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Iamus

Iamus

Publicado: Enero 2013
La música del futuro

Iamus es un ordenador, diseñado por investigadores de la Universidad de Málaga,  que puede componer en escasos minutos más de un centenar de partituras. Acaba de lanzarse al mercado el primer CD cuyas obras han sido compuestas en su totalidad por una máquina, lo que supone todo un hito científico y artístico. De todo ello nos habla el compositor y pianista  Gustavo Díaz Jerez, uno de los especialistas que ha participado en el proyecto Melomics.

¿Cómo nace el proyecto Melomics y cuáles son sus objetivos?

El proyecto Melomics nace en el seno del grupo de estudios en biomimética, liderado por el Dr. Francisco Vico en la Universidad de Málaga.  Se trata de un proyecto que aplica técnicas inspiradas en la biología, la genética, y la evolución darwiniana a la composición musical.  Es una simbiosis entre ciencia y música.

¿Qué es exactamente IAMUS y qué novedades ofrece?

Iamus es un cluster de computación, una potente máquina con más de 1600 procesadores.  El corazón creativo de Iamus, su software, es un innovador algoritmo que ha sido diseñado para que Iamus cree música autónomamente, sin intervención humana durante el proceso de composición.  Las obras se codifican en un “genoma” musical, que es único para cada obra.  Básicamente le pedimos a Iamus lo mismo que se pide a un compositor humano en un encargo: duración e instrumentación de la obra.  El resto es 100% automático, incluyendo la partitura final que se entrega al intérprete.

Usted ha participado como investigador y como músico en este proyecto ¿Cuáles han sido sus principales aportaciones?

Además de participar como pianista en el CD, he sido el “profesor” de Iamus: he estado mano a  mano con los programadores para codificar en el algoritmo la notación musical, conocimientos organológicos y nociones musicales generales que todo compositor conoce, independientemente de su lenguaje.  Es importante resaltar que no se ha guiado a Iamus en una dirección estética concreta, como pueda ser el espectralismo, minimalismo, serialismo, etc., sino que se ha permitido que el algoritmo se exprese con plena libertad, dentro de la corrección notacional y organológica.

Precisamente, las primeras partituras creadas por IAMUS han sido recopiladas en un CD que acaba de editarse. ¿Qué criterios se siguieron para seleccionar las obras que incluye el disco?

El CD contiene obras a solo, de cámara y una para orquesta sinfónica completa.  Es un verdadero hito, ya que se trata del primer registro discográfico en el que la totalidad de las obras han sido compuestas por una máquina sin intervención humana durante el proceso creativo.  Han sido grabadas por solistas de primer nivel, incluyendo la London Symphony Orchestra.  Las obras son muy diferentes entre sí, aunque enmarcadas dentro del lenguaje contemporáneo.  No hemos impuesto a Iamus una dirección estética determinada.  Esta variedad demuestra que el potencial creativo del algoritmo es enorme.   

¿Cómo se implicó la London Symphony en este interesante proyecto?

Propusimos a la LSO la grabación de Tránsitos porque nos pareció que un proyecto de esta relevancia merecía una orquesta de gran renombre.  La LSO estuvo siempre muy abierta y sus comentarios fueron muy positivos.  En palabras de su presidente y ayuda de concertino, Lennox Mackenzie, era “la primera vez que la LSO grababa una obra compuesta íntegramente por una máquina”.

Desde el punto de vista del intérprete, ¿existe alguna diferencia entre las partituras creadas por IAMUS de las de un compositor?

No. Desde el punto de vista de la corrección notacional y del conocimiento de los instrumentos, las partituras que Iamus genera son indistinguibles de las que pueda escribir un compositor humano.  

¿Cómo ha sido la evolución de IAMUS en su faceta compositiva desde entonces?

A medida que hemos ido enseñando a Iamus más y más conocimientos musicales, la calidad y complejidad de las obras se ha incrementado exponencialmente.  Desde los primeros genomas que eran simples líneas melódicas hasta Tránsitos el avance ha sido realmente espectacular.  Pero seguimos avanzando, aún hay mucho camino por recorrer.

¿Qué ofrece IAMUS de cara al futuro? ¿Puede sentirse el compositor amenazado por la irrupción de estas “máquinas inteligentes”?

