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Pilar Montoya

Pilar Montoya

Publicado: Octubre 2014
Arte en la recreación histórica de la música y la danza

El perfeccionismo de Pilar Montoya se refleja en cada uno de sus movimientos cuando sube al escenario. Cada paso, cada expresión y cada detalle de su vestuario no es fruto del azar, sino de exhaustivos estudios realizados con gran rigor historicista que reflejan cómo era la música y la danza en el Renacimiento y el Barroco. Presidenta de la Asociación Española de Música y Danza Antigua (AEMDA), Pilar Montoya compagina su actividad como docente en el Conservatorio Superior de Castilla y León (COSCYL) con la dirección de la compañía Los Comediantes del Arte y las múltiples actuaciones como bailarina solista, clavecinista y directora de orquesta. Una artista polifacética que no entiende de fronteras cuando se trata de difundir la música y la danza histórica.

Hablar de Pilar Montoya significa referirnos a la música antigua, ¿de dónde viene esta pasión?

No se puede expresar con palabras. Es algo muy profundo que ya sentí la primera vez que escuché música antigua. Puede suponer un concepto muy amplio, pero yo lo concreto fundamentalmente en la figura de Johann Sebastian Bach, que es el músico con el que yo comencé esta aventura de la música y la danza histórica. Desde muy pequeña, al escuchar su música me emocionaba profundamente. Esa atracción hizo que me sumergiera en su mundo y estudiara a fondo todo lo que tenía que ver con su época.

En la actualidad, uno de los proyectos más ambiciosos que a lo largo de este año está desarrollando tiene mucho que ver con la familia Bach…

Efectivamente, se trata de poner música a la presentación de un libro-cómic sobre Carl Philipp Emanuel Bach, uno de los hijos de Johann Sebastian. El libro, que lleva por título “Carl Philipp Emanuel Bach. Una vida, una obra”, ha sido escrito por Francisco Delgado Montero e ilustrado por Miguel Joaquín Calvo, y lo estamos presentando en una gira de conciertos interactivos por toda España. Los textos y las imágenes son una delicia. En estos conciertos, me encargo de trasladar al público al siglo XVIII con un repertorio muy cuidado, es un homenaje a la familia Bach. Además, se pone voz a algunos fragmentos del libro-cómic y se proyectan algunas de las ilustraciones sobre el escenario.

¿Qué labor de investigación hay detrás de cada una de las piezas que interpreta en el clave o qué lleva al escenario a través de la danza?

Recurro a las fuentes originales, un trabajo muy laborioso y exhaustivo. Fuentes que pueden estar en archivos, bibliotecas antiguas, catedrales… en lugares curiosos y recónditos. Manejo documentos que pueden tener incluso 400 años o más, y eso resulta muy emocionante. Con esos escritos sobre la mesa, luego hay que saber interpretarlos, algo que supone mucho tiempo. Es casi un trabajo detectivesco, realmente apasionante y sobre el que también hay que aportar una buena dosis de creatividad artística.

¿Cómo concibe Pilar Montoya la recreación histórica a la hora de actuar?

La recreación no es copiar lo antiguo, sino basarse en ello, en lo que hay en las fuentes que se han conservado, y enriquecerlo con tu impronta personal. Una vez sobre el escenario, se trata de ofrecerlo al público como algo fresco. De alguna manera, tiene que parecer que la obra ha sido creada para el público actual.

Precisamente, Los Comediantes del Arte, compañía que dirige, es una de las mejores formaciones europeas especializada en recreación de música y danza histórica, ¿cuál es la clave?

Hay muy pocas compañías en España y en Europa especializadas en música y danza histórica. En nuestras actuaciones abarcamos repertorios de los siglos XVI al XVIII, y desde el año 2000 hemos ofrecido cinco espectáculos distintos, de diversas temáticas: Cervantes, Boccherini, un viaje a través del tiempo… Todos ellos los hemos llevado a festivales de toda España, y también fuera. Sin ir más lejos, este verano ofrecimos “Con mudanzas y meneos” en el Festival de Música Renacentista y Barroca de Vélez Blanco, en Almería.

¿Qué va a mostrar próximamente al público?

Diversas citas me esperan con la gira de presentación del libro-cómic dedicado a Carl Philipp Emanuel Bach, del que se cumple el 300 aniversario de su nacimiento. A principios de octubre, estaré en Braga, acompañada por Francisco Delgado. Va a ser un mes de mucha presencia en Portugal porque acudiré a Lisboa en dos ocasiones para ofrecer, en primer lugar, una comunicación sobre la Contradanza en España en el siglo XVIII y, posteriormente, participaré en un simposio sobre música iberoamericana. Ya en noviembre, tengo citas en Salamanca, Zaragoza y Burdeos, donde participo con una ponencia sobre la danza en la Corte de Felipe V. En diciembre, El Mesías de Haendel en Oviedo, con la Orquesta del Principado de Asturias, bajo la dirección de Eduardo López Banzo. Ya para el año que viene, estamos ultimando los detalles de una actuación de clave que llevo a Buenos Aires para el mes de abril, y en mayo actuaré como solista con el Cuarteto Bretón y los Quintetos del Padre Antonio Soler.

www.pilarmontoya.es

Elena Trujillo Hervás

Foto: La polifacética artista zaragozana Pilar Montoya.

 

Ensemble Praeteritum y Pablo Suárez Calero

Ensemble Praeteritum y Pablo Suárez Calero

Publicado: Octubre 2014
Explorando el Barroco

Creado en 2011 por Pablo Suárez Calero, el Ensemble Praeteritum afronta el Barroco desde la más pura originalidad posible, convirtiendo sus conciertos en experiencias tangibles con el exotismo de un periodo en el que la belleza estaba enlazada con las improvisaciones, cadencias, recitativos y fuertes contrastes dinámicos y expresivos. Así es el Ensemble Praeteritum, un conjunto joven, sólidamente formado, que se está convirtiendo día a día en un nuevo referente en la música barroca.

¿Qué es Ensemble Praeteritum y cómo surgió la idea de este proyecto?

En 2011 tuve la idea de crear un conjunto instrumental en el cual poder verter y desarrollar las ideas e influencias musicales que había ido adquiriendo a lo largo de mi trayectoria. En un principio, pensé en centrarme en el repertorio del barroco tardío italiano, pero con las ideas de los músicos que han ido formando el Ensemble, hemos ampliado nuestro repertorio.

Parece que desde su génesis Ensemble Praeteritum se ha especializado en el Barroco... ¿Son un grupo historicista exclusivamente?

Nuestro repertorio abarca todos los estilos, aunque últimamente estamos más centrados en el Barroco temprano y tardío. La interpretación que damos a las obras está basada en criterios personales más que puramente historicistas, y uno de nuestros objetivos es la búsqueda de la novedad en la manera de afrontar un repertorio conocido. Por medio de improvisaciones, cadencias, recitativos, fuertes contrastes dinámicos y expresivos, el Ensemble interpreta la partitura creando una belleza especial y muy personal, destinada puramente a la conexión con el público y a su disfrute.

Centran su repertorio en Conciertos de Vivaldi. ¿Por qué Vivaldi?

Creemos que es la expresión más sencilla y universal de conexión con el público: en multitud de ocasiones, con la más pura y austera construcción armónica, por ser un poco más preciso, se conecta directamente con el corazón del más entendido y del más profano en la materia. Personalmente, por formación y gustos, siempre tuve mucha relación con Italia y el repertorio italiano. Vivaldi me permite tener una gran libertad como intérprete, que es en lo que baso la línea artística del Ensemble. En ese punto sigo un criterio historicista, que es el dotar al intérprete de la creatividad que no está escrita en la partitura.

Háblenos más de su proyecto y CD “Vivaldi Senza Fine”…

Tuve la idea de interpretar Las Cuatro Estaciones como creo que se podría haber hecho en la época de Vivaldi. Intento rescatar las cualidades de la improvisación ornamental y la creación de recitativos instrumentales, de tal manera que cada movimiento y estación está enlazado con el siguiente, quedando así un concierto sin interrupción, como efectivamente ocurre en las estaciones comunes del año.

Algo más concreto. ¿Cómo se articula uno de sus conciertos? ¿Son conservadores en cuanto a la forma?

Ni en cuanto a contenido, gracias a esta nueva línea de expresión creativa que expliqué más arriba, ni en cuanto a forma, ya que nuestros conciertos se articulan en una sola sesión, sin pausa entre medias, para no perder la concentración del público adquirida hasta el momento. Además, intercalamos pequeñas aclaraciones verbales de las piezas que interpretamos, que refuerzan el conocimiento y la conexión con el público.

Háblenos un poco sobre usted, su formación y trayectoria profesional…

Estudié con Nicolas Chumachenco en la Hochschule für Musik de Freiburg (Alemania), con Salvatore Accardo en la Accademia “Walter Stauffer” de Cremona y en la Accademia Musicale Chigiana (Italia) y con Agustin Dumay. También estudié viola con Tabea Zimmermann. En los últimos años he trabajado como concertino invitado en la Orchestre Philarmonique de Marseille, Orchestre National Bordeaux Aquitaine, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Helsinki Philharmonic Orchestra, Royal Danish Orchestra, Trondheim Symphony Orchestra e Island Symphony Orchestra. He grabado para Radio Nacional de España, Radio France, RAI Italiana y Radio Portugal. En la actualidad soy profesor de violín en el Conservatorio Superior de Música de Aragón y concertino invitado en la Orchestre Philarmonique de Marseille.

¿Quién más compone el Ensemble?

El número de los componentes del Ensemble varía según las necesidades de nuestro ya amplio repertorio en cartera. Los miembros titulares son: Yulia Nefyodova, Ramón Andreu y Laura Delgado, violines; Paula García, viola; Marco Pannaría, cello; Laura Asensio, contrabajo; Pedro Jesús Gómez, guitarra barroca y tiorba. Ellos han estudiado en España, Italia, Alemania y Bélgica con maestros de la talla de Nicolas Chumachenco, Igor Oistrakh, Franco Gulli, Jordi Savall, Igor Ozim, José Manuel Moreno, Manuel Barrueco, Esko Laine, Diemut Poppen, Cuarteto Casals, Heime Müller y Günter Pichler.

¿Nuevos proyectos y conciertos a la vista?

Ahora mismo nos hallamos inmersos en la configuración de la nueva temporada de conciertos, de momento tenemos ya cerrados los siguientes: el 26 de octubre en el Auditorio de la Universidad Carlos III de Madrid y en el Ateneo de Madrid el día 2 de Noviembre; en diciembre en Almería; el 3 de enero de 2015 de nuevo Madrid, en Collado Villalba, y el 8 de febrero en Almuñécar, Granada. En lo referente a proyectos, actualmente estamos negociando y diseñando la producción de dos espectáculos que, esperamos, vean pronto la luz: una puesta en escena con decorado y luces de uno de nuestros programas en repertorio y una ópera barroca.

http://ensemblepraeteritum.com

https://www.facebook.com/pages/Ensemble-PRAETERITUM/219419781503064

https://www.youtube.com/watch?v=3VDPQ6DQ5c0

https://www.youtube.com/watch?v=2ZIw-MvJ4J8

https://www.youtube.com/watch?v=bA0oiHPEXQ0

Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: El Ensemble Praeteritum.
Acred: MICHAL NOVAK

 

Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2014
Dos décadas de música a los pies del Pirineo

El Ciclo ha llegado a su XX Aniversario con tres conciertos en los que ha predominado el repertorio de los siglos XIX y XX y un concierto extraordinario, centrado en la música barroca. Únicamente en una de las citas musicales el órgano del santuario ha sido el protagonista indiscutible, mostrando toda su riqueza tímbrica gracias a sus 4.072 tubos (Blancafort, 1.977); en las otras tres ha sonado junto a otros instrumentos como violín, flauta, viola y arpa.

A lo largo de estas dos décadas se ha ido consolidando como uno de los certámenes musicales más importantes de Aragón, como así lo refleja el numeroso público que ha acudido también en esta ocasión. Los conciertos han abierto nuevos caminos de la mano de los mismos músicos: colaboraciones entre festivales, originales combinaciones instrumentales… De hecho, dos de los organistas invitados dirigen su propio festival: Ribas, el ciclo de órgano de Andorra, y Ott, el de Versalles.

Ignacio Ribas, organista titular de la iglesia arciprestal de Sant Esteve, en Andorra, inauguró el Ciclo, ofreciendo un programa basado principalmente en autores contemporáneos, aunque también interpretó su propio arreglo del Concierto n. 6 de Soler (S. XVIII), en el que jugó con los ámbitos acústicos que ofrecen los dos órganos del santuario, situados uno junto al coro del presbiterio y el grande rozando la bóveda de ladrillo. En la Pieza Sinfónica de Usandizaga el intérprete puso de manifiesto todas las posibilidades sonoras del instrumento, desde los suaves fondos al luminoso “tutti”. El resto del programa se completó con el Te Deum del compositor letón P. Vasks, el Scherzo de Bossi y el Carillon Sortie deMulet, una brillante y alegre composición de gran vitalidad desde su momento inicial.

El quinteto “El Trovar” protagonizó la segunda actuación del Ciclo. Los zaragozanos Carolina V. Pimpinela (flautas de pico), Sergio Franco y Juan Bernués (violines); Laura Lafuente (violoncello) y Saskia Roures (continuo) ofrecieron un repertorio centrado en obras del Barroco italiano. “El Trovar” apoya sus interpretaciones en una sólida investigación sobre las fuentes, su contexto temporal y el uso de instrumentos de época, planteamiento reflejado en el concierto. El Settecento italiano se escuchó de la mano de autores poco conocidos como Cima, Bassano o Rognoni. Destacó la meticulosidad en la atención a la partitura y la pulcritud en el estilo. Especialmente comentada fue la Battalla de Barabaso yerno de Satanas, de Falconieri, una lucha entre el bien y el mal plasmada a través de los instrumentos. El musicólogo Álvaro Torrente destacó “la madurez de estos jóvenes músicos españoles, una muestra clara del alto nivel que estamos logrando en nuestro país”.

