los gobiernos y algunas instituciones aisladas las que los gestionan. En Estados Unidos el consejo asesor lógicamente interviene en la programación, pero al final, en definitiva, para mí no hay grandes diferencias.

¿Algún cantante del pasado o del presente?

Me gustan muchos cantantes de otras épocas, especialmente de los años treinta y cuarenta del siglo pasado. Pero mi referencia es Neil Shicoff, que es mi maestro. Franco Corelli ha sido, para mí, uno de los grandes, del mismo modo que José Carreras y Plácido Domingo son nombres incuestionables en mi “lista”. También tengo en estima y aprendo de cantantes de otras cuerdas, como sopranos o barítonos. Si le soy sincero, no quiero destacar a uno solo.

Soy seguidor suyo en sus redes sociales, en las que se muestra muy activo. ¿Qué opina de las redes? ¿En qué medida influyen en su día a día? ¿Son importantes para un cantante?

Es esencial. Porque es el sistema para que uno, dos o tres millones de aficionados y seguidores sepan lo que estás haciendo en ese momento, dónde estás cantando y en qué teatro estás actuando. Es una manera relativamente sencilla de mostrar lo mejor de tu carrera a tus seguidores. Y la información que se dirige está, en mi caso, avalada, porque yo mismo estoy detrás de ella.

“Aspetti, signorina, le dirò con due parole, chi son, che faccio e come vivo…” Estas palabras las tiene muy frescas ya que acaba de cantar el Rodolfo de La Bohème en el Met de Nueva York, podría “Rodolfo Fabiano” decirnos “con due parole” quién es?

(Risas). “Non sono un poeta…”, no son dos palabras suficientes para expresarme… Yo soy el capitán, soy un comandante. Soy el capitán de mi vida y de mi destino; soy el capitán de mi barco y de mi avión, que como sabe es mi gran pasión, volar, volar alto… Soy el capitán de mi carrera.

Il capitano del canto, gracias por su tiempo.

http://michaelfabianotenor.com/

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Michael Fabiano
Crédito: Jiyang Chen


Centro Superior de Música Loreto - FESD

Centro Superior de Música Loreto - FESD

Publicado: Marzo 2018

Nos encontramos en las instalaciones del Centro Superior de Música Loreto - FESD, para conocer más en profundidad de la mano de su actual director, Jorge Sancho, una institución educativa que en 2016 irrumpió en el panorama madrileño de las Enseñanzas Artísticas Superiores en la disciplina de Música.

El Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto - FESD (CSM Loreto - FESD) tiene su sede en el centro de Madrid, en un espacio fácilmente accesible y bien comunicado; en el mismo edificio en el que se encuentra el Colegio del mismo nombre, que cuenta ya con una gran trayectoria y una enorme tradición en la ciudad de Madrid.

Háganos una breve semblanza del centro…

El Centro Superior de Música Loreto - FESD supone la culminación de un proyecto docente de amplia trayectoria, impulsado desde su inicio por Inmaculada Fernández Paniagua, que fue acogido en su día bajo la titularidad de la Congregación de la Sagrada Familia de Burdeos y hoy, de la Fundación Educativa Santo Domingo - FESD. La autorización para impartir las Enseñanzas Elementales y Profesionales de Música en 2013 supuso un primer reconocimiento al trabajo desarrollado con anterioridad, mientras que la concesión del título Superior en 2016, la consecución de un gran logro así como el inicio de un apasionante desafío. En lo académico, el Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto ofrece, actualmente, dentro de las enseñanzas correspondientes al Titulo Superior de Música, las especialidades de Composición, Pedagogía y los itinerarios instrumentales A y B de Interpretación. Recogiendo, no obstante, las palabras del Consejero de Educación de la Comunidad de Madrid en el acto de inauguración de este curso académico de las Enseñanzas Artísticas Superiores, estamos tratando de establecer colaboraciones estratégicas con algunas universidades madrileñas para crear programas comunes, intercambios, etc., que interconecten (hasta que sea una realidad la plena integración) el espacio de Enseñanzas Superiores. Finalmente, nuestro compromiso con la difusión, la creación, la enseñanza y la excelencia musicales convierte al Centro Superior de Música Loreto - FESD en una alternativa del máximo nivel en el ámbito de las Enseñanzas Artísticas Superiores.

¿Qué institución da soporte al Centro?

La titularidad del centro pertenece hoy a la Fundación Educativa Santo Domingo (FESD), que, a través de sus diferentes estamentos (Patronato y Equipo de Gestión de la Fundación, Equipo Directivo del Centro y profesores), lo acoge con enorme ilusión, haciendo todos los esfuerzos posibles y necesarios, para liderar y dirigir este proyecto, queriendo convertirlo en un proyecto de éxito que consolide los logros alcanzados y haga crecer al Centro paulatinamente.

¿Quién puede estudiar en su Centro?

El CSM Loreto - FESD está abierto a todo aquel alumno que haya terminado el grado profesional y quiera continuar con su formación oficial o cualquiera que, por circunstancias diversas, no haya podido cursar estudios oficiales de música pero que demuestre tener el nivel musical suficiente como para poder acceder a las enseñanzas superiores. Es más, como ya sabrá, actualmente ni siquiera es necesario estar en posesión del título de bachillerato para acceder a las Enseñanzas Artísticas Superiores, siempre que se supere la denominada “Prueba de madurez”.

¿Qué actividades llevan a cabo?

La actividad del CSM Loreto - FESD no se ciñe sólo al ámbito docente o al horario lectivo. En este primer año ya organizamos el pasado mes de noviembre, con motivo del Día de Santa Cecilia, un concierto a cargo de nuestra profesora Nina Kereselidze y acabamos de participar en la última edición de AULA, el salón internacional del estudiante y de la oferta educativa, en Madrid, en el que nos hemos presentado en público una vez más. Por otro lado, en este mes de marzo participaremos en un concierto del ciclo “Música y Mística”, en Madrid y próximamente comenzará nuestro programa “Conversaciones”, unos encuentros amenos y divulgativos en donde profesores y personalidades invitadas abordarán la situación y las perspectivas de las Enseñanzas Artísticas Superiores desde diversos enfoques. Asimismo estamos trabajando en la preparación del programa de “Master Classes C.S.M. Loreto FESD” que ofertaremos a partir del curso 2018-2019.

¿Qué puede contarnos del profesorado?

En primer lugar, nos gustaría señalar que el mayor patrimonio del CSM Loreto - FESD es el equipo que lo forma: el alumnado y los profesores. Un grupo de personas con ilusión firme y confianza en un proyecto que, no exento lógicamente de dificultades, aspira a consolidarse poco a poco en la oferta educativa de la Comunidad de Madrid e ir ampliando paulatinamente su radio de influencia y acción. Centrándonos específicamente en el profesorado, donde contamos con un Premio “Tchaikovsky”, cabría destacar que conjuga una sólida trayectoria artística en las más representativas orquestas o agrupaciones nacionales y una dilatada y reconocida labor docente, lo que redunda tanto en el desarrollo del talento y las habilidades del alumnado como en una mejor orientación y proyección profesionales de éste tras los estudios. A este respecto, me gustaría señalar que en el curso 2018-19 se incorporarán a nuestro centro, como docentes, colaboradores o asesores, grandes nombres como los de Jesús Rueda, Carles Trepat, Eduardo Baranzano o Ángela Morales.

¿Cuál es el enfoque pedagógico general?

En el CSM Loreto - FESD tenemos claro que el centro de todas nuestras acciones ha de ser el alumno; su progreso como músico y como persona. El propio Plan de Estudios que regula estas enseñanzas recoge esa intención de formación completa pero, dentro de las posibilidades que nos permitan el número de créditos consignados a las asignaturas optativas y a las prácticas, trataremos de reforzar aquellos aspectos que consideremos más relevantes. El claustro de profesores está altamente comprometido con esta visión porque entiende que cuanta mayor preparación para el ámbito profesional (como intérpretes, creadores, docentes, etc.) seamos capaces de inculcar a nuestro alumnado, más recursos tendrán para desenvolverse una vez terminen sus estudios. Por esta razón se anima al alumnado a crear grupos instrumentales actuales, a que acudan a cursos y seminarios y a que empiecen a relacionarse de manera directa con el mundo profesional de la música.  Por otra parte, siendo sensibles a la época actual, sabemos que los medios tecnológicos no son sólo herramientas complementarias para la educación, sino que, cada vez más, son el vehículo necesario de ésta. En consecuencia, el CSM Loreto - FESD las integra en su metodología para ofrecer una formación musical acorde al siglo XXI.

¿Se van a promover ayudas económicas para facilitar el acceso de los futuros alumnos?

En efecto, una novedad que se implantará el curso próximo es el “Programa de Becas y Ayudas”, que todavía hará más atractiva nuestra propuesta docente, puesto que su fin es promover y favorecer el acceso y la permanencia en los estudios superiores de música a todos aquellos alumnos de talento y aptitudes musicales demostradas, cuya situación económica o social impida asumir el coste total de una formación musical privada. Al hilo de esto último, nos gustaría señalar que hemos creado la figura del “Amigo del Centro de Música Loreto - FESD”. Creemos que puede ser un acicate atractivo, ya que, mediante una aportación anual, permitirá a cualquier persona beneficiarse de un programa de actividades específicas a partir del próximo curso.

¿Qué le diría a un posible alumno interesado en estudiar en su centro?

Al futuro alumno le pediríamos, sobre todo, que viniera con la mayor ilusión posible por aprender. Querríamos que se sintiese partícipe y protagonista de una experiencia formativa y vital que ha de servirle para comenzar a desplegar todo su potencial musical. Todo nuestro empeño irá enfocado a facilitarle ese camino propiciando que pueda desarrollar en las mejores condiciones su personalidad artística.

