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Mortales que amáis

Mortales que amáis

Publicado: Abril 2014
Amystis pone voz a Cabanilles

Amystis presenta su primer trabajo discográfico con la integral de la obra vocal de Juan Bautista Cabanilles, de la que puede leerse la crítica en nuestra sección de discos (página 66). Hemos hablado con José Duce Chenoll, su director, para que nos presente este nuevo grupo vocal que ha emergido con fuerza en el panorama de la música antigua española.

¿Qué es Amystis y cómo surgió la idea de este proyecto?

La idea de formar un grupo estable que recuperara y difundiera la música que permanecía olvidada en los archivos siempre me había rondado la mente, pero fue cuando, a partir de tener contacto con el repertorio que se interpretaba en la Catedral de Valencia, me convencí de que esa música tan increíble tenía que salir de sus muros. De este modo, y con el gran esfuerzo de catorce cantantes profesionales, nació el Coro de Cámara Amystis.

Parece que desde su génesis Amystis se ha especializado en el barroco valenciano, ¿es una pauta de trabajo establecida siguiendo la estela de otros grupos de esa región?

Es bien cierto que la mayoría de nuestros proyectos se han centrado en la música valenciana del siglo XVII, pero no es esto una limitación, sino un punto de partida para abordar otros repertorios, sobretodo de la música antigua española. Hay varios motivos para ello como son, por una parte, el difundir nuestro patrimonio y, por otra, la proximidad de los archivos, lo que me facilita el acceso a las fuentes. Amystis es un grupo con una personalidad propia y no olvidemos que es una formación vocal y no un grupo  instrumental que esporádicamente cuenta con cantantes. Esta característica nos permite abordar música policoral que habitualmente es más costosa de afrontar.

Os presentáis con una novedad editorial centrada en la obra vocal de Cabanilles ¿Por qué Cabanilles?

Principalmente por la relevancia del compositor y porque me pareció muy interesante que una figura tan importante a nivel organístico tuviera un corpus de obras vocales tan poco conocidas y al tiempo tan peculiares. Gracias al trabajo de tesis doctoral que estoy realizando al respecto, observé que se habían hecho algunos trabajos esporádicos pero que nunca se había realizado un monográfico completo.

Mortales que amáis se presenta en un doble CD con un total de diez obras, incluyendo una grabación inédita ¿Qué más novedades aporta este trabajo?

Hay que destacar que Amystis ha utilizado una edición crítica nueva con una transcripción hecha por mí y supervisada por Luis Antonio González Marín, al que le estoy muy agradecido por su constante apoyo y ayuda. Este hecho ya provoca una diferencia sustancial con lo poco que ya existía en el mercado, por otro lado, está  la inclusión del Magnificat a 12 cuya fuente se conserva incompleta, lo que dificultaba una interpretación coherente. Para ello decidí sustituir los versos desaparecidos por un canto llano en el mismo tono.

Siendo Cabanilles organista ¿qué sentido tienen estas obras en su producción?

Esa es una buena pregunta a la que espero poder dar respuesta al finalizar mi investigación. Es cierto que de 1675 a 1677 la catedral de Valencia se quedó sin maestro de capilla, pero aún no he encontrado evidencias que demuestren que Cabanilles fuera maestro interino. Lo que si podemos destacar es que algunas de estas obras se encuentran en papel borrador y no hay papeles sueltos, lo que podría significar que nunca se interpretaron en vida del compositor.

Debutar con un doble disco parece una tarea ardua para cualquiera ¿cómo ha sido el proceso de grabación y con qué problemas se ha encontrado?

Lo más costoso ha sido el proceso de transcripción por el estado y localización de las fuentes, aunque no menos costoso ha sido grabar obras a tantas voces con un contrapunto tan elaborado, lo que ha supuesto movilizar a muchos cantantes e instrumentistas. Una vez más quiero resaltar la profesionalidad de todos los integrantes del proyecto.

¿Qué destacarías de esta música que no podamos encontrar en la producción para tecla de Cabanilles y que la hace tan bella y especial?

En primer lugar es el uso de la retórica musical, ya que al ser música vocal el compositor se supedita al texto, y como logra una expresión de los afectos tan perfecta, con un lenguaje a veces muy diáfano, otras muy complejo, encarnando todo el espíritu de la música española de la época.

¿Nuevos proyectos a la vista?

Estoy elaborando nuevos trabajos, pero por el momento quiero centrarme en disfrutar de nuestra primera aportación y darla a conocer como se merece para que todos puedan descubrir “la voz de Cabanilles”.

www.amystis.com

G.P.C.

Crédito Foto: Paco Ortí

Festival de Música Barroca de Valletta (Malta)

Festival de Música Barroca de Valletta (Malta)

Publicado: Marzo 2014
Una excelente opción de turismo musical
En uno de los grandes centros históricos del cruce de culturas, como es la isla de Malta, se celebró, del 10 al 26 de enero, su segundo Festival de Música Barroca de Valletta (capital de Malta). En el año 2013, su primera edición obtuvo un gran éxito, lo que ha motivado a sus organizadores y a las autoridades maltesas para dar solución de continuidad al festival.

Malta es una pequeña isla, en el sur de Italia, muy cerca de Sicilia, por la que han discurrido múltiples culturas orientales y occidentales. La presencia italiana y española rezuma por sus maravillosos y bien conservados monumentos históricos, así como por su inmensa colección de obras de arte. El barroco es una constante en su espíritu, palacios e iglesias, por lo que no es de extrañar que, cuando sus autoridades pensaron en realizar un festival musical, fuese la música barroca el centro del mismo.

Su situación, como parte del Imperio Británico (1814-1964), ha dejado una profunda huella en la sociedad maltesa, en sus usos y costumbres y, lógicamente, en sus formas de presentar el arte. El Festival de Música Barroca de Valletta, que toma el nombre de la capital maltesa, no es ajeno a esta influencia inglesa.

Los idiomas de la isla son el inglés y el maltés. El nuevo visitante piensa que en la isla solamente se habla inglés, pero nada más lejos de la realidad, pues el maltés impera en lo más profundo de la sociedad isleña y convive, en una relación de buena vecindad, con la toda poderosa lengua de Shakespeare. Lógicamente, el desarrollo del Festival de Música de Valletta se realiza en inglés.

El festival ha transcurrido en diferentes edificios emblemáticos de la capital maltesa, cuya arquitectura, como hemos dicho, refuerza su esencia, trasladando a todos sus asistentes a la época del Barroco, en la que nació la ciudad de Valletta, en 1565. El Teatro Manoel acogió el grueso de la programación, si bien, algunos conciertos se celebraron en otros bellos edificios históricos, como la Concatedral de San Juan, la Iglesia de Santa Catalina de Italia y el Palacio Presidencial, entre otros.

En el Festival 2014 se ofrecieron tres obras emblemáticas del repertorio religioso: El Mesías de Haendel, a cargo de los ensembles Anon y Goldberg, a las órdenes de Michael Laus; Las vísperas de Monteverdi, en la versión del Valletta Baroque Festival Ensemble, y la Misa en si menor de J.S. Bach, interpretada por The English Concert, con Harry Bicket a la batuta.

El festival rindió homenaje a uno de los más importantes compositores franceses y teóricos de la música barroca, Jean-Philippe Rameau, del que se cumple el 250 aniversario de su muerte este año. Por ello, se programaron algunas de sus más destacadas obras. El éxito obtenido por la ópera trágica de Rameau Hipólito y Aricia provocó la creación de una parodia, denominada La Belle-Mère Amoureuse, escrita por Favart en 1742. A día de hoy, esta parodia de la obra de Rameau se ha transformado en una magnífica obra de teatro musical con marionetas y cantantes del prestigioso Centre de Musique Baroque de Versailles, que se estrenó los días 11 y 12 de enero. En esta edición se presentó el Valletta Baroque Festival Ensemble, que representa una importante nueva agrupación musical de Malta.

Además, en el cartel de 2014 han estado presentes artistas y agrupaciones de la talla de Michael Laus y la Malta Philharmonic Orchestra; Carolyn Sampson y la Freiburger Barockorchester; Classica Pizzicata; Concilium Musicum Wien, la Kölner Akademie, Gillian Zammit y la Camerana Galatea; Max Emmanuel Cencic, Camilla Poul y les Cyclopes, etc.

Ya nos han confirmado que en 2015 vuelve el Festival de Música Barroca de Valletta. Para todos aquellos aficionados, amantes de la música barroca y del turismo musical, la isla de Malta ofrece una magnífica oportunidad de tomarse unos días de asueto cultural, en un mes de enero sin demasiada competencia de actividades, tras las fiestas de Navidad.

Ritmo ha estado presente en la edición 2014 y podemos afirmar, sin lugar a dudas, que ha sido una experiencia maravillosa que nos ha permitido disfrutar de la excelente música barroca, en un entorno repleto de cultura, arte y bellos paisajes, en la mejor tradición histórica de Malta. Este festival quizá sea un buen exponente del mejor turismo musical, en una isla fuera de los circuitos habituales.

www.visitmalta.com

Por: Fernando Rodríguez

FOTO: Vista del coqueto Teatro Manoel en la Valleta.

Susana Cordón

Susana Cordón

Publicado: Marzo 2014
Versatilidad e instinto

Susana Cordón forma parte de una generación de cantantes altamente cualificados y con reconocido prestigio internacional, como demuestran sus numerosos premios y su acreditada trayectoria artística. La versatilidad de su voz, capaz de adaptarse a los más variados géneros y estilos, así como su instinto y sólida personalidad interpretativa, son algunas de las claves de su éxito. A continuación, la soprano alicantina nos pone al día de sus comienzos, sus ilusiones  y de sus próximos proyectos.

¿Cómo fueron sus inicios musicales y, más concretamente, en el canto?

Todo comenzó cuando empecé a cantar en grupos de música, animada por mi madre cuando era jovencita. Por aquel entonces no tenía ningún conocimiento musical, sólo la facilidad para cantar e interpretar cualquier estilo musical con escucharlo un par de veces. Solía trabajar en verano, actividad que combinaba con mis estudios de segundo ciclo. El dinero que ganaba me sirvió posteriormente para pagarme mi primer profesor de canto en Alicante, el barítono Guillermo Palomar, persona clave en mi carrera, que despertó en mí un amor por el canto y la música clásica que, sin duda, cambió mi vida. Después decidí estudiar, en un año y de golpe, cuatro cursos de solfeo que me sirvieron seguidamente para presentarme al Conservatorio de Alicante, donde obtuve el grado medio. A los pocos meses ya estaba presentándome a las pruebas de acceso de la Escuela Superior de Canto de Madrid, aconsejada por la gran soprano alicantina Ana María Sánchez y por la que entonces era su maestra de canto, y más tarde la mía, Isabel Penagos.

Tras su periodo de formación en la Escuela Superior de Canto, tuvo la oportunidad de hacer cursos de perfeccionamiento con Victoria de los Ángeles, Montserrat Caballé, Dolora Zajick… ¿Qué nuevas expectativas le aportaron tanto desde el punto de vista vocal como dramático?

Recibir clases de estas grandes divas de la ópera fue la reafirmación de que había escogido bien mi camino. Ellas valoraron y confirmaron mi talento como cantante de ópera, apoyándome con un trato más cercano y personal, sobre todo con Dolora Zajick y Montserrat Caballé. Dolora me aportó una visión nueva de la técnica de canto. A ella le entusiasman los pueblos y civilizaciones antiguas y el uso que daban a la voz y las resonancias, un tema que a mí me apasiona también, ya que te aporta un conocimiento general del uso de la voz desde un espectro amplio. También compartió conmigo sus conocimientos sobre la voz de pecho, que es bien sabido por todos que es una de sus cualidades más destacadas, por supuesto, entre otras muchas.

En cuanto a la gran Caballé, sólo tengo palabras de agradecimiento. Las masterclasses que impartió en el 2002 en Andorra, marcaron un antes y un después en mí, tanto personalmente como interpretativamente. Ver a una de las sopranos más grandes de nuestro tiempo llorar cuando terminé de cantar el aria de Liú "Tu che di gel sei cinta", es algo que recordaré mientras viva. Ella me propuso unas clases privadas para compartir su gran conocimiento conmigo, de forma absolutamente desinteresada. Estas experiencias son las que te marcan la vida para siempre.

La versatilidad de su voz le ha permitido abordar un repertorio muy amplio, desde la ópera, la zarzuela, el oratorio, la canción…

Como decía anteriormente, la relación que he tenido con la música ha sido de lo más amplia en cuanto a técnica y estilo musicales porque eso me permite abarcar cualquier repertorio de forma camaleónica e instintiva, solo dejándome llevar. Me gusta variar en estilos, que la música se manifieste en mí a través de sentimientos y colores distintos. ¡Es una maravilla!

