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artistas y gestores musicales
El liderazgo de la Fundación Excelentia

El liderazgo de la Fundación Excelentia

Publicado: Octubre 2013
La temporada abarca 30 conciertos en el Auditorio Nacional y un nuevo Ciclo en Valladolid

La trayectoria de la Fundación Excelentia parece imparable a la vista de la variedad, calidad y cantidad de conciertos que presenta cada año en los diferentes escenarios de España. Esta nueva temporada, Excelentia ha preparado 4 ciclos en el Auditorio Nacional: Ciclo Grandes Clásicos, Ciclo Espacio de Cámara, Ciclo de Conciertos en familia y Grandes Maestros del Flamenco. Además ha abierto un ciclo de 4 conciertos en la Sala Miguel Delibes de Valladolid. ¿Qué más se puede pedir a una entidad totalmente privada que destina todos sus esfuerzos a la promoción de la música clásica? El presidente de la Fundación Excelentia, Javier Martí, nos lo cuenta a continuación.

Parece que la Fundación Excelentia se supera en cada temporada que presenta. ¿Nos puede resumir las novedades de este año 13/14?

Efectivamente, en Excelentia trabajamos muy duro para que nuestro proyecto de música clásica sea sostenible en el tiempo. Este año las novedades más inmediatas han sido la apertura de dos nuevos ciclos en el Auditorio Nacional de Madrid. Uno de ellos dedicado a las familias, los  Conciertos en familia y otro dedicado al flamenco, donde hemos invitado a tres grandes maestros: José Mercé, Estrella Morente y Carmen Linares. Además, ofrecemos un nuevo Ciclo en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid con cuatro magníficos conciertos. Es una apuesta clara por abrir la música fuera de Madrid. No obstante, siempre queremos que la calidad sea nuestro objetivo en cada proyecto que presentamos.

Además,  vemos que cuentan como siempre con la magnífica Orquesta Clásica Santa Cecilia. ¿Qué respuesta tienen del público?

Por supuesto, la Orquesta Clásica Santa Cecilia, que fundé hace ya 12 años, es una agrupación que cuenta con los mejores profesionales y ahora mismo estamos en un proceso de colaboración con otros países como Holanda, Hungría, Inglaterra y Estados Unidos. El público agradece y aprecia a la orquesta; ha visto cómo ha evolucionado y progresado cada año. La han hecho suya y la consideran como una de las orquestas más serias del panorama musical. En caso contrario, nuestro proyecto no sería sostenible en el tiempo. Por ello, esperamos acudir a diferentes festivales en 2014.

Aparte de la música orquestal, vemos que también dan importancia a la música coral.  ¿Nos puede contar cómo transcurre ese proyecto?

La música coral es muy importante en nuestro ciclo y por ello le damos mucha relevancia cada temporada. Este año hemos creado un coro profesional, el Excelentia Vocal Ensemble, que ofrecerá la Misa en si menor de Bach, el Oratorio de Navidad y las Cantatas. Además, seguimos con nuestras otras dos formaciones corales: la Sociedad Coral Excelentia de Madrid (140 voces) y la Excelentia Choral Academy. Con ellos, haremos la ópera La traviata de Verdi, la Novena de Beethoven o el Requiem de Mozart. Además, impulsamos un grupo muy selecto de once voces The Labyrinth of Voices, con Miguel Ángel García Cañamero. Será un grupo que estará a la altura de los mejores grupos de música antigua internacionales que actualmente conocemos.

¿Qué tienen preparado para este mes de octubre?

Es un mes muy interesante y variado: Para empezar, el 4 de octubre, a las 19:30h, contamos con José Mercé en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, donde nos presentará su último disco “Mi única llave”. El 15 de octubre, seguiremos con el Ciclo Grandes Clásicos, en el que ofreceremos obras de Rossini, Paganini y Mendelssohn. Y para finalizar el mes, el 26 de octubre, inauguramos el Ciclo Espacio de Cámara con obras de Bach, Marcello y Haendel. Como ve tendremos un poco de todo.

Con 30 conciertos en el Auditorio Nacional de Madrid, más los cuatro conciertos en Valladolid,  y otras ciudades; sus dos orquestas, sus tres coros… ¿No ha pensado nunca que está a la altura de las grandes programaciones nacionales de este país en materia de música clásica?

Si le digo la verdad, nunca hemos tenido tiempo. Simplemente, hemos trabajado muchísimo y hemos ido adaptándonos según las circunstancias, pero siempre con el objetivo claro de intentar ofrecer lo mejor. La posibilidad de contar con grandes solistas y directores no es casualidad: Michail Jurowski, Nicola Benedetti, Thomas Sanderling, Jonas Alber, Renaud Capuçon, Eldar Nebolsin, Konstantin Lifschitz, Albina Shagimuratova, Andrés Cárdenes, son grandes solistas del panorama internacional que confían en nuestro proyecto y seguiremos creciendo con ellos.

Suponemos que usted recibirá multitud de propuestas por parte de los artistas para colaborar.

La verdad es que, afortunadamente, sí; y se sorprendería de quiénes llaman a la puerta, y eso nos enorgullece.

¿Cuál es su próximo proyecto más inmediato?

En la actualidad, queremos que la Orquesta Clásica Santa Cecilia acuda a los festivales más importantes de este país y que sea programada al nivel de las orquestas extranjeras más importantes.

Más información en la web: www.fundacionexcelentia.org

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto: Javier Martí Corral, presidente de la Fundación Excelentia.

 

 

 

Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2013
Una explosión de color contemporáneo

El Ciclo ha celebrado su XIX edición con cuatro conciertos, destacando la interpretación de obras de compositores contemporáneos e incluyendo cuatro estrenos mundiales. Únicamente en una de las citas musicales, el órgano del santuario, con sus 4.072 tubos (Gabriel Blancafort, 1977), ha sido el protagonista indiscutible explotando toda su riqueza tímbrica. No han faltado, en esta ocasión, instrumentos melódicos, ya habituales en años anteriores, como el violín, violonchelo, arpa y clarinete, en combinación con el órgano. Para el concierto extraordinario de la fiesta de la Virgen de Torreciudad se contó con el Brillant Magnus Quintet, original formación que conjuga el brillo del metal con la energía de los timbales y el acompañamiento del órgano, creando un ambiente sonoro envolvente. El público ha acudido en mayor número que en anteriores ediciones, lo que refleja una consolidación del Festival.

Se abrió la edición con tres intérpretes de Suecia que ofrecieron un concierto en el que se combinó la madurez artística de la organista Elisabeth Von Waldstein y la vitalidad de las jóvenes Natalia Goldmann (violonchelo) y Natalie Migdal (violín), de 26 y 23 años. Arrancó el programa con Vivaldi: los instrumentos de cuerda utilizaron la partitura original, mientras el órgano siguió la transcripción que realizaría posteriormente Bach. Una de las obras que más llegó al público, por la perfecta simbiosis lograda, fue la conocida Aria de la Suite en re mayor de Bach. Disfrutamos con el lirismo de Mendelssohn y el piano trío “gitano” (como se le conoce popularmente) de Haydn, entre otras obras.

La segunda actuación corrió a cargo del organista de la Basílica del Pilar, Juan San Martín. La Fanfarria de J. Jackson abrió el concierto, a modo de toque o “llamada”, y sirvió de preludio a la entrada propiamente dicha, una marcha de Dupré. Saint-Saëns sorprendió con su Danza macabra, obra que comienza con las doce campanadas, simbolizando la llamada de la muerte. Escuchamos Evensong, de Eastophe Martin, pieza que preparó la siguiente, Catedrales de Vierne. El intérprete la escogió teniendo presente la grandiosidad de la arquitectura del santuario. Como broche de oro del concierto pudo escucharse el Carillón de Vierne.

El Brillant Magnus Quintet, formado por Juan Ignacio Lozano, Luis Martínez y Javier Martínez (trompetas); Carlos Hugo Paterson (órgano) y Eva Mª Sánchez (timbales), protagonizó el tercer concierto. El programa era muy atractivo, con algunas obras muy populares como la Cantata BWV 147 de Bach y el conocido coro del oratorio de Judas Macabeo, “See, the conquering hero comes!”. En esta obra, los timbales adquirieron un protagonismo especial, consiguiendo trasladarnos  con la imaginación a la batalla. Durante la actuación hubo alguna pequeña puesta en escena, ya que los trompetistas jugaban con distintas posiciones, situándose de frente entre ellos o abriéndose para dejar paso al solista, lo cual facilitó que el numeroso público que llenaba el templo identificara los dúos, tríos o solos de trompeta. Se creó un ambiente muy especial con la obra de Purcell Sound the trumpet, beat the drum. Completaron el programa obras de Buxtehude, Mouret y Lully, mientras que el conocido Te Deum de Charpentier fue el colofón de un “brillante” concierto.

El Ciclo se clausuró con el trío de clarinete (Justo Sanz), arpa (Mª Rosa Calvo-Manzano) y órgano (Maite Aranzabal). Salvo dos piezas históricas, el resto del programa era repertorio español de los siglos XX y XXI. Hubo cuatro estrenos mundiales, dos de ellos compuestos por la propia arpista: Aragonia, en homenaje al músico Antón García Abril en su 80 aniversario, y Torreciudad, con el carillón del campanario como tema. Tres meditaciones, de Vicente Martínez, caló especialmente en el público. Los asistentes disfrutaron con el Aria de Papageno de Mozart, en la que se logró el carácter travieso de la obra gracias al clarinete piccolo. Se cerró el concierto con Memorias, una obra del gran genio Pedro Iturralde, que hace alusión a su primera gira como saxofonista, donde se describe un recorrido virtual desde la salida del tren en la estación de Atocha, pasando por Lisboa (presencia del fado) y Casablanca (jazz), hasta el regreso nuevamente al lugar de partida.

Por: Mª J. Egido – M. Aranzabal
Fotos: J.E. Estil-les 

Foto: El concierto extraordinario de la fiesta de la Virgen de Torreciudad tuvo al Brillant Magnus Quintet como protagonista.

Georgina Sánchez Torres

Georgina Sánchez Torres

Publicado: Octubre 2013
El violonchelo que habla

A sus 27 años, esta violonchelista, directora de orquesta y compositora, además de bailarina y asidua poetisa, acaba de editar su primer disco con composiciones propias, patrocinado por la Fundación Medinaceli DeArte, ciudad a la que está dedicado el disco. Georgina nació en Valladolid, comenzando los estudios de cello a los 7 años, estudiando con José Ramón Serrano, María de Macedo y Nuria Rosa Muntañola, completando su formación con Pedro Gómez y Félix del Barrio. A los 20 años finalizó los Estudios Superiores con Asier Polo y Damián Martínez en el Musikene, perfeccionándose con Phillipe Müller y Natalia Shakhovskaya.

La Ciudad del cielo (Amanecer). Como un petit Daphnis et Chloe, el cello de Georgina emerge como la luz que inunda los paisajes y se adueña de ellos, dando vida con su luminiscencia.

Del mismo modo, Georgina realizó estudios de dirección de orquesta con Enrique García Asensio y Bruno Aprea. En Mayo de 2007 interpretó el Concierto para violonchelo en re mayor de Haydn en presencia de su Majestad la Reina Doña Sofía.

