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Juanjo Guillem

Juanjo Guillem

Publicado: Abril 2013
La revolución de la percusión

Ferran Adrià es a la cocina o Pablo Berger es al cine lo que Juanjo Guillem a la percusión. No en vano, Guillem pertenece a esa generación de músicos españoles que, amparados por una sólida formación, son el máximo exponente de la modernidad. Profesor de la Orquesta Nacional de España desde 1999, desarrolla paralelamente una reconocida actividad como solista, pedagogo, compositor y  organizador, sin olvidar la interesante labor que lleva desarrollando durante años con Juanjo Rubio y Rafa Gálvez en el grupo Neopercusión con el que abordan obras maestras indiscutibles.

 Nos encontramos con Juanjo Guillem en el aula donde estudia en el Auditorio Nacional rodeado de tambores, marimbas y campanas… Se encuentra preparando el Concierto para percusión y orquesta, de Friedrich Cerha, que tocará los próximos 12, 13 y 14 de abril, dentro del programa Carta Blanca. Se siente afortunado de “poder tocar con la Orquesta Nacional mi tercer concierto de solista en los trece años que llevo en esta agrupación. Es un dato muy positivo, ya que las tres obras han sido estrenos en España. Primero fue el Water concierto, de Tan Dun y después La hora del alma para percusión y mezzosoprano, de Gubaidulina. Los conciertos que he tocado con diversas orquestas han tenido un gran éxito no sólo entre la crítica sino también entre el público, lo que demuestra que la gente está abierta a conocer músicas  nuevas, sin embargo, a la percusión en España le queda un largo camino por recorrer. Tengo en cartera una larga lista de conciertos de grandes compositores que quisiera estrenar pero las instituciones son todavía un poco reticentes y les cuesta programarlos. Me encantaría que las orquestas pudieran programar más de un concierto de percusión cada 5 ó 6 años, eso facilitaría el conocimiento de nuestro instrumento por el gran público y estoy seguro que redundaría en una mayor asistencia a los conciertos”.

Juanjo Guillem lleva años reivindicando la percusión en España. “El problema es que a día de hoy la percusión, que ha evolucionado tímbricamente muchísimo durante el siglo XX, que tiene su técnica específica y que posee un repertorio propio riquísimo, es una de las disciplinas más desconocidas. Se necesita que llegue a un gran número de audiencias, a las grandes salas de conciertos, a los festivales más relevantes. Los percusionistas somos unos músicos con formación clásica que podemos tocar todo tipo de músicas, clásica, contemporánea, étnica, improvisación. No se trata de ponerle etiquetas a la música, sino de facilitar a los jóvenes el acceso al repertorio clásico con programas innovadores que atraígan su curiosidad, pues el público actual que viene a nuestros auditorios a escuchar esas maravillosas obras de arte de Beethoven o Malher se va a perder en unos pocos años como no se le ofrezca otras alternativas. Hay que abrirse a lo actual sin ser elitistas, ahora es el momento de ser más innovadores y ahí tenemos que estar todos, músicos, programadores, gestores, editores, etc”. 

Y aunque siempre ha valorado muy positivamente la oportunidad de haber encontrado en España salidas profesionales a su vocación, “a día de hoy los músicos españoles no somos profetas en nuestra tierra, aun cuando formamos parte de una generacióncuya notoriedad y repercusión internacional no tiene precedentes en este país. Con 20 años me fui a estudiar a Francia donde me ofrecieron tocar con los percusionistas de Estrasburgo y rechacé esta oferta, como hice con otras años después en Manchester y en diversas partes de Europa porque quería desarrollar mis proyectos en mi país”. Y a pesar de lo que ha evolucionado la vida musical española en los últimos 30 años, “los artistas extranjeros siguen contando con el apoyo que se nos niega a los músicos españoles y no da la impresión de que haya una industria cultural que pueda conseguir que los españoles tengamos proyección internacional y las excepciones confirman la regla”.

Juanjo Guillem es, ante todo, un músico comprometido con el tiempo que le ha tocado vivir. Su forma tan personal de hacer música no es más que el resultado de una mentalidad abierta, que se guía por su gran curiosidad por descubrir nuevos repertorios y los más innovadores lenguajes. Ese es también el germen de Neopercusión,  “con el que Rafa Gálvez y yo  procuramos ofrecer proyectos innovadores y de altísima calidad artística. Cada año presentamos al público obras ya míticas del legado musical del siglo XX que hasta ahora no se habían interpretado en España, como Musik Im Bauch (1975), de Stockhausen, Exótica (1972), de Kagel, o Triangle Carre (1982), de Aperghis”. También contribuyen a la ampliación del repertorio, “pues son muchos  los compositores que nos dedican sus nuevas creaciones”.

Desde el año 2008, Neopercusión es grupo residente del  madrileño Distrito de Chamberí. En el Teatro Galileo y en otros espacios desarrolla dos interesantes ciclos de conciertos anuales: Konekt@rte Sonoro y Ritmo Vital. “Konekt@rte es un ciclo muy ecléctico que se celebra entre mayo y julio. En la próxima edición contaremos con Raquel Andueza, con la que ofreceremos una obra estreno en España de G. Crumb y un estreno absoluto de A. Carretero. En el segundo concierto tocaremos obras de Reich y Cage, entre otros, en espacios insólitos de Chamberí, en una jornada que finalizaremos en el patio del Centro Cultural Galileo con una obra de John L. Adams. Y la tercera cita será un concierto de jazz, en la Plaza del Carmen de Chamartín”.

Después vendrá Ritmo Vital, “que es un ciclo cuyo eje es la música para percusión y que se desarrolla entre los meses de octubre, noviembre y diciembre. Nuestras propuestas no se reducen a una sesión de música en directo al uso, sino que se transforman en todo un espectáculo de fusión de géneros y estilos musicales”.

Y esto no es todo porque “el 24 de abril, en el Auditorio Nacional, dentro del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical, presentamos con el trompetista Markus Stockhausen, el programa ‘Música intuitiva’, que va más allá de la imporvisación ya que se trata realmente de crear música en el mismo instante de su ejecución; un nuevo paso en nuestra trayectoria artística. En julio grabamos, en el Auditorio de Zaragoza, la obra de R. Humet Interludis meditatius para Shakuhachi y 4 percusionistas, con el sello Neu Records, con Kaoru Kakizakai como solista. Y tenemos en proyecto dos grabaciones más, un monográfico dedicado a Jesús Torres, y otro CD que incluirá piezas escritas para nosotros de Verdú, Torres, Humet y Carretero”.

Más información: www.neopercusion.es

Elena Trujillo Hervás

Iñigo Alberdi - Orquesta Sinfónica de Euskadi

Iñigo Alberdi - Orquesta Sinfónica de Euskadi

Publicado: Marzo 2013
Racionalizar recursos no es recortarlos


RITMO se ha dirigido al director general de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Iñigo Alberdi, solo pocos días después de que tras las elecciones autonómicas y el cambio de gobierno, fuera ratificado en su cargo. En estos tiempos que corren resulta inevitable hablar de la crisis económica. Nos azota, de una forma u otra, e Iñigo Alberdi nos ha querido explicar cómo está afectando a la entidad que dirige y qué previsiones hay para un futuro inmediato, tanto en el ámbito económico como en el artístico. Lo hacemos en un año en el que finalizará la dirección artística de Andrés Orozco-Estrada y donde se irá perfilando el nuevo director, que llegará previsiblemente en la temporada 2014/15. Pero también hablamos de música, de estrenos, de problemas, de sueños…E Iñigo Alberdi, que siempre soñó con haber podido estar en el estreno de La Consagración de la primavera, no se esconde y responde prolijamente a todas las cuestiones. Afronta su séptimo año y nos indica que la duración media de sus antecesores ha sido de una decena años. ¿Estamos ante su último periodo? Alberdi sonríe y nos enseña las partituras de órgano con las que práctica, dispuesto a responder.

ENTREVISTA

Por encima de coyunturas políticas, ¿qué importancia tiene su permanencia como director general de la OSE?

Creo que es muy importante. Independientemente de los distintos gobiernos, que una estructura como la OSE, que responde a la voluntad cultural de una institución pública, tenga continuidad, ha de verse con normalidad y es lo deseable. A nivel personal, es un honor que se cuente conmigo para esta labor y, en mi séptimo año de trabajo, considero una suerte poder continuar en el cargo. Más allá de credos políticos, tenemos que diferenciar los ámbitos político y cultural.

Estamos inmersos en una brutal crisis. En estos momentos el nuevo Gobierno vasco está elaborando los presupuestos para el 2013. ¿Alguna novedad?

Llevamos sufriendo problemas presupuestarios desde 2011 y las previsiones son de mayores recortes. No podemos ocultar que nos preocupa mucho. Estamos obligados a redefinir aspectos como la política de contratación y racionalizar la programación. Lo que ocurra de aquí en adelante nos obligará a afrontar los problemas estructurales según se vayan produciendo. Si bien, vamos a tratar de garantizar a los aficionados el nivel de calidad artística que hasta ahora ha ofrecido la OSE. En este sentido, no veo ningún riesgo.

En relación con las entidades privadas colaboradoras, ¿existe preocupación por la implicación de las mismas con motivo de la crisis?

No, más bien todo lo contrario. En los últimos años hemos tenido la suerte de hacernos atractivos a varias empresas con las que hemos tejido alianzas que se concretan en sustanciosas aportaciones económicas, pero estas alianzas tienen además un carácter social muy importante. En el año 2011 conseguimos el record en esta colaboración privada.

Y el público…

Sin duda, el público es nuestro mayor tesoro. Tenemos siete mil abonados y puedo decir que en los últimos tres años de profunda crisis nos hemos mantenido en estos números. Mantener estos datos de participación por parte de nuestros abonados es muy significativo. Estamos preocupados, evidentemente, porque la situación es complicada pero, en mi opinión, esta cifra es señal del enraizamiento que la Orquesta tiene en el País Vasco. En verdad, es casi un milagro.

¿Se prevén líneas de actuación para evitar el descenso de abonados?

Sí. La primera medida es la contención de precios en los abonos y en la venta de entradas sueltas. Siempre hemos tenido una política de precios agresiva; escuchar a la OSE siempre ha sido asequible y mantendremos esta política en el futuro. Por otro lado, hemos de observar la evolución de la audiencia y atender a la diversificación de nuestro producto. No inventamos nada, pero tenemos que llegar a un público diferente. Por ejemplo, me preocupa mucho poder llegar a ese otro público ocasional que también ha de conocer este servicio público y, en este sentido, tenemos diseñada una estrategia de comunicación para llegar al mayor número de personas.

En esa línea de fidelizar al público, ¿va a apostar por una programación conservadora?

Creemos que nuestro público está buscando la amplitud de todo el repertorio. No podemos reiterar la programación de unas pocas obras, nuestra obligación es ofrecer todo el espectro musical.

Precisamente este año la OSE, que conmemora su trigésimo aniversario, ha hecho una apuesta valiente programando el estreno de varias obras de pequeño formato. ¿No es esto ir contra corriente?

Este proyecto es muy importante porque pone a la orquesta en el circuito internacional. La reacción de la gente está siendo variable y observamos cómo, en general, nuestro público además de fiel es curioso y está aceptando con normalidad este tipo de obras. La actividad de una orquesta como la nuestra debe contemplar tanto a los clásicos como las novedades. Ello nos ha servido para aparecer como una orquesta activa, capaz de establecer interesantes relaciones con empresas dispuestas a abordar el mecenazgo de este tipo de proyectos; al tiempo que ofrecemos atractivos programas al público, que puede escuchar obras de compositores vivos, muchos de ellos presentes en los conciertos. Por cierto, la obra que nuestra orquesta encargó a Peter Eötvös ha sido interpretada recientemente en Burdeos y la que encargó a Iván Fedele en Rai Torino. Es bonito poder ver como nuestros encargos tienen proyección.

Recientemente, algunos políticos han abogado por la fusión de las orquestas de Euskadi y Bilbao. ¿Puede usted dar pros y contras de esta hipotética fusión?

Si atendemos esencialmente a los criterios artísticos, puedo afirmar, sin duda alguna, que las dos orquestas son indispensables para mantener la actividad musical de este país.  Si tenemos que hablar de racionalizar recursos, que no olvidemos son públicos, estaríamos ante una posible fusión. Pero, racionalizar recursos no es lo mismo que recortarlos. En época de crisis, hay personas para las que el futuro de una orquesta sinfónica no es priotario. No obstante, hemos de mirar hacia atrás y ver cómo en las últimas décadas se han creado unas infraestructuras culturales que debemos mantener y aprovechar de forma racional.  Para el futuro desarrollo cultural del país es muy importante no echar abajo los logros culturales conseguidos hasta ahora. Indudablemente, la aportación económica que se hace a la OE es social y, culturalmente, muy rentable.

