Ritmo "On Line"
Con nombre propio
Un punto de encuentro con las actividades de
artistas y gestores musicales
Clásicas Sin Piedad

Clásicas Sin Piedad

Publicado: Junio 2018
Contra la violencia de género

Han pasado tres meses desde que arrancara Movimiento Sin Piedad (MSP) contra la violencia de género. Un alegato fotográfico y musical, del que RITMO es la revista oficial. Con la colaboración del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, y la Comunidad de Madrid, en marzo se estrenaron 22 retratos del fotógrafo Juan Carlos Vega, de 22 mujeres que se unen por la igualdad de género. Para ello, hemos hablado en exclusiva con cuatro de las mujeres de MSP relacionadas con la música clásica.

AINHOA ARTETA
Soprano 

Una filosofía de vida, por la mujer…
Espíritu de sacrificio es una frase con la que me siento identificada, pues es casi una filosofía que en la vida puede llevarte muy lejos, que me inculcaron desde muy pequeña. En mi retrato elegí la frase “Eduquemos en contra de la violencia”, porque la educación es la base de todo.

La mujer y la ópera…
Sobre la violencia de género en la ópera, destacaría La Traviata. Violeta es una mujer insultada, vejada por la sociedad porque tiene que renunciar al amor de su vida obligada por su padre. Los derechos de la mujer son tremendamente pisoteados en esta ópera, al igual que en otras muchas.

La mujer y la industria musical en España…
Vivimos un momento dulce y feliz en cuanto a cantidad y calidad de cantantes españolas, en el panorama artístico español. Está habiendo auténticas maravillas en el repertorio femenino. Me gustaría que el Gobierno o la entidad correspondiente cuidara, en general, más a los músicos españoles, y que hubiera una ley que protegiese más  nuestro patrimonio español y de cantantes españoles.

ELENA MIKHAILOVA
Violinista y compositora 

Una filosofía de vida, por la mujer…
Por desgracia creo que todas las mujeres en algún que otro momento de sus vidas han llegado a sufrir algún tipo de maltrato psicológico. Siempre me he refugiado en la música, y concretamente en el violín. En el himno Sin Piedad (editado por Universal Music Spain) he investigado a qué suena el dolor de la mujer. Mi lema para MSP es “No son víctimas sino supervivientes y heroínas”.

La mujer y la ópera…
Es muy interesante analizar el lenguaje de la ópera, dado que el machismo está presente en la mayoría, principalmente por la mentalidad de la época. Me quedo con Carmen, por su carácter, personalidad y pasión. Víctima de violencia de género, fue asesinada a manos de un hombre. El director Juan Paulo Gómez ha realizado unos arreglos, para violín y orquesta, de arias de famosas óperas, cuyas protagonistas han sufrido la violencia de género en sus carnes, como Tosca o Madame Butterfly.

La mujer y la industria musical en España…
Echo en falta mujeres que dirijan las principales orquestas de Europa. En el marco de MSP nace un movimiento musical, Ellas Dicen No, una orquesta de orquestas, que integra mujeres que componen otras formaciones orquestales ya constituidas. El 10 de noviembre tengo el honor de tocar como solista con Ellas en el Auditorio Nacional de Madrid y el 25 en Boadilla del Monte, el programa de Óperas y la mujer.

MONTSERRAT IGLESIAS
Directora General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música

Una filosofía de vida, por la mujer…
El silencio es parte constitutiva del sonido, y no hace falta llegar a la famosa obra de John Cage para percibirlo. Nuestra sociedad contemporánea no es muy dada a valorarlo, pero sí ha convertido el silencio en un símbolo de respeto y homenaje. Por ese carácter simbólico yo quise resaltarlo en la frase de la exposición (“Y ni un minuto de silencio más”), para que el fin de la violencia de género no calle más voces ni nos deje sin palabras por el desconsuelo de cada una de esas muertes.

La mujer y la ópera…
En la ópera, como en las demás artes, la representación de una mujer fuerte, independiente y que toma sus propias decisiones, suele terminar en su muerte o su aislamiento. Voy a mencionar el personaje que me resulta con diferencia el más antipático, Madama Butterfly, porque en su caso ella misma es la primera en aceptar sumisamente el destino que una sociedad machista y colonial le impone.

La mujer y la industria musical en España…
Hace ya tiempo que tenemos mujeres instrumentistas excelentes (en unas familias de instrumentos más que en otras), pero hay muy pocas directoras de orquesta, por ejemplo. Sea cual sea su profesión, las mujeres siempre tendrán que pensar de qué manera van a conciliar su vida familiar y laboral, algo que a los hombres les afecta muchísimo menos.

PILAR JURADO
Soprano, compositora y directora de orquesta 

Una filosofía de vida, por la mujer…
“Amores que duelen... tolerancia cero” es la frase de mi retrato. A lo largo de nuestra vida nos han transmitido el mensaje de que “quien bien te quiere te hará llorar” y que el amor conlleva sufrimiento, pero nada de eso es verdad. El amor verdadero busca tu felicidad y te proporciona equilibrio. Los amores que conllevan angustia, celos y sinsabores no son más que relaciones tóxicas revestidas de caramelos envenenados.

La mujer y la ópera…
De las óperas cuyos personajes han sufrido la violencia de género, no me quedaría con ninguna… Mi personaje favorito es la Zerbinetta de Ariadne auf Naxos de R. Strauss, precisamente porque es ella la que le explica al personaje de la Prima Donna porqué no hay que llorar por amor. Es un papel fascinante, libre y absolutamente lúcido en el tema de las relaciones humanas.

La mujer y la industria musical en España…
El papel de la mujer está evolucionando en todos los estamentos de nuestra sociedad y no podría ser de otra manera en la música clásica. Siempre he estado muy comprometida en este tema y llevo colaborando con asociaciones de mujeres desde hace más de veinte años y ahora, desde MadWomenFest, tengo la oportunidad de abrir muchas puertas y ventanas para que las mujeres del arte se conviertan en verdaderos referentes a nivel internacional.

https://www.movimientosinpiedad.com/

por Blanca Gallego
fotografía de © Juan Carlos Vega 

Foto: Montserrat Iglesias (Directora General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música). 

Aprender a crear creando

Aprender a crear creando

Publicado: Junio 2018
Todos creamos (dentro del Proyecto Pedagógico del CNDM)

Llevo años afirmándolo; incluso gritándolo: la educación musical es una de las pocas medicinas posibles para la enfermedad del mal pensar, y la aplicación inteligente de su praxis quizá la única manera de que, en todo, la Humanidad deje de ser lo que es, un conglomerado de brutalidades, amargas frustraciones, incomprensión e ignorancia antropológica. Si nuestros curas, nuestros banqueros, nuestros periodistas, nuestros juristas, nuestros comerciantes, nuestros médicos, nuestros políticos…, todos aquellos que de alguna manera intervienen en un grado u otro en la organización social, entendieran de una vez por todas el papel que podría jugar la educación musical en la formación humana del individuo, el mundo sería mejor, más lógico y más fácil. Y mucho más placentero. E inteligente; infinitamente más inteligente. Por eso se entiende mal la poca importancia que se da en los medios musicales más intelectualizados, y muy concretamente en el mundo de la crítica musical, a proyectos pedagógicos como el que se comenta ahora desde esta página. Porque si ya es especialmente doloroso que los que detentan el Poder lo ignoren (en absoluto les interesa lo contrario; es el camino más corto para ejercer el dominio), más doloroso resulta que los que saben del asunto pasen por encima de ello sin hacer el más mínimo caso. Todos estamos más por el oropel de la música como comercio que por la música como herramienta educativa.

Una actividad, un trabajo, un proyecto como Todos creamos (dentro del Proyecto Pedagógico del CNDM) no solo debería de ser exhibido donde lo ha sido (¡ya por quinta vez!) sino que debería ser parte de los planes de estudio de los colegios de Primaria, ESO y Bachillerato. Es muy gratificante asistir a un concierto como este, por haber podido comprobar de lo que son capaces de crear pedagogos, profesores y alumnos cuando alcanzan una química colectiva, es decir, cuando todos ellos son capaces de superar las más desgastadas reglas de la pedagogía tradicional, para decidir por fin algo tan sencillo como ¡trabajar juntos! Lo es, sí. Pero se queda corto. Porque al fin y al cabo lo deseable sería que una experiencia así se convirtiera en norma educativa, no en objeto para ser mostrado. Lo que estos chicos hacen en las preparaciones previas con sus profesores, a su vez dirigidos por Fernando Palacios y su equipo, adquiere un crédito de materia educativa, como si del aprendizaje de la matemática o la química se tratara. Solo que una materia no como esas, específicas, sino como una herramienta mucho más potente para formar a los jóvenes como personas; para conseguir desarrollar potencialidades genéricas tales como la memoria, la retentiva, la concentración, la observación, la intuición, las capacidades de análisis y síntesis, el desarrollo lógico, la facilidad  para escuchar al de enfrente, al gusto por lo bien hecho, la empatía hacia lo bello, etc., etc. No deja de ser chocante que estos chicos acaben teniendo más facilidad para estudiar y aprender las disciplinas convencionales que aquellos a los que no se les brinda tal posibilidad. ¿Chocante? Pues sí; porque se sabe que esto es así, pero no se toma la decisión de universalizar seriamente este tipo de didácticas. A la postre es una labor de titanes en medio de un mar de ignorancia. Y de fracaso en el aprendizaje de la vida.

Esos titanes aquí se llaman CNDM (léase Antonio Moral) y Fernando Palacios, un hombre del que ya lo he dicho casi todo en mi vida, por la sencilla razón de que ha sido y es mucho, muchísimo, lo que ha hecho y hace. El mérito del primero consiste en desplegar la clarividencia necesaria para dar cancha a algo así desde su condición de director del Centro, que, como todo el mundo sabe ya, abandona. Manda bemoles, como diría el castizo musical. Y el del segundo, el haber puesto en marcha semejante tinglado, bajo una idea primigenia que de tan elemental y sencilla echaría atrás a cualquiera con un número corto de agallas: se aprende a crear creando. La idea es: un profesor, un pedagogo, no es un transmisor de doctrina sino un individuo capaz de proporcionar herramientas individuales y colectivas correctas para el aprendizaje. O sea, para la invención, que, de lejos, es siempre lo más importante para una auténtica formación en libertad.

Más de cien niños de varios colegios, alguno de ellos de educación especial; una orquesta de jóvenes y otras instituciones pedagógicas han edificado este Bosque de Bomarzo, como antes sucediera con Las torres de Babel, Los viajes de Gulliver o El Bosco. Ahí es nada. Se va a por todas. Nada de ñoñerías, de concesiones; tras la diversión y el disfrute de los chavales hay educación pura y dura. Pero con sentido. Unos 1000 niños han gozado de esta experiencia durante estos años, en un ambiente colectivo donde la inclusión se convierte en otro motor.

