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Concurso Internacional de Composición de Música Sacra de Roma

Concurso Internacional de Composición de Música Sacra de Roma

Publicado: Diciembre 2013
Conversamos con el presidente del jurado, Lorenzo Palomo.

Recordando a Puccini

Tras el éxito de su primera edición, acaba de convocarse en Roma el II Concurso Internacional de Composición de Música Sacra “Papa Benedicto XVI“, que rendirá homenaje al compositor Giacomo Puccini, en el nonagésimo aniversario de su muerte. De los orígenes de la música sacra y de todos los pormenores del certamen hablamos con el presidente del jurado, el compositor español Lorenzo Palomo.

Le felicito por su nombramiento, Maestro. ¿Cómo le llegó la invitación?

A mediados de junio recibí una invitación del director artístico del Concurso, Angelo Inglese, ofreciéndome la presidencia del Jurado del Concurso Internacional de Composición de Música Sacra de Roma. Me sentí especialmente alagado por venir la invitación de Roma y, sobre todo, por venir de Italia, el país donde tuvo sus orígenes la música sacra y también, sin duda, el país que con más compositores ha contribuido a su desarrollo en la historia de la música. Acepté la invitación encantado.

De la música sacra se habla poco. ¿A qué cree que se debe?

Porque una vez que las cosas dan sus frutos, tendemos a olvidarnos de ellas. Hemos de pensar que la música en si, tal y como la concebimos, tiene sus orígenes en ese gran arte que se llama “música sacra”.

¿Cuál fue el proceso?

Sus primeros signos aparecen con los albores de la cristiandad. Los cristianos necesitaban invocar sus plegarias y las recitaban con inflexiones rudimentarias de la voz. Poco a poco fue naciendo lo que más tarde se llamaría “Canto Gregoriano”, en paralelismo con la música religiosa judía o judáica. La creación del canto gregoriano no se atribuye a ninguna persona en concreto. Este canto es la creación espontánea de muchos pueblos y generaciones, desarrollado durante muchos años. El canto gregoriano es el medio de elevar la plegaria con mayor devoción en las ceremonias y ritos litúrgicos de la iglesia. Es un canto monódico, a capella, sin acompañamiento, que sigue las inflexiones del texto en latín. Es siempre interpretado por voces masculinas. Su nombre se debe al Papa Gregorio Magno, en el siglo VI-VII, que lo recopiló y ordenó.

¿Quién da el siguiente paso en la historia de la música?

El monje benedictino Guido d’Arezzo, que vivió entre los siglos X y XI, creó, entre muchas otras cosas, el tetragrama, donde se podía escribir el canto gregoriano, y creó la notación musical, tomando la primera sílaba de cada uno de los versos del Himno a San Juan:

Ut queant laxis
resonare fibris
mira gestorum
famuli tuorum
solve polluti
labii reatum
Sanctae Iohannes. 

Más tarde, para facilitar la articulación del solfeo, se sustituyó en algunos países europeos, como España e Italia, el “ut” por el “do”.

¿Cómo empezó la polifonía?

La polifonía empezó basándose en el canto gregoriano. Sus inicios fueron muy sencillos: consistía en el fácil procedimiento de tomar una melodía gregoriana y se le añadía una segunda línea melódica, situadas ambas a la distancia de octava, de cuarta o de quinta. Así nació el llamado “punctum contra punctum” o “nota contra nota”, posteriormente llamado contrapunto. Luego se fueron añadiendo las demás voces y, poco a poco, nacerían las reglas del contrapunto y armonía. Todo evolucionaba dentro de los estrictos límites de la cultura eclesiástica. La polifonía sacra llegó a interesar de tal manera a los compositores de aquella época que se expandió y desarrolló por toda Europa, y llegó a su apogeo, muy especialmente, con el nacimiento del las grandes basílicas, siendo una de las más importantes la de Nôtre Dame de París, construida a mediados del siglo XIII.

¿Qué pasó después?

La música sacra abrió paso poco a poco a la música religiosa, de campo de acción y de creatividad mucho más amplio. La diferencia entre ambas es que la música sacra queda limitada estrictamente a la música litúrgica de la iglesia y la música religiosa puede basarse en cualquier tema religioso fuera de lo litúrgico. El siguiente paso fue la aparición de las primeras óperas, cuyo argumento se basaba especialmente en temas mitológicos.

¿Qué compositores de la historia podría destacar dentro de la música sacra?

La mayoría de los países de Europa dieron grandes compositores de música sacra o religiosa. Entre tantos citaré solo a los italianos Pergolesi, Palestrina, Frescobaldi, Gabrieli o Orlando di Lasso. De los españoles destacan Tomás Luis de Victoria, Francisco Guerrero o Cristóbal de Morales. Por supuesto, mención especial merece el “padre de la música” Juan Sebastián Bach, que, desde la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, nos dejara el legado más importante de música religiosa de la historia.

Las catedrales de España están repletas de composiciones sacras, que poco a poco se van descubriendo gracias al trabajo y a la dedicación de solo unos pocos. Es necesario que todas esas obras salgan a la luz para enriquecer nuestro patrimonio musical.

El II Concurso de Música Sacra de Roma tendrá a Puccini como protagonista.

Sí. Esta edición del Concurso está dedicada a celebrar el 90 aniversario de la muerte de Giacomo Puccini y la partitura obligada es un requiem para coro a tres voces, viola y órgano, que es la misma formación que utilizara Giacomo Puccini en su Piccolo Requiem, compuesto en 1905 en el cuarto aniversario de la muerte de Giuseppe Verdi. Desde estas líneas quisiera animar a los compositores españoles, especialmente a los de las nuevas generaciones, a mandar sus partituras y participar en este Concurso.

Más información: www.concorsopapabenedettoxvi.com

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto: El compositor Lorenzo Palomo, presidente del jurado del Concurso. 

Antoni Wit

Antoni Wit

Publicado: Diciembre 2013
La voz de la experiencia

Nacido en Cracovia, el nuevo titular de la Orquesta Sinfónica de Navarra Antoni Wit es uno de los directores más reputados del panorama musical internacional. Director artístico de la Filarmónica de Varsovia desde enero 2002, Wit aportará su experiencia y madurez  a una agrupación que conoce muy bien, ya que ha sido su principal director invitado durante las últimas temporadas. Ganador del primer premio en el Concurso Internacional  de Dirección  “Herbert von Karajan”,  en 1971 se convirtió en su asistente en el Festival de Pascua de Salzburgo. Desde entonces,  Wit ha dirigido a las más importantes orquestas de todo el mundo y ha vendido cerca de cinco millones de copias de sus CDs del sello Naxos. Sus aclamadas versiones de los Conciertos para piano de Prokofiev, con el pianista Kun Woo Paik, y de las obras completas de Szymanowski han sido premiadas por la crítica internacional, al igual que su DVD con la Tercera y Cuarta de Szymanowski para el sello ICA Classics. Tras ser nominado seis veces a los Grammy, su grabación del Concierto para trompa, Partita, El despertar de Jacob y Anaklasis de Penderecki, ha recibido este año uno de estos prestigiosos premios. Y ahora desembarca en la ONS con la ilusión y las ganas del principiante que inicia una nueva aventura artística.

¿Qué ha significado para usted su nombramiento como director titular de la Orquesta Sinfónica de Navarra?

Me siento muy feliz de iniciar una nueva etapa de mi ya larga trayectoria artística como director titular de la Orquesta Sinfónica de Navarra. Es un momento muy importante y especial para mí, y también para la orquesta, con la que trabajo muy a gusto desde hace años. Mis experiencias con el público español han sido siempre extraordinarias. Me siento un director muy querido en este país y, muy especialmente, en el Baluarte de Pamplona.

En su opinión, ¿en qué momento técnico y artístico se encuentra la orquesta?

Creo que la Sinfónica de Navarra es una de las mejores orquestas españolas del momento. Está compuesta por extraordinarios músicos. La calidad artística y humana de los profesores de la OSN es extraordinaria, por lo que resulta muy fácil plantearse nuevos retos. El problema no es otro que el gran recorte presupuestario que ha sufrido la orquesta por culpa de la crisis económica, lo que dificulta enormemente abordar nuevos proyectos artísticos.

¿Qué retos se ha marcado de cara a los próximos tres años al frente de la OSN? ¿En qué medida su trabajo va a influir en la conformación de la personalidad sonora de esta agrupación?

Mis retos artísticos como director titular de la OSN pasan por ampliar su repertorio, con obras que no haya tocado hasta ahora, así como con piezas que no se programan desde hace tiempo. Lo que me interesa es que la orquesta siga creciendo desde el punto de vista artístico y alcance un perfil muy definido. Tras mi larga experiencia al frente de importantes orquestas del panorama musical internacional, no me resultará difícil dotarla de una personalidad artística, tratando en profundidad el repertorio. Los resultados se van logrando con el trabajo diario, con criterios muy concretos que los músicos de la orquesta asumen y que el público percibe a través de sus interpretaciones. Lograr ese sonido personal es uno de mis principales objetivos, así como llevar a cabo los interesantes proyectos discográficos que tenemos en la agenda. En definitiva, el secreto está en trabajar con intensidad para obtener los mejores resultados.

Esta temporada dirige a la OSN en tres conciertos en los que sonarán obras de repertorio, entre otras, la Quinta de Beethoven, la Quintade Schubert y el Requiem de Mozart. ¿Qué criterios se han seguido para la elección del repertorio? ¿Qué líneas temáticas le interesan desarrollar en Pamplona?

Esta temporada dirigiré únicamente tres conciertos porque mi nombramiento se produjo muy tarde, cuando la programación de la presente temporada estaba ya prácticamente cerrada, al igual que mis múltiples compromisos internacionales. Mis criterios de selección del repertorio son muy simples, elaborar una programación heterogénea y variada, en la que tengan cabida el mayor número de géneros y estilos musicales, lo que podríamos denominar un programa “para todos los públicos”. Trataremos de traer a Pamplona solistas que los aficionados quieran escuchar. También quiero colaborar estrechamente con el Orfeón Pamplonés, al que he tenido el placer de dirigir recientemente en el Requiem de Verdi, conmemorando el décimo aniversario del Baluarte. Voy a estudiar muy seriamente sus propuestas de repertorio sinfónico-coral para las próximas temporadas. No obstante, también voy a asumir el riesgo de programar estrenos y obras menos conocidas que, por su calidad, merece la pena difundir. Estoy seguro de que al público también le gustará descubrir nuevos repertorios que hasta ahora le eran totalmente desconocidos.

Suponemos que no faltará la música rusa  y polaca en las próximas temporadas.

Como comentaba anteriormente, mi idea es que la programación incluya músicas muy  diferentes. Por supuesto, me encantaría dirigir obras de autores polacos que me resultan muy familiares y que conozco en profundidad. El problema es que las más importantes partituras de Szymanowski, Górecki y Penderecki requieren de una gran orquesta, por lo que son obras que, hoy por hoy,  la OSN difícilmente puede afrontar. No obstante, una de mis grandes ilusiones es poder dirigir más música española pues, aunque le resulte paradójico, cuando trabajo en España crece en mí “un sentimiento muy patriota”. No hay que olvidar que hace años fui el director titular de la Orquesta  Filarmónica de Gran Canaria, una experiencia de la que guardo un magnífico recuerdo.

¿Cómo se convirtió en titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria?