Estamos a mitad de temporada. ¿Cuál es en su opinión el balance?

A pesar de las incidencias que hemos sufrido, como la cancelación de Franz Peter Zimmermann o la enfermedad de nuestro director y del solista de oboe en el mismo concierto, estamos muy satisfechos. Los estrenos han tenido un impacto mediático importante y el público ha respondido. Son tiempos difíciles, pero la venta de entradas va bien y podemos sentirnos satisfechos. Y prevemos que la segunda mitad vaya por el mismo camino. Llevaremos a cabo una importante labor como orquesta embajadora, pues viajaremos a Burdeos, Madrid y París, en esta última ciudad con La Cenicienta, de Prokofiev, acompañando al Ballet de Biarritz, que cerrará la temporada de abono.

Y supongo que la próxima temporada estará ya cerrada.

En gran medida. Ya daremos en su momento la información pero puedo adelantar que, excepcionalmente, la próxima temporada estará vertebrada por una idea troncal muy clara, que espero sea atractiva para el público.

Por: Enrique Bert

Andrea Bacchetti

Andrea Bacchetti

Publicado: Marzo 2013
Entre Bach y Berio


Con motivo de sus próximos conciertos en España, dentro del ciclo “Bach Modern” del Centro Nacional de Difusión Musical, el 8 de marzo, con música de Bach y Berio, y dentro del XI Festival Pórtico de Zamora, el 10 de marzo, RITMO ha entrevistado al pianista genovés Andrea Bacchetti (1977). Reconocido intérprete de la música de Bach y considerado uno de los principales defensores del patrimonio musical para teclado de Italia, el italiano está llevando a cabo fundamentales grabaciones, como se demuestran en sus discos dedicados a Marcello, Galuppi, Cherubini o Clementi, al que acaba de incorporarse Domenico Scarlatti, con la última grabación de Bacchetti, titulada “The Scarlatti Restored Manuscript”.

ENTREVISTA

¿Podría hablarnos de su último disco, “The Scarlatti Restored Manuscript”? ¿Cuáles son las principales diferencias de este “material restaurado”?

Fundamentalmente no hay diferencias. El trabajo de restauración, por así decirlo, ha sido el del embalaje, el del daño que han sufrido a lo largo de los siglos. Los textos originales de las partituras de Scarlatti, cuya grafía era muy buena y muy clara (el estudio científico “form mentis”), apenas han sufrido y se han mantenido intactos, no como en los casos de Galuppi y Marcello, cuyos manuscritos han llegado en peores condiciones.

Este manuscrito era propiedad de Bárbara de Braganza y, si era así, ¿cómo es que se ha descubierto ahora, tan “tarde”?

El manuscrito fue dado a la Biblioteca Marciana (también conocida por Biblioteca de San Marcos) por una importante familia de Venecia. Ellos lo obtuvieron en el siglo XVIII, a través de una herencia del castrato Farinelli. Ahora se conserva en la Biblioteca Marciana de Venecia, una antigua e impresionante institución, una de las más importantes de Italia y del mundo, que conserva increíbles tesoros.

Qué relación existió entre Bárbara de Braganza y Scarlatti, el cual creo que le escribió cientos de Sonatas?

La Princesa fue alumna de Scarlatti en Portugal, posteriormente lo fue también en España cuando accedió al trono de Reina de España.

Sin entrar en polémicas acerca de la idoneidad instrumental, la partitura original es para clave, pero usted la toca al piano ¿Por qué no la interpreta al clave?

El sello para el que he grabado este “The Scarlatti Restored Manuscript” es RCA, que como sabrán los lectores mantiene desde hace décadas una importante tradición interpretativa pianística de música originariamente para clave o fortepiano, que comenzó con Rubinstein y Horowitz. Desde 1800 la música barroca ha sido tocada en pianos modernos. Esta elección va en consonancia con un siglo de historia interpretativa.

Hablemos de Bach y de su misterio, del que es usted un asiduo intérprete. Explíquenos esta eterna fascinación que produce su música…

Es muy difícil explicar racionalmente la fascinación que produce la música de Bach. La universalidad de su mensaje habla por sí misma. Toda esta música está atravesada de una absoluta perfección en la estructura, que revela una emoción indescriptible y una plenitud espiritual extraordinaria. Es el placer de lo trascendental.

¿Qué es más importante para usted como músico y pianista, la arquitectura de la obra, su estructura y el todo ordenado, o el contenido emocional? 

Ambas cualidades están a un nivel similar. En la música de Bach ambas cualidades no pueden existir sin la presencia de la otra. La interpretación de la obra, de una pieza de música escrita, siempre debería ser una síntesis de la razón y el corazón por la personalidad del intérprete, que revela aspectos diferentes de la obra. En la música de Bach esta dialéctica es particularmente importante. La armonía anima la estructura, le insufla aliento vital y, en cierto modo, la hace imprevisible, ayudando a crear y a hacer crecer la emoción.

¿Piensa usted que Bach conscientemente era conocedor de su genio?

Creo que sí. La omnipotencia de su música era bien conocida en todos los entornos del mundo musical y cultural de la época, en Europa y en particular Alemania. Pero, quizás, Bach no podía prever la longevidad de su fama, a partir principalmente del momento por el cual una parte de su trabajo se quedó bajo la difusión de uno de sus hijos, que tuvo el trabajo de “informar” a las generaciones siguientes de la obra de su progenitor. No se sabe cuál fue el motivo de esta decisión, pero creo que fue un gran error, vista la grandeza natural de esta música. Esto me hace pensar que quizás la familia Bach no tenía mucha confianza en el futuro...

En las Suites Francesas, Bach empleó no solo influencias francesas, también el estilo italiano. ¿Sabemos si fue más feliz el Bach que conscientemente intentó nuevas cosas o si este fue un modo de composición más académico?

Para nada. Creo que el estilo de composición de Bach no es absolutamente académico.

No quería exactamente decirle eso...

Claro. Le decía que, para Bach, en las Suites debía elevar el sentido académico de la danza, de los bailes de cada Suite, creando movimientos mucho más allá de los convencionales, entrelazando movimientos no presentes en la canónica serie de danzas: allemande - corrente – sarabanda - gigue. Y en cada Suite siempre es diferente: bourrèe, gavotte, minué, seguidas de una loure en la Suite en sol mayor (n. 5 BWV 816), el único ejemplo de danza “renacentista” en toda la música para teclado de Bach. Por tanto, creo que Bach mezcla todos los estilos en esta Suite, trascendiendo y superando el contenido y la concepción pedagógica de la serie.

Considerando a grandes e históricos pianistas como Schnabel, Fischer o Landowska, aunque fuera clavecinista, y si los escuchamos hoy en día, descubrimos que los conceptos interpretativos sobre Bach han cambiado. ¿Nos puede dar una explicación acerca de la evolución de los diferentes estilos bachianos?

Creo que el modo interpretativo de Bach ha evolucionado en los últimos cincuenta años en la dirección de una mayor plasticidad y una pérdida de peso de las líneas. No es que Fischer, Landowska o Schnabel fueron pesados en el fraseo, aunque en determinadas ocasiones tomaran tempi más lentos. La siguiente generación de pianistas, con Murray Perahia, András Schiff, Grigory Sokolov o Angela Hewitt, ha contribuido a esta dirección de acelerar los tempi y en clarificar líneas, sin perder en profundidad y penetración expresiva. En la improvisación sobre los adornos en los ritornelli, que añaden fantasía y cierto aire imprevisible, en los intérpretes históricos no se encontraron verdaderos ejemplos de fantasía, que hicieron suya la fantasía en el ejercicio del pedal y de la tímbrica. La evolución de esta recuperación del instrumento ha favorecido estos procesos, a veces también llevándolos a efectos excesivos y, por lo tanto, yendo contra la esencia universal de la música barroca. Por fin hoy se toca Bach teniendo en cuenta su pasado, su esencia danzable y, como he dicho antes, hasta con influencias de danzas renacentistas, sin, en todo caso, perder el aspecto personal del intérprete, su sensibilidad humana.

En esta grabación, usted toca en un piano de una gran claridad y transparencia. ¿Es muy importante la elección del instrumento? ¿Hay un piano para cada repertorio?

Creo que el instrumento es importante para un intérprete. Si un pianista es bueno, aprovecha las cualidades de los instrumentos y, en cambio, no debe culparles de si no ha salido bien su interpretación. Hay ciertos compositores que necesitan una investigación profunda, como por ejemplo Bach, para el que se descubren hallazgos que requieren un instrumento especial. Este es el caso de los pianos Fazioli, que es el que empleo en Bach. Este piano posee una maravillosa sonoridad, muy suave y rica, en particular en el aspecto tímbrico, ideal para esta música, sin mutilar el entorno y el contexto galante de los bailes.

En numerosas grabaciones se percibe que la elección de un instrumento histórico es desafortunada para esa música. ¿Cómo ve usted la interpretación historicista en este repertorio?

Creo que la práctica de los instrumentos originales en la música barroca es muy interesante desde un punto de vista cultural. Forma parte de nuestra civilización, de nuestro pasado musical, una importante etapa de nuestra evolución artística. Los hay que dicen que no se puede tocar el barroco en un instrumento moderno. Sin embargo, con los recursos del instrumento moderno, conquistado tras siglos de perfeccionamiento, modificaciones y experimentos, el intérprete puede hacer buen uso de él, como prueba del progreso de la ciencia mecánica y para hacer un mejor servicio al compositor. Los colores, la dinámica, los pedales, piensen que no conllevan un daño al repertorio barroco, en todo caso acrecientan el poder emotivo y comunicativo.

¿Qué rol juegan en el contexto histórico de la música Benedetto Marcello y Baldassare Galuppi, de los que ha grabado sendos y excelentes discos pianísticos?

En realidad ambos ocupan un papel marginal por la producción instrumental. Sus logros están en la producción operística, principalmente en la ópera buffa. Mi deseo de búsqueda y redescubrimientos de estos repertorios es esencialmente una operación cultural dirigida a dar a conocer un repertorio desconocido que, a rasgos y en detalles, posee páginas geniales, dignas de compositores contemporáneos importantes. Se trata, en todo caso, de un espíritu de amor patrio que, a mi juicio, cada intérprete debería tener, sobre todo los que provienen y se han formado en tierras que no poseen gran tradición cultural.

Usted no solo es un especialista en la música de Bach, está también interesado en la música contemporánea, como en el caso de Berio. La música de Berio es fantástica, ¿pero hasta dónde llega la capacidad del pianista de elegir qué música contemporánea tocar entre todas las nuevas creaciones? ¿Cómo percibe usted cuál es la música que es buena y cuál no?


A menudo los compositores me mandan sus obras para piano. Para poder discernir la buena música de la menos buena, el proceso es el siguiente: primero las leo interiormente, seguidamente les otorgo sonoridad física en el teclado, tratando de entender si más allá del sentido acabado también hay una emoción que pueda ser transmitida al público, como color o fantasía. Naturalmente, con maestros como Berio este proceso se invierte, ya que su música se convierte desde su firma en música absolutamente maestra. Creo que, en todo caso, hoy es bastante difícil encontrar buena música contemporánea para piano, principalmente por la dificultad del lenguaje y por falta de una auténtica identidad nacional.

Háblenos del piano de Berio, del que es usted un gran defensor y especialista…

Tuve la suerte de encontrarme con el maestro Berio cuando yo tenía once años, con ocasión de un recital en el Festival de Salzburgo con motivo de haber sido seleccionado en el Mozarteum de Salzburgo. Desde aquel momento he estudiado y trabajado bajo su supervisión y guía, hasta su prematura desaparición. Ha sido una experiencia de grandísimo valor humano y artístico. He tocado en numerosas ocasiones, estando Berio presente, como en el Festival Pianistico Internazionale di Brescia e Bergamo, en el Museo della Scala a Milano, en París, Florencia, etc., y he grabado para el sello Decca “Berio Piano works”, trabajando conjuntamente con el maestro. Al trabajar este repertorio durante tantos años junto al propio Berio, he tenido la suerte de llegar a interpretar estas músicas muy cerca del pensamiento original de su creador, a su lenguaje musical y a su estilo compositivo, muy innovador y de gran interés.