“He tenido la gran suerte de estudiar en los mejores conservatorios con grandes maestros que han compartido sus experiencias de música, de arte y de vida. Siento como una obligación transmitir. Es como una antorcha que pasa a la siguiente generación”

Nina Kereselidze (Profesora del CSM Loreto - FESD)

www.csmloreto.fesd.es

por Lucas Quirós

Foto: Auditorio del Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto - FESD.

XIV Concurso Internacional de Canto Luis Mariano

XIV Concurso Internacional de Canto Luis Mariano

Publicado: Marzo 2018

El Concurso Internacional de Canto Luis Mariano se celebrará del 11 al 14 de julio

El concurso está destinado a promocionar jóvenes cantantes con condiciones y valores artísticos para su lanzamiento en el mundo lírico

El plazo de inscripciones está abierto hasta el 3 de junio

El Área de Cultura del Ayuntamiento de Irún anuncia la nueva convocatoria del Concurso Internacional de Canto Luis Mariano, una iniciativa bienal destinada a promocionar jóvenes cantantes con condiciones y valores artísticos para su lanzamiento en el mundo lírico. La cita tendrá lugar del 11 al 14 de julio y podrán participar en este concurso cantantes de entre 20 y 35 años, para los hombres, y 18 y 32 años para las mujeres.

“Se cumplen catorce ediciones de un certamen internacional que trabaja por la promoción de jóvenes valores en la interpretación de la música lírica, un arte que sabemos es muy exigente y en el que cuesta abrirse camino. Irún es una ciudad con tradición lírica y bajo el nombre de nuestro artista más universal queremos contribuir a la proyección de las carreras de estos artistas, al mismo tiempo que recordamos y homenajeamos a Luis Mariano en torno a ese 14 de julio, día en el que se cumple el aniversario de su fallecimiento”, destacó la delegada de Cultura, Juncal Eizaguirre.

Plazo abierto

La XIV edición del Concurso Internacional de Canto Luis Mariano se abre oficialmente con el lanzamiento de la convocatoria, de la que se pueden conocer todos los detalles, incluidos las bases del certamen, en la web municipal:

www.irun.org/luismariano

El plazo para apuntarse permanecerá abierto hasta el 3 de junio. Sobre el formato del concurso, cada concursante deberá presentar un programa de 10 obras agrupadas de la siguiente forma:

GRUPO A: cuatro composiciones pertenecientes al género oratorio-cantata o al género Lied, canción de concierto. Puede mezclarse obras de distintos géneros.

GRUPO B: seis arias de ópera, opereta o zarzuela (puede mezclarse obras de los tres géneros, si bien las de zarzuela como máximo serán dos arias y las de ópera dos como mínimo).

El concurso se desarrollará en tres fases, como es habitual. En primer lugar, los días 11 y 12 de julio se celebrarán las fases eliminatorias; el día 13 será el turno de las semifinales y el 14 de julio la gran final.

El jurado del concurso estará formado por personas muy relacionadas con el mundo del canto lírico, como el Director Artístico del Teatro de San Carlo en Nápoles, Vicenzo de Vivo, que ejercerá como presidente; la mezzosoprano y profesora Carmen Arbizu; el director de orquesta Aldo Salvagno; el presidente ejecutivo de la Agencia Musical Iberkonzert, Juan Carlos Sancho; y la cantante y profesora Ana María Sánchez.

Este concurso surgió en 1995, al cumplirse el 25 aniversario de la muerte del artista irunés. Entre los objetivos que persigue este certamen internacional se encuentra el ayudar a los jóvenes valores en el arte de la interpretación lírica y mantener vivo el recuerdo del irunés Luis Mariano. Las primeras convocatorias fueron anuales pero, más tarde, el concurso pasó a tener el carácter bienal, que mantiene en la actualidad. Como resultado de haber ganado este concurso, muchos cantantes han conseguido contratos para ofrecer recitales y conciertos y para actuar en óperas y oratorios de diversos teatros y salas de Europa.

Fechas de inscripción: Hasta el 3 de junio de 2018

Cantantes femeninas: 18-32 años cumplidos en 2018

Cantantes masculinos: 20-35 años cumplidos en 2018

Premios

1º Premio 6.000 €

2º Premio 4.500 €

3º Premio 3.000 €

Premio Especial del Jurado a la Mejor Promesa 2.000 €

Premio del Público 2.000 €

Premio Luis Mariano
Concedido por la Asociación Lírica Luis Mariano. Consistirá en un contrato para interpretar un papel en una de las dos temporadas siguientes en alguna de las producciones operísticas de dicha asociación. 

+ Info
Concurso Internacional de Canto Luis Mariano
Plaza Urdanibia, s/n • 20302 Irún
Teléfono 00 34 943 505 407
cultura@irun.org 

por Blanca Gallego 

Francisco Montero

Francisco Montero

Publicado: Marzo 2018
Sueños pianísticos en Nueva York


Brahms, Scriabin y Liszt en su nuevo registro discográfico para KNS Classical, ¿por qué estos y no otros?

Con ellos me siento muy identificado. Cuando empezamos las conversaciones para realizar el disco, quería interpretar obras con las que he tenido una larga historia, a pesar de mi juventud. Las Variaciones sobre un tema de Schumann es una de mis preferidas. Una obra muy personal de Brahms dedicada a Clara Schumann, cuando su marido tuvo que ingresar en un sanatorio mental. Es especial desde muchos sentidos. Tenemos al Brahms más intimo, muy colorístico y a la vez se pueden ver ya trazos de lo que hará en sus últimos opus, como las Opp. 116 o 117. Recuerdo que la primera vez que escuché tuve dificultades para entender su esencia. Desgraciadamente, no hay tantas grabaciones del piano de Brahms, y algunas creo que no hacen justicia a su calibre artístico. Luego escuche la grabación de Julius Katchen, quien es probablemente uno de los mejores intérpretes de Brahms. Me ayudó a entender su esencia, un híbrido entre su propia música y la de Schumann. Trabajé esta música por primera vez con mi profesor Alexander Kandelaki, gran pedagogo y que ha ejercido una influencia muy importante en mi desarrollo artístico. Le tengo mucho cariño, también por ser la primera obra que trabajé con quien luego fue mi profesor en Juilliard, Julian Martin, y junto a la Fantasía de Scriabin, son dos obras con las que hice el acceso a dicha escuela, un paso muy importante para mi carrera.

Scriabin, otra debilidad suya…

Exacto, Scriabin es uno de mis favoritos. El uso del color, su conciencia mística sobre el arte y sus ideas filosóficas hacen de él un compositor único. La influencia de Chopin es muy evidente, especialmente los acompañamientos de la mano izquierda. Scriabin llega a aportar a la música rusa una especie de síntesis entre la música de Chopin y Debussy, en cuanto a sutil expresividad y color. La Fantasía Op. 28 es de su primera etapa, una etapa postromántica que todavía bebe mucho de Chopin, pero en el que en el clímax ya podemos ver sus intenciones: ese suicidio colectivo en las cordilleras del Himalaya para purificar a la humanidad. Era un compositor muy místico, que creía en la Teosofía. La Sonata n. 5 Op. 53 es, quizás, junto a la Misa Negra y su Sonata n. 4, sus obras más conocidas. Comienza con unos versos basados en el Poema del Éxtasis. Por tanto, conjuga esas ideas teosóficas y místicas presentes no solo en esta obra, pero también en su Poema del fuego o las últimas obras para piano, como Vers la flame.

Y Liszt completa el disco…

Es la última pieza, la Rapsodia española, obra que llevaba casi diez años queriendo interpretarla. Liszt capta la esencia de lo que la identidad y el folclore español supone. He podido trabajarla, como la Sonata n. 5, con mi profesor José Ramón Méndez en la Pennsylvania State University, cuyos consejos han sido muy valiosos. Liszt es capaz de sintetizar esta esencia sin renunciar a su estilo virtuosistico, y a la forma rapsódica de la misma. Solo esta pieza y la Rapsodia rumana son las excepciones al conjunto de casi 20 Rapsodias Húngaras que publicará a lo largo de su vida.

New York Dreams… ¿Podría explicarnos este título?

Cuando estábamos en la fase final de grabación, se quería poner un título que ayudara a promocionar mi marca como pianista y que me distinguiera de otros. Hubo varias ideas, pero el título New York Dreams sintetiza lo que hasta ahora ha sido mi carrera. Hace 5 años me mudé a Nueva York para estudiar en Juilliard, y desde entonces he actuado en salas importantes, como Carnegie Hall, Alice Tully Hall, Bruno Walter Auditorium en Lincoln Center o Kaufman Center. Cuando obtuve el Primer Premio en el New York Artists International Piano Competition, me permitió actuar en Carnegie Hall-Weill Recital Hall. Las dos primeras obras las toqué cuando realicé las audiciones para Juilliard, y les tengo mucho cariño por lo que han supuesto en mi carrera. La razón de que se ponga Sueños, es una parte emotiva por lo que la ciudad de Nueva York me ha ayudado a conseguir artísticamente y profesionalmente.

Estudió en Juilliard School, considerada por algunos la mejor escuela de música del mundo. ¿Podría explicarnos un poco su experiencia?

Me siento muy afortunado de poder haber aprendido tanto al lado de músicos de gran nivel. Los profesores, la biblioteca, las instalaciones, el talento que hay en ese edificio, fue una gran experiencia humana.