Fue a través de Rafael Nebot, fundador del fantástico Festival de Canarias, quien tuvo la idea de llevarme a Las Palmas para que me convirtiera en director titular de la Orquesta. Recuerdo que me visitó en Katowice, donde dirigía en aquel momento a la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Polaca, en el mes de diciembre. Estábamos a una temperatura de menos 20 grados y todo lleno de nieve, unas condiciones climatológicas extremas para un canario… En Las Palmas fundé una pequeña orquesta con magníficos músicos. El trabajo que hicieron su por entonces presidente Gonzalo Angulo y su gerente Juan Márquez para formar y consolidar a la OFGC fue extraordinario. Tras cumplir mis obligaciones como titular, me convertí en su principal director invitado y pude vivir de cerca como la orquesta iba creciendo, no sólo en cuanto al número de profesores, sino también desde el punto de vista técnico y artístico. Fui testigo de la creación de su actual sede, con su magnífica sala de ensayos, y del sorprendente Auditorio “Alfredo Kraus”. Y todo ello gracias a la labor administrativa y de gestión que se desarrolló durante aquel tiempo.

En su opinión, ¿existen todavía diferencias entre las orquestas internacionales o son cada vez más homogéneas?

A pesar de que el mundo se está convirtiendo en una aldea global, las diferencias entre las orquestas existen. Hace cuarenta años estas diferencias solían ser mucho más grandes de lo que son hoy.  No obstante, detrás de cada orquesta hay una tradición musical que perdura con el tiempo, lo que podría considerarse “su espíritu”. Y, así, aunque los músicos que las forman van cambiando, ese “espíritu” permanece. Por ejemplo, las orquestas inglesas son muy flexibles, se siente que quieren hacer lo que el director les marca. Por otro lado, las mejores orquestas alemanas son más rígidas, prefieren su propia tradición…

Usted afirmaba anteriormente que le gustaría dirigir más música española. ¿Cuáles son sus compositores españoles favoritos y por qué?

Por supuesto, Manuel de Falla y no necesito explicar las razones. Pero conozco y admiro también la obra de otros muchos compositores españoles como Sarasate, Rodrigo, Toldrà, Guridi, Ernesto Halffter; y también de autores todavía vivos como Javier Darias, Tomás Marco o Joan Guinjoan. Espero poder dirigir en Pamplona mucha música española.

Volviendo al pasado, ¿qué directores han ejercido una mayor influencia en su forma de dirigir? ¿Qué recuerdos tiene de sus trabajos con Penderecki?

En los años sesenta, durante mi etapa de estudiante, Polonia era un país muy cerrado. Mis primeros maestros fueron Henryk Czyz y Witold Rowicki. Fueron ellos los que realmente abrieron mis horizontes artísticos. Czyz fue en realidad mi profesor y Rowicki me ayudó más como su asistente en la Orquesta Filarmónica de Varsovia. En el año 1967 me trasladé a Francia donde estudié con Nadia Boulager. Y luego, después de ganar el primer premio en el Concurso “Herbert von Karajan”, me convertí en su ayudante. Ni qué decir tiene que fue una experiencia muy interesante. Aprendías con tan sólo verlo dirigir. Me quedé impresionado con la enorme energía que imprimía a los músicos… También fui alumno de Penderecki y con él preparé algunas de sus obras, a veces en estreno absoluto, como Lacrimosa y Agnus Dei. He grabado más de 20 CDs dedicados a su música en Naxos, sesiones en las que ha estado presente y ha sido una experiencia extremadamente interesante. Después, he tenido la suerte también de colaborar con otros compositores como Messiaen, Lutoslawski, Górecki, Wojciech Kilar, Sofia Gubaidulina, Arvo Pärt… Fue una experiencia fantástica poder trabajar con estos autores, entre otras cosas porque cada uno es diferente a los demás… Podría contarle tantas cosas que necesitaría que me hiciera otra entrevista… 

¿Tiene algún proyecto de gira o de grabación con la OSN?

Me gustaría poder organizar alguna gira, tanto dentro como fuera de España, porque sé que hay muchos lugares donde al público le encantaría poder escuchar a la Orquesta Sinfónica de Navarra. Pero, todos estos proyectos dependen del presupuesto económico, que en este momento es muy precario como consecuencia de la crisis. Es el mismo problema que tenemos con las grabaciones. Tras el éxito que tuvieron los cuatro CDs dedicados a Sarasate, el sello Naxos esta muy interesado en publicar nuevas producciones discográficas de la Orquesta, en las que también participe el magnífico Orfeón Pamplonés. Estamos iniciando las negociaciones para llevar a cabo varios trabajos dedicados a Bruckner, Dvorák, etc. Por el momento son simplemente proyectos, por lo que habrá que esperar. 

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto: Antoni Wit, director titular de la Orquesta Sinfónica de Navarra.
Acred.: CJ.MULTARZYNSKI

 

Alfredo García

Alfredo García

Publicado: Diciembre 2013
El milagro de la voz

Alfredo García es uno de los más sólidos valores de una extraordinaria generación de cantantes españoles con una ya acreditada proyección artística en los escenarios internacionales. La admirable versatilidad de su voz, capaz de adaptarse a los más variados géneros y estilos,  así como su sólida personalidad interpretativa, son algunas de las claves de su éxito. A continuación, el  barítono madrileño nos pone al día de su trayectoria artística y de sus próximos proyectos.

¿Cómo fueron sus inicios musicales y, más concretamente, en el canto?

La voz no fue más que una afortunada coincidencia, ya que la sensibilidad musical siempre la he sentido tan honda y antigua como mi primera memoria. Comencé los estudios de música pensando en la composición y fue a mitad de camino cuando mis profesores se dieron cuenta de que tenía una voz  extraordinariamente bien dotada, algo que jamás hubiese imaginado. Después llegaron mis estudios en Madrid y en Viena, las becas, los primeros proyectos y algunos premios.

La versatilidad de su voz le ha permitido abordar un repertorio muy amplio, desde la ópera, la zarzuela, el oratorio, la canción…

Me apasiona poder cantar tantas cosas diversas, asomarme no solo a las óperas de Mozart o Rossini, sino también a los oratorios de Haendel o las canciones de Beethoven.  ¿Se puede vivir renunciando a alguna de ellas? Tal vez, pero nuestro paladar será algo más plano. La interpretación es un viaje con destinos a los que no quiero renunciar. Por otro lado, el tiempo, la madurez, la propia evolución de la voz y nuestra personalidad nos llevan a nuevos repertorios a lo largo de la vida, como Verdi, uno de los más grandes.

Su intervención en El barberillo de Lavapiés  en la Kammeroper de Viena marcó un antes y un después en su trayectoria artística.

Viví como un raro privilegio poder llevar el personaje de El barberillo y un género como la zarzuela al corazón de la capital mundial de la música. Fue la primera obra representada íntegramente en español en Viena y a pocos metros de la casa que habitó Mozart. Era consciente de que de alguna manera las circunstancias me habían convertido en embajador no solo de la música de mi país sino también de todos los compositores y cantantes españoles que durante generaciones han creado nuestra música y a los que tengo muy presente. Los aplausos, que recogí, eran en gran medida para ellos. Lo hice con toda la dignidad, respeto y entrega posible, junto a un equipo de primera; y resultó un éxito de crítica, público y una experiencia inolvidable en lo personal.

Las óperas de nueva creación de nuestros autores ocupan un lugar muy importante en su carrera. No hay que olvidar su intervención en el estreno de El caballero de la triste figura, de Tomás Marco.

Me gusta entenderme con los grandes compositores del pasado,  asombrarme, aprender y disfrutar con ellos, responder a las preguntas que nos dirigen desde ese lugar que ocuparon en el tiempo y que nos han dejado escritas en sus obras, ofrecerles la respuesta de mi voz. Pero también pertenezco a este pequeño pedazo de historia por el que caminamos y en el que quiero mirarme. Cuando un compositor te ofrece su confianza para acompañarle en el nacimiento sonoro de su obra, es un privilegio, un regalo. Esto es lo más cercano que un cantante puede estar de ser un astronauta, aterrizando por primera vez sobre una partitura que vamos a dar a conocer a través de nuestra voz y que espera de nosotros todo cuanto podamos decir de ella. Tomás Marco ha sido, entre otros,  uno de esos compositores de talla, con el que he hecho ese viaje. También me ha dedicado una ópera, Tenorio, sobre el mito universal español, que estamos pendientes de estrenar.

“Poems in Prose” es el título del CD que acaba de publicar el sello Verso, en el que interviene como solista en la interpretación de la Cantata para coro, solistas y orquesta, de Miguel Pons. ¿Qué ha significado para usted participar en esta grabación? ¿Conocía la obra del joven compositor Miguel Pons?

Mi primer encuentro con Miguel Pons fue abriendo su partitura y ya entonces me dio una excelente impresión que se reafirmó cuando le conocí personalmente; creo que nos esperan grandes obras escritas por él. La grabación se hizo con la ORCAM, que es una agrupación por la que siento afecto y admiración, y con José Ramón Encinar como director, un maestro capaz de descifrar cualquier partitura. El resto de solistas era excelente y así es fácil llegar a cualquier puerto. Por otro lado, es loable que instituciones como la Fundación BBVA o Verso encaren grabaciones en unos tiempos donde va siendo una rareza abordarlas.

¿Qué proyectos tiene para el futuro más inmediato?

En lo inmediato cantaré El Mesías en el Palau de la Música de Valencia. Después me espera El retablo de Maese Pedro de Falla, con el maestro Frühbeck de Burgos, que acaba de cumplir 80 años y que no solo es ya un mito sino que está en su momento más fértil. Con él hice esta obra por primera vez en Dresde con la Dresdner Philharmonie. Y junto a él he cantado con orquestas como la New York Philharmonic,  la Boston Symphony o la Israel Philharmonic. Organizado por la UAM, abordaré además dos óperas, The Telephone de Menotti e Il Segreto di Susanna de Wolf Ferrari y la grabación de un CD con canciones de la compositora Ana Lara. Más adelante el estreno de una ópera de José Buenagu  y La vida breve de Falla en Washington, de nuevo con el maestro Frühbeck de Burgos. En recital y organizado por la Comunidad de Madrid, las Canciones Irlandesas y Escocesas de Beethoven para trío y barítono que son maravillosas y poco conocidas. Y espero que se confirmen varios proyectos más que están por venir.

Más información: www.alfredogarcia.com

E.T.H.

Alberto Martínez Molina

Alberto Martínez Molina

Publicado: Diciembre 2013
Tradición y modernidad para Hippocampus

Bach en Vallekas es otra nueva propuesta del sello Arsis y de Hippocampus, el fantástico conjunto que dirige desde el clave Alberto Martínez Molina, con el que hemos hablado en puertas de editar otra nueva grabación en formato GPD, pioneros en transformar los formatos de audio y vídeo en pendrives.

GPD, HD, GB, PDF… ¿Por qué no hablamos un poco de música?

            Me parece fantástico… Las siglas que citas son el continente, y el contenido, que es la música de J. S. Bach, ha sido la pasión de todos los integrantes de Hippocampus desde que nos conocimos como estudiantes. Nos hicimos músicos por su música, que nos parece la máxima expresión artística que conocemos, forma parte de nuestras vidas...

Es curioso, pero el sistema más novedoso (el GPD o pendrive) convive con el repertorio más tradicional, aunque Bach posiblemente sea el creador más moderno de todos los tiempos…

Lo que pretendemos es que la emoción llegue al oyente, o más bien al espectador, de la mejor manera posible. La música ha sido siempre un arte escénica, durante cientos de años. Para escuchar había que estar viendo simultáneamente al músico, hasta que llegó el mundo de la grabación sonora, a comienzos del siglo XX, pero antes hay siglos y siglos de música que conllevaban necesariamente estar viendo al intérprete. Hoy la música se reproduce en casa o en los auriculares y el público no ve a los músicos (a excepción, claro, de los formatos de video en DVD y similares), por lo que el oyente no recibe la información “multimedia” que ha recibido durante siglos. A eso hay que añadir cierta artificialidad en las grabaciones. Lo que nosotros hacemos es grabar en directo: hacemos dos pases y de ahí seleccionamos lo mejor, pero todo ha sido tocado en vivo. Nuestro primer CD de Bach fue en vivo, con tres Cantatas; el primer pendrive, Liebster Jesu, también con Bach, fue asimismo en directo y ya incluimos parte en vídeo HD, mientras que por fin nuestro último GPD ha sido Bach en Vallekas con todo el contenido musical en dos formatos de vídeo en alta definición, para que puedan ser reproducidos en todos los sistemas. En definitiva, la idea es volver al origen de la música, disfrutar escuchándola mientras se ve a los músicos sintiendo las emociones y afectos que les produce su interpretación.