Gracias maestro. Estaremos atentos a su fusión Bach-Berio dentro del Ciclo “Bach Modern”.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro


Disco NOVEDAD

THE SCARLATTI RESTORED MANUSCRIPT.
Obras de D. SCARLATTI (Sonatas K. 174, 171, 176, 170,
162, 164, 149, 154, 148, 172)
y Antonio SOLER (4 Sonatas).
Andrea Bacchetti, piano.
RCA, 88765417252


Comentario Discográfico

El placer de ensimismarse

Al igual que el disco dedicado a Marcello (“El pianista genovés vuelve a sorprender por su asombrosa efectividad expresiva, lograda con los mínimos medios. Pese a emplear un piano moderno, no abusa para imprimir carácter a las obras, sino que, sutilmente, va trazando el camino para que la música hable por si sola... Estilísticamente impecables, las piezas van avanzando sin prisas, destilando a cada compas hasta la última gota de sustancia musical”. RITMO, enero de 2012), este espléndido registro cuenta con el patrocinio de la Banca Carige de Génova, que ha hecho posible que Bacchetti vuelva a sentarse al teclado para ofrecer todo su arte sobre el pianismo italiano, en principio impregnado de compases repletos de alusiones vocales y operísticas, que era la música que dominaba la creación italiana en siglo XVIII. Aunque el caso de Domenico Scarlatti, que en España conocemos muy bien, no fue precisamente el que más se volcó con la música vocal, ya que su producción para teclado comprende esas más de 600 Sonatas, que tanto juego han dado y dan a los pianistas. Como ya nos cuenta en la entrevista, estas Sonatas eran propiedad de Bárbara de Braganza y el manuscrito se encuentra preservado en la Biblioteca Marciana de Venecia. No son precisamente Sonatas muy interpretadas, si exceptuamos la Sonata en mi mayor K 162.

Bacchetti, con un sonido de una pureza extraordinaria, repleto de claridad, se deja llevar por las musas de la abstracción, que es el estado que parece gustarle más, aunque el vibrar rítmico de las Sonatas más ágiles (K 172, K 149, K 176) le es de un buen gusto incuestionable, otorgando una sobriedad rítmica ajena al exceso y al desbordante sentido del humor, que late en el espíritu de las obras. Cuando el genovés se ensimisma y se concentra, obtiene bellísimos resultados, “extraños” tratándose de obras relativamente breves, pero de una intensidad expresiva muy grande, como en la belleza que obtiene en las repeticiones de la Sonata K 174 o en la deliciosa atmósfera de la Sonata K 148. Como bonus, y en homenaje y en consonancia con Domenico Scarlatti y Bárbara de Braganza, Bacchetti ha incluido cuatro Sonatas del Padre Soler (do mayor, si mayor, re bemol mayor, mi mayor) de una cristalina concepción, preciso enfoque tímbrico y “scarlattiana” presencia.

Más información: www.andreabacchetti.net

G.P.C.

 

Marina di Giorno

Marina di Giorno

Publicado: Marzo 2013
El piano en su esencia


Esta pianista franco-italiana recibió un premio con solo cuatro añitos de Radio France, demostrando ser una niña prodigio, que se mantuvo con las más altas calificaciones en sus estudios pianísticos, realizados con Susan Campbell y Bruno Rigutto, con quien se formó en el Conservatorio de París, teniendo como profesores a Claire Desert, Ami Flammer, Yovan Markovich y Marc Coppey. Completó su formación en la Escuela Superior (HEM) de Ginebra, donde obtuvo el “Master of Art Spécialisé Soliste” en la clase de Pascal Devoyon. Se ha perfeccionado con Dominique Merlet, Raman El Bacha, Christian Ivaldi, Jean-Claude Pennetier, Jean-François Heisser, Michel Beroff y, en música de cámara, con el Cuarteto Juilliard y el Trío Wanderer. Grandes nombres que han formado a una gran pianista.

Marina ha actuado en importantes festivales y en salas de prestigio internacionales, como Ars Terra, “Rencontres Internationales Chopin à Nohant”, Musicora del Louvre, Festival Chopin de Bagatelle, “Moments Musicaux Jeunes Prodiges et Musiciens Prodigieux”, “En Première Partie d'Alain Planès”, Festival La Roque d'Anthéron, “Classique au Large” de Saint-Malo, “Concerti del Tempietto” de Roma, Société des Arts de Genève, Théatre du Chatelet, Salle Adyar o en la Cité de la Musique de París, entre otras. Recientemente ha actuado en el Chatelet en las funciones de Alicia en el país de las maravillas, además de recibir el Premio MEGEP por la interpretación de las obras del compositor francés Lucien Durosoir (1878-1955).

El arte de Marina es un arte fundamentado en su sólida técnica y en el profundo estudio de la música, al que se une su don natural para la interpretación. Marina ha firmado un acuerdo con el sello Passavant para realizar una serie de grabaciones para piano solo. Los primeros discos de esta colaboración, como comprobamos en el recuadro discográfico, justifican el acierto de apostar por esta pianista.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro
 

Discografía

L’INVITATION AU VOYAGE.
BRAHMS: 4 Baladas op. 10.
SCHUMANN: Sonata núm. 2.
GRANADOS: de Goyescas: El fandango de candil,
Quejas o La maja y el ruiseñor, El amor y la muerte.
GINASTERA: 3 Danzas argentinas op. 2.
Passavant, PAS225081

CHOPIN: Sonata n. 3. 2 Nocturnos Op. 48.
SCHUMANN: Escenas de niños. Arabesca.
Passavant, PAS225072

CLAIR OBSCUR. DEBUSSY: Estampes.
RAVEL: Miroirs. SAINT-SAËNS: Danse macabre.
Toccata Op. 111.
Passavant, PAS225031

 

Comentario discográfico

Esta joven pianista francesa (nacida en 1989), de origen italiano por parte materna, admite ser una enamorada de la música española e hispanoamericana, y el próximo disco que prepara se dedicará a este repertorio. En efecto, en el primero de estos tres discos suyos, el titulado “L’invitation au voyage”, incluye tres piezas de Goyescas interpretadas con pleno conocimiento del peculiar estilo de Granados y entre las cuales la balada El amor y la muerte alcanza una de las recreaciones más impresionantes que existen en disco (Larrocha incluida). La gracia y la chispa, el sentido del ritmo y el virtuosismo de buena ley con que expone las 3 Danzas de Ginastera nos permiten adivinar que en la música del subcontinente americano se halla igualmente a sus anchas. Pero en este primer disco suyo para el sello Passavant es probable que lo más admirable y redondo resulten ser unas piezas tan alejadas de lo hispano como las bellísimas 4 Baladas Op. 10 de Brahms. Su sonido, siempre de gran riqueza de armónicos, es aquí brahmsiano por los cuatro costados, y no exagero al afirmar que, sobre todo la Primera, con una magistral graduación de intensidad hacia el clímax, nada tiene que envidiar a las más reputadas grabaciones existentes.

El segundo disco aborda obras no menos comprometidas de los dos más prominentes compositores románticos: en la Tercera Sonata de Chopin compagina con perfecta lógica robustez y lirismo, no dulzón sino sobrio y hasta recio, cerrándola con un Presto non tanto lleno de brío, energía y tensión. De sus dos Nocturnos Op. 48 llama la atención el hosco, potente, tremendo dramatismo que despliega en el primero. Acierta a diferenciar con claridad de su estilo el de Schumann: las Escenas de niños, nada empalagosas, suenan en sus dedos no como música de niños, sino como música de un adulto para adultos sobre el huidizo, ignoto mundo infantil, tan hondamente explorado y sentido por el autor de la Sinfonía “Renana”.

Y en su recorrido sobre el universo de tan diversos compositores no falta el acercamiento a los franceses, en un disco con ilustraciones de la pintora Eska Kayser: a un Debussy en el que pone en juego su aguda percepción tímbrica, como en Pagodes, o su atinado perfume español en la Soirée dans Grenade. Ravel resulta no menos certero: fuerte sentido plástico en Une barque sur l’océan, aire depresivo en La vallée des cloches, así como ironía y extremada claridad en la intrincada Alborada del gracioso. La Danse macabre pone a prueba, en su transcripción de Liszt arreglada por Horowitz, los dedos del pianista más dotado; Di Giorno sale airosa en ésta y la otra pieza de Saint-Saëns, la Toccata op. 111 (arreglo del finale del Quinto Concierto, dedicado por el autor al virtuoso Raoul Pugno). Técnicamente, las grabaciones de los tres discos son modélicas.

Por: Ángel Carrascosa Almazán

Foto: La pianista Marina di Giorno.
Acred. Studio Martín

Juan Carlos Rodríguez

Juan Carlos Rodríguez

Publicado: Marzo 2013
A ratos Florestán, a ratos Eusebius


Con motivo de su grabación para el sello Naxos de un monográfico dedicado a Robert Schumann, música con la que ha pasado horas y horas de estudio y profundización hasta llegar a plasmarla al disco, el pianista Juan Carlos Rodríguez se adentró en el tormentoso mundo del compositor alemán, transfigurándose a ratos en Florestán y a ratos en Eusebius, los dos estados emocionales del autor del Carnaval y la Kreisleriana. En RITMO tenemos la oportunidad de conocer a un pianista puntero de su generación, llamado a representar a España en los próximos envites, discográficos y concertísticos, que le aguardan. Desde esta revista iremos contando paso a paso, con la fuerza de Florestán y la reflexión de Eusebius, las experiencias de este formidable pianista.

Cuando la última nota de la Sonata Op. 1 de Alban Berg se desvanece en el aire, tras diez minutos de vendaval poético, el pianista Juan Carlos Rodríguez alza la vista, se despoja del espíritu de Berg que le ha poseído durante la interpretación de la Sonata y recibe los apasionados aplausos del público, que le ha estado escuchando absorto en una música que Juan Carlos, como muchas otras, ha hecho suya en el escenario. Así son las interpretaciones de este pianista gaditano, uno de los grandes talentos pianísticos de su generación. Apasionado defensor de toda la música, desde la música pianística, por “deformación profesional”, a la música barroca con instrumentos originales, de la que se declara “un coleccionista de todo lo barroco y especialmente de los compositores menos frecuentados, ¿ha escuchado el maravilloso Mondonville de Minkowski?...”, el arte de Rodríguez abarca desde las obras de Bach hasta el piano de nuestros días.

Este pianista, nacido en Cádiz, ha sido alumno de Pilar Bilbao, quien le transmitió, entre muchos valores y conocimientos, su amor por Claudio Arrau: “no solo por su nivel técnico, especialmente Arrau me fascina por la comprensión que hace de la música, por ejemplo Brahms o Beethoven, cuando se los escuchas, da la sensación que ha sido Arrau el propio compositor de lo que está tocando; ha sido el pianista más completo en todos los aspectos”. Así mismo, Juan Carlos Rodríguez ha recibido valiosos consejos de eminentes músicos de renombre internacional, tales como Hans Graf, Brétislav Novotny, Edith Fischer o Solomon Mikowsky. Como casi todos los músicos y pianistas de su generación, Juan Carlos ha tenido su etapa de concursante internacional, que le ha provocado tener una estantería similar a la de Rafa Nadal, acumulando premios y galardones internacionales, como los Premios en los Internacionales de “Les Corts” (Barcelona), “Ciudad de San Sebastián”, “Ciutat de Carlet” (Valencia) o el Premio de Interpretación Musical del Palau de la Música Catalana (Barcelona). Ha ofrecido diversos recitales por España, Portugal, Francia, Alemania, Suiza e Italia, con presentaciones en el Auditorio Kursaal de San Sebastián, Fundación “Juan March” en Madrid, Auditorio de Ibercaja en Zaragoza, Palacio de Festivales y Congresos de Cantabria, Universidad de Deusto en Bilbao, Palau de la Música de Valencia, Palau de la Música de Barcelona, Fundación "Paul Hindemith" en Blonay (Suiza) o Gewandhaus Leipzig, entre otras.

Schumann en Naxos

Admirador de pianistas contemporáneos como Kissin, Volodos o “el maravilloso estilo beethoveniano de Rudolf Buchbinder”, Juan Carlos ha iniciado una colaboración con el sello Naxos, donde acaba de grabar un monográfico Schumann que nos recuerda a aquellos rebuscados y originales programas de Sviatoslav Richter. “Una vez analizadas las propuestas de Naxos, decidí decantarme por el disco dedicado a Schumann, no sólo por la relación que he tenido con este compositor desde muy niño y adolescente (recuerdo un recital que ofrecí con 14 años en el que interprete su Kreisleriana Op. 16). Este disco presenta, en mi opinión, un contenido bastante original, elaborado por obras de Schumann escritas durante periodos de gran madurez. No obstante, aunque no constituyen piezas de su repertorio más conocido, aportan una visión muy interesante sobre la concepción que tenía este compositor de la música para piano, desde las Marchas Op. 76, con su esencia rítmica contrastada con partes realmente líricas, hasta las Fugas Op. 72, donde podemos apreciar la enorme maestría que poseía el autor para desarrollar esta forma musical. En este sentido, estas Fugas parecen presentarse como un homenaje a Bach (del cual recomendaba la interpretación de su Clave Bien Temperado a diario) y, al mismo tiempo, presentan un sello personal que las definen como obras auténticamente schumannianas. En ningún momento constituyen un simple ejercicio formal, sino una manera diferente de concebirlas”.

