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The Trans-Siberian Art Festival

The Trans-Siberian Art Festival

Publicado: Mayo 2015
Mucho más que un festival

Hay pocos lugares sobre los que se tengan ideas tan definidas sin conocimiento directo como Siberia. Siberia no es solo un enclave geográfico, también es una gran desconocida de inquietante belleza. Decir Siberia, para muchos, es recurrir a un batiburrillo de tópicos negativos: frío inmenso, tierra indómita, taiga infinita, desolada tundra ártica… Su propia inmensidad hizo de ella una prisión inexpugnable para los gulag soviéticos y las antiguas colonias penitenciarias del Sajalín zarista, inmortalizadas por Chéjov.

Novosibirsk (Nueva Siberia), la ciudad situada a orillas de las gélidas aguas del río Ob, que nació a finales del siglo XIX con el desarrollo del ferrocarril, es, hoy, la tercera ciudad más poblada de Rusia y sede principal del Festival Transiberiano de las Artes, que al igual que la famosa línea ferroviaria de la que toma el nombre, se ha convertido en importante punto de enlace cultural y artístico con el resto del país y del mundo.

Vadim Repin

De la mano del famoso violinista local Vadim Repin, referencia incontestable del panorama internacional, director artístico y principal impulsor de este certamen, Novosibirsk ya no es solo importante parada del mítico tren siberiano, adquiere durante el festival una atmósfera de fiesta musical que reúne a estrellas internacionales de todo el mundo. Un acontecimiento social y cultural que llega dispuesto a convertirse en uno de los festivales más importantes de Rusia y a mostrar al mundo que Siberia es uno de los lugares más destacados a nivel musical del país. Lo que no es poco, teniendo en cuenta que en Rusia la música es parte del ADN de la gente.

La magnífica respuesta de las audiencias rusas y extranjeras, artistas y medios a la primera edición del festival (2014), han hecho posible un programa de primer nivel mundial para esta segunda edición, celebrada durante el 22 de marzo y el 8 de abril, que contó con artistas de renombre mundial como el director estadounidense Leonard Slatkin, Dimitri Liss, el suizo Charles Dutoit, Dmitri Jurowski, el joven director letón Ainars Rubikis (ganador del Concurso  Gustav Mahler); solistas como el prestigioso pianista austriaco Rudolf Buchbinder, el famoso pianista francés Jean-Yves Thibaudet, la destacada violinista japonesa Akiko Suwanai, el carismático violista Maxim Rysanov o el legendario cuarteto Borodin, entre otros.

La nueva sala de conciertos dedicada al que fue fundador y director de la Orquesta Philharmonic, Arnold Kats State Concert Hall, fue el escenario de la gala inaugural con los cantantes Anna Samuil, Zoryana Kushpler y el tenor ucraniano Dmytro Popov. En el escenario de la casa de ópera más grande de Rusia, el State Opera and Ballet Theatre de Novosibirsk, conocida como “el Coliseo Siberiano”, tuvo lugar el segundo concierto-gala dedicado al 175 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky, con Alexander Buzlov, uno de los violonchelistas con más talento de la nueva generación de músicos rusos, el pianista Konstantin Lifschitz y el propio Vadim Repin, tres talentosos solistas que nos brindaron una magistral interpretación de Las variaciones sobre un tema rococó, Mélodie y Méditation de Souvenir d’un lieu cher, y un sutil y rubateado Valse-Scherzo para violín y orquesta.

Connecting Generations

El programa del festival incluyó, además, clases magistrales, exposiciones, documentales, proyectos educativos y una serie de eventos dedicados al público más joven, como el concierto Connecting Generations con el legendario violinista Zakhar Bron y sus mejores estudiantes (incluido Repin), o el proyecto especial “Children play for Children”. Quizá ese sea el secreto de que las salas de conciertos del festival se llenaran de gente joven.

Habituados a que la media de edad de las salas de conciertos del resto de festivales sea más que madura, llama poderosamente la atención ver como todos los días las butacas del Arnold Kats State Concert Hall son ocupadas por gente que no supera los treinta años de edad. Lo que, sin duda, augura una larga vida a un festival que aspira a extenderse en dirección este y oeste a las regiones cercanas, como un viaje musical en el que cada concierto es diferente, porque Repin se ha propuesto hacer del Trans-Siberian Art Festival un festival diferente: “Yo escojo a los artistas, les dejo hacer lo que quieran, porque para eso han viajado tanto para llegar aquí… Así que cada concierto es un highlight para cada artista, porque dejo que toque la obra con la que se sienta más cómodo y que disfrute tocando…”.