Hace unos meses tuvimos oportunidad de disfrutar en el Teatro Real de su divertida Berta de El Barbero de Sevilla, uno de sus papeles talismán, por el que no sólo los críticos, sino también el propio Emilio Sagi, han destacado sus brillantes dotes como actriz. Supongo que para usted resulta un gran logro en su carrera.

 Absolutamente. Soy una persona curiosa y todo lo que tenga que ver con el teatro lírico me entusiasma. En el ámbito interpretativo me pasa lo mismo que a nivel vocal, me gusta tener las herramientas necesarias para interpretar cualquier rol, pudiendo adaptarlo a la técnica interpretativa que el director de escena y / o musical demande. Por ello, este año he empezado a dar clases de teatro con un gran maestro, José Carlos Plaza, con quien he tenido la fortuna de trabajar recientemente en el Teatro de la Zarzuela en los Amores de la Inés, una partitura de Falla que es prácticamente una obra de teatro. Sin la dirección de José Carlos no habría entusiasmado al público como lo hizo. Este ha sido el detonante para indagar y ampliar mis conocimientos teatrales; era algo que tenía pendiente desde hace muchos años.

Con Emilio Sagi ha trabajado en varias ocasiones. ¿Cómo ha sido la experiencia y qué aportaciones artísticas ha tenido para su carrera?

Para mi Emilio es el más grande director de escena del teatro lírico actual. Sabe presentar en una comunión sin igual y de una forma magistral la parte teatral combinada con la música. Es más que evidente su gran conocimiento del canto y eso me parece una cualidad fundamental para ofrecer al público un espectáculo de gran calidad en una simbiosis perfecta. Soy una gran admiradora de Emilo Sagi.

Usted es una firme defensora de la zarzuela, un género que cultiva muchísimo y en el que ha alcanzado también grandes éxitos. Sus intervenciones en títulos como La Chulapona, La Bruja, La Alsaciana…han marcado un antes y un después en su trayectoria artística.

Por supuesto, soy una gran defensora de nuestro patrimonio musical. Creo que es muy importante no considerar la zarzuela como un género menor y darle la importancia que se merece en nuestro país. A mi modo de ver, la zarzuela, debería estar un poco más mimada en el ámbito cultural y, también, bien representada y defendida a un alto nivel vocal, como lo hicieron, por ejemplo, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Pilar Lorengar, etc.

La música española, especialmente las obras de nueva creación, ocupan un lugar muy importante en su repertorio. De hecho, con motivo del 40º aniversario del Cuarteto Brodsky tuvo oportunidad de colaborar con ellos en el estreno de dos obras de Jorge Grundman: Sobreviviendo al suicidio de un hijo y Los bocetos de Dios, que fueron también grabados. ¿Qué ha significado para usted trabajar con el Brodsky?

Pues ha sido una experiencia muy particular. Nunca había coincidido con un cuarteto con el que me entendiese tan bien desde el minuto uno y con un empaste casi perfecto, creando una sola unidad. Fue espectacular; siempre atentos a la voz y a la expresión. Desde luego ha sido un honor colaborar con ellos, no solamente con Los bocetos de Dios, sino también con la última obra de Jorge Grundman, el oratorio The Resurection of Christ, que ha producido Chandos y que dentro de nada saldrá a la venta en el Reino Unido. También el honor es por partida doble porque no sólo es grabar dos CDs con ellos y haber disfrutado en su elaboración, sino que es un cuarteto con el que sólo han cantado dos sopranos en el mundo: Anne Sofie Von Otter y servidora... ¿Qué más se puede pedir?

¿Cómo nació su relación artística con Jorge Grundman y cómo definiría su obra?

Conocí a Jorge Grundman a través de Ara Malikian, al que ya conocía porque por aquel entonces Malikian trabajaba como concertino en la Orquesta Sinfónica de Madrid en el Teatro Real, donde coincidimos en varias producciones y tuvimos la ocasión de charlar y felicitarnos por nuestros trabajos en la cantina del teatro. Un tiempo después, Ara Malikian iba a dirigir y a interpretar una pieza que Jorge acababa de componer, Four Seasons y que, por suerte para mí, era una obra para orquesta y soprano. Jorge le preguntó si conocía a una soprano que pudiese interpretar su partitura que, a diferencia de otras, tenía la particularidad de tener bastante texto en inglés. Además, es una pieza de gran dificultad técnica, como todas las composiciones de Jorge, aunque eso ya lo sabrán si conocen su obra. Así que, nada más colgarle el teléfono a Jorge, Ara me llamo para proponerme el trabajo. En un par de ensayos, Jorge y yo ya sabíamos que queríamos el uno del otro… ¡Había una química profesional total! Desde entonces, no me hace falta ni siquiera hablar con él para saber qué quiere reflejar en cada momento, tanto desde el punto de vista vocal como interpretativo. Es increíble que hubiera ese tipo de conexión tan intensa y casi sin conocernos.

En cuanto a la obra de Jorge, yo la entiendo como una expresión pura de sentimiento y sencillez. Creo que quiere simplemente contarnos, a través del texto (que en la mayoría de las ocasiones es escrito por él mismo) y de su música, historias que no nos dejen indiferentes. Quiere moverte con sus colores, entristecerte con sus sombras… Es imposible no rendirse a la emoción, al torbellino de sentimientos que te presenta a través de su trabajo. Para mí, sus partituras son micro óperas. Sí, historias contadas en muy corto espacio de tiempo pero con su comienzo, desarrollo y final, exponiéndolo de tal manera que penetra en tu interior de una forma brutal.

Antes hacía referencia a la grabación de The Resurrection of Christ. ¿Cómo fue la experiencia?

Esta ha sido la obra más larga para cuarteto y soprano que ha escrito Jorge, nada más y nada menos que cincuenta minutos de música y con el texto literal del Evangelio según San Juan ¡en latín! Lo resalto porque la cantidad de texto y la dificultad para encontrar las reglas fonéticas que permiten una pronunciación más fidedigna, fue una tarea mayor. Tengo una anécdota que me ocurrió durante el estudio de esta pieza. Me encontraba en Barcelona en la producción de Les Contes d'Hoffmann del Liceu y muy cerca del teatro encontré una iglesia que me llamó la atención no solo por su belleza arquitectónica, sino también, porque la misa era cantada en su totalidad por una congregación de religiosos que convertían ese instante en un momento mágico. Allí finalmente conocí a una religiosa a la que me atreví a preguntar si sabía latín o me podía ayudar a encontrar alguna información veraz que me pudiese ayudar en el proceso. Ella y un amigo suyo franciscano me ayudaron durante varios días con el texto, así que, desde aquí les mando un gran abrazo y mi más sincero agradecimiento por la ayuda desinteresada que nos ofrecieron. Es una obra preciosa que combina el mundo antiguo con el siglo XXI. No se la pueden perder.

Jorge Grundman está trabajando en la adaptación operística de la novela Cinco horas con Mario de Miguel Delibes, que posiblemente se estrene en 2016, en la que usted interpretará el papel de Carmen Sotillo.

Sí, efectivamente, una obra fascinante de Delibes en la que yo personalmente no sé sí reír, llorar o ambas cosas; una maravilla literaria que hoy en día sigue muy vigente y que afrontaré con muchísima ilusión y con lo mejor de mí misma. Desde luego Carmen es un personaje con el que no me siento muy identificada desde el punto de vista moral e ideológico; pero eso a su vez me encanta, ya que tendré que trabajar duro para plasmar a esa Carmen tan genuina de Delibes.

¿Qué otros proyectos artísticos tiene?

En abril y mayo cantaré en el Gran Teatre del Liceu el papel de Gerhilde de Die Walküre de Wagner. Después, volveré a trabajar en 2015 en el Teatro de la Zarzuela, por el que siento un gran cariño y admiración. Este año comenzaré y compaginaré con mi carrera una etapa nueva como profesora de canto en la Escuela Superior de Madrid. Me apetece muchísimo porque me siento preparada para compartir con los alumnos principalmente mi visión muy personal de la técnica de canto, tema que me apasiona y que es fundamental para hacer una carrera próspera. También ofreceré recitales fuera de España, de los que os iré informando más adelante.

Más Info: https://sites.google.com/site/sopranosusanacordon/

Por: E.T.H.

Cristian Ifrim

Cristian Ifrim

Publicado: Marzo 2014
Catedrático de Violín en el Conservatorio Pablo Sarasate de Navarra

De sólida formación, mirada incisiva y penetrante, voz cálida y gestos precisos, Cristian Ifrim, Catedrático de Violín en el Conservatorio Superior Pablo Sarasate de Pamplona desde el curso 2011-12, nos habla de sus inicios en la música, su trayectoria profesional y sus planes de futuro, entre los que destaca el próximo concierto en el Palau de la Música con obras de Salvador Brotons. Reside en España desde hace treinta años y por supuesto es un gran admirador de nuestros paisajes y de nuestro vino.

¿Qué supone la enseñanza en su vida musical?

La enseñanza supone para mí una faceta en continua evolución, en la que encuentro una plena satisfacción al ver como mis alumnos con tesón y empeño van obteniendo los resultados no sólo que yo espero, si no los que ellos mismos anhelan. Este tipo de instrumentos requieren una disciplina, rigurosidad y dedicación excepcionales y sin duda es muy importante la labor del profesor que ha de acompañar, instruir y exigir al alumno desde el primer día con rigor, dedicación y entrega.

Ocupar una Cátedra de Violín en la ciudad natal de Pablo Sarasate ¿es mucha responsabilidad?

Es un orgullo poder seguir los pasos del gran violinista navarro, me he tomado muy en serio crear una escuela de violín sólida y con continuidad, es mi tercer curso aquí y estoy muy ilusionado.

¿Cómo se compagina ser solista de violín y de viola?

Con mucho amor a estos instrumentos y con mucho esfuerzo. Cuando formé parte del cuarteto Promúsica, como primer violín, con los solistas de la Filarmónica de Bucarest, descubrí la hermosura del sonido de la viola y al llegar a España me dediqué en cuerpo y alma a su estudio. Luego tuve la suerte de conocer y trabajar con un gran artista como es Lluis Claret y de poder compartir con él momentos maravillosos como intérprete de viola. Pienso que el violín y la viola son dos instrumentos que se complementan y se enriquecen uno al otro.

Toca con un violín Pierre Silvestre de 1848 y una viola Giuseppe Guadagnini de 1782 ¿Cómo fue su encuentro con un instrumento de Guadagnini?

Es una gran suerte poder tener en tus manos un instrumento de esta categoría y más aún encontrar al Luthier, Zeljko Haliti, que ha hecho posible que su rendimiento sea el óptimo. Tengo la sensación de que mis instrumentos han sido tocados por la varita de un mago.

Hay maestros que dicen que el vibrato mejora mucho con el vino, ¿qué opina?

¡Ja, ja, ja! No lo dude… Empezando por Szeryng, Rostropovich y otros grandes intérpretes que podrían confirmar este dicho.

¿Cuáles son sus proyectos más inmediatos?

Este 20 de marzo toco en el Palau de la Música Catalana el Concierto para viola y Orquesta de Salvador Brotons y en Julio participio de nuevo en el Curso Internacional Forum Musikae, en Madrid, como profesor de violín, gracias a la invitación de su director el gran cellista Asier Polo. Además actúo con la Orquesta nacional de Cámara de Andorra en el Palau.

Por Paulino Toribio
Foto: Cristian Ifrim, solista de violín y viola.
Acred:  Juan Mari Ulazia


DESTACADO

En calidad de solista, Cristian Ifrim en 1991 realiza una gira de conciertos con la Orquesta Sinfónica de Euskadi por el País Vasco (Bilbao, Vitoria, Pamplona y San Sebastián) con la interpretación del
Concierto para viola y orquesta de Bartók bajo la batuta del director israelí Doron Solomon. Con la Orquesta Sinfónica de Sevilla realiza el estreno de la música para cine de Alberto Iglesias en versión orquestal, en el Teatro de la Maestranza. En 2007, entre otros conciertos, es invitado por la Orquesta Nacional de Lille, bajo la batuta de Dmitri Sitkovetsky; para interpretar las Sinfonías Concertantes de Mozart.

Desde el año 1986 colabora con Alberto Iglesias en la elaboración, interpretación y edición de la música de películas de Pedro Almodóvar y Julio Médem. Destacan títulos como La flor de mi secreto, Lucía y el sexo y Cautiva. Asimismo colabora musicalmente con el Ballet Nacional de España.

