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Ashot Tigranyan y la CCCO de gira en España

Ashot Tigranyan y la CCCO de gira en España

Publicado: Enero 2015
Generando música sobre la gran Escuela rusa

Ashot Tigranyan es un violinista reconocido mundialmente, graduado del Conservatorio de Moscú, donde estudió con el legendario violinista ruso Leonid Kogan. Además de su carrera solista, es fundador y director musical de la virtuosa Classical Concert Chamber Orchestra (CCCO). Combinando sus habilidades como director y solista, Tigranyan interpreta un extenso repertorio violinístico, que incluye una gran selección de obras para violín y orquesta del Barroco, Clasicismo y Romanticismo, así como también piezas adaptadas para violín solista y orquesta de cámara, siempre bajo su dirección musical.

¿Podría contarnos un poco el origen y la formación de la Classical Concert Chamber Orchestra?

La CCCO fue creada con la intención de proseguir la honorable Escuela rusa. Yo estudié en el Conservatorio de Moscú con el legendario violinista Leonid Kogan, y tras abandonar Rusia y llegar a América, quise continuar bajo esta gran influencia musical. Mi misión con la CCCO es mantener esta tradición y aplicarla a la música que hacemos. La Orquesta fue fundada en 2006 en California y desde entonces ha actuado por todos los Estados Unidos. En 2012 comenzamos nuestra primera gira por Europa. Nuestro ensemble ha modelado mi visión personal de la tradición, fusionado con el estilo de las orquestas clásicas y barrocas.  

¿Durante el mes de febrero están de gira por España, podría adelantarnos los programas y la función de esta gira?

Es la cuarta ocasión que regresamos a España; estamos deseando poder comenzar la gira, que comienza el 5 de febrero en Valencia en el Palau de la Música. Pasaremos gran parte de nuestra gira en el norte de España y tocaremos también en Valencia, Zaragoza, Madrid, A Coruña, Valladolid, Barcelona, San Sebastián, Pamplona y Bilbao, con especial interpretación entre medias en Montpellier, anticipo de nuestra gira por Francia en abril. Espero poder desarrollar mi concepción de la Escuela rusa en España, país que adoro por su cultura, gastronomía y público. La CCCO siempre ha tenido mucho éxito en España y deseo poder transmitir mi pasión por la Escuela rusa durante la gira. Respecto al repertorio, presentaremos una selección de obras para violín y orquesta, oscilando entre Vivaldi, Mozart y obras españolas, como Falla o la Fantasía sobre Carmen de Sarasate. Los conciertos de Zaragoza (8 de febrero), Madrid (10 de febrero) y Barcelona (18 de febrero) tendrán como artista invitada a la gran soprano Virginia Tola, que interpretará las Siete Canciones populares españolas de Falla.

Como nos ha contado, usted proviene de la legendaria escuela violinística de Leonid Kogan, de la que es uno de sus más prestigiosos continuadores ¿Cómo desarrolla este modelo en sus alumnos?

La CCCO no es necesariamente un grupo de estudiantes, son más bien un conjunto de solistas que han desarrollado mi método y que siguen mi estilo, cada uno con su propia personalidad. Todos ellos, conjuntamente, representan mi sonido, y deben aprender a escucharse y seguir en la misma coordinación de vibrato. Mi propio estilo interpretativo evoca la “vieja práctica”, poniendo el foco en producir un sonido envolvente y un color especial que imita a la voz humana. Cuando tocamos correctamente, esta Orquesta evoca con sus armonías los ecos de mi educación en la tradición en las cuerdas de la Escuela de Rusia. Ellos han capturado esta esencia en sus más pequeños giros y detalles, es un gran acierto. La belleza de este estilo está en conexión con el pasado, y para una orquesta de cámara es lo que más le conviene.

¿Cuáles son los principales soportes sobre los que se fundamenta y trabaja la CCCO? ¿Y su repertorio, dónde comienza y dónde acaba?

Como casi todas las orquestas de cámara, la CCCO no trabaja con un director que no esté tocando al mismo tiempo. Mi labor es tocar y actuar como un director al unísono. Esta posición me permite seguir tocando mientras lidero a mis músicos, que siguen mis principios. Como director-intérprete, soy capaz de utilizar tanto mis habilidades como violinista, como las de director para realizar un repertorio de concierto extenso. El que yo mismo esté inmerso en la orquesta acentúa nuestro sonido unificado. Nuestro repertorio incluye música de Bach, Vivaldi, Mozart, Sarasate, Tchaikovsky y Paganini, entre muchos otros. Estas interpretaciones también incluyen arreglos tocados por mí desde el violín solista. Nuestro repertorio está muy marcado por la Escuela rusa de música clásica y refleja en su sonido reminiscencias del Romanticismo. Con un estilo fundado en la tradición formal, la Classical Concert Chamber Orchestra y yo procuramos extender este legado cuando hacemos música.

ACERCA DE LA CCCO

La Classical Concert Chamber Orchestra es un conjunto compacto y versátil de treinta y cinco músicos de primera línea, con un nuevo giro a la experiencia orquestal de cámara. La orquesta sigue el modelo clásico-barroco, no utilizando un director a su frente, liderada a su vez desde la posición del violín solista por el maestro Ashot Tigranyan. Creada en 2006, en sus años posteriores se presentó en varias ciudades de los Estados Unidos. En 2012, el maestro Tigranyan introdujo a la CCCO en Europa y Escandinavia, realizando además numerosas giras por España, Reino Unido, Polonia, Italia y Dinamarca. Ha tocado en salas como el Palau de la Música Catalana, Teatro Colón de A Coruña, Auditorio Palacio de Congresos de Zaragoza, Teatro Calderón de Madrid, Symphony Hall Aarhus Denmark, Helsinki Music Centre, Grieg Hall de Bergen, Oslo Concert Hall, Berwaldhallen de Stockholm, Glasgow Royal Concert Hall, St. George's Hall de Liverpool, Victoria Hall, Teatro Rossini de Pesaro, etc. En su gira por España (entre el 5 y 25 de febrero) presentarán una selección de obras para violín y orquesta de cámara.

http://cccorchestra.com/

Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El maestro y violinista Ashot Tigranyan, director y fundador de la Classical Concert Chamber Orchestra.

 

Cantando a Carl Philipp

Cantando a Carl Philipp

Publicado: Enero 2015
Yago Mahúgo y Mariví Blasco graban Lieder de C.P.E. Bach

Nominado con su ensemble a los prestigiosos premios ICMA, el clavecinista, fortepianista y director del Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid, Yago Mahúgo, conversa con nosotros sobre su último lanzamiento: una selección de Lieder de C.P.E. Bach al fortepiano en compañía de la soprano Mariví Blasco.

Nuevo disco y referencia del sello CMY Baroque con la recentísima nominación a los ICMA. ¿Cómo valora la candidatura de su anterior CD dedicado a Rameau y sus Pièces de Clavecin en Concerts a estos premios tan importantes en la categoría de música instrumental barroca?

Estamos muy contentos por la nominación. Ha sido algo bastante inesperado y esperamos que sirva para que aumente la valoración de los grupos españoles tanto en nuestro país como en el extranjero.

Su repertorio más habitual es el francés y, de hecho, ha sido una constante en su discografía y en su carrera. ¿Por qué la elección de un compositor alemán como C.P.E. Bach?

Una de las razones ha sido conmemorar el 300 aniversario del nacimiento de Carl Philipp. Creo que es el más valioso de los hijos de Johann Sebastian, sin olvidar a Wilhelm Friedemann y a Johann Christian, claro está. Es, sin duda alguna, una figura fundamental del periodo que va del último Barroco al Clasicismo y, por supuesto, del Sturm und Drang. Por otro lado, los Lieder de Carl Philipp no forman parte del repertorio habitual y están muy poco grabados. Además, son una música maravillosa y de una calidad enorme que merece la pena conocer y disfrutar.

Precisamente, siempre que pensamos en este género, nos vienen a la mente compositores posteriores como Beethoven, Schubert, Schumann, Brahms o Mahler. ¿Cómo valoraría la figura de Carl Philipp dentro de la evolución del lied?

Creo que estas obras anticipan muy bien los Lieder de compositores posteriores. Me atrevería a decir, ya que antes me preguntaba por los ICMA, que podríamos considerar que el caso de Carl Philipp en este género es, en cierta medida, como el de Rameau en relación al trío de cámara, es decir, que sus obras son pioneras. Podemos considerar que estos son los primeros Lieder “de verdad”, una auténtica antesala de las obras de Mozart, Beethoven o Schubert.

A pesar de poco conocido, el legado Liederístico de Carl Philip es muy extenso. ¿En qué criterios se ha basado para seleccionar las canciones? ¿Ha participado la soprano Mariví Blasco, su “compañera de viaje en este disco”, en la elección del repertorio?

Sí, la selección la hemos hecho entre ambos y no se basado en un criterio, digamos, temático, aunque sí es cierto que hay muchas canciones sobre aspectos bíblicos o religiosos. La cuestión fundamental a la hora de elegir, teniendo en cuenta lo extenso del repertorio ya que Carl Philip compuso cerca de 250 canciones, ha sido nuestro gusto personal; hemos decidido grabar aquellas canciones que más nos han gustado a ambos.

¿Por qué soprano y fortepiano? ¿Era una exigencia de la partitura o ha sido una cuestión personal elegir esta tipología vocal?

Las canciones están escritas para la tesitura de soprano, aunque también podrían ser interpretadas por un tenor pero, en cualquier caso, tenía absolutamente claro que quería contar con Mariví para este proyecto. Desde que la escuché por primera vez en un concierto supe que es una cantante excelente, dotada de una voz perfecta para este tipo de repertorio, con una gran versatilidad dramática y no lo dudé un segundo. En cuanto al fortepiano, es también el instrumento más adecuado a mi juicio y más tratándose de un Anton Walter de 1786, un fortepiano que nos permite ilustrar esta música a la perfección.

Este disco, de hecho, constituye su primera grabación no sólo de repertorio alemán, sino también de fortepiano…

La verdad es que me gusta tanto sentarme al fortepiano como al clave (risas). Este disco es muy importante para mí, ya que me permite cambiar de repertorio. El repertorio francés, que es al que estoy más vinculado y me encanta, es el que representa mejor el mundo del clave, sin olvidar a Bach padre, claro. En cuanto al fortepiano, creo que Carl Philipp, Haydn y Mozart llevan a este instrumento tan fascinante pero primitivo al mismo tiempo a su máxima expresión artística. No olvido a Beethoven, pero él ya tenía un fortepiano un poco más grande y evolucionado que el que se ha usado en esta grabación. Carl Philipp aprovecha muy bien la dinámica del fortepiano para potenciar el estilo Sturm und Drang que tan bien cultivó, ese “piano” y ese “forte” tan drástico. Este instrumento además permite una gran flexibilidad del tempo, puedes acelerar, parar…, favoreciendo la expresividad y la comprensión de la música.

Después de esta incursión discográfica en el repertorio alemán, ¿qué proyectos aguardan a Yago Mahúgo e Ímpetus?

En primavera Brilliant Classics va a editar un nuevo disco en solitario que he grabado en octubre pasado con las obras completas para clave de Marchand y Clérambault. En cuanto a conciertos, nos esperan dos citas importantísimas con el CNDM en mayo en Oviedo y León y en junio en el Festival de Granada. También tendré el privilegio de dar un recital en el Festival de Santander en el mes de agosto.

Seguiremos atentos. Muchas gracias, Yago, por conversar con nosotros.

www.yagomahugo.com

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Yago Mahúgo junto a Mariví Blasco, ante los Lieder de C.P.E. Bach.
Acred: JESÚS TRUJILLO

 

Carmine Miranda

Carmine Miranda

Publicado: Diciembre 2014
Descubriendo a Piatti

Carmine Miranda apasiona nada más conversar y descubrir la intensidad con qué habla de música. Este joven cellista acaba de grabar para Navona Records los 12 Caprichos para cello solo Op. 25 de Alfredo Piatti, al que considera uno de los grandes de la historia del violonchelo. De ello y más cuestiones trata esta entrevista.