Y no menos de 1000, quizá contando con algún que otro papá, contemplaron este espectáculo, el último por ahora, guardando un silencio y prestando una atención sorprendentes. Todos pendientes del escenario, donde, alrededor de un decorado que se iba transformando para acabar convirtiéndose en una de las esculturas más famosas del parque de los monstruos del enigmático jardín de Bomarzo, la finca inmortalizada por Mugica Laínez (y por Ginastera), un grupo de chavales de entre 12 y 17 años se montaron su función: una mezcla de canto, música instrumental, poesía, danza y expresión corporal, con músicas diversas, unas veces de su propia cosecha compositiva, otras recordando al huidizo y descerebrado Gynt o al egoísta y ambicioso Fafner.

Nos decía una niña de no más de 12 años antes de comenzar: “es mucha responsabilidad, pero nos lo pasamos muy bien y hemos aprendido un montón”. Esto no tiene precio. Pero aunque el resultado estético no fuera genial (que está al borde de serlo con todas las consecuencias), estos chicos ya saben que existe un lugar y una obra literaria capital. E incluso al margen de este aprendizaje indirecto, está la experiencia que se les ha permitido vivir, quizá no solo inolvidable para todos ellos sino, sin que lo sepan, crucial para su formación, y no solo como personas con mimbres para acabar amando la cultura y la creación sino, quién sabe, como futuros profesionales de las artes escénicas.

¿Es todo esto extraordinario? No debería de serlo. Este modo de operar debería de ser norma en los colegios. Pero ni estos cuentan con muchos profesores como los responsables del programa que ha dado vida a este espectáculo, tan dispuestos a funcionar como correa transmisora del conocimiento, en este caso entre la dirección del cerebro Palacios y ellos mismos, ni tan participativos como para situarse al lado del alumno en el proceso creativo. Felicidades a todos ellos, pues a nadie se le escapa que este gremio no es precisamente el más motivado en esta España de hoy, no ya tacaña en Cultura, sino, lo que es peor, en Educación. 

Pedro González Mira 

Alumnos del Colegio Real Armada, Instituto Felipe II y Centro de Educación Especial Princesa Sofía, Orquesta Arcos-Iuventus, CTE (colaboran otras instituciones). Director: Fernando Palacios. En el bosque de Bomarzo.
“Todos creamos”, CNDM. Auditorio Nacional de Música, Madrid. 

Enlaces de Internet a los 4 proyectos anteriores:

https://youtu.be/dCDVCthtG8E

https://youtu.be/d0oceaL_H9s

https://youtu.be/zCz_9TosH4I

https://youtu.be/OpQuScPXD-E 

Foto: El autor de esta crónica junto a parte de los felices chavales que han participado En el bosque de Bomarzo, dentro del programa pedagógico “Todos creamos”, del CNDM. 

La música de la Ruta de la Seda llega a Madrid

La música de la Ruta de la Seda llega a Madrid

Publicado: Mayo 2018

Los artistas Wang Zhongshan, Jiang Kemei, He Ziyu y Fang Ziqi llegan a Madrid dentro una gira de conciertos con carácter cultural con un concierto que lleva el título de “Escuchando a China 2018” y que tiene por objetivo representar China con el lenguaje de la música. Tras su paso por Munich y Budapest, actuarán en Madrid en el Auditorio Nacional de Música el 29 de mayo, con el pianista y compositor Carlos Bianchini, como artista invitado.

Los sonidos de instrumentos tradicionales chinos como el guzheng o el huqin, sonarán con fuerza en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, compartiendo protagonismo con el violín y el piano, en un concierto que pretende representar China con el lenguaje de la música y a la vez establecer un puente de unión con la cultura española, a través de obras conectadas con nuestro país y con la presencia de un músico invitado, el pianista y compositor español Carlos Bianchini.

El concierto, que tendrá lugar el próximo 29 de mayo, dará la oportunidad de conocer al público español a grandes figuras de la música tradicional china, como Wang Zhongshan, intérprete de guzheng (un instrumento parecido a una cítara de medio tubo con puentes móviles y 21 cuerdas que se puntea con los dedos) y uno de los artistas más conocidos de su país. Es el presidente de la Sociedad Guzheng de la Asociación de Músicos Chinos, docente de Música China en el Conservatorio de Música de China y, sobre todo, un maestro en la expresión de los pensamientos racionales a través del lenguaje musical emotivo y siempre en la búsqueda del valor de la “verdadera armonía entre el instrumento y el artista”, así como “del aprendizaje de la naturaleza”. Interpretará obras compuestas por él mismo, tradicionales y de compositores contemporáneos para este instrumento.

El huqin

Así mismo, la conocida intérprete de huqin (un instrumento de cuerda con arco, con caja hexagonal y dos cuerdas), Jiang Kemei, que ha realizado recitales en escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York, el Konzerthaus de Berlín o el Musikverein de Viena, y ha tocado junto a orquestas como la Sinfónica de Chicago, la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Orquesta Sinfónica de Ottawa, la Orquesta Filarmónica de Tokyo o la Orquesta Nacional China de Taiwán, entre otras, mostrará en Madrid a través de obas con títulos tan sugerentes como El reflejo de la luna sobre la primavera de Huishan o El enrojecimiento de la floración de los melocotones. Su estilo de interpretación, que combina aspectos tradicionales y contemporáneos, así como de elementos populares y académicos, ha sido definido como sencillo y profundo, exquisito y natural al mismo tiempo. En numerosas ocasiones, en China se hace referencia a este estilo único como “el modelo de interpretación Jiang Kemei”.

Fang Ziqi y He Ziyu

La interpretación de música europea correrá a cargo de la pianista china Fang Ziqi y de He Ziyu, el jovencísimo violinista de 19 años, ganador de importantes certámenes internacionales, como el Concurso Internacional Mozart en Salzburgo o el prestigioso Concurso Yehudi Menuhin en Londres y que, pese a su juventud, ha actuado como solista con orquestas como la Filarmónica de Viena en el Musikverein de Viena, donde debutó con tan solo 18 años, siendo uno de los solistas más jóvenes de su historia. También ha actuado junto a la Rundfunkorchester Munich, la Orquesta Philharmonia de Londres o la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia, entre otras. 

Juntos interpretarán varias piezas para violín y piano, como la Habanera Op. 83 de Saint-Säens, obra escrita y dedicada a su buen amigo el compositor y violinista Pablo de Sarasate, en un guiño a la cultura española, así como obras de Paganini y Sibelius. 

Flor de jazmín

El ensemble completo interpretará una de las piezas musicales más conocidas del folklore chino de Nankín, Flor de jazmín, una obra que se consideró como el segundo himno nacional chino y obra emblemática de la cultura de China.

El concierto de Madrid contará también con la actuación de un músico invitado local, el pianista y compositor Carlos Bianchini, que cuenta con una sólida formación clásica y jazzística, y muestra en cada una de sus obras como compositor rasgos propios de su formación académica, influencias de grandes compositores románticos e impresionistas y elementos del mundo del folk y el jazz, usando siempre como lenguaje prioritario su personal estilo de composición expresivo y minimalista, sonoro y apasionado.

En el concierto del día 29 de mayo en el Auditorio Nacional interpretará tres obras para piano compuestas por él: Dos Piezas en sol menor Op. 4, obra incluida en su disco Sonata dels Infants (2018), Tema y Variaciones en re menor Op. 10, estrenada en el Festival Forte Piano de Holanda en 2017 y su Fantasía Op. 8 “Biking the Big Apple”, estrenada en 2013 en la ciudad de Nueva York y que recrea un recorrido en bicicleta por Manhattan. 

Fang Ziqi, He Ziyu (dúo de piano y violín
Obras de Saint Saëns (Habanera), Paganini (Variaciones “Nel cor più non mi sento”) y Sibelius (Humoresque n. 3). 

Wang Zhongshan (Guzheng, instrumento de cuerda tradicional chino)
Obras de Wang Zhongshan (Agua y tinta, El loco ebrio -adaptación de Wang Zhongshan-, Vista de otoño), La danza del clan Yi, Wang Jianmin (Amarres nocturnos en el Puente de Arce), Lou Shuhua (Canción del bote pesquero en el crepúsculo), Reflejos rojizos al atardecer en el río. 

Jiang Kemei (Huqin, instrumento de cuerda tradicional chino)
Obras de Hua Yanjun (El reflejo de la luna sobre la primavera de Huishan), Las profundidades de la noche, Jiang Kemei y Shen Dan (El enrojecimiento de la floración de los melocotones), El regreso de los hermanos del ejército rojo. 

Ensemble (Wang Zhongshan, Jiang Kemei, He Ziyu, Fang Ziqi, Carlos Bianchini)
Flor de jazmín 

Carlos Bianchini (pianista y compositor)
Dos Piezas en sol menor (Romanza & Nocturno), Tema y Variaciones en re menor,
Fantasía Op. 8 “Biking the Big Apple” (compuesta en 2013 durante el periodo en el que Carlos Bianchini residía en New York, donde recrea un recorrido que realizaba en bicicleta por Manhattan).  

Por Lucas Quirós

Foto: Cartel del concierto. 

Escuchando a China 2018
Conciertos de la Ruta de la Seda
“Hablando en el lenguaje de la música”
Auditorio Nacional de Música, Madrid
29 de mayo de 2018
Entradas: Taquilla del Auditorio y
www.entradasinaem.es
Tel. 902224949 / 985679668 

Violina Petrychenko

Violina Petrychenko

Publicado: Mayo 2018
Dando voz a Vasyl Barvinsky

El pasado mes de abril, en su acertada crítica (página 59), Juan Carlos Moreno nos hablaba de un disco con música de Vasyl Barvinsky, “compositor ucraniano nacido en 1888 y fallecido en 1963, que sufrió en carne propia la represión del régimen soviético: acusado de ser un espía inglés o un agente de la Gestapo, tanto da, en 1948 fue arrestado y enviado al Gulag, donde permaneció diez años”. Nos gustó tanto esta historia, que en estas páginas entrevistamos a Violina Petrychenko, la encargada de dar vida a “la voz silenciada de Vasyl Barvinsky”, como así se llama la grabación de la pianista.

“La voz silenciada de Vasyl Barvinsky” es el título del disco… ¿Quién fue Barvinsky?

Barvinsky es uno de los más importantes compositores de Ucrania, país para el que ha dado tanto por la cultura y la música que le debemos eternamente su entrega. Tuvo una carrera muy exitosa como pianista y compositor, y estuvo durante casi veinticinco años como rector del Conservatorio de Lviv. Fue también el primer compositor ucraniano cuyas obras fueron publicadas fuera de su país (Alemania, Austria, Estados Unidos e incluso Japón). Su música fue conocida y famosa no solo en Ucrania, muchos pianistas la interpretaron en Polonia, Inglaterra y Canadá.