Y además mejora lo que ofrece un DVD, porque trae mucha más información adicional y mayor capacidad…

El pendrive es un “container”, uno lo puede llenar de muy diversos contenidos: archivos de audio y video, documentos multimedia, galería fotográfica… La gran revolución es la libertad que da un formato como este. El Blu-ray te obliga a tener el reproductor concreto. El GPD puedes reproducirlo desde el ordenador de casa a todo aquel aparato que tenga una entrada USB, es decir, a casi todo, si es relativamente reciente, incluyendo las televisiones, donde la resolución de imagen es muy buena. En un futuro no muy lejano, la realidad será que el que quiera podrá seguir asistiendo a conciertos, pero si el concierto es en Sydney, podrá verlo en streaming, en proyección holográfica en tres dimensiones a todo color y alta definición en el salón de casa… Tendrá su precio, pero llegará, estoy seguro. Se está volviendo al contacto directo con los músicos y al fenómeno escénico. Tecnología al servicio del arte de la música y de su expresión.

Si dicen que Dios está en todas partes, Bach está en Vallecas…

Bach ha estado en Vallecas desde hace muchos años, porque la iglesia de San Pedro ad Víncula de la Villa de Vallecas es casi una de las sedes de Hippocampus. Hemos grabado en ella cinco álbumes. Es una iglesia con unas estupendas condiciones acústicas, tiene muy poco tráfico alrededor. Es un edificio del siglo XVII con muchas similitudes con los que tuvo Bach en Leipzig, tanto San Nicolás como Santo Tomás, iglesias en las que he estado y he podido comprobar in situ que la vallecana disfruta de una acústica muy parecida. Y sí, contestando a tu pregunta, Bach está en todas partes y Vallecas no podía ser menos.

¿Cómo se conjuga que en vuestras interpretaciones de las Cantatas haya clave y órgano positivo?

Está ampliamente documentado que en las iglesias de Bach había varios claves tanto para los ensayos como para las interpretaciones de sus Cantatas. Hay muchas Cantatas con su parte de órgano (afinados un tono más agudo, por lo que Bach escribía más grave esta parte, para que sonara exactamente como las demás) y su parte de cembalo en el tono original. Digamos que, desde el punto de vista del purismo, que no es lo que más valoro pero es un dato, está más que claro que se usaba clave. Las funciones continuísticas de un clave y un órgano son distintas: el órgano es un instrumento de sonido mantenido y tiene un peso más armónico; por su parte el clave, por la naturaleza de su sonido, tiene un punto más rítmico. La combinación está documentadísima en música sacra, aunque la tradición historicista de mediados y finales del siglo XX quiso denostar al clave en la música religiosa, una moda liderada por los grandes popes de la interpretación de la década de los setenta. Hoy en día, si no se usa un clave y un órgano es porque no hay presupuesto, que también es algo original de todas las épocas. Que quede claro, Bach es conocido como el mejor contrapuntista de todos los tiempos, entre otras muchas cosas, pero es también sin duda el mejor armonista de la Historia de la Música, y esto necesita de un grupo de continuo lo más nutrido posible.

Los músicos de los que te rodeas garantizan estos resultados, hablamos de Ruth Verona en el continuo, la soprano Raquel Andueza…

Sin duda Ruth es excepcional, uno de los músicos más sensibles que conozco. En el próximo pendrive también participa, además de como continuista, como solista en una sonata de cello de Vivaldi. Y Raquel no necesita presentación, de verdad me considero un privilegiado por estar rodeado de estas personas, artistas tan íntegros.

¿Algún referente interpretativo en Bach?

Mi referente musical ha sido y es mi maestro, Richard Egarr, como teclista y como director. Lo han llamado varias veces “el Leonard Bernstein de la música antigua”… No me parece ninguna exageración.

¿Fuera de España en qué lugar está Hippocampus?

Uno de los pilares básicos del conjunto es la concertino alemana Kerstin Linder-Dewan. Últimamente, soportando la crisis que tenemos en España, hemos tocado más en Alemania que aquí, incluyendo una Pasión según San Mateo en Berlín…

Sois parte de esa “movilidad laboral” destino Alemania, eufemísticamente hablando, como la llamó el gobierno…

Emigrantes puros y duros, sin eufemismos. Aquí no hay casi conciertos. Entre otras cosas gracias al IVA “tan bajo” que ha impuesto el gobierno… Cuando vamos a Alemania damos tres o cuatro conciertos seguidos, en las iglesias el público paga un precio asequible para asistir a los conciertos, y de este modo se cofinancian. En Inglaterra también tenemos proyectos cercanos. En el grupo hay músicos de varias nacionalidades, y esto nos ayuda a tener presencia en distintos países.

¿Y el futuro?

En España es complicado, a corto plazo, realizar conciertos orquestales si queremos que económicamente no sean deficitarios. Lo ideal sería que se organizaran conciertos con tres o cuatro pases, y se pudieran recibir ayudas además de venderse entradas que cofinanciaran los proyectos. La cultura no debería ser gratis, sino accesible y barata. O muy barata incluso. Habría una fórmula a tres bandas para solucionar el problema en el que estamos: una, tiene que haber subvención pública, bien gestionada y sin despilfarrar el dinero, que tratara de proteger y activar el trabajo de los músicos nacionales; dos, una ley de mecenazgo de una vez por todas; no puede ser que una empresa no esté seducida para invertir parte de sus altos beneficios al servicio de la cultura, obteniendo de este modo ventajas fiscales, es algo que se hace desde mucho antes de los Medici. Y tres, la subvención activa, es decir, que el público se involucre y con entradas a precios moderados sustente parte de la financiación necesaria. Creo que en la combinación de estas tres fuentes de ingreso hay una posible solución… Y con respecto al futuro de Hippocampus, cabe resaltar que nuestro próximo GPD con Arsis será PARENT(H)ESIS: un cuarteto, música de cámara para oboe, flauta dulce, violoncello y clave, un experimento musical y cinematográfico, con filmación de Noah Shaye.
 

Discografía Hippocampus  

Compact Disc:

· CD Arsis 4193 - Johann Philipp Krieger. Op.2 - Vol.1 (2005)

· CD Arsis 4206 - Lasciatemi morire (2007)

· CD Arsis 4224 - Johann Sebastian Bach. Cantatas BWV 82,170,199 (2009)

· CD Arsis 4238 - Johann Philipp Krieger. Op.2 - Vol.2 (2010)
 

Pendrive USB:

· GPD Arsis 5187 - Les Goûts Reunis, con Jaap Schroeder (CD 2006 - GPD 2013)

· GPD Arsis 5237 - Sonatas de un oboísta - Giuseppe Sammartini (CD 2009 - GPD 2013)

· GPD Arsis 5242 - Liebster Jesu - BWV 32, 54, 84, 1051 (2012)

· GPD Arsis 5247 - Bach en Vallekas - BWV 109, 112, 202, 1049 (2013)

+ Información
www.arsis.es
www.hippocampus.es

Por: Gonzalo Pérez Chamorro
Fotografías: NOAH SHAYE

Jordi Tort

Jordi Tort

Publicado: Noviembre 2013
“Intentamos que la calidad artística siga siendo nuestra guía”

Jordi Tort  es desde el pasado mes de enero gerente de la Orquesta de Córdoba. Licenciado en Derecho y Máster en Gestión Cultural por la Universidad de Barcelona, su trayectoria profesional le ha llevado a ocupar cargos de relevancia en varias entidades del  sector de las artes escénicas. Entre 1998 y 2006 fue subdirector-gerente del Teatre Lliure de Barcelona, liderando el proceso de crecimiento de la entidad, que culminó con la inauguración de su nueva sede en 2001. De 2006 a 2010 fue director de producción del Gran Teatro del Liceo de Barcelona donde colaboró con prestigiosos equipos artísticos y consolidó la política de coproducciones y giras del teatro en el ámbito nacional e internacional. Antes de incorporarse a la Orquesta de Córdoba fue también director de producción en Stage Entertainment España donde fue responsable, entre otros proyectos, de la preproducción y la primera temporada en Madrid del musical de Disney El Rey León. Ahora se le plantean nuevos retos: el desarrollo de nuevas estrategias para formar y crear nuevos públicos, y afrontar los problemas derivados de la crisis económica.

¿Cómo observa el gerente de la OdC el presente artístico y económico de la agrupación?

La Orquesta de Córdoba tiene una historia de veinte años con una trayectoria muy destacada en diversos lenguajes musicales, desde su temporada de abono hasta conciertos ‘cross over’ con otras disciplinas musicales, conciertos didácticos y programas sociales. Actualmente la situación está marcada a todos niveles por la difícil situación económica que atraviesa España. La reducción en tres años de un tercio en las aportaciones públicas, así como la disminución de las contrataciones, han llevado a la Orquesta a una política de contención del gasto y maximización del ingreso que está inevitablemente marcando nuestro presente. A pesar de ello, intentamos que la calidad artística siga siendo nuestra guía ya que, sin ella, la Orquesta de Córdoba perdería su razón de ser.

¿Cómo se comportan las administraciones de las que depende la OdC? 

Mi percepción es que las administraciones públicas de las que dependemos aún mayoritariamente tienen un compromiso sólido con la OdC. Evidentemente, la reducción de sus aportaciones ha sido un golpe duro para la Orquesta pero en las actuales circunstancias, con recortes en sectores tan básicos como la sanidad y la educación, sería injusto no buscar nuevas políticas de funcionamiento que permitan el mantenimiento de la actividad de la Orquesta, con aportaciones públicas inferiores a las de antes de la crisis.

¿Se tienen previstas medidas económicas que palien las dificultades y aseguren el correcto desarrollo de la presente y las próximas temporadas?

En este escenario lo más difícil para los gestores de los proyectos culturales es hablar del largo plazo. Desde 2009 venimos asistiendo a una implacable reducción en las ayudas públicas sobre las cuales se basa, en mayor o menor medida, la actividad de lo que podríamos llamar el sector público de las artes escénicas: orquestas, teatros, óperas… Los compromisos de las administraciones son anuales y, en este contexto, los planes plurianuales han desaparecido. Por lo tanto, cuanto mayor sea la dependencia de las subvenciones más difícil es conseguir una estabilidad en el funcionamiento. Por esta razón, nuestra política en Córdoba está siendo intentar aumentar los recursos propios para paliar en la medida de lo posible los problemas en la financiación pública. Como el problema a cubrir es grave, no hay una única solución y por esto hemos puesto en marcha a la vez varias políticas:

  • Aumento de la actividad con: conciertos extraordinarios con programas clásicos, pero muy arraigados en nuestro público y de atractivo también para el turismo que en Córdoba es principalmente cultural; la creación de un nuevo ciclo de conciertos familiares, el desarrollo de un plan de colaboración con la Diputación de Córdoba para aumentar la presencia de la Orquesta en el ámbito de su provincia.
  • Revisión al alza de la política de precios que permanecía inalterada desde 2008.
  • Impulso de la actividad lírica que se reemprende en Córdoba este año después de    dos temporadas de ausencia con tres títulos: La traviata y Macbeth, de Verdi, y La tabernera del puerto, de Sorozábal.
             

Esperamos que estas políticas, unidas a la restricción en el gasto, que de momento no está implicando una reducción de la plantilla de músicos de la Orquesta, nos permitan encontrar este ansiado marco de estabilidad.