¿Qué le llevó a grabar los 12 Caprichos de Piatti y qué nos puede decir de esta poco conocida música para el gran público?

Decidí grabar los 12 Caprichos Op. 25 por varias razones, principalmente razones personales. Alfredo Piatti (1822-1901) fue uno de los grandes violonchelistas y, en mi opinión, el más grande en la historia del instrumento. Debo admitir que desde joven este repertorio no me llamaba mucho la atención. Esto era debido al entrenamiento académico, por el cual enfocaban estas piezas como estudios para violonchelo. He pasado muchos años estudiando la vida y obra de Piatti y me he relacionado mucho con él debido a ciertas semejanzas y circunstancias de su vida musical y la mía. Gracias a mis estudios sobre Piatti, comencé a entender lo que el compositor quería decir con estos Caprichos, que tienen poco que ver con la técnica y mucho con la musicalidad y expresión del alma. Una de las razones de grabar esta música para Navona Records fue el hecho de que muy poca gente conoce a este gran maestro del violonchelo. Muchas de las interpretaciones eran erróneas y trataban este repertorio como estudios para demostrar las habilidades técnicas. Muy pocos violonchelistas entienden que el compositor lo que trataba era de imitar instrumentos como el violín y la guitarra. Es un repertorio que expone al intérprete en todos los sentidos, no hay lugar para esconderse. Los 12 Caprichos son como las Seis Suites de Bach, presentan los pensamientos más internos del intérprete, pero también su musicalidad y entendimiento del instrumento. Todos conocen el nombre de Paganini, así que espero que el público también conozca el nombre de Alfredo Piatti y que pueda gozar de algunas de las más hermosas melodías escritas para el violonchelo.

Si nos ha dado a conocer a Piatti, explique a nuestros lectores quién es Carmine Miranda...

Soy hijo de italianos de descendencia española, nacido en Venezuela y residente en Estados Unidos. Soy una persona apasionada por la música y el violonchelo. Debido a esta pasión, la música me ha dado la oportunidad de conocer diferentes culturas y personalidades. Desde niño he tomado refugio en la música, la cual me ha dado dirección, entendimiento de las personas, compasión y amor al prójimo, pero lo más importante que me ha enseñado es la excelencia. Como músico y ser humano que soy, no hay cosa que me moleste más que la mediocridad. Soy muy exigente conmigo mismo y no espero nada más que pura excelencia en mi profesión como músico y solista. Soy, en definitiva, un músico perfeccionista con un carnet de identidad de ciudadano del mundo.

¿Este cosmopolitismo vital le afecta como intérprete?

Claro, he crecido escuchando música de diferentes culturas de todo tipo y géneros musicales, pero en especial música folclórica y ópera. Esta ha sido una gran ventaja, debido a que muchos intérpretes de música clásica olvidan que una gran parte de los compositores del pasado y de nuestro presente estuvieron muy influidos por la música popular de su tiempo. Gran parte de los grandes compositores también han tenido una fuerte influencia nacionalista, la cual, como intérprete, el crecer en un cosmopolitismo musical ayuda a reconocer y entender mejor estas influencias en estos compositores.

Ya que habla de música folclórica, ¿cuánto de esta podemos encontrar en el repertorio para cello? (como la Sonata de Kodály, por ejemplo)

El interés por incorporar aspectos de la música folclórica en composiciones "clásicas" no sólo se encuentra en el repertorio para cello, también lo encontramos en composiciones generales desde la época medieval y periodos históricos más antiguos. Por ejemplo, creadores como Josquin Des Prez, Guillaume Dufay y Pierluigi da Palestrina incorporaban aspectos populares y folclóricos en sus obras. La mayoría del repertorio para el cello incluye, de una manera u otra, aspectos folclóricos y nacionalistas, como muchas obras escritas para otros instrumentos. Quizá, los dos mejores ejemplos que puedo mencionar son las Seis Suites para cello solo de Bach y el Concierto para cello de Dvorák. Cada una de las danzas en las Seis Suites de Bach tiene raíces de varias nacionalidades folclóricas, con la excepción del Preludio, cuyas raíces vienen desde la época medieval. Por ejemplo, la Sarabanda o Zarabanda, conocida como Sarabande, es una danza popular española, la cual fue llevada a Latinoamérica por los colonizadores durante el siglo XVII, luego refinada y aportada por los franceses durante el Barroco. El Concierto de Dvorák comienza con el famoso tema en Si menor, sobre el cual el compositor hace variaciones del mismo en cada movimiento de la obra. Dvorák siempre se sintió orgulloso por su descendencia romaní o gitana, la cual se demuestra musicalmente en esta música. Partes de este Concierto incluye armonías y melodías que se pueden comparar con muchas canciones populares españolas y con géneros como el flamenco, debido a una conexión histórica que une la cultura musical gitana, ya sea en la República Checa o en España. 

¿Cuáles son sus próximos proyectos? ¿Alguna vinculación con España?

Constantemente estoy trabajando en proyectos y conciertos. Si los lectores desean más información pueden visitar mi página web o me pueden seguir en Facebook y Twitter. Espero visitar España y a mi audiencia española en un futuro cercano.

www.carminemiranda.com

www.facebook.com/carminemirandacello

twitter.com/carminemiranda 

Foto: El cellista venezolano Carmine Miranda.
Acred: CODY VICKERS / Vickers Media Arts

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 

La pianista María Parra graba Rêverie

La pianista María Parra graba Rêverie

Publicado: Diciembre 2014
Sueños pianísticos

Nacida en Soria y tarraconense de adopción, María Parra es una pianista y creadora que, como Audrey Hepburn en Ariane, soñó su música a orillas del Sena para confirmarse como músico profesional bajo la tutela de maestros como Jacques Rouvier y Prisca Benoit. Del mismo modo ha coqueteado con el jazz y se ha perfeccionado en música española bajo la supervisión de la maestra Alicia de Larrocha. Su incansable actividad musical se amplía a la dirección del Bouquet Festival de Tarragona, exitoso festival que funde Patrimonio histórico, música y vino, y no por ese orden. Este mes de diciembre sale a la venta su primer trabajo discográfico Rêverie con el prestigioso sello madrileño VERSO. De ello hablamos en esta entrevista.

¿Cómo surge la idea de grabar Rêverie? ¿La elección de las obras es por un cúmulo vital o son obras de reciente incorporación?

Rêverie es un emocionado homenaje a todo lo que me ha hecho ser consciente de la artista que soy al día de hoy y todo lo que me ha nutrido como tal. Ante todo, este disco quiere ser un homenaje a los sueños de infancia que no deberían ser desdeñados, sino más bien mimados, para que lleguen a hacerse realidad, al recuerdo de mí misma deseando llegar a ser pianista, desde mi más tierna infancia, tras escuchar horas de música clásica interpretada por los grandes. Para ello me adentré recientemente en el universo de las Kinderszenen de Schumann, así como en los Children’s Corner de Debussy, que sin ser obras para niños aluden, sin embargo, a la idea de buscar la simplicidad, la inocencia desde la mirada retrospectiva del adulto ahondando en su niño interior. Por otro lado, es un homenaje a mi maestra Alicia de Larrocha, con quien tuve la suerte de trabajar de cerca un amplio repertorio de música española, el cual ha sido fiel compañero durante años. Y por último el título del disco (que en castellano quiere decir “ensoñación”), así como el bonus track, ambos en francés, son un guiño a París, ciudad que adoro y dónde tomé consciencia, de la mano de mis maestros Jacques Rouvier y Prisca Benoit, de qué suponía ser una profesional del piano.

Además de intérprete es compositora y en Rêverie nos regala un delicioso Il Pleut sur Paris ¿Qué supone esta faceta musical?

La composición surge en mi caso desde la improvisación. Yo pienso en armonías modernas propias del jazz. En mi caso son devaneos musicales que me abstraen del a veces arduo trabajo de repetir y memorizar las piezas que interpreto y que me sumergen en un mundo creativo propio que me es muy gratificante. Las concibo como pequeñas canciones, de estilos diferentes, a las que les doy forma. Últimamente son mis bises en los conciertos.

¿Cuánto del corazón de María Parra hay en cada obra del disco?

En este disco está mi corazón al 100% desde la gratitud y la emoción. Este trabajo ha sido el resultado del inmenso apoyo de Juan Lucas y David Rodríguez de La Quinta de Mahler así como de los productores del sello VERSO, Pilar de la Vega y José Miguel Martínez, quienes han depositado su confianza en mí. Además se grabó dos días después del exitoso concierto que ofrecí en mi ciudad dentro de mi festival el 30 de agosto, todavía bajo el eco de la entrega y la emoción de aquel día.

¿Cómo definiría a la pianista María Parra? ¿Y a la persona?

María Parra pianista y María Parra persona son la misma, no hay distinciones. La música es para mí el aire que respiro, en torno a la cual se organiza mi cabeza, desde que me levanto hasta que me voy a dormir, es mi equilibrio y mi motor, mi impulso vital. Soy apasionada y entregada en todo lo que hago, muy comprometida y sincera conmigo misma y con los demás.

¿Qué espera de la crítica? ¿Qué valor le da?

Con los años he aprendido a no esperar nada de nadie, es decir, prefiero ser coherente y estar de acuerdo conmigo misma antes que gustar a todo precio. Con esto no quiero decir que si mi trabajo, junto con mi persona-pianista, son bien acogidos, me sentiré muy feliz. Quiero creer que cuando las cosas se hacen desde el corazón, desde lo más auténtico de tu alma, eso se percibe y al mismo tiempo se agradece. Simplemente querría poder oír, como ya lo he hecho tras mis conciertos, “¡María, nos has hecho soñar, gracias!”

RÊVERIE. Obras de SCHUMANN, DEBUSSY, ALBÉNIZ, GRANADOS.
Bonus: Il pleut sur Paris de MARIA PARRA.
 
Verso, VRS 2156.

www.mariaparrapenafiel.com

www.bouquetfestival.com

Foto: La pianista María Parra, que acaba de editar su primer disco, Rêverie.
Acred: Antoni Coll 

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 

 

Anika Vavic

Anika Vavic

Publicado: Diciembre 2014
La sacerdotisa de Scriabin

De niña prodigio en Belgrado a reconocida pianista internacional. Desde su debut como concertista a los ocho años, una larga lista de triunfos profesionales, a ambos lados del Atlántico, han consolidado a Anika Vavic como aclamada pianista en las salas de conciertos más famosas del mundo: Carnegie Hall de Nueva York, Kennedy Center de Washington, Concertgebouw de Amsterdam, Mozarteum de Salzburgo, Royal Albert Hall de Londres, Musikverein y Konzerthaus de Viena, entre otras. Su virtuosismo, expresividad y claridad de articulación han recibido el aplauso de sus colegas y las más importantes batutas de la actualidad no han escatimado elogios para ensalzar a la pianista serbia: Mariss Jansons y Zubin Metha la consideran una pianista de extraordinario talento; Ozawa destaca su hermosa forma de tocar y gran técnica. Daniel Barenboim ha dicho que posee el gran don de tocar el piano sinfónico, como si varios instrumentos estuvieran tocando al mismo tiempo. Quien la haya escuchado alguna vez interpretando a Prokofiev, difícilmente podrá olvidarla. Su debut en los Proms con la Filarmónica de Londres y Vladimir Jurowski (agosto 2013) fue saludado con una verdadera aclamación, tanto del público como de la crítica, que habló de su interpretación como algo excepcional (Tim Ashley, The Guardian) y la llamó “poetisa de la música”. La prensa alemana ya la ha bautizado como “la sacerdotisa de Scriabin” (Christian Strehk, Kieler Nachrichten). A escasos días del 2015, año en el que se celebra el centenario del nacimiento de Scriabin, Anika Vavic habla para RITMO con la sencillez y la amabilidad que la caracterizan.