En el tercer concierto, el violista Daniel Ibáñez (Navarra) y la organista Maite Aranzabal (Torreciudad) ofrecieron un original programa. Ibáñez demostró un gran virtuosismo en la Romanza de Bruch, con un significado especial para él, ya que la interpretó en calidad de solista con la Orquesta Sinfónica de Gijón. Escuchamos cuatro de las siete canciones populares de Falla; la fibra sensible del público, mayoritariamente aragonés, quedó “tocada” con la Jota y la sonoridad de las castañuelas, utilizadas en dos momentos álgidos de la obra. Como cierre del concierto, tres piezas del gran genio Pedro Iturralde. En El molino y el río, sobre un tema popular vasco-navarro, se fundieron los orígenes de ambos músicos. Siguió la Miniatura Impromptu, composición ecléctica que ofrece en la sección central un pasaje de jazz, para terminar con Vals y Krytis, de la Suite Helénica, dejando un magnífico ejemplo de ritmos vivísimos y sonoridades increíbles de ambos instrumentos.

Los músicos franceses Isabelle Lagors (arpa) y Christian Ott (órgano) clausuraron el Ciclo con un programa dedicado a la Música Romántica e Impresionista, con especial atención al repertorio francés, logrando un ágil y continuo diálogo entre arpa y órgano. El romanticismo ruso tuvo su momento con Tchaikovsky y su Canción triste. En el Allegro de la Sonata n. 5 de Guilmant, quedó patente el virtuosismo de Ott. La segunda parte del concierto, dedicada al impresionismo, comenzó con Debussy. Su conocida obra para piano Claro de Luna fue interpretada de forma magistral, con una perfecta sincronización entre ambos instrumentos. El programa incluyó Imágenes para arpa, de Tournier, y como colofón, Introducción y Allegro de Ravel, donde se comprobó la rica amalgama de timbres, ritmos y combinaciones sonoras que ambos intérpretes son capaces de crear.

www.torreciudad.org/ciclo-organo/

Mª José Egido – Maite Aranzabal
Fotos: J.E. ESTIL-LES

Foto: El quinteto “El Trovar”, integrado por los zaragozanos Carolina V. Pimpinela (flautas de pico), Sergio Franco y Juan Bernués (violines); Laura Lafuente (violoncello) y Saskia Roures (continuo).

 

Pure Maria Callas - Warner Classics

Pure Maria Callas - Warner Classics

Publicado: Septiembre 2014
Maria Callas como nunca se había escuchado antes

Warner Classics presenta el proyecto más ambicioso que se ha llevado a cabo con el catálogo de Maria Callas: un revolucionario trabajo de remasterización que aglutina todas sus grabaciones con una calidad sonora incomparable. Por primera vez en la historia, un equipo formado por los mejores ingenieros de sonido de los legendarios Abbey Road Studios (donde ella misma, entre otros grandes, grabó parte de su legado) ha seleccionado los mejores masters originales para otorgarles la máxima calidad y profundidad sonora, convirtiendo estas grabaciones en el testamento más relevante de la estrella de ópera más grande de todos los tiempos.

The Complete Maria Callas Edition es una espectacular caja con 39 óperas, (en total 69 CDs), que recogen grabaciones entre 1949 y 1969. Esta edición incluye un lujoso libro con correspondencia de “La divina”, fotos inéditas y una amplia biografía. La primera caja se publicará el 23 de septiembre. Estos 39 álbumes serán además publicados individualmente en tres fases diferentes (los 19 primeros el 23 de septiembre, 10 álbumes el 21 de octubre y los 10 últimos el 11 de noviembre).

Pure Maria Callas

Pure Maria Callas es la nueva compilación que reúne en un solo CD una selección de las mejores y más exitosas arias remasterizadas, ofreciendo al oyente una calidad sonora inigualable, “como nunca se había escuchado antes”. Este recopilatorio estará a la venta en CD y Digital a partir del 23 de Septiembre.

Aunque ha transcurrido mucho tiempo desde que en septiembre de 1977 falleciera Maria Callas con tan solo 53 años (nacida como Ana Maria Cecilia Sofia Kalogeropoúlou en Nueva York, el 2 de diciembre de 1923 y fallecida en París el 16 de septiembre de 1977), hoy en día continúa siendo considerada icono y referente. Callas es la gran diva operística, toda una celebridad que destacó por su exquisito estilo y elegancia. La soprano griega, nacida en América, fue capaz, en su corta pero trascendental carrera, de revivir el bel canto y es reconocida como la cantante que ha definido la ópera en el siglo XX, sin perder en ningún momento su lugar entre los artistas clásicos con más ventas en el mundo discográfico.

Con el lanzamiento Callas Remastered - The Complete Studio Recordings, los amantes de la ópera podrán escucharla como nunca antes la habían escuchado. Warner Classics es ahora la propietaria del catálogo oficial de las obras de Maria Callas, este conjunto de 69 CDs deluxe contienen todas las grabaciones de estudio que realizó entre 1949 y 1969 para Emi/Columbia y el sello italiano Cetra.

Utilizando las cintas-masters originales de mayor calidad, cada grabación ha sido meticulosamente remasterizada en sonido 24-bit/96kHz en los Abbey Road Studios, toda la colección ha sido tratada con el mayor cuidado.

Pensada y concebida como la más completa y definitiva edición para el coleccionista, Callas Remastered presenta cada CD individual de ópera o recital con  su arte final original. Esta caja deluxe también contiene un libro de 136 páginas (los libretos de ópera y los textos de las arias se proporcionan en un CD-ROM) en orden cronológico con ensayos, biografía, fotos inéditas y reproducciones de cartas escritas por Maria Callas al equipo ejecutivo de la Emi y muy especialmente a Walter Legge (mítico productor discográfico y esposo de Elisabeth Schwarzkopf, con el que en 1953, en Florencia, Maria Callas hizo su primera grabación comercial para Emi, Lucia di Lammermoor; su última grabación y ópera completa fue en 1965 en París, una segunda versión de Tosca).

La colección también contiene óperas inacabadas y grabaciones completas de las óperas menos habituales de su repertorio, como Manon Lescaut y Carmen. Un productor  especializado como Andrew Cornall, ganador de un premio Grammy,  fue el responsable del proceso de remasterización del proyecto. Cuando Robert Gooch, ex ingeniero de sonido que trabajó en el pasado con Callas en varias de sus grabaciones, escuchó algunos de los tracks recientemente remasterizados, declaró: "estoy total y absolutamente impresionado, esto es toda una revelación; he estado a punto de llorar al escuchar en estas grabaciones la voz en “Casta diva".

G.P.C. / WARNER

Un volcán en permanente erupción

Tal vez el lector no lo recuerde, o puede que alguno que hile muy fino sí, pero este fue el título que nuestro colaborador, el llorado Gonzalo Badenes, quiso ponerle a su artículo dedicado en la sección “Voces”, que aún sigue dándonos cada mes el análisis de un cantante, que dedicó en aquella ocasión a Maria Callas, hablamos de septiembre de 1997. Estoy seguro que mi tocayo se hubiera entusiasmado con la calidad sonora de estos registros, que pueden comprobarse en un disco muestra (sampler), en el que los primeros compases de cada aria vienen ejemplificados. Primero se escucha un extracto de la nueva remasterización, a continuación se escucha el mismo fragmento con una remasterización antigua para que el oyente pueda experimentar la diferencia. Por último se escucha la pieza completa remasterizada, por lo que la comparación del audio es fresca y la memoria no tiene que dudar de si este o aquel era mejor: en menos de treinta segundos se comprueba que lo que está remasterizado ahora es de una calidad superior y permite descubrir nuevos secretos en estas grabaciones míticas.

Por ejemplo, en la Muerte de Isolda (en italiano algo tan poco wagneriano como “Dolce e calma”), en el laborioso proceso de búsqueda de las mejores fuentes y  masters posibles, Warner (que no Wagner) encontró un coleccionista privado que poseía una rareza, una copia prístina de esta música del sello Cetra de 78 r.p.m., en laca. En Abbey Road se realizó cuidadosamente la nueva transferencia. Esta particular laca tiene menos superficie swish que el prensado de la anterior remasterización, por lo que el audio es mucho mejor. Esta Callas es del año 1949, cuando, según Badenes, “acababa de cantar Isolda y Turandot en Venecia, incorporando en Florencia su primera Norma. Durante esos años, 1948 y 1949, se centró en el repertorio dramático (Tristan, Turandot, Forza, Aida), interpretando también a la temible Abigaille de Nabucco y grabando en Turín sus primeros discos con arias de Wagner y Verdi”. Lo que Gonzalo Badenes no supiera no lo iban a saber antes los de Warner, pero estos han encontrado el original de aquella grabación y el resultado es sorprendente.

Otro caso muy especial es el de “Ecco, il velen di Laura”, de La Gioconda de Ponchielli, en una grabación de 1952. La anterior remasterización se realizó en 1960 de copias de cintas analógicas del World Record Club, que contenían varias anomalías, incluyendo una notable reverberación. En la nueva remasterización de  2014 se ha eliminado esta excesiva reverberación, las nuevas transferencias han sido realizadas de una generación de cintas Cetra anteriores, halladas en el archivo Warner en Italia. De 1952 y Callas, Gonzalo Badenes nos dice: “realizó su debut definitivo en La Scala en diciembre de 1951 con I Vespri Siciliani; actuaciones en la Royal Opera House de Londres y especialmente su interpretación de los papeles de Norma, Lucia, Violetta y Medea, marcaron los comienzos de la gloriosa década de los cincuenta”. Como estas, son decenas los ejemplos de mejoras en la restauración sonora.

La voz, la mujer

Cómo es la voz de esta señora, de la que se ha hablado tan acertadamente en RITMO. Veamos. De nuevo Gonzalo Badenes, acerca de unas clases magistrales, afirmó que “Maria Callas, mater de la moderna interpretación dramática, es también la magistra de las esencias superiores que informan la tragedia teatral y musical” (febrero de 1996). Por su parte, Arturo Reverter, en un estudio titulado “Ángeles inalcanzables”, escribió que “cuando hablamos de soprano múltiple, surge de inmediato el nombre de la griega, voz inclasificable o, si se quiere, clasificable en diferentes apartados: se movía por igual en el terreno de la soprano ligera (Amina), lírico-ligera (Gilda) o lírica (Lucia, Elvira de I Puritani), todas ellas de coloratura; iluminaba la literatura spinto (Tosca, Margarita de Mefistofele, Butterfly, Magdalena de Chénier), dramática (Turandot, Aida, la versión italiana de Brunilda, Lady Macbeth), o drammatica d’agilità (Elena, Abigaille, Armida de Rossini, Norma). La voz sabía ser dulce y persuasiva. La extensión y la flexibilidad eran proverbiales” (marzo de 1998).

“Callas convenció al mundo operístico de que el bel canto no era solo belleza sonora y de línea, sino también drama y teatro”, aseguraba Ángel Carrascosa Almazán, mientras que Jesús Trujillo Sevilla, en el mismo número de marzo de 1998, afirmaba que “de escoger a la mejor soprano del siglo XX, sin cavilar demasiado, uno acaba respondiendo que fue la soprano greco-americana, aunque tenga también otras escogidas”. Concluyendo, un gran experto en voces y canto, Fernando Fraga, en un tono muy íntimo, escribió también en marzo de 1998: “En la adolescencia cayeron en mis manos dos discos de Maria Callas, de 45 r.p.m., con fragmentos de Lucia y Tosca. Aquella voz de graves cavernosos, agudos percutantes y con una forma de transmitir la palabra cantada que penetraba en el alma de aquel neófito, me despertó un sinfín de inexplicables emociones”. Esto es lo que posiblemente sientan los lectores que escuchen a esta “nueva” Maria Callas, emoción, labrada tras una calidad sonora antes nunca vista.

G.P.C.

Para + Info de la edición haga clic en: Pure Callas - Warner Classics

Entrevista con Antonio Moral, director del CNDM

Entrevista con Antonio Moral, director del CNDM

Publicado: Septiembre 2014
Proyectos itinerantes al frente del CNDM

Más vivo que nunca, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) afronta su cuarta temporada con la dirección de Antonio Moral. La apuesta es clara, diversificación de conciertos por todo el territorio nacional, apuesta por los creadores e intérpretes españoles y mucha música de un sitio a otro, tal como nos refirió Antonio, recién llegado de un viaje y con la maleta a cuestas, pequeña metáfora de lo que a él y su equipo les espera desde septiembre. En RITMO queríamos volver a encontrarnos con Antonio Moral, que nos contara de primera mano, y en eso pocos pueden competir con su capacidad narradora, cómo se ha gestado este milagro de programación y donde están los límites. Pasen y lean... 

Pedro González Mira: 250 conciertos, 21 ciudades… ¿Es esta una buena manera de paliar el hambre musical de este país?

Por primera vez en esta ocasión tenemos más conciertos fuera de Madrid que dentro. El 58% se hace fuera de la capital de España. Son 250 conciertos y 301 actividades…

Gonzalo Pérez Chamorro: Se cumple, pues, el apellido “Nacional” del Centro…

Por primera vez. Este era uno de los objetivos. En mi caso el diseño estaba pensado para que así fuese y así ha sido. Todo necesita su tiempo. Donde ahora coproducimos, fueron lugares en los que antes hicimos uno o dos conciertos para comprobar que efectivamente había un público, que la producción funcionaba y que nuestros socios tenían interés en el proyecto. En todos esos sitios habíamos organizado antes algo y nos había convencido su funcionamiento.