"No es fácil para un compositor encontrar en un instrumentista el apoyo creativo que yo siempre he encontrado en Cristian Ifrim. Desde 1986, año de nuestro primer trabajo juntos y gracias a las oportunidades que me daba el poder componer con su asesoramiento e interpretación, mi música ha tenido su centro en la música de cuerda... Creo que su sólida educación musical comprende un gran amor por la música, así como una compleja idea de la belleza, cualidades ambas muy difíciles de encontrar.” Alberto Iglesias, compositor

TESTIMONIOS

"Cristian Ifrim, ha destacado por su musicalidad, facultades técnicas y su muy buena disposición para el trabajo.”
Miguel Ángel Gómez Martínez, director

"Excelente profesional que reúne tanto a nivel técnico como artístico y humano, todas aquellas condiciones para poder confiar en él en cualquier circunstancia, siendo un colaborador impecable. Es, del mismo modo, un extraordinario profesor, ya que sabe transmitir a sus alumnos lo mejor de sí mismo."
Gerard Claret, violinista

"Tuve la suerte de compartir con Cristian Ifrim las labores pedagógicas del Curso Internacional de Música de Vic (Barcelona), años de grandes recuerdos. El Maestro Ifrim es un músico de muy sólida formación y un virtuoso del instrumento."
Lluís Claret, violonchelista

"Cristian Ifrim, músico integral, intérprete consumado y gran profesor. Su integridad como persona y su firme voluntad de superación, hacen de él un hombre de peso indiscutible en el mundo de la música".
 Albert Atenelle, pianista y Director de la Escuela de Música de Barcelona

"Autoridad y confianza. Reveló un sonido sólido y redondo, con un brillo y calidez en sus agudos y un agradable sonido en sus graves... Con arco fluido y enérgica interpretación.”
Edward Sainati, The Strad, abril de 1991

+ Información 
www.cristianifrim.es
www.quatuoreuropa.es


Retrato Plural

Retrato Plural

Publicado: Febrero 2014
En diálogo con Fabián Panisello

La trayectoria del Plural Ensemble con su director, Fabián Panisello, presenta uno de los horizontes más espléndidos de la música española. Sus apuestas por la calidad técnica y la continuidad de su programación, los hacen especialmente atractivos. Propuesta sólida, levantada a lomos de las grandes figuras de la música del siglo XX, que se abre paso en el complicado mercado nacional e internacional de la música clásica. Una visión clara de su proyecto, entorno y situación que deja lugar a una actividad fértil y presenta, en este momento, sus principales focos en los ciclos producidos por la Fundación BBVA. Por su parte, la actividad musical de su director toma de diversas fuentes su posicionamiento estético para añadir a la excelencia técnica de sus integrantes, una vocación armónica. Nos recibe en su estudio, con proyectos recientes sobre la mesa, el ambicioso bosquejo de una ópera que está escribiendo o el espectacular fichero de partituras del grupo. Por el camino, giras, concursos para jóvenes, programas artísticos y pedagógicos, encargos, invitaciones destacadas, pero también sponsors, subvenciones y recursos, en una extensa, abierta y cordial conversación que hemos extractado.

¿Contemporánea, actual… de vanguardia? ¿En qué calificativo se siente más cómodo?

Me gusta más música actual porque no tiene tantas marcas de carácter ideológico. Tanto música de vanguardia, que es un término con resonancia militar, como música contemporánea, que fue el denominador común del siglo XX hasta llegar casi a vaciarse de contenido (también Schumann usaba ese término refiriéndose a la música de su tiempo), tienen una relación algo sesgada y excluyente con el producto que representan. Música actual quizás no diga nada, pero representaría la música que se hace en el momento presente, sin más, y nos exigiría una reflexión sobre la misma para definir de qué ámbito hablamos.

Se ha relacionado vanguardia con ruptura…

Schoenberg, cuando hablaba de sí mismo y su escuela, decía que no había “roto” con la tradición, sino que la había continuado hacia adelante: una forma inteligente de plantear las cosas. Él veía el dodecafonismo o el atonalismo de su primera época, como una consecuencia evolutiva del estado en que estaba la armonía cromáticaen el umbral del siglo XX. El hecho de que dejara de hacer uso del sistema tonal hipercromatizado de aquella época no significó que no continuase utilizando algunas armonías vinculables aunque fuera indirectamente a la tonalidad. Además, la suya fue una revolución que no llevó al terreno rítmico ni al formal en los que permaneció muy vinculado al pasado, sino sólo a los ámbitos armónico, melódico y en algún sentido al tímbrico.

En los años sesenta, setenta y ochenta muchas actitudes y posturas de ruptura tuvieron índole social y política. Con el tiempo esa actitud “rupturista” se ha convertido en una especie de obligación a priori que muchos se auto imponen, enmascarando a menudo carencias de otro tipo. Personalmente, me interesa el discurso de calidad en las obras, independiente del signo ideológico, aunque en algunos casos éste también puede contar y desde luego me interesa la comunicación entre personas, culturas y épocas que el lenguaje artístico cifra en sí.

¿Por qué Plural?

Al fundar el grupo, tenía el propósito que la actividad del mismo incluyera proyectos con cine, danza e incluso teatro musical. De alguna forma, multimedia. Un proyecto general que no está descartado. Habiendo ensembles de referencia en todos los países, entendí pronto que primero tendría que llegar a una gran calidad en lo fundamental, que es la música como paso previo a esa pluralidad y en eso nos hemos concentrado estos años.

Creé el PluralEnsemble al poco tiempo de llegar de Salzburgo en el 93 a España. Inicialmente no contábamos ni con recursos ni con patrocinadores, aun así, el conjunto fue creciendo paso a paso hasta convertirse en lo que es hoy y espero que sigamos en esa línea de crecimiento. Más o menos hacia el 97-98 empezamos a establecernos un poco más. Varios de los músicos del “núcleo duro” actual están desde ese momento.

¿Cómo ha evolucionado PluralEnsemble?

Ha evolucionado mucho. El grupo contó con el apoyo de la Comunidad de Madrid durante unos años, lo que nos ayudó a tener una estructura de gestión básica. La captación de recursos depende, además de la calidad del proyecto, de una buena gestión. El trabajo que hay detrás del escenario es enorme y hemos creado un buen equipo en este sentido Además, para enriquecerse en todo sentido, desde hace años invitamos para proyectos concretos a brillantes músicos de otros ensembles y, desde luego, directores y solistas del ámbito internacional como Peter Eötvos, Jörg Widmann, Zsolt Nagy, Johannes Kalitzke, Marco Blaauw, Hilary Summers, Salome Kammer, Dimitri Vassilakis y tantos otros. El apoyo de la Fundación BBVA, el patrocinador de nuestros ciclos en Madrid desde hace 5 años, ha sido decisivo para poder realizar esa actividad de calidad y para la continuidad de la misma.

Plural también quiere decir que en nuestro grupo caben tanto el protagonismo de cada uno como la interacción de todos sus miembros, basta ver la programación: todos tienen roles de solistas alternativamente. Para mí un excelente modelo es el gran director teatral Peter Brook y su visión del teatro. Él pone elementos muy dispares en su compañía, sin embargo, los coordina de tal manera que uno siente una enorme armonía. Un actor de la India, una actriz persa junto a actores africanos… Los espectáculos los presenta tanto en Europa como en África o de gira por China… A veces el público no entiende la lengua pero percibe la armonía y la intensidad del espectáculo. Tratamos de crear un ambiente de trabajo creativo, en el que los músicos estén en perfecta armonía entre sí. Todos los directores que nos visitan se sorprenden de este clima, de lo fácil y fluido que es trabajar con este ensemble.

¿Cuáles han sido los criterios de programación?

La programación sigue un criterio de alternar las grandes obras del siglo XX con compositores actuales. Intentamos que no sea sesgada o escolástica. En numerosas master-classes que me ha tocado dar en estos últimos años en Europa, EEUU, Japón... he recalcado que lo interesante es elconceptode autor, más que el de escuela: en el sentido rígido y escolástico de esta expresión, se entiende. No comparto esta separación en música contemporánea en “escuelas”, me resulta artificial y en última instancia tendenciosa. Esto es igual en cine. Cuando vas a ver una película de Bergman, Fellini, Wenders, Coppola, Tarkovski… no te interesa si pertenecen o no a la misma escuela. Sin embargo en música es frecuente “esto lo has sacado de Ligeti” o... “esto se parece a Berg”… Esto cabe a nivel epigonal, pero no para lo artístico.

¿En qué proyectos están inmersos?

Están por salir 2 discos con el sello alemán NEOS grabados hace 2 y 3 años. Hemos publicado también con Col Legno y Verso. Hacemos Ciclos con la Fundación BBVA en el Auditorio Nacional y en la sede de la Fundación BBVA, y giras nacionales e internacionales cada año. La gira nacional con ayuda del INAEM y programas con compositores españoles establecidos y jóvenes. Hemos iniciado con otros grupos españoles una red nacional para organizar un festival en cada ciudad. Dentro de este programa, nos presentamos el conjunto de los grupos a unas ayudas que nos permiten llevar las obras a varias ciudades lo cual es importante para su difusión. El hecho de que se toquen varias veces garantiza que la obra levante vuelo. Bueno para los grupos, los compositores y las ciudades.

Ojeando su amplio repertorio veo en primera página, Bach…

De un tiempo a esta parte, sobre todo en el Ciclo BBVA de Solistas, tanto a los nuestros como los invitados, hemos dado libertad a los intérpretes para incluir 1 ó 2 obras de su repertorio general, no necesariamente del siglo XX o XXI. Lo importante es que se perciba la música actual dentro de un arco de sentido amplio, que incluye también la música del pasado y de otras culturas, eso sí, siempre cuidando que cada programa sea un todo coherente.

¿Qué ha significado para usted el PluralEnsemble?

Es un proyecto del que he aprendido mucho: nada más valioso que estar con los músicos. Los buenos intérpretes son serios e incluso crueles con la verdad de las obras que interpretan: de inmediato acusan si está bien o mal escrita para su instrumento. La hayas escrito tú u otro. Perciben si se les dirige más rápido o más lento de lo adecuado, etc. Este contacto te da más que la teoría o un maestro de composición. Como director empecé así, con prueba y error, luego como asistente de Eötvös, Stockhausen, Berio… Hoy además de Plural recibo invitaciones de fantásticos ensembles.

¿En qué está trabajando últimamente?

Éste ha sido un año especial para mí. Estrené varias obras. Una con cuarteto y barítono, el monodrama L’Officina della resurrezione, en el que el barítono hace roles, uno en italiano y otro en hebreo, con textos del Libro de Ezequiel y Erri de Luca. Se estrenó en Tel Aviv y se hizo en Reggio Emilia, Bienal de Venecia, Aix-en-Provence, Madrid... Esta es la tercera de una serie de obras vocales, que me han servido como preparación para la ópera que he comenzado a escribir para el Teatro Colón en coproducción con la Nueva Ópera de Viena, con texto original de Albert Camus y libreto de Juan Lucas. En esta línea de obras vocales, justo antes compuse Canciones góticas, encargo de la Ópera de Frankfurt. Y antes de eso el Libro del frío*, con poemas de Antonio Gamoneda. Estas tres obras me fueron llevando de lo lírico hacia lo dramático.

Otra obra reciente es Solstice para gran ensemble, la estrené recientemente con el Ensemble Modern en los ciclos del CNDM, en la Alte Oper de Frankfurt y en Santiago de Compostela. Tengo 2 encargos para conciertos para instrumentos y orquesta, y estoy este año como compositor invitado del Instituto de Musicología de Leipzig donde, 10 estudiantes trabajan sobre mi obra. También en Graz y Stanford hay doctorandos que se están ocupando de mis obras. Como compositor-director, este año actuaré en Dresde, Berlín, Liechtenstein, Canadá, Venezuela, Puerto Rico, Chile…y desde luego en Madrid y otras ciudades españolas.

La música está en un momento de actividad inimaginable. Considero un privilegio nuestra profesión y vocación por todo lo que nos brinda como artistas, como seres humanos. Debemos cuidar y crear espacios, estructuras y posibilidades para ella.

www.fabianpanisello.com / www.pluralensemble.com

Por Luis Mazorra Incera

FOTO: Fabián Panisello dirigiendo al PluralEnsemble.
Acred.: Brigitte Le Barz

La grabación del Libro del frío, de Fabián Panisello, grabada en el Sello Verso, dentro de la Colección Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual, promovida por la Fundación BBVA, puede escucharse online en www.naxosmusiclibrary.com  (ver pág.81 de la revista Ritmo de Febrero).

    

El Arte Mvsico

El Arte Mvsico

Publicado: Febrero 2014
Un grupo elegante y con iniciativa

Este grupo madrileño, formado por los violinistas Teresa Casanova y Ángel Sampedro, y el clavecinista Diego Fernández, está especializado en la interpretación de música europea de los siglos XVII y XVIII con instrumentos antiguos. Llevan una década actuando en los escenarios más prestigiosos, disponen de un proyecto propio de recuperación de patrimonio musical y otro pedagógico, y acaban de crear su propia temporada de conciertos en Madrid. Han publicado recientemente, junto al sello discográfico Verso, dos CDs monográficos dedicados a los compositores Antonio Caldara y Philipp Heinrich Erlebach, dos primicias mundiales fruto de sus investigaciones.