En absoluto.  Iamus es una herramienta al servicio del compositor. Así como el canto de los pájaros sirvieron de inspiración a Messiaen, Iamus nos ofrece -en la computación evolutiva aplicada a la música- una fuente inagotable de “materia prima” musical que los compositores podemos aprovechar como fuente de inspiración para nuestra propia creatividad.  En este sentido, se está generando un repositorio con millones de composiciones que estarán a disposición de los creadores.

Por Elena Trujillo Hervás

FOTO: Gustavo Díaz Jerez, uno de los investigadores del proyecto Melomics.
Acred.: R.Ríos.

 

 

La JONDE de puertas a fuera

La JONDE de puertas a fuera

Publicado: Enero 2013
Su proyección internacional

La JONDE se creó en octubre de 1983, siendo adscrita a la antigua Dirección General de Música y Teatro del Ministerio de Cultura, y con dependencia jurídica y de gestión de la Orquesta y Coro Nacionales de España, independizándose de ésta al pasar a ser una Unidad de Producción del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, tras la creación de éste en abril de 1985. Con ello, el Ministerio de Cultura abanderó la causa de enderezar la más que precaria situación de la educación musical española, incapaz de producir profesionales suficientemente cualificados para nutrir el ya creciente número de orquestas sinfónicas que, en la década de los 80, se esforzaban por normalizar la vida musical de las diferentes Comunidades Autónomas y dar sentido a la flamante red de auditorios que, en unos pocos años, cambió totalmente nuestro panorama sin que los sucesivos responsables del Ministerio de Educación reaccionaran ante todo ello. Mucho han cambiado las cosas desde entonces, y desde hace ya bastantes años no hace más que crecer de forma imparable la cantidad y la calidad de los jóvenes músicos que, año tras año, llaman a las puertas de la JONDE solicitando entrar en ella a través de las pruebas anuales de admisión.

Si se compara la situación originaria, en que resultó imposible encontrar a sesenta jóvenes para ofrecer un primer concierto de presentación en el Teatro Real de Madrid, en enero de 1984, y hubo que recurrir a profesionales, con la actual, en que de entre los 945 solicitantes de 2011 superaron la prueba de admisión 268, resulta fácilmente comprobable hasta qué punto ha mejorado la formación musical  en nuestro país a lo largo de las tres últimas décadas. Y que eso es una realidad de puertas adentro lo corrobora el hecho del asombro permanente de los tribunales extranjeros que, año tras año, visitan Madrid para presidir las audiciones a las dos principales orquestas jóvenes europeas: la European Union Youth Orchestra (EUYO) y la Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO), en que de un número simbólico, puramente testimonial, de uno o dos representantes españoles en la década de los 90, se ha pasado a que la cifra de seleccionados por nuestro país no baje de 12 en los últimos años (de los que un amplio porcentaje son miembros de la JONDE), en que España ha pasado a ser, junto con Gran Bretaña y Holanda, uno de los tres países que más instrumentistas aportan.

Intercambios con Jóvenes Orquestas Nacionales Europeas

Desde su creación en 1993, la JONDE es miembro de pleno derecho de la Federación Europea de Jóvenes Orquestas Nacionales (EFNYO), integrada por 33 jóvenes orquestas nacionales, internacionales y asociadas. La Federación se reúne un par de veces al año para discutir y valorar problemas comunes y compartir experiencias e información (festivales, repertorio, directores, solistas, etc.), pero especialmente desde hace tres años disfruta de la ayuda económica de un Programa de la Unión Europea llamado MusXchange, que cubre los gastos originados por el intercambio de jóvenes músicos entre las diferentes orquestas miembro.