P.G.M.: Esto puede ocasionar un agravio importante, ya que su labor es mucho más interesante que las que se centran solo en Madrid y, sin embargo, a la hora de ver las subvenciones que tiene cada uno, ustedes creo que salen perdiendo.

Nosotros no tenemos subvenciones, tenemos un presupuesto. Esto es una actividad del INAEM, no nos concede dinero el INAEM. Como del mismo modo la OCNE y el Teatro de la Zarzuela son actividades del INAEM. Como actividad del INAEM, se me marcó unos objetivos concretos. Primero, que fuera un centro nacional; segundo, que se recuperara y se difundiera, en la medida de lo posible, nuestro repertorio musical; tercero, que se apoyara a la creación contemporánea, mediante encargos y difusión de obras de nuestros compositores, aunque dejamos las puertas abiertas a los extranjeros, algunos de ellos grandes desconocidos; y  cuarto, que nos ocupáramos de todas aquellas músicas que no tienen que ver con el repertorio, o con el gran repertorio, es decir, músicas como el jazz o el flamenco, para las que antes no había unos ciclos tematizados como tenemos nosotros. En estos ciclos la mitad del aforo se abona un año antes, es todo un éxito. Es una mecánica inusual, es otro tipo de público que compra con mucha antelación. A esto se añade el enorme interés de los intérpretes por actuar en una sala de acústica tan buena como la sala de cámara, acostumbrados a todo tipo de salas de dudosa calidad acústica… Y con el jazz ha ocurrido exactamente igual, es un público que además se está acercando a otros ciclos a los que antes no habría asistido. Recíprocamente hay un público del clásico que antes no se habría acercado a ciclos de estas características, pero que ahora han cruzado la línea. Todo esto produce mezcla de públicos muy interesantes. Ahora, al iniciar nuestra cuarta temporada, vista con la perspectiva de las tres anteriores, una de las claves del éxito de este proyecto es precisamente esto.

G.P.C.: Se comenta mucho que Antonio Moral se ha convertido en un mecenas para los intérpretes jóvenes de este país, que esperan y tienen oportunidades de actuar en los ciclos del CNDM…

Siempre me he preocupado de que los jóvenes tengan oportunidades en todos los sitios que he estado. El objetivo no es solo apoyar a los intérpretes españoles, es apoyar a los jóvenes intérpretes españoles. Hay que darles la oportunidad, ya que tienen una preparación extraordinaria. Un ejemplo es La Ritirata de Josetxu Obregón, que en el primer proyecto importante que hizo con el grupo grande y no con el Trío fue con nosotros. Hoy, La Ritirata funciona en toda Europa. Esta temporada presentamos a Ímpetus, el conjunto barroco de Yago Mahúgo, que casi no se ha estrenado públicamente. O el plan que hemos desarrollado con nueve pianistas españoles de una generación que oscila entre los 25 y 40 años, que harán la integral de las Sonatas de Beethoven, después de haberlas hecho aquí en Madrid. Es lo que les decía antes, primero pruebo las cosas, si funcionan, como fue este el caso, las giro. Con los compositores, igual, queremos que estrenen las obras, pero aún más que se reestrenen, que circulen. Todo esto viene bien para el intérprete, porque madura la obra; para el compositor, porque ve que su obra no es flor de un día y que la escuchan otros públicos y para que esos otros públicos tengan la oportunidad de escuchar ese estreno.

G.P.C.: Es de los pocos que asisten a los conciertos que organiza…

Fundamentalmente me gusta la música. Y voy al concierto, a los conciertos, porque son el resultado de todo lo que hemos pensado. Trabajamos casi dos años una serie de proyectos que culminan precisamente en el concierto. Y hay conciertos a los que asistimos que no son en Madrid para luego, por su éxito, culminar en Madrid, y viceversa.

G.P.C.: De este modo conoce bien los públicos, como el de Madrid, si es que hay varios públicos…

En Madrid no hay un público. En Madrid hay muchos públicos…

P.G.M.: Eso es un titular, Antonio…

…Tenemos nueve ciclos diferentes en Madrid, a los que asiste un público muy distinto a cada uno. Yo les invito a que se vengan con la idea de estudiar los públicos para que lo comprueben de primera mano. Existe un pequeño público, no más de doscientas personas, que asisten a todo lo que se hace, pero es una minoría, no es “el” público de Madrid.

P.G.M.: Pero ahora estamos en crisis, y a la hora de escoger dónde asistir se lo piensan más…

Lo de la crisis es un “cuento chino”…

G.P.C.: Otro titular…

…La crisis en música ha tenido una incidencia relativa. Todos los grandes proyectos que se hacían, organizados de una forma seria, son proyectos que continúan. Evidentemente, algunos de esos proyectos han sufrido una merma a consecuencia de la crisis. Hablamos de mermas de un 10 o un 15% en la bajada de los abonos o en la disminución de algunos conciertos. Hay gente a la que le ha afectado, eso es cierto. Pero han nacido nuevos ciclos en esta época de crisis. Por ejemplo, en el Auditorio Nacional, los de Ibercamera, La Filarmónica o Excelentia. Cuando la situación estaba peor que nunca, hace un par de años, ¡nosotros salimos al mercado con nueve ciclos distintos! ¡Y tenemos más del 85% de ocupación! La clave está en la diferenciación. Lo que es un error es hacer más de lo mismo. No tiene sentido que en Madrid haya hasta once ciclos distintos de música sinfónica, en los cuales se ofrecen prácticamente las mismas obras por orquestas intercambiables, que se escuchan sucesivamente cada año. Creo que hay un problema de crisis, pero en el espectador, que está harto de escuchar siempre lo mismo. Cuando uno ha escuchado en los últimos cinco años dieciséis veces la Cuarta de Brahms o la Quinta de Tchaikovsky, la saturación es evidente. Cuando veo el folleto informativo del mes en el Auditorio Nacional, veo que otra vez se programan estas obras, cuando ya habían sido programadas en bastantes casos el mes anterior… Entonces, ¿qué es lo que ocurre? Ahora no es lo mismo que hace  veinticinco años, cuando venía una orquesta importante a Madrid, con un director importante, o hacía una obra poco frecuente o una obra de repertorio. Para nosotros era todo un acontecimiento que Mravinsky hiciera la Quinta de Tchaikovsky con la Filarmónica de Leningrado. Pero hoy, eso se produce de una forma natural. Ibermúsica tiene 24 conciertos, hay pocas ciudades en el mundo que tengan 24 conciertos sinfónicos de primer nivel que ofrezcan el gran repertorio. Si a esto le añades los programas de la Orquesta Nacional, el de la RTVE, de la Sinfónica de Madrid, de la Orquesta de la Comunidad y varias de las instituciones privadas, dense cuenta de la tremenda oferta. Hay días que el Auditorio Nacional tiene dos sesiones de tarde, y en los dos casos el aforo está prácticamente lleno. Me hablaban de crisis, señores…

P.G.M.: Me consta que algunos privados van a tener serios problemas en vender abonos…

De esto se ha hablado hace años. Tal vez el problema no esté en vender el abono, sino en cómo venderlo. Es un público, y vuelvo a insistir, al que se le ofrece la misma cosa una y otra vez. ¿Por qué tiene tanto éxito el Barroco? Porque es nuevo. ¿Y por qué tiene éxito el Barroco entre un público más joven? Porque al público joven le gusta lo nuevo, lo más desconocido, lo que es una sorpresa. Hay músicas que son difíciles de clasificar, véase nuestro ciclo “Fronteras”, que es por lo que a la gente precisamente le atrae.

P.G.M.: Lo que usted hace lo hace desde un puesto público. La pregunta sería, ¿se puede hacer esto desde la privada?

Yo he estado programando esencialmente desde la iniciativa privada hasta que he llegado al CNDM. En el Teatro Real, que es un puesto público con planteamientos de funcionamiento privados, cuando fui director artístico, y en otros lugares donde también la iniciativa era privada, programaba de este modo. Y ahora, que he llegado a un puesto completamente público, me sirve todo mi bagaje anterior en la privada para desarrollar mi actividad. Intento ser coherente, honrado con el público, intentar que el público tenga lo que creo que el público quiere y necesita, sin intentar nunca educarlo. Achacar a la crisis la falta de ventas de entradas y abonos es un argumento para ocultar en muchas ocasiones la falta de imaginación del programador.

P.G.M.: Hay mucha música sinfónica muy buena que apenas o nunca se escucha…

Si yo tuviera hoy en día la responsabilidad de programar una orquesta sinfónica, que no es el caso del CNDM, que cubre formatos más reducidos, estoy seguro de que mi programación sería muy distinta de la que hacen mis colegas programadores de ciclos sinfónicos.

G.P.C.: Y si fuera privado ¿pensaría igual?

El privado es un señor que tiene una cuenta de resultados. Tiene que dar sentido a esa cuenta y detrás tiene la espada de Damocles, que si no hay rendimiento, no puede continuar, simple. Alfonso Aijón (Ibermúsica) hace muy bien lo que hace, porque además es lo que tiene que hacer. Y además es valiente, porque muchos de sus programas son muy atrevidos. Pero no le puedes pedir a Alfonso que te programe la integral de las Sinfonías de Glazunov o Weinberg. No, no se lo puedes pedir. También es verdad que hay un cierto público, muy abundante, que demanda ese tipo de programación “conservadora”. Pero hay muchos públicos…

G.P.C.: Que el CNDM tiene cazados…

Para estos públicos vamos a hacer La fida Ninfa de Vivaldi, Adriano in Siria de Veracini (el libreto, de Metastasio, generó más de veinte títulos homónimos en otros compositores -nota de este entrevistador-), también ignota en España; vamos a escuchar una ópera de Agostino Steffani, que hoy se ha puesto de moda, Niobe, Regina di Tebe, que creo nadie ha podido escuchar y menos completa…

G.P.C.: Y sin la Bartoli…

Eso, sin la Bartoli…. Haremos también King Arthur de Purcell, una preciosidad que creo no haber visto programada en Madrid. También habrá repertorio como la Alcina de Haendel…

P.G.M., G.P.C.: Si llama repertorio a Alcina

Vale vale, cómo son ustedes… Pero al menos se conoce bastante más que las anteriores. Y en los últimos veinticinco años no se ha puesto ni en versión de concierto ni por supuesto representada. Y haremos una Pasión de Bach, pero será la Pasión según San Juan, que se hace mucho menos que la de San Mateo. Qué quiero decirles con esto, pues que tenemos un ciclo “popular”, nos dicen, pero esta nueva temporada casi todo van a ser estrenos de obras totalmente desconocidas, eso sí, por intérpretes de primera.

G.P.C.: ¿Cómo nacen estas ideas?

Estas ideas nacen después de hablar mucho con unos y otros y de saber que se está haciendo por ahí fuera, meterse en coproducciones con varios teatros, como es el caso de La fida Ninfa, que con Andrea Marcon se hará en distintos lugares de Europa para recalar finalmente en Galicia. Partimos de un proyecto que, al unirse otras ciudades, ha sido posible. En definitiva, estos proyectos surgen estando en contacto constante con muchas personas involucradas.

P.G.M.: ¿Y no sería posible que el CNDM dispusiera de alguna orquesta, también del INAEM, ya que todos están en el mismo barco, con la que pudiera hacer ese tipo de repertorios menos frecuentes, léase por ejemplo los de la Nacional? Desde RITMO pedimos a las instituciones responsables que tomen nota…

Ese no es mi proyecto, yo trabajo para el CNDM. Respeto a mis colegas, desde aquí no voy a criticar a nadie ni entrar en un asunto que no es de mi competencia.

G.P.C.: Pero sí han acogido al Liceo de Cámara, que sin su amparo habría desaparecido…

En los dos últimos años había tenido problemas, pero en un último momento surgió el milagro y alguien se ocupaba del ciclo, salvando la siguiente temporada. Luis Gago, su director artístico, ya me había dicho que no lo iba a hacer. Pero uno pensaba que finalmente lo retomaría… Pero a finales de marzo vi que la cosa se iba a perder irremediablemente y decidimos, de común acuerdo en el INAEM, de ocuparnos nosotros del Liceo, cambiando un poco la idea, llamándolo Liceo de Cámara XXI, que es una ligera adaptación de lo que yo ya tenía hecho con las Series XX-XXI que hicimos en la sala de cámara. He tenido que matizar algunos programas, no otros. En el futuro lo readaptaremos con una vocación diferente.

G.P.C.: Es decir, ha sido adoptado con vocación de futuro…

Claro, ha sido adoptado para que la música de cámara tenga una presencia importante dentro de la programación madrileña. Porque no debemos de olvidarnos de un detalle. Si hay doce, trece o catorce ciclos sinfónicos, solo hay uno de cámara.

G.P.C.: ¿Y con qué comenzamos ahora en septiembre?