Entre los conciertos de esta edición, cabe destacar la excelente interpretación de Thibaudet del Concierto en sol mayor de Ravel, donde el pianista francés demostró su proeza técnica y sensibilidad musical, acompañado por una muy compacta Novosibirsk Philharmonic Orchestra, que nos ofreció una brillante versión, muy rica en texturas y colores, bajo la batuta de Gintaras Rinkevičius. Tras la insistencia de los aplausos de un público entusiasmado, Thibaudet regaló la Pavana para una infanta difunta de Ravel. Otro concierto memorable del festival fue el protagonizado por el gran pianista Rudolf Buchbinder, quien, junto la Ural Philharmonic Orchestra, hizo gala de su aplaudida técnica, musicalidad y magnífica articulación con el Concierto para piano de Grieg, que no tardó en levantar al entendido público de sus butacas. Como propina, una bellísima transcripción del Danubio azul de J. Strauss.

La música contemporánea también estuvo presente con dos estrenos mundiales: el Concierto para violín “De profundis” de Lera Auerbach y la première rusa de la obra orquestal Circuits de la compositora americana Cindy McTee.

Lorena Jiménez

http://www.transsiberianfestival.com/

Foto: Las butacas del Arnold Kats State Concert Hall son ocupadas por menores de treinta años para escuchar a artistas como Vadim Repin, violinista y director artístico del Festival.
Acred:  Alexsander Ivanov / Trans-Siberian Art Festival

 

Hernán Milla

Hernán Milla

Publicado: Abril 2015
Mucho Albéniz más allá de Iberia

Hernán Milla, natural de Toledo, es uno de esos músicos que dejan huella. Pianista, clavecinista, profesor, compositor, arreglista… Su voz habla desde una amplia perspectiva, la de un músico de naturaleza inquieta y actividad muy diversa que aborda con naturalidad y excelencia cada proyecto.

El pianista castellano manchego, de 35 años de edad, salta ahora a la escena internacional con su nuevo disco, dedicado a Isaac Albéniz y editado por el sello Naxos en su serie Spanish Classics. El repertorio de este séptimo volumen de la colección Albéniz de Naxos incluye las 12 Piezas Características y la Sonata n. 3, ¿diría que es un disco que sorprende en su primera escucha?

 Desde luego que sí. Es música de un joven Isaac Albéniz (compuesta entre los 28 y 30 años de edad), que empezaba a ser considerado, además de un virtuoso pianista, un gran compositor. Estaba en un momento clave para su trayectoria y estas obras ya reflejan toda su esencia. Yo fui el primer sorprendido cuando me acerqué a las piezas. En algunas, como Zambra o Torre Bermeja, uno encuentra el Albéniz que espera, el que trata al piano como si fuera una guitarra, que te sumerge de lleno en nuestro folklore, como hace en su Iberia. Otras, como la Mazurca o la Polonesa, plantean ese mismo discurso de colorida sonoridad y extraordinaria frescura, en un lenguaje alejado de esta estética nacionalista, más próxima al ambiente “salonier” del siglo XIX. Por otro lado, está ese clarísimo homenaje al legado del barroco en piezas como Minueto á Sylvia, Pavana… Aún recuerdo cuando comencé a tocar por primera vez los compases iniciales de la Gavotte: mi reacción inmediata fue levantarme e irme directo hacia el clave.

Porque usted además es clavecinista…

Sí, desde hace ya varios años el clave también se hizo un sitio en casa, llevándose fenomenal con el piano… (sonríe). Ya en mi etapa de formación en Finlandia tuve ocasión de acercarme a la interpretación historicista a través del fortepiano, y a mi regreso a España, animado por mis amigos “pianistas-clavecinistas”, comencé a acercarme cada vez más al clave. He ido descubriendo un repertorio fascinante y entendiendo con mucha más perspectiva nuestra música.

Volvamos a su disco. Llama la atención la gran variedad tímbrica que obtiene en las diferentes piezas y la naturalidad del sonido del instrumento. ¿Podría contarnos cómo fue el proceso de grabación?