Quedó usted el primero en las audiciones entre más de 400 candidatos…

Fue una gran suerte que me permitió tener beca completa de la propia escuela. Había dado clases con Julian Martin, mi profesor en un curso de verano antes. Tenía mucha ilusión por poder estudiar con él, pero sin la beca me hubiera resultado imposible, incluso habiendo sido aceptado. Yo había hecho audiciones y fui aceptado para estudiar en Royal Academy of Music en Londres con Christopher Elton, un gran profesor con el que estudié periódicamente por cuatro años, aunque mi primera opción fue siempre Juilliard. Parte del título New York Dreams, viene por lo que esto supuso en mi carrera e hizo posible trasladarme a EE.UU.

Obtuvo el Primer Premio en el prestigioso Windsor International Piano Competition de Londres, ¿qué puede contarnos y qué ha supuesto para su carrera?

Primero, el reconocimiento y prestigio en un concurso en otro país. Hay muchísimos pianistas y músicos de gran talento ahí fuera, y eso hace que el tener un reconocimiento detrás te pueda ayudar a abrirte camino en un mundo tan competitivo, sobre todo para un músico joven. Además, parte del premio ha supuesto la grabación de este disco con KNS Classical, un gran paso en mi carrera, y la oportunidad de trabajar con gente de una gran calidad profesional y humana.

¿Son imprescindibles hoy en día los concursos para un músico?

Totalmente. Es verdad que lo ideal sería que hubiesen otras posibilidades para los jóvenes músicos, que hubiera agencias que estuvieran más activas en la caza del talento artístico, que es mucho. Sin embargo, esto no es siempre así, y la solución para la gente joven es o luchar o quedarse sentado esperando que te llamen. Lo último no suele pasar… Se han dicho muchas cosas negativas sobre los concursos, pero al final, si no tienes contactos, es la única manera de conseguir méritos. He tenido experiencias positivas y negativas, pero por lo que un concurso te puede dar merece la pena el esfuerzo.

http://www.knsclassical.com/artist/francisco-montero/

por Lucas Quirós

Foto: El pianista Francisco Montero, que acaba de grabar el CD New York Dreams.
Crédito: KNS CLASSICAL © 2018 

Tercer Ciclo “Juan Vázquez, músico natural de la ciudad de Badajoz…”

Tercer Ciclo “Juan Vázquez, músico natural de la ciudad de Badajoz…”

Publicado: Marzo 2018
Schola Antiqva y el dúo Agúndez & Lázaro, ejes centrales


El ciclo “Juan Vázquez, músico natural de la ciudad de Badajoz…”, que organiza el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral, dentro de la Programación Lírica Extremeña, llega a su tercera edición y contará, por vez primera, con la agrupación Schola Antiqva (con dirección de Juan Carlos Asensio) y con el dúo Delia Agúndez & Alicia Lázaro. El programa se completa con una conferencia, un taller de música medieval-renacentista y una novedosa actividad que lleva por título “La música antigua en lenguaje de niños”.

De forma paralela se tiene previsto realizar también charlas y un nuevo “club de lectura musical”, que tendrá como marco temático al clérigo Juan Vázquez (Badajoz, ca. 1505 - Sevilla, 1563). 

Las actividades principales darán comienzo el próximo 3 de marzo a las 12.00 horas en el Salón de Actos del Conservatorio Profesional “Juan Vázquez” de Badajoz. El encargado de iniciarlas será el investigador Juan Carlos Asensio Palacios (profesor en la Escuela Superior de Música de Cataluña y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid), que ofrecerá una conferencia sobre el canto gregoriano y el nacimiento de la polifonía occidental.

Por la tarde de ese mismo día, en la Catedral Metropolitana de Badajoz, Schola Antiqva entonará un programa de canto monódico cristiano. Y lo hará en un concierto que recreará lo principal de la conferencia del día anterior.

En abril, el protagonismo vuelve al Conservatorio Profesional Juan Vázquez de Badajoz, lugar desde donde se desarrollará la actividad que lleva por nombre: “La música antigua en lenguaje de niños”. Se trata de un formato novedoso consistente en la preparación y presentación de un programa de música antigua con la ayuda de profesores colaboradores (Melitón Cuadrado, Reyes Gómez, Jesús Muela, Alonso Gómez, César Carazo, Sara Garvín y Sandra Medeiros) y en la que los protagonistas serán jóvenes estudiantes de música. El concierto final, que tendrá lugar el viernes 13 en la sala Carmelo Solís del centro, culminará un proceso formativo específico iniciado en el mes de febrero que tiene por objeto acercar a los más jóvenes a este tipo de repertorios y a la interpretación de los mismos.

Taller medieval y renacentista

Abundando en este enfoque didáctico, se programará un nuevo taller de melodía medieval y renacentista, abierto al público, durante los días 14 y 15 de abril en la Biblioteca del Centro de Estudios Extremeños. El ponente principal será César Carazo y el programa abordará desde Cantigas de Santa María a canciones populares reconstruidas desde antiguos cancioneros y libros de polifonía.

La programación principal finalizará en el Salón Noble de la Diputación Provincial de Badajoz, el día 27 del mismo mes. Allí, Delia Agúndez, soprano, y Alicia Lázaro, laúd, ofrecerán un programa intitulado “Músicas viajeras”.

El ciclo está organizado por el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral y cuenta con la colaboración del cabildo de la catedral de Badajoz, la asociación Coro Amadeus de Puebla de la Calzada, la Diputación de Badajoz y la Junta de Extremadura.  

3 de marzo (Catedral Metropolitana de Badajoz): Schola Antiqva.

13 de abril (“La música antigua en lenguaje de niños”): concierto final.

14 y 15 de abril (taller de melodía medieval y renacentista).

27 de abril (Salón Noble de la Diputación Provincial de Badajoz): Delia Agúndez y Alicia Lázaro, “Músicas viajeras”. 

http://www.indiccex.es/ 

por Blanca Gallego

Foto: Fachada del Conservatorio Profesional “Juan Vázquez” de Badajoz. 

The Zurich Chamber Singers

The Zurich Chamber Singers

Publicado: Marzo 2018
Conversación con Christian Erny

Passio, la primera grabación en el sello Ars Produktion del Ensemble The Zurich Chamber Singers, conjunto vocal que dirige Christian Erny, también afamado pianista, es un viaje a través de la música fúnebre coral. Este disco, grabado en octubre de 2017, saldrá al mercado en este 2018, revelándose como uno de los más sugestivos recorridos por la música coral religiosa.

¿Por qué Passio? Como podemos leer en el libreto interior de este disco, tanto el dolor como la esperanza son mensajes explícitos, pero también la calma y la expectación están presentes…

Creo, como muchos antes que yo, que la música es un arte que puede expresar lo que las palabras no pueden. Es la causa de mi fascinación por las músicas que tienen el poder de consolar y sanar en los tiempos difíciles. Esta es la causa, en mi opinión, de por qué tantos compositores han escrito música sobre la Pasión, ya que es una forma de expresar esperanza en tiempos de desesperación. Esta es la razón de combinar música contextual sobre la Pasión con música fúnebre; la gama de expresividad y emociones en estas obras es infinita.

Desde Thomas Tallis a Kevin Hartnett, el disco es un viaje a través de la música fúnebre coral…

Fue importante para nosotros mostrar cómo estos temas aparecen y se muestran a través de los siglos. Y es importante también para nosotros combinar repertorio tradicional con nueva música; tales interacciones con el repertorio tradicional puede ser vistas con nuevas perspectivas y estas nuevas obras encuentran su lugar, bien merecido, en el repertorio. Este es el modus operandi de The Zurich Chamber Singers (ZCS): combinamos repertorio tradicional con nuevas obras de encargo, construyendo, en un marco dado, un programa significativo, con coherencia.

De profundis, de Kevin Hartnett, precisamente fue compuesto por encargo de The Zurich Chamber Singers...

Exacto, la obra fue encargada en 2016 y estrenada por el ZCS en Zurich. Kevin es un joven compositor muy excitante en sus propuestas, con el cual tuve un encuentro durante nuestros estudios en Estados Unidos. Para nosotros fue un disfrute y un enorme placer trabajar con él durante las interpretaciones y sesiones de grabación de su obra. De profundis es un dibujo de los siete salmos penitenciales, que aparecen fragmentados a través de la textura de la obra. El movimiento es constante y los clusters diatónicos hacen de esta pieza más una meditación en estos salmos que una secuencia formal de la liturgia.

Y llegamos a Bach, con el coro solo con el órgano y un cello en Jesu, meine Freude BWV 227... Realmente este es un Bach “directo” y profundo por su desnudez y claridad, como percibimos en el extraordinario coral “Gute Nacht, o Wesen”…

De hecho, Bach emplea un enorme abanico de emociones y expresión en este Jesu, meine Freude. Captura el miedo, la desesperación y el terror, como por ejemplo, en “Trotz dem alten Drachen”, y profunda consolación y esperanza en “Gute Nacht, o Wesen”, como usted dice.

Passio es su primera grabación con The Zurich Chamber Singers. ¿Dónde está el límite?

Sí, con Passio he realizado mi primera grabación como director. Como pianista, ya había realizado dos grabaciones discográficas en solitario, la segunda de ellas precisamente verá la luz este próximo mes de mayo de 2018. Con el ZCS estoy buscando producir una nueva grabación con música navideña para diciembre de 2019.

Nos dice que también es pianista. ¿Dirigir un coro es como acceder a un piano vocal, con sus posibilidades polifónicas…?