Los conciertos inaugurales del CNDM son fuera de Madrid. Uno en Illescas por el año del Greco, en la Capilla Mayor del Hospital de la Caridad (26 de septiembre), que conserva cinco lienzos originales del Greco pintados expresamente para esa iglesia, además de realizar en Illescas un concierto cuando no se había programado ninguno por el IV Centenario del Greco. La figura del Greco me interesaba mucho desvincularla del mundo pictórico puro, ya que aun siendo un pintor religioso, se está poniendo de manifiesto que era un pintor absolutamente mercantilista, pintaba temáticas religiosas porque su principal cliente era la Iglesia, una empresa con mucho poder económico. No era un pintor interesado en la temática religiosa y ni siquiera era religioso, en el sentido católico-cristiano, porque, para empezar, era griego. El programa que hemos preparado, muy interesante, interpretado por el grupo Cinco Siglos con la soprano Delia Agúndez, es de corte instrumental y profano, con una temática sobre la iconografía de los instrumentos musicales que aparecen en los cuadros del Greco. Antonio Torralba, el director de Cinco siglos, ha preparado un programa excelente, muy estudiado y trabajado, que oscila entre el Renacimiento y el Barroco, ya que el Greco está a caballo entre estas dos tendencias. El concierto posterior a este es en Cuenca, el 27 de septiembre, un proyecto con motivo de la apertura de las II Jornadas de Zarzuela promovidas por la Fundación Guerrero. Me interesa mucho abundar en la temática de la zarzuela barroca. Este concierto lo ofrecerán la soprano Ruth Rosique, la mezzo Marta Infante y Harmonia  del Parnàs, dirigidos por Marian Rosa Montagut, que ofrecerán una panorámica de lo que era la zarzuela barroca, previamente introducidos con una conferencia sobre los oficios en la zarzuela barroca. A la siguiente semana (2 de octubre), abrimos en León, como ya venimos haciendo habitualmente, con un proyecto con un fuerte carácter pedagógico, en el cual la selección de los alumnos que se hace del Curso de Interpretación Vocal Barroca en marzo por Eduardo López Banzo, que trabaja con quince o veinte chicas y chicos, conforman la base del concierto en el marco del Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León. En Madrid abrimos la temporada en el Museo Reina Sofía el lunes 6 de octubre con el Trío Arbós en George’s Odyssey, un proyecto videógrafico de Ana de Alvear, en el que se han encargado once composiciones a once compositores internacionales. Una ya estaba hecha, que es la que pudimos ver y escuchar en nuestra presentación, la de Jorge Fernández Guerra.

P.G.M.: Todo esto son las aperturas, pero el cierre no es menos interesante… ¿Cuánto tiempo hace que en Madrid no se escucha la integral de las Sonatas de Schubert?

Es la primera vez que se va a hacer la integral. Ya hice una vez en el ciclo de Grandes Intérpretes la integral de las Sonatas completas con Zacharias, pero en esta ocasión Elisabeth Leonskaja tocará también las incompletas. Ella cumple 70 años en junio, este es como el proyecto de toda una vida. Se va a desarrollar en varias ciudades europeas a lo largo de 2015, pero en Madrid será la única ciudad en la que se haga en un corto espacio de tiempo, un mes, conjugando con todo el piano de la Segunda Escuela de Viena, de Berg, Schoenberg y Webern. Estos conciertos, además, serán grabados para editar posteriormente una grabación en el sello con el que graba habitualmente Leonskaja. Si sintetizo, hay un tremendo trabajo detrás de cada proyecto, y este no es para menos.

G.P.C.: Para relajarse tiene su Bach Vermut

Eso va a ser la bomba. Forma parte de los actos con motivo del 25 aniversario del Auditorio Nacional y de la construcción del órgano. Tras los conciertos, montaremos un mercadillo en el hall del Auditorio, donde venderemos mojama, jamón de jabugo, tomates, quesos y nos tomaremos unos vermut comentando la jugada…

Cuente con nosotros, para Bach y para el vermut… Ha sido un placer.

Pedro González Mira
Gonzalo Pérez Chamorro

+ Info: http://www.cndm.mcu.es/

 

 

Zulema de la Cruz

Zulema de la Cruz

Publicado: Septiembre 2014
El canto de la creación

La música de la compositora Zulema de la Cruz invertirá este otoño la tendencia de la estación, en lugar de caer, su música ascenderá hacia lo más alto. Comenzando por la inauguración de la nueva temporada de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), que ha programado su nueva obra Canto a las víctimas inocentes junto al War Requiem de Britten, con la que se enlaza de modo natural en la confección de un programa de gran belleza. Por otro lado, dentro de los ciclos del CNDM, la madrileña estrenará The Outer Limits, para cuarteto de cuerda y electroacústica, dedicado a Claudio Prieto, que será interpretado por el Cuarteto Bretón en el Teatro López de Ayala de Badajoz el 11 de diciembre, dentro del ciclo Circuitos, junto a obras de George Crumb, Kaija Saariaho y Sofia Gubaidulina, en una representación con estas dos últimas de las mujeres compositoras europeas. Zulema, mujer inquieta, de fuerte personalidad y situada en la élite musical de este país, atendió a RITMO en vísperas de estos ilusionantes acontecimientos musicales.

¿Cuál es la estructura y cuál la instrumentación y cuerpo sonoro de Canto a las víctimas inocentes?

Los coros están utilizados como apoyo rítmico y melódico del trazo orquestal y de los solistas, siempre reforzando la comprensión del texto. Por ello la utilización de vocales, de palabras, frases, parlatos... El texto, en estructura de letanía, es del escritor Antonio Maura y está realizado para esta ocasión sobre las mismas ideas expuestas anteriormente. Esta obra es un homenaje al compositor Benjamin Britten, como consecuencia del encargo realizado por la ORCAM, Fundación SGAE y Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS), para interpretarse en su estreno junto al War Requiem de dicho compositor, como ha citado usted antes. Está dedicada al director que la saca a la luz, Víctor Pablo Pérez. La orquestación es para orquesta sinfónica con timbales y dos percusionistas, más coro mixto, coro mixto de cámara y coro de niños, además de soprano, tenor y barítono solistas. Tiene una duración aproximada de doce minutos y su estreno será el 22 de septiembre.

¿Qué nos puede decir de Gigantes y Molinos?

Por lo pronto que se repone el 22 octubre de 2014, en el COMA, con los pianistas Isabel Puente y Antonio Narejos. Está dedicada al Duo Cerutti y al Concurso Internacional de Piano “Compositores de España” y por la conmemoración del IV centenario de la publicación del Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, está compuesta en el verano del 2005. La relectura del Quijote dio el origen extra-musical de la partitura: la mezcla entre la fantasía y el materialismo, el sueño y la realidad. Los materiales que conforman esta obra provienen por tanto de dos mundos. Un mundo real, que está representado por bloques de notas que se repiten circularmente o aleatoriamente,  evocando el sonido del viento en las aspas de los molinos. Y un mundo imaginario de gigantes construido por acordes que representan los pasos de una danza de la época, la zarabanda, en sus tres variantes: zarabanda española, francesa e italiana. Estos materiales, tratados a manera de espejo entre los dos pianos, caminan por todos los registros, se contestan, se transforman y se entremezclan uno con otro, formando una simbiosis total. Sin embargo, la espacialidad del sonido está trabajada independientemente en cada piano, de tal forma que el oyente percibe los dos materiales viajando de un piano a otro. El número de proporción áureo da sentido a las secciones, puntos de tensión y cambios de material de la partitura. Todo ello está dentro de una estructura matemáticamente calculada. Las relaciones entre los sonidos, tanto horizontales como verticales, se basan en una serie interválica elegida a priori. Esta obra pertenece a un grupo de partituras de cámara, escritas para el IV centenario de Don Quijote: El Sueño de Don Quijote, para orquesta de cuerda; Idilio de un Caballero Andante, para grupo instrumental; La Cueva de Montesinos, para guitarra y El Viaje a la Ínsula, para trío de cuerda. Gigantes y Molinos es precisamente la última obra sobre esta temática.

Ha recibido en varias ediciones (2000, 2006 y 2010) el Premio de la Música, entre otros importantes galardones…

Sí, en 2000 fue “al mejor autor de música clásica”, por la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música con la obra El Color del Cuarzo para orquesta, encargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España (1999). Posteriormente ingresé en la Academia y recibí el premio en 2006 y 2010 por mi Concierto para piano n. 1 “Atlántico” y por Canciones del alba, respectivamente.

¿Podría explicarnos en qué consiste la música electroacústica?

Parece que es una cosa muy rara, pero el término “música electrónica” es también un término muy joven y muy fashion. Surgió a mediados del siglo 20 con determinadas corrientes estéticas y se usa tanto en la llamada música clásica como en la música pop, sólo que depende como se use. En mis conciertos he detectado mucha presencia juvenil y mucho interés en este tipo de música.

Tiene también pendiente el estreno de su tercer Cuarteto de cuerda para el CNDM. ¿Qué puede decirnos de este trabajo?

The Outer Limits, para cuarteto de cuerda y electroacústica, que supone mi Tercer Cuarteto, contiene electroacústica, y procede de muestras musicales grabadas por los propios intérpretes del cuarteto Bretón y posteriormente transformadas con diversas técnicas electroacústicas tratadas con el ordenador. El mundo sonoro creado por la electroacústica se entremezcla con las sonoridades producidas por el cuarteto en vivo y lleva la amalgama musical más allá de sus límites sonoros habituales. De ahí su nombre The Outer Limits, en español “Más allá de los límites”. La transformación en vivo de los sonidos producidos por el cuarteto y su mezcla con las partes grabadas, nos darán el resultado final. Sus tres movimientos están unidos por secciones puramente electroacústicas, que sirven de cohesión al discurso musical. El empleo del número áureo, la serie/sucesión de Fibonacci y las estructuras en racimo que provienen de la biónica, me proporcionan el marco estructural de la obra. Está dedicada al compositor Claudio Prieto.

Un intérprete de éxito

En su faceta interpretativa, Zulema es miembro de la Fundación y del Grupo Sax Ensemble desde 1993, como responsable de los medios electroacústicos. Este grupo ha sido Premio Nacional de Música 1997. Premiada en numerosos concursos de composición, asesora y jurado de múltiples instituciones, sus obras, encargo de diversas entidades, han sido interpretadas en Europa, Estados Unidos, Canadá, América del Sur, Japón, China y Australia. Su catálogo incluye todo tipo de formaciones, desde instrumentos a solo, cámara, electroacústica, multimedia, sinfónicas, sinfónico corales, música vocal y escénica.

Desde el año 1996 pertenece al Consejo Asesor del Concurso Internacional de Piano “Premio Jaén”, siendo en 1998 la autora de su obra obligada Trazos del sur para su XL Edición. Esta obra forma parte de la colección En Torno al Sur, que contiene ocho piezas compuestas entre los años 1997 y 2005. En el año 2005 el VI Concurso Internacional de Piano “Compositores de España” le dedica su edición y, en su acto inaugural, el Dúo Cerutti estrena la obra para dos pianos Gigantes y Molinos.

Una trayectoria llena de estrenos

En 2008 se estrena el Concierto n. 3 para violín y orquesta, “Tres Culturas”, como encargo de la Fundación Autor y la AEOS, con Manuel Guillén como solista y la Orquesta de Radio Televisión Española dirigida por Adrián Leaper. Esta obra está dedicada a la paz entre los pueblos y a la memoria de Rafael Nebot. En 2009 se estrena el Concierto n. 1 para clarinete y orquesta, “Ártico”, como encargo de la ORCAM, con Justo Sanz como solista y la ORCAM dirigida por José Ramón Encinar. Desde entonces, la proyección y el ritmo de encargos no han cesado, ocupando la primera línea de la creación contemporánea musical española.

Grabaciones en CD

Perfil de una Generación III (Círculo de Bellas Artes 1990). Compositoras Madrileñas (Comunidad Madrid y RNE, 1991). Piano Susana Marín (Comunidad Madrid y RNE, 1991). Memorias Electroacústicas Vol. II (AMEE, 1992). Música Española para Saxofón y Electroacústica (Comunidad de Madrid 1996). IBERSAX Kientzy (Nova Musica, 2000). Concierto de Navidad Siemens (Fundación Siemens 2003). Premio Jaén de Piano 1953-2003 (Diputación de Jaén, 2003). Saxofonía (Ad Libitum, 2004). Monográfico Zulema de la Cruz (Col legno, 2005). Zulema de la Cruz Monográfico “Obras para Saxofón” (Iberautor, 2005). Contemporary Spanish Music in Europe. Vols. II-III. Archaeus Ensemble. (ECCA, 2000). Homenaje 70 Aniversario Luis de Pablo (ECCA, 2000). Homenaje 60 Aniversario Tomás Marco (ECCA, 2002). Trío Mompou, XXV años 1982-2007 (Sello Autor e Iberautor, 2007). El violín del siglo XXI, Compositores Españoles (Iberautor, 2007). Diez poetas, Diez músicos. Calambur. Poesía 77 (Iberautor, 2007). Festival Internacional de Santander, Vol. 10. Concierto Cántabro (RTVE Música, 2007). Solo Rumores. Ana Cervantes, piano (Star Track Studios, Méjico DF, 2007). Weber&Rossini. Josep Fuster, clarinete e Isabel Hernández, piano (Columna música, 2008). Cinco versiones musicales para tres poemas inéditos de Ángel González. Joaquín Pixán, tenor y Guillermo Pastrana, violonchelo (Andante Producciones Culturales, 2008). DVD conmemorativo de la Asociación Sierra Musical en su XXV aniversario 2008. Canciones de Tasia. Nueva Creación Sinfónica 3. Concierto Tres Culturas. Orquesta RTVE; Manuel Guillén, violín. Adrián Leaper, director (Fundación Autor, AEOS, Sello Autor y Arteria Promociones Culturales, 2009). Poemas musicados de Pablo García Baena. Joaquín Pixán, tenor (Andante Producciones Culturales, 2009). Música Virtuosa, III. Josep Fuster, clarinete e Isabel Hernández, piano. Balada del Amanecer (Columna Musica, 2012).