Dedicamos mucho tiempo a pruebas acústicas y la puesta a punto del instrumento, buscando un resultado que ante todo reflejase una experiencia natural: una combinación de claridad en la producción del sonido y espacio de resonancia de sala. El resultado es como si el oyente estuviera disfrutando de un recital en un auditorio, escuchando el piano desde una segunda o tercera fila. En un trabajo de este tipo es fundamental la comunicación con el ingeniero de sonido, y debo decir que, para un intérprete, trabajar en sincronía junto a Ville Pulkkanen es una garantía de felicidad, pues su trabajo se convierte en un medio más a tu disposición en la búsqueda de la expresividad musical, al igual que los que te ofrece el propio instrumento (que literalmente “mimó” durante esos días Leonardo Pizzolante) o la misma sala. Tuve además la suerte de poder grabar en una sala que conozco bien, el Auditorio “Manuel de Falla” del Conservatorio “Marcos Redondo” de Ciudad Real, que el Centro tuvo la gentileza de cederme para la grabación. En la producción estuvieron dos personas cercanas, Mª José Arjona y Carlos Cano, cuyo criterio profesional valoro enormemente, que contribuyeron a crear un clima de trabajo fantástico.

Antes de empezar esta entrevista me relató una anécdota ciertamente entrañable. Me decía que cuando se publicó el primer volumen de la presente colección, usted acababa de incorporarse a la clase de Guillermo González…

Efectivamente, era el año 1998 y recuerdo asistir a la presentación del trabajo, donde también se presentó la primera Edición Facsímil de la Suite Iberia. Me hubiera costado creer en ese momento que yo sería el encargado de uno de los volúmenes restantes. En cierto modo, esa pasión que Guillermo nos transmitió a todos por la música de Albéniz, y también por conocer y apostar por la música de nuestro país es algo que ha marcado mi trayectoria profesional.

Precisamente hace un año presentaba en Sevilla su CD 20th Century Spanish Music for Flute and Piano, junto al flautista Carlos Cano Escribá…

Efectivamente. Este álbum se publicó entonces, pero fue grabado con posterioridad al CD de Albéniz. Fue el fruto de un trabajo de investigación y recopilación que arrancó en la figura del gran flautista español Rafael López del Cid, conformando un programa que rescata pequeños tesoros que, por diversas razones, han ido cayendo injustamente en el olvido.

La crítica internacional ha recibido con satisfacción su contribución al Proyecto Albéniz de Naxos. David Denton señala que usted interpreta a Albéniz de manera magistral y asegura que “la música simplemente fluye a través de sus dedos, subyugando su propia personalidad para dejar al oyente en contacto directo con el compositor”…

En una música como esta y en especial en piezas “de carácter”, creo que un intérprete tiene casi que adoptar el rol de un buen fotógrafo, permanecer atento, y con la mente abierta para ser capaz de capturar instantes, ambientes o estados de ánimo y acercarse a la esencia fugaz del momento. Creo que en la búsqueda de ese equilibrio utópico es necesario dar un paso a un lado y dejar que la música escriba su propio guión.

A eso se refiere Stephen Smoliar cuando habla de su capacidad para capturar el espíritu de cada una las 12 Piezas, quien además elogia aspectos como su sólido dominio técnico y la expresividad de su Sonata Op. 68

Lo cierto es que la Sonata ha sido uno de los grandes descubrimientos durante el proceso de estudio del programa. Especialmente me fascina el segundo movimiento, por su extraordinario lirismo y fantasía melódica. Es uno de esos momentos en los que uno siente de cerca al Albéniz improvisador que simplemente se deja volar. Y es precisamente ese faceta de “improvisador” de Albéniz la que a mi personalmente siempre me ha llamado más la atención. Es algo que se reconoce en el espontáneo fluir y creatividad de su discurso musical. Recuerdo con especial cariño una grabación que llegó a mis oídos en mi etapa de estudiante a través del musicólogo Jacinto Torres, en la que podía escucharse a Albéniz improvisando al piano y que me causó una gran impresión.

Por otro lado, Stephen Smoliar añade que su grabación “tiene la ligereza de toque adecuada para capturar el espíritu de cada una de las 12 Piezas Op. 92”…

Bueno, seguramente mi formación clavecinística, en gran medida me permite acercarme estas piezas de un modo diferente. Muchas de estas sugieren un tipo de toque casi más cerca del clave que del piano. Desde mi perspectiva intento combinar la capacidad de articulación del primero con la paleta tímbrica y dinámica del segundo.