De niña prodigio en Belgrado a alumna más joven de la Universidad de Música y  Artes Escénicas de Viena, ¿existía tradición musical en su familia? ¿Cómo decide  que quiere ser pianista?

Existía tradición de cantantes de ópera por parte de madre. Y, sobre todo, había muchos pintores en la familia. Se respiraba un ambiente muy artístico, pero no había pianistas. Comencé a tocar el piano por casualidad, porque mi padre trabajaba en el extranjero y mi madre también trabajaba en Belgrado, así que como no tenía con quién dejarme, me mandó a la escuela de música (risas). Así empezó todo… Después llegaron los premios y fue muy gratificante, y con 13 o 14 años me di cuenta que no podía vivir sin música, y que esta sería mi baby

La prestigiosa beca de la Fundación Herbert von Karajan, el premio Steinway, el premio a la mejor interpretación de Haydn, ¿qué significaron esos galardones al inicio de su carrera?

El premio a la mejor interpretación de Haydn se tradujo en muchas invitaciones para interpretar a los Wiener Klassik, repertorio que me encanta y que sigo tocando regularmente. Y el Steinway fue un gran comienzo, porque generó un mayor interés hacia mí.  

Otro momento muy especial fue ser elegida como solista del prestigioso Ciclo de conciertos Rising Stars, por recomendación de la Musikverein y el Konzerthaus de Viena.

Sí, ese reconocimiento supuso el despegue de mi carrera. Gracias a este ciclo, pude aparecer como solista en los principales escenarios internacionales. Además, por  primera vez en el marco del Rising Stars, la Musikverein produjo con la ORF (Radio austriaca) un CD con el programa de conciertos. Y eso fue algo fantástico, porque tuvo gran repercusión en la prensa internacional, de la que recibí muy buenas críticas. O sea, que fue una estupenda tarjeta de visita. Y recibir el premio nacional de música, que el Parlamento austriaco otorga a las mujeres por sus logros artísticos, fue también muy importante.

Ha trabajado con casi todos los grandes directores de orquesta actuales, pero ¿existe una sintonía especial con Gergiev?

Es un hombre fascinante, muy inteligente y un verdadero mago en el pódium. Toco con mucha frecuencia con Gergiev. Y compartir escenario y tocar con él es siempre una experiencia única. Nunca te sientes aislada como solista en el escenario sino que notas la fusión con la orquesta. Tocar con Gergiev es algo mágico.

Precisamente con Gergiev y la Orquesta del Teatro Mariinsky está realizando los estrenos del Concierto para piano n. 4 de Rodion Shchedrin. ¿Qué destacaría de esta obra?

El primer estreno que hicimos de esta obra fue su estreno ruso en el marco del White Nights Festival de San Petersburgo. De hecho, fue idea de Gergiev tocar a Shchedrin, aunque, en realidad, Gergiev me había propuesto otro concierto de Shchedrin, pero cuando me reuní con Shchedrin en Munich, él llegó con la partitura del Cuarto Concierto. Este concierto fue un encargo de Steinway y se estrenó en 1992 en Nueva York, pero pocas veces se toca por su dificultad, porque es un concierto muy virtuoso, muy lírico, con mucho colorido y frases à la Chopin y en la parte final es como si explotara en una fiesta religiosa con campanas incluidas, y es una especie de éxtasis con una orquesta enorme, campanas y un piano muy virtuoso. Luego hicimos también otros estrenos como el estreno austriaco en el prestigioso Carinthischer Sommer y estamos en conversaciones para próximos estrenos en el futuro.

Con Mstislav Rostropovich, estudió las Sonatas y Conciertos para piano de Prokofiev y Shostakovich. ¿Cómo era Rostropovich como profesor?

Como profesor era muy estricto, pero era un músico excepcional con el que aprendí muchísimo y al que estoy muy agradecida. Con él hablaba sólo en ruso, porque era su idioma y quería hablar con él en su idioma. Estudiando con Rostropovich tenía la sensación de conocer las obras de primera mano, porque, por ejemplo, tocaba una obra de Prokofiev y él me comentaba lo que el propio Prokofiev le había dicho a él, o los comentarios que había hecho al escuchar una grabación de esa obra. Y eso es un auténtico privilegio y algo impagable, que no puedes leer en un libro de historia de la música.

Aunque su repertorio es asombrosamente amplio y va desde el barroco y el clasicismo vienés hasta la música contemporánea, tiene una atracción especial por los compositores rusos… 

Obviamente, mi trabajo con Rostropovich me marcó mucho en ese sentido. Y por supuesto también me gusta mucho tocar a Rachmaninov, aunque Rostropovich no me explicara sobre sus encuentros con él (risas). También estudié mucho los Conciertos para piano de Tchaikovsky con Lázar Berman. Me gusta ese repertorio, pero naturalmente también toco Mozart y Beethoven, los grandes hits del repertorio pianístico.

Su interpretación del Concierto n. 3 de Prokofiev recibió el elogio unánime de la crítica, que calificó su interpretación como excepcional…

En mi opinión, el compositor es el verdadero protagonista de ese Concierto. El idioma musical de Prokofiev me resulta muy familiar porque lo toqué por primera vez cuando tenía doce años. Y desde entonces, sigo enamorada de su música… Creo que a Prokofiev no se le tiene que tocar muy forzado, ni aportar demasiadas cosas, porque su música ya es inmensa por sí sola, quiero decir, que no creo que yo tenga que ayudar a Prokofiev para que suene mejor su obra, porque ya es por sí sola una obra maestra, y está muy bien escrita.

Otra de sus señas de identidad es su ponderada interpretación de Scriabin, recientemente ha obtenido un gran éxito en Alemania, tocando su Concierto para piano con la Filarmónica de Munich y Paavo Järvi. 2015 es el año Scriabin ¿Tendremos oportunidad de verla en España tocando su Concierto para piano

Scriabin revolucionó la tonalidad, la armonía… Cuando interpretas a Scriabin te pierdes en esos colores, en esa arquitectura… Esto es precisamente lo peligroso a la hora de interpretarlo. Su elegancia compositiva y buen gusto me recuerda a Ravel. Y su Concierto para piano es un concierto muy romántico. Naturalmente, se nota también la influencia que la Filosofía tuvo en este compositor, algo que hay que conocer a la hora de tocar sus obras. No se puede interpretar bien a Scriabin si no se conoce la pintura del joven Kandinsky, porque hay una estrecha relación entre ambos, de la misma manera que no se puede tocar a Beethoven sin haber leído a Goethe. Coincidiendo con la celebración de su centenario en el 2015, Scriabin se ha puesto de moda. Y haré varias interpretaciones de su Concierto para piano; lo tocaré, por ejemplo, con la hr-Sinfonieorchester dirigida por Gustavo Gimeno, abriré también la temporada en Estrasburgo con este Concierto, y luego vendrán otros conciertos en Alemania, y en el Konzerthaus de Viena, pero lamentablemente, de momento, no tengo ningún concierto confirmado en España.

www.anikavavic.com  

Foto:: La pianista Anika Vavic, “poetisa de la música” (Tim Ashley, The Guardian).
Acred: CHRISTINE DE GRANCY 

Por: Lorena Jiménez

 

 

Operastudio

Operastudio

Publicado: Noviembre 2014
Un vivero para la lírica

La Universidad de Alcalá, a través de su Fundación General, realiza desde 2010 un programa de alta especialización para cantantes de ópera, Operastudio. Este año llega a su quinta edición cargado de novedades. Entrevistamos hoy a Lourdes Pérez-Sierra, su fundadora y directora, profesora superior de Música, especialista en gestión de artes escénicas y coach acreditado por AECOP y la Universidad de Deusto.

Operastudio está en su mejor momento, ¿cuál es el secreto?

Por un lado la generosidad de los Maestros, cuya dedicación y calidad es impagable como imaginarás, la colaboración también de instituciones amigas que nos ayudan cediendo sus salas, como la Escuela Superior de Canto de Madrid, el Ayuntamiento de Alcalá de Henares, la Fundación SGAE, AIE que cada curso aporta becas de formación… En segundo lugar, la verdad es que después de cuatro temporadas conocemos bien qué es lo que demanda el profesional que se acerca a nosotros e intentamos adaptarnos a sus necesidades. No hay mayor secreto que el conseguir que los mejores Maestros enseñen a los mejores alumnos, de esta forma el éxito está asegurado.

¿Cuáles diría que son los objetivos de estos jóvenes profesionales?

El cantante que se matricula en las masterclasses normalmente quiere especializarse en materias que no se ofertan en los conservatorios, conocer a grandes Maestros en activo y necesitan ayuda para abrirse paso en el mercado profesional. Muchos participantes son también cantantes de alto nivel en activo que quieren profundizar en un repertorio concreto. La psicología del cantante está cambiando y como en cualquier carrera son conscientes de la necesidad del reciclaje y la formación continua.

¿Qué novedades presenta la programación de este curso?

Esta edición batimos records, aumentamos la oferta de cursos magistrales considerablemente, pasando de ocho a once y ampliando el periodo lectivo hasta final de julio. Contaremos con el magisterio de Alberto Zedda, Aquiles Machado, Carlos Mena, Eduardo López Banzo, Iñaki Fresán, Miguel Lerín, Ignacio García, Ana Luisa Chova y Juan Antonio Álvarez Parejo, además de ofrecer nuestros servicios de Fisiopatología Vocal con el Dr. Ignacio Cobeta y la posibilidad de realizar un proceso de Coaching de Carrera donde yo misma intento ayudarles a explorar las vías para afrontar su carrera profesional en un momento tan delicado, donde la crisis y los cambios convulsos están a la orden del día.

Trataremos temas con la interpretación verdiana, rossiniana, barroca, canción de concierto, zarzuela y música española, técnica vocal… Todos los profesionales en activo que busquen dar impulso a su carrera encontrarán el Maestro y el grupo adecuado.

¿Cómo ayuda Operastudio a la inserción profesional de los cantantes?

Lo cierto es que toda nuestra creatividad está puesta al servicio de estos talentos. El próximo 15 de diciembre hemos organizado una audición, en colaboración con la Compañía Ópera 2001, donde se seleccionarán cantantes para sus giras, y hemos puesto en marcha el Programa de Apreciación de la Ópera para centros escolares, donde los cantantes matriculados en el actual curso académico o en el anterior podrán participar de forma remunerada. Además de esto, trabajamos constantemente con otras instituciones con el objetivo de poner en marcha ciclos de conciertos y galas donde nuestros cantantes puedan exponerse al público y demostrar sus altas capacidades vocales y escénicas. Estas serían las vías que Operastudio trabaja en ese sentido, por otro lado los Maestros se convierten también en mentores de los alumnos más aventajados, colaborando después profesionalmente con muchos de ellos.

Apuntarse a una masterclass del Operastudio es una aventura…

Desde luego, el pasado curso el agente artístico Miguel Lerín llevó a sus alumnos al Teatro Real, donde pudieron compartir una velada y audicionar para su director artístico Joan Matabosch y el director Víctor Pablo Pérez.

Cada masterclass es una apuesta personal, una oportunidad única y muchas veces una sorpresa. Los participantes también destacan las relaciones personales que se hacen en los grupos, que suelen traspasar las fronteras del aula. Muchas compañías y proyectos líricos han tenido origen en el Operastudio y eso nos enorgullece.

http://operastudio.fgua.es

E.T.H.