Juan Carlos Rodríguez ha realizado grabaciones para Radio Clásica de Radio Nacional de España, Catalunya Música y Radio Suisse Romande, actuando en la Quincena Musical de San Sebastián, Festival Internacional de Música de Saint Legger (Suiza) o en el Festival Internacional de Música de Canarias. Igualmente ha ofrecido clases magistrales en los Cursos Internacionales de Música de Tenerife, Universidad Internacional de Andalucía y Curso Internacional de Música de Vitoria-Gasteiz. Entre sus proyectos más inminentes, cabe destacar varios recitales en Viena, en la Embajada de España, así como en el Instituto Cervantes, y una gira de conciertos en China, que le llevará hasta Pekín, Tianjin, Shanghai o Nanning, y otra gira por Japón, donde actuará en Tokyo, Nagoya y Osaka. También hará su debut en una de las salas con mejor acústica de Europa, la Philharmonie de Colonia, con un recital dedicado a Robert Schumann, donde tendrá que hilar bien fino, ya que esta ciudad renana es plaza fuerte schumanniana.

Otros proyectos discográficos

Este proyecto discográfico con Naxos ha encontrado vías paralelas en otros dos sellos de reconocido prestigio, como Capriccio y Nightingale Classics. En el primero, Juan Carlos realizará en Viena una grabación, junto a la soprano Arantza Ezenarro, con obras de compositores vascos, donde añadirá una selección de preludios vascos para piano. También en Capriccio, y cómo no podía ser menos para un gaditano que reside en Granada, grabará la integral de la obra para piano de Manuel de Falla. Hasta ahora Juan Carlos mantiene el mismo periplo de su paisano y admirado Falla, de Cádiz a Granada, esperemos que el siguiente paso no sea marcharse a la Argentina… En el sello Nightingale Classics, junto al afamado cellista Friedrich Kleinhapl, grabará un recital de obras para cello y piano. 

Novedad discográfica

BEETHOVEN: Sonata Op. 111.
FALLA: Cuatro Piezas Españolas.
ALBÉNIZ: El Albaicín.
Juan Carlos Rodríguez, piano.
Solfa, SR1112090

Este disco se puede entender, dada la mezcla de estilos, como las dos pasiones de Juan Carlos Rodríguez. Por una parte Beethoven y todo lo que significa, incluyendo la gran música europea (como es el Schumann que ha grabado en Naxos) y, por otra, la música española, necesariamente muy dentro del pianista, que desde muy pequeño ha ido con ella, voluntaria o involuntariamente, de clase en clase, de pasillo en pasillo, escuchándola en los conservatorios españoles, como todos los pianistas que se han formado en este país. Ahora bien, ofrecer una interpretación como esta, de la Op. 111 de Beethoven, no está al alcance de cualquier pianista. Alejada de extrañas metafísicas, en especial en la Arietta, donde el pianista gaditano la enlaza con el aire suelto y fresco de las Diabelli, sorprende la constante energía y los bellos detalles de acentuación (trinos en la parte fugada del Allegro con brio). Hay que cambiar de registro para escuchar a Falla, que Rodríguez lo toca como si abriésemos con brío una ventana en una oscura habitación, tal es la luz que desprende su pianismo. Algunos pasajes los toca con tanta naturalidad (Cubana), que se percibe un rastro de humo y de choques de vidrios y líquidos en el ambiente. El Albaicín, para este granadino de adopción, que se habrá perdido por sus callejuelas tantas y tantas veces, es la banda sonora de su ciudad. Sin duda, un disco que merece más atención.

Más información: www.juancarlosrodriguez.es

G.P.C. 

 

Círculo Bach

Círculo Bach

Publicado: Marzo 2013
360º alrededor del músico alemán


Durante los últimos ocho años, Oscar Gershensohn y La Capilla Real de Madrid han hecho posible que Madrid sea una de las pocas ciudades del mundo donde se haya podido escuchar en vivo la integral de las cantatas de Bach, con un exitoso ciclo en las iglesias de la capital.  Ahora, en colaboración con el Círculo de Bellas Artes, vuelven con el ciclo Círculo Bach, que arranca este mes de marzo. Oscar Gershensohn nos da algunas claves.

¿Cómo nace esta interesante iniciativa y en qué consiste?

Nace como continuidad del Ciclo de Cantatas, pero también tiene un carácter distinto porque no sólo son conciertos, sino que también se cubren otros aspectos como la divulgación, el trabajo educativo con niños y la especialización. Hemos querido responder a la gran acogida que, durante los 8 años que duró el Ciclo de Cantatas, encontramos en el público con un proyecto que va mucho más allá de la interpretación musical. Nos hemos dado cuenta de que, como no podía ser de otra forma, la música de Bach es especialmente admirada en nuestro país y, en este sentido, nos hemos decidido por dedicarle al compositor todo un programa de actividades. Ahora el público podrá no sólo disfrutar de su música, sino que también podrá estudiarla, hablar sobre ella con especialistas e intérpretes, y conocer los entresijos de la actividad musical que genera.

¿Qué agrupaciones y artistas participan?

El grupo organizador y residente del Círculo Bach es La Capilla Real de Madrid, pero nuestra intención es contar cada año con destacados intérpretes de la música antigua de todo el mundo. En esta primera temporada, vienen otros tres grupos que son La Tempestad, el Collegium Marianum de la República Checa y Cafe Zimmerman de Francia. Además, contaremos con prestigiosos solistas como Bernard Loonen, Sungyun Cho, Jana Sémeradová y Celine Frisch, entre otros. El criterio para la elección de los grupos e intérpretes tiene que ver por supuesto con la aproximación a las lecturas llamadas historicistas de la música barroca.

¿Qué obras se podrán escuchar en Círculo Bach?

La idea es abordar el universo bachiano en su totalidad. Eso incluye su música vocal e instrumental, su música religiosa y profana, su música orquestral y de cámara. La intención es navegar por toda su literatura y no sólo desde el escenario, sino también lo que pocas veces se hace: hablar sobre ella con los intérpretes y especialistas. En esta primera temporada, se interpretarán obras tan emblemáticas y diversas como La pasión según San Juan y las Variaciones Goldberg, pasando por La ofrenda musical, una composición que raras veces se ha programado en nuestro entorno.

Conferencias, ensayos abiertos, las denominadas Aulas Bach forman parte del programa. ¿En qué consisten?

Nuestra idea es más bien sumarle al placer estético que cualquier concierto produce, un mirar desde distintos ángulos la obra del que consideramos el compositor más importante de la historia de la música. En este sentido, los coloquios cumplen la función de dar conocer más allá del escenario las vivencias de  los intérpretes y de los artistas. Se trata de charlas informales que serán preludio de algunas de las actuaciones. Por otro lado, las conferencias nos darán la visión de las personas que han hecho del mundo bachiano su especialidad. Podremos contar esta temporada con Martin Petzoldt, presidente de la Nueva Sociedad Bach, y Thomas Seedorf, musicólogo de la Universidad de Karlsruhe. Los ensayos abiertos, exclusivos para los Socios Círculo Bach, pretenden ahondar en esta inmersión en la obra de Bach, dando la oportunidad al público de conocer la intimidad de los últimos preparativos a algunos conciertos. Las Aulas Bach son seminarios especializados. Los de Canto Solista y Música de Cámara, impartidos por Gerd Türk y Mark Hunninger respectivamente, están destinados a estudiantes de música y jóvenes profesionales que deseen profundizar exhaustivamente en estos aspectos de la obra de Bach. El seminario de Canto Coral, que impartiré yo, está en cambio dirigido al mundo de los coros amateurs y pretende abordar algunas piezas poco habituales en los repertorios de los grupos de este tipo.

Además, hay un programa creado exclusivamente para los más pequeños, denominado “Bach en familia”.

Sí, el programa “Bach en familia” pretende involucrar tanto a los niños como a los padres en el disfrute de la música del Maestro. Para ello, hemos ideado un formato especial: serán 4 conciertos didácticos, narrados, de carácter lúdico y que durarán una hora. Los hemos programado para los domingos por la mañana, proponiendo un bonito plan familiar. Si bien estos programas se adaptarán a las características del concierto pedagógico, desde el punto de vista artístico tendrán los mismos elementos que los conciertos para adultos. Por ejemplo, el último concierto del ciclo “Bach en familia”, que aborda el tema de la navidad en la música de Bach, se realizará con la plantilla completa que interprete ese mismo fin de semana el Oratorio de Navidad.

El ciclo se inaugura, los próximos 23 y 24 de marzo, con La pasión según San Juan. Un magnífico comienzo…

Efectivamente. A siete días de la Semana Santa, no se nos ocurría mejor comienzo que programar La pasión según San Juan, una obra que La Capilla Real de Madrid ha abordado en repetidas ocasiones y por la que yo personalmente siento un amor muy especial.

¿Qué tienen que hacer los aficionados para participar en Círculo Bach?

El Círculo de Bellas Artes ha facilitado varias formas para que el público pueda acceder al Círculo Bach. Se podrán comprar entradas para cada una de las actividades de forma individual, con descuentos especiales para los Socios del Círculo de Bellas Artes. Además se ha creado la figura del Socio Círculo Bach quien, por una única cuota anual, contará con una entrada libre a un concierto de su elección, a 3 conferencias y 3 coloquios, y disfrutará de descuentos de entre el 30% y el 50% en el resto de actividades. Y podrá acceder en exclusiva a los ensayos abiertos.

Más información: www.lacapillarealdemadrid.com

Elena Trujillo Hervás

Foto: El director Oscar Gershensohn.

 

Pianos&Artists

Pianos&Artists

Publicado: Marzo 2013
El mágico sonido de los pianos alemanes


Pianos&Artists
es el distribuidor en exclusiva en España y Portugal de dos prestigiosas marcas de pianos alemanas Wilh. Steinberg y Steingraeber&Söhne. Álvaro López, acompañado por el concertista de piano Pedro Casals, nos presentan esta amplia gama de pianos que ofrecen la mejor relación calidad/precio.

ENTREVISTA 

¿Por qué apostaron por estas firmas?

 Nosotros creemos que la diversidad y variedad en un mercado es algo importante. Cuando empezamos esta andadura vimos que sobre todo predominaban en el sector español las marcas de piano japonesas. Decidimos entonces que era hora de aportar algo diferente, con calidad y personalidad. Tanto los pianos Steingraeber como los Steinberg nos ofrecen la posibilidad de selección de cada instrumento en fábrica (desde el más barato al más caro), pudiendo traer pianos que tienen alma y sensibilidad propias, y que están listos para ponerlas en consonancia con el artista, ya sea aprendiz, aficionado o profesional. Ser el importador en exclusiva de estas dos marcas alemanas nos permite dar un servicio técnico esmerado al cliente, en comprender y adaptar las necesidades de éste y el poder decir a nuestros compañeros del sector que ‘en la variedad está el gusto’, o al menos eso dicen, y apuesten por abrir el horizonte sonoro de los pianos en España.

¿Qué ventajas ofrecen estos pianos que les hacen diferentes y la mejor elección para un artista o un estudiante de música?

Los pilares que mejor sujetan estas marcas son los siguientes. Los pianos Wilh. Steinberg dan la posibilidad de tener un piano ‘made in Germany’ desde un precio muy competitivo, sin escatimar en nada en la calidad de los componentes y el acabado. Han podido optimizar sus recursos constructivos para poder ofrecer un piano a todo aquel que quiera tener un piano acústico, incluso haciendo que el que se decantaba antes por un piano digital, se pueda decantar ahora por uno acústico por la proximidad en los precios. La Serie P, es sin duda un gran éxito, pues hace que también cualquier estudiante medio pueda tener un piano de cola de gran calidad sonora y resistente al duro trabajo, por lo que cuesta uno vertical de otras marcas conocidas del sector. Después para tener más sutilezas en el instrumento puedes encontrar la Serie AC, que ofrece un mayor grado de refinamiento sonoro y mecánico, y la Serie IQ, que es el piano artesanal alemán por antonomasia y que tiene unos precios contenidos para la calidad y sonoridad que proporcionan. Además ahora Wilh. Steinberg han lanzado un nuevo piano de Gran Cola de Concierto que lo han probado ya numerosos artistas conocidos y les ha encantado, que rondará los 60.000 euros. Con este instrumento no pretenden competir con otras marcas, solamente quieren dar la posibilidad a esas salas pequeñas, de limitados presupuestos, para que no tengan que conformarse con instrumentos de menor tamaño y puedan tener un instrumento que cumpla todas las expectativas para los oyentes y el artista.