Su importancia en Ucrania es por tanto tremenda…

Exacto, como le decía, desarrolló la actividad musical profesional en Ucrania. Escribió el primer ciclo de preludios para piano, la primera sonata pianística y los primeros quintetos y sextetos con piano de la historia de la música ucraniana. Desarrolló la vida cultural en el Oeste de Ucrania. No solo fue un brillante pianista y un talentoso compositor, fue también un excelente crítico musical y nos dejó unos escritos muy interesantes de la vida cultural de su momento. Se convirtió en el primer compositor profesional del Oeste ucraniano, llamado entonces Galicia, como la región española. Y como es lógico, sirvió de modelo para muchísimos jóvenes compositores de entonces.

Esta grabación con obras para piano de Barvinsky será uno de los primeros registros internacionales de su obra…

Sí, verdaderamente es el primer CD dedicado exclusivamente a su música para piano. Para mí no deja de ser una sorpresa que haya tan pocas grabaciones discográficas de música ucraniana, en general. En el caso de Barvinsky puedo comprenderlo un poco, ya que su música fue desterrada y prohibida durante un largo tiempo, pero la situación vivida por otros compositores ucranianos es diferente: Kosenko, Revutskiy, Kolessa, Lyudkevitsch. Nosotros, los ucranianos, tenemos mucha música interesante que mostrar al mundo, mi proyecto es mostrarla. Para mí, como pianista, es muy excitante poder ser la primera pianista que ofrezca al público europeo y les abra las puertas a estos repertorios.

Como Aleksandr Solzhenitsyn, Vasyl Barvinsky también fue encarcelado en un Gulag…

Sí, como Solzhenitsyn y muchos otros grandes artistas, la vida de Barvinsky se tornó muy trágica hacia el final. En 1948 él y su mujer fueron enviados al Gulag por un periodo de diez años; hasta el último día sirvió a su causa sin desfallecer.

Y como en la muy simbólica foto que reproducimos en esta entrevista, ¡sus obras fueron quemadas en público…!

Me gustaría decirle que no fue cierto, pero desgraciadamente así fue. Y aun peor es que se le forzó a firmar un documento donde él “autorizaba” quemar sus obras frente al mismo conservatorio donde estuvo ejerciendo durante años y donde había sido director. “Nuestra nación”, decía Barvinsky, “no tiene sitio para compositores como tú…”.

¿Está interpretando esta música en conciertos?

Sí, en la actualidad interpreto en cada recital obras de compositores ucranianos y bastante música de Barvinsky.

Al escuchar el disco, tanto Rachmaninov como otros compositores bisagras entre el Romanticismo y el siglo XX parecen ser influencias claras en Barvinsky...

Barvinsky fue un gran experto en la música de su tiempo. No podría decirle exactamente si Rachmaninov fue una fuerte influencia. Pero desde luego amaba la obra de su maestro, Vitešlav Novak y también estaba interesado en la música checa y polaca. Adoraba igualmente la música de su compatriota Mykola Lysenko; tuvo encuentros con Kosenko y otros creadores ucranianos. Rachmaninov, Scriabin, Szymanowski, Kosenko y Barvinsky fueron contemporáneos, porque como decimos habitualmente, en su tiempo se influenciaron los unos de los otros.

http://accelerando.audio/album/violina-petrychenko-the-silenced-voice-of-vasyl-barvinsky/

Por Blanca Gallego

Foto: “A Barvinsky se le forzó a firmar un documento donde él autorizaba quemar sus obras frente al mismo conservatorio donde estuvo ejerciendo durante años y donde había sido director”, nos relata Violina Petrychenko.
Acred: Accelerando 

Concurso Internacional de Música de Cámara

Concurso Internacional de Música de Cámara

Publicado: Mayo 2018
“Antón García Abril”

La séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril” ya está en marcha, y se celebrará durante los días 26, 27 y 28 de septiembre de 2018 en Baza (Granada).

La historia de este certamen tiene un origen único, y quizá infrecuente en un evento de estas características. Fue creado en el año 2012 por iniciativa de la entonces directora del conservatorio de Baza (Paqui García Vázquez), junto a un equipo de profesores. Entre sus objetivos estaba el fomentar la importancia de esta especialidad y hacer de este concurso un atractivo punto de encuentro entre intérpretes de primer nivel, en formaciones muy diversas. Además, supone una puesta en valor del repertorio camerístico y del patrimonio musical español.

La idea fue bien acogida por el Ayuntamiento de la ciudad y la Diputación de Granada y, gracias a este fundamental patrocinio, ese mismo año se materializó la primera edición del concurso. Un año antes, había tenido lugar la remodelación del auditorio del centro, espacio que fue dedicado a la figura de Antón García Abril. La elección del compositor para dar nombre al auditorio responde a la admiración de la comunidad educativa por su persona, su trayectoria internacional y, principalmente, su música. Desde entonces, el maestro García Abril siempre ha mostrado su agradecimiento y cercanía a los miembros de este conservatorio.

6 Ediciones de éxito

El éxito de esta iniciativa se ha manifestado desde el principio, y a lo largo de las anteriores seis ediciones, en las que el alto nivel interpretativo de los grupos de música de cámara ha sido siempre un distintivo. Desde 2012, han participado más de 500 jóvenes procedentes de España y de distintos países de Europa, Asia y América, dando buena cuenta del carácter internacional con el que nació este concurso. En la todavía breve historia del concurso algunos de los grupos de cámara premiados proceden de países como Rusia, Reino Unido, Alemania, Francia, Italia o Letonia; así como participantes de todos los rincones de España y de otros países como Austria, Polonia, Suiza, Finlandia y México.

El Concurso está dirigido a todo tipo de formaciones instrumentales. Este año se esperan un total de 30 grupos de música de cámara, como en los años anteriores. Podrán participar concursantes desde los 16 años en adelante y sin límite de edad, en grupos de un mínimo de dos instrumentistas y un máximo de nueve. El programa es de libre elección, y está permitido el estreno de obras de música de cámara, así como la transcripción de obras para agrupaciones que no disponen de repertorio original. Además de los tres premios principales, valorados en un total de 5.400 euros, se añaden otros dos pequeños premios de 500 euros cada uno: premio a la mejor interpretación de una obra española, y premio a la mejor interpretación de una obra de García Abril, respectivamente.

Actualmente, se encarga de la organización de este certamen la Asociación Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril”, formada por las mismas personas que lo crearon y pusieron en marcha. Junto a ella participan en este proyecto común el profesorado y alumnado del conservatorio de Baza, garantizando así la continuidad y desarrollo de este evento internacional.

Este año, Antón García Abril (que próximamente celebrará su 85º aniversario) volverá a ser el presidente del jurado, formado a su vez por otros 4 miembros de reconocido prestigio en el ámbito de la música. En la última edición (septiembre de 2017), el maestro manifestó con estas palabras su satisfacción por el nivel de los grupos participantes:

 “Un nivel que se hubiese dado en Berlín, en Nueva York, en Madrid, en la mejor ciudad del mundo, habría estado en un altísimo nivel. Pero se ha dado en Baza, una ciudad físicamente pequeña pero grande por espíritu, y por lo que significa mantener este concurso y llevar adelante la ilusión de todo este trabajo” (García Abril, Baza, 2017).

Por su  interés y singularidad, este proyecto cuenta con importantes apoyos y colaboraciones, como las del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Clásica de Huéscar, el FIAPMSE (Fórum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa) y el Ciclo Momentum Toledo, festivales que ofrecerán un concierto a los grupos ganadores. Entre todos, esperamos que la séptima edición vuelva a ser un éxito.

Las bases del Concurso pueden consultarse en la siguiente dirección:

http://concursodecamaraantongarciaabril.com/esp/concurso.html

Por Lucas Quirós

Foto: La séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril” se celebrará los días 26, 27 y 28 de septiembre de 2018 en Baza (Granada).
Crédito: Ricardo Cañabate  

25 años del Curso Internacional de Música de Astorga

25 años del Curso Internacional de Música de Astorga

Publicado: Mayo 2018

Del 7 al 15 de julio tendrá lugar la 25º edición de este curso organizado desde la localidad leonesa y dirigido a estudiantes de música a partir de 9 años de cualquier especialidad instrumental

¡Matrícula hasta el 3 de julio!

http://www.cursomusicastorga.es/

Experiencia y experiencias es lo que atesora uno de los cursos de música más veteranos del país. La pequeña ciudad leonesa de Astorga acoge desde hace 25 años a más de 200 músicos todos los veranos convirtiéndose en un referente de lo que es un curso bien organizado. Entrevistamos a la responsable del CIM (Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga”), Milagros Alonso Cepedano, para saber más acerca de este evento. 

Muchos otros cursos han ido desapareciendo durante estos años. ¿Cuál es la clave para que el curso de Astorga no solo siga en funcionamiento, si no que sigue con una tasa de alumnos casi del 100%?

Hay tres motivos principales. La mayor clave del éxito, desde mi punto de vista, es la elección del profesorado. Escogemos a músicos de las mejores orquestas y los mejores conservatorios, a veces también del extranjero. Los hacemos sentir en casa tanto  a alumnos, como a profesores y la experiencia acaba siendo tan buena que muchos repiten y se quedan con Astorga. Por otro lado, está la organización. 25 años de experiencia son un grado. No es fácil aglutinar desde adultos hasta niños de nueve años y que todo el engranaje se mueva de forma perfecta. Hemos aprendido mucho por el camino, hay que tener especial cuidado y atención a los adolescentes que viven en los cursos de música sus primeras experiencias vitales, suele ser la primera vez que han salido de casa y hay que saber gestionarlo. Cuarenta y dos personas, entre profesores, monitores, voluntarios y organización, muy curtidas en lo que es un curso de música de verano y con un gran amor por lo que hacen, se vuelcan durante los 10 días para hacer que el Curso de Música de Astorga vuelva a ser una experiencia fantástica.

Además del contenido musical hay que ofrecer al alumno de cualquier edad una parte lúdica que sea de su interés y eso lo tenemos muy en cuenta. Se ofrecen desde visitas culturales por la ciudad para los más mayores como piscina y actividades deportivas y de ocio para otras edades. Por último, tenemos el apoyo constante del Ayuntamiento de Astorga, esto es un hecho diferencial que aporta calidad al curso, dado que no persigue lucrarse, sino alcanzar la mejor oferta del curso. Aunque casi todo el coste del Curso es sufragado mediante su propia recaudación, que la institución local te respalde a todos los niveles es sin duda algo vital para que el curso dure otros 25 años más. Es una garantía.

¿Cuántas especialidades ofrecéis?

17 especialidades de instrumentos y diferentes formatos lectivos: colectivas, individuales, orquesta, etc. Los cursos de verano suelen ofrecer menos instrumentos, es un hecho diferenciador que el CIM de Astorga cuente con todas las especialidades instrumentales de orquesta y banda que se imparten en las enseñanzas oficiales de música en la Comunidad. Digamos que el formato del curso de Astorga está muy consolidado y es capaz de ofrecer toda esta gama con un alto nivel de rendimiento y calidad.