La Compañia Ópera 2001 y el Operastudio de la Fundación General de la Universidad de Alcalá convocan Audiciones para cubrir los papeles principales de la gira remunerada que la compañía Ópera 2001 tiene prevista para 2015. Se ofertan los roles principales de las óperas: Un ballo in maschera, El barbero de Sevilla, Rigoletto y La flauta mágica. Las audiciones serán el lunes 15 de diciembre, de 12 a 20 horas, en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá (calle Colegios 10. 28801 Alcalá de Henares). El plazo de inscripción termina el 12 de diciembre. Inscripción: operastudio@fgua.es Más información: http://operastudio.fgua.es / www.opera2001.net 

Foto: Lourdes Pérez-Sierra, directora de Operastudio.
Ciclo de Grandes Intérpretes

Ciclo de Grandes Intérpretes

Publicado: Noviembre 2014
Teatro Colón de A Coruña

Después del éxito del pianista Enrico Pace en mayo 2014, se ha puesto en marcha una nueva edición del Ciclo de Grandes Intérpretes en el Teatro Colón de A Coruña. Participan como artistas invitados el pianista Alon Goldstein, durante el mes de octubre; en noviembre Sergei Yerokhin, piano; en enero el Tempest Trio, y se clausurará en mayo con el también pianista Ivo Pogorelich.

En octubre de 2012, el Teatro Colón de A Coruña decidió apostar por recitales de solistas para complementar la gran oferta cultural existente en la capital gallega, posible gracias a la consolidación de un gran número de público melómano en la ciudad. Abrió esta serie de recitales el pianista ruso-español Sergei Yerokhin, uno de los intérpretes más reconocidos por los aficionados en España. Congregó a un gran número de aficionados al piano, con un alto porcentaje de profesores y alumnos de conservatorios y escuelas de música ávidos de recitales de piano de alto nivel en esta ciudad. Este éxito de taquilla y la respuesta entusiasta de un público entendido empujó definitivamente a la dirección del Teatro Colón a dar continuidad a este proyecto.

Así, en enero de 2014, invitó a un guitarrista de culto para los aficionados como es Carles Trepat, en una apuesta arriesgada por estar dirigido a un público quizá más minoritario, y no precisamente por su incuestionable altísima calidad; y nuevamente resultó un éxito.

La siguiente cita, el pasado mes de abril, contó con dos solistas de gran prestigio internacional: el violinista Ilya Kaler y el cellista Amit Peled que están sorprendiendo en todas sus apariciones en nuestro país. Los dos volverán a estar invitados en el ciclo como integrantes del Tempest Trío y, en esta ocasión, con el aliciente añadido de la presencia de Amit con el cello Goffriler de Pau Casals.

La última cita hasta el momento fue la del pianista italiano Enrico Pace. Frecuentemente invitado por las salas internacionales del prestigio del Concertgebow, Carnegie Hall, Wigmore Hall, Teatro Marinsky, sólo o en compañía de Leonidas Kavakos o Frank Peter Zimmermann, este era su primer recital de piano sólo en España y sorprendió a todos que no se haya contado con él antes en nuestros grandes ciclos de piano o haya sido invitado como solista a las temporadas de las orquestas de nuestro país.

Una nueva edición

El ciclo se reinició, el sábado 25 de octubre, con uno de los pianistas más activos en Estados Unidos, Alon Goldstein. Después de visitar Europa invitado por la Filarmónica de Londres y la Filarmónica de Radio Francia en sus dos últimas temporadas, se presentó por primera vez en nuestro país el pasado mes de abril, para actuar en solitario y como integrante del Tempest Trio. De inmediato, fue invitado también al Ciclo de Grandes Solistas “Pilar Bayona” del Auditorio de Zaragoza. En las dos últimas temporadas en USA, fue el pianista invitado por el Cuarteto de Tokyo para su gira de despedida y ha colaborado como solista de orquestas tan importantes como la Chicago Symphony, dirigida por James Conlon. En el Teatro Colón de A Coruña interpretó con éxito obras de Beethoven, Liszt, Ravel, Dorman, Schubert y Ginastera.

La siguiente cita será el domingo 23 de noviembre, de nuevo con el impulsor de esta serie de recitales, el pianista Sergei Yerokhin. Volverá a A Coruña, después de su exitosa gira con la RFG, con un programa integrado por obras de Schubert, Beethoven y Chopin. Después de su gira, durante un año y medio, con una de las obras cumbre de la literatura pianística, la Sonata n. 29 Op.106, “Hammerklavier”, continúa ahora con su proyecto de tocar la integral de las Sonatas de Beethoven, con otra de su última época, la n. 32 Op.111; programa que completa con una de sus grandes especialidades, los 24 Preludios de Chopin.

El domingo 25 de enero de 2015 vuelven a nuestro país, después de su exitosa actuación el pasado mes de abril, el Tempest Trio. Está formado por tres solistas de primer nivel como son Ilya Kaler, violín; Amit Peled, cello, y Alon Goldstein, piano. Interpretarán obras de Rachmaninov, Dvorák y Schumann.

Cerrará esta edición el célebre pianista Ivo Pogorelich, con un recital el 30 de mayo de 2015.

www.teatrocolon.es

https://es-la.facebook.com/TeatroColonCoruna

E.T.H.

Foto: El pianista Sergei Yerokhin, uno de los artistas invitados.

FIAPMSE cumple diez años

FIAPMSE cumple diez años

Publicado: Noviembre 2014
Música de cámara para todos los sentidos

Con el soporte de la Fundación Hispania Música, se desarrolló con éxito una nueva edición del festival de música de cámara “FIAPMSE–Forum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa” que celebró diez años de insaciable trabajo con diecinueve días de intensa actividad musical. Como viene siendo habitual, su conjunto residente fue la prestigiosa orquesta de cuerdas española Concerto Málaga.

El Forum, ideado con la vocación de crear un lugar de encuentro e interacción entre jóvenes músicos llegados de todas partes del mundo, así como intérpretes, melómanos, amantes y profesionales de la música clásica, encuentra su sede central en el granadino enclave de Nigüelas y Valle de Lecrín, situado a las faldas de Sierra Nevada.

FIAPMSE agrupa sus diferentes manifestaciones culturales dentro de FIAPMSE–Festival y FIAPMSE–Promenade: dos grandes secciones que ofrecen un espacio cultural en donde convive la música clásica con artes como la arquitectura, la pintura o la palabra; mediante conciertos, conferencias, exposiciones y talleres.

La X edición del festival dio comienzo con un cartel que pretendía ser un homenaje a la Revista RITMO en su aniversario, a modo de agradecimiento por su encomiable labor en la difusión de la música clásica durante sus ochenta y cinco años de andadura. La programación diseñada reivindicaba el talento musical de nuestra juventud y la necesidad de ofrecer escenarios de primer nivel. Por todo ello, tomó relevancia la serie “FIAPMSE–Festival: Podium de Jóvenes Intérpretes”, con la realización de cinco recitales en donde se pudo disfrutar de la calidad de jóvenes talentos procedentes de diferentes rincones españoles que se han alzado con los primeros premios de los más prestigiosos concursos nacionales.

FIAPMSE–Promenade, sección que se proyecta como lugar de encuentro del festival con nuevos espacios y ambientes, se desplazó a dos maravillosos enclaves en un paseo musical por Granada y su provincia. La propia ciudad de Granada y el patio de su ayuntamiento se convirtieron en nuevo punto de encuentro del festival con su público, uniéndose así al escenario y marco incomparable de referencia para el turismo y ocio en respeto con el medio ambiente del prestigioso Hotel Balneario de Lanjarón.

Concerto Málaga, orquesta residente

Especialmente reseñables son los conciertos realizados en la serie: “FIAPMSE-Festival: Orquesta Residente”, en donde el festival cuenta con la presencia de la prestigiosa orquesta de cuerdas española Concerto Málaga, junto a su concertino, el eminente violinista José Manuel Gil de Gálvez. Dieciocho años avalan una trayectoria respaldada por numerosas giras, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, en países como Alemania, Holanda, España, Croacia, EEUU, el Reino Unido o Irlanda, que les han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como la Laeiszhalle Hamburg, o la Berliner Philharmoniker, entre muchos otros, grabando discos para etiquetas discográficas como Genuin o el prestigioso sello Deutsche Grammophon.

Dentro de esta serie, se pudo disfrutar de cinco conciertos programados por la orquesta que se encuadraron en la ya intensa actividad veraniega de la propia formación, la cual le llevó, además, a realizar una gira internacional debutando en Francia, en donde participó dentro de festivales tales como el Festival “L’Été Musical” de Bergerac, así como dentro de la programación diseñada para el Festival “Un Été en Musique” de Amiens.

Unidas a las interpretaciones de Concerto Málaga como conjunto residente, se pudo disfrutar de la presencia del renombrado director de orquesta José Serebrier, que asumió la batuta de la formación para ofrecer el programa “Paisajes Musicales de Europa”, en donde se pudo saborear la particular visión que el director tiene de compositores como Turina, Tchaikovsky, Puccini o Mozart, entre otros.

El último concierto encargado de cerrar la X edición de FIAPMSE fue protagonizado por el Ensemble Músicos Concerto Málaga, con un magistral concierto realizado entorno a la música de cámara española del Siglo XVIII que dejó patente el trabajo de investigación, estudio e interpretación realizado por el conjunto de cuerdas.

Fundación Hispania Música

Con el broche de oro de la clausura de FIAPMSE, la Fundación Hispania Música, creada en 2012, se convierte en el paraguas que sustenta la labor desarrollada hasta ahora por el conjunto de cuerdas español Concerto Málaga, el cual se ha convertido en piedra angular de las actividades a nivel interpretativo, científico y de investigación programadas por la Fundación. “FIAPMSEForum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa” es una de las producciones centrales de la entidad que se suma al “CIVE-Ciclo de Conciertos Las Cuatro Estaciones” y el sello discográfico “Belsuono String Records”, entre otros proyectos.

Para saber más ver: www.hispaniamusica.es  y www.concertomalaga.com

https://www.facebook.com/pages/Concerto-M%C3%A1laga/129457177075654

Elena Trujillo Hervás

Foto: José Manuel Gil de Gálvez, líder de Concerto Málaga y director artístico
de FIAPMSE.
Acred.: Gregoio Torres

Hispanian Symphony Orchestra - HSO

Hispanian Symphony Orchestra - HSO

Publicado: Noviembre 2014
“Aranjuez” por Asensio y Clerch

“Aranjuez” es el sugerente título del próximo disco de la Hispanian Symphony Orchestra en el que la guitarra de Joaquín Clerch y la experimentada batuta del maestro Enrique García Asensio, director honorífico de la HSO, dan vida a la música de Joaquín Rodrigo y Juan Crisóstomo de Arriaga.

El concierto-presentación será el próximo 13 de diciembre, sábado, en el Auditorio Nacional de Madrid. Un disco con el que la HSO estrena por todo lo alto un ciclo que lleva su propio nombre, “Hispanian”, dedicado íntegramente a esta formación que, pese a su juventud, avanza con paso firme desde la excelencia en la interpretación y un nuevo concepto en el modelo de gestión.

IBS Classical y Pepper producen este cuidado trabajo discográfico que significará un hito en la interpretación de la música de Rodrigo y Arriaga.

Creada por iniciativa de la agencia de representación artística Drop Artist, la HSO nace con el objetivo de divulgar la música por todo el mundo, en especial la española. Sustentada exclusivamente con capital privado, la HSO supone un importante cambio en la filosofía de las orquestas españolas, acercándose más a un modelo europeo de gestión, lo que obliga a competir en calidad con el resto de formaciones. Calidad que demuestra con las críticas de sus conciertos así como en el éxito de público que cosecha en ellos.

En el programa del concierto del día 13 de diciembre disfrutaremos de dos de las obras de mayor lucidez del compositor bilbaíno, junto con sus cuartetos de cuerda. La Obertura de los esclavos felices y la Sinfonía a gran orquesta. Pese a su gran exigencia técnica, la HSO no se ruboriza y junto a uno de los referentes de la dirección en España, el maestro García Asensio, nos muestra la profundidad artística de la música del compositor vasco.