Biografía

Nacida en Madrid, Zulema de la Cruz es Titulada Superior en Piano y Composición por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Master of Arts en la especialidad de Composición y Música por Ordenador por la Stanford University (California) y Diploma de Estudios Avanzados en Cultura y Comunicación por la IE University de Segovia. Amplió sus conocimientos sobre Música Electroacústica a través de Ordenador con J. Chowning, financiada por la beca de doctorado George Maile en el CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustic, Stanford University, 1986-88). En la actualidad realiza su Tesis doctoral en la Universidad Carlos III de Madrid.

Como nos cuenta la propia compositora, el Canto a las víctimas inocentes ha sido para ella un reto por la importancia de los destinatarios (ORCAM), la inauguración de esta temporada y su convivencia en el programa con una obra como el War Requiem de Britten. “Esta obra está basada en la idea de rendir un homenaje a las víctimas inocentes de todo el mundo. Las catástrofes naturales, las guerras, los atentados terroristas, los accidentes, las injusticias… producen cada día miles de víctimas inocentes en este nuestro mal tratado planeta azul, llamado ‘Tierra’. Para plasmar en la partitura este concepto, he utilizado símbolos musicales relacionados con los homenajes a las víctimas, que provienen de la tradición popular española (Negra Sombra y Cant dels ocells), del gregoriano (Veni Creator y Dies Irae) y que, entrelazados con mi propio lenguaje, tejen una misma unidad musical. Como en los trabajos compositivos de estos últimos años, empleo el número áureo, la serie/sucesión de Fibonacci y las estructuras en racimo, para proporcionarme la forma general y parcial, así como las estructuras verticales y horizontales de la obra”.

Enlaces en Internet:

http://eduplanetamusical.es/tag/musica-contemporanea/

http://www.youtube.com/watch?v=JwNCXMkzcAk

http://goo.gl/Em3J5S

Foto: La compositora madrileña Zulema de la Cruz.
Acred: Elna Martín


Gonzalo Pérez Chamorro

Trío Salduie

Trío Salduie

Publicado: Septiembre 2014
Joyas recuperadas de la música española

Daniel Francés (violín), Nuria Gañet (violoncello) y Consuelo Roy (piano) forman desde el año 2000 el Trío Salduie, que toma su nombre de la primera denominación que recibió el asentamiento de población de la cultura ibérica que hubo en lo que hoy conocemos como Zaragoza. Es un grupo especialmente interesado en la difusión de la música española, para lo que realiza un intenso trabajo de búsqueda, estudio y divulgación de nuestro patrimonio musical. En esta línea, acaban de publicar el disco “Joyas recuperadas de la música española”, del que nos hablan a continuación. 

¿Por qué decidieron consagrarse a la recuperación y difusión del patrimonio musical español de los dos últimos siglos?

Digamos que estamos consagrados, genéricamente, a la música española, pero prestamos especial dedicación a dos de sus facetas: la recuperación y difusión del patrimonio musical español y los estrenos de obras de nueva creación. Hace varios años tuvimos acceso al Centro de Documentación Musical de la Generalitat de Catalunya, donde localizamos obras completamente desconocidas, de gran interés musical, que pudimos dar a conocer en un ciclo de conciertos y plasmar en el disco “Del 27 al 51: recuperación de una modernidad”. Vimos que había mucho por descubrir y comenzamos una intensa labor de búsqueda que mantenemos en la actualidad. Nos sentimos en la obligación moral y profesional de dar a conocer un repertorio que, por muy diversas causas, está sumido en un gran olvido.

Acaban de publicar un CD, titulado “Joyas recuperadas de la Música Española”, fruto de su ardua labor de investigación en bibliotecas y archivos españoles. ¿Qué criterios han tenido en cuenta a la hora de seleccionar los autores y las obras que incluye este CD?  

Ante todo, la calidad musical de las obras recuperadas. Pasada esta primera criba, el abarcar en el tiempo un amplio espectro del repertorio camerístico español, la variedad en cuanto a estilos y compositores, y la originalidad de la recopilación seleccionada.

Tal y como indica José Luis Temes en el prólogo, “la importancia de este disco es que consigue rescatar la obra de muchos autores que injustamente permanecían olvidados…”.

Varias son las causas que han abocado al olvido a excelentes compositores. En España, sin duda, la más influyente fue la Guerra Civil española, con unas consecuencias que aún perduran en la actualidad. Sean cuales fueren los motivos, la obra de muchos músicos permanece injustamente olvidada, y hoy en día tenemos suficientes recursos para que salga a la luz. De ahí que nuestro objetivo sea llegar hasta ese conocimiento, rescatarlo y ponerlo al servicio de la sociedad.

En muchos casos se ha tenido que acudir a los familiares de los compositores para acceder a su obra, como en el caso de Manuel Halffter que les cedió los manuscritos de la obra de su padre, Ernesto Halffter, Hommages, e incluso participa en el libreto del disco.

Ya nuestro anterior disco, “Simón Tapia-Colman: integral de la obra de cámara con piano” fue posible, en gran parte, gracias a la familia del compositor. En esta ocasión, Manuel Halffter nos ha facilitado el manuscrito de la partitura registrada en el disco, que difiere en algunos casos de la obra publicada y contiene la firma de Manuel de Falla en una de sus páginas; ha redactado todo lo concerniente a Ernesto Halffter y su obra para su inclusión en el libreto, y nos ha proporcionado una fotografía de su padre precisamente de los años en torno a los cuales compuso sus “Hommages”. Todo un lujo que agradecemos enormemente.

¿Cómo organizan el trabajo de preparación de las obras?

Es un proceso perfectamente estructurado que comienza con la búsqueda y localización del repertorio. Continúa con la selección de las obras, a partir de un estudio individualizado y una puesta en común. Al ser obras, en su mayoría, de las que no existe registro sonoro, la única referencia es nuestra propia interpretación para saber cómo suenan y validar su calidad musical. Cuando sólo disponemos de los manuscritos, hay que llevar a cabo, en algunos casos, el pertinente trabajo de restauración para poder leer correctamente las indicaciones musicales. De ahí se extraen las particellas y se pasa a la fase de edición, que también hacemos nosotros. Los siguientes pasos ya son los propios de la preparación de cualquier repertorio: estudio pormenorizado, ensayos del grupo, conciertos y, finalmente, grabación.

Pero además de la recuperación del patrimonio, el Trío Salduie es un grupo con mucha iniciativa, que en su interés por abarcar el repertorio camerístico más actual, está en contacto directo con diversos compositores que les dedican sus obras. E incluso fusionan la música con otros ámbitos artísticos ya sea la poesía, la danza, etc.

Hasta el momento hemos estrenado obras de varios compositores españoles, tales como Víctor Rebullida, Joan Chic, Antonio Salanova, Pere Soto, Luis Lluciá y David Romero. Y hemos podido trabajar en estrecho contacto con todos ellos. También hacemos conciertos donde maridamos música con poesía o danza, incluso vinculamos las tres. Entre ellos destaca la producción de danza del Centro Dramático de Aragón “Delicatessen”, con participación de coreógrafos españoles e italianos, donde el Trío Salduie nos encargamos de la dirección musical y de la interpretación en directo de toda la música del espectáculo.

¿Tendremos oportunidad de escuchar próximamente en concierto las obras incluidas en el disco?

La presentación del disco tendrá lugar a partir del mes de octubre. En este momento estamos cerrando fechas con diferentes instituciones. Las personas que deseen conocer nuestra actividad musical pueden hacerlo a través de nuestra página web  http://triosalduie.com/. Allí encontrarán toda la información que necesiten.

Elena Trujillo Hervás

Foto: El Trío Salduie.

 

RFG y Sergei Yerokhin

RFG y Sergei Yerokhin

Publicado: Septiembre 2014
De gira por el Camino de Santiago

Dentro de la ambiciosa programación cultural que rinde homenaje al fundador de la Orden Franciscana proyectada por la Xunta de Galicia en el VIII centenario del peregrinaje de San Francisco de Asís a Santiago, el Consorcio para la Promoción de la Música de Santiago de Compostela se suma a los actos previstos, con una gira de la Real Filharmonía de Galicia (RFG), el próximo mes de octubre, por las ciudades más significativas a lo largo de los Caminos Francés y del Norte.

Con este motivo, se ha organizado un atractivo programa de conciertos que se inaugura el 3 de octubre, en el Auditorio de Santiago de Compostela. La orquesta compostelana, a las órdenes del prestigioso director británico Jonathan Webb, será la encargada de inaugurar las Xornadas de Música Contemporánea de Santiago, para las que el Consorcio cuenta en su organización con el apoyo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Ofrecerán el estreno absoluto de una obra de nueva creación en torno a San Francisco de Asís, Cantos de los granos de arena, del joven compositor italiano Mauro Montalbetti, la Sinfonía n. 1, de Carter, y el último concierto para piano de Beethoven, conocido popularmente como “Emperador”, interpretado por un solista de lujo Sergei Yerokhin.

En su periplo, visitarán el 8 de octubre el Auditorio Ciudad de León; los días 9 y 10, el Baluarte de Pamplona; el 11 actúan en el Palacio de Festivales de Santander; y el 12 de octubre en el Auditorio Forum Evolución de Burgos.

Una agrupación consolidada

La Real Filharmonía de Galicia se ha consolidado en los últimos años como una de las agrupaciones más solidas de nuestro país, y es ya una constante su presencia en festivales internacionales como La Roque D’Antheron y nacionales como Musika-Música, el Concurso Internacional de Piano de Santander “Paloma O’Shea”, Ibermúsica… Helmuth Rilling, su primer director titular, aportó la fuerza y empuje necesarios para iniciar este proyecto; Antoni Ros Marbà consolidó su trayectoria durante catorce años y, ahora, Paul Daniel, su nuevo director titular desde enero 2013, tiene la responsabilidad de hacer crecer su proyección artística.

El magnífico trabajo realizado por los profesores la orquesta ha permitido que especialistas de reconocido prestigio hayan aceptado colaborar y compartir momentos de gran plenitud musical con la RFG: los violinistas Frank Peter Zimmermann, Daniel Hope, Vadim Repin, Janine Jansen, Julian Rachlin, Isabelle Faust, Benjamin Schmid, Ilya Kaler, Patricia Kopatchinskaja; los cellistas Natalia Gutman, Steven Iserlis, Lluís Claret o Enrico Dindo; los pianistas Maria Joao Pires, Nelson Freire, Christian Zacharias, Arcadi Volodos, Nikolai Lugansky, Aldo Ciccolini, Dezsö Ranki, Joaquín Achúcarro, Rudolf Buchbinder o Eldar Nebolsin, y cantantes como Teresa Berganza, Thomas Quatshoff, Matthias Goerne, Ewa Podles y Natalie Stutzman. Y, por supuesto, importantes directores de renombre, como Antoni Wit, Carlo Rizzi, Frans Brüggen, Juanjo Mena, David Afkham, Josep Pons o Christop König, actual director invitado, han puesto su batuta al frente de la agrupación. En la temporada 2014-2015 estarán de nuevo en Bilbao, Madrid y San Sebastián. 

Un solista y un director de primera fila

Además, esta gira que conmemora el VIII centenario del peregrinaje de San Francisco de Asís a Santiago tendrá el aliciente añadido de contar por primera vez con el pianista Sergei Yerokhin, un solista de excepción sobradamente conocido por los buenos aficionados al piano en España. Yerokhin interpretará el Concierto para piano y orquesta n. 5, “Emperador”, de Beethoven, compositor del que es un consumado especialista. Algunos aficionados podrán recordar su colosal interpretación del “Emperador”, junto al maestro Antoni Wit y la Orquesta de la Radio Polaca, de gira por España hacia finales de los noventa; también se le pudo escuchar de nuevo interpretando este concierto en el Euskalduna de Bilbao hace ya una década, grabando para RNE. Es una buena oportunidad de volver a escuchar este gran concierto por un pianista que ha evolucionado a mejor, si cabe, con el paso de los años, en ciudades como Santander, en las que se le recuerda con especial cariño. Precisamente, en el Palacio de Festivales de Cantabria, el programa incluye un cambio, en lugar de la Primera de Carter, interpretarán la Sinfonía n. 4, "Italiana", de Mendelssohn.

Para esta ocasión también contará con la batuta, ya conocida para la RFG, del maestro británico Jonathan Webb, quien ha sido director musical de la Opera Ireland y director residente en la Nueva Ópera Israelí de Tel Aviv. El maestro Webb recibió el ‘Premio Internazionale Ultimo 900 Pisa 2000 Nel Mondo’ en noviembre de 2004 y recibió la medalla de la Associazione Pisana Amici della Lirica en reconocimiento a su labor en Toscana con los teatros englobados en la Città Lirica. Su reciente éxito con una nueva producción de Cavalleria rusticana, de Mascagni, e I pagliacci, de Leoncavallo, en Livorno, le llevó a recibir el Premio ‘Le Muse-Polimnia’ por parte de la Accademia Internazionale Le Muse de Florencia en 2011.

www.rfgalicia.org

http://nertamanagement.com/autor/sergei-yerokhin

E.T.H.

Foto: El pianista Sergei Yerokhin.

Festival de Granada

Festival de Granada

Publicado: Septiembre 2014
Las largas sombras del pasado

El Festival de Granada hace un claro intento de recuperar el glamour y esplendor de tiempos pasados en una programación llena de nombres propios, aunque con las limitaciones de los tiempos que corren. Aún así, se puede afirmar que ha habido noches excepcionales en las que los incomparables escenarios de la Alhambra han brillado por la calidad y esplendor de los artistas invitados.