Estoy convencido que para todo director es muy importante poder tocar un instrumento a nivel profesional. Primero necesitas desarrollarte como músico intérprete a nivel individual, antes de dar el paso para dirigir a un grupo de músicos. Como pianista, se tiene la ventaja de trabajar polifónicamente todo el tiempo. De este modo, es una buena base para trabajar posteriormente con el coro. Igualmente se debe tener un buen conocimiento de la voz humana. No es necesario ser cantante profesional, pero conocer cómo trabajan las voces en grupo, cómo interactúan, qué necesitan, lo que pueden alcanzar y dónde están sus límites son aspectos cruciales.

https://www.christianerny.com/

https://www.zurichchambersingers.com/

por Lucas Quirós

Foto: The Zurich Chamber Singers, dirigido por Christian Erny. 

Nueva temporada del Teatro Massimo de Palermo

Nueva temporada del Teatro Massimo de Palermo

Publicado: Marzo 2018
Un escenario de película para la capital italiana de la cultura

Palermo, la ciudad isleña del sur de Italia, fundada por los fenicios que, dada su posición estratégica, fue aprovechada por griegos, romanos, árabes y normandos en sucesivas invasiones, vive su gran momento como capital italiana de la cultura en el 2018. La capital milenaria de la región de Sicilia es un libro cuyas páginas contienen cientos de años de historia y arte; etrusco, griego, romano, bizantino, árabe, normando, románico, gótico-catalán, renacentista, barroco, rococó, neoclásico… Un mosaico multiétnico que atestiguan su paisaje, su lenguaje, sus monumentos, su gastronomía y su tejido urbano, y que se lee con facilidad en docenas de iniciativas, seminarios, exposiciones, conferencias y espectáculos que nos dan la bienvenida, en el año en que la metrópolis siciliana es Capitale Italiana della Cultura.

Con Rossini y Guillaume Tell, más de 50 años ausente del escenario del teatro y por primera vez en Palermo en su versión original en francés, el legendario Teatro Massimo inauguró el pasado 23 de enero su stagione. “Comenzamos las celebraciones por los 150 años de la muerte del genio de Pésaro y, al mismo tiempo, inauguramos la stagione con una ópera monumental”, señaló Francesco Giambrone, sovrintendente del Teatro Massimo.

El Padrino de Coppola

Lleno a rebosar, para la inauguración de la temporada operística de Palermo, con la presencia de autoridades locales, políticos y sovrintendenti de diversos teatros líricos, en la impresionante sala del teatro que ha quedado grabada en la retina de los cinéfilos de todo el mundo con los famosos personajes y la sucesión de antológicas escenas de asesinatos y música de la tercera y última parte de El Padrino de Coppola. Desde el patio de butacas resulta inevitable posar la vista en el palco real que presidía la familia Corleone en la representación de Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni, y evocar a Connie Corleone con sus anteojos, observando al capo Don Altobello mientras comía los cannoli envenenados que ella le regaló.

Durante la cálida velada del pasado 23 de enero, la cortina del Teatro Massimo se alzó (con treinta minutos de retraso por huelga de la orquesta), para la prima de la última y colosal obra de Rossini, que supuso un punto de inflexión entre la ópera rossiniana y la grand opéra. En el pódium, el octogenario y experto rossiniano Gabriele Ferro, actual director musical del teatro, al frente de un elenco de cantantes especializados en bel canto, como Roberto Frontali (Guillaume Tell), Dmitry Korchak (Arnold) y Nino Machaidze (Mathilde), que debutaban en sus respectivos roles. Damiano Michieletto firma la regia con escenografía de Paolo Fantin, dominada por un gigantesco árbol, sin hojas, desarraigado en el suelo de un escenario cubierto de tierra, que se estrenó en el Covent Garden (2015). La versión de Palermo suprime la polémica escena de la violación, que se muestra de forma más sutil y añade, además, algunos cambios respecto al vestuario, y el movimiento de los cantantes. Los cortes musicales acordados con Ferro son distintos también a los de la versión londinense con Pappano.

Guillaume Tell

A pesar de sus más de cuatro horas de duración, el público aplaudió entusiasmado el estreno de Guillaume Tell; sin duda, un gran éxito para la inauguración de la nueva temporada. Una temporada en la que, a las citas habituales con el gran repertorio, se unirán nuevos y modernos espectáculos. Curiosidad e innovación son dos palabras claves de la nueva temporada. “Venir al teatro tiene que ser una oportunidad para descubrir algo nuevo y desconocido; un momento de enriquecimiento y descubrimiento de nuevos lenguajes y emociones”, afirmó el sovrintendente. “Un modo de pensar en un teatro más ligado al resto de Europa”, según el director artístico Oscar Pizzo, quien hizo hincapié, además, en la estrecha colaboración con importantes teatros europeos.

No faltarán en il cartellone del Massimo títulos tradicionales como Le nozze di Figaro, L’elisir d’amore, Cavalleria rusticana o La bohème, pero destacan las novedades como Fra Diavolo de Daniel François-Esprit Auber, donde por primera vez se van a utilizar escenas realizadas en 3D, Die glückliche Hand de Schoenberg o El castillo de Barbazul de Bartók. Además, el Teatro Massimo rendirá homenaje a la Bienal de Arte Contemporáneo “Manifesta 12”, con un espectáculo de danza de Carolyne Carlson con proyecciones en vídeo de Bill Viola. Y novedades también en la agenda sinfónica, como el esperado regreso de Zubin Mehta, que dirigirá el Requiem de Verdi.

http://www.teatromassimo.it

por Lorena Jiménez

Foto: El Teatro Massimo de Palermo, ciudad que en 2018 es Capitale Italiana della Cultura.
Crédito: © Rosellina Garbo 

Lorenzo Palomo

Lorenzo Palomo

Publicado: Febrero 2018
Fulgor orquestal

El maestro Lorenzo Palomo celebra su quinto disco en Naxos como una fiesta, con fulgores y los aromas cordobeses de la ciudad que lo vio caminar, entrar y salir de los cafés, entre inacabables charlas culturales y musicales. Es la Sinfonía Córdoba una de las cuestiones que se tratan en esta entrevista, su particular homenaje a la ciudad de los patios floreados, la luz y la belleza de la mujer andaluza. Con la participación de algunos de los nombres más importante de la actual interpretación española, Lorenzo Palomo, el mismo que intercambiaba ideas con Giuseppe Sinopoli en su etapa como miembro estable de la Deutsche Oper Berlin, mientras su música se difundía por todo el mundo, celebra que este disco y la Sinfonía Córdoba sean candidatos a los Grammys como “mejor composición clásica”.

En su nueva grabación en Naxos Records, sello para el que ha grabado ya su quinto disco, agrupa dos obras orquestales como la Sinfonía Córdoba y Fulgores… ¿Qué nos puede decir de ellas?

La Sinfonía Córdoba fue una iniciativa de Lorenzo Ramos, que apenas tomó posesión del cargo como Director Titular de la Orquesta de Córdoba, me comentó su deseo de que la compusiese, ya que anteriormente yo ya había compuesto mi Sinfonía a Granada, y él mismo dio los pasos para que la AEOS (Asociación Española de Orquestas Sinfónicas) y SGAE me hiciesen el encargo. Acogí el proyecto con el mayor cariño y me puse a trabajar con la máxima ilusión. El estreno en Córdoba despertó una gran expectación y, con el Gran Teatro abarrotado de público, la estrenó con gran éxito la Orquesta de Córdoba, dirigida por Lorenzo Ramos. Por otra parte, Fulgores la compuse por un deseo especial de Rafael Frühbeck de Burgos, quien, después de haber dirigido mis Nocturnos de Andalucía con Pepe Romero como solista muchísimas veces, en España y fuera de ella, me brindó la idea de componer una obra combinando el violín con la guitarra, añadiendo así al repertorio sinfónico una formación solística prácticamente nueva. El maestro se entusiasmó con mi nueva obra. Dirigió su estreno con la Orquesta de Valencia, actuando como solistas Alexandre da Costa, violín, y Pablo Sainz Villegas, guitarra. Posteriormente, Rafael Frühbeck la programó en la Philharmonie de Berlín con la Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín y con la Orquesta Filarmónica de Hamburgo, pero, desgraciadamente, el maestro ya no pudo dirigir estos conciertos por su enfermedad y su fallecimiento. En Berlín dirigió la obra Pedro Halffter y en Hamburgo el director vienés Leopold Hager. Ahora saldrán a la luz estas dos obras con el sello Naxos.

¿Podríamos decir que, por haberse criado en Córdoba, la Sinfonía Córdoba es como su “Sinfonía Doméstica”…?

Muchísimas gracias por el símil. He intentado plasmar en la Sinfonía Córdoba la esencia, el encanto, la fascinación, el embrujo que emanan de noche sus callejuelas, sus rincones, sus jardines y ese sabor a historia que acompaña siempre de la herencia que dejaron las razas y pueblos que pasaron por ella, de los romanos, de los árabes, de los judíos y de los cristianos. Un fascinante y riquísimo caleidoscopio de escenas y colores que se extiende por toda la ciudad.

Tras sus Nocturnos de Andalucía, una obra que ha cosechado y cosecha éxitos allá donde va, y que le vinculó más estrechamente a Frühbeck de Burgos, como usted ha citado, ahora, con Fulgores, crea una senda concertante con la guitarra, más el violín…

Ese es mi deseo, que la novedad que ofrece la unión del violín con la guitarra haga expandirse Fulgores en el mundo sinfónico y siga la suerte de mis Nocturnos.