Gracias a ese programa se ha consolidado desde 2010 una actividad de intercambio entre las orquestas juveniles nacionales europeas que antes sólo era viable en función del presupuesto disponible, muy exiguo en muchos casos, de cada una de ellas. Como prueba de los excelentes resultados del programa basta repasar las estadísticas: en 2010 fueron 17 los músicos de la JONDE que participaron en el mismo; en 2011 fueron 35; y en 2012 han sido 22. En cuanto a las orquestas que gracias al Programa MusXchange han podido acoger a jóvenes músicos de la JONDE en alguno de sus encuentros han sido:

  • National Jeugd Orkest (NJO) de Holanda (1 músico en 2010, 7 en 2011, y 1 en 2012);
  • Orchestre Français des Jeunes (OFJ) de Francia (4 músicos en 2010, 2 en 2011, y 2 en 2012);
  • Wiener Jeunesse Orchester (WJO) de Austria (4 músicos en 2010, 5 en 2011, y 8 en 2012);
  • National Youth Orchestra of Scotland (NYOS) del Reino Unido (6 músicos en 2010, y 6 en 2011);
  • Sinfonia Iuventus Warsaw de Polonia (5 músicos en 2011);
  • Dutch Orchestra and Ensemble Academy de la NJO de Holanda (7 músicos en 2011);
  • Cyprus Youth Symphony Orchestra (CYSO) de Chipre (1 músico en 2011);
  • Sibelius Academy Symphony Orchestra (SIBA) de Finlandia (4 músicos en 2012);
  • Norwegian National Youth  Orchestra de Noruega (2 músicos en 2012); y
  • Orchestra Giovanile Italiana (OGI) (3 músicos en 2012)
     

Intercambios con Iberoamérica

Una vez abierta la puerta de Europa y normalizado plenamente el hecho de la presencia habitual de nuestros músicos en las diferentes jóvenes orquestas de la Unión, la JONDE está dedicando una parte importante de su actividad internacional a hacer lo propio con Iberoamérica, con lo que ello implica de una mayor complejidad derivada de la distancia y de los costes consiguientes. Aunque hubo varios intentos anteriores, esta nueva proyección internacional ha tenido dos impulsos iniciales recientes: por un lado, la celebración en La Coruña, en diciembre de 2007, de unas Jornadas sobre “Jóvenes orquestas y labor social” que, organizadas conjuntamente por la Fundación Paideia y la Asociación Española de Jóvenes Orquestas (AEJO), de la que la JONDE es miembro fundador y cuya presidencia ocupa desde su creación en 2004, se centraron en una profundización en el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, contando con la presencia de su Director-Fundador, el Maestro José Antonio Abreu; por otro, la creación en 2008 del Programa Iberorquestas Juveniles de la Secretaría General Iberoamericana, cuya puesta de largo consistió en la puesta en pie de una primera Orquesta Juvenil Iberoamericana que, integrada por 41 músicos de la JONDE, 45 del Sistema Venezolano, y 40 procedentes de todos los restantes países de Iberoamérica, se presentó en diciembre de 2009 en Estoril, dentro de la XIX Cumbre de Jefes de Estado y de Gobierno Iberoamericanos, de la mano de Gustavo Dudamel.

En virtud de esta nueva orientación de nuestra actividad internacional, en los últimos 5 años han sido 81 los músicos de la JONDE que han participado en diferentes proyectos realizados en Venezuela, México, Costa Rica, la República Dominicana y Colombia, y en los que gran parte de la actividad se centra en labores docentes, abriéndoles de ese modo las puertas a un campo de trabajo que, lamentablemente, ni España ni Europa pueden ofrecer en este momento.

Por: Jose Luis Turina (Director Artístico de la JONDE)

FOTO: José Luis Turina, director artístico de la JONDE.
Acred.: Pilar Sanz.

 

Pedro Gandía Martín

Pedro Gandía Martín

Publicado: Diciembre 2012
La mano que mueve la OBS

La Orquesta Barroca de Sevilla hunde sus cimientos en los sólidos pilotes de destacados músicos que han apostado por ella desde su fundación en 1995, debida a Ventura Rico y Barry Sargent. El violinista bilbaíno Pedro Gandía Martín participa en ella desde el segundo concierto, por su contacto en Holanda con Sargent, aunque también conoce a Rico de los cursos de verano de Algeciras. En 2001 aceptó la propuesta de sus compañeros de asumir el puesto de director artístico, sin descuidar su faceta de violinista. Diseña la programación, contacta con los directores y solistas, distribuye los puestos de atriles, los refuerzos que completan el núcleo estable de la orquesta, controla la producción discográfica… Confiesa que ha ocupado todos los puestos musicales y organizativos posibles dentro de la OBS, desde cargar atriles a tocar como concertino-director, lo que dice que le permite actuar con perspectiva y respeto hacia sus compañeros. Es también profesor de Musikene, de los Cursos de Música Histórica de la Universidad de Salamanca y Aracena, y miembro del Trío Passamezzo Antico. Teniendo como prioridad educar y disfrutar de sus dos hijos, explica que solamente puede conseguirlo siendo eficaz cuando duermen. También cuenta con otro componente de esta ecuación a priori imposible, y es que reconoce estar rodeado de excelentes amigos/profesionales. “Creo que sé formar parte de buenos equipos bastante variados”.