En un momento de recortes presupuestarios, ¿no es más necesaria que nunca una ley de mecenazgo?

Evidentemente, una nueva ley de mecenazgo que incremente las deducciones de los donativos a las entidades culturales sería de gran ayuda. Pero una reducción en el tipo de IVA a un porcentaje similar al del resto de países de la UE también sería de gran ayuda para el sector de las artes escénicas. La mejora en la ley de mecenazgo es un objetivo a lograr pero en cualquier caso nos costará un largo camino llegar a los niveles de implicación social existente en los países anglosajones, en cambio, volver al tipo de IVA de hace dos años provocaría un aumento del consumo que sería beneficioso tanto para las entidades culturales como para la Hacienda Pública.

La Orquesta de Córdoba afronta una nueva temporada con nuevos retos. ¿En qué van a consistir?

Por primera vez en su historia la Orquesta va a ofrecer conciertos familiares algunos fines de semana, con programas que irán desde la divulgación de los grandes clásicos hasta la mezcla con otras artes escénicas como la magia o los títeres. Estos conciertos se harán con los mismos programas que se han preparado este año para los conciertos escolares, una actividad en la que cada año participan 10.000 niños. El mecenazgo de la Fundación Cajasur nos está permitiendo también llevar estos programas a sectores desfavorecidos de la sociedad y la colaboración de la Diputación de Córdoba los acerca también a diversos municipios de la provincia. Por otro lado, y teniendo en cuenta el elevado volumen de turistas que visitan la ciudad de Córdoba atraídos por su historia y sus monumentos, estamos empezando a programar conciertos en entornos monumentales con obras del gran repertorio de la música española, con un resultado muy interesante puesto que buena parte del público es notoriamente internacional.

Parte de la programación ha sido diseñada en función a una encuesta realizada entre el público, a fin de establecer un diálogo con los aficionados. ¿Se trata sólo de una política artística o existen causas económicas asociadas?

Para programar es necesario conocer los gustos de nuestro público, ya sea para darles lo que desean o para guiarles en el descubrimiento de nuevos repertorios. Creemos que también es importante que el aficionado se sienta escuchado para que la Orquesta mantenga su carácter de entidad ciudadana y no sea percibida como algo ajeno. Evidentemente, si este conocimiento genera un aumento en las ventas será un efecto muy positivo y que nos alegrará mucho, pero tampoco ha sido este el objetivo de la encuesta.

No faltarán los estrenos.

El compromiso de la Orquesta de Córdoba con la música contemporánea ha sido evidente a lo largo de su historia, así como con la recuperación del patrimonio musical español. En la temporada 2013-14 hemos mantenido este compromiso pero sin olvidar a las grandes obras del repertorio y quizás dándoles un poco más de presencia que en la temporada pasada.

La labor de Lorenzo Ramos como director titular es fundamental para el futuro artístico de la agrupación.

A mi entender, la labor del director titular es básica para garantizar la calidad artística de la Orquesta, así como el interés en su programación. En mi trayectoria siempre he disfrutado trabajando mano a mano con los responsables artísticos y colaborar con el maestro Ramos está siendo un verdadero placer porque ambos compartimos el objetivo de obtener la máxima calidad de nuestra formación y de acercar la música clásica al mayor público posible. Lorenzo Ramos y yo pertenecemos a la misma generación y compartimos una visión de la cultura abierta y transversal, así como un enfoque racional de nuestras respectivas posiciones, lo cual ha contribuido a construir un equipo directivo sin fisuras que está llevando adelante un plan de consolidación y desarrollo de la calidad y la actividad de la Orquesta que era difícilmente imaginable en Córdoba poco antes de nuestra llegada.

¿Qué proyectos tiene la Orquesta de cara a un futuro inmediato?

El principal es la consolidación de la viabilidad del proyecto, que en estos momentos no es poco. A nivel artístico, paralelamente a la temporada de abono, tenemos algunos planes que están generando mucho interés como el programa con obras de música religiosa compuesta en Córdoba en el siglo XVIII en el ámbito de la Catedral, del que se ha editado una grabación en CD junto al Coro Ziryab y que se va a repetir en algunos festivales durante la temporada; el estreno y esperemos que grabación de la obra Caribiana del compositor cordobés afincado en Berlín Lorenzo Palomo, y el estreno también del arreglo de la Suite Iberia, de Albéniz, que está preparando el pianista de jazz Uri Caine por encargo nuestro, que se integrará en un programa que hemos llamado ‘Fiesta Española’ y que también estará presente en la temporada del Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Por: Elena Trujillo Hervás
Acred. foto: SERGIO PARRA

Operastudio

Operastudio

Publicado: Noviembre 2013
Una apuesta por el talento

En 2010 la Universidad de Alcalá de Henares, a través de su Fundación General, puso en marcha un programa académico único en su género en España, Operastudio. Concebido como un proyecto de alta especialización para cantantes y profesionales de las artes escénicas está dirigido por Lourdes Pérez-Sierra, Profesora Superior de Música, especialista en gestión de artes escénicas y coach acreditado por AECOP y la Universidad de Deusto. Hoy la entrevistamos para descubrir de su mano la nueva programación.

Parece que el Operastudio se ha consolidado a pesar de la crisis, ¿cómo lo han logrado?

No puedo negar que hemos pasado una situación difícil, como el resto de proyectos culturales de envergadura que hay en España; el contexto económico, la falta de ayudas públicas…todo ello nos ha obligado a reinventarnos sin perder la esencia de nuestro objetivo fundacional, ofrecer la mejor formación especializada a los mejores cantantes y, sobre todo, ser un puente entre esa formación y el mercado profesional, facilitando el acceso de nuestras voces a los principales escenarios. Nos preocupamos de poner en contacto a los cantantes con los agentes más importantes, los directores escénicos y de orquesta dispuestos a convertirse en mentores, las compañías privadas y los teatros públicos que buscan nuevos valores. Todos los esfuerzos de la Universidad de Alcalá y los míos propios están volcados en apoyar a estos talentos.  Cuando crees en una idea o proyecto y perseveras en ella a pesar de las dificultades, los resultados no tardan en llegar.

¿Qué instituciones colaboran con el proyecto?

En este proceso de consolidación nunca hemos andado solos. Desde 2010 colabora con nosotros la empresa cervecera Mahou,  la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y su Festival Clásicos en Alcalá,  AIE, la compañía privada Ópera 2001… También instituciones que nos ceden de forma desinteresada sus salas, como el Aula de Música de la Universidad, la Escuela Superior de Canto de Madrid o la Fundación Autor de la SGAE.

¿Qué programación habéis preparado para este curso?

Aumentamos nuestra oferta con ocho cursos magistrales, inaugurando con el Maestro Alberto Zedda,  el más grande conocedor de Rossini del mundo, que ha hecho del Operastudio su centro académico en España. Nos acompañará también Alfonso Leoz, agente artístico y asesor vocal, manager de artistas como Jorge de León, Rocío Ignacio, Carlos Álvarez y Carlos Chausson.

En nuestra apuesta por el barroco, tendremos la suerte de contar con Carlos Mena, en su doble faceta como contratenor y director, entusiasmado por el universo barroco,  que le hace único. En el área de acompañamiento vocal participarán Juan Antonio Álvarez Parejo y Edelmiro Arnaltes, pianistas consagrados y compañeros de carrera de figuras legendarias como Teresa Berganza o Alfredo Kraus, respectivamente.  Estos cursos están abiertos también a pianistas que quieran formarse como acompañantes.

Otra de nuestras masterclasses estará dirigida por Miguel Lerín, agente de figuras capitales de la lírica y sobre todo, amante de la ópera. Los alumnos tendrán la oportunidad de realizar una audición comentada con él y aprender a presentarse adecuadamente en una situación que no por habitual deja de ser compleja. Como siempre nos acompañará el Dr. Ignacio Cobeta, que se encarga de la salud de nuestros cantantes y lanzamos un novedoso curso de coaching de carrera, abierto también a músicos, actores y bailarines que imparto yo.

¿Podría explicarnos qué es el coaching de carrera y qué utilidad puede tener para profesionales de las artes escénicas?

Los conservatorios y escuelas de canto españolas están lanzando al mercado gran cantidad de profesionales de élite, con un nivel que nada tiene que envidiar al resto de escuelas europeas y norteamericanas. Sin embargo, una vez finalizada la carrera académica, nos encontramos sin herramientas emocionales ni de gestión para enfrentarnos a la dureza de la situación actual.

Los profesionales de las artes escénicas necesitan gestionar todo su potencial emprendedor para sacar el máximo rendimiento a su carrera profesional. El coaching es un proceso de acompañamiento a una persona que necesita apoyo y orientación especializada para analizar sus capacidades, definir sus objetivos y poner en marcha un plan estratégico de futuro que le permita alcanzarlos. Es sin duda una de las herramientas de desarrollo de la inteligencia emocional y mejora personal más poderosas.

¿Y cómo llega una pianista especializada en gestión cultural al mundo del coaching?

Es parte de mi propio proceso de reinvención personal. He crecido rodeada de artistas, de creatividad…me ha tocado enfrentarme a un auditorio como pianista y poner en marcha proyectos culturales de envergadura como gestora. Sin embargo, mi pasión es ayudar a otros a descubrir su talento y desarrollarlo. El coaching te ayuda a poner en valor la mejor versión de ti mismo y eso, en esta época de cambios convulsos que nos ha tocado vivir, no sólo es deseable sino necesario.

Más información: http://operastudio.fgua.es

Por: Elena Trujillo Hervás

Foto:  Lourdes Pérez-Sierra, directora de Operastudio.

La Academia Barroca

La Academia Barroca

Publicado: Noviembre 2013
Un proyecto pedagógico innovador impulsado por Conde Duque y la JONDE

El sábado 9 de noviembre próximo tendrá lugar en Madrid la primera edición de la Academia Barroca, promovida por la Joven Orquesta Nacional de España y Conde Duque. Durante diez días, 35 músicos con sus profesores ocuparán las instalaciones del centro en un encuentro sin precedentes para preparar, dirigidos por Enrico Onofri, un programa de dos conciertos que tendrán lugar en el Auditorio de Conde Duque y que incluirán la “Suite de danzas” de El burgués gentilhombre, de Lully; el Concierto n. 11 para 2 violines de Vivaldi, uno de los cuales estará a cargo del propio Onofri; la Suite n. 3 de Bach y Fireworks de Haendel. Esta actividad se enmarca en el programa de actividades del Proyecto Barroco, que puso en marcha Conde Duque en enero de 2013.

El Proyecto Barroco comenzó con un gran impulso e inversión con la creación de la Orquesta Barroca de Conde Duque que, dirigida por Ángel Sampedro, actúa el 21 de noviembre con un programa dedicado a Bach y Rameau. La Academia Barroca es la parte pedagógica del Proyecto Barroco. La decisión de la JONDE de incluir el barroco como estilo a trabajar en sus proyectos y que la persona elegida para liderarlo haya sido nada menos que Enrico Onofri, disputado profesor e intérprete a nivel internacional, dice mucho del interés por el barroco que también tiene la JONDE y de la voluntad pedagógica del Proyecto Barroco de Conde Duque.

Los miembros de la JONDE trabajarán por secciones con sus profesores: Farran James, cuerdas altas; Mercedes Ruiz, violonchelo; Alfonso Sebastián, clave-bajo continuo; Pepo Domènech, viento madera, y el portugués Paulo Guerreiro, metales. A partir del 12 de noviembre, Enrico Onofri asumirá la dirección de la orquesta, terminando el proyecto con dos conciertos que tendrán lugar en el Auditorio de Conde Duque, el sábado 16 de noviembre, a las 19:30h, y el domingo 17, a las 12:30h.