La nómina de intérpretes en esta grabación recoge lo mejor de este país…

Los intérpretes son excelentes, cada uno en su especialidad y en su cometido. Ana María Valderrama, solista de Fulgores, es una joven violinista con un gran talento, con una gran técnica y posee además una gran sensibilidad que subyuga en los pasajes líricos. Ana María lo tiene todo para triunfar. Rafael Aguirre es, sin duda, uno de los nuevos grandes valores de la guitarra. Su prodigiosa técnica le permite resolver con fascinante facilidad los pasajes más complicados y difíciles que se encuentre en una partitura. Su sentir es hondo y cautiva su fraseo de artista ya maduro cuando canta con la guitarra. Por su parte, Pablo García López, tenor, y Javier Riba, guitarra, tienen una intervención corta en la Sinfonía Córdoba, pero añaden con exquisito arte las pinceladas de sabor popular que he querido introducir en la Sinfonía Córdoba. Por supuesto, no me olvido de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, que destaca como una de las mejores orquestas de nuestro país y este puesto de excelencia lo comparte con Jesús López Cobos, uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos en España y más allá de nuestras fronteras.

Nos ha llegado la noticia que la Sinfonía Córdoba está como candidata de Naxos para los Grammys como “mejor composición clásica”…

Efectivamente, me ha alagado muchísimo que Naxos haya seleccionado mi Sinfonía Córdoba como su candidata para los Grammys como “mejor composición clásica”. En cualquier caso, lo gane o no lo gane, la nominación de Naxos de mi obra es ya de por sí un premio.

¿Qué artistas (intérpretes y directores) han influenciado más en el desarrollo de su carrera como compositor?

La primera fue Montserrat Caballé, que me “bautizó” en el mundo profesional con el estreno de mi ciclo de canciones Del atardecer al alba, que compuse para satisfacer sus deseos. Montserrat lo estrenó, acompañada de Miguel Zanetti, en el Carnegie Hall de Nueva York y en el Covent Garden de Londres. Luego lo siguió cantando durante años. Igualmente debo citar, entre los maestros que más contribuyeron al desarrollo de mi carrera como compositor, en primer lugar a Rafael Frühbeck de Burgos, que dirigió mis obras por gran parte del mundo hasta que falleció, a Miguel Ángel Gómez Martínez, a Jesús López Cobos, al guitarrista Pepe Romero y a las sopranos Ainhoa Arteta y María Bayo.

¿En qué música se encuentra trabajando en la actualidad?

Acabo de componer mi nuevo ciclo de canciones Sendero mágico, por encargo del CNDM con motivo de la próxima XXV edición del Ciclo Lied. Lo estrenará Ainhoa Arteta, acompañada por Roger Vignoles, el día 10 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela. En la actualidad también estoy terminando de orquestar mi nueva composición titulada Rumbalina, para el clarinetista Joan Enric Lluna.

Está en su plena madurez compositiva… ¿Es este país un buen lugar para los compositores?

Yo creo que sí, sobre todo en la actualidad en la que disfrutamos de medios para poder interpretar y propagar nuestra música, tenemos estupendas orquestas y maravillosos auditorios. Hace cuarenta o cincuenta años, España tenía sólo tres orquestas, la Nacional, la de Barcelona y la de Valencia (de la que fui Director Titular). La creación de la Orquesta de RTVE dio un gran impulso a la música en nuestro país, los sueldos de los músicos fueron poniéndose poco a poco al nivel de algunas orquestas europeas y también poco a poco fueron naciendo orquestas y auditorios que fueron enriqueciendo la vida musical de España. Si nos comparamos con la vida musical de hace cincuenta años, veremos que la diferencia es abismal. En aquellos años eran las bandas las que mantenían un poco viva la vida musical de nuestro país. De ahí salieron los grandes instrumentadores de banda, como el catalán Juan Lamote de Grignon.

¿Qué haría que todavía no ha hecho?

A veces pienso lo bonito que sería irme con Brigitte a una islita del Caribe una semanita entera, sin hacer nada, disfrutando del sol y de la brisa del mar bajo las palmeras.

Seguramente nuestros lectores piensen lo mismo… Un abrazo maestro y gracias por su tiempo.

http://lorenzopalomo.com/es/

Por Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: El maestro Lorenzo Palomo con Rafael Frühbeck de Burgos en Tokyo. 

The Pochekin Brothers

The Pochekin Brothers

Publicado: Febrero 2018
“Descubrir obras desconocidas es una parte significativa de nuestra filosofía musical”

Con un disco dedicado a dúos de Mozart, M. Haydn, Glière y Prokofiev en el sello Melodiya, Ivan Pochekin y Mikhail Pochekin firman uno de los mejores trabajos en este género hasta la fecha.

Como un combate de esgrima entre caballeros y hermanos, este disco pone en alternancia dos tipos de arcos, la viola y el violín, ¿cómo se llevan tímbricamente ambos? ¿Quién gana el combate?

En este disco presentamos dúos para violín y viola y para dos violines. El mismo nombre del disco “La unidad de los contrarios” (“The Unity of Opposites”) tiene que ver con nuestras personalidades, tanto en la vida, como en la música. Somos totalmente diferentes y, en cuanto a la música, cada uno tenemos nuestras propias ideas e intereses. No obstante, cuando interpretamos juntos tratamos de completarnos el uno al otro. Somos hermanos y nos divierte mucho tocar juntos. Por lo tanto, en nuestro caso no se trata de un combate, sino de una unión. Y en cuanto al timbre de los instrumentos, en nuestro disco presentamos dos combinaciones bastante diferentes: mientras las partes de 2 violines en los Dúos de Glière y en la Sonata de Prokofiev tienen absolutamente la misma importancia, en el dúo de viola y violín, este último lleva la parte principal y la viola lo acompaña, especialmente en el Dúo de Haydn.

Desde los dúos clásicos de Mozart y Haydn a los dúos rusos de Glière y Prokofiev, el disco repasa algunas obras originales para esta combinación…

Se podría dividir nuestro disco en dos partes: la primera tiene los Dúos de Mozart y de Michael Haydn, la segunda la componen la Sonata de Prokofiev y 12 Dúos de Glière. Para nosotros tiene mucha importancia las relaciones entre las obras y entre los compositores. Compuestos en 1783, los de Mozart y Haydn están unidos por la historia de su creación, además de por la estrecha amistad entre estos compositores. Lo mismo podemos decir sobre los vínculos entre otros dos compositores representados en nuestro disco, aunque más bien deberíamos hablar sobre la relación entre el maestro y el discípulo, puesto que en los años 1902-1903 Glière enseñaba la composición y el piano al jovencísimo por el aquel entonces Prokofiev. Por tanto, podemos ver la afinidad entre los estilos de los dos autores rusos. Aunque Prokofiev se fue mucho más lejos en su búsqueda de armonía y su música tiene indudablemente una estructura más sofisticada que la de Glière, pero el talento lírico y melódico es lo que sin duda une a estos dos creadores.

No hay mucho repertorio original para el dúo violín-viola, por lo que en muchos casos habrá que echar mano de arreglos y transcripciones…

En este sentido hemos tenido mucha suerte, porque Iván, además de tocar el violín, domina la viola, lo que por supuesto enriquece el repertorio de nuestro dúo y nos da oportunidad de hacer una programación muy variada. Además de obras de cámara, que se podrán escuchar en nuestro disco, las obras para violín y viola con orquesta cuentan con unas verdaderas obras maestras como el Concierto de Bruch o la Sinfonía Concertante de Mozart. Por cierto, esta última es una de nuestras obras favoritas, y la escogimos para el concierto de nuestro estreno como dúo con la Orquesta Nacional de Rusia esta temporada, la 2017/2018. Con respecto a las transcripciones, también están presentes en el repertorio de nuestro dúo pero tratamos no darle tanta relevancia, lo principal para nosotros es que la música sea interesante, y no es tan importante si se trata de una obra original, o de una transcripción.

La grabación respeta muy bien los armónicos de cada instrumento, es de una calidad sonora muy grande, lo que enriquece una música muy poco usual como los 12 Dúos Op. 49 de Glière…

Resultó genial grabar el disco en la Sala Grande del Conservatorio de Moscú, este lugar impresiona por su acústica, estoy seguro que esta sala es una de las mejores del mundo por sus características sonoras. En cuanto a los 12 Dúos de Glière, lamentablemente, se interpretan con muy poca frecuencia, en general no estoy seguro si hubieran sido grabados anteriormente… Según nuestro punto de vista, Glière compuso una obra interesantísima y creó un mundo melódico único; por lo general, el descubrir para el público obras desconocidas es una parte significativa de nuestra filosofía musical. En nuestros proyectos como solistas cada uno de nosotros presta a esta actividad una atención especial. Así, Ivan grabó para Naxos los Conciertos ns. 5 y 6 de Paganini, que se interpretan con poca frecuencia, mientras yo (habla Mikhail) presento esta temporada una programación para violín y piano formada por las obras de Medtner y Roslavets, compositores rusos de la primera mitad del siglo XX.

¿Qué desarrollo en conciertos va a tener este disco?

Tenemos previstos los conciertos  y presentaciones en varias ciudades, entre ellas en Berlín, Moscú, Munich y muchas otras. También tenemos programada una gira por Rusia. Y por supuesto, queremos presentar esta programación al público español. Por cierto, la programación del disco se traduce con facilidad y de una manera completa en el formato de un concierto en dos partes: en la primera, las obras de Mozart y Haydn para violín y viola y, en la segunda, las de Glière y Prokofiev, éstas para dos violines.

Son rusos pero también españoles… ¿Cómo llegó su familia a España?