El Arte Mvsico es uno de los pocos grupos que existe en la actualidad especializado en la interpretación de tríosonatas para dos violines y bajo continuo. ¿Por qué decidieron consagrarse a este repertorio?

Uno de los motivos que nos llevaron a especializarnos en este repertorio fue nuestro interés por devolver a uno de los géneros más ricos del Barroco la importancia que merece. Todos los compositores de primera línea escribieron originalmente para esta formación durante dos siglos. El repertorio es muy extenso y de una calidad excelente pero apenas se conoce una pequeña parte. Aún quedan maravillas por descubrir. También nos dedicamos a la interpretación de música de formato más grande e invitamos a colaborar con nosotros a otros artistas de alto nivel.

Han publicado recientemente dos CDs del grupo con el sello discográfico Verso, dos primicias fruto de sus investigaciones.

Después de años de conciertos e investigación, decidimos hacer una primera grabación dedicada al compositor veneciano Antonio Caldara: Suonate a tre Op. 1. Se trata de la opera prima que el músico publicó con afán de mostrar todo su talento para entrar en la escena musical: una colección de joyas en miniatura. Gracias a estas sonatas de elegantísima factura, Caldara consiguió un puesto estable como músico de la prestigiosa capilla musical de San Marcos de Venecia y poco después se convertiría en uno de los compositores de ópera más importantes de toda Europa.

Nuestro segundo CD, publicado a finales de 2013, está dedicado al compositor alemán Philipp Heinrich Erlebach. Es un músico excepcional, uno de los más importantes en Alemania antes de Bach, pero muy poco conocido en la actualidad. Su música, de extremada belleza, es colorista y suma lo mejor de los estilos italiano y francés sobre la base del virtuosismo de la escuela germana de violín.

Últimamente hemos tenido ocasión de verles trabajar en Madrid, como grupo residente del Centro Conde Duque y con Ángel Sampedro como director musical. ¿Cómo surgió el proyecto de la Orquesta Barroca Conde Duque?

Durante 2013, por encargo del Ayuntamiento de Madrid, hemos tenido ocasión de formar una orquesta barroca con sede en el Centro Conde Duque, y hemos creado una Temporada Barroca de diez conciertos alrededor de la misma. Para nosotros ha sido un placer poder interpretar obras del gran repertorio del Barroco junto a algunos de los mejores músicos especializados en música antigua.  Hemos tenido, también, ocasión de estrenar en tiempos modernos varias composiciones de buenísima calidad que forman parte de una investigación que está llevando a cabo Teresa Casanova sobre la música en la corte de Madrid durante el reinado de Fernando VI.

El Arte Mvsico es un grupo con mucha iniciativa, han creado su propio proyecto de investigación y mantienen una importante labor pedagógica.

Tenemos un proyecto propio de investigación del patrimonio musical europeo, recuperamos repertorio de los siglos XVII y XVIII para que el público pueda disfrutar de él. Hemos llevado a escena mucha música europea de una calidad excelente, y entre ella se encuentran composiciones escritas para la Corte de Madrid. También tenemos un proyecto pedagógico: impartimos cursos de especialización en música antigua, damos conferencias y organizamos conciertos pedagógicos. Nuestro fin es poner el Barroco musical al alcance de todos los públicos.

¿En qué proyectos trabajan actualmente?

Estamos trabajando en nuestro próximo CD, que grabaremos en verano, e incluirá por primera vez repertorio vocal. También acabamos de estrenar en Madrid nuestra propia temporada de música de cámara, con un concierto al mes en una preciosa iglesia barroca, la de las Mercedarias “Góngoras”. Y seguimos inmersos en nuestra investigación de la música para la corte de Madrid en el siglo XVIII.

Por: Elena Trujillo Hervás

El Arte Mvsico tocará en la Iglesia de las Mercedarias “Góngoras”, de Madrid, el 8 de febrero, a las 19:00 h.

www.elartemusico.com 

FOTO: Diego Fernández, Teresa Casanova y Ángel Sanpedro forman El Arte Mvsico.
Acred.: Elena Casanova.

Academia Europea de Alta Especialización en Música Antigua de Xàtiva

Academia Europea de Alta Especialización en Música Antigua de Xàtiva

Publicado: Febrero 2014
Una oportunidad excepcional para los músicos

La Academia Europea de Alta Especialización en Música Antigua de Xàtiva nace con el propósito de impulsar y desarrollar un proyecto pedagógico absolutamente novedoso en España, especialmente dedicado a la música antigua, consagrando su actividad al perfeccionamiento de jóvenes estudiantes y artistas. Para ello, en septiembre de 2014, cantantes e instrumentistas irán a Xàtiva a participar en un privilegiado laboratorio artístico; allí tendrán la oportunidad de trabajar con los mejores y más reconocidos maestros del panorama internacional. Conformará una estancia que contribuirá a ampliar estudios y experiencia profesional, gestando un privilegiado lugar de encuentro y de práctica musical intensiva. Durante 10 días se reunirá a un conjunto de profesores (reconocidos solistas internacionales), estudiantes, músicos profesionales y en formación de diversos países, que deseen perfeccionarse en la interpretación de la música, desde el medievo al barroco y principios del clasicismo.

La Academia propone una enseñanza que haga hincapié en el trabajo individual del maestro con el alumno y que ponga en práctica todo el trabajo de conjunto; siendo asimismo un objetivo fundamental la formación en práctica de la música orquestal, camerística y de solista. Se planifica la realización de tres conciertos finales a cargo de los alumnos de la Academia, uno dedicado a la monodía profana de los siglos XII-XVI hasta Monteverdi; otro dedicado a las grandes composiciones instrumentales del siglo XVII con G. Muffat y M. Marais, clausurando la Academia con la obra de Haendel, la Cantata Clori, Tirsi e Fileno HWV 96. Estas producciones promoverán el encuentro de los cantantes e instrumentistas asistentes, quienes trabajarán mancomunadamente y en colaboración con otras actividades, multidisciplinarias también, programadas para el evento, tales como un taller de construcción de instrumentos históricos de la Edad Media, una exposición de instrumentos históricos y unas conferencias que promoverán la reflexión sobre el contenido expuesto por los distintos académicos e investigadores, sumando así a la formación un enfoque teórico esencial. De todo ello hablamos con su directora artística Mónica Climent.

Leyendo la presentación, resulta absolutamente novedoso en España el inicio de este proyecto. ¿Cómo ha logrado sacar adelante una idea tan seductora, motivadora y arriesgada en estos tiempos de crisis?

Con trabajo, trabajo y entrega; sin que falte la ilusión, el entusiasmo y sin miedo. Se ha contado con personas que de manera anónima han prestado su colaboración y, también, hemos contado con el apoyo de la institución pública de la ciudad de Xàtiva.

¿Cuál es su principal finalidad?

La interdisciplinariedad, es decir, reconocidos especialistas a nivel mundial se reunirán para trabajar juntos con los alumnos desde múltiples perspectivas, unos programas, unas producciones musicales que abarcarán cinco siglos de música. El alumno (puede ser activo u oyente), sea ya un profesional o esté cursando aún sus estudios, aparte de trabajar con cada profesor su repertorio, podrá realizar unos conciertos y presentar ante el público todo un trabajo de conjunto y de solista, preparado por doce especialistas del panorama internacional. Ofrecer la mejor formación especializada con excelencia artística es nuestro principal objetivo.

¿Con qué equipo pedagógico cuenta la Academia?

La Academia contará con la presencia de uno de los mejores clavecinistas y directores musicales Lars Ulrik Mortensen; con Jill Feldman, especialista en el repertorio renacentista y barroco, y una de las mejores voces del panorama internacional; con Hiro Kurosaki y Simon Heyerick, dos de los más prestigiosos violinistas del momento, junto a Emmanuel Balssa con una importante trayectoria como solista y pedagogo. También se contará con la presencia, en el apartado del viento-madera, de Serge Saitta, principal flauta travesera barroca de Les Arts Florissants; Josep Domènech, oboe barroco, y Carles Cristóbal, fagot histórico, considerados en la actualidad como unos de los mejores solistas de su especialidad, reclamados en las principales orquestas de todo el mundo. Participa también el maestro de la percusión Pedro Estevan, con una larga, brillante e importante trayectoria como pedagogo y solista, y con Eligio Luís Quinteiro, destacado solista al laúd, guitarras antiguas y especialista en continuo. De los instrumentos del periodo medieval, será el especialista en música medieval, solicitado en las academias y cursos internacionales más importantes, Efrén López, quién se ocupe de todo este apartado y el prestigioso arpista y todo un referente en el mundo en la recuperación y divulgación del arpa, Manuel Vilas, se encargará de impartir la enseñanza de las arpas del siglo XII al XVIII.

Viendo el equipo selecto con que contará la Academia, podría contarnos cómo se gestó el programa de conciertos que ofrecerán los alumnos y en qué va a consistir.

Se ha intentado hacer un recorrido desde el siglo XIII hasta finales del siglo XVIII, para que el alumno pueda tener la oportunidad de conocer y trabajar todo tipo de repertorio, tanto instrumental como vocal, y todos puedan tener opción de salir al escenario con un minucioso trabajo de conjunto realizado durante los 10 días que dura la Academia (del 12 al 21 de septiembre de 2014). El primer concierto, el de inauguración, lo ofrecerán los profesores Efrén López y Manuel Vilas. En el siguiente concierto, que correrá a cargo de los alumnos, sonarán obras del Llivre Vermell de Montserrat, canciones de trovadores, estampidas italianas y francesas, tonos humanos de Sebastián Durón y Juan Hidalgo, y piezas de Monteverdi y G. Caccini. Otro programa estará dedicado a la música instrumental del siglo XVII, con obras de M. Cazzati, G. Muffat y M. Marais; para finalizar, el último día, con la Cantata de Haendel Clori, Tirsi e Fileno. Las direcciones musicales las asumirán Lars Ulrik Mortensen y Eligio Luís Quinteiro.

¿Hay algún requisito o proceso de selección para el alumnado?

Sí. En el caso de los cantantes, se celebrarán unas audiciones en l’ESMUC el 25 de marzo y, para el resto de los instrumentistas, hay una serie de requisitos a presentar junto a la ficha de inscripción y que pueden consultar en nuestra página web www.aemux.com En el caso de las especialidades de arpa y guitarras antiguas, también está abierta la inscripción a arpistas y guitarristas modernos que quieran iniciarse en este periodo.

Por : Elena Trujillo Hervás

FOTO: Mónica Climent es la directora artística de AEMUX.

 

AUDICIONES

Las audiciones tendrán lugar en:

            Barcelona, ESMUC (Escola Superior de Catalunya).
            C/ Padilla, 155. Edifici Auditori.
            Martes, 25 de marzo 2014. De 11 a 18 h.

Fecha límite de inscripción: 15 de marzo de 2014.

Obras a preparar para la audición:

Sopranos y altos: 1 aria de la Cantata Clori, Tirsi e Fileno HWV 96, de Haendel.

Resto de los cantantes: 1 aria a elegir de Haendel.

Para todos los cantantes: 1 pieza a elegir entre Monteverdi, barroco francés o español.

PRESELECCIÓN

Todos los alumnos deberán mandar la siguiente documentación:

Currículum Vitae detallado con una foto reciente.

Formulario de inscripción debidamente cumplimentado.

Abono de los derechos de inscripción.

CD o DVD con una grabación reciente (solo para alumnos de violín, violoncello, viola da gamba, clave y flauta). Se invita a que la envíen también el resto de los alumnos si así lo desean.

Autorización escrita de los padres para los asistentes menores de edad.

Fecha límite de inscripción: Hasta el 31 de julio de 2014.

Información y contacto:

AEMUX. Apartado de Correos 244. 
46800 Xàtiva (Valencia)
Tel: 34 662479802
 info@aemux.com  /  www.aemux.com 

 

Fernando Lázaro

Fernando Lázaro

Publicado: Febrero 2014
Una joven promesa hecha realidad

El nombre de Fernando Lázaro suena cada vez con más fuerza en escenarios y el ámbito musical. Es compositor, pianista y licenciado en Musicología por el Real Conservatorio Superior de Madrid, y a sus 39 años este albaceteño ya puede presumir de una sólida e importante carrera, habiendo trabajado con algunos de los más grandes artistas europeos (como el coreógrafo Renato Zanella), y estrenando sus obras en importantes Teatros de España, Rusia, México, Japón, Austria o Finlandia. Comenzó sus estudios musicales con 7 años en su ciudad natal, para luego continuar perfeccionándose con pianistas como Carmen Manzano, Mario Monreal o Leonel Morales. Fueron también sus maestros García Abril, García Asensio, Emilio Molina o Enrique Igoa. En 2012 su música se presenta en el prestigioso Tiroler Landestheater de Innsbruck, con un éxito rotundo. Sus obras han sido interpretadas por grandes de la danza mundial como Farukh Ruzimatov o Yulia Makhalina. El pianista Edelmiro Arnaltes también interpretó su música en el Festival del Escorial de 2002; la gran arpista Mª Rosa Calvo-Manzano le encargó una obra que ella misma estrenó en Madrid el pasado junio y, próximamente, hará lo mismo el pianista Albert Nieto. Ahora prepara un proyecto en el que forma equipo con compositores como David del Puerto o Agustín Castilla-Ávila. Fernando Lázaro ha sido un talento precoz que ya se consolida con numerosos éxitos y las mejores críticas de expertos.