No es fácil programar en tiempos de crisis, algo que Diego Martínez, actual director del Festival, tiene asumido y controlado, a juzgar por la programación llena de nombres propios que ha expuesto este año. Un Festival que se ha centrado en los dos ejes fundamentales de este evento cultural desde sus inicios: la música, centrada en el sinfonismo y los solistas de excepción, y la danza, conjugando tanto el ballet clásico como el baile flamenco. La fórmula parece haber surtido su efecto, a juzgar por la aceptación del público y el alto porcentaje de taquilla vendido. Sin embargo, haciendo una valoración más profunda de lo visto y lo oído, hay que admitir que se ha tratado de un Festival con luces y sombras, en el que el recuerdo de tiempos pasados de esplendor prestó un mal servicio en las comparativas.

El concierto inaugural estuvo a la altura de lo esperado en este Festival, que por su veteranía y amplia tradición sinfónica mantiene unas expectativas siempre elevadas. La Danish National Symphony Orchestra, dirigida por Jesús López Cobos, interpretó una muy correcta Sinfonía Fantástica de Berlioz, sacando el máximo partido a la fuerza expresiva de la formación; menos acertada estuvo la interpretación de las Cuatro últimas canciones de Strauss, en las que la orquesta por momentos ensombrecía a la soprano Juanita Lascarro.

La faceta sinfónica tuvo otros dos baluartes en la Joven Orquesta Nacional de España y la BBC Symphony Orchestra. La primera, la JONDE, celebró el treinta aniversario de su creación con un programa doble. Cabe destacar la magnífica interpretación que José Luis Estellés a la batuta y José Ferrero como tenor hicieron del Viaje de Invierno de Schubert en la recomposición realizada por el alemán Hans Zender; la entrega de los jóvenes intérpretes y su profundo sentido musical demostraron que la juventud no es enemiga de la calidad. Por su parte, la BBC Symphony Orchestra elevó el nivel del Festival hasta cotas a las que el público de siempre está acostumbrado. El conjunto británico estuvo dirigido con maestría por Sakari Oramo, quien recibió como solista a un Javier Perianes que se encuentra en su mejor momento interpretativo; juntos regalaron al Festival una genial interpretación del Concierto "Egipcio" de Saint-Saëns. El programa se completó con una perfecta versión de la Sinfonía núm. 5 de Mahler, que culminó una velada de las que hacen historia.

La danza, la otra parte esencial del Festival, tuvo un desigual balance. Pese a las grandes expectativas creadas por el Asami Maki Ballet de Tokyo, sus dos intervenciones dejaron un gélido sentimiento de indiferencia en el público. Una Bella durmiente de Tchaikovsky nada excepcional fue seguida de una algo más sugerente gala, en la que quizás se salvó La noche de Walpurgis, pasaje basado en el Fausto de Gounod con coreografía de Balanchine.

Más acertada fue la intervención del English National Ballet bajo la dirección de Tamara Rojo, que este año ha recibido la medalla de oro del Festival. Toda la gala mantuvo un alto nivel técnico y expresivo, si bien sorprendió por su originalidad la delicada y virtuosa creación que la propia Tamara Rojo y el bailarín James Streeter realizaron en Duet, una creación de Akram Khan con música de Joselyn Pook. En la parte flamenca, ni Sara Baras, sustituta del incompareciente Ballet Nacional de España, ni Lola Greco ofrecieron algo digno de mención.

Ainhoa Arteta prestó su voz al necesario homenaje a las Siete canciones populares de Falla en el centenario de su creación. Además de las canciones originales, interpretó siete canciones compuestas por Alfredo Aracil, Tomás Marco, Antón García Abril, Cristóbal Halffter, Juan Cruz-Guevara y Pilar Jurado, todas ellas sumamente originales y sugerentes y muy apropiadas para el fin. Más notable fue la aparición de Anne Sofie von Otter, una gran dama de la lírica que dejó boquiabierto al público con una lección de elegancia e interpretación; con un programa centrado en la música escandinava deleitó a los asistentes, y regaló una emotiva versión de la Nana de Falla, algo verdaderamente excepcional en una cantante foránea que demostró una loable aproximación a nuestro folklore.

Queda mencionar lo mejor para el final: dos nombres de excepción que convirtieron sus actuaciones en verdadero espectáculo. Phillip Glass, solo ante el piano, evidenció por qué es una de las figuras más emblemáticas de la música minimalista de los últimos cincuenta años, y leyenda viva del panorama compositivo. Por su parte, un grande de la interpretación, del jazz y del blues, el camaleónico Bobby McFerrin, deleitó al Teatro del Generalife, lleno hasta la bandera, en una noche mágica y moderna bajo la larga sombra de los cipreses.

Hubo más, mucho más; pero quizás no tan reseñable como para ocupar este breve espacio.

www.granadafestival.org

Gonzalo Roldán Herencia

FOTO: Anne Sofie von Otter dejó boquiabierto al público.
Acred.: Carlos Choin.

In memoriam

In memoriam

Publicado: Julio-Agosto 2014
Recuerdos junto al gran Rafael Frühbeck de Burgos

Conocí a Rafael Frühbeck de Burgos cuando llegó a Berlín en 1992 como nuevo y flamante GMD (Generalmusikdirektor) de la Deutsche Oper. Nos vimos la primera vez en el hotel de Berlín donde se hospedaba. Me recibió con los brazos abiertos, afable, cordial, comunicativo y deseoso de escuchar. Quiso saber sobre mis años y experiencias como director de orquesta y pianista en el coliseo alemán. Volví a casa con la impresión de haber ganado un nuevo y gran amigo.

Al día siguiente continuaría mi trabajo en la Deutsche Oper como siempre, pero esta vez bajo la dirección de su nuevo director, Rafael Frühbeck de Burgos. Desde el primer momento me convertí en su asistente personal y durante los intervalos de las óperas solía estar con él en su habitación de director para comentar cómo se iba desarrollando la función de ópera del día. En una atmósfera relajada y de total cordialidad, cuando venía al caso, Rafael disfrutaba contándome algunas de las innumerables anécdotas y experiencias de su larga vida profesional.

 ¡Esto es fantástico!

Un buen día le enseñé la partitura del manuscrito de mis Nocturnos de Andalucía que acababa de componer. La ojeó unos minutos y su reacción, totalmente inesperada para mí, me dejó casi perplejo: “¡Esto es fantástico! ¡Esta obra quiero ser yo el primero en dirigirla!”. Yo me quedé sin palabras. A continuación, me pidió que tocase al piano el quinto movimiento, el llamado Nocturno de Córdoba, diciendo “esto es maravilloso, quiero escucharlo”.

Pocas fechas después me llamó por teléfono para comunicarme que mis Nocturnos de Andalucía se estrenarían el día 27 de enero de 1996 en el Konzerthaus de Berlín con la Rundfunk-Sinfonieorchester de esta ciudad bajo su dirección. El solista sería el guitarrista Pepe Romero.

El estreno de esta obra fue, como dijo la crítica, triunfal. A partir de entonces, Rafael la dirigió con una gran parte de las mejores orquestas del mundo. Yo vivía como en un sueño cada vez que el maestro me llamaba para anunciarme un nuevo país, una nueva ciudad y una nueva orquesta con la que iba a interpretar de nuevo mis Nocturnos.

Poco a poco me fui acostumbrando y hasta me llegó a parecer normal escuchar mi música interpretada por orquestas como las de Boston, Filadelfia, Pittsburgh, Oslo, la Accademia Santa Cecilia di Roma, Suisse Romande, Yomiuri Nippon de Tokyo o nuestra Orquesta Nacional de España en gira por Estados Unidos, en 2001. Solo el pasar del tiempo me ha permitido ver con claridad la dimensión de la ayuda profesional que Rafael me estaba ofreciendo. Yo le di las gracias en muchas ocasiones y siempre me contestaba lo mismo: “A mí no me tienes que agradecer nada, se lo tienes que agradecer a la música que compones.”

FdB

En 1998 Rafael cumplía 65 años y quiso celebrarlo encargando a varios compositores que escribiéramos una composición corta, que durase máximo dos minutos, sobre las notas de las iniciales de su nombre: FdB (Fa-Re-Si). Los compositores elegidos éramos Claudio Prieto, Rainer Bischof, Antón García Abril, José Peris, Luis de Pablo, Tomás Marco y yo. Las obritas se estrenaron en el Konzerthaus de Berlín, interpretadas por la Rundfunk-Sinfonieorchester y dirigidas por el propio Rafael. Fue muy curioso e interesante escuchar la forma en que cada uno de nosotros habíamos realizado el trabajo.

En junio de 2001 Rafael dirigió en el Teatro de la Maestranza de Sevilla el estreno mundial de mi Concierto de Cienfuegos, interpretado por el Cuarteto Romero y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

De pronto el maestro tuvo una nueva idea. Me pidió que compusiese una obra, nueva en el repertorio sinfónico por su formación como solista: un Doble Concierto para violín, guitarra y orquesta. Me decía: “Con esa obra vamos a arrasar”. Cumpliendo con su deseo, compuse Fulgores, que se estrenó en el Palau de la Música de Valencia con Alexandre da Costa, violín; Pablo Sáinz Villegas, guitarra; y la Orquesta de Valencia, dirigidos por Rafael.

Su deseo era igualmente llevar esta composición por todo el mundo y, por ese motivo, la programó para el 12 de abril pasado en la Philharmonie de Berlín con la Rundfunk-Sinfonieorchester de esta ciudad y para el 15, 16 y 17 de junio con la Orquesta Filarmónica de Hamburgo, pero desgraciadamente el destino no le permitió llevar a cabo su deseo. El concierto de Berlín no pudo dirigirlo por estar ya enfermo y justo cinco días antes de los tres conciertos de Hamburgo, fallecía el maestro Frühbeck en la Clínica Universitaria de Pamplona. Recibí la noticia estando a punto de tomar el avión para ir a Hamburgo. Realicé el viaje abrumado por la tristeza. En el avión lloré su muerte con una profunda sensación de vacío y desolación

Acababa de perder no solamente a uno de mis más preciados y entrañables amigos, sino también a la persona que más había influenciado en el desarrollo de mi carrera como compositor.

Grabaciones en Naxos

Dejó grabados dos CDs en Naxos con mi música, que guardo como un tesoro inapreciable. Estos discos contienen la grabación de mis Nocturnos de Andalucía, mis Canciones Españolas y mi Concierto de Cienfuegos.

Rafael Frühbeck de Burgos fue un titán, que llegó a conquistar el mundo con su batuta, a pesar de que le acosaron sin piedad las enfermedades. Dejó un gran legado. La música española queda en deuda con él, pues llevó nuestra música a todos los rincones de nuestro planeta.

Lloro la muerte de un amigo, que, como ocurre cuando se van nuestros seres más queridos, se fue demasiado pronto. Igualmente, Rafael se fue demasiado pronto para las innumerables orquestas y festivales de todo el mundo que contaban con él y que se quedaron esperando. Disfrutó de una vida profesional en su plenitud y completó una carrera llena de logros y triunfos que serían casi imposibles de enumerar.

Descansa en paz, querido amigo y admirado maestro Rafael Frühbeck de Burgos.

Acceso "Online" a la discografía de Rafael Frühbeck de Burgos con obras de Lorenzo Palomo en Naxos

Nocturnos de Andalucía (+ Info)

Mi jardín solitario (+ Info)

Enlaces de Interés:
Rafael Frühbeck de Burgos en Wikipedia

Rafael Frühbeck de Burgos en YouTube

http://www.lorenzopalomo.com/

Noticia del Fallecimiento

Foto: Lorenzo Palomo y Frühbeck de Burgos, en Tokyo.

Por Lorenzo Palomo

Sergio Cervetti

Sergio Cervetti

Publicado: Julio-Agosto 2014
Unbridled (Desenfrenado)

El compositor Sergio Cervetti es uno de los más firmes exponentes de la creación musical actual. En 1962 dejó su Uruguay natal para estudiar composición en Estados Unidos. En 1966 atrajo la atención internacional cuando ganó el Premio de Música de Cámara del Festival de Música de Venezuela. Tras haberse formado con Ernst Krenek y graduarse en el Conservatorio Peabody, fue invitado a ser compositor en residencia en Berlín. Su obra es el resultado de plantearse la creación musical con un máximo de independencia y libertad expresiva, que viene dada por el aprovechamiento de todo el bagaje lingüístico acumulado, que bebe de las fuentes de su herencia sudamericana, la tradición europea, el dodecafonismo, el minimalismo y la música electroacústica. Tradición e innovación que vuelven a ponerse de manifiesto en su último trabajo discográfico Unbridled, editado por el sello Navona Records, del que nos habla a continuación.

Remontándonos a sus inicios, ¿cómo fueron sus primeros contactos con la música?

Mi vocación musical comenzó desde temprana edad. En nuestra Iglesia Valdense en Uruguay se cantaban siempre himnos basados en las corales de Bach y Lutero que yo trataba de tocar de oído en el piano de mi casa. Notando mi interés por la música, mi padre, que era clarinetista en la banda local, me hizo comenzar los estudios de piano a los 5 años de edad.

Se graduó en el Instituto Peadody en Estados Unidos, después de estudiar con Ernst Krenek y Stefans Grové. ¿Cómo han influido sus enseñanzas en su devenir artístico y en la creación de su propio lenguaje?