¿Cómo es el día a día del alumno en el CIM de Astorga?

El alumno se levanta a las 08:30 aproximadamente, ya sea en la residencia de estudiantes que ponemos a su disposición o en otro alojamiento, para estar listo para su primera clase de las 10 de la mañana. Hasta las 13:30 horas tendrá una programación de diferentes tipos de clases. De 13:30 a 16:30 tiene tiempo para comer y visitar las piscinas municipales, uno de los momentos favoritos del alumnado, ¡jajaja…! A las 16:30 continua sus lecciones hasta las 19:30 horas. Después tienen tiempo libre para disfrutar de Astorga siempre supervisados por los monitores, a excepción de los mayores de edad.

¿Lo podemos considerar un curso intensivo?

Es un curso intensivo, pero sobre todo especializado. Creo que el mayor interés para inscribirte en un curso como el CIM de Astorga es la gran posibilidad que da trabajar con un profesor que no es el tuyo. Te abre campo y te abre las miras como músico, en definitiva, te enriquece. Los alumnos suelen aprender mucho en poco tiempo. A nivel personal también suele significar mucho para los alumnos, no dejas de estar compartiendo un tiempo bastante intenso con personas con tus mismas dificultades y a veces ambiciones.

El Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga” está dirigido a todos aquellos estudiantes de música interesados a partir de los 9 años de edad de cualquier especialidad instrumental, ya que el CIM es desde sus inicios el único Curso completo con todas las especialidades instrumentales de Castilla y León, por lo que además de las clases individuales y colectivas los alumnos completan su formación con orquesta, banda, pianistas acompañantes, talleres, etc.

¿Y qué ha aprendido?

Pufff... mucho… Pero sobre todo, como me ha dicho recientemente Joaquín Torre, profesor de violín los últimos 10 años: “El trabajo es intenso, duro y exigente, pero uno siempre se va con la maleta llena de maravillosas vivencias y deseando que empiece la siguiente edición. De nuevo la música, año a año, nos enriquece a todos. El rigor en el trabajo, el cariño, entrega y eficiencia del equipo humano, el extraordinario nivel musical y la gran difusión artística que tiene, son algunas de las razones que hacen de este proyecto imprescindible para  nuestra sociedad”.

¿Cuál es el reto del CIM? ¿Desearíais tener más alumnos?

Nuestro reto es mantenernos. En todos estos años hemos visto caer muchos cursos de referencia, pensábamos que a nosotros también nos iba a afectar y no ha sido así. Para nosotros, lo importante es que se mantenga la calidad y el grado de satisfacción. En cuanto al número de alumnos, no preferimos no sobrepasar los 210 alumnos. Entre 180 y 210 es el volumen que consideramos óptimo para dar un buen servicio.

25 AÑOS DEL CIM

Después de que la tienda de música “Musical Zarabanda” decidiera no continuar con la organización en las primeras ediciones del Curso de Música Ciudad de Astorga, y con la misma ilusión por ofertar para los alumnos de la ciudad de Astorga y de las comarcas cercanas la actividad musical con profesores especialistas y alumnos de otros lugares, para así alimentar las inquietudes y mantener la ilusión del estudio en época estival, Victor Segura Alemany, anterior profesor de oboe del Conservatorio de la ciudad y yo, planteamos a la concejalía de música la continuidad del curso. La apuesta del Ayuntamiento de Astorga y el esfuerzo de los alumnos, familias, padres y de todos los que hemos participado en la organización han hecho que el curso pasara por diferentes etapas y siempre “in crescendo”, llegando al título de internacional y ahora a cumplir las bodas de plata.  Son 25 años en los que han pasado por las aulas y escenarios de Astorga excelentes profesores y solistas y, sobre todo, grandes alumnos que hoy se han convertido en magníficos músicos y profesionales de la música. Seguro que en estos 25 años, Astorga y su CIM, han marcado sus carreras musicales y sus formas de ser y de ver la vida. Astorga marca al que pasa por ella, y Astorga está marcada por la vida musical del mes de julio y lleva 25 años siendo una referencia musical por el Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga”. Enhorabuena a todos los que habéis hecho posible esta gran experiencia.

Ignacio Climent Mateu (primer director del CIM)

Materias y profesores

Violín: Joaquín Torre, Catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Asistente: Sheila Gómez, Conservatorio Profesional Música de Valladolid

Viola: Alan Kovacs, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y Universidad Alfonso X “El Sabio”

Contrabajo: Joaquín Clemente, Orquesta de Cámara de Holanda y Universidad Alfonso X “El Sabio”

 Violonchelo; Aldo Mata, Conservatorio Superior de Música de Castilla y León. Eduardo González, Conservatorio Superior de Música de Castilla La Mancha

Guitarra: Rubén Abel, Conservatorio Superior de Música de Oviedo

Flauta: Christian Farroni, Conservatorio Superior de Música de Barcelona y Orquesta Sinfónica de Barcelona

Oboe: Eduardo Martínez, Escola Superior de Música de Cataluña y Solista de la Orquesta Ciudad de Granada

Clarinete: Miguel Espejo, Solista de la Orquesta de Radio Televisión Española. Asistente: Javier Espejo, Profesor de la E.M.M.D de Pozuelo de Alarcón

Saxofón: Antonio Felipe, Conservatorio Superior de Música de Castilla La Mancha

Fagot: Bernardo Verde, Orquesta Sinfónica del Liceo de Barcelona

Trompeta: Germán Asensi, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española y Centro Superior Katarina Gurska

Trompa: Eduardo Sanz, Solista de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

Trombón: Ximo Vicedo, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española y Centro Superior Katarina Gurska

Tuba: Sergio Finca, Spanish Brass

Piano: Iván Martín, Concertista. Susana Sánchez, Conservatorio Superior de Música de Badajoz

Percusión: Raúl Benavent, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española

Pianistas: Antonio Jesús Cruz, Catedrático del Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada. Miguel Ángel Fernandez, Conservatorio Profesional de Música Ángel Barja de Astorga

 Precios

  • Alumno activo (externo, sin alojamiento): 265 euros
  • Alumno activo interno (media pensión): 325 euros
  • Alumno activo con alojamiento (pensión completa), en la Residencia del IES: 425 euros
  • En el Seminario Diocesano (solo mayores de 17 años): 545 euros


Con el fin de facilitar el abono de la matrícula del curso, se ofrece la posibilidad de fraccionar el pago. También se recuerda que habrá un descuento del 10% sobre el precio de la matrícula del curso (no sobre el alojamiento) para aquellos alumnos que se matriculen antes del 15 de mayo y no fraccionen el pago, además de los descuentos habituales para hermanos o familias numerosas.

Por Lucas Quirós

Foto: La música llena las plazas y rincones de Astorga durante el Curso Internacional de Música.  

Constancio Hernáez, Música y Poesía

Constancio Hernáez, Música y Poesía

Publicado: Mayo 2018
Primer disco de la nueva colección de NAXOS "Classics from Spain"

Constancio Hernáez es miembro de la nueva generación de compositores  contemporáneos de nuestro país, y presenta en este mes de mayo su primer disco para la nueva colección del sello Naxos, Classics from Spain. Una exquisita grabación de canciones basadas en poemas de grandes poetas españoles como Gustavo Adolfo Bécquer, Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Pedro Provencio, Ángel García López y Federico García Lorca, con el aval de tres destacados intérpretes como son la soprano Marta Toba, el barítono José Manuel Conde y Sebastián Mariné al piano, que realizan la compleja labor de materializar el sonido ideado por el compositor, ya que han estado en continuo contacto unos y otros durante la grabación del disco.

Las obras del compositor español Constancio Hernáez incluidas en este disco nos ofrecen la integral de sus creaciones para voz y piano. Dentro del amplio catálogo del autor, en el que la música vocal tiene un papel destacado, se suma a otras formas camerísticas en las que se siente igualmente cómodo. Fueron escritas desde el año 2001, fecha de Tres canciones de amor, con textos de Gustavo Adolfo Bécquer, hasta junio de 2017, cuando se dató Nocturnos de la Ventana, de Federico García Lorca, que, por así decirlo, cierra el ya largo homenaje del compositor a célebres poetas españoles.

Un periplo en el que hay que destacar, a pesar del dilatado tramo cronológico, la uniformidad estética en el tratamiento de los textos y el notable material sonoro, exhibiendo el conjunto una gran unidad de estilo.

Orden neoclásico

En la obra, la escritura musical de Hernáez se adhiere al texto con un tratamiento tonal/modal afanoso de comunicar y añadir su propia percepción de los poemas. Los planos establecidos para el piano y la voz discurren con independencia, repartiéndose tensiones y armonías, ritmo y timbres y protagonismo, todo dentro de un orden y estética neoclásicos, con cierto color nacionalista en algunos temas.

Importante es considerar que los poemas de cada uno de los poetas están planteados como si de movimientos de una misma obra  se trataran. Por otra parte, es de destacar, como es habitual en todas sus obras, que la línea del canto sea de naturaleza silábica (una nota por cada sílaba), salvo en los finales de estrofa en la que la última sílaba puede ser de naturaleza melismática (grupo de notas sobre una sola sílaba) y también, muy común en la última sílaba, poner una nota “tenida” a lo largo de uno o más compases.

La construcción de este programa constituye un sólido y ameno peregrinar por esferas diversas en color y en contenido. Estamos ante versos de variada historia y factura: la voz estremecida e íntima de Bécquer; el acento exquisito y quintaesenciado de Juan Ramón; la desbordante y delicada pasión lírica de Cernuda; el duende y donaire de García Lorca; la palabra de García López, siempre tocada de suavidad, y la exacta y cincelada expresión de Provencio. Este elenco de poetas ha sido el incentivo de la imaginación de nuestro compositor.

Fantasía inventiva

Llaman la atención su estructura clara, la fantasía, la capacidad de inventiva, el refinamiento de la armonía… Los planos sonoros vienen decididos por la variedad de tempi, las alturas, los ritmos. No duda Hernáez en utilizar amalgama de compases, intervalos determinantes y unas formas equilibradas de concluir las obras. Y algo notablemente asombroso: en todo momento, los recursos empleados refrescan los temas y mantienen el estilo. ¡Cuántos autores del acervo musical español son evocados en estas páginas, creándose un ámbito de referencias materializado en un universo sonoro lleno de expresividad y de color!