Todo comenzó en 1999 cuando nuestros padres tomaron la decisión de trasladarse a  Madrid. Toda nuestra familia se dedica a la música: nuestra madre es profesora de violín y nuestro padre es luthier, construye violines, violas y cellos en su taller. El clima de aquí es ideal para su trabajo, puesto que aquí tenemos sol prácticamente todo el año. Hay otros acontecimientos importantes de nuestra carrera musical ligados a España: ambos hemos estudiado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Un lugar especial ocupa en la vida de Mikhail el Premio “Pablo Sarasate” que ganó en 2008 y lo que le dio oportunidad de tocar el famoso violín Stradivari “ex-Boissier”, que en su día había pertenecido al maestro Sarasate y que se conserva actualmente en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como nuestros padres viven en Madrid, aprovechamos cualquier ocasión para venir aquí. A todos nosotros nos encanta España.

http://melody.su/en/catalog/classic/37599/

Por Lucas Quirós 

Foto: Los hermanos Pochekin, dúo violín y viola, en este “enfrentamiento” musical.
Crédito: Evgeny Evtyukhov 

Francisco Valero-Terribas

Francisco Valero-Terribas

Publicado: Febrero 2018
Recuerdos de un director

Tras una alabada Traviata y numerosos conciertos en España y Sudamérica, el director de orquesta Francisco Valero-Terribas ha cerrado un pletórico 2017, que se prolonga con un 2018 igualmente prometedor. Con él hemos hablado sobre un año triunfal y sobre los nuevos proyectos en este nuevo ciclo.

Ha cerrado un año 2017 con numerosas actuaciones en España y presencia en el extranjero. ¿Qué podríamos destacar?

Efectivamente, ha sido un año con actuaciones muy especiales. Comenzó con una producción muy personal de La Traviata en el Palau de la Música de Valencia, que tuvo una gran repercusión e impacto y que tuvimos que reponer en dos ocasiones. Además, guardo un especial recuerdo de los conciertos con la Orquesta Sinfónica de RTVE, rescatando una bellísima Segunda Sinfonía de Bizet, la Gala Lírica con el Centre de Perfeccionament “Plácido Domingo” del Palau de les Arts y la Orquesta de Valencia, el Requiem de Mozart con la Orquesta de Extremadura, el proyecto de Stravinsky, con los excelentes solistas de la Orquestra Simfònica de les Illes Balears y los conciertos en Oporto, Rio de Janeiro y Sao Paulo.

Siendo una de las óperas más representadas de la historia, ¿qué tuvo de personal esta producción de La Traviata?

La Traviata que presentamos en Valencia ha tenido más de 4.000 espectadores, de los que una gran parte no es habitual en las salas de conciertos. Aunque el estreno fue en el Palau de la Música, las dos reposiciones han sido en “Espai Rambleta”, que tiene un sello y un público muy diferente. En cualquier caso, cuando elaboras una interpretación de primer nivel y consigues emocionar, tanto al melómano conocedor de las mejores producciones internacionales como al neófito que descubre el mundo de la ópera, es muy satisfactorio a todos los niveles. La ópera, con calidad y honestidad, emociona y mueve masas.

Su presentación en Brasil ha constituido, cómo se suele decir, un éxito de crítica y público…

La acogida fue magnífica, tanto por parte de los músicos como del público. Tuve un concierto de temporada en Rio de Janeiro con la Orquestra Petrobras Sinfônica. Es una orquesta excelente con una gran plantilla, que constituye un referente en toda Latinoamérica. Propuse una primera parte con música española, que tuvo una gran acogida por parte del público y que particularmente me hacía mucha ilusión presentar. En la segunda parte interpretamos la Sinfonía n. 2 de Sibelius y quedé sorprendido por la calidad y ductilidad de los profesores, que estuvieron a un nivel envidiable en una preciosa y enorme sala de conciertos. Posteriormente, en Sao Paulo, dirigí en la Sala de Conciertos del Museo de Arte a la Sinfônica Heliópolis. Se trata de una orquesta basada en “El Sistema”, con unas particularidades e idiosincrasia muy diferente al trabajo que se desarrolla en Venezuela, lo que le ofrece un sello brasileiro verdaderamente interesante, que ya es reconocido en Europa.

Situarse al frente de una orquesta, como la Sinfónica Heliópolis, cuyo podio y proyecto está regido por nombres como Zubin Mehta o Isaac Karabtchevsky, debe ser un reto importante…

Sí, desde luego. Es un reto y un aliciente a la vez dirigir una orquesta que tiene estos referentes. La Orquesta Sinfónica Heliópolis es el máximo exponente de un proyecto social y formativo que tuve la oportunidad de conocer de primera mano y que me dejó tremendamente impactado por su envergadura, proyección y sensibilidad social. Está gestionada por el Instituto Baccarelli, una institución que realiza una labor extraordinaria con una gestión impecable. Es increíble el trabajo que desarrolla y la calidad artística de sus miembros, músicos que ocuparán los primeros atriles de las mejores orquestas de todo el mundo en breve. Es muy satisfactorio encontrar jóvenes con esa vocación e interés en nuestro mundo actual tan desprovisto de valores. Hicimos una Quinta Sinfonía de Prokofiev realmente espectacular.

Y sobre los proyectos y actuaciones para 2018…

Pues se presenta con muchos proyectos, nuevas invitaciones y con muchísimo repertorio sobre el atril. Las formaciones de las que soy responsable artístico tienen una temporada ambiciosa y tanto la Orquesta de Cámara Eutherpe en Valencia, como la Joven Orquesta Leonesa, van a disponer de grandes ciclos con solistas de primer nivel. El curso para pianistas y directores y la propia Fundación Eutherpe en León están de aniversario y hemos de darle el trato distinguido que merecen. También tengo compromisos para regresar a Sudamérica y nuevas invitaciones en España. Además de ópera, ballet y oratorio, que junto al repertorio sinfónico me van a ocupar durante gran parte del 2018.

http://valeroterribas.com/

Por Blanca Gallego 

Foto: El director Francisco Valero-Terribas hace balance de un espectacular 2017.


Zala Kravos

Zala Kravos

Publicado: Febrero 2018
La pianista más joven del mundo

Con un debut discográfico arrollador (Ars Produktion), en el que combina música del romanticismo (Brahms, Chopin y Liszt) con una obra escrita para ella por Albena Petrovic-Vratchanska, Zala es el nombre a retener de la nueva generación de pianistas.

¿Qué se siente, para un músico de su edad, el tener ya una grabación discográfica?

No quiero engañarle, pero debo admitir que no tengo ninguna sensación especial por esto. Esta intensa experiencia ya pertenece al pasado, de hecho, he “renovado” mi repertorio y creo que no interpretaré en un tiempo la mayoría de las obras que grabé. ¡Hay mucha más música por descubrir! Una de mis pasiones es la lectura, y este disco es exactamente como la primera página de un libro; una vez la has leído, pasa la página y prosigues la lectura, atrapándote cada vez más y más en la historia que te cuenta…

¿Y cuál es la historia de este disco?

Jean Muller, mi profesor de piano en el Conservatorio de Luxemburgo, que también es un pianista aclamado internacionalmente, fue quien me sugirió que grabará mi primer disco en solitario. Le estoy muy agradecida por este consejo porque fue la decisión correcta. Un primer disco, un debut discográfico, es como una tarjeta de presentación. Estudie la mayoría de estas obras en la Music Chapel Queen Elisabeth con Maria João Pires, una increíble artista, y con sus asistente Sylvia Theresa, una brillante y joven pianista y profesora. Les debo mucho. Actualmente estoy estudiando nuevo repertorio con Louis Lortie, el nuevo maestro residente, y con su asistente Avedis Kouyoumdjian desde Viena.

Comenzó a tocar el piano con 5 años… Y ha mencionado que llevaba interpretando el repertorio del disco desde hace varios años. Estas son obras de compositores con vidas intensas y experiencias musicales. De este modo, ¿piensa que estas interpretaciones son una manera de desarrollar un concepto de la obra y que cambiarán con el paso de los años?

Soy más o menos consciente de numerosos detalles, a través de los cuales una audición atenta puede adivinar mi juventud, porque se necesita tiempo y experiencia. Yo misma estoy impaciente y tengo curiosidad por saber cómo tocaré con el paso del tiempo. Mientras que mis futuras interpretaciones seguramente serán diferentes, espero que los oyentes también sean convincentes y personales, con todo el respeto posible a las partituras y estilos. 

La obra de Albena Petrovic-Vratchanska es sorprendentemente diferente en comparación a las piezas románticas. ¿Por qué decidió grabarla?

Grabar Crystal Dream en mi debut discográfico fue una elección del corazón y un modesto reconocimiento a la contribución de Albena en mi desarrollo como músico.

Ser la dedicataria de esta obra a su edad es de una amabilidad impresionante… ¿Cómo ocurrió?

Hace años, Albena, una pianista de Luxemburgo, profesora de piano y compositora (de origen búlgaro), fundó el Club des Artistes en Herbe (Club de Artistas Florecientes), del cual llegué a ser miembro cuando tenía solo siete años. Aquella militancia me dio muchas oportunidades de tocar en público, incluyendo orquestas. En 2013, Albena decidió escribir Crystal Dream para mí con la intención que me familiarizara con el lenguaje y estilo contemporáneo y moderno. En comparación con las partituras normales, es un verdadero desafío, completamente diferente, hasta en lo visual, otorgando al intérprete mucha libertad. Al principio estaba perdida y no podía leerla. Recuerdo que le pregunté a Albena si podía ayudarme… En 2015 ella compuso otra obra para mí, Mystery Dream, la cual es más compleja y presenta diferentes cambios.