Compuesta en 1819, en plena juventud, la Obertura de los esclavos felices forma parte de una ópera en dos actos del mismo título. La escritura, pese a ser una de sus primeras obras, revela ya una pluma con influencias de Mozart, Cherubini o Rossini, pero sin perder su sello diferenciador basado en su propio carácter y talento.

Con solo 15 años el joven compositor viaja a París, ciudad en la que buscaba ampliar sus conocimientos musicales en el Conservatorio. Permanece cuatro años obteniendo el cargo de docente poco tiempo después de sus primeras clases de armonía de manos del célebre Fétis. Es en este periodo cuando Arriaga compone la que es su única sinfonía.

La trágica muerte del compositor con tan solo 19 años por una afección pulmonar hizo que sus composiciones quedaran relegadas al olvido en un baúl de la casa paterna de Bilbao hasta que, años después, un descendiente se decidiera por sacar a la luz la obra del niño prodigio de la música española y así editar, por primera vez, ambas partituras.

La Hispanian Symphony Orchestra nos ofrecerá una obra, que lejos de someterse a los patrones mozartianos, con los que se suele asociar la música del compositor vasco, se construye con audaces combinaciones armónicas e innovadoras relaciones tonales. El personal estilo del compositor se puede apreciar en el tratamiento del material temático y no en la búsqueda de una expresión vacía a través de artificios estéticos. Utiliza una gran variedad tímbrica en combinaciones instrumentales diferentes para cada una de las células melódicas.

El Concierto de Aranjuez es un invitado de lujo para la velada musical que nos propone la HSO. El concertista internacional, de origen cubano, Joaquín Clerch crea junto al maestro Asensio, uno de los directores que más ha dirigido este concierto desde su creación, una versión fresca y actual del más famoso de los conciertos para guitarra.

Siendo, seguramente, el trabajo más conocido de Joaquín Rodrigo, fue escrito en 1939 en París alejado del ambiente tenso de las últimas etapas de la Guerra Civil Española y poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Hasta entonces ningún compositor había logrado un equilibrio tan grande entre la guitarra y la orquesta. El instrumento solista nunca se diluye destacando siempre entre la peculiar orquestación del maestro valenciano. Rodrigo hace de su “dialogo con Dios”, en el segundo movimiento, una de las melodías más dramáticas y llenas de sentimiento de la historia de la música.

Así da comienzo el ciclo “Hispanian” en el Auditorio Nacional de Madrid, que tendrá como protagonistas a directores y solistas de primer nivel internacional, siempre bien arropados por la HSO. Un producto lleno de pasión y energía, y muy recomendable para todos los amantes de este nuestro arte.

Julia Alonso

www.dropartist.com
www.hispaniansymphonyorchestra.com

Foto: Enrique García Asensio, al frente de la HSO.

 

Edición Maria Callas

Edición Maria Callas

Publicado: Noviembre 2014
Al servicio de Arte

Maria Callas fue una de las mejores “artistas” del mundo de la ópera y lo fue porque puso todas sus grandes cualidades al servicio del arte. Por ello, es importante la remasterización de una gran parte de sus grabaciones, para que con las nuevas técnicas nos permita acercarnos, lo más posible, a la realidad de sus interpretaciones de estudio.

Por tratarse de más veinte óperas, haré una selección comentando gran parte de la obra, principalmente vinculada a la intervención de la soprano. Empezaré con Norma de Bellini, de la que se ofrecen dos registros. El primero, de 1954 (Tullio Serafin, Scala de Milan), nos muestra a la soprano en el momento más álgido de su carrera, con una voz de soprano dramática de agilidad, con la que sabía contrastar de una forma maravillosa el aria, donde daba una lección de legato, con la cabaletta, donde surgía la gran fuerza dramática, fragmentos que solo son el inicio de una interpretación de las que no se olvidan. En la de 1960 (Tullio Serafin, Scala de Milan), Callas había mejorado, si cabe, su versión, con una voz brillante, que mantiene un buen estado vocal.

En I Puritani (Tullio Serafin, Scala de Milan) de Bellini consiguió crear nuevas emociones, dando vida a la frágil Elvira, a la que dio una visión más humana, mientras que en La sonnambula belliniana (Antonino Votto, Scala de Milan) dio una nueva dimensión de estilo belcantista, realzando la delicadeza de Amina.

Para variar, la Carmen de Bizet (Georges Pretre, Opera de París), donde Callas, con una voz que había perdido algo de fuerza, continuaba creando un personaje totalmente creíble, al que aportó su propia visión, mientras que la Medea de Cherubini (Tullio Serafin, Scala de Milan) le permitía, a la artista, mostrar su fuerza expresiva y vivir su drama intensamente. También de Lucia di Lammermoor de Donizetti hay dos grabaciones: la primera, de 1953 (Tullio Serafin, Maggio Musicale Fiorentino), con unos medios exultantes, marca la tragedia de la protagonista con fuerza en el registro agudo y calidad en las agilidades, pero también fraseo dolorido e ido. En la segunda, de 1959 (Tullio Serafin, Philharmonia Orchestra), la voz no era tan brillante, pero la profundización era evidente.

Callas nos mostró su visión del verismo en el binomio clásico de Leoncavallo y Mascagni, Pagliacci/Cavalleria Rusticana (Tullio Serafin, Scala de Milan), realzando, en la primera, la determinación de Nedda, mientras que supo plasmar la rabia y los celos de la desgraciada Santuzza en la segunda. La soprano griega se identificó con el personaje de La Gioconda de Ponchieli y lo grabó dos veces: en la primera, de 1952 (Antonino Votto, Sinfonica Torino RAI), destaca la fuerza vocal, en todos los registros y con descubrimientos expresivos, mientras que en la segunda, de 1959 (Antonino Votto, Scala de Milan), la intensidad dramática es más apabullante.

Personajes de Puccini

Los personajes de Puccini le iban como anillo al dedo y en su primera versión de Tosca, de 1953 (Victor de Sabata, Scala de Milan), Callas brillaba en lo vocal e impresionaba en lo dramático. En la segunda, de 1965 (Georges Pretre, Société des Concerts du Conservatoire), quedó la artista, pero la voz había perdido intensidad. Interesante es la versión que hace la soprano de Manon Lescaut (Tullio Serafin, Scala de Milan) por su enfoque, mientras que en La bohème (Antonino Votto, Scala de Milan) sorprende por la gran identificación, en un personaje que no parece que encajara en exceso con su filosofía interpretativa. Finalmente, Turandot (Tullio Serafin, Scala de Milan), que fue un rol en el que brilló a principios de su carrera, aquí mantuvo la variedad expresiva, pero sus medios no eran los de antes.

Rossini no es un autor que a priori uno identifique con Callas, pero también hay dos muestras que rompen este esquema. En Il barbiere di Siviglia  (Alceo Galliera, Philharmonia Orchestra), consiguió una integración con el personaje, que recreaba, mientras que en Il turco en Italia (Gianandrea Gavazzeni, Scala de Milan), consiguió dar a Fiorilla toda la frescura y agilidad necesaria.

Finalmente nos queda Verdi, con seis títulos: Rigoletto (Tullio Serafin, Scala de Milan), donde una vez más supo meterse en la piel de la desdichada Gilda con una cuidada composición del personaje, aunque vocalmente su instrumento se resintió con el paso del tiempo. Su Leonora de Il trovatore  (Herbert von Karajan, Scala de Milan) fue una de sus máximas creaciones, consiguiendo tal cantidad de matices y belleza expresiva, que parece que el personaje fuera ella misma. Muy interesante es su versión de La traviata de 1952 (Gabriele Santini, Sinfonica Torino RAI), grabada con Cetra y poco divulgada, donde consiguió muchos momentos geniales, tanto vocal (primer acto) como expresivamente en el resto de la obra. En Un ballo in maschera (Antonino Votto, Scala de Milan), consiguió una total inmersión en la atormentada Amelia, marcando las diferentes situaciones, temor, dudas y dolor por la muerte del ser amado. Sigue La forza del destino (Tullio Serafin, Scala de Milan), donde la artista griega volvió a desmenuzar el personaje, algo dubitativo, para sacar el máximo rendimiento de la infortunada Leonora. Finalmente Aida (Tullio Serafin, Scala de Milan), siendo interesante como siempre, no alcanzó las cotas del nivel alcanzado en su actuación en México.

En resumen, todo un curso de interpretación.

Albert Vilardell

RECITALES DORADOS

Quien fuera, antes de ser Callas “a secas”, Maria Menegheni Callas (no hay que perderse, si lo encuentran, el libro -solo en inglés- My Wife Maria Callas, de Giovanni Battista Meneghini, primer marido de la diva, casado con ella en 1949 hasta que ella lo abandonó por la calentura de Onassis), grabó algunos memorables recitales, cuando su voz aún no penaba sus sufrimientos vitales y la castración de enjaularse tras la cantante y no tras el ser humano. Ella, como Rita Hayworth, que era Gilda para los hombres antes que Rita (“se acuestan con Gilda y se despiertan con Rita Hayworth”), era Ana Maria Cecilia Sofia Kalogeropoúlou, “la Callas”, pero antes que cualquier personaje de ópera fue un ser humano frágil, muy frágil, que conmovió al siglo XX con su voz, tal como hace ahora en esta fantástica edición remasterizada por Warner. En “Sings Operatic Arias, Lyric & Coloratura”, es tal la perfección de estilo y la intensidad dramática (1954, Philharmonia Orchestra, Tullio Serafin), que sesenta años después no se ha cantado este repertorio mejor. Lo mismo ocurre con “Callas at La Scala”, con escenas de Medea, La Vestale y La sonnambula (1954, Scala, Tullio Serafin), personajes que hizo suyos en voz y significado. Curioso es el dedicado a Beethoven (Ah! Perfido), Mozart (arias de Don Giovanni y Bodas) y Weber (Oberon), dirigida por Rescigno (1963-64), que sin pizca de finura, al menos echa toda la carne en el asador. Sorprendente cantar tan bien con un estilo (hoy en día) tan extraño.

“The Callas Rarities” (doble CD, 1953-1969) contiene de todo, desde un excepcional Verdi a un Rossini donde la voz no fluye en las agilidades y en los agudos con la solvencia de años pasados, pero el arte es mayúsculo. Un clásico es “Rossini & Donizetti arias” (Rescigno, 1963-64), donde la diva es ama y señora de todo lo que ocurre, hasta alguna que otra habilidad en el estudio de grabación para disimular cansancios vocales… Los dos discos dedicados a arias del repertorio francés (ambos con Pretre, 1961-63) son míticos, en especial el de 1961, una lección de canto de principio a fin (Gluck, Sanit-Saëns, Charpentier).

“Mad Scenes”, con extractos de Anna Bolena, Hamlet e Il Pirata (Rescigno, 1958), en la que el sonido agradece la efervescente dirección de un director que era fuego vivo cuando tenía a Maria a su vera, contiene tres perfectos ejemplos de bel canto y de desarrollo dramático (Hamlet). Para finalizar, Maria Meneghini Callas se colocó delante de un micro en 1949 en el Auditorio de la RAI en Turín para grabar “Dolce e calmo” (italianización de “Mild und leise” del Tristan), dos arias de Norma (“Casta Diva” y “Bello a me ritorna”) y tres de I puritani (“O rendetemi”, “Qui la voce” y “Vien, diletto”). La portadilla original nos muestra a una mujer entrada en peso, que luego perdería desordenadamente, que seguramente afectó a su instrumento, con una voz como un águila sobrevolando el cielo, planeando y aleteando con total facilidad, como si todo el espacio fuera para ella. Qué dicha.