Constancio HERNÁEZ
Música y Poesía 

Canciones sobre textos de poetas españoles. 
G.A. Bécquer, L. Cernuda, J.R. Jiménez, P. Provencio, A.G. López y F.G. Lorca. 
Marta Toba, soprano; José Manuel Conde, barítono; Sebastián Mariné, piano.
8.579027 (CD)
Ean: 0747313902774
NAXOS
Para + Info o comprar el disco haga "clic" en:
CD Música y Poesía
Para + Info del CD en la Web de Naxos, haga "clic" en:
Naxos Música y Poesía
 
Classics from Spain 

La nueva colección de Naxos Classics from Spain, ofrece a autores e intérpretes españoles, o residentes en España, la posibilidad de editar sus trabajos en un sello discográfico, con proyección mundial, que aporta a las obras y a sus intérpretes la promoción nacional e internacional, que tan necesaria es en estos días, para su desarrollo y difusión. El nuevo disco de Constancio Hernáez ya está disponible en el mercado internacional, así como en las principales plataformas de distribución digital de todo el mundo. 

Cebrián Alcamines 

www.hernaezmarco.com 

Jesús López Cobos (1940-2018)

Jesús López Cobos (1940-2018)

Publicado: Abril 2018
Nuestros años en la Deutsche Oper de Berlín

A finales de los años 70 vivía yo con mi familia en San Diego, California, donde también vivían con sus respectivas familias Celedonio, Celín, Pepe y Angel Romero, los componentes del famoso cuarteto de guitarras Los Romero. Nuestro frecuente contacto, que era casi a diario, hizo crecer entre nosotros poco a poco una entrañable amistad, que dura hasta el día de hoy. Un buen día, Pepe Romero me llama por teléfono para preguntarme si quería ir con ellos al Hollywood Bowl, de Los Angeles, donde iban a tocar un concierto con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y el director era “un español”. Por supuesto, le dije que sí, y me uní a la caravana de coches de los Romero con dirección a Los Angeles, que está a unas dos horas en coche de San Diego. ¡Poco me imaginaba yo que los azares del destino habían decidido cambiar por completo ese día el rumbo de mi vida!

Finalizado el concierto fuimos a cenar con el “director español”, quien resultó ser nada más y nada menos que Jesús López Cobos, un hombre afable, correcto, sencillo de trato, algo retraído, pero que, apenas iniciamos nuestra conversación, me di cuenta enseguida que estaba ante una persona poco común. Durante la cena nos contó que le acababan de nombrar Director Musical de uno de los tres teatros de ópera de Berlín, concretamente de la Deutsche Oper. Jesús me dijo que ya conocía mi nombre, por mis años como Director Titular de la Orquesta de Valencia y casi, como caído del cielo, me preguntó si me interesaría irme con él a Berlín como asistente suyo, como director de orquesta y como pianista correpetidor del repertorio italiano.

Tras aceptar su invitación, Jesús me indicó que volvería al año siguiente a Los Angeles a dirigir la misma orquesta y que ya me traería noticias sobre mi contrato. Lo anotó en una pequeña agenda y nos despedimos. ¡Cuál fue mi sorpresa cuando al año siguiente me llamó por teléfono exactamente el día que me había indicado el año anterior, para informarme de que ya estaba en Los Angeles y traía consigo mi contrato listo para firmar! Tengo que confesar que era la primera vez en mi vida que un español me sorprendía con tal absoluta puntualidad…

Con enorme ilusión inicié mi trabajo como “flamante” miembro de la Deutsche Oper, cuando mi alegría se vio duplicada al encontrarme cara a cara con la gran Pilar Lorengar, que era la “diva de la casa”, y que me recibió con los brazos abiertos. Luego me fui acostumbrando a trabajar con artistas como Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Luciano Pavarotti, Daniel Barenboim, Dietrich Fischer-Dieskau, Montserrat Caballé, Plácido Domingo, Miguel Ángel Gómez Martínez, Giuseppe Sinopoli, Piero Cappuccilli, Rafael Frühbeck de Burgos, Renato Bruson, Raina Kabaivanska, Christian Thielemann, etc., y naturalmente con Jesús López Cobos...

El Intendente General de la Deutsche Oper, Götz Friedrich, tenía en López Cobos al director musical flexible e ideal para programar las temporadas a sus anchas, siguiendo sus gustos y forma de pensar.

Las grandes dotes de López Cobos como director de orquesta eran, sobre todo, su ductilidad, su naturalidad, su musicalidad, su facilidad en “concertar” a la orquesta y a los cantantes, su elegancia de gesto, su claridad con la batuta y el uso (casi excepcional) de su mano izquierda para indicar la expresividad en el fraseo. Todo indicaba una facilidad innata en el arte de dirigir una orquesta.

Trabajé con él los nueve años que duró su contrato, que decidió no renovar para aceptar la posición de Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati en Estados Unidos. Al abandonar la Deutsche Oper, el Gobierno Alemán le condecoró con la Cruz al Mérito Primera Clase por su contribución a la cultura de Alemania.

Se adaptaba con total facilidad al repertorio más variado, desde Mozart, Verdi, Puccini o Wagner hasta Lulu de Alban Berg o Pelléas et Mélisande de Debussy.

Dirigió muchas de mis obras y complaciendo sus deseos, compuse mis Cantos del alma, cuyo estreno dirigió con la Orquesta Sinfónica de Barcelona. El destino me premió con el privilegio de ser el compositor cuyas obras completaron las últimas tres grabaciones del maestro Jesús López Cobos. La primera de ellas contiene mis Nocturnos de Andalucía con la London Symphony Orchestra y las dos últimas grabaciones con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Como me apuntaba en un correo lleno de emoción Lorenzo Ramos, hijo de López Cobos, estos tres CD cierran con broche de oro nuestros 40 años de relación con su padre.

Descansa en paz, querido amigo Jesús.

Por Lorenzo Palomo

Foto: Lorenzo Palomo con Jesús López Cobos, en Barcelona, durante el estreno de Cantos del alma.

Salvador J. Martínez

Salvador J. Martínez

Publicado: Abril 2018
El arquetero alquimista

Rodeado de olores a maderas y barnices, la música nace y crece en el taller de Salvador J. Martínez, afamado luthier sevillano, especializado en arquetería.

¿Cómo llega alguien a convertirse en arquetero?

En mi caso, yo hice viola, esto me ayuda para entender mejor la luthería. Cuando terminé el grado superior, decidí ampliar mis estudios haciendo un Master y un curso de un año especializado en mantenimiento y reparación de instrumentos de cuerda. Nunca pensé en dedicarme a la arquetería, pero tras terminar mi curso, durante el verano, tuve la suerte de conocer a Michael J. Taylor, arquetero inglés afincado en Alicante, ahora retirado. Nos hicimos amigos y me interesé por su trabajo. Después de algunas conversaciones y muchos correos, Michael vio que mi interés iba un poco más allá de la simple curiosidad y me instó muy generosamente a aprender el oficio de su mano con la condición de dedicarme en exclusiva a los arcos, puesto que esta especialidad requiere de una cualificación muy específica que nada tiene que ver con la luthería de instrumentos. Fue una oportunidad única la idea de aprender de un gran maestro como él.

¿Por qué es tan importante un buen arco?

Existe mucho desconocimiento. Todo el mundo ha oído hablar de Stradivari y Guarneri, sin embargo, poca gente conoce la importancia de la escuela francesa de arquetería. El arco es capaz de cambiar el timbre y el volumen que sale del instrumento y es muy sensible a la técnica de cada músico, de ahí que sea ardua la labor de encontrar un arco en teoría ideal. Michael Taylor dice que “no existe el arco perfecto”, y depende de los objetivos de cada instrumentista. Por ejemplo, el mejor arco en una orquesta, es un arco que se pegue bien a la cuerda y que no sea nervioso, un sonido que empaste con su sección. Este tipo de arco no es difícil de encontrar. Por otro lado, los arcos para solistas van a ser lo contrario, algo que le dé un extra de volumen y timbre, y que sea flexible para resaltar, estos arcos requieren una gran técnica y control. La madera del arco envejece igual que en los instrumentos, las propiedades sonoras mejoran con el tiempo. Los grandes solistas casi siempre tocan con grandes arcos franceses. Nombres como François Tourte, Dominic Peccatte, Nicolas Maire y muchos otros cumplen con estos requisitos.

¿Es necesario gastar miles de euros para poder tener un buen arco?

En general sí, partiendo de unos 3.000 € podemos encontrar un arco decente, aunque existe la posibilidad de un arco restaurado, en cuyo caso el precio se reduce considerablemente. Conozco músicos que usan arcos restaurados de D. Peccatte o F. Tourte, en perfecto estado costarían más de 100.000 €, pero por estar restaurados, han podido estar a su alcance y todos están encantados. Mucha gente prefiere dedicar todo su presupuesto al instrumento y aún hay estudiantes de grado superior usando arcos de fibra de carbono e incluso plástico cuando es imprescindible para un músico tocar con un arco de madera de buena calidad. Creo que cada cierto tiempo es bueno seguir probando y cambiando por la dificultad que conlleva dar con un arco ideal para cada uno. Disponemos aquí de un buen número de arcos, desde 500 hasta 10.000 € para estudiantes y solistas.

¿Qué consejo daría a nuestros lectores?

He visto muchas reparaciones terribles en grandes arcos que los devalúan considerablemente. Algunos clientes vienen quejándose porque después de algún trabajo de encerdado o de corrección de la curva realizado por alguien no especializado, el arco ha dejado de funcionar correctamente. La confianza en un arquetero especializado es muy importante. Es necesario crear numerosas herramientas muy especializadas solo para la fabricación y la restauración de arcos, esta es la única forma de mantener un estándar muy alto de calidad, que los talleres de instrumentos no pueden ofrecer. Mi consejo es que lleven sus instrumentos al luthier y el arco al arquetero.

¿Qué objetivos próximos te planteas?

Como hay muy pocos arqueteros en España, mi objetivo principal es dar a conocer mi profesión, que a día de hoy bastante desconocida y por tanto poco valorada. Creo que si los músicos fueran más conscientes del trabajo del arquetero, verían la importancia que tiene un buen arco en la vida de un instrumentista de cuerda, y no solo me refiero a profesionales, sino también a estudiantes y a la importancia que tiene el arco para aprender a tocar y desarrollar completamente las capacidades del alumno. También estoy empezando a construir arcos para competir en concursos, con el fin de colocar mi nombre y el de la escuela de Michael J. Taylor en el panorama internacional.

https://www.salvadorjmartinez.com/

Mail: info@salvadorjmartinez.com

Por Lucas Quirós

Foto: El taller de arquetería de Salvador J. Martínez dispone de un buen número de arcos, desde 500 hasta 10.000 € para estudiantes y solistas. 

21. Gewandhauskapellmeister

21. Gewandhauskapellmeister

Publicado: Abril 2018
Leipzig da la bienvenida a Andris Nelsons

En el Altes Rathaus de Leipzig, el magnífico edificio renacentista que domina la Marktplatz, utilizado en el pasado para las fiestas reales de los príncipes de Sajonia y como antiguo ayuntamiento de la ciudad, tuvo lugar la ceremonia de presentación oficial de Andris Nelsons como nuevo Kapellmeister de la legendaria Gewandhausorchester. “Gracias por su confianza”, respondía emocionado Nelsons, a las palabras de bienvenida del alcalde, Burkhard Jung: “Querido Andris Nelsons, bienvenido a Leipzig. Qué bien que estés aquí”. Andris Nelsons que, como un risueño gigante con los brazos extendidos, abraza la ciudad desde los numerosos carteles distribuidos por todas partes, afirmó ser plenamente consciente de tan importante legado, convencido de que la tradición era un desafío, no una parálisis, y que, por eso, quiere preservar la tradición de la orquesta, con un nuevo impulso, conectando el pasado con lo nuevo.