Anteriormente ha mencionado varias veces seguidas la palabra “improvisación”…

Sí, porque fue el modo a través del cual empecé a hacer música. De niño tuve la suerte de tener a una maestra en la escuela de esas que educan desde el afecto; que cantan, juegan e incitan a la creatividad mientras enseñan, y eso creo que definitivamente marcó mi destino. Considero que la improvisación es una herramienta trascendental en la formación de un músico y creo que, felizmente, por fin estamos superando a nivel educativo esa separación que existía hace algunas décadas entre intérpretes, compositores o incluso estilos musicales. Ese perfil ideal de músico completo (como lo fue Albéniz) es la imagen que guía e inspira desde niño mi trabajo diario. En España tenemos la suerte de contar con el enorme trabajo que viene desarrollando al respecto el Instituto IEM desde hace ya 20 años.

Al hilo de esta pregunta, tengo entendido que su actividad artística no se limita a la de instrumentista. Leyendo acerca de su persona descubro un pianista que se aleja de los cánones a los que estamos acostumbrados. Digamos que usted se expresa a través de diversas manifestaciones musicales y que concilia en sí mismo ámbitos en apariencia divergentes. Incluso, ¿es correcto decir que llega a cantar en algún trabajo discográfico?

Jajaja, Usted se refiere a un disco muy querido por mi: “Donde nace la luz”. Desde hace algunos años, y junto a un grupo de artistas de diferentes disciplinas (literatura, música, artes plásticas, audiovisuales), comenzamos un trabajo de creación centrado en la música y la literatura dirigido a un público infantil y familiar, pues estimamos que es un campo que necesita un abono constante. No hay que olvidar que los grandes siempre pensaron en el mundo infantil, como Bartók, Debussy, Ravel... En nuestro caso es algo que nace como un juego que responde a las propuestas de ese niño que todos llevamos dentro. Este proyecto, que además tiene también un impacto de carácter didáctico y social lo llamamos “Veleta Roja”, y estamos ya inmersos en el proceso de producción de nuestro segundo trabajo discográfico.

¿Qué repercusión está teniendo este trabajo para Naxos?

Aunque este álbum apenas acaba de comenzar su vuelo, estoy muy satisfecho con la acogida que está teniendo. Más allá de la excelente difusión que una firma como Naxos realiza a nivel internacional, para mi es muy importante el “feedback” que recibo de mi entorno familiar y profesional, mis compañeros, mis alumnos. Todos ellos son una fuente de riqueza e inspiración. Creo que el verdadero impacto de un trabajo es el que trasciende a la fugacidad del mercado, y empieza por el lugar donde uno planta sus raíces. De entre todos los comentarios que estoy recibiendo en estas semanas, me hizo especial ilusión el que me escribió Julio Samsó, bisnieto de Albéniz, en la que cariñosamente agradecía el trabajo de todo el Proyecto Albéniz, y en la que me dedicaba unas palabras muy generosas acerca de la sutileza del mi sonido en piezas como la Gavotte. Finalmente, incidía en algo que es una evidencia, pero que espero sea el gran legado universal de este proyecto de cara al gran público: “hay Albéniz más allá de Iberia”.

Para terminar, ¿algún nuevo proyecto discográfico en mente?

Espero que pronto pueda contarles acerca de dos producciones para flauta y piano: un segundo volumen de música española del siglo XX, así como un álbum dedicado a la música del compositor cubano Paquito D’Rivera.

Estaremos atentos, gracias por su tiempo y enhorabuena por el disco.

Gonzalo Pérez Chamorro

Opinión

Hernán llegó a mi clase procedente del Conservatorio de Toledo de una buena “cuna” pianística, gracias a las enseñanzas de la profesora Dña. Ana Sancho y del magnífico pianista Ludmil Angelov. 

Alumno observador, tranquilo, progresando sin prisa, pero con una constancia relevante y eficaz. Característica ésta que le ha definido siempre en las diferentes escuelas en las que ha estudiado.  

Mi querido y gran amigo, excelente director de orquesta, José María Collado, me comentó en la final de un concurso de piano que Hernán “lo ve todo, no se le escapa ningún detalle de las piezas que interpreta”. Estoy plenamente de acuerdo con su aseveración, añadiendo, además, que no solamente lo ve todo, sino que degusta, como buen catador, los detalles musicales llevándonos de la mano hacia lo que es primordial con una gran elegancia y musicalidad, como la planta que saca su flor. Su sonido es certero y claro y el uso de los pedales, impecable.