De la marca Steingraeber&Söhne, creado en la famosa ciudad de Bayreuth, tan sólo decir que es el piano técnica y tecnológicamente más avanzado del mundo. Ya no estamos hablando de pianos artesanales solamente, sino de instrumentos que se pueden personalizar hasta el más mínimo detalle (infinitos acabados en maderas especiales, martillos Renner con patente Steingraeber en forma de punta de diamante única en el mundo, rodillos del palo del martillo giratorio para más velocidad de repetición, tablas armónicas en madera y fibra de carbono para países con climas especiales, sistema half-blow en el pedal izquierdo, y un largo etc.). Si tiene alguien un sueño, Steingraber&Söhne se lo transforma en piano, por eso tiene una producción muy limitada (70 colas y 70 verticales al año) haciendo que cada piano sea único y una verdadera obra de arte que parte de un piano pensado junto al constructor por Franz Liszt y Richard Wagner; y que hoy en día al hablar de ellos no podemos pensar en otra cosa que en ‘sibaritismo absoluto’ en el arte del sonido. 

Dado que Pianos&Artists es un centro altamente profesionalizado, la atención y servicio al cliente están totalmente garantizados.

Pianos&Artists prentende tan sólo ofrecer a cada cliente el piano con el que sueña, que necesita y que le va a hacer feliz. Para ello elegimos cada piano que traemos de las fábricas, probándolos in situ una y otra vez, exigiendo al constructor refinamientos y detalles de excelencia para que cuando lleguen a España, cada piano desprenda su propia alma sonora que cautive a cada cliente; incluso ofrecemos el servicio de que el cliente pueda ir a la fábrica a seleccionar el piano que quiera y, además, podemos mandar construir el piano que el cliente quiera, con las especificaciones técnicas y estéticas que requiera.

Por último, una pregunta para Pedro Casals. ¿Qué aspectos debe tener en cuenta un profesional a la hora de adquirir un piano?

Bajo mi punto de vista, un artista debe encontrar un piano que armonice el sonido que desprende de sus cuerdas y tabla armónica, con el ideal sonoro de su mente. Para ello, sólo debe de buscar un lugar donde entiendan lo que pide, donde pueda encontrar lo que busca y dónde si no lo encuentra, le ayuden y orienten en la búsqueda de ese sonido perfecto que perdura en la memoria de todo artista y que tan sólo anhela volverlo a oír una vez más.

Más información sobre estos instrumentos en

www.pianosandartists.com

Elena Trujillo Hervás

Foto: El Steingraeber&Söhne E-272  Phoenix

Entre Schumann y Brahms

Entre Schumann y Brahms

Publicado: Marzo 2013
El Suggia Piano Trio graba música de cámara


El Suggia Piano Trio lanza su primer CD con obras del romanticismo alemán. El disco incluye el Trío en re menor Op. 63 de Schumann y el Trío en do mayor Op. 87 de Brahms. Como cierre al disco, el grupo nos brinda una genuina interpretación de Oblivion de Piazzolla. Los miembros de este joven trío vasco-navarro se han formado en prestigiosos centros musicales europeos (Londres, Rotterdam, Utrecht, Leipzig, Paris y Bruselas). Este disco comenzará a distribuirse en Elkar.

ENTREVISTA

Comenzasteis vuestra andadura como Trío con Piano en el año 2008, ¿cuál ha sido vuestra trayectoria hasta la actualidad?

Efectivamente, aunque ya veníamos tocando juntos en el seno del Suggia Ensemble, con destacadas apariciones en la Semana de Música de Bilbao, Festival de Otoño Musical Soriano, Festival Internacional de Segovia, Fundación D. Juan de Borbón, Teatro Filarmónica de Oviedo, Arriaga de Bilbao, el trío con piano, como tal, lo constituimos en el año 2008. Desde entonces, a un paso tranquilo, pero firme, no hemos parado, habiendo ofrecido conciertos en España, Francia y Alemania, resaltando la doble invitación para tocar en el Festival Musika-Musika de Bilbao, en sus ediciones 2010 y 2011, donde interpretamos la integral de los Tríos con piano de Mozart.

¿Cuál es el significado del nombre de vuestro grupo, el Suggia Piano Trio?

El nombre de nuestro trío se debe a la legendaria, y desafortunadamente poco conocida, figura de la cellista portuguesa Guillermina Suggia, con la que Casals vivió y trabajó en París de 1906 a 1912.

Leyendo vuestras biografías, veo que provenís de familias con tradición artística…

Así es, especialmente en el caso de las cuerdas. Diego es nieto de músicos, su abuelo fue profesor de cello en el Conservatorio Navarro de Música y Secretario del mismo durante muchos años, además de miembro de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos Santa Cecilia. Por su parte, Inés es descendiente de la saga de pintores de los Madrazo, quienes ocuparon un lugar preponderante en el panorama artístico europeo durante casi dos siglos, entablando estrechas relaciones con músicos de la talla de Rossini, Bellini, Massenet, Saint-Saëns, Granados, Albéniz, Sarasate, Chopin, Liszt, Rubinstein o Wagner, con quien trabajó el tío abuelo de Inés (Mariano Fortuny y Madrazo) en la realización de cúpulas para óperas en Bayreuth.

Recientemente habéis publicado vuestro primer CD como Trío con Piano, ¿nos podéis hablar sobre el mismo?

El Primer Trío Op. 63 de Schumann, compuesto en 1847-1848, es un homenaje al Primer Trío de Mendelssohn de 1839 en la misma tonalidad de re menor. Su discurso musical, en tono menor, da toda su dimensión expresiva al violín y al cello. Es la palabra de Florestan en este río incesante de música. El tercer movimiento nos recuerda a Eusebius, es un coral en constante suspensión, un lied meditativo, donde las voces del violín y el cello se encuentran íntimamente integradas en el color oscuro del piano. El último movimiento resuelve la trama musical bajo la indicación “con fuego” y en tonalidad mayor. Como una exultante victoria sobre la duda y la angustia existencial, y, así como en el Carnaval Op. 9, la cofradía de David vencía a los filisteos, aquí Schumann triunfa sobre sus propias incertidumbres y sobre el mundo conservador que le rodea. Con una pasión más controlada y mayor dominio técnico de la forma clásica que su mentor, observamos en la escritura del Trío en do mayor Op. 87 de Brahms toda la densidad de su música, proyectando una dimensión orquestal total al conjunto reducido de tres instrumentos.

¿Cómo compagináis, en vuestras carreras profesionales, las facetas pedagógica, sinfónica y camerística?

Nunca es fácil cuadrar agendas, especialmente en nuestra situación. Inés es asistente de solista de la Sinfónica de Navarra, y tanto Diego como Ainhoa son profesores, el primero en el Conservatorio “Pablo Sarasate” de Pamplona y la segunda en el Conservatorio Nacional de Música de Saint Michel sur Orge (París). Aún así, siempre estamos dispuestos a trabajar con estudiantes, tanto en masterclasses como en encuentros con jóvenes orquestas. Asimismo, no olvidamos nuestro compromiso con la música contemporánea. Ahora mismo estamos embarcados en el Trío Promise del compositor G. Genovese, dedicado al Suggia Piano Trio.                 

Tenéis una dilatada formación en el campo de la música de cámara, ¿por qué os decantasteis por la formación de trío con piano y qué diferencias observáis con otros ensembles?

A lo largo de nuestra formación musical hemos recibido consejos de célebres formaciones como el Borodin Quartet, el Bartok Quartet, Schoenberg Ensemble, Orpheus Quartet y, más recientemente, del Guarneri Trio de Praga, con quien hemos profundizado en el concepto de trío y del que hemos aprendido cuestiones relativas al balance, equilibrio entre partes y la relación entre los instrumentos. Realmente es en esta formación donde más cómodos nos sentimos para realizarnos como músicos y expresar nuestra visión de la música.

Más información: www.suggiapianotrio.com

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Los miembros del Suggia Piano Trio: Diego Arbizu, cello; Inés de Madrazo, violín y Ainhoa López de Dicastillo, piano.

 

Ilona Timchenko

Ilona Timchenko

Publicado: Febrero 2013
Frente al piano de García Abril

¿Cómo surgió la idea de grabar un nuevo disco con obras pianísticas de Antón García Abril?

En el Concurso Internacional de Piano dedicado a la obra de Antón García Abril de Teruel, el que concursé en el año 2006, y en el que logré el Primer Premio en la edición de 2009, me presente con su obra Microprimaveras (pequeño ciclo de cinco piezas de unos dieciocho minutos de duración), escrita en 2006. Estaba totalmente ilusionada con este ciclo, es una música que me fascina, por eso decidí incluirla en el disco. De hecho, Antón estaba muy emocionado con mi versión de esta obra. De ahí surgió el embrión de la idea para grabar un disco con su música pianística*.
 

¿La elección de las obras del disco, fue consensuada con el maestro o fue exclusivamente decisión tuya?

Fue una decisión consensuada con el maestro, su Fundación y la casa discográfica Bolamar, junto también, como es lógico, con mi opinión. Aunque la principal razón fue grabar todas las obras pianísticas recientes y, muy especialmente, las que aun no estaban grabadas en disco. Desde este criterio construimos un repertorio de obras recientes y no grabadas, que dio material para dos cedés.

¿Cómo describirías la música de García Abril?

Fue un total descubrimiento para mí la obra para piano de Antón García Abril. En mi opinión, el principal criterio que hay a la hora de acercarse o de interpretar a un compositor nuevo en, este caso, en mi repertorio, es si queda algo nuevo por descubrir que realmente merezca la pena. A primera vista, la música para piano de Antón García Abril es de excelente factura. Curiosamente, en el repertorio para piano, e imagino que en cualquier repertorio de música “seria”, las obras pueden parecer interesantes a primera vista, pero poco a poco que vas introduciéndote en ellas, estudiándolas o escuchándolas en varias ocasiones, comienzas a comprender que hay poco donde “rascar”, que toda la belleza aparente que había a primera vista es puramente superficial. Este criterio asigna en qué estado se quedaría esta música. Pero si al regresar a ella una y otra vez, se descubre algo nuevo, es una música que sobrevivirá al tiempo y siempre estará presente por su incuestionable calidad. Puedo afirmar que la música de Antón García Abril pertenece a este género de músicas que siempre van a perdurar, pasen los años que pasen.

¿Ha colaborado el maestro en el proceso de grabación?

El “planning” de interpretación y grabación fue un trabajo muy especial, en especial en mi caso, ya que fue una búsqueda personal de la intención que quería dar a cada tipo de obra, sin otra participación que la mía. Tuve plena libertad interpretativa; también hay que decir que Antón García Abril depositó en mí toda la confianza posible, algo que no siempre ocurre entre el compositor y su intérprete. Trabajé mucho en las obras para luego realizar la grabación idónea, que la hicimos durante sesiones en 2010 y 2011 en el Teatro Monumental de Madrid, en las que ya sí estuvo presente el maestro.

¿Hay programados algunos conciertos para promover el disco?

La Fundación Antón García Abril tiene programados diversos conciertos y actividades para promover el disco. Actualmente estamos cerrando las fechas de los conciertos. Por otra parte, con motivo del 80º aniversario del compositor, la Fundación tiene programados diversos conciertos con la música del maestro.

¿Qué significa el nombre de García Abril para ti?

Creo que con Antón García Abril se cierra la cadena de grandes músicos clásicos españoles, seguidores de la gran tradición. Personalmente creo que con esta grabación mi vida musical y profesional se ha enriquecido notablemente.

El 80 aniversario de García Abril coincide el mismo año de la edición de este disco. ¿Hay previsto más grabaciones del resto de la obra del maestro, como los Preludios de Mirambel?

Sí, estamos planificando grabar el resto de sus obras para piano. Todo a su tiempo, ya que es una música muy bien escrita y elaborada y no se la puede acometer a la ligera y con prisas. Hay que ir paso a paso.

Pues esperaremos con paciencia esta nueva grabación. Gracias. 

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Raquel Andueza Soto  – Soprano

Raquel Andueza Soto – Soprano

Publicado: Febrero 2013
“Estamos consolidándonos en el panorama musical europeo”

Su voz y su dicción son privilegiadas. Nacida en Pamplona, tras realizar estudios de violín y canto en el conservatorio de su ciudad natal, Raquel Andueza se traslada a Londres para obtener el Bachelor of Music con mención honorífica y el premio School Singing Prize. Ofrece recitales en los principales auditorios y festivales del mundo y el pasado año, hizo su debut neoyorquino en el Carnegie Hall. Su repertorio habitual es el barroco, aunque aborda, con igual virtuosismo, épocas musicales anteriores y posteriores. Ahora presenta su último disco, In Paradiso.

¿En qué momento de su carrera se encuentra actualmente? ¿Cuál ha sido su desarrollo y qué espera aún de ella?
 