Salvo más concursos pianísticos y clases, ¿cuáles son sus planes musicales? ¿Se centrará en música del siglo XIX y contemporáneo o desearía abarcar otros repertorios? O quizá otros géneros musicales como la música de cámara…

En la actualidad estoy involucrada en mucho más repertorio que el del disco, que es más o menos temático. Por ejemplo, adoro Ravel y su Concierto para piano en sol mayor lo estoy preparando junto al Primero de Prokofiev. El año pasado toqué dos de los Conciertos tempranos de Mozart y ahora estoy estudiándome una de sus Sonatas. También toco Bach, especialmente por las pruebas académicas a las que todavía me tengo que someter. Tengo siempre gran atracción por la música de cámara, pero no he tenido tiempo ni las oportunidades de tocarla, si exceptuamos algunas piezas para dúo de piano, con dos pianistas ya bastante maduros, pero también con mi joven hermano Val. Desde el año pasado, esto está cambiando: participé en el EMCY (European Union of Music Competitions for Youth), donde interpreté un Trío de Brahms. Estoy preparada para otra experiencia similar a los Concursos de Música para Jóvenes de la Unión Europea (EMCY) y, lo más importante, he comenzado a ensayar con Benjamin Kruithof, un joven y premiado cellista de Luxemburgo, con vistas a preparar un recital común.

Está usted muy decidida en como encaminar su carrera musical. ¿Hay algo más que quiera hacer? ¿Y con qué cosas y actividades también disfruta?

Continúo con mis estudios, como los de este año a distancia. Además de la música y lo que concierne a mis estudios, siempre he tenido diversas actividades que disfruto y practico: deportes, vida social, redes sociales últimamente, etc. También, como le dije, leo mucho. No quiero llegar a ser una adicta de lo que rodea a la música y creo que un buen músico, un artista verdadero, debe tener un sólido bagaje cultural y ricas y variadas experiencias vitales. Todas estas son cosas que suman en el crecimiento de una persona y un artista. Vi no hace mucho tiempo el filme de Kubrick Shining (El resplandor); del que podría agregar que “todo el tiempo dedicado al trabajo y no jugar, hace de Jack un zoquete”.

http://zalakravos.eu/

http://www.ars-produktion.de/lounge/eng/artists/zala_kravos/zala_kravos.php

http://www.grooves.land/product_info.php/products_id/2098079323/language/es

Por Lucas Quirós

Foto: La joven pianista Zala Kravos, que ha realizado su primera grabación en el sello Ars Produktion. 

Igor Ijurra

Igor Ijurra

Publicado: Enero 2018
Entre coros y orquestas

Es uno de los directores de coro de referencia en España. Desde 2005 es el director del Orfeón Pamplonés, merecedor de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2016, y desarrolla en paralelo una creciente actividad al frente de otros prestigiosos coros y como director de orquesta.

A diferencia de los directores de orquesta, los directores de coro son los grandes desconocidos para el público y para los medios musicales, ¿por qué cree que es?

Existen muchos menos coros que orquestas profesionales. Si una orquesta tiene 15 o 20 semanas de abono en su temporada, su coro no llega a actuar ni en la mitad de los programas y la temporada de conciertos a capella de los coros es bastante exigua. Además, en las orquestas hay continuamente directores invitados, cosa que no ocurre en igual medida con los coros.

Desde 2005 está al frente de uno de los coros con más prestigio de nuestro país, el Orfeón Pamplonés, que recibirá muy pronto la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, uno más de sus muchos reconocimientos. ¿Cómo valora su trabajo con él?

Siempre me da pudor hablar de mi trabajo y prefiero que sean otros quienes lo juzguen, pero objetivamente en los últimos años hemos logrado algunos hitos muy importantes: primer coro español en actuar en el Carnegie Hall con Valery Gergiev, primer coro español en actuar en los Proms de la mano de Juanjo Mena, actuaciones en Nueva York con la New York Philharmonic y el maestro Frühbeck, nuestro proyecto de Carmina Burana con La Fura dels Baus… Y en junio de 2018 seremos el primer coro en debutar en el Festival de Noches Blancas de San Petersburgo… Creo que coro y director hemos crecido a la vez, y hemos tenido unos años brillantes que después del 150 aniversario, celebrado en 2015, han abierto una nueva etapa. Y este nuevo galardón, del que estamos muy orgullosos, es de todos los que han formado el Orfeón en estos 152 años.

Hace solo unos días ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Madrid y Juanjo Mena en la Novena de Beethoven en el Auditorio Nacional…

Juanjo Mena, junto a Valery Gergiev, son nuestros dos directores de Honor y lo son por sus méritos y porque nuestra relación con ellos es muy estrecha. Juanjo, que además fue uno de mis primeros profesores de dirección, es una persona muy especial. Trabajamos en su etapa con la BOS (Ein Deutsches Requiem, Elias), en los Proms (Misa en fa menor de Bruckner) con la BBC en 2015, siempre con obras de envergadura. Nuestros conciertos bajo su batuta tienen el plus de ser dirigidos por uno de los más grandes. Con él sudamos, disfrutamos y aprendemos.

Además de su trabajo al frente del Orfeón Pamplonés, tiene en su agenda interesantes proyectos con otros coros e incluso como director de orquesta…

A los directores de coro desgraciadamente se nos dan pocas oportunidades de dirigir a un coro y una orquesta, cosa que sí pasa a la inversa, y no lo entiendo. He tenido la gran oportunidad de dirigir el pasado mes de diciembre el Messiah de Haendel-Mozart en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Málaga, lo que ha supuesto un gran reto. Además, debuté en noviembre como director preparador del Coro Nacional y en mayo debutaré con el Coro de la Comunidad de Madrid con una doble labor: preparando la obra Lur Kantak de Antón García Abril y dirigiendo un concierto a capella de abono del Coro con repertorio de compositores españoles. Es una etapa de crecimiento y de aprendizaje que la estoy viviendo con mucha ilusión. Soy un afortunado y estoy muy agradecido a los que depositan su confianza en mí.

Aparte de su labor en la dirección, ¿qué otras facetas musicales le interesan?

He impartido durante muchos años cursos de dirección, pero lo que me tiene más ocupado los últimos años es la recuperación y difusión de obras de autores vasco-navarros. Intento aportar mi granito de arena para dar a conocer, mediante conciertos, conferencias o edición de partituras, el inmenso patrimonio coral que tenemos, muchas veces minusvalorado por nosotros mismos. En especial a Lorenzo Ondarra (1931-2012), que fue premio nacional de música en 1969, un perfecto desconocido salvo en mi tierra, cuya obra coral es de una grandísima calidad. Sin olvidarme de autores actuales y de los Eslava, Gorriti, Donostia, Remacha, Aldabe…

Cuéntenos un poco sobre su formación y trayectoria…

Era tenor de la Coral de Etxarri Arantaz (mi pueblo natal) y comencé a dirigir a los 19 años. Aunque estudiaba derecho, comencé a acudir a cursos de dirección en España y en el extranjero y luego estudié dirección de coros en Musikene con Gabriel Baltes. Además he realizado cursos de dirección de orquesta y de canto, pero la verdadera escuela es dirigir a diario tu coro, que es quien te enseña, y cómo no, aprender de directores como Frühbeck, Juanjo Mena, Ernest Martínez, Ros-Marbá, Gergiev, Jurowski… Ver cómo gestionan un ensayo, cómo solucionan un problema, por qué una frase es mejor llevarla así y no de otra manera… Los momentos que he pasado en casa de Juanjo o con el maestro Frühbeck estudiando Carmina Burana en Washington son impagables.

www.igorijurra.com

Por Blanca Gallego

Foto: El director Igor Ijurra, afamado director del Orfeón Pamplonés, es también director de orquesta.
Crédito: Iñaki Zaldúa

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra

Publicado: Enero 2018
“Me exijo conocer cada detalle de la partitura”

El joven maestro español regresa al podio del Teatro de La Zarzuela con una nueva producción de la ópera española Maruxa.

Para un director joven con muchas horas de vuelo en el repertorio italiano ¿Qué opina de la ópera Maruxa?

Es una obra maestra del género lírico español. Combina de manera elegantísima el sutil aroma del folklore gallego, con una enraizada tradición musical europea de su tiempo, que Vives maneja de manera muy ecléctica. A momentos navega en aguas puccinianas, otras veces parece impresionista... Incluso la influencia de Wagner y Strauss es palpable. Es una ópera interesantísima que, si no se ha representado más a menudo, ha sido sólo por la tremenda dificultad vocal de los roles protagonistas. En la nueva producción del Teatro de la Zarzuela el público podrá ver dos repartos extraordinarios, tanto a nivel vocal como actoral.

¿Ha dirigido otras obras de Amadeu Vives? ¿Cómo considera a este compositor en relación a otros que se centraron en el repertorio de zarzuela?

Curiosamente, es la primera vez que dirijo una obra completa de Vives; aunque parezca extraño, nunca he tenido ocasión de dirigir Doña Francisquita, salvo algunos fragmentos en concierto. Este primer encuentro confirma mi amor por este compositor, uno de mis favoritos en el género zarzuelístico, junto con Chapí y Barbieri.

¿Qué dificultades o ventajas ofrece la versión operística de Maruxa, teniendo en cuenta que fue primero compuesta como zarzuela?

Creo que en su versión operística se mantiene mejor la tensión dramática, el verismo que la impregna se nos revela más claramente. Vives era consciente de ello, y creo que esta es la versión que él consideraba definitiva.

4- Siendo su debut en este título, ¿cómo concibe la preparación y el estudio de una partitura a la que se enfrenta por primera vez?

Siempre con gran respeto y dedicación. Me exijo conocer cada detalle de la partitura, e imaginar exactamente lo que quiero de cada compás; luego, sin embargo, me gusta recibir las ideas de los cantantes, y tengo una mentalidad muy abierta a la hora de integrarlas en mi interpretación. Somos un equipo, y no entra en mi “credo” imponer mi versión, me resulta mucho más interesante construirla con mis solistas. Con el transcurrir de los ensayos surgen constantemente cosas nuevas, detalles que haces de manera diferente con un reparto u otro...