Hay varias orquestas de música antigua en España. ¿Por qué la OBS?

Cuando se fundó la agrupación no había prácticamente orquestas barrocas en este país. En todo caso, la OBS es única en la actualidad porque surge de la voluntad de los músicos, que a la postre son los que producen el sonido en el concierto. Los mismos músicos tocan con una implicación mayor en la OBS que en otros grupos porque se sienten parte del proceso.Por otra parte, carecer de un director fijo nos permite escoger los mejores directores para cada estilo de música que programamos. Todos asociamos Leonhardt con Bach, Coin con Haydn, Onofri con Italia y eso se nota  en cada concierto. Los grandes músicos que nos visitan han dedicado con frecuencia su vida a un compositor, periodo, estilo… y dejan un poso. Y nosotros nos alejamos del capricho, ego (o inconsciencia de las limitaciones propias…) de una personalidad que lidera un grupo en solitario.

Su plantilla varía con frecuencia. ¿Es posible tener un sonido propio con músicos freelance?

Pues es curioso porque el núcleo duro de la OBS, aquellos músicos que llevamos desde el 95 en la orquesta, seguimos allí en su mayor parte. ¡Tenemos una vieja foto en la que estamos todos! Luego, sí es verdad que nuestro repertorio abarca desde Monteverdi hasta Mendelssohn, y los refuerzos freelance deben ser necesariamente diferentes para cada estilo.

La orquesta tuvo unos inicios brillantes, luego ha atravesado varias crisis económicas significativas, y ahora le llega su primera temporada estable en plena crisis. ¿Cómo se explica?

Lo importante es que nunca ha habido una crisis musical, artística. En lo económico, quizás hemos sido muy transparentes y hemos contado demasiado a la sociedad y la prensa. Pero es que había que contar que con un presupuesto irrisorio con respecto a cualquier orquesta sinfónica, estábamos haciendo música de la mejor calidad a nivel internacional. Y pagando los mejores sueldos del sector, dando de alta religiosamente en la Seguridad Social… Desde mi punto de vista, los inicios fueron brillantes en cuanto a la pasión por el ensayo, la conciencia de estar participando en un proyecto especial. El caso es que todos tocábamos por Europa en grupos de referencia, pero queríamos hacerlo en España, y apostamos por ello. Actualmente, vemos nuestro sueño cumplido.

También es reciente la cantidad de premios recibidos. ¿Han influido en el apoyo institucional y en esta cierta “estabilidad”?

Sí, sobre todo a raíz del Premio Nacional de Música 2011 recibimos más ofertas de concierto y patrocinio, más gente quiere oírnos y necesitamos menos presentación que antes. Tenemos apoyo institucional de prácticamente todas las instituciones andaluzas, pero las cantidades son irrisorias con respecto a otras agrupaciones europeas. Y la aportación privada en España es testimonial, con una ley de mecenazgo que empieza a pertenecer a la sección de quimeras de los sucesivos gobiernos...El nivel de los músicos españoles es absolutamente parangonable al de cualquier país europeo. Y los solistas y directores que han visitado la OBS no se han cansado de repetirlo. Hace tiempo me decía un gestor cultural: “ya, pero por ese precio me traigo una orquesta holandesa”. Para mí, que vivía en Holanda, tocaba en Les Musiciens du Louvre de Minkowski y conocía la realidad de la OBS y la de esa orquesta de segunda división holandesa, era (y es aún) indignante escuchar algo así. Es de un catetismo intolerable, imagino fruto de horas de despacho ajenas a la realidad.

¿No ha sido sorprendente la vinculación de Leonhardt con la OBS hasta el final de su vida? ¿Hubo proyecto de disco?