Toma de posesión

La ceremonia de toma de posesión, presentada por Dr. Thomas Angyan, Intendant der Gesellschaft der Musikfreunde, contó, entre otras personalidades de la política y la cultura, con la presencia de Oliver Schenk, Sächsischer Staatsminister für Bundes-und Europaangelegenheiten, y la embajadora de Letonia, Inga Skujina, quien, dirigiéndose a su famoso compatriota, destacó su contribución como embajador cultural del país. En su primer y breve discurso como 21. Gewandhauskapellmeister, conmovido por la cálida bienvenida y con evidentes dificultades en el idioma alemán, un tímido y sonriente Nelsons, abre su carpeta con el discurso escrito en alemán, con palabras de gratitud y alabando a la audiencia de Leipzig: “No conozco ninguna ciudad en la que se ame tanto a la orquesta como en Leipzig”, señaló. Después de unos minutos, tropieza con una palabra que se le resiste, se ríe de sí mismo, cierra la carpeta y dice: “Es mejor que haga música en lugar de hablar”, lo que provoca la carcajada y el aplauso espontáneo del público. 

Andris Nelsons (Riga, 1978), que comenzó su carrera musical como trompetista en la orquesta de su ciudad natal, para convertirse a los 24 años en director de orquesta de la Ópera Nacional de Letonia y, tras pasar por la Nordwestdeutsche Philharmonie en Herford y la City of Birmingham Symphony Orchestra, desde el 2014 ocupa el pódium de la Boston Symphony Orchestra, y es, a sus 39 años, el vigésimo primer Gewandhauskapellmeister. A partir de ahora, el director letón, que ha firmado el contrato hasta el 2022, tendrá frente a él a 183 músicos de una de las mejores orquestas del mundo, que el pasado 11 de marzo cumplió 275 años de historia. Entre los antecesores de Nelsons; nombres tan importantes como Felix Mendelssohn Bartholdy, Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Bruno Walter, Kurt Masur (que durante casi treinta años llevó su nombre asociado a la orquesta), Herbert Blomstedt o su inmediato predecesor, Riccardo Chailly.

Dos noches de concierto con su nuevo director, los días 22 y 23 de febrero, marcaron el inicio de las festividades del 275 aniversario de la Gewandhausorchester y el debut de Andris Nelsons como su 21. Kapellmeister, en la Neues Gewandhaus (3. Gewandhaus) de la Augustusplatz, cuya construcción debe mucho al empeño de Kurt Masur, que logró convencer a la cúpula de la DDR de la necesidad de una nueva sala de conciertos, acorde con la importancia de la orquesta.

Concierto inaugural

El concierto inaugural, bajo la dirección del nuevo Gewandhauskapellmeister Andris Nelsons, emitido en directo por MDR Kultur, Arte y Mezzo, comenzó con el estreno mundial de Relief für Orchester, obra encargo de la orquesta al compositor Steffen Schleiermacher; la quinta obra de Schleiermacher escrita como encargo de la orquesta y el primero de los tres estrenos de la temporada bajo la dirección de Nelsons. La violinista de Riga, Baiba Skride, fue la solista del Concierto para violín y orquesta, “A la memoria de un ángel”, de Alban Berg, que combina la estructura de doce tonos con la melodía coral de Bach, y que forma parte del repertorio de la Gewandhausorchester desde que la interpretara por primera vez bajo la dirección de Franz Konwitschny.

Como homenaje a su legendario antecesor, la Sinfonía n. 3 “Escocesa” de Mendelssohn, estrenada y dirigida por el propio compositor hace 175 años, coronó este primer concierto de clara referencia a la tradición local. Los dos largos años sin director titular, tras la precipitada marcha de Chailly antes de finalizar su contrato, ya son historia. El famoso sello amarillo alemán celebró la soñada alianza de la Gewandhausorchester y Andris Nelsons con la mirada puesta en el futuro y con la grabación en vivo de las Sinfonía ns. 3 y 4 de Bruckner con oberturas de óperas de Wagner, las primeras entregas de una serie de las Sinfonías completas de Bruckner en el sello Deutsche Grammophon.

https://www.gewandhausorchester.de

Por Lorena Jiménez

Foto: Andris Nelsons como 21. Gewandhauskapellmeister
Crédito: Gert Mothes

Ticino Musica

Ticino Musica

Publicado: Abril 2018
Protagonistas de la edición 2018: Conciertos y Academia

Ticino Musica presenta un rico y variado cartel de eventos compuesto de recitales solistas y de cámara con grandes maestros y jóvenes promesas, clases abiertas, conciertos de música contemporánea, producción de ópera, presentaciones, seminarios y muestras, para un total de más de 70 eventos (en su gran mayoría gratuitos) que se realizarán del 18 al 31 de julio en el Cantón Ticino.

Los artistas invitados (internacionalmente reconocidos) además de ser, con sus conciertos, los protagonistas absolutos del calendario, trabajan intensamente en el transcurso de dos semanas del Festival con los “jóvenes maestros”, jóvenes músicos profesionales ya activos. Los 20 cursos de perfeccionamiento que componen el programa de la Academia representan un continuo y fecundo intercambio de experiencias, elemento extraordinario en el transcurso de la formación de los jóvenes.

Los maestros invitados para el 2018 son Klesie Kelly (canto), Homero Francesch (piano), Stefano Molardi (órgano), Ulrich Koella (acompañamiento para pianistas y música de cámara con piano), Marco Rizzi (violín), Wilfried Strehle (viola y música de cámara para cuerdas), Johannes Goritzki (violonchelo), Andrea Oliva (flauta), Ingo Goritzki (oboe), Calogero Palermo (clarinete), Gabor Meszaros (fagot), Preston Duncan (saxofón), Christian Lampert (corno), Frits Damrow (trompeta), Vincent Lepape (trombón), Fabrice Pierre (arpa) y Pablo Márquez (guitarra).

Para estos artistas el trato con los músicos en formación es al mismo tiempo una excelente oportunidad de cambio y estímulo, con el objetivo común de crecer sin descanso con, por y en la música. El clímax de este cambio recíproco se encuentra en el concierto, en el “meterse en juego” uno enfrente del otro, demostrando el resultado fruto del trabajo mutuo: basándose en este concepto, Ticino Musica ofrece, entre lo más novedoso de su oferta artística para el 2018, el concierto “Grandes maestros y jóvenes promesas”, donde se destacan como protagonistas en el mismo escenario a los maestros y sus mejores alumnos.

Los otros “pilares” de la oferta artística de Ticino Musica son el Laboratorio de Música Contemporánea y el Opera Studio Internacional “Silvio Varviso”.

Laboratorio de Música Contemporánea

Prevé una estrecha colaboración entre los compositores, los intérpretes y el ensamble: los jóvenes autores se sumergen en una “atmosfera creativa”, en la cual tienen la posibilidad de producir sus propias “creaciones” a través de la discusión y la guía de los maestros, y asimismo tienen la oportunidad de completar el proceso compositivo a través de la ejecución de sus obras por parte del Ensamble Contemporáneo. Coordinado por el suizo Oscar Biachi, el laboratorio tiene como invitados este año al compositor Bernhard Gander y el Neue Vocalsolisten Stuttgart, uno de los más reconocidos grupos vocales a nivel mundial, que se presentará en un anhelado y esperado concierto en la Catedral de San Lorenzo en Lugano y darán, tanto en grupo como a nivel individual, un curso de perfeccionamiento dedicado a la vocalidad contemporánea. Cinco compositores suizos serán igualmente cada uno protagonista de una conferencia en la que presentarán su obra.

Ópera Studio “Silvio Varviso”

El Ópera Studio internacional “Silvio Varviso” pondrá en escena La italiana en Argel de Rossini. A través de una llamada internacional (responden normalmente alrededor de 300 cantantes de todo el mundo), se realizan audiciones para seleccionar un doble reparto que será dirigido por un grupo excepcional (Umberto Finazzi, dirección musical; Marco Gandini, dirección de escena y Claudio Cinelli, escenografía y vestuario) con el fin de realizar, en el término de un mes de arduo trabajo en Mendrisio, las 5 presentaciones previstas en el calendario del Festival. La Orquesta está compuesta de músicos graduados del Conservatorio de la Suiza Italiana, igualmente seleccionados por medio de audiciones.

Desde varios años Ticino Musica colabora con los dos más importantes concursos internacionales  de  interpretación  musical:  El  Concurso  ARD  de  Múnich  y  la Primavera de Praga, ofreciendo cada año a los músicos premiados la posibilidad de presentarse en concierto dentro del calendario del Festival. La edición número XXII de Ticino Musica invitará a Davide Giovanni Tomasi (guitarra) y a Olga Sroubkova (violín).

Cada  año  Ticino  Musica  invita  además  uno  o  dos  ensambles  en  residencia, que tienen la oportunidad en Ticino Musica de continuar su formación. Para 2018 han sido invitados el quinteto de metales español “Thinking Brass” y el cuarteto de cuerda suizo “4tunes”, que podrán ser escuchados y apreciados en diversas ocasiones por el público.

Ticino Musica es un encuentro de músicos, grandes maestros y jóvenes promesas, provenientes de diversas partes del mundo, en el cual su expresión artística y su capacidad formativa se fusionan ingeniosamente para dar a sus participantes y al público la oportunidad de vivir una experiencia musical en 360 grados.

Ticino Musica

Lugano (Suiza), 18 al 31 de julio

http://www.ticinomusica.com/

Por Lucas Quirós

Foto: El cellista Johannes Goritzki, junto a sus “jóvenes maestros” en Ticino Musica.

 

Spirio, la última revolución del piano liderada por Steinway & Sons

Spirio, la última revolución del piano liderada por Steinway & Sons

Publicado: Abril 2018

Si hablamos de calidad, innovación y perfección del piano, solo podríamos referirnos a Steinway & Sons. Porque desde que la casa neoyorquina fundara en el siglo XIX la era del piano moderno, nada ha marcado de manera más relevante la historia de este instrumento.

Ahora Steinway lo ha vuelto a conseguir. La segunda de las revoluciones históricas del piano se llama “Spirio”, y hace posible que el instrumento toque solo. Es decir, la genialidad de este modelo de piano es ser el primer sistema de interpretación automática de alta resolución, que reproduce con absoluta precisión y fidelidad las distintas piezas de los mejores pianistas del mundo.