Canto de salvación. Sobre sinuosas frases que susurran una posible sarabanda de Bach, “todos necesitamos, en algún momento, entonar un canto que nos permita continuar”, este canto contiene una primera parte muy armónica, repleta de densidad, que nos traslada a la parte melódica, donde la voz y el instrumento se funden en uno solo, en una misma esperanza.

Premiada en más de treinta concursos nacionales e internacionales, su repertorio abarca una extensa colección de obras desde el barroco a nuestros días, actuando en España en salas como el Monumental de Madrid, el Auditorio de Zaragoza o el Palau de la Música de Barcelona, así como en festivales de toda la geografía hispana. Ha grabado para RNE e interpretó en vivo obras de Schnittke y Bloch. Su actividad como creadora se ha mostrado con este disco, dedicado a la villa de Medinaceli (Soria), “un sitio que me ensimismó desde la primera vez que toqué allí en 2011, y allí precisamente fue donde surgió la idea de grabarlo, patrocinado por la Fundación Medinaceli DeArte”.

Farrucas 1, 2, 5 y 6. Pizzicati, saltos, alegría, accelerandi Fiesta. En las farrucas Georgina despliega toda la tradición de una danza repleta de energía, donde el violonchelo se ha disfrazado de guitarra. “Desde pequeña me había resultado gracioso el término de ‘señorito’, que muestra a un hombre arrogante, al que no le amedrenta nada, con andares de ‘farruco’.

"La Ciudad del Cielo" (Medina Coeli) es la pieza que le da nombre al disco. Etimológicamente, Medina significa "Ciudad", y Coeli "Cielo"; por tanto, es otra forma más de homenajear a Medinaceli.

La Ciudad del cielo (La noche despliega su astro). Sobre suaves arpegios del piano, el arco infinito traza una caricia sobre el erizado instrumento, que, asustado y posteriormente calmado, se duerme en la noche.

En 2006, Georgina realizó un estudio basado en el rescate de violonchelistas españoles olvidados, añadiendo un estudio y recuperando obras para violonchelo de la Generación del 27.

Fantasía con sentimiento español. Desde las raíces de su tierra, Georgina expresa, a base de flashes, la esencia de su origen. “La vida de un concertista está marcada por los continuos viajes que te llevan de un lugar a otro. Fue en un tren donde surgió esta pequeña pieza”.

Como compositora ha estrenado sus obras en numerosos festivales, siendo también dedicataria de obras de otros creadores, como Gabriel Loidi, Urtzi Izairoz, Sebastián Mariné y Julio Blasco. Reconocida en 2010 como “Mejor Artista Joven” por la Comunidad de Castilla y León, en la categoría de solista, es, desde julio de 2012, “Artista en Residencia” del Salzburg Voice Festival.

La Ciudad del cielo (Los amantes). La fusión del sonido con el aire es como el encuentro de dos amantes, ante el que uno debe de plegarse al otro para lograr la unión total. Es la culminación expresiva de la suite La Ciudad del cielo.

Con la colaboración del pianista Manuel Jesús Corbacho, este disco de distribución independiente, de alrededor de sesenta minutos de música, es la primera muestra del arte de una persona creativa, de un talento arrollador, que acaba de lograr el pasado septiembre el Premio “Chance Music Competition” (Moscú), con el dúo Santor-Gilort.

Elegía Rapsódica. El Sollozar del Guerrero. Más ambiciosas, ambas piezas nos muestran estados de ánimo en la tristeza y los remordimientos. Para la primera, “a mis 21 años, era la primera vez que estrenaba una obra. Desde niña, entre otras muchas, interpretaba la Elegía de Fauré y la Rapsodia Húngara de Popper”. Una fusión que explota por su pasión expresiva.

Con el dúo (Santor, Sanchez Torres; Gilort, Gil Ortiz) ha obtenido también el primer Premio de Música de Cámara del Concurso Internacional de Música “Saverio Mercadante”, otra muestra más de la polifacética creatividad de esta cellista, que a ratos baila, a ratos escribe poesía.

Hirundo Rustica. Con un trasfondo de regresos y de anhelos, es posiblemente la pieza más melódica y hermosa del disco, donde el arte para el fraseo de Georgina despliega toda su intensidad.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro
Foto: Manuel Esteves

 

Classical Concert Chamber Orchestra

Classical Concert Chamber Orchestra

Publicado: Septiembre 2013
Evocará al barroco en su tercera gira por España

La Classical Concert Chamber Orchestra, procedente de EEUU y liderada por el mundialmente reconocido violinista Ashot Tigranyan, quien fuera discípulo del legendario Leonid Kogan en el Conservatorio de Moscú, realizará su tercera gira por España, del 19 al 29 de septiembre. La orquesta, fundada en 2006, es un ensemble compuesto por 25 virtuosos de primera línea que sigue el modelo clásico-barroco. La gira comprenderá ocho ciudades españolas, Vigo, A Coruña, Valladolid, Zaragoza, Barcelona, Pamplona, Logroño y Madrid, donde ofrecerán algunos de los conciertos para cuerdas más celebrados del Barroco. El Maestro Tigranyan, fundador, director musical y violín solista de la Classical Concert Chamber Orchestra, nos habla de la trayectoria de la orquesta y de su próxima gira.

La Classical Concert Chamber Orchestra surge en California en 2006. ¿Qué les llevó a realizar giras por Europa?

Es un honor y un desafío presentar la orquesta a diferentes públicos europeos. La mayoría de los compositores clásicos son europeos y la música clásica fue creada originalmente en Europa. Es un desafío, pero la calidad y el nivel musical de la orquesta nos permiten llevarlo a cabo. No obstante, no solamente vamos a efectuar giras por Europa, tenemos proyectos para viajar alrededor del mundo y presentar las obras clásicas de los más grandes compositores.

¿La calidad de los virtuosos que componen la orquesta, así como su versatilidad, es fundamental para que la orquesta tenga éxito?

Sin lugar a dudas, la excelencia de los músicos, la versatilidad del conjunto y la preparación musical es muy importante. En la Classical Concert Chamber Orchestra, cada músico ha sido cuidadosamente seleccionado y todos los virtuosos que la componen tienen un alto nivel de calidad y profesionalidad, lo que se refleja en cada actuación. La música clásica es una manifestación artística que enciende las emociones y los sentidos, y el público percibe la calidad de la misma.

La formación ha viajado por EEUU, Europa, y ha estado varias veces en España. ¿En qué país está la música clásica más arraigada?

No hay destinos o fronteras para la música clásica, está arraigada en todas partes; en todos los lugares hay personas que aman y sienten pasión por la música clásica. Nosotros tenemos mucho cariño por el público español. En nuestra última gira por el sur de España nos recibieron muy calurosamente y nos demostraron que la gente no solo ama a los grandes compositores, sino que también existe una gran familiaridad con ellos. Por este motivo volvemos a España, porque la música clásica nos une, nos acompaña y nos hace vibrar.

El programa de esta gira, que comprende obras maestras del barroco, tiene como pieza clave Las cuatro estaciones de Vivaldi. ¿Qué otros conciertos para violín interpretarán?

La Classical Concert Chamber Orchestrabrindará una selección de conciertos de Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach. El inagotable encanto que poseen Las cuatro estaciones, de Vivaldi, harán que el espectador sienta la pureza y naturalidad de cada estación del año. Del compositor alemán J.S. Bach ofreceremos el Concierto de Brandemburgo n. 3 BWV 1048, perteneciente a una de las colecciones más extraordinarias y misteriosas, que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los emblemas del barroco. Tras esta obra, podrán disfrutar del célebre Concierto para violín y orquesta n. 1 BWV 1041, en el que se destaca especialmente el vuelo lírico de la melodía que interpreto en el rol de solista.

La gira comienza el 19 de septiembre en Vigo y finaliza el 29 de septiembre en la capital de España. ¿En qué ciudades actúan y cómo puede adquirir el público las entradas?

El primer concierto será en el Centro Cultural Novacaixagalicia de Vigo (www.obrasocialncg.com). Continuaremos en A Coruña, el 20 de septiembre, en el Teatro Colón (www.teatrocolon.es). El sábado 21, estaremos en Valladolid en el Teatro Calderón (www.tcalderon.com). Nos adentraremos en tierras aragonesas, para deleitar al público en la Sala Mozart del Auditorio del Palacio de Congresos de Zaragoza (www.auditoriozaragoza.com), el domingo 22. Tras ello, aterrizaremos en Cataluña la siguiente semana, concretamente, el jueves 26, en el Palau de la Música de Barcelona (www.palaumusica.cat). De ahí, viajaremos a Pamplona, para ofrecer un concierto en el Teatro Gayarre (www.teatrogayarre.com), el viernes 27. La tierra del vino, la Rioja, nos acogerá, el 28 de septiembre, en el Auditorio Riojaforum de Logroño (www.riojaforum.com). Y finalizaremos la gira en la capital de España, actuando el domingo 29 en el Teatro Monumental de Madrid. Las entradas se pueden adquirir a través de internet, en las páginas web de los teatros o en las propias taquillas de los mismos.

Más información sobre la Classical Concert Chamber Orchestra en:
http://cccorchestra.com
www.celiadominguez.es
 - 
Twitter: @CeliaDominguezR


Por: Celia Domínguez Rivera

Foto:
Ashot Tigranyan y los miembros de la Classical Concert Chamber Orchestra.
Crédito foto: Marcin Łabędzki / “B&W Photography".

 



 

Arcadi Volodos

Arcadi Volodos

Publicado: Septiembre 2013
Palabras calladas de un pianista

ENTREVISTA

Arcadi Volodos nos habla de su disco Mompou para Sony

Escuchando su Mompou, uno no puede dejar de pensar e intuir, en las piezas más lentas, en Rachmaninov…

Realmente Mompou tenía ciertas influencias de Alexander Scriabin y de Debussy y Ravel, especialmente en sus obras anteriores a Musica callada. Yo he querido mostrar con este disco el camino hacia la Musica callada, todo su desarrollo vital hasta llegar a esta obra, sin duda su creación más magistral, el resultado final de toda una vida de búsqueda. La escribió durante dieciséis años. Es una música que hasta no penetrar en ella, uno no percibe la dimensión metafísica que contiene.

¿Cuál fue el camino que le ha llevado a Mompou?

Fue en casa de un amigo, Adolf Pla*, en Barcelona, escuchando los discos grabados por el propio compositor de su obra pianística (para el sello Ensayo, años setenta), en los que descubrí el ligero impresionismo y toda esta nostalgia, poesía y tristeza que contiene. Me gustó muchísimo. Mucho más adelante, años más tarde, me encuentro con la Musica callada, otro nivel absolutamente distinto para comprender a Mompou, muy diferente a aquella música que escuché en su día. Como ya le he dicho, Musica callada es una cosa aparte… Con su propio componente filosófico, pero que nada tiene que ver con la filosofía europea, tal vez tenga vinculación con la filosofía oriental, quizás budismo. Lo que le interesa a Mompou es justamente destruir la dualidad entre las diferencias que hay entre el sonido y el silencio. Para él, el sonido y el silencio son la misma cosa. No se sabe, en Musica callada, donde comienza el silencio o donde se acaba el sonido…

Casi podríamos decir que hay más silencios que sonidos…

Sí, exactamente. Y no es casualidad que, después de Musica callada, apenas escribió más música, a pesar de vivir bastantes años. Sinceramente, después de Musica callada no se podía escribir nada más.