Nos enteramos que desde niño ya destacaba en composición e improvisación al piano. ¿Cómo fueron esos comienzos?

En mi familia no conozco antecedentes musicales, así que para mis padres fue una sorpresa que quisiera estudiar música, siendo niño sentí esa necesidad. Empecé con 7 años en un órgano eléctrico y ya tocaba de oído la música que escuchaba. Según ganaba destreza, disfrutaba muchísimo improvisando, también recreándome en piezas conocidas y variándolas. Comencé a componer desde jovencito, en aquella época eran piezas sencillas claro, fue en la adolescencia  donde ya desarrollaba composiciones quizá más interesantes.

 A los 16 años crea su primera obra sinfónica sorprendiendo a veteranos maestros, uno de ellos el compositor Arturo Moya, quien fue alumno de Honegger, por su calidad musical y porque no tenía ninguna formación en composición ni orquestación. ¿Qué siente un adolescente ante esto?

No sé, era muy joven y tal vez no demasiado consciente. Es cierto que recuerdo provocar cierto revuelo entre mis profesores cuando vieron la partitura y, sobre todo, cuando escucharon la grabación en un sintetizador. Lo que hacía era algo para mí normal y nunca le di demasiada importancia, de lo cual me alegro. Siempre me he guiado por la intuición, aunque haya tenido excelentes profesores me considero muy autodidacta.

En el presente, ¿cómo fue trabajar junto a uno de los grandes coreógrafos como el italiano Renato Zanella? Todos sabemos que dirigió el Ballet de la Ópera de Viena; que alguien de este nivel confíe en ti debe ser todo un orgullo y una gran responsabilidad

Lo fue y mucho ambas cosas, además era la primera vez que se me encargaba un ballet. Antes había compuesto para escenas sueltas, en Carmen, por ejemplo, pero esta vez la música sería solo mía y encima supervisada y coreografiada por Renato Zanella, uno de los nombres con más prestigio del mundo. El ballet se tituló Brishen y se estrenó en el Teatro de Madrid en 2010, fue un proyecto arriesgado ya que fusionamos música y danza contemporánea con el flamenco. Trabajar con alguien como Renato te obliga a esmerarte al máximo y a aprender. El reconocido crítico Roger Salas escribió en “El País” unas estupendas declaraciones sobre Brishen. En resumen, lo sentí como un reto y un privilegio en todos los sentidos.

En 2011 recibe el encargo de otro ballet por parte del Teatro Estatal de Innsbruck (Austria) lugar donde se estrenó. Aquí trabajó junto a uno de nuestros grandes coreógrafos, Ángel Rodríguez. Háblenos de esta experiencia tan interesante.

Ángel es un artista de máximo nivel; trabajar con él también te obliga a esmerarte con mucho rigor. Es un gran coreógrafo y muy exigente, por eso su trabajo es estupendo. Para mí fue un proceso arduo no sólo por lo que exige componer un ballet de casi hora y media, también porque estaba en el último curso de Musicología y tuve que compaginar ambas cosas. El ballet se titula Das brennende dorf (La aldea en llamas). Se estrenó en abril de 2012 en el Tiroler Landestheater, con la TanzCompany Innsbruck, dirigida por Enrique Gasa Valga. Yo tenía algo de miedo por la “exigencia” del público austriaco, pero el resultado fue excelente, el público se puso en pie aplaudiendo a tempo durante un buen rato, así que acabé muy satisfecho.

Aparte de Austria, sus obras también han podido escucharse en importantes teatros como el Shinjuku Bunka Theater de Tokio, el Teatro Mikhailovsky de San Petersburgo o el Teatro Juárez de Guanajuato en México, aquí cuando usted tenía sólo 25 años ¿qué sintió?

Mucha emoción y más con esa edad. En México se estrenaron cinco canciones líricas que compuse, con la suerte de que la soprano María Rolando y el tenor Rodolfo Albero, grandes cantantes, junto a la Joven Camerata Lírica, llevaron a cabo el estreno. También la Compañía de Rosario Castro (Suite Española) ha tenido mucho que ver en la difusión de mi música, la han llevado por muchos sitios, desde un principio confiaron en mí por lo que les estoy tremendamente agradecido. Ha sido un orgullo conocer a todos estos grandes artistas y sobre todo tenerlos como amigos.

Respecto a su faceta como pianista, uno de sus conciertos al que guarda más cariño es el ofrecido en el Palau de Valencia en 2004. ¿Por qué?

He tenido la suerte de tocar en salas muy bonitas y a la vez importantes, interpretando en muchas ocasiones mis obras, algo primordial para mí. El concierto del Palau de Valencia lo recuerdo con mucho cariño sobre todo porque fue a favor de las víctimas del 11-M, tanto el Palau como la ONG “Axa de todo Corazón” me dieron esta magnífica oportunidad. Hubo lleno absoluto y la entrega del público fue total, también los aplausos se prorrogaron mucho. Se creó un ambiente muy especial, la verdad.

María Rosa Calvo-Manzano, considerada una de las mejores arpistas actuales, le encargó la obra Mariposas de los jardines de Marte, para arpa y flauta, que ella misma estrenó en la sede de la SGAE de Madrid, junto al flautista Vicente Martínez. ¿Qué nos puede contar? ¿Por qué este título?

Conocer a María Rosa ha sido un privilegio en muchos sentidos y, por supuesto, el hecho de que te encargue una obra y ella misma sea quien la estrene lo es también. El marco del estreno fue la SGAE de Madrid, pero los ensayos fueron en su casa, donde conocí a Vicente, un músico enorme. Junto a la mía, también se estrenaron obras de Zulema de la Cruz y José Susi, entre otros, y todo salió perfecto. El título lo puse para que me lo pregunten, por nada más (risas)… La verdad es que fue la música quien me lo sugirió. Próximamente se presentará en el Conservatorio Superior de Madrid, así que estoy muy ilusionado.

En 2006 fue invitado al II Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda, junto a grandes compositores de Hollywood. Cuéntenos su vinculación con este género.

La buena música de cine me apasiona y esta fue una experiencia maravillosa. En el Congreso, aparte de realizar una ponencia sobre mi trabajo, ofrecí un concierto tocando bandas sonoras transcritas por mí al piano; lo emocionante fue que entre el público estaban Basil Poledouris, John Debney o Bruno Colais, entre otros reconocidos compositores, así que imagine mis nervios después de llevar toda la vida escuchándoles en películas. Hace poco he trabajado con Álvaro Pastor, quien fue nominado al Goya como mejor director (junto con Antonio Naharro) por “Yo, también”. Lo próximo que haré con él será la música de su nuevo documental. Álvaro tiene mucho talento y eso siempre es de agradecer porque ayuda. Espero seguir trabajando con él.

¿Cómo es su música y cómo definiría su estilo?

Antes de nada considero importante que un creador conozca muchos estilos para que, aparte de cultivarse, si es necesario pueda trabajar con ellos. Siendo muy joven compuse obras incluso renacentistas, pasando por el barroco, clasicismo, romanticismo, impresionismo, etc.; me interesaba conocer las pautas de estos lenguajes, cosa que creo me enriqueció mucho como compositor. Aparte de esto, siempre he tenido inquietud por lo contemporáneo, conocer los nuevos creadores y nuevas músicas. Creo que mi estilo actual aúna varios tipos, pero no sé definirme; para mí es necesario reflejar el tiempo en el que vivo y cómo yo lo siento. Mi música se mueve entre lo emocional y lo intelectual, mi concepto aúna estas dos vertientes, el objetivo es que cada nota comunique. Mi música a unos gustará más y a otros menos, pero soy honesto conmigo y con ella, lo considero primordial.

Háblenos de sus próximos proyectos.

Estoy trabajando en un gran proyecto en el que están implicados importantes artistas nacionales. Se titula “5 miradas de Mujer” y está basado en cinco escenas sobre cinco mujeres ilustres de la historia de la música: Carmen, Marlene Dietrich, Ella Fitzgerald, Édith Piaf y Amália Rodrigues. Los intérpretes serán Mayca Teba (maravillosa voz) y Albert Nieto, pues el formato del concierto es para soprano y piano, con música gestual. Los compositores son David del Puerto, Anna Cazurra, Voro García, A. Castilla-Ávila (reciente Premio de Música de Salzburgo) y un servidor. Cada uno compondrá la escena de una mujer distinta basándonos en sus vidas. Yo me ocupo de Amália Rodrigues, un requisito es que en mi escena aparezca un fado y es lo que he intentado hacer. La verdad es que es un lujo trabajar junto a toda esta plantilla de artistas. Esperamos su estreno para este año.

Por: Elena Trujillo Hervás 

www.fernandolazaro.com

FOTO: El compositor Fernando Lázaro.
Acred.: Juanjo Valverde.

Cristina Lucio-Villegas

Cristina Lucio-Villegas

Publicado: Febrero 2014
El piano natural

Hola Cristina, ¿cuándo se dio cuenta de que quería dedicarse al piano profesionalmente y cuál ha sido su evolución hasta ahora?

La música me atrajo desde muy pequeña y de manera natural se fue convirtiendo en algo imprescindible en mi vida. Creo que pasa con casi todas las vocaciones, hay un momento en el que uno no puede concebir su vida sin ella. Por suerte, durante mi formación he podido contar siempre con fantásticos profesores que me han inculcado el amor a esta profesión. Además, cada uno de los sitios donde he estudiado me ha aportado cosas diferentes y complementarias. Comencé mis estudios en Sevilla y los continué en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Después de obtener el Título Superior en Madrid, ingresé en la Academia Sibelius de Helsinki para cursar el título Master’s Degree. El sistema de enseñanza allí es muy libre, dinámico y personalizado. Se trabaja mucho repertorio contemporáneo y obras menos habituales. Más tarde estudié en la Chapelle Musicale Reine Elisabeth de Bélgica. Ésta es una institución con un plan de estudios centrado en el desarrollo del alumno como profesional. Da la posibilidad a los estudiantes de participar en importantes festivales, tocar con prestigiosas orquestas y, en definitiva, de adentrarse de manera progresiva en ese mundo. Mi vida concertística empezó de manera espontánea a la par que mi vida académica. Me alegra poder continuar con ella y, sobre todo, dedicarme profesionalmente a lo que más me gusta.

Personalmente, ¿cómo aborda el estudio de una obra?           

Los intérpretes tenemos una responsabilidad tremenda ya que debemos ser “la voz” del compositor. Para empezar creo que es muy importante conocer bien al compositor y la situación vital en que se encontraba cuando concibió la obra. En muchas ocasiones hay una estrecha relación entre ambas. Por otro lado es esencial saber las costumbres estilísticas de la época en que vivió el compositor. Desde este punto de vista es imprescindible saber “leer la partitura”, no en el sentido básico de la expresión, sino realmente entendiendo qué criterio expresivo debemos aplicar, aunque no siempre esté especificado en la partitura. Y una vez que se ha conseguido ser fiel al texto, llega lo más importante, interiorizar la obra y hacerla propia. Probablemente esta sea la parte más difícil del proceso, aunque también la más satisfactoria. 

Ha participado y obtenido numerosos premios en concursos para piano, ¿qué opinión tiene de ellos?

Creo que, en general, los concursos son una situación curiosa y a veces poco natural en sentido artístico, pero pueden resultar útiles para la formación del músico. Para empezar, participar en un concurso requiere una disciplina previa para prepararlo. Además es una buena oportunidad para tocar en público y poder escuchar a otros compañeros, con lo que siempre se aprende. Y, por último, si obtienes un premio, puede suponer interesantes conciertos y facilita darse a conocer a un público más numeroso. Yo he tenido la posibilidad de realizar giras patrocinadas por el Instituto Cervantes en Brasil e Italia gracias a premios obtenidos en concursos.   

Recientemente ha obtenido el Premio “Rosa Sabater” a la mejor intérprete de música española en el Concurso Internacional “Premio Jaén”. ¿Qué supone la interpretación de la música española?

La música española es un género al que tengo un especial cariño. Lo siento muy cercano y siempre me ha encantado dar a conocer este repertorio, tanto en España como en el extranjero, donde intento programarlo siempre que puedo. Me parece que es importante que los concursos internacionales españoles incluyan en su repertorio obligado obras de compositores de nuestro país. Es una manera fantástica de dar a conocer este importante legado musical.