Me gusta oírle “contar” la historia de cada obra, como cuando se oye a un gran músico, que lo siente, que lo vive.

¡Enhorabuena Hernán!

Guillermo González

 
Presentaciones abril

-17 de abril, 20.00h: Presentación del CD 20th Century Spanish Music for Flute and Piano en La Quinta de Mahler, Madrid

- 24 de abril, 21.00h: Concierto - presentación del CD de Albéniz piano works Vol. 7 en Toledo.

 @Hernan_Milla

https://www.youtube.com/watch?v=pubEnW175s4

http://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.573160

 Si desea comprarlo haga "clic"en: Naxos-Hernan Milla-Albéniz

Foto: Hernán Milla, protagonista en la colección Albéniz del sello Naxos.
Acred: MARIA ALPERI

 

Juan Cruz-Guevara

Juan Cruz-Guevara

Publicado: Abril 2015
Su primavera musical

Durante el mes de abril, la música del compositor almeriense Juan Cruz-Guevara (1972, Macael) tendrá una importante presencia en la actividad musical de este país. Tres citas, el Concurso Internacional de Piano “Premio Jaén”, donde sonará Soñando María Magdalena, obra obligada y encargo para esta 57 edición; Ahimsa, encargo de la Orquesta y Coro Nacional de España y que tendrá su estreno los días 24, 25 y 26 de abril y el estreno de un ciclo de Canciones, encargo de la Orquesta Ciudad de Almería.

El compositor almeriense ha estrenado en festivales como el Internacional de Alicante, Internacional de Jóvenes Orquestas de Murcia, Jornadas Contemporáneas de Granada y Sevilla, Internacional de Spoleto (Italia) o Centro Cérise (París). Destaca el encargo recibido para la composición de Música para Unos Juegos, en conmemoración de los Juegos del Mediterráneo (2005) y Senderos para la Memoria, obra compuesta para la inauguración del Museo de la Memoria de Andalucía de CajaGranada.

Entre sus premios sobresalen el Primer Premio del Festival Internacional de Orquestas de Murcia, Premios de la SGAE para Jóvenes Compositores (galardonado en cuatro ediciones: 1998, 1999, 2001, 2006), el II Concurso de las Letras y las Artes del Instituto de Estudios Almerienses, Premio de Composición “Joaquín Rodrigo” (2009), Tercer Premio y Premio del Público “ZEITklang”, Primer Premio del III Concorso Internazionale “Parco San Rossore”, Premio de Composición de Música de Cámara “Salvador Seguí” (2011) o los Premios “Cristóbal Halffter” de composición para Órgano (2010 y 2013), entre otros.

Sus obras han sido interpretadas por la Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta de la Radio Televisión Española, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Joven de Andalucía, etc., en un catálogo que abarca cerca de cien obras estrenadas.

La música de Cruz-Guevara en abril

Soñando María Magdalena

Del 10 al 17 de abril tendrá lugar el 57 Concurso Internacional de Piano Premio “Jaén”, días en los que se estrenará la obra obligada, Soñando María Magdalena, de Juan Cruz-Guevara. Construida en diferentes variaciones sobre un tema popular de Jaén, “La carrasquilla”, esta melodía es utilizada de un modo muy personal, en las que se muestra las diferentes maneras de ver y transformar un solo tema y que será interpretada por todos los pianistas participantes que logren llegar a la segunda fase, e igualmente será interpretada el día de la clausura por el ganador del Premio Música Contemporánea y grabada por el sello Naxos.

http://premiopiano.dipujaen.es/export/sites/default/galerias/galeriaDescargas/premio-piano/obras-obligadas/Obra_obligada_Premio_Piano_2015.pdf