Es una música, la de Mompou, maestro, que no se debe de encontrar cómoda en el mundo a toda prisa que vivimos…

A día de hoy se necesita reflexionar para llegar a lo más profundo de esta obra, que le habla al cerebro y al corazón. Pienso que la gente, y no solo hoy en día, tiene miedo a quedarse sola en su silencio y descubrir realmente que son. Desconfían del silencio, hasta en sus casas encienden todo tipo de cosas que generan “compañía” sonora, como una televisión, radio o dispositivos electrónicos digitales. La verdad, todo esto está muy lejos del concepto de Mompou. Estar solo, aislado, reflexionando, hoy en día no es muy común.

Mompou, a pesar de ser español, no se le asocia a los grandes compositores españoles que escribieron para el piano…

Está aparte de ellos, si se refiere a Falla, Granados o Albéniz. Mompou buscó durante toda su vida el silencio en la música, ese “sonido metálico”, como él llegó a decir, “el acorde metálico”, y en lugar de complicar progresivamente su música, como sí hicieron en parte los otros compositores, Mompou se volvió cada vez más minimalista, menos complicado. De hecho, y esto es muy importante, hay momentos en Musica callada que da la sensación de que la música no está compuesta. Es una música que a Mompou le venía de arriba, fluida, simple y profunda, aunque no parece que hubiera tenido un proceso complejo de composición. Está, y no solo por el título y la vinculación con la poesía de San Juan de la Cruz, en un estado absoluto de elevación espiritual, en un completo misticismo. Da la sensación que esta música existía antes de nuestro universo.

Es una música que por momentos parece estar improvisada, no escrita…

Las personas que lo conocieron siempre hablan que Mompou trataba, al componer, de buscar una sonoridad, buscaba una armonía durante horas. Buscaba y buscaba hasta encontrar el color tan especial que tiene su música.

De ahí otra conexión con Messiaen…

También… Y en la Musica callada se pueden encontrar referencias, pero es una música que se mueve en sí misma, no hay nada externo, no busca conexiones, es, simplemente, Mompou en un estado absoluto de elevación y simplicidad, sin nada más que lo “contamine” del exterior.

Esta es una música compleja para el pianista, que encuentra tantos silencios como notas…

Hay que olvidar la estructura, olvidar todo lo que se ha aprendido en la tradición europea musical, para entendernos. Para comprender esta música, hay que combinarla con las místicas poesías de San Juan de la Cruz, no hay que leer la partitura como única vía para entender y tocar esta música.

Si a los compositores españoles les cuesta que los interpreten pianistas no españoles, Mompou aún está más olvidado…

No entiendo como no se toca más a Mompou. Aunque entiendo que es muy difícil entenderla, no es una música que esté escrita para ser escuchada, no va en la línea progresiva de creación-interpretación-audición. Los pianistas debemos de subir una gran montaña para acceder a esta música, a cambio de descubrir un pequeño río que produce este pequeño sonido del silencio. Es completamente otro camino, si se compara con otras músicas. Es un estado de consciencia, es “música callada, soledad sonora”.

Pero este disco conlleva que interprete Mompou en vivo, y habrá alguna sala demasiado grande para interpretarlo…

Bueno, en principio no importa mucho que la sala sea grande, lo importante es si hay conexión o no hay conexión con el público. Desde luego es más difícil tocarlo en una sala grande. Tal vez sea más idóneo tocarlo en casa, solo, o acompañado de dos personas, en absoluta oscuridad. Pero tenemos un deber de difusión de esta música que amamos y debemos interpretarla en vivo ante el público.

¿Qué compañía en un recital sería buena para Mompou?

Pues creo que todas… Como le decía anteriormente, Mompou es una cosa aparte, y como tal, se encuentra bien con cualquier compañía, se puede combinar con muchos compositores, con los clásicos (se adivinan Schubert o Chopin) o los impresionistas, naturalmente.

¿Qué respuesta cree que tendrá el público ante este disco, especialmente en lugares donde apenas conocen a Mompou, aunque sí conozcan a Volodos?

Para mí, lo más importante es si logro que la gente que desconocía esta música, la descubra. Mi intención, a la hora de grabar este disco, era precisamente esa, que tenga una verdadera función y utilidad, que el disco sirva para algo más que la audición placentera. Es la respuesta a la pregunta de qué puedo hacer yo por la música. Hoy en día, de cada obra más o menos en el repertorio, puede haber una centena de versiones discográficas, por lo que el intérprete actual tiene mayor responsabilidad que el intérprete que grababa la obra por vez primera.

En el disco también hay dos canciones de Mompou transcritas por usted**, algo que le gusta hacer habitualmente…

Sí. Cuando escuché estas canciones me encantaron. Una de ellas se la escuché a Victoria de los Ángeles, acompañada por Mompou. Me gustan tanto estas canciones, son tan nostálgicas y tristes, tanto el texto como la música, que no dudé un momento a la hora de plantearme la transcripción para piano solo.

Tras este Mompou ¿qué es lo próximo para Sony?

A veces me preguntan si voy a grabar lo que interpreto en concierto. Muchas veces no tiene nada que ver, solo grabo si deseo grabarlo. El que interprete obras en vivo no significa que quiera grabarlas posteriormente. Ahora quiero descansar del estudio de grabación. Cuando regrese, tal vez Schubert o Schumann.

Gracias. Estaremos atentos.

* Adolf Pla es pianista. Ha grabado la obra completa de Mompou (La Ma de Guido).

** Damunt de tu només les flors (1942), Hoy la tierra y los cielos me sonríen (1970).

Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El pianista ruso posa en el Palau Güell de Gaudí, donde se realizaron las bellas fotografías que ilustran el disco.
Acred: José Alvarado

Sudáfrica en la escena mundial

Sudáfrica en la escena mundial

Publicado: Septiembre 2013
El sello TwoPianists presenta al dúo Breedt-Schumann

ENTREVISTA

La música clásica y su desarrollo en Sudáfrica es una industria continuamente creciente dentro de un entorno culturalmente diverso. El sello TwoPianists ha resultado ser uno de los sellos independientes de música clásica con más éxito, y no solo en Sudáfrica. TwoPianists fue iniciativa de los pianistas Luis Magalhães y Nina Schumann, quienes comenzaron la empresa hace cinco años*. La idea principal se basa en realizar grabaciones discográficas de alto nivel, con una óptima presentación, otorgando la oportunidad de grabar discos a artistas sudafricanos como a renombrados músicos internacionales.

Michelle Breedt y Nina Schumann son ambas descendientes de familias sudafricanas. Michelle, una de las más destacadas mezzosopranos de su generación, y Nina Schumann, una reconocida pianista a nivel internacional, han unido sus fuerzas para producir dos discos de la más alta calidad. El dúo nació como el resultado de una coincidencia: ambas artistas coincidieron en el Conservatorio de la Universidad de Stellenbosch. La naturaleza de esta unión se demostró en la capacidad artística de ambas artistas, inmediatamente vinculadas para hacer música. El amor y la pasión de Michelle por la lengua y el arte anglosajón motivaron la primera grabación del dúo, canciones de compositores ingleses sobre textos de Shakespeare, titulado Shakespeare Inspired. Tras este disco, un año más tarde publicaron su segundo disco, Jahreszeiten (Estaciones), una selección de lieder de Franz Schubert cuidadosamente seleccionados y que describen con sutileza los cambios estacionales. RITMO ha podido hablar con este dúo sobre estos viajes artísticos en pareja.

¿Cuáles creen que son las características comunes de estos dos álbumes, Shakespeare Inspired y Jahreszeiten?

La calidad de la interpretación musical, de los músicos, debe ser estelar, así como una cuidada selección del repertorio, que debe diferenciarse y tener estilo propio. La presentación del disco debe de reflejar que se trata de un disco especial. En ambos caso creemos que así ha sido. Es muy importante la progresión interna del disco, que vaya llevando al oyente a un estado cada vez mayor de concentración, es decir, una evolución dramática con sentido. Cada disco tiene su propia progresión, que aporta al oyente una mejora espiritual o le ofrece un reposo y una fuente de conocimiento.

El arte de la canción generalmente está asociado con Alemania y Francia, y ahora también con Inglaterra. La cultura inglesa, sin embargo, es famosa por su energía y su delicadeza. Shakespeare Inspired parece traer a la vida el sonido verdadero, intrínseco de la canción inglesa, una fusión de los iconos literarios ingleses y sus más carismáticos compositores nacionales…

La idea original de esta grabación nos vino, me vino (habla Michelle) desde dos inclinaciones personales, dos fuertes pasiones: mi profundo amor por la lengua inglesa y las obras literarias de William Shakespeare. Estaba interesada en como el legado de la literatura inglesa podría ser utilizado como inspiración para la creación de un sonido puro, que podría y puede llegar a ser acuñado como el del arte de la canción inglesa. En general, creo que el oyente recibirá una grata sorpresa por la belleza, el ingenio y la profundidad de este disco.

Shakespeare Inspired recibió el Premio “German Record Critics” como uno de los mejores discos del verano-otoño de 2011, recibiendo también cinco estrellas de Diapason ¿Cuáles creen que son los principales atractivos de este disco?

Nosotras creemos que uno de sus atractivos, o el mayor, es la cantidad de amor y dedicación que le hemos puesto al proyecto, que lo percibe el oyente. El repertorio relativamente desconocido le confiere cierto aire aventurero al disco… En pocas palabras, es una combinación de arte canoro, muy bien interpretado y trabajado, con un programa inteligentemente elaborado.

Nina, como acompañante en los lieder de Schubert, el pianista es un solista que actúa junto al cantante. El cantante, en este caso Michelle, se une al pianista para profundizar e interpretar la música. ¿Es así como lo ve…

Me disgusta la palabra “acompañante”. El pianista no es simplemente un  servicio que se cumple al lado del cantante. En dúo, como lo somos Michelle y yo, debe de ser exactamente igual en su contribución musical, teniendo en cuenta el equilibrio que exige la obra.

Vuestra selección de lieder de Schubert está construida de tal modo que forma un nuevo ciclo de canciones, caracterizado por el cambio estacional… ¿Teníais esta idea en mente cuando escogisteis los lieder para Jahreszeiten?

Escogí (contesta Michelle) el tema de las estaciones para crear mi “propio” ciclo Schubert. Schubert, como el lector sabrá, escribió importantísimos ciclos de canciones para voz masculina (Bella Molinera, Viaje de Invierno y Canto del cisne), pero no así para la voz femenina. De este modo he querido compilar uno propio para voz femenina.

¿Cuáles son los conciertos más inmediatos donde vais a difundir el contenido de vuestros discos?

Tenemos bastantes recitales para esta temporada, entre los que se incluyen la Schubertíada de Vilabertran, actuaciones en el Wigmore Hall de Londres y en la Tonhalle de Zurich.

Buena suerte y gracias.

Gonzalo Pérez Chamorro

* Para más información, el lector puede acceder a RITMO de junio de 2011, sección “Un sello”.