Para aquellos que quieran tener la oportunidad de debatir en directo con Onofri, habrá una charla abierta, el viernes 15 de noviembre, de 19:30 a 21:00h, en el salón de actos de Conde Duque.

La nueva temporada crece en estilos

La presentación de la Academia Barroca es solo una parte de la completa y variada parrilla de actividades que despliega Conde Duque en su programación de Otoño.

Conde Duque comenzó a finales de 2011 una renovación general, con un equipo nuevo, y los frutos de su trabajo se están empezando a recoger ahora. Los cambios de los responsables no han interrumpido la trayectoria marcada y no sólo se han asumido los proyectos de música antigua que estaban en marcha, sino que se han potenciado con una visión original. Conde Duque ha programado una diversidad de actividades que se materializan, en el terreno musical, con apuestas tan poco convencionales como la presencia de Carles Santos, la creación del Barrio de la Música (entre las numerosas entidades que rodean Conde Duque dedicadas a ella), el Festival COMA’13 de música contemporánea, un especial proyecto Conrado del Campo emprendido con el Cuarteto Bretón, colaboraciones con el Instituto Italiano y otros, en los que no faltan, combinada con la música de cámara y el piano, las zonas por las que transitan Beethoven, Chopin, Liszt, Mozart…

La lucha con los presupuestos está presente en todas las instituciones, pero en Conde Duque se siente como muy importante la imaginativa colaboración de los artistas participantes en las actividades.

Más información: www.condeduquemadrid.es 

J.A.M.S.

Foto: El violinista y director italiano Enrico Onofri.

La primera edición de la Academia Barroca, que promueve la Joven Orquesta Nacional de España y Conde Duque se inaugura el 9 de noviembre, en el Conde Duque de Madrid.

www.condeduquemadrid.es

 

Odradek Records

Odradek Records

Publicado: Noviembre 2013
Una forma alternativa de disfrutar de la música en vivo

Odradek Records llegaba hace unos meses a las páginas de RITMO como un original e imaginativo proyecto que permitía a los músicos seguir creciendo artísticamente y a los aficionados disfrutar de su talento fuera de los circuitos musicales tradicionales. Se trata de un sello discográfico independiente, sin ánimo de lucro, pensado por y para los artistas. Un año después de su puesta en marcha, Odradek ha conseguido consolidarse en el panorama musical internacional. Son ya 15 artistas de nueve países de todo el mundo los que colaboran en el proyecto; tiene 6 CDs en el mercado y siete más que se publicarán a este año; ha sido premiado por la BBC Music Magazine, y el pasado año organizó un festival de 30 conciertos en distintas ciudades de Italia, que fueron todo un éxito. Tanto, que  este otoño vuelve con un total de 90 conciertos que se van a celebrar no solo en Italia, sino también en nuestro país.

Además de la producción discográfica, la música en vivo también forma parte de las actividades de Odradek Records, que dirige el empresario y pianista norteamericano John Anderson. “Organizamos festivales itinerantes porque estamos convencidos de que la música clásica se disfruta mejor en las salas de concierto. A menudo se oye hablar de cómo la crisis está repercutiendo en la disminución del número de espectadores. La música clásica puede atraer no sólo al público de siempre, sino también a nuevas audiencias que están a la espera de escuchar la música clásica de una manera diferente y más informal”, señala Anderson.

La originalidad del proyecto Odradek también se traslada a sus ciclos y festivales itinerantes. Los conciertos se celebran en salas pequeñas y alternativas, con una acústica que se adapta perfectamente a las necesidades de los artistas. “La idea es que el público pueda escuchar la música de cerca, en un ambiente íntimo.Después del concierto, no sólo puede comprar sus CDs, sino también dialogar e intercambiar impresiones con el músico; pues únicamente si el público es activo se puede conseguir que el proyecto se desarrolle y esté vivo”. Al tratarse de una empresa sin ánimo de lucro, al igual que ocurre con los CDs, una vez que se han recuperado todos los gastos asociados a la producción del concierto, “todos los beneficios van a parar a los artistas”.  Los programas están diseñados para alternar el repertorio pianístico tradicional con propuestas de vanguardia más novedosas, en algunos casos estrenos absolutos.

Conciertos en España

Tras el éxito de su primer festival itinerante por Italia, este otoño los conciertos de Odradek Records llegan a España. Será con un atractivo programa de nueve recitales, de los que cinco tendrán lugar en Madrid y cuatro en Salamanca. Para la cita madrileña, se ha elegido el estudio de arquitectura LoOtro, que dirige el músico y arquitecto Juan Alberto García de Cubas, situada en la calle Arquitectura, n. 17, y la emblemática Casa de las Alhajas, sede de la Fundación Caja Madrid. El Teatro Juan del Encina acogerá los conciertos en Salamanca.

El ciclo se inaugura, el 17 de noviembre en Madrid y el 19 en Salamanca, con la actuación de la reputada pianista italiana Pina Napolitano. Interpretará un difícil y arriesgado programa, integrado por Variations Op. 27, de Webern; Fantasía n. 4, de Mozart; Sonata Op. 1, de Berg; Suite Op. 25, de Schoenberg, y Cuatro piezas para piano Op. 119, de Brahms. www.pinanapolitano.com

Coincidiendo con la celebración en Madrid del Encuentro Profesional de Música Clásica ExpoClásica, el magnífico pianista canario Javier Negrín ofrecerá el 22 de noviembre, en La Casa de las Alhajas,  el programa “El piano romántico español: obras de Mompou y Granados”. Ha elegido unas obras que le vienen como anillo al dedo: las Variaciones sobre un tema de Chopin del autor catalán y “Los majos enamorados”, de Goyescas, de Granados. Repite programa el 4 de diciembre en Salamanca. www.javiernegrin.com

Es una de las grandes figuras del pianismo japonés actual. Nos referimos a Akira Kojima, que actúa el 26 de noviembre en Salamanca y el 27 en la capital. Demostrará su innato talento en un atractivo programa integrado por Rain- Tree Sketch, de Takemitsu; Three préludes, de Dutilleux, y En vers, de Akira Miyoshi. www.yukikokojima.com

Le seguirán dos jóvenes artistas de gran proyección internacional, el violinista ruso Yury Revich y el pianista alicantino Alejandro Pico Leonis, a quien tuvimos oportunidad de escuchar la pasada temporada en la Fundación Juan March. Tocarán una selección de piezas de Biber, Pergolesi, Sarasate, Paganini, Schubert, Debussy, Prokofiev, Barber, Kreisler y tres estrenos: Perpetuum mobile, de Caliendo; Love Song, de Wen LIu y Zum Beispiel Op.13, de B. Rota. La cita, únicamente en Madrid, el 3 de diciembre, www.yuryrevich.com / www.picoleonis.com

Alabado por la prensa y el público internacional por su poder comunicativo y refinada musicalidad, el Trio Appassionata, integrado por Lydia Chernicoff (violín), Andrea Casarrubios (chelo) y Ronaldo Rolim (piano), será el encargado de clausurar el ciclo. Ofrecerá Cinco piezas populares para violonchelo y piano Op.102, de Schumann; Gone into night are all the eyes, de Kotcheff; Danzas rumanas Sz. 56, de Bartók, y Piano trio, de Ives. La cita, el 10 de diciembre en Salamanca y el 11 en Madrid. http://trioappassionata.com

Más información: www.odradek-records.com

Por: Elena Trujillo Hervás

Fotos: El magnífico pianista Javier Negrín y el Trio Appassionata son algunos de los artistas invitados.

Orquesta Barroca de Sevilla

Orquesta Barroca de Sevilla

Publicado: Noviembre 2013
La consolidación de un proyecto de excelencia

La Orquesta Barroca de Sevilla afronta una nueva temporada de conciertos, que supone la consolidación de un ambicioso proyecto definido por la más alta calidad artística.  Galardonada con el Premio Nacional de Música 2011, la OBS se sitúa en el primer nivel de las agrupaciones españolas que se dedican a la interpretación de la música antigua con criterios historicistas.

2013 está siendo un año clave para la agrupación que está viviendo uno de los momentos más dulces de su trayectoria artística. No en vano, ha ofrecido conciertos en algunos de los más importantes escenarios españoles y europeos, donde ha tenido una gran acogida por parte del público y la crítica, como el madrileño Teatro de la Zarzuela, el Festival Mozart de A Coruña, el Instituto Italiano de Madrid, el Festival Musiques des Lúmières de Sorèze (Francia), el Haydn Festival de Brühl (Alemania) y la Semana de Música Antigua de Estella; sin olvidar dos citas muy importantes el próximo diciembre en el Auditorio Nacional de Música y en el Palacio de Congresos de Burgos, con el Mesías participativo que organiza la Fundació la Caixa.

Temporada en Sevilla 2013/2014

Tras el éxito de su primera temporada de conciertos en la capital hispalense, la Orquesta Barroca de Sevilla afronta ahora un nuevo ciclo de nueve conciertos, que tendrán lugar en espacios emblemáticos de Sevilla como el Antiqvarium, la Iglesia de la Anunciación y el Centro Cultural Cajasol, y que se complementarán con una amplia oferta de actividades paralelas para todos los públicos, en forma de clases magistrales, conferencias, conciertos didácticos, ensayos abiertos y cursos.

El primer concierto de temporada se celebra el 30 de octubre en el Antiqvarium de Sevilla, con un programa dedicado a Arcangelo Corelli en el tricentenario de su muerte. La interpretación musical correrá a cargo de los Solistas de la OBS, a las órdenes del violinista italiano Enrico Gatti. Además de una selección de piezas de Corelli, interpretarán obras de Bononcini, Degli Antoni y Cazzati. El 8 de noviembre, también en el Antiqvarium, el flautista Wilbert Hazelzet ofrecerá un concierto de flauta sola titulado, “Relatos sin palabras: la flauta retórica”, integrado por partituras de Couperin, Telemann, Quantz y Bach.

Gracias al proyecto de recuperación del patrimonio musical Atalaya, que financian las universidades andaluzas, el 2 de diciembre, en la Iglesia de la Anunciación,  el violinista Enrico Onofri y el tenor sevillano Juan Sancho se unirán a la OBS en un programa que reúne obras de J. Balius y Vila, J. Barrera, E. Redondo, D. Arquimbau y Haydn.

Como viene siendo tradicional, la OBS ofrecerá (también en la Anunciación) un concierto universitario para celebrar la festividad de Santo Tomás (28 de enero). Para ocasión tan especial, se han elegido piezas de Haendel y Telemann. Participan como solistas el flautista Guillermo Peñalver y Jorge Rentería y Rafel Mira (trompas). “El padrino” es el título del programa que ofrecerá el 26 de febrero, en el Centro Cultural Cajasol, integrado por obras de C.Ph.E. Bach y Telemann.

Los dos siguientes conciertos están incluidos en la oferta del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS). El 23 de marzo, a las órdenes de Manfredo Kraemer, interpretará los Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach. El 8 de abril, otra velada de lujo, esta vez con Pablo Valetti como director y solista, y la soprano María Espada, con el programa “In furore!”, dedicado a Vivaldi, Pergolesi, Iribarren y Locatelli.

El virtuosismo italiano es el eje temático del concierto del 19 de mayo, un monográfico Vivaldi con el excelente violinista Giuliano Carmignola. La clausura de la temporada, el 20 de junio, correrá a cargo de los solistas de la OBS y la Joven Orquesta Barroca de Sevilla, que dirige Valentín Sánchez, con “El Barroco más joven”. En el Centro Cultural Cajasol, interpretarán obras de Purcell, Telemann, Vivaldi y Corelli.

El programa didáctico es otra de las bazas de la temporada. El curso de apreciación musical y contextualización de la música, que dirige el profesor José Mendoza, analizará diversos temas vinculados a cada programa en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (Cicus). Francisco Callejo se encargará tanto de la primera conferencia, previa al homenaje a Corelli, tanto como de la clausura.