¿Qué es lo que más disfruta y valora de sus conciertos?

Cada concierto y cada género ofrecen posibilidades diferentes. No es lo mismo tocar un recital de piano solo, uno de música de cámara, o actuar de solista con orquesta. Pero en todos ellos, lo más importante para mí es conseguir una comunicación estrecha con el público, que entiendan exactamente lo que estás intentando transmitirles y sobre todo, que disfruten y vivan la música como uno mismo lo hace. No hay mayor satisfacción que estar interpretando algo y sentir que el público te acompaña.

¿Cómo compagina la vida concertística con la académica, ya que ejerce de profesora de conservatorio en la Comunidad de Madrid?

No siempre es fácil compaginar las dos cosas, pero ambas son muy enriquecedoras y creo que es muy necesario que los profesores mantengan una vida artística activa. La experiencia concertística aporta valores que más tarde podemos trasladar a nuestros alumnos, por lo que creo que la administración debería facilitar en todo lo posible esta conciliación.  

Acaba de ser madre… ¿Cómo se lleva la maternidad reciente con el piano?

La maternidad es una experiencia muy emocionante y no hay duda de que la profesión de madre se vuelve prioritaria. Pero esto no significa que afecte negativamente como músico. Muy al contrario, ser madre es un cambio que te llena como persona, lo que siempre se refleja de manera positiva en la interpretación. Por suerte mi hija se porta bastante bien y parece que disfruta oyéndome estudiar, así que no puedo quejarme. 

Ha sido pianista de la JONDE y ha colaborado con otras orquestas. ¿Qué significado tiene para usted el mundo sinfónico?

La orquesta es una formación que me apasiona, así como todo su repertorio. Los años que pasé como pianista de la JONDE fueron muy enriquecedores, me dieron la oportunidad de trabajar con grandes directores y tocar parte del repertorio más importante de piano en orquesta. Sin duda es una experiencia que recomendaría a todos los pianistas.

¿Proyectos, conciertos?

Próximamente tengo dos recitales en La Línea de la Concepción (Cádiz) y Jaén. Además tengo varios proyectos de música de cámara y la grabación de un disco para este verano, con obras de compositores sevillanos.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Alicia Pire Méndez de Andés

Alicia Pire Méndez de Andés

Publicado: Enero 2014
La gerencia que la OCG necesita

La Orquesta Ciudad de Granada está afrontando una etapa de renovación como institución artística. Tras la designación el pasado año de Andrea Marcon como su director artístico, ahora le ha llegado la hora a la gerencia. La jubilación de José Luis Jiménez, anterior gerente, dio lugar a un concurso para ocupar este cargo. Tras un proceso de selección, Alicia Pire Méndez de Andés era designada como nueva gerente el pasado 23 de mayo. Asturiana de nacimiento, es licenciada en Geografía e Historia, y posee formación complementaria en dirección de empresas consultoras de protocolo y en gestión de eventos. Cuenta con una amplia experiencia profesional en el campo cultural, principalmente desde el ámbito privado, a través de Etc&R Gestión de la Cultura Global, empresa de la que ha sido socia y co-gerente. La nueva gerente de la OCG ocupa el cargo en un momento económico difícil, tanto por las deudas que arrastra la institución como por la crisis económica a nivel nacional, lo que ha hecho necesario apretarse el cinturón y reinventar una forma efectiva y sostenible de mantener el principal proyecto cultural de Granada. A través de esta entrevista nos desvelará las claves de su proyecto.

Desde el pasado mes de mayo es usted gerente de la OCG. ¿Qué opinión le merece esta formación, dentro del panorama nacional actual?

La OCG sigue siendo una orquesta singular, pues ofrece una gran calidad musical, un alto grado de responsabilidad profesional y una búsqueda de la excelencia por parte de sus miembros. Pese a ser una orquesta joven, sus componentes han adquirido un grado de madurez que les permite mostrar su flexibilidad y capacidad de adaptación a cada director invitado, poniendo todo su espíritu y experiencia en hacer su trabajo lo mejor posible.

Llega a su cargo de gerente en Granada desde una experiencia profesional diferente. ¿Ha supuesto un cambio de trayectoria pasar a gestionar una entidad tan arraigada en una ciudad como Granada, que debe rendir cuentas ante un consorcio institucional financiado con fondos públicos?

Conocía este tipo de entidades como clientes en Etc&R. El principal reto que se me plantea en la OCG es gestionar una entidad de carácter público con una mentalidad desde el punto de vista privado. Creo que es lo más adecuado en estos momentos, cuando los fondos públicos escasean y las entidades públicas deben reinventarse; hay que promover un cambio de perfil de la financiación de las entidades sin perder nunca de vista una búsqueda de la eficiencia. De momento, estoy acometiendo procesos de análisis y ajustes en la organización de la institución para optimizar mi gestión futura.

¿Había tenido contacto con la OCG con antelación a su llegada a Granada? ¿Y con la vida cultural granadina en general?

Si, conocía la vida cultural granadina antes de trasladarme aquí a vivir. Mi marido es granadino y, aunque hemos vivido en Madrid hasta hace poco, hemos venido a Granada siempre que los quehaceres profesionales y personales lo permitían. La jubilación de mi marido coincidió con el concurso de la gerencia de la OCG, por lo que vi la oportunidad de presentarme a este cargo como un cambio personal y profesional, ya que supondría centrarme por completo en un proyecto cultural concreto y, al mismo tiempo, instalarme en una ciudad como Granada de tamaño medio, similar a Oviedo, la ciudad donde nací; en estos momentos de mi vida me resultaba atractiva la idea de un cambio.

En su presentación definió entre sus líneas de trabajo el mantener el alto nivel artístico de la OCG en tiempos de crisis. ¿Se trata de un proyecto de consolidación a partir de lo que ya existía, o hay expectativas de crecimiento y desarrollo a medio plazo?

Todas las organizaciones son hijos de su historia.  Mi incorporación a la gerencia de la OCG ha coincidido con la llegada de Andrea Marcon. Ambos asumimos un proyecto común de consolidar lo que ya había. El actual equipo quiere, a medio plazo, volver a cotas de internacionalización y de conocimiento de la OCG fuera de las fronteras de Granada, lo que se constatará en proyectos de gira a partir de 2015, y participación en festivales, como el de Musika-Música de Bilbao en 2014. También se está trabajando en el ámbito de las grabaciones, que se plasmará ya en 2014 con proyectos para dos importantes sellos discográficos.

Por otra parte, pretendemos que el buque insignia de la institución sean los aspectos sociales y educativos. Estamos manteniendo un nivel de programación de calidad, consiguiendo a solistas y directores de alto nivel artístico pese a que no podemos pagar en estos momentos unos cachés altos. Además, trabajamos en la celebración del 25 Aniversario de la OCG en 2015, para el que pretendemos invitar a solistas y directores de cierto renombre.

En tiempos de crisis el vil metal parece ser el culpable de todos los males. En este sentido, ¿se puede decir que las instituciones han mermado su interés por el proyecto de la OCG y, por tanto, su apoyo financiero? ¿Es necesario abrir las puertas al sector privado?

Creo que es necesario realizar una puntualización. La financiación pública está reduciéndose debido a los recortes, pero no creo que eso quiera decir que haya reducido su interés por nuestro proyecto cultural. Cualitativamente, hay un interés muy alto por parte de las entidades públicas por la OCG, siendo de un 85 % el presupuesto cubierto por ellas; se intenta que los recortes no afecten demasiado a la institución. El problema es que se arrastra una deuda importante, a la que es necesario hacer frente y que supone recortes importantes en un corto periodo de tiempo, ya que en 2015 queremos tenerla saldada.

En líneas generales, es muy necesario cambiar el perfil de financiación de las instituciones culturales en todo el sector cultural español, es un camino imparable a medio y largo plazo, y en ese camino se deberá contemplar un lugar, como ocurre en Europa, al sector privado. La OCG deberá ser también generadora de beneficios, para lo que hay que ser más transparentes y convencer a toda la sociedad para que participe en el apoyo a la cultura.

A nivel artístico, la llegada de Andrea Marcon ha renovado la programación de la orquesta, que está agradando al público incondicional y atrayendo nuevas incorporaciones. ¿Hay proyectos artísticos de gran envergadura en el futuro dignos de reseñar? ¿Se contempla una línea de programación concreta para las próximas temporadas?

Andrea Marcon está trabajando muy intensamente en la OCG, y está en continuo contacto con la gestión de la misma, ideando ya las próximas temporadas. Algo que creo que es muy interesante en su idea de programación es su apuesta por las integrales de grandes autores. Este año ha sido Schumann y el año que viene serán Bach y Brahms. Se apuesta por la diversidad de estilos: barroco en el ciclo de otoño, presencia del romanticismo, etc. Se busca la variedad, y se atrae a nombres de prestigio a nivel internacional: Swensen, Höbarth ya han estado y pretendemos que vuelvan. A medio plazo se prevé también programar ópera, aunque habrá que esperar a sanear las cuentas.

Otra de las líneas de trabajo definidas en su presentación es el refuerzo de la vocación social de la OCG. ¿En qué acciones concretas se está trabajando?

Este año hemos puesto en marcha el proyecto “El corazón de la OCG”, con el que hemos querido acercarnos a la sociedad granadina; es el primer paso para un proyecto que tendrá su puesta de largo en la próxima temporada, que se llamará “La OCG social”, y que tendrá tres áreas de acción:

1) “El corazón de la OCG”: un proyecto social que permitirá a los músicos ofrecer su labor interpretativa con carácter solidario y altruista.

2) Renovación pedagógica: el área educativa y de divulgación se llamará “Crecer con la música”, y se centrará en la difusión de la música desde los primeros años de enseñanza infantil hasta la educación secundaria. Tendrá un apartado de trabajo en el aula, con experiencias piloto de trabajo en los centros. También se incentivarán los conciertos en familia.

3) Formación musical para músicos profesionales: se mantendrá la Joven Academia y además se implementará la parte práctica de un master para músicos profesionales que pretendemos que sea una iniciativa de formación de práctica orquestal. Los jóvenes trabajarán durante todo el año con los músicos de la orquesta, tanto a nivel particular como en la interpretación colectiva.

Como melómana y como gestora cultural habrá tomado contacto con distintas audiencias; ¿qué opinión le merece el público granadino?

El público granadino es excelente: es exigente, porque tiene conocimiento musical, y es muy fiel. Una orquesta la forman los músicos, pero también su público, que busca igualmente la excelencia, y escucha con el alma. En Granada el público anima a la OCG y la apoya, pero también le empuja a seguir siendo una gran orquesta.

El Coro de la OCG fue un empeño de Josep Pons, quien lo creó, y ha sido el ojito derecho de Salvador Mas. Sin embargo, su existencia siempre se ha visto amenazada por las dificultades económicas. ¿Cree que Granada necesita un coro como éste?

Absolutamente. Yo diría que Granada y, sobre todo la OCG, necesita un coro de calidad. Una orquesta de calidad es mejor orquesta si tiene a su coro. Una ciudad tan musical como ésta necesita también un coro que complete la labor de su orquesta. Es más, creo que se podría hacer más por la música coral, animando al público a asistir a una temporada estable de música coral, e incluso en el futuro a una temporada de ópera.

La incorporación de Lluís Villamajó a la dirección del Coro de la OCG ha supuesto una brisa de aire fresco para la formación. Sin embargo, todavía se adolece de los apoyos institucionales necesarios para el desarrollo y consolidación del coro como un proyecto artístico de envergadura dentro de la propia OCG. ¿Cuál es la postura de la gerencia al respecto?

En estos momentos de dificultad económica lo más fácil para la gerencia habría sido prescindir del coro, al no existir presupuesto para él. Sin embargo, Lluís Vilamajó me transmitió su entusiasmo por esta iniciativa y me enamoró. Me hizo caer en la cuenta de que la existencia del coro dependía de que hubiera una persona como él que lo dirigiera y unas expectativas. Él representa este espíritu y se ha adaptado estupendamente a las circunstancias tan precarias en las que nos encontramos. Acabar con algo es muy fácil, pero volverlo a crear es muy difícil. Por ello se ha apostado por la propuesta de Lluís por mantener la existencia del coro y construir, a partir de unas bases estables, un proyecto de futuro. Pero es necesario tener paciencia y esperar a un momento económico más favorable para el crecimiento. Creo que este proyecto del coro de la OCG puede ser un área en la que se apueste por la financiación privada.

Muchas gracias por su tiempo y atención. Como reflexión final, ¿quisiera añadir algo?

Agradezco el apoyo que estoy teniendo de la dirección artística y, sobre todo, del colectivo profesional de la orquesta. El trabajo que hacen día a día por mantener el nivel de la OCG es encomiable; están muy involucrados y motivados para mantener la calidad y tocar como nunca.