+ Info de los discos comentados / compra, haga clic en: Breedt-Schumann

+ Info del catálogo TwoPianists disponible en España, haga clic en: Catálogo TwoPianists

(Los discos del catálogo TwoPianists están disaponibles en España en las tiendas distribuidoras de Ferysa, El Corte Inglés, Fnac y, en venta por correo en Música Directa)

Web oficial del catálogo TwoPianists: www.twopianists.com

+ Info TwoPianist en grupo Naxos: TwoPianists en Naxos

Víctor Medem

Víctor Medem

Publicado: Septiembre 2013
Presidente de La Filarmónica

ENTREVISTA

“Valery Gergiev dirigirá la Novena de Mahler en la próxima temporada”

Realizada esta entrevista tras el concierto que cerró brillantemente la pasada y primera temporada de La Filarmónica, con Daniele Gatti al frente de la Orquesta Nacional de Francia, su director, Víctor Medem, nos habla de esta sociedad de conciertos, que se dedica a organizar eventos musicales del más alto nivel en Madrid y otras ciudades españolas. Y nos aclara, tal como le dijo Gatti, que “Verdi orquestalmente sale perdiendo en la comparación directa con Wagner”, que fue precisamente el contenido de ese último concierto de la exitosa primera temporada en Madrid de La Filarmónica. 

¿Qué es, o quién es La Filarmónica?

La Filarmónica es la marca de una empresa que pertenece a Grupcamera, que es un grupo de empresas con más treinta años de experiencia en el mundo de la música clásica, tanto en España como en Europa. Básicamente, se nos conoce porque hacemos la temporada de Ibercamera en Barcelona, que este año cumple treinta años, pero hacemos muchísimas más cosas, actualmente tenemos una temporada en Gerona y otra en Vitoria, en el Teatro Principal. En estos momentos somos la empresa que más giras de orquestas organiza en España y damos vida a nuestra agencia de representación artística, que es del más alto nivel. Trabajamos principalmente en toda Europa desde hace treinta años, representando a nivel mundial a gente como Maria Joao Pires, en su día a Gianluca Cascioli o el managament en Europa para Pinchas Zukerman o el internacional para el Cuarteto Casals, entre otros. Este es nuestro trabajo, y hace años que pensábamos hacer algo en Madrid, cosa que iniciamos el pasado año. De alguna forma estábamos presentes en Madrid con las actuaciones de nuestros artistas, pero dependíamos de terceros. Por tanto, queríamos tener una programación propia y, de cara al aficionado madrileño, propusimos una propuesta diferente, con un formato más reducido en número de conciertos, y esto es lo que nos impulsó a intentarlo. Hemos creado la marca propia, como es La Filarmónica, hemos cuidado mucho la imagen y hemos cuidado al público, tomando muchas medidas para tratar de fidelizar al público, especialmente a través del abono. Tenemos un despacho en Madrid, siendo un proyecto clave y estratégico dentro de nuestro grupo de empresas. La verdad que el primer año ha ido muy bien, mejor de lo que esperábamos.

¿Qué balance hacen de este primer año, de esta primera temporada?

El año pasado presentamos la temporada en el mes de mayo, justo en el momento que surgió la noticia de Bankia. Diez días más tarde surgió la posibilidad del rescate a España y a la banca, días después ocurrió la subida del IVA, con la prima de riesgo en índices altísimos. Desde el punto de vista empresarial fue un momento horrible, la verdad. Pero, tras un trabajo muy a fondo, con unos criterios muy sólidos y una atención muy cuidada, la gente ha respondido muy bien. Además hemos realizado abonos durante la temporada, una modalidad de abono exprés, sumando de este modo 881 abonados, cosa que está muy bien para el primer año. El objetivo, de aquí a tres años, es llegar a 1300 abonados. A día de hoy, que ya estamos vendiendo los abonos del año que viene, la buena noticia es que tenemos más abonos vendidos que el año pasado. Por lo tanto, el objetivo de crecer va a ser posible, ya que los primeros conciertos no llegan hasta otoño. Esto nos hace estar muy ilusionados con el proyecto. Madrid es una ciudad que a nivel cultural y musical está en lo más alto, con la distinción de que la iniciativa privada promueve mucha de esta vida musical. No sé si las autoridades culturales públicas de este país son muy conscientes del valor que esto tiene. Realizamos una labor de ofrecer cultura al ciudadano y estamos pagando un alquiler muy alto del Auditorio Nacional. De una forma, estamos subvencionando nosotros al Ministerio. No obstante, en el Auditorio se programan ciclos que una institución privada no podría, como son los organizados por el CNDM que dirige Antonio Moral, dedicados muchos de ellos a la música contemporánea y a nuestro patrimonio musical. Esto, evidentemente, tiene sentido. Lo que no tiene sentido es poner obstáculos a las instituciones privadas, que de algún modo se encargan de dar vida cultural y musical de alto nivel, una función que bien podría hacer, como servicio público, las instituciones públicas. Las instituciones privadas han puesto a Madrid en primera fila de la vida musical europea, quizás solo París y Viena estén por delante, ya que ni Berlín ni Londres lo están de Madrid. Gracias a esta actividad musical de grandísimos artistas en Madrid, ha sido posible que La Filarmónica se integre mejor en este ecosistema musical. Invito a hacer una reflexión sobre la suma de artistas que vienen a Madrid gracias a las instituciones privadas… La música de tan alto nivel tiene un precio. Presentar a la Filarmónica de Viena por quince euros la entrada no lo hace muy sostenible.

¿El promotor privado se debe a un público concreto, o se dirige a todo el público posible?

Al menos nosotros, La Filarmónica, no sé si otros promotores privados, no es verdad que nos debamos a un público muy reducido, porque nosotros ponemos unos precios asequibles a todo el mundo. El otro día me comentaba una persona que ya no se compraba un periódico porque costaba un euro y medio, mientras gastan en cualquier cosa insignificante mucho más, sin tener en cuenta el valor de las cosas. Una caña cuesta más o menos lo mismo que un ejemplar de periódico, detrás del periódico hay un trabajo diario enorme, la caña, por muy placentera que sea, no puede compararse. Este es el valor del dinero, siempre relativo. Escuchar a la Orquesta Nacional de Francia con Gatti o a Gergiev por no más de veinte euros me parece muy cómodo, no entiendo cómo puede haber gente que diga que esto es caro.

¿Qué recibe el aficionado a cambio de hacerse socio de La Filarmónica?

En primer lugar realizamos un servicio personalizado para cada cliente. También les ofrecemos descuentos en el caso de los abonos, en el primer año hemos tenido descuentos especiales para los llamados abonados fundadores. Todo es muy cómodo, todas las gestiones pueden hacerse por teléfono y nosotros se le enviamos todo a casa. Gracias a convenios con otras empresas, el abonado recibirá mayores gratificaciones, es algo que conforme vayamos cerrando iremos dando a conocer. Nos gusta, como le dije antes, tratar muy bien al cliente, ayer, en el cierre con Gatti de la temporada, ofrecimos a la conclusión una copa de cava.

¿Qué nos puede decir de la próxima temporada?

Básicamente es repetir la fórmula de la temporada pasada, ofreciendo aproximadamente un concierto al mes, comenzando en noviembre y llegando hasta mayo. Es una oferta de seis conciertos, más uno que hacemos fuera de abono, que es un recital en la sala de cámara con obras de Bach a cargo de Alexei Volodin, que interpretará nada menos que las Variaciones Goldberg, y la excepcional violinista Viviane Hagner. Los demás conciertos ya son sinfónicos, con gente con la que nosotros ya hemos trabajado, pero que presentamos en Madrid por primera vez. Se trata de Maria Joao Pires con la Sinfónica de Viena y Adam Fischer, en un homenaje al clasicismo vienés. Un concierto que nos hace especial ilusión es el que tiene como director a Rafael Frühbeck de Burgos, con el que hemos trabajado varias veces. Nos llamó y le escuchamos con su nueva orquesta danesa, la Sinfónica de Dinamarca. El impacto fue tremendo, la orquesta es, sin duda, una de las mejores de Europa. Vamos a tener la oportunidad de hacerla girar, además, con un solista de la talla de Arcadi Volodos. Posteriormente vamos a traer de nuevo a Gergiev, ya que con Valery tenemos una relación muy estrecha y especial desde hace muchos años. Su orquesta, la del Mariinsky, es actualmente una de las mejores del mundo. Curiosamente, esta orquesta invierte en instrumentos musicales, a día de hoy su sección de cuerda es la que más Stradivarius tiene. Harán la Novena de Mahler, un reto para Gergiev, ya que le dijimos que las últimas escuchadas en Madrid fueron las extraordinarias de Abbado con Lucerna, a la que llamaría de histórica, o una de una colosal, en aquella actuación en concreto, Filarmónica de Viena con Gatti. De este modo le lanzamos a Gergiev la propuesta de la Novena y aceptó, le gustó el reto y la comparación… Luego traemos a una formación barroca que hemos llevado en varias ocasiones a Barcelona, como es Europa Galante con Fabio Biondi, un soplo de aire fresco tras el Mahler. Después traemos por primera vez una orquesta inglesa, la Royal Philharmonic con Pinchas Zukerman, que es su principal director invitado y que también hará de solista al violín. El recital que hizo la pasada temporada fue sensacional, Zukerman es un músico descomunal. Y finalmente presentamos a una orquesta que hace muchas giras por Europa, especialmente Alemania, pero que en España es poco conocida. Se trata de la Orquesta Sinfónica Tchaikovsky, antigua Orquesta de la Radio de Moscú, que dirige Vladimir Fedosseiev, y que contará con la actuación de la pianista Yulianna Avdeieva, reciente y flamante ganadora del “Chopin”.

Si tuviera que quedarse con un momento especial de la pasada temporada, ¿con cuál sería…?

Me quedaría con la respuesta del público, que ha sido emocionante e ilusionante. Invitamos a un buen número de personas al concierto inaugural, de estos, aproximadamente la mitad se abonaron al resto del ciclo. Estas son las cosas que en verdad se recuerdan, el calor del público ha sido muy valioso para emprender una nueva temporada. Y musicalmente, dentro de las muchas cosas buenas que han ocurrido en la primera temporada, me quedaría con la Quinta de Mahler de Jonathan Nott con la Sinfónica de Bamberg. Nott, para mí, va a ser uno de los grandes maestros de los próximos veinte o treinta años.

Muchas gracias. Ha sido un placer.

Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto : Víctor Medem, presidente de La Filarmónica. 

 
Ensemble Arteunita

Ensemble Arteunita

Publicado: Septiembre 2013
Doce músicos de nuestro tiempo

En palabras del maestro Zubin Mehta, “se trata de un conjunto comprometido con el estilo y de una gran cohesión entre sus componentes”. Creado en Valencia por  instrumentistas de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en enero 2013, Arteunita enfoca su cometido al estudio y difusión de un repertorio heterogéneo que, desde el Barroco a la música de nuestros días, se produce con un estricto respeto musical.  Integrado por cuatro solistas de cuerda, cinco de viento, arpa, piano y percusión, todos tienen muy claro lo que pretenden ofrecer en el refinado y complejo mundo de la música de cámara, integrando un conjunto de amigos que han decidido disfrutar entre pentagramas.