Gonzalo Pérez Chamorro

 

 

Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra

Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra

Publicado: Noviembre 2014
La orquesta de la metrópolis del Bósforo

Tras el gran éxito obtenido el pasado mes de julio en su debut en los Proms londinenses, que provocó el entusiasmo de los críticos musicales de The Guardian y The Independent, entre otros, y los fervorosos aplausos de los cerca de seis mil espectadores que disfrutaron de su actuación en vivo en el mítico Royal Albert Hall, el ascenso internacional de la Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra se augura imparable.

El origen de la Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra (BIPO) se remonta a la Orquesta de Cámara Borusan, fundada en 1993 por el director turco Gürer Aykal y una de las primeras empresas en el campo de la cultura y las artes del poderoso grupo industrial turco Borusan Holding. Sin embargo, fue su sucesor Sascha Goetzel quien marcó un punto de inflexión en la historia de la Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra. Al asumir oficialmente el cargo en enero de 2009, el director vienés aportó una nueva perspectiva a la orquesta y a su repertorio. En la temporada 2009/2010, la BIPO lanzó su primer CD con obras de Respighi, Hindemith y Florent Schmitt, bajo el sello Onyx, aclamado por la crítica internacional. Ese mismo año, tras su extraordinario éxito en Bulgaria y Grecia, su actuación en la matiné del Festival de Salzburgo se tradujo en una larga ovación del público de la Felsenreitschule. En marzo del 2012, de nuevo con el sello Onyx, salía a la luz su segundo CD La música en la era de la máquina, con obras para ballet de Prokofiev, Bartók, Ravel, Schulhoff y Holst. Este año, la Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra y Sascha Goetzel han conseguido dos importantes logros internacionales: su debut en los BBC Proms y el lanzamiento de su tercer CD: Rimsky-Korsakov (Scheherazade), Balakirev, Ippolitov-Ivanov y Erkin. En este CD podemos escuchar instrumentos locales como el Qanun en lugar del arpa e instrumentos de percusión turcos y árabes. Si en sus primeras grabaciones el objetivo era reflejar la música de compositores de diferentes orígenes con un lenguaje musical similar, con su tercer CD han querido explorar las raíces musicales de finales del siglo XIX y primera mitad del XX de la Europa del Este, e identificar los elementos de la parte oriental del Bósforo que han influido en la formación cultural occidental de la mayor parte de estos compositores.

Esta recién llegada a la escena internacional (es una orquesta relativamente joven, tiene sólo quince años), que ya ha logrado una gran reputación en los últimos años, acompañará durante la temporada 2014/2015 a solistas de talla mundial como Ian Bostridge, Arcadi Volodos, Michel Camilo, Bryn Terfel o Julian Rachlin. Es, además, la orquesta residente de la International Leyla Gencer Voice Competition.

Inauguración con Flórez

En el Centro de Convenciones y Exposiciones Istanbul Lütfi Kırdar, y bajo la batuta de su director artístico y director titular, Sascha Goetzel, la BIPO inauguró su nueva temporada el pasado 9 de octubre compartiendo escenario con una de las figuras estelares de la lírica internacional, el tenor peruano Juan Diego Flórez. Un concierto en el que la orquesta, aparte de entusiasmo, frescura y evidente talento, demostró seguridad técnica e hizo gala de su magnífica expresividad en la obertura de Carmen y la Farandole de la Suite l’Arlésienne de Bizet. Flórez cantó durante más de una hora conocidas arias de Bizet, Delibes, Donizetti, Gounod, Massenet, Berlioz y Offenbach, y cautivó a los espectadores con su impecable técnica, firmes agudos y elegante fraseo. Mención especial merece su extraordinaria interpretación de “Pourquoi me réveiller” del Werther de Massenet, que cerró la primera parte de un concierto, en el que un entusiasmado Flórez regaló, como culminación, dos propinas verdianas al público asistente: un aria en francés de la ópera Jérusalem y la imprescindible “La donna è mobile” de Rigoletto.

Lorena Jiménez

Foto: Juan Diego Flórez con la Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra.

 

Gregorio Marañón y Bertrán de Lis

Gregorio Marañón y Bertrán de Lis

Publicado: Octubre 2014
Serenidad y sabiduría en la gestión del Teatro Real

Tras un desayuno con la prensa, en el que Gregorio Marañón, junto a su equipo formado por Ignacio García-Belenguer y Joan Matabosch, nos explicaron la nueva temporada ya puesta en marcha, el señor Marañón atendió personalmente a RITMO, para detallar a los lectores en qué consiste su trabajo y la situación financiera actual del Teatro, además de echar un poco la vista atrás y vislumbrar el futuro del coliseo madrileño.

¿Podría explicar a los lectores de RITMO cuál es su función y la de su equipo?

Como presidente del Patronato del Teatro Real, presido también su Comisión Ejecutiva. Soy responsable del buen funcionamiento del gobierno corporativo y por tanto del cumplimiento de los acuerdos adoptados por los órganos de gobierno. Igualmente, asumo la representación institucional, participo activamente en lo que se refiere a estrategia, mecenazgo y comunicación, y, por supuesto, apoyo al director general en todo lo que este precise. Aunque el puesto no está retribuido, exige una dedicación grande, que se compensa por el atractivo que tiene servir a un proyecto institucional y musicalmente tan fascinante. Ignacio García-Belenguer, que depende de la Comisión Ejecutiva, es el director general, el primer ejecutivo del Teatro, y su puesto estatutariamente constituye otro órgano de gobierno. De él depende toda la organización, incluido el director artístico. Este último dispone de una gran autonomía en su ámbito, pero en lo económico, esto es, en lo que se refiere al presupuesto de cada temporada, debe ajustarse a los planteamientos de la dirección general. El director musical depende, a su vez, del director artístico, aunque igualmente goza de una gran autonomía en el ejercicio de sus funciones. Este esquema organizativo, como todos, para ser eficaz requiere que los directivos se entiendan bien y que compartan los mismos objetivos. Afortunadamente, así es cómo trabaja el magnífico equipo profesional que dirige Ignacio.

¿Hay algún nexo de unión entre usted y las decisiones finales de programación, independientemente de las económicas?

La programación artística tiene que estar blindada para ser excelente, y debe ajustarse a unos presupuestos económicos para ser viable. Cada temporada la formula el director artístico, la propone el director general y la aprueban formalmente el Patronato y la Comisión Ejecutiva. En ópera se programa a dos y tres años, y, a veces, a más largo plazo, lo que obliga al director artístico, con el acuerdo del director general, a asumir previamente muchos compromisos. En lo que a mí respecta, cuando se trabaja en equipo todas las opiniones se escuchan, pero mi participación en el proceso no puede ni debe ir más allá.

¿Cómo es su relación con la música, de dónde le viene?

Mi relación con la música es la de una persona que, desde una perspectiva cultural amplia, siempre se ha interesado por ella y la ha disfrutado hasta conmoverse. En el colegio tuve la suerte de contar como profesor con el insigne musicólogo Roberto Pla. Su figura y sus enseñanzas nunca las he olvidado. Gracias a él, el pequeño grupo que formábamos la clase pudimos estudiar música y recuerdo que escribí una pequeña canción, dedicada al Atlético de Madrid, que era mi equipo por entonces… Y de la mano de mi madre, de niño empecé a ir a conciertos y zarzuelas. Años después descubrí la ópera con una Tosca en el Teatro Colón de Buenos Aires, que me hizo corregir algunos prejuicios que tenía contra un género que, desde ese instante, comenzó a apasionarme.

¿El Teatro tiene algún proyecto pedagógico en marcha?

Actualmente estamos firmando unos acuerdos de ayudas sociales, entre los que hay unos programas sociales fantásticos en pedagogía musical en el mundo de la marginalidad, siguiendo el modelo de Abreu en Venezuela. Estos programas bullen con mucha intensidad ante la gran demanda de entradas que ya tenemos, es emocionante solo pensar que se agotarán las localidades para niños en el Teatro Real. Y es curioso, porque además hay padres que se encuentran con la música cara a cara gracias a los niños. Como ve, estos programas van a generar muchas nuevas inquietudes.

¿Qué opera le gustaría escuchar en el Real y que no se haya hecho?

Mencionaría tres títulos, uno de ayer y otros dos de nuestro tiempo. Los troyanos de Berlioz, La ciudad de las mentiras de la joven y extraordinaria compositora Elena Mendoza y El Público de Mauricio Sotelo, otro extraordinario compositor español plenamente reconocido.

¿Y qué ópera le gustaría volver a escuchar?

El San Francisco de Messiaen. Fue una inolvidable experiencia musical cargada de espiritualidad.

¿Y si miramos hacia atrás? Su incorporación al Teatro Real fue en 2007…

Mi incorporación al Teatro Real es muy anterior, pues formé parte de su primer Patronato, del que dimití cuando un cambio de gobierno impuso un nuevo equipo profesional.  Me reincorporé en 2004, y en septiembre de 2007 le planteé a César Antonio Molina, Ministro de Cultura, mi convicción de que el Real tenía que contar con la autonomía institucional y la estabilidad profesional que requieren las grandes instituciones culturales del Estado. Con su apoyo decidido, y también con el de Esperanza Aguirre, entonces presidenta de la Comunidad de Madrid, modificamos los estatutos configurando una presidencia independiente, elegida por el Patronato a propuesta del Ministro, y un Patronato compuesto por un número mayoritario de vocales con un mandato de cinco años. Conviene recordar que en la primera década, tras su reapertura, el Teatro Real se caracterizó por una gran inestabilidad, lo que le había impedido consolidar un proyecto y acuñar una identidad propia. Recordemos que en diez años hubo seis presidentes, cuatro directores generales y cinco directores artísticos o musicales. Desde 2007 no ha habido ninguna destitución en el Real motivada por cambios políticos ni ningún nombramiento originado fuera del Teatro. Los últimos cambios políticos fueron, por tanto, la sustitución de Inés Argüelles por Miguel Muñiz y la de Emilio Sagi por Antonio Moral. Cuando vencieron los contratos de Antonio Moral y Jesús López Cobos, tras cinco y siete años respectivamente de ejercer sus cargos, el Real decidió  reemplazados por Gerard Mortier, que asumió las dos posiciones. Miguel Muñiz permaneció en su puesto durante siete años y, cuando presentó su dimisión por razones personales, fue sustituido a propuesta mía por Ignacio García-Belenguer. El nombramiento de Joan Matabosch se acordó por la Comisión Ejecutiva a propuesta del director general cuando tuvimos que reemplazar a Gerard Mortier, que no estaba en condiciones, por causa de su enfermedad, de residir en España y preparar la programación de la temporada 2013/2014. E Ivor Bolton fue nombrado por la Comisión Ejecutiva a propuesta del director general y del director artístico. En estos dos últimos casos, hubo un proceso de selección previo. 

¿Cómo es la situación económica actual del Teatro?

El Teatro Real es en estos momentos el teatro europeo que tiene una menor aportación pública en términos porcentuales. Si nos centramos sólo en España, el Liceu de Barcelona cuenta con un 48% de subvenciones públicas, y en términos cuantitativos, un 50% más que el Teatro Real, y ello sin incluir las aportaciones extraordinarias que durante el año pasado y este está recibiendo. Valencia cuenta con un 64% de aportaciones públicas, y el Maestranza con un 58%. En nuestro modelo, la financiación del Teatro proviene en un 30% de las aportaciones públicas, en un 30% del patrocinio privado, en un 30% de la taquilla y en un 10% de otros ingresos que genera el Teatro. Creo que es un modelo viable, pero muy ajustado. En todo caso, el Teatro Real ha aprovechado la crisis para reducir la totalidad de sus costes de manera significativa, haciéndose mucho más eficiente; para mejorar de manera extraordinaria la calidad de sus cuerpos estables, Orquesta y Coro; para lograr un mecenazgo ejemplar y abrir el Teatro a la participación de la sociedad civil; para conformar el magnífico equipo de García-Belenguer, Matabosch y Bolton; y para llevar a cabo un plan estratégico que lo consolida como la ópera nacional de referencia en España con una significativa proyección internacional. Esta transformación se ha hecho con fondos propios y sin incurrir en ningún endeudamiento, por lo que el balance del Teatro Real está absolutamente saneado. Confío que en el 2015 podamos por fin alcanzar un resultado equilibrado que evidencie el acierto de las medidas adoptadas en estos últimos años tan difíciles. 