La Asociación de Amigos de la OBS también ha programado un estimulante ciclo en el que la Joven Orquesta Barroca de Sevilla, solistas de la Orquesta Barroca del CSMS y dos miembros de la OBS ilustrarán las lecciones que, sobre la sonata, la suite, el concierto y las formas libres, impartirán diversos conferenciantes.

Tras las numerosas y excelentes críticas discográficas del CD "Espacios sonoros en la Catedral de Jaén", la Orquesta barroca de Sevilla editará próximamente dos nuevas grabaciones, dedicadas a G.Brunetti y A. Ripa.

La OBS cuenta con el apoyo del Ayuntamiento y la Universidad de Sevilla; la Junta de Andalucía, la Fundación Cajasol, la Fundación José Manuel Lara, la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca (que en tan solo una semana ha vendido más de 200 abonos), Viajes Foster, el Diario de Sevilla, el Correo de Andalucía, Radio Nacional de España, el Canal Sur, la Cadena Ser y Tele Sevilla.

Las entradas para los conciertos y los abonos de temporada ya están a la venta en las taquillas del Teatro Lope de Vega (de 11 a 14 y de 17:30 a 20:30h. Lunes cerrado) y a través de Internet en www.orquestabarrocadesevilla.com
 www.generaltickets.com/sevilla

Una orquesta con proyección

El éxito cosechado por la OBS con su Temporada de Conciertos en Sevilla le permite llevar su programación a escenarios nacionales e internacionales. En 2014, la Orquesta estará presente en Bilbao, Madrid, Kufstein y Erfurt, entre otros lugares.

Por: Elena Trujillo Hervás.

Foto: Los integrantes de la Orquesta Barroca de Sevilla
Acred. NURIA GONZÁLEZ

Carles & Sofia

Carles & Sofia

Publicado: Noviembre 2013
Pasión a cuatro manos

Carles Lama y Sofia Cabruja forman uno de los dúos de piano a cuatro manos más destacados del ámbito internacional. Con una carrera imparable, que comenzó hace ya más de 25 años, los catalanes han pasado por las principales salas de Europa y América, haciendo gala de un estilo inconfundible, marcado por la excelencia, la brillantez y un savoir faire inconfundible. Poco habituales del circuito español, este mes los podremos escuchar en Madrid, en lo que será uno de los principales eventos musicales de la capital. No se lo pierdan. 

En 2012 celebrasteis 25 años de carrera conjunta. Después de tanto tiempo, ¿todavía os aportáis cosas el uno al otro?

C. Por supuesto. Siempre hay cosas nuevas que aportar y siempre las habrá. Pese a llevar más de 25 años como pareja artística (y más de 20 años como pareja fuera de los escenarios) y haber llegado a una comprensión mutua importante, tenemos personalidades distintas. Hemos crecido juntos musical, artística y personalmente, pero al mismo tiempo hemos madurado también de forma individual y tenemos algunos intereses e inquietudes distintos, por lo que cada uno puede aportar más valor al dúo.

S. Es cierto. Aunque parezca imposible, después de tanto tiempo todavía tenemos curiosidad por descubrir nuevos repertorios, nuevas interpretaciones, por arrancar nuevos proyectos y aún, de vez en cuando, nos sorprendemos el uno del otro. Considero que hemos aprendido mucho juntos, pero siempre se puede mejorar. ¡Eso es lo que hace el camino más interesante!

Casi toda vuestra actividad como concertistas se centra en el extranjero. ¿Por qué os vemos tan poco en España?

C. Ha sido fruto de las circunstancias y, muy probablemente, herencia de nuestra época de formación. Estuvimos viviendo y estudiando en París y también en Estados Unidos, en la Universidad de Hartford. Además, durante el verano, viajábamos por Europa para continuar formándonos, lo que nos abrió muchas puertas y nos hizo establecer los contactos necesarios para poder desarrollar nuestra actividad más fuera de España. No obstante, pese a que todos los conciertos son importantes, cuando tenemos la oportunidad de tocar en nuestro país, la alegría y las ganas se multiplican.

Precisamente, este mes estaréis en la Fundación Juan March de Madrid interpretando una adaptación a cuatro manos de las Sinfonías Tercera y Cuarta de Beethoven. ¿Cómo se trasladan dos obras tan complejas sinfónicamente a vuestro formato?

S. La verdad es que las Sinfonías de Beethoven resultan muy acertadas para piano a cuatro manos. Las transcripciones de obras sinfónicas para dúo de pianistas era una tradición muy común en la época clásica y, de hecho, representan el nacimiento de este tipo de repertorio. Muy a menudo, los mismos compositores transcribían sus propias obras orquestales para piano a cuatro manos, pues resultaba más fácil tener a disposición dos pianistas que toda una orquesta. Al mismo tiempo, permitía escuchar este tipo de obras en salas de menor formato.

C. En este caso, nosotros tocaremos la Tercera transcrita por Louis Ferdinand Schubert (el hermano de Franz) y la Cuarta en una adaptación de Moszkowitz. Pese a que tienen sus complejidades (sobre todo en cuanto a sonoridad, timbres, colores, etc.), son también un gran aliciente para los pianistas, ya que tienes a toda la orquesta bajo tus dedos.

Por otro lado, recurrís a menudo al repertorio español. De hecho, vuestro próximo disco, que sale en diciembre, se centra en Falla y Albéniz, aunque también habéis incluido obras de Lecuona y Moszkowski. ¿Cómo lográis ser versátiles en repertorios tan dispares?

S. Nos encanta la música española, por supuesto, pero en realidad nos encanta todo tipo de música, de estilos, nacionalidades y periodos. Tenemos lo más importante, la pasión, y no sólo por el repertorio de piano, sino también por el lied, la música sinfónica, el repertorio de cuerda...  

El pasado año fuisteis nombrados Artistas Steinway por la célebre casa fabricante de pianos. ¿Qué significa este reconocimiento para vuestra carrera?

C. Ante todo, es un honor y un placer haber entrado a formar parte de una elite de pianistas de renombre mundial, como Artur Rubinstein, Sergei Rachmaninov, o los españoles Joaquín Achúcarro y Alicia de Larrocha.

S. Sí, además nos encanta tener nuestro nombre asociado a una marca que ha defendido la excelencia por encima de todo. A nivel artístico, especialmente en Estados Unidos, este reconocimiento te abre muchas puertas. Es como tener estampado un sello de calidad.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Próximas actuaciones

Carles & Sofia tocarán en la Fundación Juan March, de Madrid, los días 29 y 30 de noviembre.

www.carlesandsofia.com

 

 

CELLOSHOP.COM

CELLOSHOP.COM

Publicado: Noviembre 2013
La tienda OnLine para Violonchelistas

El pasado 20 de marzo falleció en Heidelberg el gran violonchelista y pedagogo alemán Reimund Korupp, dejando tras de sí una larga lista de proyectos y realidades, forjados a partir de su innata originalidad. Siempre activo en la búsqueda de innovaciones  y mejoras para el mundo del violonchelo, su primer gran éxito en este ámbito llegó en 1996, con la patente mundial de la tarima de sonido (Klangpodium). La mejora en la sonoridad y proyección del sonido del instrumento es tan evidente que es utilizada por los más prestigiosos violonchelistas y las salas y escuelas más importantes del mundo, entre ellos Mstislav Rostropovich, Julius Berger, Thomas Demenga, Michael Flaksman, Sol Gabetta, David Geringas, Maria Kliegel, Mischa Maisky, Daniel Müller-Schott, Pieter Wispelwey, Wigmore Hall de Londres, Orpheus Chamber Orchestra de Nueva York, Royal Academy of Music de Londres, Deutsche Grammophon, Hochschule für Musik de Viena, Mannheim, Berna, Lucerna, y un largo etcétera.

Tan original fue el invento como la manera de venderlo. La gran aceptación de la tarima de sonido fue el primer paso para la creación de Celloshop.com, que se convertiría en la plataforma a través de la cual comenzó a comercializarse. En el año 1998, cuando el comercio online estaba muy lejos de generalizarse, Reimund Korupp creó desde Alemania Celloshop.com, la primera tienda online que vendía artículos relacionados exclusivamente con el violonchelo. Tan original y exitoso fue el invento como la manera de venderlo.

Pronto Celloshop.com se convirtió en una tienda de referencia para violonchelistas de los cincos continentes, ya que en ella no solo han encontrado la comodidad y competitividad económica de la compra a través de Internet, sino que además es una amplia fuente de información, siempre a la última, sobre todo tipo de accesorios relacionados con el violonchelo.


De violonchelistas para violonchelistas

Lo primero que llama la atención al entrar en Celloshop.com, es la amplísima gama de artículos que ofrece, cuerdas de todas las marcas, calidades y tipos, picas de longitudes y materiales muy diversos, cordales de la mejor calidad, tiracordales, quitalobos, sordinas, correas, resinas y en definitiva todo lo que un violonchelista puede necesitar para sacar el máximo partido de su instrumento.

Es increíble lo que un instrumento puede mejorar si en él se incorporan accesorios de buena calidad. No se trata solo de tocar con un buen juego de cuerdas y un buen montaje del instrumento, sino de eliminar el efecto sordina que provocan muchos accesorios realizados con materiales muy pesados y obsoletos, que no ayudan en absoluto a la buena transmisión de la vibración. En los últimos años, la incorporación de materiales como el titanio, el tungsteno, o el carbono han ayudado al desarrollo de accesorios de muy altas prestaciones, que ayudan a potenciar las cualidades de cada instrumento. Los responsables de Celloshop.com, son violonchelistas y prueban cada uno de los accesorios que se venden a través de esta web, con lo que conocen cada artículo de primera mano y pueden dar consejo profesional y competente acerca de todos ellos.

Celloshop.com tiene además su propia gama de productos para violonchelistas, entre los que se encuentran la citada tarima de sonido, la pica de carbono, las almohadillas de terciopelo para el pecho y la correa para orquesta, que utilizan habitualmente en instituciones como la Filarmónica de Bremen, la Philharmonia Orchestra de Londres o la Kronberg Academy.

 

Celloshop.com, ahora desde España

Celloshop.comtrasladó recientemente su centro de operaciones a España. Aunque se trata de una tienda online que trabaja a nivel mundial, las ventajas de este traslado para los violonchelistas españoles son evidentes, ya que se pueden servir de los mejores y más novedosos artículos con suma rapidez y en la mayoría de los casos sin pagar extras por gastos de envío.

Celloshop.com se propone dar conocer en España productos que han tenido muy buena acogida en países centroeuropeos y nórdicos, pero que desgraciadamente, hasta hoy, han gozado de muy poca repercusión dentro de nuestras fronteras. Entre los más destacables, la pica Berlín Sound Pin, la correa Memminger, o la extensa gama de productos Bois d’Harmonie. Además, en Celloshop.com podemos encontrar una interesante recopilación de partituras para violonchelo prácticamente inéditas en nuestro país.     

La tienda virtual es recomendable para violonchelistas de todos los niveles, y es visitable en tres idiomas: español, alemán e inglés.  Sin duda la mayor garantía de la calidad, fiabilidad y estabilidad de Celloshop.com son sus ya más de 15 años de existencia en la red y su amplísima cartera de clientes, algunos de ellos tan ilustres como los citados en este artículo.

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Ramón Vargas

Ramón Vargas

Publicado: Octubre 2013
Un tenor del siglo XXI

Señor Vargas, acaba de grabar un disco para el sello Capriccio, "Opera Arias". Cuéntenos algo sobre este disco…

Es un disco que hice a mi gusto, cantando un repertorio que es, hoy en día, el que más estoy interpretando. Desde los comienzos de mi carrera profesional, he grabado diversos discos y puedo decir, con certeza, que este es en el que más me he divertido. ¡No es un disco temático! Es un disco hecho por el puro gusto de cantar. Pero creo que tampoco fue mala idea en poner tres diferentes versiones de los Faustos: Gounod, Boito y Berlioz.