Formada en el Conservatorio Estatal de Moscú, la violonchelista Olga Kotchenkova, es una de las tres mujeres del Ensemble. Ella pone todo el énfasis en que el máximo esfuerzo es construir un grupo que funcione con total empatía en los ensayos y en cada concierto, pero también fuera de él, a través de un proceso continuo donde exista un compromiso personal de sus colegas.  Todos ellos han trabajado anteriormente en prestigiosas formaciones como la Orquesta del Festival de Lucerna, la Ópera de Baviera, la Filarmónica Toscanini o la Orquesta de la Arena de Verona.

El oboísta holandés Chistopher Bouwman estudió en los conservatorios de La Haya y de Ginebra. Para él, en pleno siglo XXI, “ha llegado el momento de valorar y apreciar en su justa medida la música del siglo XX cuando muchos grandes compositores comenzaron a interesarse por escribir obras para diferentes  combinaciones instrumentales permitiendo a los vientos y a la percusión mayor protagonismo”. Ganadora de varios concursos internacionales, la arpista sevillana Cristina Montes Mateo, está convencida de la importancia de la música actual, incidiendo en “la trascendencia de incluir compositores vivos lo cual aportaría originalidad al conjunto, sin dejar de lado la interpretación de los grandes compositores del clasicismo, romanticismo o impresionismo”.

Arteunita, en su exigencia profesional propone (independientemente de la instrumentación) un amplísimo número de obras originales y no arreglos convencionales. Desde Mozart a Arvo Pärt, pasando por Beethoven y Takemitsu, sin olvidar a Boccherini y Ravel, el catálogo del Ensemble recoge los más variados momentos de la música de cámara de los últimos 250 años, tanto en la formación global como en dúos, tríos, cuartetos o quintetos, convirtiendo sus interpretaciones en una experiencia interactiva de cada músico.

Para Javier Ros,  que realizó estudios de clarinete en el Conservatorio de Murcia y en el de Rotterdam, tiene claro que las prioridades de su grupo pasan por “la recuperación y difusión del repertorio de cámara tanto en España como en el extranjero”. Es profesor del Conservatorio de Hannover.

El flautista Álvaro Octavio Díaz, formado en Madrid y en la Royal Academy de Londres, ha colaborado con la Filarmónica de Berlín y la Orquesta de Cámara Mahler. Es uno de los cuatro españoles que integran  el conjunto y está convencido de que el planteamiento de Arteunita representa “una apuesta por la música de cámara basada, principalmente, en la calidad de las interpretaciones así como en la renovación de los programas. Ambas características permitirán  al público español acercarse a un nuevo repertorio en nuestro país pero que, en países como Alemania, Suiza, Holanda o Inglaterra, es aceptado con total naturalidad”. Es profesor en la Musikene del País Vasco.

Alumno del Conservatorio de Vigo y de la Escuela de Música de Karlsruhe, el  trompa gallego David Fernández Alonso, que ha trabajado en las orquestas de Galicia y de la Radio de Baviera, defiende que “el grupo escoja las obras en función de las necesidades de cada actuación o de las indicaciones del empresario”.

Para el viola Iakov Zats, que estudió en el Conservatorio de Moscú, “en  el mundo actual existe una necesidad de reflexión y armonía de sentimientos. Y nada como la música de cámara para llenar ese vacío”. El mismo músico considera que “un conjunto como Arteunita corresponde perfectamente al concepto de la movilidad y flexibilidad que impera en el mercado musical contemporáneo”.

Una característica que resalta el violinista ruso Mikhail Spivak, formado en la Academia Gnessin de Moscú y en el Conservatorio de Bruselas, es la ventaja de la música de cámara la cual “puede tocarse sin director, característica que potencia la personalidad de cada solista así como su estilo  musical”.

Y ahí es donde se presenta uno de los retos principales del Ensemble: encontrar compañeros adecuados en lo musical y personal, ‘conditio sine qua non’ y una de las singularidades que Arteunita tiene más a gala. El propio maestro Mehta lo confirma al decir que “es asombroso cómo estos jóvenes intérpretes funden sus talentos individuales en unas interpretaciones unificadas con el más alto nivel”.

Completan el grupo la fagotista Emily Hultmark, el contrabajo Yuri Goloubev y el pianista Mikhail Mordinov.

Desde sus inicios, los músicos de Arteunita tuvieron el respaldo del tenor español Plácido Domingo quien, en todo momento, les ha apoyado y aconsejado en su proyecto filarmónico.

Olga Kotchenkova, alma mater del Ensemble, exige fundamentalmente que el grupo funcione a nivel global y por ello han estado trabajando duramente en la selección de los integrantes y en las propuestas del repertorio. Es por ello que, recientemente, se ha incorporado a la percusionista inglesa Alexandra Baker, cuyos estudios en Manchester y en Londres la han convertido en una figura prominente  de esa disciplina. 

Olga es consciente de las dificultades económicas del momento actual en nuestro país. Por esa razón, echa a faltar “una verdadera ley de mecenazgo  en España que permita al ‘sponsor’ o patrocinador una fiscalidad que compense y anime este tipo de colaboraciones”. En cualquier caso, todos consideran que un grupo de estas características, altamente exigente en lo musical, puede resultar más asequible a los presupuestos de las sociedades filarmónicas, auditorios y casas de cultura de nuestro país, que las grandes formaciones sinfónicas.

Arteunita hizo su concierto de presentación, el pasado mes de agosto, en el II Festival d’Estiu de Torreblanca (Castellón), organizado por el Ayuntamiento de esa localidad y patrocinado por la Fundación AFM.

Como proyectos inmediatos para el otoño de 2013, se presentarán en la Sociedad Filarmónica de Valencia y grabarán un DVD y un CD que sirva de tarjeta de presentación para la próxima temporada.                                                       

José Doménech Part

Foto:El Ensemble Arteunita se presentará en la Sociedad Filarmónica de Valencia este otoño.
Acred.:Vernakes

Eduardo Fernández

Eduardo Fernández

Publicado: Septiembre 2013
Sumergido en el crepúsculo de Brahms

ENTREVISTA

Tras el éxito de su trabajo discográfico con la Iberia de Albéniz para Warner, nos presenta ahora las últimas obras para piano de Brahms para Centaur ¿Qué le ha llevado a adentrarse en la figura de Brahms?

Este proyecto nace de un profundo respeto y admiración hacia Brahms. Durante años he ido trabajando prácticamente la totalidad de sus obras, no sólo la obra pianística sino también la de cámara, tanto con el piano como con el clarinete. Desde un principio me fascinó la figura de Brahms, su forma de tratar la polifonía; cómo es capaz de conseguir que desde un solo piano se oiga un lied, un cuarteto de cuerda o incluso una orquesta.

Al abordar otras obras de Brahms ¿Cómo entiende su trayectoria como compositor? ¿Cómo le han ayudado esas obras a entender estas últimas creaciones?

Después de haber trabajado en muchas otras obras de Brahms, descubres que toda la grandiosidad de su técnica compositiva plasmada en sus Sinfonías, Conciertos, Sonatas o el Requiem, se reducen a una mínima expresión en sus últimas obras para piano, pero sin perder un ápice de esa esencia, quedas atrapado y rendido a los pies de semejante belleza. Brahms ya había conseguido todo, no necesitaba de grandilocuencias para expresar su esencia. Tampoco hay que olvidar a Clara Schumann para entender estas piezas, cada una de ellas está rodeada de un halo de misticismo.

¿Entonces qué hay de Clara en ellas?  

Para empezar, todas las piezas están dedicadas a Clara. Pero, teniendo en cuenta que están escritas en los últimos años de vida de Brahms, y que para entonces llevaban muchos años sin verse, no están dedicadas a una Clara de carne y hueso, sino a una Clara admirada y soñada bajo el anhelo de todos esos años. Podríamos hablar horas de la relación espiritual entre ellos dos: de cuán importante fueron el uno para el otro, de los orígenes en el hogar de los Schumann (donde el joven Brahms fue acogido), del papel de Brahms como apoyo para el matrimonio Schumann durante la larga y difícil enfermedad de Robert, de su distanciamiento tras la muerte de Robert, seguramente condicionado por los convencionalismos morales de la época. Nunca podremos saber hasta dónde llegó esta historia, cualquier afirmación es mera especulación. Lo que sí sabemos es lo importante que la figura de Clara fue para Brahms, tanto musical como espiritualmente. En todas las cartas que se estuvieron escribiendo durante esos años de distanciamiento tras la muerte de Robert, Brahms se encontraba con Clara, la mujer a la que idolatraba y amaba, y él le escribía contándole sus reflexiones sobre la música, sobre sus obras, y encontraba en ella a esa persona que le complementaba, aunque fuera en la distancia. Por todo esto, estas últimas piezas son de un carácter tan íntimo. Yo las considero el testamento musical y sentimental de Brahms hacia Clara.

¿Cree que este cambio de registro implica una maduración en su interpretación?

Como pianista, como músico, eliges un camino del que sólo conoces su principio y que dura toda la vida. Cuando decides adentrarte en el universo de un compositor es un viaje en el que debes instruirte al máximo en su vida, obra, evolución musical, saber qué le llevó a escribir de forma diferente en cada época, y cuanto más consigas entenderlo, más veraz será tu interpretación. Claramente, hay compositores a los que todos tenemos más respeto porque consideramos que en los últimos años de su vida llegaron a una profundidad, detallismo y sabiduría excelsos. Éste es evidentemente el caso de Brahms y de sus últimas obras para piano. Mi interpretación de estas piezas nace desde el respeto a esta gran obra; pero puedo decir que a mayor respeto, mayor es mi exigencia e investigación. Por todo esto, pienso que la maduración no es un estado, sino una actitud.

Por otro lado, su nombre se ha visto ligado en varias ocasiones a organizaciones benéficas ¿Cree que su compromiso con los más desfavorecidos debería ser una obligación de todo artista?

Colaboro activamente con la Fundación Niños de Guarataro. Para un intérprete, la música debería ser también un modo de devolver a la sociedad lo que esta te da, y qué mejor modo que hacerlo ofreciendo conciertos benéficos que ayuden a construir posibilidades de mejora para gente desfavorecida, en mí caso, niños. Un músico debe ser sensible a los problemas reales del mundo y reaccionar en la medida de sus posibilidades, porque un músico debe ser, por encima de todo, un humanista. Me siento muy agradecido de poder ayudar y recibir el cariño de estos niños y las personas encargadas del proyecto.

¿Y nos puede adelantar cuál será su próximo “viaje” musical?

Durante los últimos años, ronda en mi cabeza (¡y en mi atril!) una fascinación compartida hacia Schubert y Scriabin. Con ellos estoy trabajando de la forma que he descrito anteriormente. Pero al adentrarme tanto en Brahms, y por ende, en los Schumann, no he podido resistirme a empezar a indagar más profundamente en Robert Schumann, de quien ya tenía obras trabajadas de mis años académicos… Así que, lo que sí te puedo adelantar es que mi próximo proyecto empezará por “Sc”.

Gracias, por “Sc” hay más que buena música esperando.

Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Tras Iberia, Eduardo Fernández ha grabado las últimas obras pianísticas de Brahms.
Acred: LUIS GASPAR

 
Jaime Martín

Jaime Martín

Publicado: Julio 2013
‘La única manera de sobrevivir es aunar esfuerzos’

La noticia saltó al término de la última edición del Festival Internacional de Santander (FIS) y causó cierto revuelo en la región: Jaime Martín (Santander, 1965) asumía la dirección de la cita estival cántabra en sustitución de José Luis Ocejo, que abandonaba la misma después de treinta y tres años. Martín, flautista de prestigio muy querido en la ciudad y director de orquesta con una trayectoria ya notable, se enfrentaba así al indudable desafío que supone dirigir uno de los festivales más veteranos de nuestro país. Como puede leerse a continuación, Martín espera aumentar la proyección del FIS, ofreciendo la más alta calidad a precios razonables, inspirando confianza en el público cántabro e ilusionando al foráneo; pero no lo tendrá fácil, pues deberá hacer frente a una deuda importante, que sin duda condicionará el futuro inmediato del Festival. Para lograrlo, no le faltan ilusión, ganas ni ideas. Algunas de ellas ya se aprecian en la edición que está a punto de inaugurarse, caracterizada por la variedad y equilibrio en la oferta, el rigor en la programación y la mirada puesta en el público joven.

En primer lugar, enhorabuena por el nombramiento, que supone sin duda un reto profesional. ¿Cómo recibió la noticia y cómo compatibiliza desde entonces su carrera como intérprete, director de orquesta y ahora director del FIS?

Lo recibí con mucha alegría; nací en Santander, allí di mi primer concierto, allí vive mi familia y de hecho, el FIS es la razón por la que soy músico, pero también tuve dudas, pues no sabía si sería capaz de seguir con mi vida profesional, así que consulté a algunos colegas, como Pierre Laurent Aimard, que además de pianista, es el director del Festival de Aldeburgh. Ya no toco la flauta, pero sí dirijo orquestas y dirigir es, entre otras cosas, programar, que es la tarea fundamental de un director artístico. Además, viajo constantemente, estoy en contacto permanente con artistas y allá donde voy estoy haciendo algo para el Festival. En cualquier caso, cuando me ofrecieron esta oportunidad, dejé muy claro que necesitaría el apoyo de una persona de confianza a nivel ejecutivo y, por eso, poder contar con Valentina Granados ha sido una gran suerte.

¿Cuáles cree que son los principales rasgos distintivos de la nueva edición del FIS?

Parte del programa ya estaba organizado, pero en el margen disponible, hemos intentado que el Festival tenga más contacto con la ciudad y especialmente con la gente joven de Santander. Vamos a trabajar por la consolidación de una orquesta de jóvenes cántabros, la Joven Orquesta de Cantabria, a la que el Festival va a dar todo el impulso necesario. Por otra parte, vamos a tener un ciclo de jóvenes intérpretes… Es necesario atraer al público joven y, en este sentido, hacer participar a los jóvenes es una manera de atraer a ese público. Y por supuesto, continuamos con los ciclos tradicionales y las conmemoraciones, como la del centenario del nacimiento de Ataúlfo Argenta.

Da la impresión de que Jaime Martín no asume la dirección del FIS en una coyuntura económica propicia para plantearse grandes cosas. ¿Qué se plantea a corto y medio plazo?

En estos momentos el objetivo más importante es hacer un buen festival, ajustándonos a los recursos de los que disponemos y asegurar su futuro eliminando la deuda. Creo que podremos conseguirlo a partir del próximo año. Traer a la Royal Philharmonic o a la Orquesta de la Scala no es barato y todo el mundo quiere a Barenboim o Mehta, pero siempre hay salidas: este año, el Ministerio de Cultura nos retiró parte de la subvención, pero sin embargo ha hecho posible que la Orquesta Nacional de España ofrezca un ciclo sinfónico de Brahms con el maestro Jesús López Cobos.

Además de las grandes orquestas, los pilares de la programación de los últimos años han sido la lírica, los recitales y la danza. ¿Cabe todo en un FIS de menor presupuesto?

Es muy difícil; este año mantenemos la danza con la compañía de Boris Eifmande San Petersburgo y el Ballet Flamenco, pero nos ha faltado tiempo para poder programar teatro y por desgracia no hemos podido incluir una ópera, que es un lujo que hoy por hoy no podemos permitirnos. De todos modos, estamos pensando en fórmulas de incluir ópera en el futuro, pero no en gran formato.

¿Y el público?

Sí, necesitamos que el público vuelva al Festival. Para ello, este año hemos rebajado de manera considerable el precio de las entradas, que había alejado a un sector importante de la población del FIS. Queremos relanzarlo presentándolo en otras ciudades, como Madrid, Bilbao, Oviedo y Valladolid. Creo que otra medida que puede contribuir a ello ha sido adelantar la hora de comienzo de los conciertos, que ya no será a las nueve de la noche, sino a las ocho y media. Pero no sólo eso; como decía, nos preocupa llegar al público joven y con la Joven Orquesta de Cantabria vamos a lograr que cientos de jóvenes cántabros y sus familias tengan más contacto con el FIS. Verdaderamente, la relación con los conservatorios y otros centros educativos es difícil, dado que el Festival se celebra en verano, pero tenemos que hallar vías de colaboración.

¿Y fuera de nuestras fronteras? ¿Se puede aspirar a que el Festival tenga una proyección internacional real?

El FIS es conocido por todos los músicos de Europa; son pocos los que no han estado en alguna ocasión, así que esa proyección ya la tiene. En cuanto a la posibilidad de alcanzar una proyección mayor, evidentemente no podemos compararnos con festivales como Salzburgo o Lucerna, que tienen un presupuesto treinta veces superior al nuestro, pero sí podemos hacer que sea un punto de encuentro de artistas de todo el mundo. Vamos a hacer que les apetezca venir a Santander.

Pero se ha criticado que el Festival haya abandonado la pertenencia a la Asociación Europea de Festivales. ¿Responde a una necesidad de ajuste del presupuesto?

El abandono ha sido circunstancial y sí, ha estado condicionado por razones económicas, por los gastos de la cuota y los que supone acudir a cada una de sus reuniones. En cualquier caso, seguimos ligados a ella a través de nuestra pertenencia a FestClasica, la asociación española de festivales de música clásica.

La anterior dirección sostuvo El Festival en los Marcos Históricos como una de sus señas de identidad. ¿Se mantendrá ese esquema bajo la nueva dirección?

El Festival en los Marcos Históricos es uno de los éxitos del Festival y mi intención es mantenerlo: creo que es bueno que la gente de la ciudad vaya a los pueblos a asistir a un concierto y viceversa. Es importante que el Festival sea de toda Cantabria. Pero hay que darle un sentido. Este año, por ejemplo, giran en torno a la música española y hemos traído a algunas de las mejores agrupaciones nacionales, como La Real Cámara, para interpretar nuestra música, desde el barroco hasta la de nuestros días.

¿Qué nos puede adelantar de la edición de 2014? ¿Tiene algún cambio o nombre estelar en su cartera?

No puedo adelantar nombres, pero sí anunciar que incluiremos más música de cámara. Queremos que el Festival evolucione hacia las colaboraciones. Este año hemos estrechado vínculos con la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), que vertebra el homenaje a Ataúlfo Argenta; estamos estudiando hacer lo mismo con la Fundación Botín; está claro que la gente quiere ayudar y por otra parte parece lógico que en una situación tan difícil como ésta, las manifestaciones culturales del verano cántabro se unan. Hoy en día, la única manera de sobrevivir es aunar esfuerzos.

www.festivalsantander.com

Por: Darío Fernández Ruiz

Andalusian Contemporary Ensemble

Andalusian Contemporary Ensemble

Publicado: Julio 2013
‘Homenaje al Flamenco y a Lorca’

Cuando en la Tertulia de “El Rinconcillo” Federico García Lorca imaginó, junto a Manuel de Falla, lo que más tarde se conocería como el “Primer Concurso de Cante Jondo” no imaginó que este brillante proyecto, nacido en Granada, transcendería a lo universal. La intención de los dos genios era ganar el reconocimiento para el Cante Jondo como arte y demostrar la influencia que había tenido el Flamenco, además de en la música culta española, en la música francesa y rusa. Esta idea estética del flamenco como algo universal, promovida por Manuel de Falla, quedaría patente en el pensamiento y en la obra del poeta. La relación de Lorca con el Flamenco se materializa en obras como ‘Poema del Cante Jondo’. Aquí la brevedad, la intensidad y la concentración temática de las coplas evocan constantemente la esencia del Cante Jondo.

‘Homenaje al Flamenco y a Lorca’, que tendrá su estreno absoluto el día 2 de julio de 2013, en el Teatro Cervantes de Málaga, dentro de la programación del Festival Terral, es una retrospectiva sobre los ritmos y armonías flamencas, y sobre la obra del poeta granadino desde el prisma de un grupo de compositores contemporáneos. Es la representación de la cultura tradicional en su versión más vanguardista. Para el desarrollo de este proyecto Drop Artist ha contado con los compositores andaluces más influyentes. Nicanor de las Heras, Enrique Rueda, Martín Jaime, Francisco Martín Quintero, Juan Miguel Hidalgo, Santiago Báez y Oscar Musso han plasmado sobre el papel obras muy personales, creadas desde un lenguaje actual y vanguardista.

Drop Artist ha creado un espectáculo exclusivo y ecléctico en el que cada obra, nacida de un compositor distinto, crece sobre un estilo diferente al anterior. De la mano del Andalusian Contemporary Ensemble viajaremos inspirados por las melodías populares universalizadas por Lorca e innovadoras fusiones entre el Flamenco y la Atonalidad. Hondo, Cuando Llegue la Luna Llena, Solo la Muerte, Negra Luz, Ruina, Gráfico de la Petenera y Las Orillas de la Luna son los títulos de las obras que se interpretarán en el Cervantes y que dejan clara la intención de los compositores de fusionar tradición y vanguardia, a través de dos iconos del arte como Lorca y el Flamenco.

El Andalusian Contemporary Ensemble está formado por los músicos Martín Jaime (director), Ana Huete (soprano), Ambrosio Valero (piano), José Luis Morillas (guitarra), Santiago Marín (flauta), Natalia Perales (clarinete), Javier Giner (trompa), Jesús Berrio (violín), Juan Manuel Vélez (violín), Manuel Moreno (viola), Jeremías Sanz (cello), Alfonso Cañabate (contrabajo) y Fernando Castelló (percusión). El ACE, también creado por la agencia de representación de la gota, es una curiosa mezcla entre solistas de carrera internacional y miembros de las más prestigiosas orquestas. Así los compositores han podido escribir exigentes pasajes de virtuosismo, siempre al servicio de la música, solamente al alcance de las técnicas más avanzadas.

Con todo esto Drop Artist, de la mano del Andalusian Contemporary Ensemble, cumple con la idea de hacer llegar la música contemporánea española fuera de nuestras fronteras. Así, está previsto que, durante los próximos años, el proyecto gire por todo el mundo teniendo la máxima repercusión posible. Nos encontramos ante una agencia comprometida con el valioso patrimonio musical que posee nuestro país y que da un lugar preferente a la música actual.