Me encuentro en un momento muy dulce, a la par que intenso. Me siento muy afortunada: es un momento muy difícil para el país y para la cultura. Sin embargo, no me faltan propuestas laborales. Con mi propio grupo, La Galanía, tengo libertad absoluta para interpretar la música que más me gusta y, poco a poco, estamos consolidándonos en el panorama musical europeo. Con las otras formaciones con las que trabajo, por otro lado, puedo elegir los proyectos que más me seducen. Viajo por todo el mundo, con calendarios de más de 50 conciertos anuales y proyectos hasta 2015. Es mucho más de lo que jamás imaginé. Eso sí, en la oficina trabajamos muchas horas al día pensando, luchando y, finalmente, materializando proyectos para que todo lo comentado sea una realidad. ¿Qué espero de mi carrera? No lo pienso demasiado… Si conseguimos que no se hunda el barco de la cultura (aunque nos lo están poniendo cada vez más difícil), la veo llena de aventuras musicales, cada vez con mayor envergadura. Realmente lo que espero ‘con’ mi carrera (no ‘de’ mi carrera), es que el público disfrute del trabajo que realizamos sobre el escenario o con nuestros discos.

Se le puede ver interpretando repertorios muy diversos, desde renacimiento hasta música contemporánea… Sin embargo, ¿qué tiene para usted el barroco, que tanto le atrae?

Lo he comentado en más de una ocasión, pero no me canso de repetirlo: el barroco, y sobre todo el barroco temprano italiano, tiene la particularidad de llegarme directo al corazón. Mueve todas las fibras de mi cuerpo de manera inmediata. Es pura emoción y sensualidad. Sin artificios ni grandes necesidades de infraestructura orquestal, con esa sensación de que “menos es más” y esa sinceridad, no hay otra opción más que la de recitar cantando y olvidar que eres soprano. Me resulta fascinante. Por supuesto, encuentro belleza, y mucha, con otros repertorios maravillosos (lied, mélodie française, por ejemplo) pero me atrae, casi de manera instintiva, ahondar en el mundo de los afectos barrocos, comunicarlos, contarlos al público y que ellos se unan a ese sentimiento. Además, para complementar mi pasión, intento rodearme de músicos que tengan esta misma visión. Y ese amor por lo que hacemos, tengo el convencimiento de que se refleja sobre el escenario. En numerosas ocasiones, y especialmente con los músicos de La Galanía, noto que nuestro corazón late al mismo pulso. Es una de las razones por las que me dedico a la música. Estas experiencias son demasiado increíbles como para perdérselas.

Acaba de presentar In Paradiso, el segundo disco de su propia discográfica, Anima e Corpo. ¿Qué nos depara este nuevo trabajo?

Es un disco que recoge música sacra y moral del siglo XVII italiano, grabado a dúo con la tiorba de Jesús Fernández Baena. Hicimos ya un repaso al barroco profano con el disco  D'Amore e Tormenti, y queríamos plasmar la intensidad, igualmente carnal, de las obras sacras. Hay obras grandes, como el Lamento della Maddalena de Monteverdi, la Cantata Spirituale de Ferrari o la Canzonetta spirituale sopra alla nanna de Merula, combinadas con pequeñas canciones morales (e inéditas, por cierto), que nos alertan de los peligros que correremos si pecamos. 

Además de su carrera como intérprete, ¿ha pensado o le interesa la docencia?

Sí, es un campo que me atrae mucho. He realizado varios cursos con diferentes universidades en España y, en marzo, tengo uno en Amberes. Con Anima e Corpo, que no es solo una discográfica, ya estamos poniendo los motores en marcha para organizar diversos cursos, entre ellos, de canto e interpretación.

HORIZONTE

Raquel Andueza acaba de grabar el segundo disco de La Galanía para Anima e Corpo, titulado Alma mía. “No puedo desvelar secretos antes de tiempo (sonríe), pero sí quisiera adelantar que es un monográfico, con arias y cantatas para soprano, violines y bajo continuo. El repertorio es bastante desconocido, pero increíblemente bello y luminoso. Esperamos que sea de esos discos que uno tararea mientras está cocinando en casa...”.

Discografía Anima e Corpo:

2011: Yo soy la locura.

2012: In Paradiso.

2013: Alma mía (Por comercializar).

Foto: Raquel Andueza y el tiorbista Jesús Fernández Banena
Acred. Michal Novak

 

 

 

Verso y la Fundación BBVA

Verso y la Fundación BBVA

Publicado: Febrero 2013
Colección “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual”

Con más de una treintena de títulos en catálogo y casi cinco años de fructífera y exitosa trayectoria divulgativa, concertística y discográfica a sus espaldas, la Fundación BBVA en colaboración con el sello madrileño Verso culmina la primera fase de la Colección “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual”, uno de los proyectos culturales de apoyo sistemático a la interpretación y difusión de la música clásica y contemporánea más ambiciosos de las últimas décadas en nuestro país. De los importantes éxitos obtenidos en este tiempo y de las enormes posibilidades de desarrollo y futuro que tan ambicioso programa encierra de cara a la difusión en el seno de la sociedad actual de las llamadas músicas de vanguardia, y también de los intérpretes que las materializan, exponemos a continuación las líneas maestras de este atractivo programa, plenamente consolidado ya dentro y fuera de nuestras fronteras como un referente indiscutible de la contemporaneidad musical española y latinoamericana.

Culminación de cinco años de trabajo

Próxima a concluir la primera fase del convenio de colaboración de la Fundación BBVA con el sello madrileño Verso en la colección “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual”, es hora de hacer balance del camino recorrido y plantear propuestas de futuro para uno de los proyectos culturales más brillantes y sólidos de los últimos años en el panorama de la creación musical de vanguardia. Nacido con el objetivo de revitalizar y dar a conocer la obra de compositores e intérpretes de la llamada música contemporánea y abrir a la sociedad las inquietudes y propuestas musicales actuales más innovadoras, los resultados obtenidos han sido en este y otros aspectos verdaderamente notables.

Una de las principales aportaciones del proyecto ha residido, sin duda, en las metas alcanzadas en materia de promoción, edición y grabación de la obra de creadores pertenecientes a tres generaciones diferentes con la publicación de un total de treinta y tres discos compactos monográficos consagrados a la obra de Carlos Bermejo, José Luis Turina, Manuel Balboa, Eddie Mora, Antón García Abril, Luis de Pablo, César Camarero, José Luis Greco, Eduardo Morales-Caso, Jesús Torres, Tomás Garrido, Alfredo Aracil, María de Alvear, Alejandro Moreno, Fabián Panisello, Jacobo Durán-Loriga, Jorge Fernández Guerra, José Río-Pareja, Ramón Barce, Eduardo Armenteros, Gonzalo de Olavide, Ramón Lazkano, Tomás Marco, José Manuel López López, Gerardo Gombau, Santiago Lanchares, Joan Guinjoan, Miguel Trillo, Cristóbal Halffter y Miguel Pons.

Papel destacado, imprescindible, en todo ello ha sido el desempeñado por un elenco de intérpretes de primer nivel mundial con largas trayectorias a sus espaldas y entre los que cabría citar, entre una larga nómina de artistas de absoluta referencia, al Grupo Instrumental Siglo XX, Cuarteto Leonor, Trío Arbós, Plural Ensemble, Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, Camerata del Prado, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, Ensemble Residencias, Cuarteto Bretón, los pianistas Alberto Rosado y Yukiko Sugawara, el violonchelista David Apellániz, la mezzo Elena Gragera, el acordeonista Iñaki Alberdi o directores de la talla de José Luis Temes, José Ramón Encinar y Arturo Tamayo.

Junto a las grabaciones discográficas, esenciales para acercar al melómano estos repertorios poco frecuentados aún en las salas de conciertos, entre julio de 2008 y junio de 2012 la Fundación BBVA acogió en su magnífica sede del Palacio del Marqués de Salamanca en Madrid los actos de presentación de catorce álbumes, eventos que contaron con la asistencia del propio compositor e intérpretes, que ejecutaron por espacio de unos cuarenta minutos una selección de diferentes piezas de cada uno de los discos presentados, así como de los responsables de la Fundación y de Verso además de numerosos invitados. Diversidad intelectual, pues, multiculturalidad y, fundamentalmente, pluralidad estética, creativa e interpretativa podrían ser las señas de identidad de esta fase que ahora concluye con gran éxito del público y de la crítica especializada más exigente tanto a nivel nacional como internacional.

Un proyecto abierto al futuro

Los logros alcanzados son meritorios y residen, sin duda, y son a la vez consecuencia del trabajo bien realizado y, muy particularmente, del protagonismo y liderazgo de la Fundación BBVA en materia de mecenazgo cultural y artístico, destacando en este punto el papel de su director, Rafael Pardo, y del Gabinete de Dirección de la Fundación y su directora, Anabel Gorroño. Cómo no señalar, a su vez, la dilatada experiencia profesional de Verso en la edición del patrimonio musical español y latinoamericano, con hitos tan destacados en la reciente industria fonográfica como la publicación de los villancicos y otras piezas litúrgicas de Jerónimo de Carrión, la música sacra de Juan Montón y Mallén, la obra orquestal de Enrique Fernández Arbós o la edición en primicia de las Diez Sinfonías de Ramón Garay, recuperación histórica de uno de los monumentos más importantes del aún escasamente conocido Clasicismo español, respaldado de nuevo por el patrocinio de la Fundación BBVA y presentado en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en octubre de 2011 por la Orquesta de Córdoba bajo la batuta de José Luis Temes.

Paralelamente a esta labor Verso también apuesta de manera decidida por la creación musical más vanguardista de nuestro tiempo apoyando y promoviendo a los creadores e intérpretes de música actual más destacados del panorama español. Como consecuencia de ello, y presentando en exclusiva la colección “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual”, Verso ha estado presente en las ferias más relevantes del sector (I y II “Encuentro Profesional de Música Contemporánea de Alicante” celebrado en septiembre de 2010 y 2011 coincidiendo con las 26ª y 27ª ediciones del Festival de Música de Alicante, o las 19ª y 20ª ediciones de “Estampa-Arte Múltiple. Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo. Sound-In” celebradas en Madrid en octubre de 2011 y 2012) afirmándose como una de las mayores aportaciones de la industria discográfica independiente a la cultura de nuestro país.

La materialización de las siguientes fases de este ambicioso proyecto resulta, pues, absolutamente imprescindible para consolidar la iniciativa de la Fundación BBVA en el marco de los grandes retos culturales de los próximos años, pero también para la necesaria difusión del patrimonio musical contemporáneo español y latinoamericano, un patrimonio inmenso y creciente que de otra manera, y más aún dentro del actual contexto de crisis económica que vivimos, se vería seriamente perjudicado por causas completamente ajenas al talento creativo e interpretativo. La constatada excelencia del proyecto y el interés que ha suscitado a lo largo de estos años en los diferentes ámbitos del mundo de la cultura, el compromiso y sensibilidad de la Fundación BBVA con la promoción del conocimiento y la investigación interdisciplinar (labor reconocida con la Medalla de Honor 2012 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) en sus diferentes facetas dentro de las condiciones y posibilidades que brinda la sociedad actual, compleja y cambiante, el elenco de los compositores que integran e integrarán este ambicioso programa, la cuidada selección de los intérpretes y la fiabilidad de los profesionales que materializan todo ello en estupendos trabajos de edición discográfica nos permiten entrever, en definitiva, un futuro esperanzador para esta colección de “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual”, llamada a convertirse en referente indiscutible de los repertorios más vanguardistas.

Foto: Inauguración de la colección (2008). De izquierda a derecha: José Luis Turina (Compositor), Rafael Pardo (Director de la Fundación BBVA), José Miguel Martínez (Director del sello Verso) y Jose Luis Temes (Director de orquesta)

Por: Francisco de Paula Cañas Gálvez

José Javier Lacunza - Auditorio Baluarte de Pamplona

José Javier Lacunza - Auditorio Baluarte de Pamplona

Publicado: Febrero 2013
Para gestionar Baluarte se necesita imaginación, colaboración y diálogo

Entramos en el Palacio de Congresos y Auditoriode Navarra Baluarte. Alumnos de arquitectura de la Universidad de Navarra, sentados aquí y allá, están dibujando el interior del edificio. La petición de utilizar el vestíbulo como lugar de inspiración no sólo fue bien recibida, sino que Baluarte ha propuesto un concurso; el premio al mejor dibujo son dos entradas a un espectáculo. Con la Asociación de Ópera de Cámara de Navarra organizó hace unas semanas un taller de cocina de ópera en el restaurante. Ideas imaginativas, nos dice José Javier Lacunza, para conseguir nuevos públicos, que van desde estas sencillas actuaciones al descuento del 70% a menores de 30 años durante los tres días antes de una función. “Una ópera se puede ver por sólo 12 euros. Aunque haya que tener cautela cuando se habla de precios, con los tiempos que corren”, apunta Lacunza.

J. J. Lacunza parece un tipo optimista. Y bregado en eso de que una empresa ha de ser sostenible, este Ingeniero de Telecomunicaciones ha trabajado para Cisco Systems en Bruselas, Roma y Madrid; y en México como director de una planta de producción; puestos de gestión de alta responsabilidad. Le llamaron para gestionar lo que aquí se conoce como el Baluarte, y se vino “a trabajar por su tierra”.

Pero es inevitable pensar en un panorama incierto con la crisis.