Entre las arias seleccionadas, están algunas de las más hermosas, pero también de las más comprometidas. ¿Cuál ha sido la progresión en su voz? ¿Cómo se definiría?

Canto desde hace un poco más de treinta años. Empecé como tenor lírico-ligero y actualmente canto un repertorio de lírico lleno, un tenor de mayor enjundia, aunque no soy un tenor de fuerza, ni mucho menos dramático. El secreto no es sólo cantar bien, o cantar ciertos repertorios en principio distintos a las cualidades de tu voz, el secretó está en saber reconocer tus límites.

¿Cuáles han sido sus modelos en el canto?

Mis modelos de canto los mando al pasado, como es lógico. Aureliano Pertile, que no era la voz más hermosa del momento, pero sin duda sí fue uno de los más válidos interpretes, hasta de Wagner, curiosamente. También Maria Callas, que no cantaba nunca sólo por cantar, su canto siempre era motivado. Y la voz e instrumento más maravilloso que jamás ha existido, la de Luciano Pavarotti. Digamos que la combinación de ellos tres sería el máximo. Tampoco puedo dejar de nombrar a Plácido Domingo como un modelo imprescindible en un vasto repertorio, del vastísimo que él ha interpretado.

Usted ha sido y es reclamado por los más grandes teatros del mundo, Met, Scala, Ópera de Viena, Royal Opera House… ¿Para cuándo lo veremos en España?

La última vez fue en el Teatro del Liceu de Barcelona como Rodolfo para La Bohème. Hay planes para el otoño, pero me encantaría regresar al Teatro Real de Madrid, en donde he cantado solo una vez. Se trató de Werther.

En los últimos años ha introducido varios personajes a su repertorio, como Hoffmann, Don Carlo o el Lensky de Oneguin, personajes complejos de cantar e interpretar en escena. ¿Para usted es necesario que el personaje tenga un profundo componente teatral  o le basta con que le agrade lo que canta?

Inicié mi carrera como puro vocalista, con la música de Rossini, Donizetti, Bellini y los roles de "tenor de gracia", como Edgardo en Lucia y otros. Mi placer era cantar lo mejor posible, porque todavía era el periodo en el que las voces prevalecían sobre todo, sobre cualquier aspecto musical. Luego fui introduciendo en mi canto una interpretación más evidente, y sobre todo, actualizando mi voz a un repertorio con roles más complejos, como el Don Carlo de Verdi. Eso me lo fue dando mi cambio paulatino de repertorio. Ahora necesito ambas vertientes: teatro y canto. Como debería de ser la siempre en la ópera.

¿Qué opina de los directores de escena y sus, a veces, discutidas escenografías y puestas de de escena?

No me gustan los provocadores. La ópera tiene que mover emociones y pasiones, pero tienen que venir de manera natural a través de la  fuerza misma de la música, el drama y el texto. No forzando todo, en un absurdo exceso teatral. Quién necesita forzar al máximo el aspecto teatral y desvirtuar la esencia de la obra, para tratar de que el público entienda una ópera, no es buen artista. Las obras clásicas modernizadas, con un sólido concepto en el respeto por la música, por los cantantes y por el público, es donde me siento cómodo. Donde no, en el teatro forzado, en el que la música adquiere un rol inferior, un papel secundario.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Poco a poco voy acrecentando mi repertorio, ampliando a nuevos retos y a nuevos papeles. Las obras verdianas, a excepción de las más dramáticas, como pueden serlo Otello, Forza, Aida y Vísperas Sicilianas, me van mejor a mis cualidades vocales. Le puedo anticipar que Ernani viene en puerta el año entrante.

Gracias. Ha sido un placer.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto acred.: Adolfo Butrón

Festival de Granada

Festival de Granada

Publicado: Octubre 2013
Nuevos aires para un veterano

El 62 Festival Internacional de Música y Danza de Granada ofrece un balance positivo tanto en taquilla como en aceptación de público, pese a que los puristas hayan querido ver en esta edición cierta merma en la calidad y, sobre todo, una falta de rumbo en los criterios de programación. La incógnita ha quedado resuelta; Diego Martínez, el nuevo director del Festival, ha presentado sus cartas y ha sabido jugar acertadamente sus bazas para lograr algo muy difícil: conjugar la tradición y la innovación en un festival que se perfila como decano dentro del panorama musical nacional.

Como todo cambio, en su primer avance el nuevo Festival ha tenido grandes aciertos y también algunos defectos que pulir. Por un lado, se ha apostado por los grandes nombres y orquestas para llenar el programa con referentes de primer orden que pudieran ser del agrado de todo el mundo. Además, se ha aprovechado la presencia de grandes figuras del canto, la danza o la interpretación como son Teresa Berganza, Tamara Rojo o David Russell para que impartieran clases magistrales en los Cursos Manuel de Falla, recuperando así el carácter de excelencia que siempre ha perseguido esta convocatoria.  En el lado opuesto, cabría citar algunas carencias en los apartados de producción y programación, tales como la insuficiente información de los folletos de mano o la ligereza de criterio en la elección de ciertos programas.

El Festival de Granada se abrió con la Orquesta Nacional de Francia, bajo la dirección de su titular Daniele Gatti. Una orquesta de esta categoría y un director intuitivo que conoce bien su formación deberían ser garantía suficiente de éxito, y de hecho lo fueron. El concierto inaugural fue de una alta calidad musical y la dirección de Gatti no dejó indiferente a nadie. Sin embargo, como viene ya siendo tradición en el Festival, no fue un concierto de los que hacen historia; quizás habría que buscar la causa precisamente en el programa: una sucesión de obras de Verdi y Wagner que pretendían rendir homenaje a ambos músicos en el bicentenario de su nacimiento. Quizás le faltó coherencia, pues no basta con escoger varias obras de dos autores consagrados; es necesario también saber presentarlas con una semántica propia, sin caer en lo típico o en lo anecdótico.

Mejor aceptación tuvo la Orquesta Nacional de España, dirigida por Vladimir Fedoseyev, pese a que musicalmente no llegó a igualar la calidad de la Nacional francesa. La dirección pesante, y por momentos descompasada, de Fedoseyev convirtió en tediosa su versión de la Guía de orquesta para jóvenes de Britten, y en compleja de escuchar la Consagración de la primavera de Stravinsky, ambas piezas relacionadas con los centenarios del nacimiento del músico inglés y del estreno del celebérrimo ballet. Es una pena que lo mejor del programa fuera, precisamente, la obra “de relleno”: el Concierto para violín y orquesta de Tchaikovsky, magistralmente interpretado por Arabella Steinbacher, que llenó el escenario con su magnífica interpretación solista.

Los otros dos grandes conciertos sinfónicos fueron todo un éxito, con un lleno absoluto y una aceptación unánime de su magnificencia por parte del público. La Orquesta Ciudad de Granada demostró no desmerecer en absoluto a otras orquestas más reputadas a nivel europeo, con una genial interpretación del Requiem de Mozart. Acompañado en la parte coral y solista por The Sixteen, y dirigidos por el propio Harry Christophers, la OCG sonó como nunca, llenando cada rincón del Palacio de Carlos V, con armonías sutilmente moduladas y puestas al servicio de coro y solistas.

Igualmente sorprendente y emotivo fue el concierto de clausura, a cargo de la Orquesta Filarmónica de la Scala de Milán, bajo la pulcra y precisa dirección de Christoph Eschenbach. En este caso el acierto en programación y la calidad del concierto estuvieron igualados. La primera parte se ocupó con el Concierto para violín de Beethoven, que contó como solista con un joven y sobradamente preparado Michael Barenboim, quien desbordó virtuosismo y efectismo en su personal lectura de la obra. La orquesta, rotunda y exacta en cada intervención, ofreció el necesario fondo sonoro a la parte solista; las cadencias fueron escritas por el propio Barenboim, en un estilo protorromántico exorbitante y muy en conjunción con la interpretación de la obra. En la segunda parte Eschenbach tuvo por fin oportunidad de demostrar cuán buen instrumento tenía entre sus manos, con una sublime interpretación de la Sinfonía n. 4 de Tchaikovsky que, tras 45 minutos de emoción contenida, levantó en una unánime y prolongada ovación al público asistente.

El apartado escénico resulta más homogéneo en su valoración. Por un lado, pudimos asistir, por fin en Granada, al magnífico espectáculo de títeres que la Compañía Etcétera, dirigida por Enrique Lanz, ha creado sobre la partitura del Retablo de Maese Pedro de Falla. Fiel al carácter de la obra, ante los ojos del espectador se despliega un magnífico retablo para narrar la historia de Melisendra y Don Gaiferos, alrededor del cual cobran vida colosales personajes sacados del Quijote. La OCG puso la música muy acertadamente, con la colaboración destacada de Diego Ares al clave y Laura Sabatel como Trujamán.

El otro gran reclamo del Festival ha sido el montaje semiescénico de Orfeo y Eurídice de Gluck por la Fura dels Baus. La sencillez de un escenario en plano oblicuo, transformado por medio de juegos de luces y volúmenes hacen de este montaje una opción original y fresca, idónea para las limitaciones escénicas del Palacio de Carlos V, aunque por momentos monótona en lo visual. Musicalmente la interpretación no tuvo tacha, siendo espléndido el trabajo de las tres cantantes Ana Ibarra, Maite Alberola y Marta Ubieta, y del Coro Intermezzo y la Orquesta Sinfónica BandArt.

Por: Gonzalo Roldán Herencia

Foto: La Orquesta Ciudad de Granada, a las órdenes de Harry Christophers, sonó como nunca.
Acred.: C.Choin.

XXVII Festival Internacional Andrés Segovia

XXVII Festival Internacional Andrés Segovia

Publicado: Octubre 2013
Un emotivo homenaje a la guitarra

Del 29 de septiembre al 25 de octubre se celebra en Madrid el XXVII Festival Internacional Andrés Segovia, un interesante programa de siete conciertos que tienen a la guitarra como principal protagonista. Veintiséis años después de la muerte de Andrés Segovia, este festival sigue acercando al gran público este instrumento tan arraigado a nuestra cultura, con obras de nueva creación o rescatando piezas del repertorio que habían caído en el olvido, en las versiones de artistas de primera fila.  Su fundador, el guitarrista Pablo de la Cruz, nos da algunas de las claves de la presente edición.

El Festival Internacional Andrés Segovia llega a su XXVII edición, un largo recorrido que no ha sido fácil y menos en los tiempos que vivimos. ¿Cuál es en su opinión el balance de todos estos años de trabajo?

Hemos conseguido crear un sello personal que otros imitan; ahora hay miles de festivales en todo el mundo y seguimos señalando el camino del acercamiento de la guitarra al mundo de los músicos y la dirección de un  nuevo repertorio después de los Segovia, Yepes, Bream, Williams y Sáinz de la Maza. Hay muchos músicos que quieren formar parte de la orquesta Nova Camera y otros muchos que quieren tocar junto a mí en el proyecto de estrenos; y, sobre todo, un interés creciente de los compositores no guitarristas en colaborar en ese proyecto.

Desde que el Festival se puso en marcha, el concepto de fusión y mestizaje ha sido una de las claves de su éxito. Este año incluso se va a analizar la influencia del rock en la música clásica, con un concierto y una conferencia.

El inmovilismo para cualquier artista no es bueno y menos para un       instrumento tan singular como este; hay que tender una mano a la tradición y a los orígenes folklóricos y tener otra asomada al mundo para la subsistencia de este instrumento tan especial. Esto ha sido fundamental; claro, no todo vale, para eso creamos la serie “Ecos del Mediterráneo”, el “Alumno Graduado con Honores” y el “Artista Invitado”.