Al comienzo de mi carrera, el contacto con dos grandes compositores actuales fue de gran empuje y arduo trabajo. Ambos estaban abocados al dodecafonismo y, sobre todo Krenek, a la total serialización. Aunque aplaudo la disciplina que me impartieron con esa técnica, en mi último año de estudios terminé sintiéndome como constreñido por un chaleco de fuerza. No veía la hora de graduarme y componer en una manera más libre. La liberación vino luego de ser invitado por la DAAD de Berlín como compositor residente en 1969-70. Allí, en contacto con compositores de la talla de Penderecki, Dallapicola y Ligeti, pude ver otros horizontes y nuevas maneras de crear. Fue al volver a Estados Unidos en 1970 cuando mi estética actual comenzó a delinearse, luego de un fuerte contacto con el minimalismo al afincarme en Nueva York.

¿Qué aspectos definen su técnica compositiva actual?

Años atrás a raíz del estreno de mi Concierto para clave, Las Indias Olvidadas, en el Festival de Música de Alicante, el compositor y crítico Carlos Villasol escribió en RITMO lo siguiente: “Con una estética salvaje, Cervetti no hace distingos entre materiales de origen folclórico, de la tradición europea y de las corrientes minimales, en un gesto de valentía que lo exime de toda clasificación”. Este galardón que me otorgó Villasol resume exactamente mi actual estética. Está presente en mi reciente Concertino para piano, maderas y timbales, en los 3 Estudios australes o en Plegaria y Danza, por mencionar algunas de mis obras. Tal vez mi ópera Elegy For A Prince, producida en parte por la New York City Opera en 2007, se inclina más hacia una textura melódica y armónica normal, evitando el recitativo, del que muchos compositores actuales abusan demasiado.

En su catálogo destaca, por encima de la obra sinfónica, coral y operística, la música de cámara. No en vano, el Premio de Música de Cámara del Festival de Música de Venezuela, con el que fue galardonado en 1966, marcó un antes y un después en su carrera artística. ¿De qué obra se siente más satisfecho?

Mi cuarteto de cuerdas Unbridled, asi como también de mi trío Mémoires du Paradis constituyen dos obras importantes en mi producción. Pero mi gran capolavoro en la música de cámara es el Concierto para clave y 11 instrumentos, encargo del Festival de Música Contemporánea de Alicante 1992, estrenado por María Teresa Chenlo, a quien está dedicado, con El Grupo Instrumental, bajo la dirección de José Luis Temes.

En 2011 volvió a ser interpretado en el Festival de Alicante y en el Auditorio Nacional de Madrid por la misma intérprete y la magnífica JONDE, dirigidos por Jordi Bernàcer. Juntamente con otras obras mías, este concierto fue grabado por los susodichos intérpretes para la Colección Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual del sello Verso, patrocinada por la Fundación BBVA, pero la fundación ha paralizado los fondos y el proyecto está actualmente suspendido.

Abordemos ahora su actividad reciente. Acaba de salir al mercado su último trabajo discográfico Unbridled, publicado por el sello Navona Records. Podría hablarnos brevemente de cada una de las obras que conforman el CD.

Unbridled para cuarteto de cuerdas, compuesto en 2013, es un discurso acerca de los desastres económicos causados por las instituciones financieras. Estéticamente puedo situarlo como mi última etapa post-minimalista. El trío Mémoires du Paradis está inspirada en unas litografías de Salvador Dalí inspiradas a su vez en el Paradise Lost de John Milton. Plegaria y Danza data de 1996 y es mi única composición para violín solo. La obra de cámara …from the Earth… es una grabación histórica. Obra compuesta en 1972 fue mi primer trabajo en la vena minimalista.Todas ellas fueron trabajadas en colaboración con los intérpretes, muy especialmente con el violinista uruguayo Israel Chorberg.

¿En qué está trabajando actualmente y qué proyectos tiene para el futuro más inmediato?

Actualmente estoy poniendo los últimos toques en mi Concertino para piano, maderas y timbales que será grabado en septiembre en Boston para Navona Records. Asimismo, en el II Parma Music Festival de Portmouth del próximo agosto me estrenan una obra de cámara reciente. En Octubre parto rumbo a Caracas para asistir al Festival Latinoamericano de Música, donde se interpretará mi Candombe para orquesta. Preparo, además, una obra para soprano y orquesta con poemas de la poetisa uruguaya Delmira Agustini.

E.T.H.

Foto: El compositor uruguayo Sergio Cervetti.
Acred.: Pirjo-Leena Bauer, Doylestown, Pa.

XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes

XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes

Publicado: Julio-Agosto 2014
Apostando por el público joven

La antigua corrala de la madrileña calle Carlos Arniches acogió el acto de presentación de la XLII edición del histórico Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Univerdad Autónoma de Madrid, que fue presidido por José Mª Sanz, rector de la UAM, y Begoña Lolo, directora del Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música, y en el que participaron dos de los artistas presentes en la próxima temporada: la soprano Pilar Jurado y el director José Ramón Encinar. La ópera de cámara, la recuperación de patrimonio musical histórico y la investigación son los ejes de un atractivo programa de conciertos, que está pensado para el disfrute del público joven. De todo ello hablamos con la doctora, musicóloga y directora del CSIPM Begoña Lolo.

El Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes es uno de los más veteranos de cuantos se organizan en Madrid. ¿Qué otras características definen la singularidad de este ciclo?

No sólo es uno de los más veteranos, sino que, además, es el más antiguo de los ciclos universitarios españoles, y un elemento de identidad de la propia universidad.

¿Cuáles son los ejes centrales del programa para el año que viene?

La próxima temporada 2014/2015, será la XLII edición del ciclo y desde que asumí la dirección del mismo establecí tres ejes de programación, como elementos identificativos. La recuperación del patrimonio musical histórico es un factor esencial dentro del ciclo, puesto que la labor de investigación es inherente a la universidad. La segunda característica de este ciclo es la programación de óperas de cámara como acercamiento al género en un formato más reducido, y más atractivo para un público joven, pero también para los amantes de la ópera de cámara. El tercer eje se basa también en una línea de investigación, en la que la Universidad Autónoma es pionera y reconocida internacionalmente: Música y Cervantes; Cervantes como tema de inspiración ha sido una constante a lo largo de la historia de la cultura en todos los países, y este hecho es especialmente cuidado a la hora de diseñar la programación de nuestro ciclo.

La programación para el año que viene incluye un gran abanico de posibilidades para todos los públicos. ¿Qué conciertos destacaría entre las novedades?

En primer lugar, yo recomendaría que no se perdieran ningún concierto del ciclo, porque es un ciclo elaborado a conciencia, plural y de gran interés tanto para el melómano aficionado como para el más experto. El ciclo está organizado en ocho conciertos, de dos abonos, que hemos titulado “Músicas escénicas” y “Código UAM”. El abono de “Músicas escénicas” se centra en la recuperación de patrimonio histórico. Y destacaría el concierto inaugural con el ensemble muniqués I Virtuosi Ambulanti, en colaboración musicológica con el Festival austriaco de Esterházy, en el que se recuperarán obras vinculadas a España de compositores como Gomis, Mercadante o Colbrand, junto a otras obras de Hummel que se han circunscrito al ámbito austriaco, lo que nos permite la recreación de una velada musical de salón al estilo de las que se hacían a finales del siglo XVIII y las primeras décadas del XIX. El segundo concierto a destacar sería el de Navidad, que recuperará una zarzuela infantil, es decir, de temática infantil y realizada por niños; género que permitía realizar esta música en el ámbito de las escuelas, los colegios y las asociaciones más modestas. Esta zarzuela de Fornét El niño travieso es otra de las nuevas propuestas del ciclo.

El abono “Código UAM” está pensado para el abonado de toda la vida, que demanda destacados conjuntos internacionales y conocidas obras de los grandes maestros. Este año contamos con la prestigiosa orquesta The Soloists of London y el programa “Músicas serenas”, en el que no faltarán obras de Telemann, Pachelbel o Barber. Otro de los conciertos estrella que deleitará a nuestro público más fiel será el concierto que cierra el ciclo con el Cuarteto de Leipzig y el pianista alemán de origen rumano Herbert Schuch, por primera vez juntos en un escenario para interpretar obras de Mahler y Schumann. Y, por supuesto, el emblemático concierto-homenaje al Profesor Tomás y Valiente, que este año protagoniza la soprano donostiarra Ainhoa Arteta, con obras de Vivaldi, Gounod, Bizet y Falla, y que estará acompañada del famoso pianista británico Malcolm Martineau.

Otra de las novedades de la nueva temporada es la incorporación de obras de nueva creación como la ópera de José Buenagu, un encargo ex profeso para el Ciclo. Iniciativa relacionada con Cervantes y la música, tema del que usted es reconocida especialista como investigadora del Departamento de Musicología de la UAM. ¿Qué puede adelantarnos sobre esta ópera?

Pensares de Rocinante es una ópera de cámara, dentro de esa línea del ciclo que le comentaba al comienzo de la entrevista, del compositor José Buenagu, y libreto  de Justo Merino, con la orquesta KOAN 2, bajo la dirección de José Ramón Encinar, y un elenco de destacados cantantes como Pilar Jurado, Alfredo García o Mª José Suárez. Esta ópera plantea un original punto de vista respecto a lo que viene siendo el tratamiento del tema del Quijote a lo largo de la historia; desde la perspectiva del caballo se reconstruye lo que pudo ser la novela en un efecto de flashback entre pasado y presente, que nos permite una perspectiva diferente a lo que se venía haciendo hasta el momento. Tiene en algunos aspectos cierta vis cómica, y otros de carácter reflexivo. La ópera concluye en el momento presente con una Dulcinea totalmente urbanita,  que protagonizará un final muy innovador.

Otra de las características del ciclo es la presencia de jóvenes intérpretes españoles…

Desde luego. No podría ser de otra forma  dado que se trata de un ciclo organizado por una universidad, por lo tanto esa apuesta por las jóvenes promesas es, en definitiva, una apuesta por toda nuestra comunidad universitaria de estudiantes. Un propósito detrás del que siempre subyace el mensaje “jóvenes que hablan a jóvenes”, es decir, “tú como joven podrás convertirte en ese joven que hoy en día se sube al escenario del Auditorio”. Pablo Villegas será el solista del Concierto de Aranjuez, en el esperado concierto de la JONDE, una orquesta formada por excelentes músicos jóvenes. 

Una audiencia que este año podrá disfrutar de otra de las novedades del programa: “Clásicos en clave de jazz”…

El ciclo siempre tiene un concierto pensado para el público joven. El año pasado fue el concierto “Músicas de cine para soñar”. Y este año hemos encargado este concierto al reconocido saxofonista y flautista Jorge Pardo, que improvisará con su trío sobre obras de Puccini, Falla, Ravel o Albéniz. Les hemos pedido que revisaran varios títulos clásicos y los transformasen en clave de jazz para conseguir una sonoridad mucho más cercana a la gente joven.

Además del Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes, el CSIPM lleva a cabo varias actividades durante el año. Háblenos, para finalizar la entrevista, del programa del próximo curso académico.

Este año será la segunda edición de nuestro Máster en Gestión de la Documentación Musical, un título propio de la UAM que no existe en ninguna otra universidad española, y cuya finalidad es formar a futuros profesionales de centros culturales, bibliotecas, archivos… Un profesional que pueda estar al frente de un centro, y que además de gestionarlo, esté capacitado para poder desarrollar una actividad investigadora dentro del mismo. El CSIPM organiza, además, todos los años un curso de iniciación al lenguaje musical, y dos ciclos de conferencias. Uno de estos ciclos lleva por título “Dale créditos a tus oídos”, y tiene como protagonistas a los artistas participantes en los conciertos del ciclo, que ofrecen charlas introductorias sobre el programa a interpretar y sobre su trayectoria artística. El otro ciclo  “Encuentros con la Música”, lo inauguramos el año pasado con el prestigioso crítico musical Juan Ángel Vela del Campo. Son encuentros para la comunidad universitaria y abiertos al público con grandes personalidades del mundo de la música, que nos hablan desde su perspectiva profesional como periodistas, directores artísticos, gerentes... En octubre dará comienzo el primer encuentro de este año con Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

Para más Info haga “clic” en:
XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes

Foto: Begoña Lobo

Por: Elena Trujillo Hervás

 

Manuel Barrueco y Tonar Music

Manuel Barrueco y Tonar Music

Publicado: Julio-Agosto 2014
Un encuentro en la madurez del artista

El guitarrista Manuel Barrueco, cubano de nacimiento, es una figura fetiche dentro de la guitarra clásica, venerado por su respeto al instrumento y por sus actividades pedagógicas en el Instituto Peabody. Barrueco tuvo un despegue internacional en la década de los noventa, cuando el sello Emi apostó fuerte por él. Eran años en los que las industrias discográficas gozaban de su mejor momento comercial.

Pasados esos años, la figura de Manuel Barrueco creció como intérprete, recalando en un sello independiente, dedicado casi con exclusividad a la guitarra, como es Tonar Music, donde el músico puede desarrollar sus cuidados proyectos discográficos a su gusto.

El arte de la guitarra

Tal es el caso de la música española, donde siempre ha sido un extraordinario intérprete y un gran conocedor del estilo nacionalista español. Sus discos en Tonar demuestran su conocimiento del estilo, tal como nos contó el mes pasado Esther Martín, en su crítica titulada “El Arte de la guitarra”. Esther decía: “El cubano Manuel Barrueco lleva años subido a los escenarios con una guitarra en la mano. El control de un ingente repertorio y su elegante estilo interpretativo lo llevan de una parte a otra del globo para ofrecer su versión de este lenguaje universal. Además, lidera varios proyectos relacionados con la guitarra, entre los que se encuentra la ‘Colección Manuel Barrueco’ para el sello Tonar, una serie de grabaciones hechas bajo su dirección artística, que ya han recibido varios premios y de la que se presentan aquí dos: Tárrega! y Medea”.