Sí, sorprendente. ¡Quién me lo iba a decir a mí cuando pasaba horas escuchando sus vinilos en casa de mis amigos Gibert-Cobos! Si no me equivoco, ha sido la única orquesta española que dirigió el maestro de maestros, y en varias ocasiones; son conciertos que están grabados a fuego en la memoria de cada uno de nosotros. Todavía recuerdo con emoción la primera vez que cogí el teléfono para llamarle. Al otro lado, se oyó: “Met Leonhardt?”. Pensaba que (elegantemente, eso sí) me mandaría a freír espárragos a la primera. Pero ahí seguía charlando de cantatas de Bach, a cuento del ciclo que se hacía en Madrid. Yo le escuchaba sin dar crédito, absorto. Con él hicimos mucho Bach, Rameau, Purcell (teníamos ya programados con él nuevos conciertos que se truncaron por su muerte). Y sí, dado que hacíamos tanto Bach, le propuse grabar la Pasión según San Juan. Casi nada. Le asustaba un poco la idea de movilizar tanta gente, tanto ensayo a su edad… Pero, quién sabe, si hubiera vivido algún año más, podríamos haber hecho realidad ese sueño. Entre las cosas, de las que más orgulloso me siento está el que me consta que él quería dirigir más y más a la OBS y, de hecho, nos recomendó a varios festivales como orquesta con la que quería actuar. En fin, fue un fenómeno, un hombre sin igual.

En el terreno discográfico, la creación de un sello propio supongo que ha supuesto otro avance.

Sí, la discográfica supuso poder gestionar el proceso de principio a fin, y una libertad artística total. Y seguimos adelante, sobre todo con las universidades andaluzas en el marco del proyecto “Atalaya”, grabando inéditos... ¡Pero hay tanto por hacer, por grabar! El clasicismo madrileño, la Princesa de Navarra de Rameau que haremos ahora en el Maestranza, el Nebra que hacemos en La Zarzuela, los conciertos de violín de Felipe Libón con Carmignola … El CD aún sigue siendo importante como objeto de culto, pero todas nuestras grabaciones están disponibles para descarga en la web de la orquesta, claro.

¿En qué punto se encuentra en este momento la orquesta?

Creo que estamos en el mejor momento posible, aunque el país parece que no lo pueda absorber; no hay circuitos establecidos y eso imposibilita repetir conciertos, abaratando costes. Por ello estamos ampliando horizontes y aumentando nuestra presencia en Europa. ¡Exportemos música española! Hay proyectos nuevos ya hechos que saldrán ahora (dos CDs dedicados a Brunetti y De la Puente), y un gran  libro de deseos por cumplir, que haremos los próximos años. Económicamente (aunque una orquesta barroca privada siempre está en crisis, por principio), creo que hemos diseñado un esquema de funcionamiento abierto al patrocinio que hace de la OBS una de las apuestas más sólidas y estables del panorama actual para cualquier institución que quiera colaborar con nosotros.

Antón García Abril

Antón García Abril

Publicado: Diciembre 2012
En el piano de Paula Coronas

“Antón García Abril y Paula Coronas en sintonía” es el título del nuevo disco que la pianista malagueña dedica al maestro García Abril como homenaje a su próximo 80 cumpleaños. El CD está patrocinado por tres fundaciones andaluzas: Fundación Málaga, Fundación Cajamar y Fundación Unicaja, que se unen en este lanzamiento discográfico, en colaboración con la Fundación “Antón García Abril”. “Desde estas líneas quiero felicitar a estas fundaciones que, incluso en los difíciles momentos que atravesamos, se deciden a emprender retos y proyectos valiosos. Gracias por confiar en mí y creer en la aportación cultural de la música contemporánea”, comenta Paula Coronas, feliz por la presentación de su reciente trabajo.

Hoy nos asomamos a una nueva etapa de la vida de un compositor incansable en su labor creativa, cercano a cumplir sus espléndidos 80 años (en mayo de 2013), que nos sigue sorprendiendo por su madurez y plenitud artística. Los pentagramas del maestro parecen hechos a la medida de la joven intérprete andaluza Paula Coronas, a la que indefectiblemente quedará ligada una parte importante del corpus pianístico de este consolidado maestro. Recordemos que Coronas aporta su amplio conocimiento de la producción garciabriliana a través de sus numerosas interpretaciones en vivo, grabaciones, artículos, libros y su tesis doctoral sobre el turolense. Su bagaje interpretativo en torno al catálogo de este compositor posee ya un calado especial en lo referente a su música para piano, que renueva constantemente desde el estudio profundo de su estética y pensamiento musical.