Siendo un director todavía joven, lo cierto es que ya tiene una larga experiencia y su carrera se ha consolidado en el circuito internacional. ¿Qué diferencias encuentra entre la época de directores como Alberto Zedda, con quien usted tuvo una estrecha relación, y el período que usted está viviendo?

Alberto Zedda era en verdad un director con un pensamiento modernísimo, probablemente el más moderno y “juvenil” que he conocido... Pero, obviamente no todos los de su generación eran así. Creo que hoy en día la tiranía que imponían algunos directores de su época, es un concepto trasnochado. Yo me considero un colaborador de la orquesta; con una función específica e importante, sin duda, pero un humilde colaborador. Para mí, dirigir es un acto de música de cámara “ampliado”, donde todos los músicos, del primero al último, son fundamentales. Si la música se hace desde esa perspectiva, se convierte en un hermoso acto de comunicación.

Usted se ha prodigado tanto en el repertorio operístico como en el sinfónico. ¿Qué le ofrece cada uno?

Con ambos disfruto muchísimo, en cada uno se experimentan emociones diferentes. En el sinfónico se ensaya de manera intensiva, en pocos días se prepara un programa, y tienes la misión de obtener un producto perfectamente terminado en muy poco tiempo. Dependes muchísimo de tu preparación previa y de tu capacidad para comprender la arquitectura musical de las obras. La ópera se ensaya más tiempo, varias semanas; esto permite la creación de vínculos humanos y artísticos muy interesantes, y te permite más margen de experimentación interpretativa; es más fácil obtener un fruto maduro de todo ese trabajo. Pero luego cada función es diferente, una vez que sales al foso dependes totalmente de tu técnica y de tu capacidad para mantener la cohesión entre foso y escenario... Ambos mundos son fascinantes, y creo que para un buen director es fundamental dirigir tanto ópera como sinfónico, los dos géneros se enriquecen mutuamente.

¿Qué compositores son los que más le interesan, tanto en el terreno operístico como en el sinfónico? ¿Por qué?

En sinfónico Dvorák, Scriabin, Mahler, Bruckner, Strauss... Tengo un espíritu post-romántico y algo eslavo... Aunque la verdad es que mi repertorio es muy amplio y me gusta dirigir de todo, desde el barroco al contemporáneo. En ópera tengo especial feeling con Rossini, Verdi y Puccini, aunque adoro la ópera francesa y alemana. Adoro a Bizet, Massenet, Wagner o el propio Richard Strauss.

¿Qué significa para usted regresar al Teatro de La Zarzuela tras seis años sin haber dirigido en ese escenario?

Es una “vuelta a casa” muy especial. Es el teatro donde aprendí a amar la zarzuela y la ópera de niño, mientras el Real estaba en obras. Al empezar mi carrera, entre 2006 y 2012, tuve la ocasión de dirigir más de 100 funciones en él; el foso de la Zarzuela me hizo crecer mucho como director. Estos 6 años de ausencia se han hecho raros... Estoy muy agradecido a Daniel Bianco por darme la oportunidad de volver a este teatro tan querido.

¿Qué futuros proyectos tiene?

Conciertos con la Orquesta Sinfónica de Navarra y un hermoso proyecto con la Orquesta Joven de Galicia. A continuación dirigiré Turandot en Las Palmas, Il Barbiere di Siviglia en Santiago de Chile y Tancredi en Bari, y un concierto con Mariella Devia en el Teatro Real. A lo largo de 2018 se publicará mi DVD de Manon Lescaut de Puccini filmado para Unitel, y mis grabaciones de Ricciardo e Zoraide y Aureliano in Palmira de Rossini para Naxos; con este sello grabaré también L’Equivoco Stravagante en el Festival Rossini de Wildbad este verano.

http://josemiguelperezsierra.com/

Por Lucas Quirós 

Foto: Dirigir es un acto de música de cámara ampliado, donde todos los músicos, del primero al último, son fundamentales; si la música se hace desde esa perspectiva, se convierte en un hermoso acto de comunicación”, afirma Pérez-Sierra.
Crédito: © Rafa Martín

 

El lenguaje de la poesía

El lenguaje de la poesía

Publicado: Diciembre 2017
Bernhard Hofstötter, guitarra barroca


Tras cuatro discos dedicados a la música barroca para laúd, en su nuevo CD, nominado para los International Classical Music Awards 2018 (ICMA), Bernhard Hofstötter redescubre la música para guitarra barroca de un compositor largamente olvidado en el tiempo, el francés François Campion (aprox. 1686-1747).

¿Qué puede decirnos sobre François Campion y su música para guitarra barroca?

Cuando la gente piensa hoy en la guitarra barroca, la mayoría piensan en acordes rasgados. Y el rasguedado es, de hecho, uno de los aspectos importantes de la música escrita para este instrumento. Particularmente, a comienzos del siglo XVII fueron publicados en Italia numerosos Libros, los cuales solo contenían las secuencias de acordes para el rasgueo. En las siguientes décadas, sin embargo, la música para guitarra barroca desarrolla más allá que esos relativamente simples acordes “paternales”. De muchas maneras, la música de François Campion puede ser considerada como la cima de este desarrollo. Escribió música de la mayor complejidad para el instrumento. Debido a que la guitarra barroca tiene un limitado rango tonal, las escalas fugadas son toda una sorpresa.

Campion, según tengo entendido, publicó “Nouvelles Découvertes Sur la Guitarre”…

Sí, en 1705 publicó en París su único Libro para guitarra, que tituló “Nouvelles Découvertes Sur la Guitarre”. Es uno de los últimos libros que fueron publicados para guitarra de cinco órdenes, que es el instrumento al cual nosotros nos referimos como a la guitarra barroca de hoy. Este Libro posiciona a Campion, con Robert de Visée, como uno de los más selectos representantes de la escuela francesa para guitarra del siglo XVII. Y como añadido, Campion fue un notable teórico y miembro de la Académie Royale de Musique, la posterior Opera de París…

Me lo imagino como una eminente figura pública de la sociedad de entonces… ¡teniendo en cuenta que también conversaba con Voltaire!

Pero eso no es lo único. Cuando Campion murió en 1747, su sobrino depositó la copia personal del compositor del “Nouvelles Découvertes” en lo que es actualmente la Bibliothèque Nationale en París. Produce a lo largo de su vida anexos de su propia firma en su copia personal, por lo que probablemente tenía en mente la publicación de otro libro para guitarra que nunca llegó a fraguarse definitivamente. Entre esas piezas, están, por ejemplo, una ¡Passacaille consistente en 36 variaciones! O cuatro fugas completas. Otra pieza consiste en la imitación del canto de los pájaros, etc. En suma, estas piezas son de la mayor originalidad, creatividad e innovación y confirman a Campion como un maestro verdadero poseedor del conocimiento de los postreros secretos del instrumento. Las piezas manuscritas con sus numerosas correcciones por el propio compositor son el foco en el que he centrado las obras del disco. Es también una manera de mostrar el profundo proceso compositivo de Campion.

En el CD emplea una guitarra construida aproximadamente en 1640. ¿Qué nos puede decir de este instrumento?

La guitarra barroca que se puede escuchar en el disco es realmente única. Debido a sus rasgos estilísticos, ha sido atribuida a Matteo Sellas, uno de los más distinguidos constructores de laudes y guitarras en Venecia en el siglo XVII. Es casi un milagro que la guitarra haya sobrevivido en tan buen estado de conservación. Contrariamente a otros instrumentos originales, las modificaciones realizadas en el siglo XIX, como los irreversibles cambios en la tabla armónica o un acortamiento del mástil, este instrumento nos ha llegado hoy con el sonido de hace 400 años y nos permite vislumbrar como eran las guitarras de entonces. Y el sonido es completamente diferente de cualquier guitarra barroca construida en la actualidad con las cuales me he encontrado… Por supuesto, la guitarra que se escucha en el disco probablemente suene más diferente que una guitarra del siglo XVII. Pero también sabemos, por ejemplo, que en el siglo XVIII cientos de laúdes que tenían doscientos años tenían gran demanda por parte de los laudistas. Por consiguiente, creo que un instrumento como la guitarra usada en el disco puede brindarnos una imagen muy certera e incluso cerrada del sonido limpio buscado por compositores e intérpretes del periodo barroco.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

La verdad es que son bastantes para mencionarlos en este momento y con poco espacio. Hay mucha y buena música que desearía grabar, tanto antigua como moderna. Actualmente estoy trabajando en mucha música antigua para laúd del Renacimiento, al mismo tiempo que en una pieza que el afamado compositor Vache Sharafyan escribió para mí. También tengo que decir que aunque los instrumentos que empleo prosperaran en siglos anteriores, no es ninguna razón para considerarlos como piezas de museo, en mi opinión. De hecho, estos instrumentos permiten la expresión de una amplia variedad de emociones. Estos instrumentos tempranos de cuerda pulsada se parecen a la poesía, están directamente relacionados con ella, ya que nos hablan directamente al alma.

por Lucas Quirós

http://www.bernhardhofstotter.org/

Foto: Bernhard Hofstötter ha grabado en una guitarra barroca de 1640 piezas de François Campion.
Crédito: Ángel Benda 

Página 3 de 21Primero   Anterior   1  2  [3]  4  5  6  7  8  9  10  Siguiente   Último   
Esquina inferior izquierda Esquina inferior iderecha
Portal web DotNetNuke por DOTWARE tecnología a punto   GEN. 0,0937494 s