Y es la primera vez que desde la crisis han subido los abonos…

Es muy alentador el hecho de que por primera vez, desde el inicio de la crisis, los abonados han subido un 13%, superando la barrera de los quince mil abonados.

También ha habido cambios de “última hora” en ajustes de programación…

Sí, hemos cambiado la producción de Fidelio de La Fura por la extraordinaria producción de Pier Luigi Pier'Alli, La ciudad de las mentiras se ha aplazado para otra temporada y Goyescas se ha decidido finalmente hacerla en versión concierto, aunque en la misma sesión, como sabe, se combina con Gianni Schicchi en el esperado montaje de Woody Allen. También se ha sustituido la escena prevista para Hänsel und Gretel por la de Laurent Pelly.

¿Cómo ve el futuro inminente, como la temporada 2015/2016?

La temporada 2015/2016 será prácticamente de Joan Matabosch, pero ello no implica una ruptura, pues una de las razones que justificaron su acertado nombramiento fue precisamente el sentido de continuidad que presentaba en su propuesta, y que el Teatro deseaba. Dicho esto, naturalmente habrá cambios, incluso significativos, como él mismo ya ha explicado. El más importante, el nombramiento de Ivor Bolton, esto es, el desdoblamiento de las funciones que ejercía su predecesor. También  es evidente que Matabosch tiene una mayor sensibilidad por las voces que la que tenía Mortier, que veremos nuevos directores de escena y que la programación parecerá más ecléctica. 

Con la reciente incorporación de Pablo Heras-Casado como principal director invitado…

Creo que es un gran acierto apostar por Pablo, con el que me une, además, una gran amistad.

¿Cree que puede rejuvenecer y atraer de otro modo a un nuevo público al Teatro?

La capacidad comunicativa de Pablo, además de su calidad como director, es muy grande, es un chico joven con mucho gancho, tiene un magnetismo propio y, con su designación, se establece un acercamiento entre el público y el director musical. Él está tremendamente ilusionado con este proyecto.

¿Cómo cree que es el público del Real?

Es natural que en una ciudad como Madrid, y en un teatro cuyo origen se remonta a 1818, la afición tenga gustos definidos tras una tradición operística de dos siglos. La experiencia reciente demuestra, sin embargo, que nuestro público está también abierto a descubrir nuevos horizontes, especialmente los más jóvenes, los que configurarán nuestro futuro. El día de los estrenos este público se muestra algo más frío y convencional, pero, en lo esencial, es el mismo público comprometido con su Teatro Real, y que aplaude la innovación cuando esta tiene calidad y fundamento.  

¿Hay algún teatro de ópera en el que quiera reflejarse?

Lo que más valoro es que el Teatro Real ahora cuenta con una identidad y un proyecto propios. Su relación con los otros grandes teatros internacionales es como un juego de espejos: coproducimos en términos de igualdad e intercambiamos experiencias y soluciones en relación con el problema esencial, que afrontamos todos, del futuro de la ópera.

Muchas gracias, ha sido un placer.

Gonzalo Pérez Chamorro

 

Fundación Excelentia

Fundación Excelentia

Publicado: Octubre 2014
Nuevos ciclos

La Fundación Excelentia comienza la temporada 2014/15 con nuevos ciclos, en nuevas ciudades como Valladolid y Zaragoza. Cuatro ciclos en Madrid conforman un total de 60 conciertos por temporada. Además este año, el maestro Grzegorz Nowak, director de la Royal Philharmonic de Londres, se perfila como el director principal de la Orquesta Clásica Santa Cecilia para la presente temporada. Solistas y directores como Roberto Abbado, Gabriela Montero, Henrik Schaefer, Vladimir Fedoseiev, Kynan Johns, Joseph Calleja, serán los encargados de llevar al Auditorio Nacional de Música los grandes clásicos.

Serie Grandes Clásicos

En la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, el ciclo Serie Grandes Clásicos sigue creciendo en número de abonados. Los 12 conciertos que lo integran, se corresponden con obras de gran repertorio, interpretadas con gran calidad debido a los solistas y directores que invita cada año la Fundación Excelentia.

La London&Vienna Kammerorchester se une a la Orquesta Clásica Santa Cecilia para llevar a cabo esta temporada. La London&Vienna está formada por músicos procedentes de las más prestigiosas orquestas de Inglaterra, Austria, España, Alemania y de otros países europeos. Así, cuenta con músicos como Vesko Eschkenazy (concertino de la Real Orquesta del Concertgebouw de Holanda), Adam Taubitz (de la Berliner Philharmoniker), Igor Gruppman (concertino de la Rotterdam Philharmonic), Ilia Korol (concertino de Musica Angelica de Austria), y otros como Tamas Andras, Andrew Storey, Abigail Fenna, Jonathan Ayling y Benjamin Cunningham (de la Royal Philharmonic Orchestra).

La temporada se inauguró con éxito, el 25 de septiembre, con la presencia de la pianista venezolana Gabriela Montero que por primera vez visitaba España. Interpretó el Concierto para piano n. 2, de Rachmaninov.

El 23 de octubre, el director Roberto Abbado, sobrino del recientemente fallecido Claudio Abbado, le rendirá un homenaje en el Auditorio con un monográfico dedicado a Beethoven. Participa como solista el violinista Michael Barenboim. Días antes, el 18 de noviembre, el gran tenor maltés Joseph Calleja canta por primera vez en Madrid. Ofrecerá una gala lírica en la que interpretará una selección de populares arias de ópera. Su presentación en Madrid, en el Auditorio Nacional, será, sin lugar a dudas, uno de los eventos más importantes de la temporada.

El maestro Grzegorz Nowak, director de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, será el director principal de la Orquesta Clásica Santa Cecilia para la presente temporada. Nowak es un director de gran experiencia, que ha dirigido la mayoría de las orquestas más importantes del mundo. Además, por el podio de la Orquesta Clásica Santa Cecilia pasarán otros directores de gran relevancia, como Martin Häselbock, Vladimir Fedoseiev, Henrik Schaefer, Igor Gruppman e Ilia Korol, entre otros.

En cuanto al repertorio, podremos escuchar una gran variedad de obras de todos los géneros y estilos musicales, como la Sinfonía n. 4 de Tchaikovsky, el Concierto para violín de Mendelsshon y de Beethoven, hasta obras sinfónico- corales como Carmina Burana, oratorios como El Mesías de Haendel y óperas en versión concierto como Cavalleria Rusticana de Mascagni.

Ciclo Espacio de Cámara

El Espacio de Cámara presenta su tercera temporada en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, con importantes conjuntos como los solistas de la Orquesta Filarmónica de Viena (PhilKlang), el Philharmonie Berlin Quartet, o los Concertgebouw Chamber Soloists; cuartetos de gran importancia internacional, que se combinarán con programas barrocos, a cargo de la London&Vienna Kammerorchester o los Budapest Baroque Soloists.

En total serán 8 conciertos que darán comienzo el 25 de octubre con los solistas de la Orquesta Filarmónica de Viena, con obras de Haydn, Mozart y Beethoven; y que finalizará el 30 de mayo de 2015, con los Solistas del Concertgebouw. Entre medias, en el ciclo se podrán escuchar obras de Vivaldi, Neruda, Bach, Piazzolla y Telemann, entre otros.

Ciclo Música para Recordar

La Fundación Excelentia estrena un nuevo ciclo, el de Música para Recordar, un programa de 7 conciertos de música pop adaptada para orquesta sinfónica. Comenzará el 8 de octubre con un monográfico dedicado a los Beatles (The Beatles Symphony Show), con canciones adaptadas para violín y orquesta sinfónica, cuyo solista será el legendario y famoso Vadim Brodski.

El 22 de noviembre será el turno de la Ópera en el cine; el 11 de diciembre, un monográfico sobre Elvis Presley con orquesta sinfónica, violín y saxofón, con Krzesimir Debski y Andrzej Olejniczak, como solistas. El 15 de enero, le tocará el turno a la música de los años 50 y 60, con obras de los Platters, Neal Sedaka, Roy Orbison, Cole Porter etc. Los 20 y 21 de febrero, la música de cine y de Broadway serán las protagonistas. Y el 8 de mayo finalizará la temporada con El Golden Age del Cine.

Ciclo en Familia

Los conciertos didácticos y formativos son una parte importante dentro de los objetivos de la Fundación Excelentia. Por ello, el 18 de octubre dará comienzo la II Temporada del Ciclo en Familia. Serán cinco conciertos muy variados, de música sinfónica, donde los padres pueden ir con sus hijos a disfrutar de la música clásica, desde las grandes obras de Beethoven hasta música de Disney o la de los payasos de la tele.

Conciertos en Zaragoza y Valladolid

Por primera vez este año, la Fundación Excelentia inicia una temporada de conciertos en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza. Serán 6 conciertos, desde octubre a mayo de 2015. El Ciclo en Zaragoza, es una réplica del programa que Excelentia ofrece en Madrid y, así, dará comienzo el 25 de octubre con Roberto Abbado y su monográfico Beethoven (Obertura Egmont, el Concierto para violín y orquesta, y la Sinfonía n. 5). Posteriormente, el 21 de diciembre, los aficionados podrán disfrutar de una gala dedicada al violín, donde se podrán escuchar desde obras de Bruch, Shostakovich, Puccini, Mozart, Bizet… hasta piezas adaptadas para violín y orquesta de Frank Sinatra, Louis Amstrong, F. Pourcel o Weber.

El concierto de Año Nuevo será, el 2 de enero, y estará dedicado a los grandes valses de Strauss y famosas arias de ópera. El 29 de marzo, la London&Vienna Kammerorchester interpretará La Pasión según San Mateo, de Bach, bajo la dirección de Ilia Korol, y, el 22 de abril, será el turno de la Novena de Beethoven, bajo la dirección de Kyanan Johns. Finalmente, el 23 de mayo, Grzegorz Nowak dirigirá el Concierto para violonchelo y orquesta, de Dvorák, con Wen Sinn Yang al cello, y la “Del Nuevo Mundo”, en la versión de la OSE. Orquesta Sinfónica de España.

Por segundo año consecutivo, la Fundación Excelentia acude al Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, cuyos conciertos comienzan el 26 de octubre con Roberto Abbado y, posteriormente, los 14 y 28 de diciembre, con los ya tradicionales conciertos Navidad y de Año Nuevo.

www.fundacionexcelentia.org

Elena Trujillo Hervás 

Foto: Javier Martí Corral, presidente de la Fundación Excelentia.
Edición Maria Callas

Edición Maria Callas

Publicado: Octubre 2014
La edición definitiva

Adelantándonos a lo que en los próximos meses analizaremos, la lujosa caja dedicada a Callas, remasterizada como nunca, contiene muchas sorpresas (no están, por ejemplo, La traviata con Kraus de Lisboa, o con Giulini, pero sí la de 1953 con Santini, aún apellidada como Meneghini Callas, ya que se mantienen las preciosas portadas originales). Entre ellas hay ciertos recitales antológicos e históricos (en total hay 13 recitales diversos), como un first recordings con Arturo Basile, que contiene Wagner y Bellini, de ¡1949! El contenido es el siguiente.