Lo positivo es que la crisis nos impone la necesidad de colaborar, de pensar, de renunciar a egos... para que la cultura y, en general, todo prospere.

Es optimista.

Siempre lo he sido. Me eduqué en una familia vinculada a la música, sin grandes recursos educativos: el coro del colegio, los estudios del conservatorio... No era un momento de “boom” y sin grandes desembolsos por parte de mis padres pude sacar un bagaje personal importante. Con el paso de los años me ha llevado a un trabajo vinculado a la música.

Hay quienes creen que usted sólo gestiona una sala de espectáculos.

La gestión de Baluarte es mucho más: Es gestión de cultura y también de turismo; aquí se dan cita distintos congresos, convenciones, exposiciones… Atraer ese tipo de reuniones requiere un trabajo comercial de relevancia. Y hay que sumar el Planetario, con toda la parte educativa que conlleva. Todo ello se engloba en ENECSA, Empresa Navarra de Espacios Culturales.

¿Ha habido demasiadas subvenciones en cultura?

En boca de todo el mundo está el que sí. Yo soy un poco más cauto. Han podido ser tiempos de excesos, pero los montantes globales, en porcentajes, quizá no fueran excesivos. Otra cosa es el reparto, para el cual habrá diversidad de opiniones… En Baluarte hay muchas entidades programadoras: Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta Sinfónica de Euskadi, programadores privados... En la  Fundación Baluarte el dinero público alcanza el 30% del presupuesto (no es mucho en comparación con lo que necesitan otras entidades); el 70% se obtiene a través de empresas privadas y de la taquilla.

Ser gerente en la tierra de uno y en una comunidad pequeña... ¿Hay amistades interesadas?

Claro que hay mucha relación de tipo personal y hasta familiar con personas involucradas en la cultura. Pero, tengo que atender con los mismos criterios presupuestarios a todo el mundo, garantizando total neutralidad.

¿Es cara la cultura en Navarra?

Caro o barato son conceptos muy subjetivos, y más en los tiempos que corren, pero en general diría que no. En el caso de la Fundación Baluarte, creo que esto es fruto de una buena gestión. Estamos cobrando espectáculos de ópera de primera calidad a 64 euros, mientras que, en otras ciudades, pueden llegar a triplicar esas cifras.

¿No es un lío que haya distintas entidades haciendo ópera en una ciudad de doscientos mil habitantes?

En Pamplona hay esta curiosidad: hay dos entidades programadoras de ópera y una tercera de ópera en familia. Lo que procede es colaborar para diseñar mejor el calendario del año.

Estamos en un buen momento para que se levante la tapa de la olla y se vea qué hay en ese recipiente. El ocaso de la cultura subvencionada obliga.

Se ha producido una transición demasiado rápida entre el sustento público y la dependencia de la taquilla. El reto es la involucración de mecenas y de la empresa privada; ahí estamos muy por detrás del patrocinio deportivo. Las condiciones fiscales navarras son increíblemente buenas a nivel de Impuesto de Sociedades. A expensas de que nos podamos adelantar con una Ley de Mecenazgo en Navarra, hay un buen sustrato a nivel fiscal ya, a día de hoy, para que haya un apoyo importante por parte de las empresas. Pero para comunicar esto, el gestor cultural tiene que saber de fiscalidad, de cómo funcionan las empresas... Y eso es un trabajo desgastante y requiere preparación.

Volvamos a la ópera: ¿no se ha convertido en una especie de reliquia que mantenemos por prestigio?

Dentro del mundo de la ópera hay muchas visiones: elitistas, de precios altos, escenografías caras, solistas encumbrados... Otras visiones minimalistas o adaptadas a menores presupuestos y visiones muy imaginativas, como está ocurriendo en algún teatro de Inglaterra, donde se anuncia que a la ópera se va en vaqueros y luego uno se va a tomar una cerveza con los artistas... En fin, todas son válidas. Además, hay ciudades que han hecho de la misma una  fuente de atracción turística importante y, por tanto, motor económico.

¿Es normal que en Pamplona no se haya estrenado una sola ópera seria en 30 años? ¿Puede subsistir un género que no se actualiza de verdad, desde dentro?

Los títulos conocidos aseguran el público. Y hay muchas maneras de innovar sobre la base de títulos de repertorio. La misma extrapolación se podría hacer a la música clásica.

La visión contemporánea de géneros clásicos, podría ser posible. Pero confiar en la taquilla es arriesgado en propuestas muy vanguardistas

Es decir: las propuestas contemporáneas dan miedo a los gestores.

Les dará más o menos miedo en función del presupuesto que tengan y en función de la dependencia de la taquilla.

El arte estaba más sano en el siglo XIX...

Eso es mucho decir. Creo que hay mucho talento en la calle y lo veo todos los días. El hecho de socializar ciertas disciplinas, de maridarlas (jazz y flamenco, por ejemplo) ayuda a crear nuevos públicos. Hoy, por ejemplo, se hace el Mesías de Haendel con 230 coristas aficionados que tienen la oportunidad de cantar con una orquesta profesional. Para ellos, es una experiencia única; para nosotros es también una manera de acercar al público a esta casa y a la música culta de primera calidad… En fin, que también hay muchos rasgos de salud en el arte hoy en día.

Hay una reforma educativa en ciernes. ¿Qué relación ve entre la cultura y la formación para que tengamos un público joven?

Total y fundamental. Ahora bien… ¿tiene que ser directamente la escuela quien organice aspectos extracurriculares? Me parece sano que asociaciones como el Orfeón Pamplonés, Ópera de Cámara de Navarra, Asociación Gayarre Amigos de la Ópera y tantas otras tengan un rol en esos aspectos formativos... En la medida en que educan crean público futuro. Nosotros, la atracción del público más joven la tratamos con el programa 3/30: Un 30% del coste (un 70% de descuento) para gente menor de 30 años,  3 días antes de la función.

Un mensaje de despedida.

Buena gestión y política de apertura: precios jóvenes, mejora de servicio. Para gestionar una institución como Baluarte se necesita imaginación, colaboración y diálogo. Siempre repito estas palabras.

Entrevista realizada por Javier Horno Gracia

Pedro Casals nos presenta la nueva gama eStand

Pedro Casals nos presenta la nueva gama eStand

Publicado: Febrero 2013
“Una opción diferente, pero de calidad”

 Desde que ocupó la portada de RITMO como artista revelación, la carrera del pianista y musicólogo Pedro Casals no ha hecho más que crecer. Este año actuará en importantes salas de concierto internacionales, donde tocará los conciertos para piano y orquesta ns.3 y 5 de Beethoven, y participará en el Festival de Bayreuth, coincidiendo con el Año Wagner, interpretando la  Suite Iberia de Albéniz. En la vertiente musicológica, está terminando un trabajo de investigación sobre “La música para tecla española en el siglo XVII”, que empezó hace tres años a raíz de un estudio sobre las sonatas para tecla de Manuel Blasco de Nebra, cuya integral grabó para el sello Naxos. Y esto no es todo, ya que compagina su actividad artística con una nueva aventura empresarial, al frente de la compañía Pianos&Artist.

Pianos&Artists nació “hace tres años como una opción diferente, pero de calidad, al mercado convencional de pianos, introduciendo en nuestro país las últimas novedades en las marcas alemanas Wilh. Steinberg y  Steingraeber&Söhne. Hemos recorrido el mundo para conocer de primera mano los instrumentos y las herramientas más vanguardistas para facilitar su labor a los músicos españoles; y nos encontramos con el eStand, la mejor forma de llevar siempre contigo una cantidad ingente de música escrita, con tus propias anotaciones y a un solo ‘click”, señala Pedro Casals.

Músicos como el violinista Itzhak Perlmany orquestas como la Sinfónica de Chicago usan este software en sus conciertos y grabaciones. El eStand permite no sólo leer partituras, grabadas en distintos formatos multimedia PDF, JPG, TiFF, etc,  en cualquier pantalla de última generación, ordenador, tablet, Ipad...sino también hacer anotaciones sobre la propia obra. “Para un músico que siempre busca lo mejor, tanto dentro como fuera del escenario, el eStand, proporciona un concepto revolucionario de hacer música, al poder llevar contigo, sin apenas peso, todas las partituras que quieras, organizadas perfectamente y, lo más importante, con todas tus anotaciones, digitaciones, arcos, matices, etc. Su enorme capacidad de almacenaje de información permite guardar un número ilimitado de partituras en distintos formatos digitales, digitalizar las que aún no lo estén y transportarlas en nuestro ordenador, tablet o Ipad para poder trabajar con ellas en cualquier lugar, enviarlas por correo electrónico, grabar música...con la seguridad de que nunca perderás la información ya que puedes tenerla siempre disponible colocándola en la nube, a la que puedes acceder desde cualquier parte del mundo. Además, dispone de una ‘interface’ muy intuitiva y sencilla para que cualquiera pueda usarla”.

Ventajas de la gama

La gama de productos eStand, desde el programa más básico al más complejo, permite “la conexión múltiple, sin cables, de los diferentes atriles digitales para la transferencia de arcos, matices y anotaciones entre las diferentes secciones de una orquesta o coro, asegurándose el director que cada músico dispone de toda la información, por ejemplo, basta que el concertino escriba sus arcos en su partitura para que con un ‘click’ pueda pasar todas esas indicaciones al resto de sus compañeros de sección, ahorrando así tiempo y evitando posibles errores. Además, una de las mayores virtudes del eStand, es que el paso de la hoja se puede llevar a cabo de tres formas y en absoluto silencio: deslizando el dedo sobre la pantalla, con un pedal externo, o bien, programando su paso automático, que es ideal para los conciertos. Además, el eStand permite un ahorro ingente de papel, por lo que no sólo es una herramienta eficaz de trabajo sino que, además, protege el medio ambiente”.

También está muy extendido entre los niños que empiezan a estudiar música, pues “resulta muy útil para memorizar las obras, así como para realizar todo tipo de ejercicios de solfeo, armonía, etc. Alumno y profesor pueden interactuar a través del eStand, corrigiendo los ejercicios en tiempo real, solucionando las dificultades del alumno en el momento, enviándole los ejercicios por correo electrónico... Además incorpora un ‘gadget’ de metrónomo y otro de afinador, así como un grabador, para que puedan comprobar que lo que leen es lo que realmente tocan, algo muy importante para un músico.Y dispone de diferentes gradaciones de color de fondo de la hoja para no dañar la vista”.

La empresa Pianos&Artists, que desarrolla también otras actividades, “ha organizado su propio concurso de piano y, actualmente, colabora con los diferentes conservatorios de la Comunidad de Madrid, cediendo sus instalaciones para la celebración de encuentros entre los diferentes alumnos de piano de los centros educativos madrileños”,  es el importador en exclusiva del producto en España. Más información: http://www.pianosandartists.com

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto: El nuevo eStand, una herramienta muy útil para tocar y aprender música.

 

Josep Pons, nuevo director musical del Gran Teatre del Liceu

Josep Pons, nuevo director musical del Gran Teatre del Liceu

Publicado: Enero 2013
“No tenemos el instrumento afinado como yo quisiera”

Recién nombrado director musical del Gran Teatre del Liceu, y después de diez temporadas al frente de la OCNE, el músico catalán asume ahora las riendas del teatro barcelonés. Llega en el peor de los momentos posibles, con una crisis que no perdona y que acecha particularmente al mundo de la cultura. Y ante la decisión de un recorte del 33% respecto a la subvención que hasta la fecha recibía el coliseo de La Rambla. Si a ello sumamos la crisis interna del teatro, que la pasada temporada suprimió diversos títulos y que vivió sumido en un clima de tensión latente la situación de sus masas estables, la verdad es que Pons no lo va a tener nada fácil.

Fundador-director de la extinta Orquestra de Cambra del Teatre Lliure, Pons habla con entusiasmo, con convicción y con la cabeza bien amueblada. Responde preguntas aún no formuladas y se adelanta con inteligencia y agudeza a lo que el entrevistador tiene en mente. Y, con indudable simpatía pero con insobornable firmeza, no duda en afirmar que si su proyecto liceísta no puede tirar adelante en base a sus ideas, coge las maletas y se va. Porque para Josep Pons es básico un soporte estructural, que se traduzca en una actividad coherente con la tradición de un teatro con más de 150 años a sus espaldas; pero también con los retos del siglo XXI, que pasan por la internacionalización. El entente con el director artístico del Liceu es excelente, lo cual puede facilitar las cosas a todos los niveles y con todas las garantías. Eso sí, hay trabajo y mucho, cosa nada fácil habida cuenta de las dificultades estructurales.

¿Qué le aportó su reciente titularidad en la OCNE para abordar el reto del Liceu?

Muchas cosas, tanto estructurales como de mejora de la orquesta. Era un proyecto enorme y con una estructura administrativamente también muy grande. Todo ello es exportable al Liceu. Además, ahora se me ha pedido un nuevo proyecto en Barcelona. Existe una tradición y una definición de modelo. Pero el Liceu no está en primera división en cuanto a foso. Y ese es mi cometido.