Haciendo un repaso a la programación, el Festival rendirá homenaje a Ernesto Lecuona en el 50º aniversario de su muerte y a Juan Ramón Jiménez.

Muchas veces la estética de la poesía y de los sones y habaneras está más cerca de nosotros de lo que pensamos. Podremos observar, asistiendo a estos conciertos, que la guitarra y sus “dos pequeñas voces”, junto a sus rasgueados, formaron parte del desarrollo de la música y el mundo sonoro del pasado. La nueva Trova Lírica, creada y dirigida por Flores Chaviano, es buena prueba de ello, y el dúo David González y Mercedes Castro nos llevan a una cuarta pared lejos de la música, donde la voz completa una realidad costumbrista.

Ara Malikian y Juan Francisco Padilla actúan en el apartado “Artista especial invitado”. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Pensé que, de vez en cuando, es muy importante dar una pincelada al mundo de la guitarra y abrirse a otras músicas. Es mejor atraer a los músicos que pedirles que te acojan; así nació la idea del artista invitado, un músico no guitarrista. Tener a Malikian, junto a un guitarrista como Juan Francisco Padilla, es una de las mejores expectativas de éxito.

También se prestará una atención muy especial a la guitarra latina y americana.

Tres jóvenes talentos, Luis Malca Perú que enseña la evolución de la música popular en Latinoamérica a través de la emigración de las formas musicales occidentales; Isabel Gil Vera, que nos paseará por el mundo sonoro de la guitarra “a la española”, y Daniel Olmos, que dará una visión del repertorio latino del siglo XX, son la mejor representación de la escuela moderna de guitarra, que sigue cabalgando a lomos del ritmo al servicio de la intuición melódica.

El Festival se clausura con un concierto muy especial de la Nova Camera Orquesta. ¿En qué va a consistir?

Como siempre, un estreno de la serie Ecos del Mediterráneo de José Buenagu, un concierto para flauta de pico de Vivaldi, interpretado por Juan Rodríguez que, junto a Isabel Gil Vera, estrena la obra de Buenagu, y una sinfonía de Boccherini, desconocida, la n. 30 G523 para dos oboes, fagot, dos trompas, cuerda y guitarra “obligata”. Una joya escrita en forma cámara, con pocos músicos, en el más puro estilo vivaldiano con principales y ripienos. Se trata de una de las 70 obras que envió Boccherini hacia 1786 al Rey Federico II de Prusia y una de las 14 piezas, sin exclusividad, dedicadas al Marqués de Benavent.  Tocaremos con las partes originales escritas a mano que existen en la Biblioteca Nacional de Francia, con la inestimable ayuda de la Biblioteca Nacional. En las notas del programa cuento cómo llegó a París dicho manuscrito.

¿Qué tienen que hacer los aficionados para no perderse esta interesante edición del Festival?

Comprar la revista RITMO para estar bien informado y adquirir sus entradas en Conde Duque o directamente en la Sacristía de los Caballeros de Santiago en el Monasterio de Comendadoras; y para la clausura, solicitar una invitación en festivalandressegovia@gmail.com incluyendo su dirección postal. Patrimonio Nacional nos da esa cobertura.

Más información: www.festivalandressegovia.com

E.T.H.

Foto: El guitarrista Pablo de la Cruz.

María Antón, gerente del Consorcio de Santiago de Compostela

María Antón, gerente del Consorcio de Santiago de Compostela

Publicado: Octubre 2013
“Mantener las actividades que forman parte de la ciudad es nuestro objetivo”

La Real Filharmonía de Galicia y la Escuela de Altos Estudios Musicales resumen un proyecto único auspiciado por el Consorcio de la ciudad de Santiago de Compostela, que nació a principios de los años noventa como órgano ejecutivo del Real Patronato de Santiago, creado en 1964 para conmemorar el Año Santo de 1965 y los sucesivos, con sus fases de luces y sombras. Con la creación de este organismo se pretendió dar una continuidad y estabilidad a la participación de las administraciones consorciadas en el desarrollo de Santiago de Compostela. Por él pasaron Ángel Ligero, Homero Pérez Quintana y J. Manuel Villanueva, llegando a la que desde mayo de 2012 y hasta el día de hoy desempeña el puesto de gerente, María Antón.  Ello no supone una alteración sustancial en las políticas desarrolladas porque el concepto global está muy definido y en el que las diferencias ostensibles vienen marcadas por los perfiles propios de cada responsable. Los fines y objetivos del Consorcio vienen definidos en sus estatutos, que han permanecido inalterables en su esencia. Cada gerente ha pasado por momentos muy distintos en cuanto a lo que se entiende por recursos. Cualquier gestor anterior a los momentos de crisis dispuso de mejores expectativas. Esta conversación con María Antón, distendida y cordial, nos permitió valorar el estado actual de ciertas actividades, entre las tantas que asume el Consorcio, pero centrándonos exclusivamente en lo que interesa a una publicación como RITMO.  

Es obligado que esta entrevista se centre en la música y sus relaciones con otras instituciones, tanto docentes como las que se dedican a programar actividades. Comenzaremos pues por la Real Filharmonía de Galicia.

A comienzos del 2000 se confía la gestión de la Real Filharmonía de Galicia y Escuela de Altos Estudios Musicales (porque desde el Consorcio se habla de un proyecto único que nace en el seno de la Xunta de Galicia, para Galicia, con sede en Santiago), al Consorcio participado por la Administración Central, la Comunidad Autónoma y el Gobierno Municipal. También entra la coordinación de la parte artística, confiada al director titular de la orquesta, Paul Daniel, además de Maximino Zumalave, Oriol Roch y los apoyos que podamos dar los que estamos alrededor.

Luego, ¿quién decide en la programación es el director titular de la orquesta?

Es una de sus funciones y una de sus obligaciones: el tener una temporada equilibrada, atendiendo a los intereses de los distintos públicos, buscando captar nuevos aficionados.

Estamos con la Escuela de Altos Estudios Musicales y su idea como proyecto.

Siempre estuvo vinculada a la orquesta, pero no es hasta 2011 en que recae esa responsabilidad en el Consorcio. Anteriormente había una aportación del Consorcio a la Escuela, pero no se implicaba en su gestión. Nuestra confianza en la EAEM es total, con una clara ambición de futuro porque entendemos que todavía tiene campo de expansión por superar. La integración entre la orquesta y la EAEM todavía tiene que llegar, ser más estrecha y productiva. Por eso, la participación de los músicos con los alumnos es primordial en esta tarea y, al mismo tiempo, un lujo que deben saber valorar y aprovechar al máximo.

Los propios músicos, precisamente, están haciendo sus cursos y sus ciclos.

Sí, porque eso les permite avanzar en otras experiencias y si desde el Consorcio se encuentran algunas otras opciones interesantes para la ciudad, fuera de lo que es nuestro ámbito, también intentamos ayudarles. Tenemos el caso reciente del curso  “A MI LA DO” o “Peregrinos Musicales”, en los que se implicaron miembros de la Real Filharmonía, pero también el propio Consorcio. Se trata de conseguir una coordinación eficaz en las programaciones, en general. Todos los trabajos tienen distintos sesgos: el de la orquesta, que es continuado; los festivales tienen otro matiz, con un claro reclamo al público foráneo… Se trata de que cada cosa, que tiene su razón de ser, sea coherente con la anterior para mantener un hilo conductor.

Saliendo al paso nos encontramos, por ejemplo, con el Festival de Músicas Contemplativas.

Se trata de mantener algo que es muy bueno para la ciudad por el espíritu con el que nace y el momento en el que se hace: la Semana Santa. Es verdad que tuvo tiempos mejores porque las posibilidades económicas eran más boyantes. Así que, se trata de no perderlo por varios motivos: en primer lugar, porque la marca estaba ya consolidada; y, en segundo lugar, por los envidiables enclaves que constituyen el importantísimo patrimonio histórico-artístico de una ciudad Patrimonio de la Humanidad como Santiago de Compostela.

También, por su parecido, el que había sido el Compostela Organum Festival.

Sería una iniciativa a recuperar en una situación de coyuntura económica más favorable, por ese gran trabajo llevado a cabo con la restauración de instrumentos. Aún así, en la medida de nuestras posibilidades, intentamos mantener la música de órgano. De hecho, no hace mucho, colaboramos con el Conservatorio Profesional en un ciclo que organizaron y estamos ya hablando con ellos para otras iniciativas sobre este tema.

En cuanto a publicaciones de libros que se encuadren en este espacio de la música.

Estamos trabajando en un libro sobre los hermanos Courtier y con Carlos Villanueva en un proyecto que está desarrollando. Beatriz Cancela Montes, que se dedica a esa investigación sobre los Courtier, ya había realizado investigaciones sobre la obra de Tafall. Un capítulo abierto para un futuro inmediato es la divulgación de todo lo que es el patrimonio de la ciudad. Siempre hay una vinculación a lo que es la investigación relacionada con Santiago: arquitectura, patrimonio histórico, intentando abarcar y difundir todo lo que representa y ha representado esta ciudad en el sentido más amplio. Realmente no me quejo, ya que es una suerte que el Consorcio pueda tener un capítulo de publicaciones como el que hemos venido manteniendo, pues la media son unos diez libros al año.

¿Con cuántos entes compostelanos tenéis relación?

Tenemos relación con el Ateneo, con Amigos de la Ópera, con la Fundación NovaCaixaGalicia, la Fundación Catedral, la Fundación Granell… así como con otros de representación cívica que van desde la Cámara de Comercio a la Hostelería, la Ciudad de la Cultura, Incolsa; sobre todo tenemos deseos de seguir en esa línea. Se trata de desarrollar actividades en conjunto, sin que presuma concesión de subvenciones en vacío. Evitar protagonismos que desvirtúen la esencia de las propuestas. ¿Por qué no todo el mundo vinculado con la música está comprometido con Música en Compostela, por poner un ejemplo concreto?

¿Cuál es la relación del Consorcio con Música en Compostela?

Los cincuenta y seis años de continuidad de este curso internacional le otorgan un prestigio especial, de ahí nuestra voluntad de participación con sus actuales responsables, como Agustín León Ara, Enrique Jiménez, la secretaria Elena Candanedo, además del profesorado, entre los que podemos destacar a López Calo, Maximino Zumalave o García Abril. Nos queda la memoria de la figura de Antonio Iglesias como director, que llevaba el curso con un control absoluto. Por nuestra parte, seguiremos ayudando en todo lo posible para mantener y mejorar el nivel de uno de los cursos más prestigiados de toda Europa por la historia que les avala desde los años fundacionales de Conchita Badía, Andrés Segovia, Higinio Anglés, Mompou o Alicia de Larrocha.

¿Llegó a tener trato con Antonio Iglesias o alguna impresión directa?

No, no tuve ocasión de tratarle; pero sé, por lo que me comentaron sobre su persona, que era de un talante muy suyo. Sin duda me hubiese gustado conocerle porque me parece que fue alguien realmente interesante. Sé que sabía ganarse un respeto temerario.

Hace años gozamos de un drama litúrgico del siglo XII que se celebró en la Catedral y que, por anómalas circunstancias, dejó de ofrecerse. No era del Consorcio, pero quizás hubiese la posibilidad de recuperarlo.

Esta ciudad, que goza de un maravilloso dinamismo cultural, ha sido testigo de muchas y muy buenas programaciones musicales en sus más variadas vertientes. Destacar, mantener y continuar aquellas iniciativas singulares, atractivas, que ya son parte de la ciudad, es uno de nuestros objetivos. En el caso concreto del drama litúrgico no tengo conocimiento, pero siempre se puede valorar.

Por: Ramón García Balado
Foto: María Antón, gerente del Consorcio de Santiago de Compostela.

 

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