Por estas, y otras razones, Bösendorfer, Yamaha-Ibérica y Royal Pianos serán colaboradores del Ensemble para esta nueva andadura. El Andalusian Contemporary Ensemble contará con un Bösendorfer Imperial 290 para el estreno del día 2 de julio en el Cervantes de Málaga. Además, y respondiendo a las numerosas peticiones que ha recibido la agencia a través de las diferentes redes sociales, durante los primeros meses de 2014 saldrá a la luz el primer trabajo discográfico del ACE. El ‘Homenaje al Flamenco y a Lorca’ será grabado por IBS Classical en la primera colaboración entre Drop Artist y el sello discográfico.                                                                           

Julia Alonso

Yago Mahúgo

Yago Mahúgo

Publicado: Julio 2013
La resurrección del clave

Yago Mahúgo es uno de los más sólidos valores de una formidable generación de clavecinistas españoles, a los que aún se puede aplicar el calificativo de jóvenes. Mahúgo acaba de publicar en el sello Brilliant un disco con piezas para clave del muy desconocido compositor francés Joseph-Nicolas-Pancrace Royer, disco que está recibiendo los mayores elogios por parte de la prensa especializada, tanto nacional como internacional*. El clavecinista madrileño nos relata aquí su trayectoria y sus proyectos más inmediatos.

Cuénteme algo sobre sus inicios…

Nací en Madrid en 1976 y empecé a tocar el piano con 5 años. A los 18 acabé la carrera con Ana Guijarro en Sevilla y me mudé a Friburgo (Alemania), becado por la Fundación Alexander von Humboldt para continuar mis estudios con Tibor Szász.

¿Fue allí donde se encontró con la música antigua?

Sí. Tuve que asistir a la asignatura “Instrumentos históricos de tecla” y allí me quedé tan prendado de lo bien que sonaba la música en los instrumentos originales, que decidí estudiar clave y fortepiano con el gran clavecinista Robert Hill, mientras concluía el master de piano. Una vez lo acabé, me centré únicamente en la música historicista. Cuando volví a España, aprobé las oposiciones de piano para conservatorio, que es donde enseño ahora. Mientras, la Escuela Superior de Música Reina Sofía me buscó para que hiciese las funciones de clavecinista repertorista (continuo, acompañante) y para ensayar y preparar las formaciones modernas del Instituto de Cámara de Madrid en el repertorio barroco.

¿Con qué formaciones historicistas está asociado?

Empecé como continuista en la orquesta Sphera Antiqua, con un proyecto con Enrico Onofri, y ahora participo también con Nereydas y La Spagna. Pero lo que más me interesa es la formación que creé en el año 2008, Impetus Conjunto Barroco de Madrid, donde nos dedicamos a tocar repertorio barroco y clásico con instrumentos originales. Tengo la suerte de estar rodeado de grandísimos músicos con un gran conocimiento de la música de este periodo. Por ejemplo, uno de los miembros participa regularmente con formaciones como Le Musiciens du Louvre y Les Talents Lyriques.

Acaba de presentar su primer disco, dedicado al compositor francés Royer, con el que está obteniendo muy buenas críticas. ¿Cómo conoció esta música? Porque no es muy conocida ¿Conoce la grabación de Christophe Rousset?

Por supuesto. Rousset supuso para mí un auténtico descubrimiento. Tengo la suerte de que haya sido mi profesor durante varios años y no conozco a nadie que toque tan bien la música francesa. Cada vez que me acerco a ese tipo de música, Rousset me inspira y me acuerdo mucho de él. La música de Royer la descubrí en mi etapa de estudiante. Yo era un fanático de la escritura virtuosística y Royer ciertamente la tiene a raudales. Técnicamente no es mi primer disco. Ya grabé en el año 2004 Sonatas de Domenico Cimarosa con el piano moderno para una firma italiana. Este, lo que sí es, es mi primer disco dedicado al clave. Me ha llamado la atención las estupendas críticas que estoy obteniendo en todas las revistas especializadas** y esto hace que coja aún con más ganas el futuro.

Hablando del futuro, cuénteme sus proyectos y algo sobre sus recientes problemas médicos…

A principios de año, sufrí un ictus muy grave, que me tuvo en coma. Afortunadamente, y gracias a unos estupendos doctores, he salido milagrosamente de ello y con mucho trabajo y esfuerzo personal he conseguido no tener grandes secuelas y poder seguir tocando como antes, algo de lo que yo dudaba que consiguiese. La primera vez que me senté delante del teclado a la vuelta del hospital fue un shock total ¡No era capaz de hacer una escala con las dos manos! Pero tengo que dar gracias de continuar vivo y de poder continuar con mi carrera artística. Tengo ya previstos dos conciertos en el Festival de Córdoba en agosto (uno con mi grupo Impetus y otro de música de cámara) y tengo especiales ganas de que llegue el recital de fortepiano que haré el 29 de septiembre en el Teatro Carlos III de El Escorial, con el programa que hemos llamado “En el nombre del Padre”, con obras de la familia Bach (padre e hijos) y Müthel (alumno de Bach padre). Otra buena noticia es que la gran acogida que está teniendo el CD ha hecho que me hayan propuesto grabar otros 3 discos este otoño-invierno con más música francesa de esa época.

Muchas gracias y enhorabuena por su disco y aún más por su recuperación.

Gonzalo Pérez Chamorro

Alex Alguacil

Alex Alguacil

Publicado: Julio 2013
Y la obra para piano de Salvador Brotons

Todavía permanece en el recuerdo la exhibición poética que supuso el último recital del pianista Alex Alguacil en Barcelona, con motivo de la presentación de su último disco dedicado a la integral para piano de Salvador Brotons. Grabado en Nueva York y publicado por el sello Columna Música, el nuevo CD incluye, además de primeras grabaciones de algunas de las obras, una sonata para piano de gran formato dedicada al intérprete barcelonés, uno de los grandes talentos pianísticos de su generación. La obra de Brotons es interpretada con admirable sensibilidad por Alguacil, en una grabación que representa una nueva y sólida aportación a nuestro repertorio pianístico.

Durante años Alex Alguacil ha tenido ocasión de tocar en público y estrenar con éxito algunas de las obras de Salvador Brotons. Después de comprobar que tenía en repertorio varias de sus obras, surgió la idea de grabar toda su música para piano, un repertorio al que ha dedicado muchas horas de estudio y por el que siente una atracción muy especial. “Siempre me interesó su música para piano y la he interpretado en público en varias ocasiones. Pensé que sería interesante recopilar su obra para piano en una grabación y lo propuse a Columna Música. Les pareció una buena idea y colaboraron para poder llevarla a cabo”. El objetivo era ofrecer un CD con un repertorio que contribuyera a enriquecer tanto al mercado discográfico como al repertorio pianístico. La obra de Brotons integra elementos, como sonoridades rusas y norteamericanas, que hacen del suyo un lenguaje personal, al tiempo que muestra un riguroso conocimiento del oficio. “Es una música muy expresiva y brillante, llena de ricos contrastes, caracteres variados y texturas difíciles. Su música permite que el pianista pueda lucirse en muchos aspectos y no está exenta de ciertos retos. De sus obras, me atrajeron las posibilidades que ofrecen de ser interpretadas emocionalmente en lugar de ser meramente ejecutadas, algo que sucede a menudo con la música contemporánea”.

Como broche de oro, el CD incluye una sonata para piano que Brotons dedicó al pianista. Ya no existen muchas sonatas contemporáneas para piano de gran formato, lo que le da al disco ese extra añadido de novedad. “Es un honor ser el destinatario de la obra. Siento una gran afinidad con el carácter de la pieza y disfruto mucho tocándola. Es una pieza interesante que gusta mucho al público y que intentaré tocar siempre que me sea posible”. Compuesta en diciembre de 2011, esta partitura fue estrenada con gran éxito en el Fine Arts Building de Chicago en marzo de 2012. “El público americano siempre está expectante con las obras de nueva creación. En este caso, las sonoridades ruso-americanas contribuyeron a que fuera todo un éxito. Además, ya había tenido ocasión de actuar anteriormente en algunas salas de la ciudad presentando algunas de sus obras anteriores, así que fue el lugar idóneo para el estreno y la acogida fue excelente”.

Acerca de las ventajas y dificultades de grabar en estudio, Alguacil comenta que ”tocar ante un público crea una situación de inspiración que es difícil recrear en un estudio. Uno debe hallar el modo de buscar esa inspiración ante el micrófono para dotar a la música de la magia del concierto. En el estudio de Nueva York donde hice la grabación, encontré una buena atmósfera y el apoyo técnico que me permitieron dejarme llevar por la música, así que estoy muy satisfecho con el resultado”.

No es la primera vez que Alguacil incurre en el repertorio contemporáneo. Recientemente estrenó, junto a la Orquestra Simfònica de Barcelona, la Toccata para piano solista y orquesta “Echoes”, de Pages, y el próximo mes de julio estrenará en el Festival Nits de Clàssica del Auditori de Girona la obra Secuencia sobre Richter, de Hèctor Parra. “Me interesa la música española actual. También encuentro muy interesante tocar piezas de un compositor vivo, ya que puedes analizar su lenguaje con más precisión y explorar con más profundidad el significado de su música, algo que no se puede hacer con los compositores del pasado”. Sobre sus preferencias respecto a tocar en recital o como solista, Alguacil aclara. “Son dos entornos muy diferentes. En recital uno está solo y tiene total libertad artística. Con orquesta es más bien un trabajo de equipo y se comparten la energía del momento y el proceso de hacer música juntos. Son dos modos distintos de crear una interpretación musical, pero los disfruto por igual”.

Ganador de primeros premios en concursos nacionales e internacionales, Alguacil debutó en 2003 con gran éxito en el Palau de la Música Catalana. Alicia de Larrocha presenció su actuación y, a partir de entonces, ambos establecieron una relación artística que duró varios años.  Ese mismo año se trasladó a Nueva York, y tras su brillante debut en el Carnegie Hall, concierto que fue considerado como “uno de los más destacados de la temporada” (New York Concert Review), actuó con éxito en otras importantes salas norteamericanas, como el CAMI Hall o el Merkin Hall en el Lincoln Center. Alguacil es regularmente invitado a actuar en los principales auditorios y festivales de nuestro país. “En breve actuaré en los festivales de verano de Valldemosa en Mallorca y en las Nits de Clàssica que organiza el Auditori de Girona, donde estrenaré la mencionada obra de Hèctor Parra, Secuencia sobre Richter, basada en el proceso creativo del artista Gerhard Richter. En ese mismo concierto tendré ocasión de interpretar la que será la presentación estatal de dos obras recientemente descubiertas: la primera de Mozart, Allegro molto en Do mayor, y la segunda de Brahms, Albumblatt. www.alexalguacil.com

Elena Trujillo Hervás

 

Javier Perianes

Javier Perianes

Publicado: Junio 2013
“La relación con un Maestro es para toda la vida”

Lúcido, honesto y apuntando fino: como cuando se sienta ante el piano, Javier Perianes, una de las figuras más prometedoras del panorama musical internacional, habló con RITMO con motivo de una serie de recitales en Varsovia. Con la misma naturalidad de sus proyectos, de sus recuerdos y de su visión del piano, se le podría escuchar durante horas: tocar, y hablar.

No es la primera vez que vienes a Polonia, ¿cómo te sientes aquí?