Bel canto

De Bellini tenemos La Sonnambula con Votto (1957), dos Normas, ambas con Serafin (1954 y la clásica con Christa Ludwig y Franco Corelli de 1960) e I Puritani con Serafin (1953). Donizetti está presente con dos Lucias, y también ambas con Serafin (1953 y 1959). De Rossini tenemos Il Turco con Gavazzeni (1954) e Il Barbiere de Galliera (1954). Para acabar este bloque, la Medea de Cherubini con Serafin (1957).

Del verismo nos encontramos con las míticas (adjetivo que debería usarse en cada título) Cavalleria e I Pagliacci con su inseparable Serafin (1953, 1954), además de dos Giocondas con Votto (1952, 1959). Puccini está excelentemente representado con La bohème (Votto, 1956), Madame Butterfly (Karajan, 1955), Manon Lescaut (Serafin, 1957), Turandot (Serafin, 1957) y dos Toscas (de Sabata y Pretre, 1952 y 1964-65). Carmen de Bizet es la clásica con Gedda y Pretre (1964).

Verdi

Además de tres recopilatorios de arias con Rescigno, verdadero ejemplo de arte verdiano (1958 y década de 1960), están la Aida con Serafin (1955), el Ballo con Votto (1956), La Forza con Serafin (1954), el Rigoletto con Serafin (1955), la citada Traviata con Santini y el impresionante Trovatore con Karajan (1956), al que el sonido mejorado coloca como referencia absoluta.

Gonzalo Pérez Chamorro


PURE MARIA CALLAS. Arias de BIZET, BELLINI, PUCCINI, CATALANI, VERDI, GIORDANO, CILEA, DONIZETTI, etc. Diversas orquestas / Karajan, Pretre, de Sabata, Serafin, etc.
Warner, 0825646339945
ADD - 78’
Warner Classics

Pure Maria Callas es una recopilación de la caja, de la que solo caben alabanzas por diseño y sonido. ¿Qué nos encontramos? Si piensan en la envolvente “Casta Diva” o en la “Habanera”, aciertan; si piensan en “Vissi d’arte” o en “La mamma morta” también, ya que están ligadas a la soprano desde que los cantó en la década de los cincuenta, convirtiendo estas arias en parte de su vida y de sus dramas internos en su agitada y atormentada vida privada. Gustará más o menos el timbre (a mí me gusta su desarraigo), pero el arte es irrepetible. El disco nos ofrece todo el estilo posible, desde las grabaciones en las que la voz ya no corría con la misma soltura, hasta en las que la pureza es tal, que cuesta entender mejor el canto que aquí (Wally, La traviata, Adriana Lecouvreur o Chénier). Es un aperitivo a la colección, pero este disco, en sí, a pesar de ser el enésimo dedicado a Callas, es imprescindible, y no solo por su sonido incomparable. G.P.C.


Proyectos fallidos y rumorología

En la veneración a todas luces justificada que muchos sentimos por la más trascendental figura de la lírica del siglo XX, de la que ahora Warner reedita con espléndido sonido, tiene mucho que ver un sello discográfico y un implacable productor, que a comienzos de los cincuenta vislumbró (¡como para no hacerlo!) un verdadero filón en Maria Callas. Y no fue fácil conseguir la firma de la soprano en ese contrato exclusivo que la Emi proponía, incluyendo un ambicioso calendario de grabaciones que tendrían lugar en estudios de media Europa a lo largo de dos décadas. Los resultados, en la mayoría de ocasiones indiscutibles, están a disposición de todos los aficionados (y ahora en esta remasterización de Warner), pero ¿conocen estos la lista de proyectos que no llegaron a buen puerto? Si atendemos a la correspondencia interna de la Emi, descubrimos con una mezcla de sorpresa y frustración cómo habría podido cambiar la historia de la discografía de haberse llevado a cabo.

La primera lista de óperas que se tomó en consideración, apareció tras una consulta a Tullio Serafin, verdadero Pigmalión en esta historia, que proporcionó los diez títulos más adecuados a la voz de Callas. Escalofríos da pensar que pudiéramos disponer en calidad de estudio de una Armida (nunca existirá soprano que haga sombra a su hechicera) o un Nabucco, por no decir un Ernani, que jamás llegó a interpretar en teatro. El resto de títulos sí que se consiguieron inmortalizar antes o después, aunque no siempre con los repartos que la diva tenía en mente. ¿Saben que Callas propuso a Lauri-Volpi para registrar I Puritani y Norma en 1952? Debió quedar impresionada por la figura del eximio tenor, sustituido finalmente por Di Stefano y Filippeschi.

Traviata de 1955

Pero sin duda la mayor equivocación del sello fue no luchar lo suficiente con la Cetra para conseguir el acuerdo que les permitiera culminar esa Traviata milanesa de1955. Otros intentos posteriores para grabar el título también fueron desechados, y así, llegamos a los sesenta, en los que Callas comenzó a espaciar sus apariciones y Emi llegó con propuestas que le no llegaban a satisfacer del todo. Además de la conocida idea de Cluytens de reunir a las tres estrellas de la discográfica (Callas, Schwarzkopf y de los Ángeles) en Les Contes d'Hoffman, ha sido menos divulgada esa invitación a grabar una Minnie pucciniana (¿imaginan a Callas en tan eléctrico personaje de La Fanciulla?) de la que más tarde se ocuparía Birgit Nilsson. Del registro del Requiem verdiano de 1963 junto a Giulini tampoco se ha hablado demasiado. Legge sostuvo que ideó la parte de soprano para su esposa y la de mezzo para Callas, pero no se atrevió nunca a proponérselo, porque sabía de sobra cual sería la respuesta. La griega siempre sostuvo que fue ella la primera a la que le propuso protagonizar ese Requiem.

Así, por desgracia, nunca sabremos cómo habrían sonado en su inigualable instrumento Olympia, Elvira o Minnie, pero hay tres roles que sí interpretó completos y que la rumorología sostiene desde hace décadas que han quedado registrados: Isolda, Fedora y Elisabetta di Valois. De la primera, John Ardoin asegura que la RAI italiana retransmitió una de las funciones genovesas de 1948, siendo la segunda y tercera citadas por Stelios Galatopoulos. De estas no hay radio de por medio, pero se especulaba con unas cintas grabadas desde bambalinas de sonido precario. Esperemos vivir lo suficiente para poder disfrutarlas, ya que sería una faena que vieran la luz dentro de un siglo; aunque no podemos evitar acordarnos de las palabras de Don Alfonso sobre el ave fénix en Così fan tutte

Por Pedro Coco Jiménez

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José María “JM” Santandreu

José María “JM” Santandreu

Publicado: Octubre 2014
Clarinete de vanguardia

El clarinetista José María “JM” Santandreu lanza al mercado discográfico su segundo trabajo Sounds of the Clarinet: Dark Sound Clarinet for Electroacoustic Music. Actualmente, es clarinete solista de la Universal Symphony Orchestra, que está de gira por España con su espectáculo audiovisual Pasaje a los Tiempos, bajo la temática de la música de cine, y es clarinete solo en el Ensemble d’Arts, grupo dedicado a la música de nueva creación.

¿Cómo nace SOTC, el nuevo disco?

Este proyecto se plantea desde la Fundación Phonos en la Universidad “Pompeu Fabra” de Barcelona, por su director Andrés Lewin. La idea era ofrecer un disco con la música electroacústica más actual para clarinete, aunque se añadieron otras obras para clarinete solo. Intercalamos grabaciones en Barcelona, en el Real Conservatorio de La Haya y en el Conservatorio Superior “Joaquín Rodrigo” de Valencia.

¿Qué tipo de obras y cómo trabaja con los compositores?

Se pueden encontrar obras con electrónica y para clarinete solo. Casi todas han sido compuestas para el CD. Para clarinete solo, tenemos obras de Ángel Arranz, Javier Pérez Garrido, Simon Milton, Jonathan Febland, Enrique J. Aragón, Miguel Ángel Calvo, Marisol Gentile, la primera grabada y producida por The Dk Projection en Holanda, y el resto en Valencia. Con electrónica tenemos obras de Andrés Lewin, Carlos D. Perales, Víctor Vallés y Alberto J. Sanz. Como cierre del CD, se puede encontrar una obra para clarinete y voz de Vicente Sanchis, basada en Poema de Amor de Pablo Neruda. Interpretar una obra, su lectura, el momento del comienzo del conocimiento, sus retos, sus esfuerzos, y sobre todo, disfrutar de ella, son los motivos y motivaciones que nos transportan y evocan a esos primeros momentos, casi virginales, en la mente de cualquier músico. La primera lectura de la obra es una emoción muy inmediata. Puede ser como bucear sin luz en un abismo. El proceso de la composición siempre es complejo, o sencillo, pero en cualquier caso, empatizar con los compositores es una tarea tan increíblemente satisfactoria como la sensación de escuchar la grabación final, mientras observo sus atentas miradas.

¿Cómo se ha ido confeccionando el proyecto?

Sabíamos que sería un proceso largo. Si bien es cierto que el proyecto se había dilatado por ciertos problemas inesperados en la financiación externa, finalmente, ha visto la luz esta temporada, puesto que Phonos asumió toda la parte de financiación, además de la producción. Buscar una atmósfera diferente y especial, sin efectos forzados y maquillajes auditivos, ha sido la razón que nos han llevado a varios estudios de diferentes ciudades, a través de muchos kilómetros en trenes, aviones y coches. Desde Valencia hasta Barcelona, pasando por La Haya,  cada obra ha sido como un puzzle que hemos ido encajando poco a poco, como si fuéramos artesanos del sonido y el pulso, para unirlas en un proyecto. Las grabaciones han sido programadas con obras terminadas, aunque otras se han grabado posteriormente porque no estaban aún compuestas. No teníamos ninguna presión ni fecha de lanzamiento, y queríamos ofrecer un gran producto,  cuidado en todos los detalles, tanto en la producción de las obras como en el diseño. Respecto al diseño, hemos contado con Mubare, los cuales han trabajado al detalle todo el producto, pudiendo ofrecer un acabado de alta calidad.

¿Qué le aporta SOTC?

Cada obra me hace sentir, de una manera u otra, algo nuevo, y es lo que me hace recordar por qué amo la música. Me siento muy afortunado porque puedo interpretar estas fantásticas obras del nuevo CD. Intentar plasmar la inspiración, el trabajo y el pensamiento de los compositores, es la mayor satisfacción que puedo llegar a sentir con este nuevo trabajo. Soy un músico privilegiado por recibir sus horas de trabajo e inspiración, convertidas en estas obras. De una manera u otra, tanto en su composición o en su trabajo e interpretación, la experiencia codo con codo con muchos de ellos ha sido tan gratificante como su grabación, edición y audición.

¿Qué diferencias hay entre este nuevo trabajo y el anterior, Clarinet for you?

Principalmente, las obras y los autores, y el formato y producción. CFY me aportó toda una nueva dinámica de trabajo, pero eran obras de compositores que no estaban vivos, aunque eran del siglo XX. Tuve que investigar y tratar de plasmar las ideas que emanaban de las obras. Técnicamente, SOTC es mucho más exigente por las necesidades de las obras que se plantean. CFY fue presentado en “Programa de mano” de La 2 de TVE, y estaba apoyado por un proyecto audiovisual filmado y producido por Ricardo J. Dómine.

¿Por qué se decide el título Sounds of the Clarinet?

Es un pequeño homenaje al sonido, en el sentido más primitivo, del clarinete, y a la vez, evoca a los sonidos más contemporáneos que s e pueden producir.

Apuntes biográficos

JM Santandreu se ha formado musicalmente en Valencia y Viena y ha sido clarinete solista en diversos grupos de cámara y orquestas. Ha participado en diferentes concursos nacionales e internacionales. Actualmente, compagina su actividad concertista con la de profesor.

www.jmsantandreu.com

https://www.youtube.com/watch?v=BJ_j-zkI0DA

Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El clarinetista José María “JM” Santandreu.

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