El nuevo CD

En este nuevo registro discográfico, décimo disco de la intérprete y quinto dedicado a la producción del maestro-, Paula Coronas recoge las obras más recientes de García Abril, agrupadas en seis cuadernos o colecciones que suman un total de 25 piezas, con una duración aproximada de una hora, cuyos títulos son los siguientes: Tres baladillas, Lontananzas, Tres piezas Alejandrinas, Cinco piezas breves, Diálogos con la luna y Diálogos con las estrellas. “Interpretar estas nuevas páginas del maestro ha sido para mí  una experiencia extraordinaria ante el elevado nivel artístico que se desprende de ellas, en lo que podríamos llamar una etapa más madura, más pura y más bella si cabe”, afirma Coronas.

El disco tendrá difusión en diversas ciudades, salas y formatos a lo largo de la presente temporada 2012-13, que llevará a la pianista a actuar, el próximo 14 de diciembre, en el Salón de Actos del Centro Integrado de Música “Padre Antonio Soler” de San Lorenzo de El Escorial (Madrid), donde tiene previsto ofrecer una conferencia-concierto dedicada al músico, que estará presente en la sala. Posteriormente, el día 20 de este mes, realizará un recital en el Teatro del Carmen de la localidad de Vélez-Málaga,  para ser después presentado oficialmente en Málaga, el 15 de marzo de 2013, en la gran Sala de conciertos “María Cristina”, en la que actuará como solista, con la Orquesta Filarmónica de Málaga, en la interpretación de la obra Alba de los Caminos, que García Abril dedicó a la intérprete. “De nuevo he sido invitada a protagonizar junto con el maestro García Abril el espacio de TVE2 ‘Programa de mano’, para interpretar algunas de estas piezas en directo y charlar sobre el disco. Será sin duda una estupenda promoción”, comenta entusiasmada.

Por su parte, Antón García Abril muestra también su satisfacción ante la llegada de este nuevo disco y nos comenta: “Creo que su iniciativa de grabar este CD es una aportación de gran relieve, para completar la imagen interpretativa de mi obra, garantizada por un trabajo realizado, siempre, con la cercanía permanente a mi persona, lleno de intuiciones artísticas y de espíritu apasionado, del que siempre ha hecho gala la pianista Paula Coronas”.

Finalmente, la concertista nos desvela algunos de sus próximos compromisos. “Ofreceré un recital, el 21 de febrero, en la sede de la Sociedad Filarmónica de Málaga, con un programa íntegramente español”. Asimismo, continúa su labor camerística con una gira de conciertos (Antequera, Benalmádena, Jaén y Málaga),  con la violinista Sabina Coleasa. Por otra parte, hay que destacar su actuación como solista, con la Orquesta Filarmónica de Alicante, en el Auditorio de la Diputación de dicha ciudad, ADDA 

Por: Elena Trujillo Hervá 

Foto: Paula Coronas y el maestro Antón García Abril, a quien dedica su último trabajo discográfico.

 

Operastudio

Operastudio

Publicado: Diciembre 2012
Una iniciativa única en España

En 2010, la Universidad de Alcalá de Henares, a través de su Fundación General, puso en marcha un programa académico nuevo, único en su género en España, Operastudio. Concebido como un proyecto de alta especialización para cantantes y profesionales de la lírica, une los mejores profesionales del sector con la tradición y experiencia académica de la Universidad. Operastudio está dirigido por Lourdes Pérez Sierra, pianista y especialista en gestión de artes escénicas y dirección de proyectos. Volcada desde hace más de una década en el descubrimiento de talentos y en la profesionalización del sector de la cultura, nos cuenta las novedades de la presente convocatoria.

¿Cómo surgió la idea de organizar estas masterclasses de alta especialización?