Viajar a Polonia se ha convertido en otra ruta muy querida para mí, aquí en Europa. La primera vez toqué en la sala Lutoslawski de la Radio, la segunda fue en el Palacio Real, la tercera con la Filarmónica de Varsovia y ésta es la cuarta ya. Cada una ha sido una experiencia distinta, única.  

¿Qué tal el público?

A mí me parece un público extraordinario. Cuando estuve con la Filarmónica de Varsovia me pareció una gente muy entendida, muy respetuosa. Cuando ves la programación de las salas te hace pensar que hay una cultura en torno a la música clásica de cierta potencia. Son muchísimos años de grandes intérpretes y tradición.

En programa has tenido obras de Schumann, Beethoven y Falla, ¿Hay algún nexo o es un programa de contrastes?

Es un programa lleno de contrastes. Las Escenas de niños de Schumann es una de esas obras que son fácilmente digeribles para el público (no quiero decir que las otras no lo sean, pero si nos metemos en el Schumann de las Sonatas o Kreisleriana, ya suena un poco más complejo) y ese ambiente infantil, un poco nostálgico, casa muy bien con la Sonata Op. 26 de Beethoven por todo el drama que hay detrás: es una Sonata que incluye una marcha fúnebre y eso le confiere un tono sombrío, sin olvidar que el principio de la sonata es muy original (hasta la Op. 109 no lo vuelve a hacer) porque es un primer movimiento con variaciones, donde creo que Beethoven mira de reojo a Schumann. Creo que es un programa lleno de guiños, de reminiscencias. La segunda parte rompe, pues era de casi obligado cumplimiento hacer música española, y qué mejor que hacerlo con nuestro compositor más internacional: Manuel de Falla. 

Tú último disco es de Sonatas de Beethoven, supongo que ha sido una oportunidad para profundizar en el piano beethoveniano…

Durante esta temporada la presencia de Beethoven está siendo una constante en mi programación (raro es el programa en el que no haya una obra suya). Es una ocasión extraordinaria para profundizar, adentrarse en su producción tanto de  música de cámara, como de los Conciertos así como las Sonatas para piano solo. Se trata de un recorrido, no tanto cronológico, sino más bien estilístico, de las diferentes facetas de Beethoven como compositor.

Y el piano de Beethoven, ¿cómo lo definirías?, ¿es cierto que es un piano orquestal?

Absolutamente. El piano de Beethoven es un piano orquestal, pero también es un piano de cámara: hay muchos momentos, cuando tocas Beethoven, en los que estás escuchando un solo de flauta, otros (como en la Op. 110) en los que claramente escuchas un recitativo acompañado por una base orquestal. Yo diría que es un piano muy completo, en el que puedes encontrar rastros de todo, incluso momentos (como los ariosos de la Op. 110) con fragmentos hasta vocales. Así que yo diría que es un piano eminentemente musical.

Y, sinceramente: ¿sólo, de cámara o con orquesta?

Solo, de cámara y con orquesta. Cada uno tiene su encanto. El recital en solitario te da una visión muy cercana del Beethoven pianista, pero sin la aportación del Beethoven músico de cámara u orquestal, no puedes afrontar ninguna de las tres disciplinas. Necesitas conocer la música, e incluso haberla tocado, de esos tres “Beethovenes”. Tener todo ese conocimiento de una manera más integral creo que ayuda a la hora de afrontar cualquiera de las tres disciplinas.

Volviendo a proyectos discográficos anteriores, en los que recuperaste música española (Blasco de Nebra, Falla, Mompou), ¿tienes algún plan en mente que siga esta línea?

En el futuro cercano, no. En septiembre de este año sacamos un disco dedicado a Chopin y a Debussy, a las conexiones entre ambos compositores. El próximo año sacamos un disco dedicado a la música para piano solo de Mendelssohn. Después vendrá un disco Grieg con la Sinfónica de la BBC, con el famoso Concierto para piano y una selección de las Piezas Líricas. Entonces, la próxima aventura con la música española, ¿cuándo será? Posiblemente después de Grieg, o  incluso más adelante, aún no está decidido.

¿Crees que la música española está en crisis como el país?

No lo creo. En España siempre ha habido generaciones de intérpretes extraordinarios, de músicos muy bien formados. Vivimos en un momento en el que afortunadamente podemos encontrar a grandes instrumentistas españoles formando parte de orquestas de prestigio internacional. Creo que es una muestra de que el sistema del que han salido posiblemente no fuera perfecto, pero tampoco era tan malo.

Y si estuviera en tu mano cambiar algo en la enseñanza musical en España, ¿qué harías?

Lo apoyaría de una manera mucho más decidida, sobre todo a los conservatorios. Se nos olvida muchas veces que en los conservatorios es donde se plantan todas esas semillas de las cuales después salen todos estos intérpretes geniales.

Un poco de psicoanálisis: ¿vienes de familia de músicos o eres generación espontánea?

Yo debo de ser generación espontánea. No tengo ningún antecedente directo músico.

¿Algún recuerdo musical de tu infancia?

Recuerdos muchos, pero hay uno que conservo con especial ilusión que  fue cuando mis padres  me compraron mi primer piano. Cuando llegué a casa, vi que mis padres sostenían una manta (detrás estaba el piano que aún yo no podía ver).  Pensé en muchas posibles sorpresas pero en ningún caso podía imaginar lo que esa manta escondía. Cuando la quitaron, me quedé completamente petrificado. Ese recuerdo para mí ejemplifica a la perfección lo que fueron los comienzos, el esfuerzo y sacrificio que hicieron mis padres para hacer posible que yo pudiera empezar.

Y, tus maestros, ¿cuáles han sido y cuáles son?

Mi primera profesora de piano fue Julia Hierro, luego estuve en Huelva con Lucio Muñoz, María Ramblado, luego me fui a Sevilla y a Madrid con Ana Guijarro y Josep Colom… y esos han sido mis maestros. Lo han sido, lo son y lo seguirán siendo. La relación con un Maestro es para toda la vida.

En 2012 te dan el Premio Nacional, eres artista residente en Granada… ¿qué te espera en este ya mediado 2013?

Este 2013 lo empecé con una residencia, una nueva figura que se ha creado en el Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, una residencia muy apasionante porque consiste en un recital, un concierto de música de cámara (que acabo de hacer con el Cuarteto de Tokyo en su gira de despedida), un concierto en temporada de la orquesta, un concierto de música de cámara con músicos de la orquesta, y los Cinco Conciertos de Beethoven.  Es un proyecto muy apasionante. Otros momentos significativos de este 2013 son el debut con la Orquesta de San Petersburgo, el debut en el Royal Festival Hall con la Filarmónica de Londres, la integral de los Conciertos de Beethoven con la orquesta Ciudad de Granada, el debut en el Suntory Hall de Tokio junto a la Yomiuri Nippon Orchestra… En fin, proyectos muy apasionantes.

Gracias Javier y que el resto de 2013 sea tan bueno como hasta ahora.

Por: Inés R. Artola
Crédito de Foto: Benjamín Ealovega

 

Ambrosio Valero

Ambrosio Valero

Publicado: Junio 2013
La profundidad del piano

Originalidad y perfección técnica son cualidades que caracterizan a Ambrosio Valero. Un artista capaz de captar la atención del público sin ampulismos  pero con un pianismo cargado de lirismo y poesía. Ambrosio forma parte de una generación de músicos altamente cualificados y con reconocido prestigio internacional como lo demuestran sus numerosos premios y recitales ofrecidos en todo el mundo. Invitado frecuente de los más relevantes festivales y auditorios del panorama internacional nos encontramos ante uno de los más importantes valores del piano actual.

Ambrosio Valero ha sido galardonado, entre otros, con el Primer Premio Nacional de Piano “Ciudad de Albacete”, galardón obtenido conjuntamente con el Premio a la mejor interpretación de la música de Beethoven, Chopin y a la música española; el Premio Nacional de Piano “Manuel de Falla” o el Premio al mejor pianista español, mejor intérprete de la música de Mompou y Medalla en el Concurso Internacional  de Piano “María Canals” de Barcelona.

Encontramos a Ambrosio Valero rodeado de pianos escogiendo el instrumento que le acompañará en sus próximas giras por España y Sudamérica: un magnífico Bösendorfer 290 Imperial. En estos recitales ofrecerá programas temáticos como las tres últimas sonatas de Beethoven, las cuatro Baladas de Chopin o una recopilación de transcripciones de Busoni sobre la música de Bach. Destacan sobre las demás las Impresiones íntimas de Mompou, obra con la que obtuvo el Premio Especial a la mejor interpretación de la música del maestro catalán otorgado por la Fundación “Frederic Mompou”, dentro del Concurso Internacional de Piano “Maria Canals” de Barcelona. “Siento un especial cariño por la música de Mompou. Su música permite desarrollar la imaginación y jugar con todos los recursos que ofrece el piano. Particularmente me gusta el carácter miniaturista y casi improvisado de sus partituras. Esto se acentúa en su obra Impresiones íntimas y, más concretamente, en piezas como Secreto o Pájaro triste. Dentro de una extraordinaria simpleza se esconde una  emotividad contenida al alcance solo de un genio como era el maestro barcelonés”.

Ambrosio es un pianista con una concepción profunda de la música y con un sonido personal e inconfundible. Escuchar uno de sus recitales es adentrarse en una búsqueda incesante de colores y timbres. “El trabajo técnico de un pianista no solo consiste en la repetición mecánica de pasajes de gran dificultad, también debemos trabajar el sonido para que sea lleno, personal y nunca duro. Hemos de llevar el sonido con la misma claridad a todos los rincones de un auditorio. El sonido de cada pianista debe ser como las huellas dactilares o el timbre de la voz. Debe ser tan personal que sea irrepetible. De lo contrario se cae en la mediocridad. Cada vez encuentro más músicos que tocan igual, que caen en lo llamado ‘standard’ y que parecen más preocupados en no molestar con su interpretación que en desplegar su imaginación y mostrarnos su punto de vista sobre la obra. La creatividad, la originalidad o la frescura son cualidades que deben ser premiadas en el mundo del arte y en muchas ocasiones tengo la sensación de que se persiguen y castigan. No debemos olvidar que un artista es aquel capaz de evocar sentimientos a través del arte”.

Es conocida su capacidad a la hora de conectar y transmitir al público su visión del piano y su literatura. “Quiero transmitir emociones y busco que la audiencia entienda lo que quiero decir con la música y sería incapaz de expresar de otra manera. Cuando esta simbiosis entre artista y público se produce, se crea una comunión muy especial entre ambos. Es una sensación similar a la que produce mirar un cuadro y predecir a través del gesto de los personajes, sin necesidad de explicación alguna, el sentir de cada uno de ellos. La música es el vehículo de expresión de un artista para comunicarse con el espectador”.

Dejamos a Ambrosio donde lo encontramos, esta vez interpretando a Chopin, con la sensación de que los sonidos corroboran sus palabras. Se trata de talento aunado con intuición y la seguridad que solo puede proporcionar el estudio y la reflexión. Encontramos en él un pianismo que tal y como nos ha dicho “trata de profundizar en el alma de quien escucha”.

Julia Alonso

Foto: Ambrosio Valero, uno de lso más importantes valores del piano actual.

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