Las teclas fluyen solas con el mismo rigor con el que son acariciadas por Yuja Wang o el dúo Anderson & Roe. Y la experiencia musical se hace intensa y tan real, como si verdaderamente los pianistas estuvieran interpretando ante nosotros la pieza, con la misma fuerza y pasión que en un concierto en vivo.

Esta increíble experiencia cuenta con la ventaja de ser un sistema musical de uso sencillo. Porque “Spirio” hace posible su manejo mediante la conexión a un Ipad, que muestra la biblioteca musical única a través de una aplicación.

Sencilla e intuitiva app

Además, esta sencilla e intuitiva app, ofrece sin coste y de por vida, una gran variedad de composiciones, interpretadas por autores de todos los tiempos. Un recorrido por la historia de la música, que transporta al melómano desde las piezas más clásicas de Bach o Beethoven, hasta el blues nostálgico, de la mano de Billy Joel. Una colección que además está en continuo crecimiento, puesto que prácticamente a diario, los artistas Steinway graban nuevos temas para incorporar a la biblioteca de “Spirio”.

En España, este transgresor modelo de piano está disponible en exclusiva en la tienda Hinves Pianos, quienes además son distribuidores oficiales de Steinway & Sons.

Boston y Essex
El lujo accesible de tocar un Steinway

Tener un piano Steinway es el sueño de cualquier aficionado o profesional del piano. De hecho, la marca Steinway & Sons es una referencia del lujo, de sobra conocida por cualquier persona que forma parte del mundo del piano. Su excelencia y garantías han posibilitado que para cualquier pianista, poseer un Steinway sea el equivalente a la ilusión por tener un Rolls-Royce de cualquier aficionado del motor.

Sin embargo, no tantos conocen a los hermanos pequeños de la familia de pianos Steinway. Los pianos Boston y Essex, desarrollados por la casa neoyorquina, ofrecen una oportunidad a la inigualable experiencia de tocar un Steinway, convirtiendo este lujo en una posibilidad accesible.

Essex

Por un lado, tenemos los pianos Essex, orientados a principiantes y pianistas de estudios avanzados, que quieren disfrutar de una experiencia plena del mejor instrumento.

Boston

Pero también tenemos los pianos Boston, indicados para pianistas profesionales que necesitan de una sonoridad brillante y dulce, que envuelva al público.

Ambos instrumentos disponen de toda la belleza estética de su hermano mayor, el Steinway, y su mecánica está íntegramente fabricada con madera (nada de plásticos) para una repetición más rápida, mayor estabilidad y mejor control de la ejecución. 

Desde el gran lujo de “Spirio” (la última de las innovaciones de Steinway), hasta el lujo accesible de la gama Boston y Essex, la firma ofrece una gran familia de pianos irrepetibles, que se adaptan a cada pianista y ocasión.

Por Blanca Gallego

https://eu.steinway.com/es/

Michael Fabiano

Michael Fabiano

Publicado: Marzo 2018
El tenor que vuela alto

Michael Fabiano vuela alto, no solo por su afición a volar y a los aviones, “es mi gran pasión”, afirma, sino por su momento artístico, requerido por los teatros más importantes del mundo (acaba de “llorar” la muerte de Mimì como Rodolfo en La Bohème en el Metropolitan de Nueva York). Este mes de marzo recala en el Palau de les Arts de Valencia para interpretar en escena a Corrado, de Il Corsaro de Verdi, ópera poco programada y que será una excelente oportunidad para comprobar la afinidad de Fabiano con el compositor italiano. Asiduo y enamorado de España, cantó recientemente en Bilbao a Des Griex de Manon y algunos lo recuerdan por aquel joven tenor que compartió escenario con Plácido Domingo en I Due Foscari de Verdi en el Teatro Real, después de haber actuado en Cyrano de Bergerac en la temporada 2011-12 del coliseo madrileño.

¿Qué opinión le merece estilísticamente Il Corsaro, tratándose de una obra bisagra entre el Verdi más romántico y el Verdi más maduro de la etapa posterior?

Primero, en mi opinión, en lugar de dos, Verdi tiene tres periodos de composición. Il Corsaro surge al final del primer periodo. Estrenada en 1848, no es una fecha temprana pero tampoco tardía en la producción del compositor. En esta ópera comienza a explorar al ser humano, del mismo modo que lo hace en La Traviata, Luisa Miller y posteriormente en Un ballo in maschera. En “Eccomi prigioniero!”, como usted sabe un aria de Il Corsaro, hay cambios tonales y armónicos muy avanzados, no sigue la estructura de las primeras óperas con la tradicional forma de “aria-duetto” y finales, dando mayor importancia, en cambio, a la melodía. ¡Realmente adoro esta música! Las dos arias de Corrado son muy agradecidas para el tenor.

¿Cómo ve el personaje de Corrado en Il Corsaro? ¿Qué características tiene tanto desde el punto de vista vocal como dramáticas?

Es un papel muy lírico y, desde el punto de vista argumental, es muy creíble. La primera aria es importante, más bien grande, quiero decir, con su cabaletta, que le imprime velocidad y “agresividad”. Son arias para un tenor “líder”, en las que el ímpetu escrito, como ocurre en I Lombardi, es muy avasallador.

¿Desde que lo debutó en Washington hace unas temporadas, cómo ha evolucionado su visión del personaje al interpretar otros roles verdianos?

Verdi es el compositor más natural para mi voz, para mí. Evoluciona del mismo modo como lo hacen otros papeles que he hecho en escena, como Luisa Miller (Rodolfo) o Don Carlo. De hecho, este Corrado supone mi noveno Verdi en escena.

¿Es Corrado su favorito de los personajes verdianos?

No sabría decirle… Cada personaje de cada ópera tiene sus propias y maravillosas cualidades. En esta ópera encontramos momentos mágicos, como cuando Corrado se encuentra con Gulnara, la esclava; en este momento de canto juntos se siente el éxtasis. Como en mi querida primera cabaletta; en realidad no podría escoger un único rol verdiano favorito, pero al estar inmerso ahora en Corrado me siento muy cercano a él.

Últimamente se ha prodigado por España; ha cantado Des Grieux en Bilbao y debutará en marzo en Les Arts de Valencia con Il Corsaro. ¿Cómo se siente en nuestro país? ¿Le gusta?

Habría que estar loco para que a uno no le guste España… El público es muy apasionado y sabe de repertorio. Es uno de los países en los que me siento más a gusto en un escenario y donde más me gusta cantar.

Además de Verdi y Puccini, cuyas óperas usted canta a menudo y parecen escritas para su voz, ¿qué otros repertorios le interesan? ¿Hacia dónde cree que podrá evolucionar?

Tengo también mucha inclinación por el repertorio ruso, por ejemplo con Eugene Onegin, del que ya he cantado el personaje de Lensky. También adoro Massenet, especialmente su ópera Manon. Y claro, el personaje de Hoffmann es uno de los pilares de la ópera francesa, que también incluyo, por supuesto. Es decir, además de mis papeles italianos, en mi repertorio están los que comprenden la opera rusa y francesa.

Usted canta mucho en Estados Unidos pero también en Europa. ¿Qué diferencias, ventajas o inconvenientes encuentra entre el mercado operístico norteamericano y el europeo?

La gran diferencia entre ambas es el sistema de gestión. En Estados Unidos son las fundaciones privadas las que gestionan los espectáculos operísticos, mientras que en Europa son los gobiernos y algunas instituciones aisladas las que los gestionan. En Estados Unidos el consejo asesor lógicamente interviene en la programación, pero al final, en definitiva, para mí no hay grandes diferencias.

¿Algún cantante del pasado o del presente?

Me gustan muchos cantantes de otras épocas, especialmente de los años treinta y cuarenta del siglo pasado. Pero mi referencia es Neil Shicoff, que es mi maestro. Franco Corelli ha sido, para mí, uno de los grandes, del mismo modo que José Carreras y Plácido Domingo son nombres incuestionables en mi “lista”. También tengo en estima y aprendo de cantantes de otras cuerdas, como sopranos o barítonos. Si le soy sincero, no quiero destacar a uno solo.

Soy seguidor suyo en sus redes sociales, en las que se muestra muy activo. ¿Qué opina de las redes? ¿En qué medida influyen en su día a día? ¿Son importantes para un cantante?

Es esencial. Porque es el sistema para que uno, dos o tres millones de aficionados y seguidores sepan lo que estás haciendo en ese momento, dónde estás cantando y en qué teatro estás actuando. Es una manera relativamente sencilla de mostrar lo mejor de tu carrera a tus seguidores. Y la información que se dirige está, en mi caso, avalada, porque yo mismo estoy detrás de ella.

“Aspetti, signorina, le dirò con due parole, chi son, che faccio e come vivo…” Estas palabras las tiene muy frescas ya que acaba de cantar el Rodolfo de La Bohème en el Met de Nueva York, podría “Rodolfo Fabiano” decirnos “con due parole” quién es?

(Risas). “Non sono un poeta…”, no son dos palabras suficientes para expresarme… Yo soy el capitán, soy un comandante. Soy el capitán de mi vida y de mi destino; soy el capitán de mi barco y de mi avión, que como sabe es mi gran pasión, volar, volar alto… Soy el capitán de mi carrera.

Il capitano del canto, gracias por su tiempo.

http://michaelfabianotenor.com/

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Michael Fabiano
Crédito: Jiyang Chen


Centro Superior de Música Loreto - FESD

Centro Superior de Música Loreto - FESD

Publicado: Marzo 2018

Nos encontramos en las instalaciones del Centro Superior de Música Loreto - FESD, para conocer más en profundidad de la mano de su actual director, Jorge Sancho, una institución educativa que en 2016 irrumpió en el panorama madrileño de las Enseñanzas Artísticas Superiores en la disciplina de Música.

El Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto - FESD (CSM Loreto - FESD) tiene su sede en el centro de Madrid, en un espacio fácilmente accesible y bien comunicado; en el mismo edificio en el que se encuentra el Colegio del mismo nombre, que cuenta ya con una gran trayectoria y una enorme tradición en la ciudad de Madrid.

Háganos una breve semblanza del centro…

El Centro Superior de Música Loreto - FESD supone la culminación de un proyecto docente de amplia trayectoria, impulsado desde su inicio por Inmaculada Fernández Paniagua, que fue acogido en su día bajo la titularidad de la Congregación de la Sagrada Familia de Burdeos y hoy, de la Fundación Educativa Santo Domingo - FESD. La autorización para impartir las Enseñanzas Elementales y Profesionales de Música en 2013 supuso un primer reconocimiento al trabajo desarrollado con anterioridad, mientras que la concesión del título Superior en 2016, la consecución de un gran logro así como el inicio de un apasionante desafío. En lo académico, el Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto ofrece, actualmente, dentro de las enseñanzas correspondientes al Titulo Superior de Música, las especialidades de Composición, Pedagogía y los itinerarios instrumentales A y B de Interpretación. Recogiendo, no obstante, las palabras del Consejero de Educación de la Comunidad de Madrid en el acto de inauguración de este curso académico de las Enseñanzas Artísticas Superiores, estamos tratando de establecer colaboraciones estratégicas con algunas universidades madrileñas para crear programas comunes, intercambios, etc., que interconecten (hasta que sea una realidad la plena integración) el espacio de Enseñanzas Superiores. Finalmente, nuestro compromiso con la difusión, la creación, la enseñanza y la excelencia musicales convierte al Centro Superior de Música Loreto - FESD en una alternativa del máximo nivel en el ámbito de las Enseñanzas Artísticas Superiores.