Los Operastudio son centros de alta especialización para cantantes líricos que tienen decenios de tradición en toda Europa, sin embargo, en España ninguna institución se había lanzado a apoyar una iniciativa de estas características. La Fundación General de la Universidad de Alcalá ha sido pionera en este sentido. El programa se desarrolla de diciembre a julio, a través de distintos cursos magistrales que se pueden cursar de forma independiente. Tiene como principal objetivo ofrecer la mejor formación,  con los mejores maestros, a los mejores alumnos, muchos de ellos ya profesionales en activo. Abordamos temáticas como la ópera barroca, rossiniana o contemporánea que no se trabajan de forma especializada en ningún centro académico. El programa culmina con una gran gala lírica abierta al público en el histórico Patio de Santo Tomás de nuestra universidad.

¿Cuál es el balance de estos dos años de actividad?

El balance es muy positivo, más de 200 profesionales de la lírica han hecho de la Universidad de Alcalá su centro de formación. Y cada vez son más las organizaciones que quieren colaborar con nosotros. Este año contaremos con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, AIE (Sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes), la empresa cervecera Mahou y la colaboración de instituciones como el Ayuntamiento de Alcalá de Henares, el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Autor de la SGAE, la Escuela Superior de Canto de Madrid y Ópera 2001. En tiempo de crisis las relaciones entre instituciones son fundamentales.

¿A quién está dirigido Operastudio?

Mayoritariamente profesionales que ya viven del canto pero que buscan especializarse en distintos estilos o mejorar su técnica con maestros muy prestigiosos que normalmente no son accesibles. Es una especie de MBA para cantantes de ópera, sin embargo nosotros no les pedimos ninguna titulación de acceso, simplemente valoramos la calidad y proyección de sus voces a través de audiciones de selección y fomentamos la formación continua a lo largo de sus carreras.

¿Qué criterios se siguen a la hora de seleccionar los profesores y las especialidades de los cursos?

Durante todo el año voy tomando nota de las tendencias del sector y los maestros y disciplinas que más demandan los profesionales. Por un lado, intentamos rotar los cursos para poder contar con más especialistas; por otro, valoramos también la evaluación que los cantantes hacen del proyecto. En ediciones anteriores hemos contado con el magisterio de, entre otros, Teresa Berganza, Ana Luisa Chova, Edelmiro Arnaltes, Eduardo López Banzo, Pilar Jurado, Ignacio García, Miguel Lerín, Alberto Zedda e Ignacio Cobeta. Este año se incorpora el agente artístico Alfonso Leoz, responsable de las carreras de Jorge de León, Carlos Álvarez y Rocío Ignacio, entre otros. Como novedad, ofrecemos un curso de “Mindfulness” y gestión del estrés para profesionales de las artes escénicas. Esta herramienta se está demostrando muy eficaz para gestionar la tensión y el estrés, tan común del mundo artístico. No hay otra propuesta similar en Europa y lo digo con enorme orgullo ya que aúna los mejores maestros de estas disciplinas con la experiencia y tradición académica de nuestra universidad. Algunos teatros españoles llevan años intentando reproducir la idea sin éxito, entre otras cosas, porque somos un modelo de austeridad difícil de imitar. La Universidad es una garantía de calidad, los alumnos reciben un diploma al terminar el curso que acredita las horas de formación. Además, al finalizar, los ex–alumnos se incorporan a una bolsa de trabajo activa y muchos de ellos realizan recitales remunerados, en colaboración con distintas instituciones.

¿Cómo se inició en la gestión artística?

Es una larga historia donde confluyen diversos factores, por un lado mi infancia, donde me crié rodeada de cantantes. Mi tío Miguel Sierra era un famoso tenor, que llegó a tener el premio Nacional de Canto en 1960. Por otro lado, está mi formación superior como pianista que me ha dado el bagaje artístico. Al acabar la carrera vi claramente que donde más disfrutaba era en el backstage y me especialicé con distintos masters en España y Reino Unido, que fueron dando forma a mi carrera como gestora cultural. También tuve la suerte de trabajar en prestigiosas instituciones culturales como la UIMP, la Residencia de Estudiantes y, desde 2003, en la Fundación General de la UAH.

Más información: http://operastudio.fgua.es

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto: Lourdes Pérez Sierra y el maestro Alberto Zedda.

 

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