Gonzalo Roldán Herencia

www.orquestaciudadgranada.es

Marcos Ripoll

Marcos Ripoll

Publicado: Enero 2014
Un tubista que rompe barreras

La tuba es un instrumento cuya presencia física y sonora es imponente. Dentro de la orquesta sinfónica cumple el papel de sostén armónico de la sección de metales dado su registro grave y profundo. El gran tamaño de la tuba ha dificultado históricamente su desarrollo individual como solista, lo que no ha impedido que un apasionado por la música y su instrumento como Marcos Ripoll haya explotado al límite las posibilidades técnicas y expresivas de la tuba alcanzando el reconocimiento entre músicos, compositores, público y crítica. Hace un año Marcos Ripoll presentó su primer disco “Mediterranean Tuba”(Dahiz) trabajo formado por piezas de música española de Albéniz, Granados, Tárrega y López-Chávarri, arregladas por él mismo para tuba y piano; obras que interpreta con magistral limpieza y expresividad, con un virtuosismo sorprendente junto al pianista Stephanos Spanopoulos.

¿Dónde inició sus estudios musicales y por qué se decidió por la tuba?

Inicié mis estudios en la S.M.I. Santa Cecilia de Cullera, mi ciudad natal. A los 12 años empecé con la tuba. Puede resultar sorprendente esta elección en un niño, pero yo contaba con el ejemplo de mi hermano que estudiaba el fagot, un precioso instrumento tampoco muy común y me aconsejó que la tuba podía ser una buena elección. Poco a poco mi relación con la tuba se intensificó, el instrumento incrementaba el placer de tocar, tanto solo como en grupo, y ya no pude plantearme que ningún otro instrumento pudiera ser el que me acompañara en mi carrera musical.

¿Qué nos puede contar de su formación musical? 

Me titulé en el Conservatorio Superior de Música “Salvador Seguí” de Castellón. Posteriormente y con la clara intención de ofrecer a mi carrera una perspectiva internacional, cursé licenciatura en la especialidad de Tuba en las Reales Escuelas de Música de Inglaterra, (The  Associated Board of Royal Schools  of  Music). Obtuve la Medalla  de plata durante mis estudios en el Conservatorio de Persignan (Francia). Siempre con intención de ir un paso más allá, realicé un Postgrado Maestro en Análisis e Interpretación Musical en la Universidad  de Oviedo y, finalmente, concluí un Postgrado en Suecia impartido por la Lund  University  Musikhögskolan de Malmö, en Tuba e interpretación musical.

Como solista, ¿qué conciertos  de los que ha realizado a lo largo de su trayectoria profesional  destacaría? 

Mi presentación como solista a los 17 años fue con el Concierto de Vaughan Williams, bajo la batuta de Álvaro Albiach en Cullera. Después, destacaría el concierto que tuvo lugar en la Sala Mozart  del Auditorio de Zaragoza en 2003, con la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Valencia, con Cristóbal Soler a la batuta, donde interpreté el Concierto para tuba y orquesta de John Williams con muy buenas críticas, siendo seleccionada más tarde esta pieza para el disco conmemorativo del décimo aniversario de dicha orquesta. También he ofrecido recitales y conciertos de solista en los auditorios Príncipe Felipe de Oviedo, Club Diario Levante, CM Lluís Vives de Valencia, Fundación Marcelino Botín en Santander, Teatro Amaia de Irún y, como no, en el Caroli Kirka en Malmö (Suecia).

La tuba no es un instrumento que usualmente tenga un papel solista. ¿Cómo se adapta un instrumento a esta faceta?

Ha dejado de ser una excepción que instrumentos tradicionalmente de fila tomen el puesto de solista. Es cierto que en el caso concreto de la tuba su función esta claramente definida dentro de la interpretación en grupo. En este sentido, la dificultad y de ahí el mérito radica en saber adaptarse a cada situación. Ser solista requiere de mucha iniciativa y paso firme, saber qué quiere hacerse y cómo hacerlo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos? ¿Hay  alguno que le haga una especial ilusión?  

Siempre me encuentro inmerso en nuevos proyectos. Estoy trabajando en la grabación de un segundo CD tras la buena acogida y repercusión del primer disco. En cuanto a otros ámbitos, estoy estudiando proyectos de diversa índole entre los que se recoge un arduo trabajo de recuperación de partituras o incorporar la música como un factor más de innovación social. En estos proyectos colaboro con la agencia Apropos, que trabaja para ofrecer ese nuevo enfoque en el mundo de la música.

En su primer CD todas las obras eran arreglos de compositores españoles.  ¿Para su próximo disco nos puede avanzar como serán las líneas generales? 

Las obras también serán de compositores españoles. Nuestra intención es elaborar un abanico de varios estilos compositivos, incorporando y sorprendiendo con obras de jóvenes compositores, y a su vez incluir piezas recuperadas del olvido para que novedad y tradición suenen de la mano en este CD que contribuirá a ampliar el repertorio musical. Un disco que pretende romper barreras, ofreciendo piezas de música española original o adaptada para tuba, con vocación de presencia internacional.

Más información: www.musicapropos.com
www.marcostuba.es 

Elena Trujillo Hervás

Paula Coronas

Paula Coronas

Publicado: Enero 2014
La emoción que da en la tecla

La destacada pianista y estudiosa Paula Coronas pisa firme en el panorama musical actual. Su ascendente trayectoria ha sabido consolidarse con progresiva madurez y con la dedicación exhaustiva de una intérprete que sabe a donde va. Su talento y capacidad artística han recogido ya importantes frutos, que continúan cosechando una imparable ola de éxitos. Melómanos y expertos requieren su presencia  por su sensibilidad, especial poder de comunicación y singularidad, y entre sus numerosas virtudes se destaca con frecuencia la inteligente mirada de esta artista polifacética, que se dirige hacia repertorios variados e interesantes: sus “bien pensados programas” son ya una constante muy valorada en su puesta en escena, donde Paula Coronas ofrece siempre lo mejor, su personalidad y su esencia.

Tras su reciente gira de conciertos por ciudades como Alicante, Málaga, Jaén y Cádiz (donde acaba de cosechar un importante éxito en la clausura del  Festival de Música Española), acaba de ser nombrada Vocal de Música del prestigioso Ateneo de Málaga, su ciudad natal. ¿Qué significa para Paula Coronas este nombramiento y qué responsabilidades tiene?

Ante todo es un orgullo enorme para mí. Pertenecer a esta histórica institución supone ingresar en esta magnífica cuna del saber, del libre pensamiento y del debate, tres vértices que han presidido siempre el Ateneo malacitano, fuente inagotable de intelectualidad. Por lo tanto, aceptar este reto significa un fuerte compromiso. El día 16 de enero inauguramos un ciclo de conciertos con un recital mío en el Auditorio del Museo Picasso de Málaga, espectacular marco para abrir en el futuro una estrecha línea de colaboración con este espacio. Se trata de un programa en el que he tenido muy en cuenta los aspectos visuales y tímbricos de la música, y sus múltiples relaciones con el contexto literario, poético o descriptivo, por lo que he elegido obras de compositores como Debussy, Liszt y Scriabin, entre otros.

Este año 2014 celebramos el 65 aniversario de la muerte del insigne compositor sevillano Joaquín Turina. Como especialista en Música Española, seguramente tendrá previstos algunos recitales que incluyan esta significativa efeméride.

Por supuesto. Joaquín Turina representa la figura de un artista integral, cuyas numerosas facetas (pianista, compositor, profesor, crítico, director, articulista…) constituyen a día de hoy grandes hallazgos para investigadores e intérpretes. Su magisterio en el piano ha alumbrado espléndidas partituras llenas de gracia, exquisitez y belleza, tales como el Tríptico de Mujeres españolas Op. 17 que incluyo muy a menudo en mis recitales. Como la crítica ha resaltado en ocasiones, se trata probablemente de su mejor composición pianística. La incluiré el próximo día 30 de este mes en un recital de la ilustre Sociedad Filarmónica de Conciertos de Málaga, donde precisamente el propio Turina estrenó algunas de sus páginas. Tendremos el honor de contar, en esta ocasión, con su nieto, Fernando Turina.

En la misma línea de grandes creadores andaluces, la emblemática personalidad del gaditano Manuel de Falla sobresale especialmente. Entre sus próximos compromisos vemos varias citas con su música. ¿De qué se trata?

Así es. Me apasiona el orbe fallesco, su mundo interior, el contexto que le rodeó, su pensamiento y su autenticidad. Todo lo fue y grande Manuel de Falla. El próximo 18 de mayo tendré la satisfacción de unirme a la Orquesta Bética de Sevilla, que el propio maestro fundó, para interpretar como solista la versión que Falla realizó especialmente para esta agrupación de su genial obra Noches en los jardines de España. Será bajo la experta batuta de Michael Thomas. Un encuentro ilusionante.

Usted comparte su dedicación concertística con la pedagógica, otra de sus pasiones. En este campo también tiene proyectos.

Me resulta gratificante la labor docente. Contribuir en la formación y evolución musical de jóvenes es apasionante, aunque complejo. De esta forma trato de reciclar también mis conocimientos y aportar, sin dejar de recibir. Suelo estar presente en jurados de concursos nacionales e internacionales, como el Premio Santa Cecilia de Segovia, donde estuve recientemente, o el Premio Internacional de Piano de Xavia, donde me han invitado en mayo. En verano asistiré como pianista y profesora invitada por España para impartir clases magistrales y conciertos en Shangai (China). De nuevosonará la música española.

www.paulacoronas.com

E.T.H.

Foto: La pianista Paula Coronas.
Acred.:Daniel Moreno Acedo

Juan Durán

Juan Durán

Publicado: Enero 2014
Perfumes galegos en la obra del compositor vigués

La música de Juan Durán, compositor vigués premiado recientemente con el Premio de la Cultura Galega, concedido por la Xunta de Galicia, acaba de ver la luz en formato DVD con el espléndido registro grabado en el Palacio de la Ópera de A Coruña, con su obra Alborada de noite e de luz, a la que hay que añadir la grabación efectuada en 2008 de Cantiga Finisterrae, ambas avaladas por intérpretes de la talla del Orfeón Donostiarra, el Coro de Cámara del Palau y la Sinfónica de Galicia; solistas como Lola Casariego y José Antonio López y la dirección nada menos que de Víctor Pablo Pérez. Por este motivo RITMO habló con el compositor.

La cantata titulada Cantiga Finisterrae, obra sinfónico-vocal de 2001, es uno de los trabajos que incorpora este DVD ¿Cómo valora esta obra?

Entre 1998 y 1999 escribí la Cantiga Finisterrae para múltiples voces de luz (cantata en cinco movimientos), sobre un poema de Miguel Anxo Fernán-Vello, por encargo de la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG) para celebrar el cambio de milenio. Se estrenó el 31 de octubre de 2001, dirigida por Víctor Pablo Pérez, con la Joven Orquesta Sinfónica de Galicia, el Coro de la OSG, y los solistas Laura Alonso y Joseba Carril. La buena acogida de público y crítica mereció la reposición de la obra en dos ocasiones más, una de las cuales se presenta en este DVD: la versión que hizo la OSG para clausurar la temporada 2007-2008. También me gustaría mencionar la interpretación que la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs viene haciendo del cuarto movimiento de esta cantata, bajo el título de O límite increado do mundo, tanto en un CD, editado por el sello Verso y que lleva el título de Lela, como en distintos conciertos: Festival Lírico de Ópera de Benicàssim en 2012 o, más recientemente, en el Festival de Frutillar (Chile).

En la Alborada de noite e de luz, que es una de sus obras más recientes, incorpora piezas tradicionales gallegas. ¿Cuál fue la gestación de este nuevo trabajo?

Alborada de noite e de luz fue escrita entre 2011 y 2012 y estrenada el 12 de mayo de 2012 en el marco del concierto inaugural del Festival Mozart. Lleva por subtítulo Suite sinfónica sobre temas populares Galegos. La idea fue construir una obra sinfónica utilizando como material temático, susceptible de ser desarrollado, algunas piezas o simplemente citas populares tomadas del folklore gallego, en la línea de otros trabajos míos que han visto la luz en la última década y que fueron decisivos en la gestación de la presente producción: la cantata Cantiga Finisterrae para múltiples voces de luz; el poema sinfónico O soño de Breogán (con el que gané el Primer Premio de Composición de la Federación Galega de Bandas, en 2008); y los arreglos y orquestaciones que hice en 2010 para el CD Lela, grabado por la soprano Cristina Gallardo-Domâs y la Orquesta Gaos, dirigida por Fernando Briones. Los temas populares gallegos aparecen diseminados a través de la obra, con un carácter rapsódico. Todos ellos provienen de los más importantes cancioneros gallegos: Casto Sampedro, Martínez Torner o Dorothe Schubarth, entre otros.