A grandes rasgos, ¿cuál va a ser su tarea como director musical?

Dejando a un lado las producciones que dirija, el mantenimiento de la buena salud de los cuerpos estables para que los directores que vengan se encuentren la orquesta a punto para el trabajo que deseen realizar.

¿Cuáles son los aspectos a mejorar y cuáles los que deben mantenerse de las fuerzas estables del Liceu?

Ante todo, ahora es el momento de construir. Hay muchas cuestiones a tener en cuenta. Se debe trabajar con la orquesta. Pero hay también aspectos de reglamentación, estructurales, que se traducen en la formación de un departamento musical propio, cosa que conllevará un trabajo mucho más directo; está también el convenio laboral, ágil, moderno, que pide flexibilidad; se prevé igualmente una centralidad de los cuerpos estables, coro y orquesta, que deben ser los pilares sobre los que sustentar la base del teatro para conseguir el más alto nivel posible. Hasta la fecha, no tenemos el instrumento afinado como yo quisiera: el Liceu está en primera división en cuanto a presencia de cantantes o producciones equiparables a lo que se ve y escucha en el Covent Garden, el Metropolitan o la Ópera de Viena. Pero a nivel orquestal estamos aún muy lejos, por lo que hay que realizar una estructura moderna, sensata y racional.

Pero estamos en el peor de los escenarios posibles, y además con un modelo sindical complejo

Por ello yo pido unas cosas muy concretas, unas condiciones de trabajo y herramientas para poder construir. Cierto que llego en uno de los peores momentos de la historia y con reducción de personal en todo el teatro. No sé lo que pasará dentro de dos años, pero en el plan de viabilidad presentado esta mejoría es posible. Pero si no puede llevarse a cabo, no podré asumir el reto que me propongo y me iré. Y hay que insistir en una programación que compatibilice la ópera con el gran repertorio sinfónico. Para todo ello, hay que recuperar plazas hasta llegar a 102. Y esa es mi lucha, para poder tener una estructura adecuada y poder llevar a cabo mucha más actividad. Esto cuesta dinero, pero el teatro está dispuesto a llevar a cabo el proyecto, porque asume la centralidad de coro y orquesta. Además, no hay que olvidar que el incremento de plazas implica también aumentar la actividad y tener más presencia fuera del recinto del teatro. Hay que sacar a la orquesta del foso y al coro del escenario y darnos a conocer, que se nos vea: tenemos que estar en el mercado.

¿Pero cómo se trabaja a fondo cuando las estrecheces presupuestarias obligan a ceñirse al repeertorio de siempre y a abortar una programación de más riesgo y compromiso?

Parte de la pregunta no me concierne, porque afecta a la definición artística del teatro, que existe, sin lugar a dudas. No obstante, la formación de una orquesta a nivel sinfónico se hace a base de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert y Brahms. Cuanto mejor se toca Haydn mejor se interpreta Puccini, del mismo modo que cuanto mejor se canta Mozart, mejor se canta Wagner. Creo que en el Liceu hay suficiente diversidad, de amplio espectro, y un equilibrio en el repertorio, desde la gran tradición italiana hasta la ópera alemana, pasando incluso por el barroco o las propuestas más actuales. Claro que estas últimas son las que más me conciernen, de modo que si se suprimieran me quedaría sin trabajo. De todos modos, no creo que haya intenciones de cambiar eso, aunque no puedo saber lo que ocurrirá dentro de un par de años: llevo dos meses en el teatro y ya he visto dos planes de viabilidad. No es posible recortar más y lucharé hasta donde sea, pero si no hay condiciones para crecer estructural y artísticamente, mi cometido es imposible. Mi encargo es colocar al coro y la orquesta al más alto nivel y sin herramientas, esto no va a ser posible. Pero, a pesar de todo, tengo esperanza: trabajaremos duro, aunque hay que tener paciencia. 

Esta temporada empieza a dirigir El anillo del Nibelungo. ¿Qué representa para usted la obra wagneriana?

Hay una tradición de sobredimensionar sonoramente a Wagner, pensando en la acústica de Bayreuth. El anillo... es un mundo que se explica por sí mismo, escena por escena. Para abordar a Wagner, hay que tener en cuenta muchas cosas. Wagner pensaba en clave de teatro musical. Y para mí, lo esencial es que por encima de todo es muy melódico y muy cantable: la prueba es que siempre empezaba componiendo por la voz, es decir, por el elemento narrativo, teatral.

Por Jaume Radigales

Foto Acred.: A.Bofill.

 

Javier Negrín y Odradek Records

Javier Negrín y Odradek Records

Publicado: Enero 2013
El tándem perfecto


Renovar o morir. En tiempos como los actuales en que el mercado discográfico tradicional ha tocado fondo y agoniza lentamente, son necesarios proyectos originales e imaginativos que permitan a los músicos seguir creciendo artísticamente y a los aficionados disfrutar de su talento fuera de los circuitos tradicionales. Y fue así como hace unos meses nacía en Estados Unidos Odradek Records, que más que un sello discográfico es toda una comprometida declaración de intenciones, “poco menos que utópica...casi parece demasiado buena para ser verdad”, señala Norman Lebrecht. 

El pasado 21 de noviembre desembarcaba oficialmente Madrid, en la Casa de Canarias, para presentar su  quinto lanzamiento discográfico, el último CD del pianista Javier Negrín, “Preludios de viaje”, que incluye los preludios Opp.11, 13, 15, 16 y 17, de Scriabin. Para Javier Negrín se cerraba felizmente el círculo, tras dos años de duro trabajo analizando cada nota de estas difíciles partituras y ver cómo la crisis malograba sus planes de grabación con una conocida multinacional. Fue entonces cuando internet, y el azar, pusieron en contacto al artista tinerfeño con John Anderson, un inteligente e innovador empresario, también pianista, que es alma mater de Odradek. Que Anderson sea músico es un factor muy importante ya que, en su proyecto, el artista y la calidad de su repertorio están por encima de las leyes del mercado discográfico convencional. “Odradek quiere devolverle a la música su rol verdadero, el de una obra de arte, y restituir a la interpretación su verdadera función, la única que mira hacia el futuro: la de ser un campo de investigación”. Y es que cuando el talento y la imaginación se unen en un único fin, la difusión de la buena música,  el éxito está asegurado.

Después de dos años de duro trabajo, el pasado 1 de mayo John Anderson puso en marcha, en la ciudad norteamericana de Lawrence, el nuevo sello discográfido Odradek Records. Se trata de la primera fase de un proyecto más amplio, con alcance global, cuyo objetivo es producir y disfrutar de la música clásica. Su idea era crear una compañía que ofreciera facilidades de grabación a aquellos músicos que quisieran permanecer al margen de las grandes multinacionales. “Estamos convencidos de que hay muchos artistas que no están satisfechos con las alternativas que les ofrece el mercado discográfico actual, ahora en crisis. A los músicos les falta una vía independiente y accesible desde el punto de vista financiero, que les permita difundir su talento”. Odradek quiere convertirse en la voz de aquellos artistas que compartan su modelo, alejado de los grandes nombres, de las afamadas salas de concierto y de los repertorios más populares; quiere ser su medio de comunicación no sólo con el público de siempre, sino también con el nuevo que está esperando a ser descubierto”.

El sello pone a su disposición toda su plataforma de negocio con un fin muy concreto: “cubrir los gastos de producción, empleando nuevas herramientas legales como las licencias ‘Creative Commons’, una novedosa forma de regular los derechos de propiedad intelectual, a través de las cuales el autor permite el uso de su obra bajo unas condiciones distintas a las del tradicional ‘copyright’. Odradek es una empresa sin ánimo de lucro. Sabemos que en un sentido estricto esto es utópico, pero es precisamente esa tensión hacia una utopía inalcanzable la que guía nuestro proyecto”.

Para unirse al sello no es necesario cumplir ningún tipo de requisito, “no valoramos la procedencia del artista, ni su curriculum o status financiero, sino su talento y el interés del repertorio propuesto”. Colaboran pianistas de todo el mundo, como el Duo Miho y Masumi Hio, la joven malaya Mei Yi Foo, el italiano Domenico Codispoti y el español Javier Negrín. “Lo único que nos importa es si tocan su instrumento a un altísimo nivel profesional. Se puede grabar Chopin, pero también Berio, Scelsi, Copland, Carter y muchos otros”.

Ya dispone de cinco discos en el mercado, el primero con la grabación de obra completa para piano de Schoenberg, a cargo de la italiana Pina Napolitano; y ha recibido los derechos para grabar los estudios de la surcoreana Unsuk Chin. Todas sus grabaciones se pueden adquirir a través de Amazon, iTunes, así como en su página web. 

La música en vivo también forma parte de sus actividades. “Organizamos festivales itinerantes porque estamos convencidos de que la música se disfruta mejor en vivo. Al final de los conciertos, nuestros artistas dialogan con público e intercambian impresiones”. Que el público sea activo es un factor muy importante para Anderson, pues “sólo así se puede conseguir que el proyecto esté vivo. Para ello ofrecemos nuestra página web www.odradek-records.com como lugar de encuentro”.

Un emotivo homenaje a Scriabin 

El pianista Javier Negrín es el primer artista español que graba con Odradek Records. Músicos, críticos, familiares, amigos y discípulos del artista se reunieron en el ‘hogar canario’ de Madrid para festejar el lanzamiento de su último CD “Preludios de viaje”, dedicado a uno de sus músicos de cabecera Scriabin. Fue un acto sencillo, alejado de los grandes fastos de antaño, en el que la música fue el principal protagonista. Recordó con cariño sus primeros contactos con Anderson: “Buceando en internet, a través del blog de Norman Lebrecht, encontré un artículo muy interesante sobre Odradek. A partir de ahí todo fue sobre ruedas; les envié la demo y superé el proceso de selección por unanimidad. Trabajar con ellos ha sido una auténtica inyección de vida”.    

El disco “se grabó en el recién restaurado Teatro Leal de La Laguna,  con una acústica muy cálida y especial. Desde un primer momento quise hacer un disco de tomas limpias, prácticamente sin edición, para reproducir lo más fielmente posible la sensación de una escucha en directo,  y creo que el CD capta esa continuidad y fluidez. El maestro de sonido Antonio Miranda ha hecho un trabajo excelente y ha contribuido inmejorablemente a crear ese mundo sonoro tan idiosincrático que buscábamos desde un principio”.

Para Javier Negrín, la música de Scriabin “está en plena ebullición. Son años decisivos en la formación vital y asentamiento del espíritu de este autor, con sus viajes al extranjero, sus cuadernos de notas haciendo referencia a experiencias vitales muy intensas… Se presagia en cierta medida la evolución tan personal que experimentaría años después”. Para este disco ha elegido, además del conocido Op.11, ciclos completos de otros preludios menos tocados. “Scriabin contrajo el compromiso con su mecenas y editor Belaieff de escribir dos cuadernos de 24 Preludios, siguiendo el ciclo de quintas, en poco menos de dos años. Al final compuso 47, los reagrupó de manera diferente, en números de Opus y en Partes (en el caso de los Op. 11). Sólo el Op. 11 conserva el plan original. De tal manera, los preludios de este disco -llamados “Preludios de Viaje” por el biógrafo de Scriabin Fabion Bowers- tienen una unidad cronológica y simbólica que me atrajo desde un principio”.

El proceso de interiorización de estas partituras fue “maravilloso. He disfrutado muchísimo y ha supuesto un reto magnífico. Los preludios son un mosaico de diferentes actitudes pianísticas y expresivas, rozando la genialidad en muchos de ellos. Técnicamente algunos son equiparables en dificultad a los famosos Estudios Op. 8, también de esta misma época”. 

La interpretación en vivo del Op.11 de Scriabin sirvió para clausurar este emotivo acto. No son pocos los especialistas que opinan que ‘es como si Scriabin hubiera escrito estas partituras para Javier Negín’ y así lo apreciaron los presentes. “Me alegra mucho ese comentario porque no hay mayor halago para un intérprete que ése. Cuando las interpretaciones son acertadas, cuando plantean al menos una solución posible a los interrogantes de una partitura, se tiene una sensación de inevitabilidad, o como me dijo una vez Josep Colom al escuchar un concierto de Mozart por Barenboim en el Auditorio Nacional: ‘es que hoy sólo podía ser así”. 

Ahora solo queda mirar al futuro. “Estoy trabajando en el Proyecto de Festival Itinerante Odradek para el año que viene, donde no se descarta hacer una presentación oficial en España, y en muchos proyectos ilusionantes, tanto en España como en el extranjero, con recitales y como solista con orquesta”. www.javiernegrin.com

FOTO: Javier Negrín firmando su disco en la presentación.

 

 

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