¿Qué institución da soporte al Centro?

La titularidad del centro pertenece hoy a la Fundación Educativa Santo Domingo (FESD), que, a través de sus diferentes estamentos (Patronato y Equipo de Gestión de la Fundación, Equipo Directivo del Centro y profesores), lo acoge con enorme ilusión, haciendo todos los esfuerzos posibles y necesarios, para liderar y dirigir este proyecto, queriendo convertirlo en un proyecto de éxito que consolide los logros alcanzados y haga crecer al Centro paulatinamente.

¿Quién puede estudiar en su Centro?

El CSM Loreto - FESD está abierto a todo aquel alumno que haya terminado el grado profesional y quiera continuar con su formación oficial o cualquiera que, por circunstancias diversas, no haya podido cursar estudios oficiales de música pero que demuestre tener el nivel musical suficiente como para poder acceder a las enseñanzas superiores. Es más, como ya sabrá, actualmente ni siquiera es necesario estar en posesión del título de bachillerato para acceder a las Enseñanzas Artísticas Superiores, siempre que se supere la denominada “Prueba de madurez”.

¿Qué actividades llevan a cabo?

La actividad del CSM Loreto - FESD no se ciñe sólo al ámbito docente o al horario lectivo. En este primer año ya organizamos el pasado mes de noviembre, con motivo del Día de Santa Cecilia, un concierto a cargo de nuestra profesora Nina Kereselidze y acabamos de participar en la última edición de AULA, el salón internacional del estudiante y de la oferta educativa, en Madrid, en el que nos hemos presentado en público una vez más. Por otro lado, en este mes de marzo participaremos en un concierto del ciclo “Música y Mística”, en Madrid y próximamente comenzará nuestro programa “Conversaciones”, unos encuentros amenos y divulgativos en donde profesores y personalidades invitadas abordarán la situación y las perspectivas de las Enseñanzas Artísticas Superiores desde diversos enfoques. Asimismo estamos trabajando en la preparación del programa de “Master Classes C.S.M. Loreto FESD” que ofertaremos a partir del curso 2018-2019.

¿Qué puede contarnos del profesorado?

En primer lugar, nos gustaría señalar que el mayor patrimonio del CSM Loreto - FESD es el equipo que lo forma: el alumnado y los profesores. Un grupo de personas con ilusión firme y confianza en un proyecto que, no exento lógicamente de dificultades, aspira a consolidarse poco a poco en la oferta educativa de la Comunidad de Madrid e ir ampliando paulatinamente su radio de influencia y acción. Centrándonos específicamente en el profesorado, donde contamos con un Premio “Tchaikovsky”, cabría destacar que conjuga una sólida trayectoria artística en las más representativas orquestas o agrupaciones nacionales y una dilatada y reconocida labor docente, lo que redunda tanto en el desarrollo del talento y las habilidades del alumnado como en una mejor orientación y proyección profesionales de éste tras los estudios. A este respecto, me gustaría señalar que en el curso 2018-19 se incorporarán a nuestro centro, como docentes, colaboradores o asesores, grandes nombres como los de Jesús Rueda, Carles Trepat, Eduardo Baranzano o Ángela Morales.

¿Cuál es el enfoque pedagógico general?

En el CSM Loreto - FESD tenemos claro que el centro de todas nuestras acciones ha de ser el alumno; su progreso como músico y como persona. El propio Plan de Estudios que regula estas enseñanzas recoge esa intención de formación completa pero, dentro de las posibilidades que nos permitan el número de créditos consignados a las asignaturas optativas y a las prácticas, trataremos de reforzar aquellos aspectos que consideremos más relevantes. El claustro de profesores está altamente comprometido con esta visión porque entiende que cuanta mayor preparación para el ámbito profesional (como intérpretes, creadores, docentes, etc.) seamos capaces de inculcar a nuestro alumnado, más recursos tendrán para desenvolverse una vez terminen sus estudios. Por esta razón se anima al alumnado a crear grupos instrumentales actuales, a que acudan a cursos y seminarios y a que empiecen a relacionarse de manera directa con el mundo profesional de la música.  Por otra parte, siendo sensibles a la época actual, sabemos que los medios tecnológicos no son sólo herramientas complementarias para la educación, sino que, cada vez más, son el vehículo necesario de ésta. En consecuencia, el CSM Loreto - FESD las integra en su metodología para ofrecer una formación musical acorde al siglo XXI.

¿Se van a promover ayudas económicas para facilitar el acceso de los futuros alumnos?

En efecto, una novedad que se implantará el curso próximo es el “Programa de Becas y Ayudas”, que todavía hará más atractiva nuestra propuesta docente, puesto que su fin es promover y favorecer el acceso y la permanencia en los estudios superiores de música a todos aquellos alumnos de talento y aptitudes musicales demostradas, cuya situación económica o social impida asumir el coste total de una formación musical privada. Al hilo de esto último, nos gustaría señalar que hemos creado la figura del “Amigo del Centro de Música Loreto - FESD”. Creemos que puede ser un acicate atractivo, ya que, mediante una aportación anual, permitirá a cualquier persona beneficiarse de un programa de actividades específicas a partir del próximo curso.

¿Qué le diría a un posible alumno interesado en estudiar en su centro?

Al futuro alumno le pediríamos, sobre todo, que viniera con la mayor ilusión posible por aprender. Querríamos que se sintiese partícipe y protagonista de una experiencia formativa y vital que ha de servirle para comenzar a desplegar todo su potencial musical. Todo nuestro empeño irá enfocado a facilitarle ese camino propiciando que pueda desarrollar en las mejores condiciones su personalidad artística.

“He tenido la gran suerte de estudiar en los mejores conservatorios con grandes maestros que han compartido sus experiencias de música, de arte y de vida. Siento como una obligación transmitir. Es como una antorcha que pasa a la siguiente generación”

Nina Kereselidze (Profesora del CSM Loreto - FESD)

www.csmloreto.fesd.es

por Lucas Quirós

Foto: Auditorio del Centro Superior de Música Nuestra Señora de Loreto - FESD.

XIV Concurso Internacional de Canto Luis Mariano

XIV Concurso Internacional de Canto Luis Mariano

Publicado: Marzo 2018

El Concurso Internacional de Canto Luis Mariano se celebrará del 11 al 14 de julio

El concurso está destinado a promocionar jóvenes cantantes con condiciones y valores artísticos para su lanzamiento en el mundo lírico

El plazo de inscripciones está abierto hasta el 3 de junio

El Área de Cultura del Ayuntamiento de Irún anuncia la nueva convocatoria del Concurso Internacional de Canto Luis Mariano, una iniciativa bienal destinada a promocionar jóvenes cantantes con condiciones y valores artísticos para su lanzamiento en el mundo lírico. La cita tendrá lugar del 11 al 14 de julio y podrán participar en este concurso cantantes de entre 20 y 35 años, para los hombres, y 18 y 32 años para las mujeres.

“Se cumplen catorce ediciones de un certamen internacional que trabaja por la promoción de jóvenes valores en la interpretación de la música lírica, un arte que sabemos es muy exigente y en el que cuesta abrirse camino. Irún es una ciudad con tradición lírica y bajo el nombre de nuestro artista más universal queremos contribuir a la proyección de las carreras de estos artistas, al mismo tiempo que recordamos y homenajeamos a Luis Mariano en torno a ese 14 de julio, día en el que se cumple el aniversario de su fallecimiento”, destacó la delegada de Cultura, Juncal Eizaguirre.

Plazo abierto

La XIV edición del Concurso Internacional de Canto Luis Mariano se abre oficialmente con el lanzamiento de la convocatoria, de la que se pueden conocer todos los detalles, incluidos las bases del certamen, en la web municipal:

www.irun.org/luismariano

El plazo para apuntarse permanecerá abierto hasta el 3 de junio. Sobre el formato del concurso, cada concursante deberá presentar un programa de 10 obras agrupadas de la siguiente forma:

GRUPO A: cuatro composiciones pertenecientes al género oratorio-cantata o al género Lied, canción de concierto. Puede mezclarse obras de distintos géneros.

GRUPO B: seis arias de ópera, opereta o zarzuela (puede mezclarse obras de los tres géneros, si bien las de zarzuela como máximo serán dos arias y las de ópera dos como mínimo).

El concurso se desarrollará en tres fases, como es habitual. En primer lugar, los días 11 y 12 de julio se celebrarán las fases eliminatorias; el día 13 será el turno de las semifinales y el 14 de julio la gran final.

El jurado del concurso estará formado por personas muy relacionadas con el mundo del canto lírico, como el Director Artístico del Teatro de San Carlo en Nápoles, Vicenzo de Vivo, que ejercerá como presidente; la mezzosoprano y profesora Carmen Arbizu; el director de orquesta Aldo Salvagno; el presidente ejecutivo de la Agencia Musical Iberkonzert, Juan Carlos Sancho; y la cantante y profesora Ana María Sánchez.

Este concurso surgió en 1995, al cumplirse el 25 aniversario de la muerte del artista irunés. Entre los objetivos que persigue este certamen internacional se encuentra el ayudar a los jóvenes valores en el arte de la interpretación lírica y mantener vivo el recuerdo del irunés Luis Mariano. Las primeras convocatorias fueron anuales pero, más tarde, el concurso pasó a tener el carácter bienal, que mantiene en la actualidad. Como resultado de haber ganado este concurso, muchos cantantes han conseguido contratos para ofrecer recitales y conciertos y para actuar en óperas y oratorios de diversos teatros y salas de Europa.

Fechas de inscripción: Hasta el 3 de junio de 2018

Cantantes femeninas: 18-32 años cumplidos en 2018

Cantantes masculinos: 20-35 años cumplidos en 2018

Premios

1º Premio 6.000 €

2º Premio 4.500 €

3º Premio 3.000 €

Premio Especial del Jurado a la Mejor Promesa 2.000 €

Premio del Público 2.000 €

Premio Luis Mariano
Concedido por la Asociación Lírica Luis Mariano. Consistirá en un contrato para interpretar un papel en una de las dos temporadas siguientes en alguna de las producciones operísticas de dicha asociación. 

+ Info
Concurso Internacional de Canto Luis Mariano
Plaza Urdanibia, s/n • 20302 Irún
Teléfono 00 34 943 505 407
cultura@irun.org 

por Blanca Gallego 

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