¿Qué nos puede decir sobre los intérpretes y la grabación de este DVD?

La presente grabación de la Cantiga Finisterrae cuenta con un elenco de lujo: la mezzo-soprano Lola Casariego y el barítono José Antonio López, junto a los coros de Cámara del Palau y el de la OSG. Por otra parte, contar con el Orfeón Donostiarra para la Alborada de noite e de luz es todo un privilegio. Pero quiero hacer mención especial del Maestro Víctor Pablo, con quien mantengo una estrecha relación. No en vano aún el pasado 6 de diciembre tuve la satisfacción de verlo dirigir mi felizcumpleañosmozart.com con la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Víctor Pablo ha mostrado una sensibilidad y una generosidad muy grande en relación con mi música. Ver estas obras servidas con tal riqueza de medios y con una entrega absoluta por parte del director, es algo desgraciadamente infrecuente para un compositor vivo. Lo mismo cabe decir del minucioso acabado tanto en la toma de vídeo como de sonido que hizo Antonio Cid, quien tiene una dilata experiencia como responsable de las grabaciones de la Orquesta Sinfónica de Galicia.

Gracias por su atención.

Gonzalo Pérez Chamorro

Juan Durán (Vigo, 1960) - Perfil biográfico

Miembro fundador de la Asociación Galega de Compositores, de la que fue Presidente. Es autor de más de un centenar de obras: música de cámara, vocal, sinfónica y escénica, además de trabajos didácticos y arreglos y orquestaciones de música gallega. Entre 1987 y 1997 fue profesor del Conservatorio de A Coruña y en la actualidad pertenece al cuerpo de Inspectores de Educación, en la especialidad de Enseñanzas Artísticas.

Fue laureado en distintas ocasiones: Álbum para Orquesta (Premio de Composición de la Universidad Carlos III de Madrid 2000); O arame, ópera en un acto sobre texto de Manuel Lourenzo (Premio de la Crítica de Galicia, 2008); O soño de Breogán, poema sinfónico (Primer Premio de Composición de la Federación Galega de Bandas de Música, 2008); 4 elementos, poema sinfónico (Premio de Composición del Festival Internacional de Música Española de León, 2011); Noso Pai, motete para coro y orquesta (Finalista del IV Premio Internacional de Música Sacra, 2011).

Recientemente, el 12 de diciembre de 2013, le fue concedido el Premio de la Cultura Galega, concedido por la Xunta de Galicia.

Miguel Trillo-Figueroa

Miguel Trillo-Figueroa

Publicado: Enero 2014
“Mi acercamiento a la música es más similar a el de un científico que el de un compositor...”

“Miguel Trillo-Figueroa pertenece a una generación de jóvenes compositores europeos que se ha planteado la composición como una investigación formal más allá de lo puramente intuitivo. Hijo de un arquitecto español, nació en el norte de Suecia el 4 de octubre de 1978, y la profesión de su padre ha sido determinante en algunos de sus rasgos como compositor, ya que los elementos de estructura son la base de su pensamiento musical”
(Escrito por el maestro Tomás Marco, que con estas palabras, incluidas en el folleto del disco Sinistra est Dextra, nos presenta e introduce un perfil del joven compositor Miguel Trillo-Figueroa)

“La Música es arquitectura liquida; la Arquitectura es música congelada”, la cita, preciosa, es de Goethe. ¿Qué significado cree usted que la profesión de su padre ha influido con respecto a su creación y a su punto de vista como compositor?

Probablemente la influencia ha sido comprensiva... Arquitectura y música son dos disciplinas que históricamente se han considerado estrechamente relacionadas. ¿Por qué? Pues porque el planteamiento estético prácticamente es el mismo. Es decir, el fruto de ambas disciplinas puede ser realizado a través de un cálculo cuidadosamente pensado de antemano.

Corríjame si me equivoco, pero ¿significa eso que el cálculo es con lo que habitualmente nos referimos a la estructura musical y lo que sería entonces para el arquitecto el plano arquitectónico?

Sí, en efecto. La labor del cálculo, o si prefiere la estructura, consiste en representar una visión general de cartografía y establecer/prever ciertos eventos musicales deforma determinada para, a continuación, guiar y facilitar el desarrollo de la composición.

¿Cuál es el punto de partida de su creación? ¿Qué le inspira a la hora de componer?

Depende... Aparte de la estructura general, antes deescribir una sola nota sobre el papel es necesario plantear un trabajo preparatorio, trazar un “plano”. El trabajo preparatorio consiste muchas veces en una búsqueda de un tema, no necesariamente relacionado con la música, que de forma adecuada puede ser plasmado en términos musicales y luego aplicado a la composición.

¿Puede mencionar un tema aplicado en alguna de sus obras anteriores?  

Evidentemente hay varios... Un ejemplo en concreto, entre otros, lo encontramos en Spectra, que está incluida y grabada en el disco Sinistra est Dextra, editado por la discográfica Verso. En la primera parte de Spectra apliqué parcialmente los movimientos de una partida de ajedrez que tuvo lugar entre el ordenador Deep Blue y Kasparov en el año 1996*. Los movimientos de la partida están aplicados determinadamente a los movimientos de glissandi en la sección de las cuerdas. Las casillas verticales del ajedrez 1-8, representan los intervalos, mientras que las casillas horizontales A-H, representan los tonos. Incluso los colores de las casillas en blanco y negro representan las notas naturales y sostenidas, exactamente igual que en el caso de las teclas del piano.  

Inquisitivo...

Naturalmente le puedo dar otros ejemplos, sin embargo es importante tener en cuenta que la fuente de inspiración no siempre tiene que ser basada de forma aplicada a través de un sistema, modulo, código morse o de un palíndromo, etc. Por ejemplo, en Escher Without Wings para orquesta de viento, el planteamiento es diferente al de Spectra. En el caso de Escher Without Wings,la fuente de inspiración fue un cuadro titulado Sky and Water I, realizado en madera, del artista holandés M. C. Escher, conocido sobre todo por sus diversas obras Metamorphosis. El proceso de la Metamorphosis en Escher Without Wingsconsiste en una distribución de la orquesta, dividida en seis bloques. Durante la primera parte de la composición los bloques gradualmente modulan de manera gráfica en cuanto a la notación de la partitura con el nombre “ESCHER” en letras mayúsculas. Invito a aquellos interesados a visitar mi página, a la sección “Texts”, que incluye un análisis extensamente detallado.

Me da la sensación que para usted la parte estética es primordial…

Indiscutiblemente cierto. De hecho, a veces, mi acercamiento a la música es más simular a la de un científico que a la de un compositor. La investigación estética puede incluso llegar a hacer en ocasiones más interesante el proceso que la propia composición. Supongo que mi postura musical es poco común, pero está relacionada con mis criterios, debido a lo que considero que es el “buen arte”, arte capaz de expresarse de forma multidimensional. Es decir, un arte universal, apreciado por todo el mundo, independientemente del nivel de conocimiento cultural, ya sea en música, arquitectura, pintura, poesía o las demás artes.

Mencionó antes que Verso acaba de lanzar un disco que retrata su música. ¿Qué tal fue la colaboración con ellos?

Fructífera, fue el último de 24 discos grabados en el proyecto Compositores Españoles y Latinoamericanos de Músicas Actuales de La Fundación BBVA. Tuve el gran honor de colaborar con intérpretes extraordinarios. Entre otros el neWMas Ensemble y la brillante mezzosoprano Magdalena Llamas, que juntos grabaron Light and Shadows. ¡Un trabajo verdaderamente excepcional! 

Agradezco el tiempo que nos ha dedicado espero que el disco sea un gran éxito.

Gracias a usted, el tiempo lo dirá...

Gonzalo Pérez Chamorro

* Deep Blue versus Gary Kasparov es la denominación genérica para las famosas partidas de ajedrez, jugadas a 6 partidas, entre la supercomputadora de IBM Deep Blue y el campeón del mundo de ajedrez Gary Kasparov. El primer match se jugó en febrero de 1996 en Filadelfia, Pensilvania. Kasparov lo ganó 4–2, perdiendo una partida, empatando 2 y ganando 3. Lo que en notación ajedrecística se escribe +3 =2 -1. En 1997, se disputó un segundo encuentro, que fue llamado “el más espectacular duelo de ajedrez de la Historia”. En esa ocasión, la supercomputadora Deep Blue, que había sido mejorada desde el anterior encuentro, ganó a Kasparov 3½–2½ (+2 =3 -1) (fuente: Wikipedia).

www.trillo-figueroa.com

 

Sato Moughalian

Sato Moughalian

Publicado: Enero 2014
Montsalvatge en perspectiva
Sato Moughalian, flautista y directora artística del Perspectives Ensemble, que dirige el músico nacido en Madrid Ángel Gil-Ordóñez, nos cuenta los secretos de este nuevo y espléndido registro de Naxos dedicado a uno de los grandes nombres de la música española y catalana del siglo XX, Xavier Montsalvatge.
 
¿Por qué Montsalvatge?

Xavier Montsalvatge es uno de los grandes nombres de la música española y de la cultura catalana en la segunda mitad del siglo XX. Mientras la gran mayoría de solo conocen de su repertorio las Cinco Canciones Negras, el resto de su enorme obra es bastante desconocida. Nuestra meta, con este proyecto, fue brindar toda la atención posible a esas otras obras, incluyendo su gran ciclo de canciones Cinco invocaciones al Crucificado. Montsalvatge, que también fue crítico, representa la vida cultural española y catalana en la segunda mitad del siglo XX, escribiendo tres óperas, obras orquestales, para solistas, música de cámara, ballets, música coral y canciones. Fue miembro de la llamada “generación perdida”, un término que se refirió a los artistas que maduraron bajo el régimen profundamente represivo de Franco. Nacido en Girona, en 1912, Montsalvatge estudió para violinista, pero decidió dedicarse a caminos paralelos en la música: interpretación, composición y crítica musical. Sus colaboraciones frecuentes para Destino y La Vanguardia lo mantuvieron al tanto de la corriente de las tendencias musicales en Europa, estando muy cerca de los principales intérpretes del momento, como Alicia de Larrocha, Victoria de los Ángeles, Pau Casals, Rosa Sabater o Montserrat Caballé, que tuvieron contacto directo con la obra del gerundense.
 
Casi nada…

Sí, fueron los grandes músicos de su generación. Estas asociaciones a largo plazo con estos músicos excepcionales fueron motivo de gran inspiración para su labor compositiva. La temprana evolución de Montsalvatge como compositor vino durante un período en el que la influencia todavía de la música de Wagner era muy grande, aunque en Cataluña se dejaron sentir con mucha fuerza las presencias francesas de Ravel, Satie o Poulenc. Aunque su música sintetiza los movimientos culturales de su época, tiene un trazo singular y personal, que lo define característicamente.
 
¿Cómo es la música de Montsalvatge?

Diría que poliestilística, con su sello propio e inconfundible. Su música abarcó una amplia gama de estilos, reflejando algunas tendencias principales de la música del siglo XX: serialismo o dodecafonismo (como en Cinco Invocaciones al Crucificado), neoclasicismo (Concertino 1+13), la transparencia serena del estilo francés (los ecos de las Gymnopedies de Satie en Folia daliniana), nacionalismo (Madrigal sobre un tema popular), politonalidad, sin olvidar su “relación” con la música y los ritmos antillanos. Esta lengua caribeña condimentó algunas de sus obras más conocidas, como las Cinco canciones negras, además de los Tres divertimentos para piano. También abrazó los sonidos de la cultura popular, incorporando no sólo formas de danzas como el vals, chotis, habanera y la sardana, también incluyó canciones populares y la saeta, formas musicales emblemáticas de la cultura española.
 
¿Podría explicarnos qué es el Perspectives Ensemble?

Perspectives Ensemble fue fundado en 1993 para presentar los trabajos de compositores en el contexto cultural e histórico actual. Examinamos el entorno al que estuvo sometido la creación del compositor, lo mostramos y lo explicamos, muestra la “perspectiva” que tuvo el creador cuando estaba componiendo su obra. Generalmente la música que hacen otros grupos es tocada sin más, pero nosotros la ofrecemos estudiando lo que le rodeó, danto al público la posibilidad de la comparación y el estudio. Por ejemplo, en este proyecto particular, miramos tanto la obra pictórica de Salvador Dalí, mostrando su obra paralelamente, a la vez que tocamos la música de Montsalvatge inspirada en Dalí, como en la Folia daliniana y Serenata a Lydia de Cadaqués, donde la presencia de Dalí se advierte con mucha fuerza. En estas obras toco la flauta, que tiene un papel destacadísimo en la música de Montsalvatge.
 
Gracias por descubrirnos nuevos mundos y conexiones en la obra de Montsalvatge.
 
 
Gonzalo Pérez Chamorro
Foto: Sato Moughalian.
Acred: DEVON CASS
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