Son estos dos recientes discos, Tárrega! y Medea, los que están cosechando un caluroso recibimiento en la crítica internacional. Esther proseguía: “La calidad y planteamiento de ambos propiciará que los amantes de la guitarra dirijan su atención hacia ellos. En  el primero, nominado en 2011 como mejor álbum de música clásica en los Grammy latinos, se reúne un repertorio muy popular para guitarra solista. Esbozando un retrato de Francisco Tárrega, Barrueco muestra al compositor que le ha servido de referencia desde la infancia. Precisamente el enfoque es lo interesante de este trabajo, se han seleccionado piezas compuestas por el músico español, como Capricho árabe, junto con otras que responden a su gusto personal y le inspiraron, entre las que se encuentra la transcripción de la Barcarolle de Mendelssohn”.

Hay que recordar que el maestro es un gran intérprete de la música de Bach, de la que ha dejado constancia discográfica en varias ocasiones, también para Tonar Music. Deslumbra su perfección polifónica (algunas son obras originariamente escritas para laúd, otras para violín y otras para cello) y la majestuosa Chacona de la Partita 1004 culmina un excepcional registro barroco, que incluye además, en este caso para Tonar, Sonatas de Scarlatti y una Suite de Weiss.

Medea

La grabación de Medea muestra al Barrueco amante de la música española. Esther Martín dijo de este disco: “En esta ocasión el repertorio combina la música solista con la de guitarra y orquesta. Conocidas versiones de la música de Albéniz y Granados ocupan el comienzo del disco, el resto pertenece a la obra homónima que Manolo Sanlúcar le compuso al Ballet Nacional y que sugestionó a Barrueco para concebir esta Suite. Con permiso del autor y sin seguir el orden original, su intención fue crear una experiencia musical que recrease la belleza y mantuviera la fuerza del flamenco. Por ello, su Medea tiene un estilo muy personal basado en el espíritu arrollador del folklore español, tan afín al instrumento, interpretado con la rigurosidad y el sonido límpido de la guitarra clásica. El propio Barrueco, al montar la obra, pasó por un proceso de transformación cuando descubrió que ‘un toque flamenco no sólo sonaba mejor, sino que era incluso necesario”.

No ha sido la última incursión del maestro en la música española, ya que con el Beijing Guitar Duo ha grabado China West, donde se ocupa en parte de música de Moreno Torroba, entre otros. Esther concluía hablando de Medea de este modo: “Acompañado de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y dirigido por Víctor Pablo Pérez, este original trabajo es una potente experiencia sonora que refuerza y completa la personalidad del instrumento”.

www.tonarmusic.com

www.barrueco.com

www.beijingguitarduo.com

Foto: El guitarrista Manuel Barrueco.
Acred: Stephen Spartana

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Yago Mahúgo

Yago Mahúgo

Publicado: Julio-Agosto 2014
El ímpetu de Rameau

Yago Mahúgo, clavecinista, fortepianista y director de Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid, nos habla de la grabación de su nuevo disco con obras de Rameau, otra buena oportunidad para comprobar la excelencia de este joven conjunto, que en poco tiempo se ha afianzado como uno de los más importantes de España.

Sale al mercado un nuevo trabajo de Ímpetus que usted dirige. Cuénteme, ¿cuáles son los pilares del grupo?

Ímpetus está formado por un conjunto de músicos jóvenes y españoles con una gran formación en la música de la época barroca y clásica, que se dedica a interpretar música siguiendo criterios historicistas.

Su primer disco, Impetus Live! In Madrid, publicado hace un año, ha obtenido una excelente acogida por la crítica especializada*. Su segundo disco, previsto para estos días, es toda una declaración de intenciones.

Así es. Hemos grabado las Pièces de clavecín en concerts de Rameau para conmemorar los 250 años de su muerte. Es, posiblemente, uno de los proyectos más bonitos, complejos y complicados a los que se puede enfrentar un clavecinista cuando no toca a solo. Bueno, no solo el clavecinista. También el violagambista. Se trata, sin duda, de una de las obras más difíciles e incómodas para ese instrumento. Rameau lleva al límite la viola da gamba en varias ocasiones y considero que el trabajo que ha hecho aquí Jordi Comellas es digno de ser alabado. La parte de violín, magistralmente interpretada en mi opinión por Pablo Gutiérrez es, al ser la escritura más sencilla de las tres partes, muy difícil de hacer bien. Mantener esa sencillez y la elegancia de la línea es extremadamente complicado.

¡Será que la parte de clave es fácil!

(Risas) ¡Naturalmente que no lo es! Pero es una obra de pura música de cámara, posiblemente la primera gran pieza de música de cámara de la historia, donde los tres instrumentos tienen su importancia y donde el clave deja de servir únicamente de continuo para tomar un gran protagonismo.

Decía lo de “declaración de intenciones” porque se atreven con todo. Un primer disco con las piezas más conocidas de la época barroca y ahora el segundo con música francesa de la mejor calidad.

Tener a músicos tan excelentes en el grupo me permite abordar un repertorio musicalmente muy exigente. La música francesa, tan especial, tan elegante, necesita de una aproximación muy diferente a la música italiana. Hay que huir de lo espectacular, de los fuegos artificiales. Es música muy seria, casi absolutista, podríamos decir. Eso no implica que no haya virtuosismo, que claro que lo hay, pero es un virtuosismo majestuoso y elegante al mismo tiempo. Espero que este disco guste aún más que el primero. Para mí es un tributo a la gran escuela francesa de compositores.

Actuaron hace unas semanas en el Festival de Música Antigua de Aranjuez, donde se compaginó nada menos que tocando el clave y el fortepiano y con música muy diferente. Todo un tour de force.

Se puede decir que fueron dos conciertos en uno. La primera parte, dedicada a las Pièces de clavecin en concerts de Rameau, de las que acabamos de hablar y una segunda parte dedicada a las canciones (lieder) del que ha sido el mejor compositor de todos los hijos de Bach: Carl Philipp Emanuel, con la excelente soprano Mariví Blasco. En esta parte efectivamente tocaba el fortepiano. Era la primera vez que me veía en la tesitura de tener que cambiar de instrumento, estilo y repertorio en 5 minutos. Y visto el éxito, no creo que se me diera muy mal (más risas). La verdad es que disfruté mucho, pese que al principio fui reticente con la idea de hacer un concierto tan largo y con diferentes instrumentos.

Le vi recientemente en la presentación de la próxima temporada del CNDM, donde Ímpetus va a participar con nada menos que tres conciertos.

Efectivamente. Aprovecho para agradecer al CNDM y en especial a su director, Antonio Moral, la oportunidad que nos brinda a mi grupo y a mí al apostar tan fuertemente por nosotros. Tres conciertos para la próxima temporada, uno de ellos en el prestigioso Festival de Granada, es algo que nos ha llenado de ilusión. Recuperaremos en esos conciertos varias piezas del vasto patrimonio musical español que ha quedado injustamente olvidado y las relacionaremos con la música francesa del barroco, demostrando que, a pesar de toda la influencia italiana que teníamos entonces, también mirábamos a Francia y ellos nos miraban a nosotros. Sin ir más lejos, tenemos el ejemplo de Lully escribiendo música con letra en castellano de Molière (Sé que me muero, de El burgués gentilhombre). Este programa, que haremos junto con la soprano Delia Agúndez, esperamos que sea todo un descubrimiento para el público.

¿Tiene miedo de que le estén encasillando como un especialista en música francesa, visto el éxito de su disco de Royer y de estos últimos proyectos que le han encargado?

De ninguna manera. Ya me encargaré de demostrar que también me desenvuelvo bien en el clasicismo y en el siglo XX. Y me temo que no puedo contarle más de mis próximos planes.

Estaremos atentos. Gracias Yago, ha sido un placer.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Jordi Comellas, Yago Mahúgo y Pablo González (de izquierda a derecha).
Acred: Elena Mahúgo

* Puede leerse la crítica aparecida en RITMO en diciembre de 2013 en este link: Crítica

www.ensembleimpetus.com

www.yagomahugo.com


Joven Orquesta Nacional de España

Joven Orquesta Nacional de España

Publicado: Junio 2014
Próximas actividades 2014
La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) pertenece al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), organismo dependiente del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Fue creada en 1983 con el propósito de contribuir a la formación de músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión. Su objetivo prioritario es la ampliación y el perfeccionamiento de sus conocimientos a través del estudio y la práctica del repertorio sinfónico y de cámara, por medio de la celebración de unos 6 encuentros anuales, entre los que se incluyen los de su Academia de Música Contemporánea y, desde 2013, la Academia Barroca.

La JONDE ha colaborado con solistas tan importantes como Mstislav Rostropovich, Agustín León Ara, Rafael Orozco, Christian Zacharias, John Williams, Deszö Ranki, Teresa Berganza, María Bayo, Simon Estes o Juan Diego Flores, entre otros, y la han dirigido maestros como Carlo Maria Giulini, Gunther Schuller, Jakov Kreizberg, Fabio Biondi, Reinbert de Leeuw, Vasily Petrenko, Krysztof Penderecki, Christian Zacharias, Paul Goodwin, Lutz Köhler, Gianandrea Noseda, Christopher Hogwood, George Pehlivanian, Peter Rundel, Edmon Colomer, Jesús López Cobos, Josep Pons, Antoni Ros Marbà, Víctor Pablo, Rafael Frühbeck de Burgos, Bruno Aprea, Pablo González, Alberto Zedda o Arturo Tamayo.

La proyección en el extranjero de la JONDE abarca giras por Bélgica, Rusia, Ucrania, Estonia, Hungría, Francia, Estados Unidos, Italia, Reino Unido, Portugal, Luxemburgo, Alemania, Holanda, Austria, Venezuela y República Dominicana, actuando en salas de conciertos como el Théatre des Champs Elysées de París, la Filarmónica de San Petersburgo, el Carnegie Hall de Nueva York, el Royal Albert Hall de Londres, el Concertgebouw de Amsterdam, el Konzerthaus am Gendarmenmarkt y la Filarmónica de Berlín o la Radio Kulturhaus de Viena, participando, entre otros festivales, en los BBC Proms de Londres, Aberdeen International Youth Festival, Chester Summer Music Festival, Expo Lisboa ’98, Robecco Zomerconzerten (Amsterdam), Musikfestpiele Saar, World Expo Hannover, el Festival Young Euro Classic de Berlín, el Schleswig-Holstein Musik Festival, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Opernfestspiele Schloss Weikersheim, Festival Kultursommer Nordhessen (Alemania), Touquet International Music Masters (Francia) o el Festival España-Venezuela de Caracas.

La JONDE cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, a través de un convenio suscrito con el INAEM para la concesión a los integrantes de la orquesta de becas con las que puedan realizar estudios de perfeccionamiento instrumental, tanto en España como (fundamentalmente) en el extranjero.

Desde 2001 su director artístico es el compositor José Luis Turina.

Próximos Encuentros de la JONDE para 2014

En el mes de junio la JONDE celebrará su segundo Encuentro de 2014 en Pilas (Sevilla). Se trata de un doble Encuentro con dos actividades en paralelo:

A) Orquesta de Cuerdas, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Estará integrada por 33 músicos de la JONDE, con Günter Pichler como director invitado y en la que estrenará una obra compuesta por Benet Casablancas, reciente Premio Nacional de Música.

B) Academia de Música Contemporánea, en colaboración con el Festival de Granada. Estará integrada por 25 músicos y será dirigida por José Luis Estellés, con la participación del tenor José López Ferrero como solista de la orquestación de Hans Zender del Winterreise de Schubert.

Este doble Encuentro terminará con tres conciertos: Los de la orquesta de cuerdas tendrán lugar, el 24 de junio, en la Sala Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid y, el 25 de junio, en el Crucero del Hospital Real de Granada. El programa incluye el Divertimento de Bartók, el estreno absoluto Shade and Darkness de Casablancas, y Noche transfigurada de Schoenberg. Por su parte, la Academia de Música Contemporánea ofrecerá un único concierto, el 26 de junio, en el Patio de los Mármoles del Hospital Real de Granada.

Del 23 de julio al 9 de agosto de 2014 se celebrará en Pamplona el tercer Encuentro de la JONDE. De carácter sinfónico, cuenta con Lutz Köhler como director invitado. Participarán en él 15 profesores y un total de 96 músicos integrantes de la bolsa de instrumentistas de la JONDE, más 5 músicos procedentes del programa de intercambios de la Federación Europea de Jóvenes Orquestas. La gira final incluye cuatro conciertos. El primero de ellos tendrá lugar en el Baluarte de Pamplona (2 de agosto), para continuar con una gira por Rumanía (5 y 6 de agosto, en Bucarest y Sinaia) y Alemania (Festival Young Euro Classic, 8 de agosto). El programa incluye dos obras de Richard Strauss (Las travesuras de Till Eulenspiegel y la Suite de El Caballero de la Rosa), las Diez melodías vascas de Jesús Guridi, la Sinfonía sevillana de Joaquín Turina y el estreno de Maui, encargo de la JONDE al compositor Alejandro Moreno.

El Encuentro IV de 2014 consistirá exclusivamente en música de cámara y tendrá lugar, entre el 5 al 18 de septiembre, en El Priorato de Le Mesnil St. Martin (Montaut de Villeréal, Francia). Estará integrado por un grupo de 9 músicos de la JONDE y tutelado por tres profesores, y el programa incluirá el Octeto de Nikos Skalkottas, el Quinteto de Albéric Magnard y el Cuarteto n. 16 de Beethoven.

http://jonde.mcu.es

www.facebook.com/jovenorquestanacionaldeespana

Elena Trujillo Hervás 

Foto: La Joven Orquesta Nacional de España afronta un otoño cargado de actividades.
Acred.: Michal Novak.

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