Ahimsa

Durante los días 24, 25 y 26 la Orquesta Nacional de España interpretará Ahimsa, obra encargo de la OCNE, que será estreno absoluto en una temporada subtitulada Revoluciones para la OCNE. Cuando hablamos de “revolución”, la primera sensación…, la primera imagen que nos invade, por defecto, es aquella relacionada con su significado relacionado directamente con un cambio violento de estatus. Partiendo de esa misma definición y cambiando la violencia por la paz (o directamente la no-violencia), llegamos a un concepto que quizás pueda tener incluso más fuerza y ser más efectivo para la humanidad. Ahimsa viene del sánscrito y se refiere a todo aquello que pretende el activismo por la paz, desde la misma paz, por la vida, la naturaleza y el mismo cosmos, formas lideradas por Mahatma Gandhi, Martin Luther King o John Lennon, entre otros; estamos hablando de movimiento de masas a partir de un solo pensamiento. Es una aportación diferente a las Revoluciones de la OCNE.

http://ocne.mcu.es/programacion/temporada-actual/temporada-de-abono/detalle-de-concierto/content/revoluciones-ciclo-sinfonico-n-19/

Canciones

Este mes de abril concluirá con el encargo de la Orquesta Ciudad de Almería, donde se estrenará un ciclo de Canciones de Cruz-Guevara, que ya conoce bien este género al ser protagonizado por un recital con Ainhoa Arteta en el pasado Festival de Granada, concluyendo así un mes de una gran densidad sonora.

http://www.juancruzguevara.com/

Gonzalo Pérez Chamorro

 Foto: El compositor almeriense Juan Cruz-Guevara.
Acred: MARCOS CORZO 

 

Leticia Gómez-Tagle, pianista

Leticia Gómez-Tagle, pianista

Publicado: Abril 2015
Mediadora entre dos culturas

El virtuosismo es para Leticia Gómez-Tagle sólo un medio para el fin, y no un vehículo egoísta. De su interpretación se escucha respeto y conocimiento profundo de las composiciones. Considerada una de las mejores pianistas mexicanas de la actualidad, se ha hecho un nombre en la lista de los pianistas internacionales en Europa. Su último disco, titulado “Dos Continentes” (con los 4 Scherzi de Chopin y música latinoamericana), es característico por su interpretación de la música europea y la latinoamericana: se sabe mediadora entre dos culturas y dos mentalidades diferentes. Sus profesores en México fueron el pianista mexicano Manuel Delaflor y el profesor Angel Esteva Loyola. Ganadora de diferentes concursos nacionales juveniles (XEW, Televisa y Universidad de Puebla), ofreció su primer recital a los 13 años. Ha hecho grabaciones para la televisión mexicana (Televisa) y como ganadora del concurso “Sala Chopin”, fue becada por el Ministerio de Educación de Austria y Fomento Musical para hacer sus estudios pianísticos en la Academia de Música de Viena en la clase superior de Michael Krist. Se ha perfeccionado con Carlos Rivera, Orlando Otey, Paul Badura-Skoda, Jörg Demus y György Sándor. El periódico Alta Austria dijo de su interpretación del Concierto para orquesta n. 1 de Tchaikovsky: “Con su toque brillante, logra unir delicadeza de tono con grandeza de sonido”. Leticia Gómez-Tagle, que desde 1999 hasta la actualidad es profesora de la Escuela de Música de Linz, ha atendido a RITMO, teniendo la amabilidad de relatarnos sus experiencias.

¿Podría contarnos quien es Leticia Gómez-Tagle?

Nací en México, donde pasé mi infancia y mis años de formación para mi educación, creciendo en un ambiente musical. Mi padre tocaba el piano y tenía muchos discos de música clásica, que escuchábamos con frecuencia. Hoy me asombra que la gente joven, aún aprendiendo un instrumento, no conozca tanta música, porque nunca escuchan más que la que está de moda. Nosotros lo escuchábamos todo, desde la música clásica a Celia Cruz, pasando por Frank Sinatra, es decir, todo... Al final de mis años de mi formación básica como estudiante, obtuve el primer premio en un concurso de piano auspiciado por el Ministerio de Educación de Austria, que daba una beca para la Universidad de Música en Viena. Ya entonces tenía una base muy sólida de estudios pianísticos, aprendidos con mi profesor Manuel Delaflor y de materias teóricas con el profesor Ángel Esteva Loyola. También tenía ya bastante experiencia de conciertos, pues desde los trece comencé a ofrecer recitales sola y como solista de varias orquestas.

Usted se formó en Viena…

Sí. En Viena estudié con el profesor Michael Krist. El examen de admisión fue difícil y la carrera mucho más. Todo fue difícil al principio, pues además de tener que aprender alemán, estaba muy lejos de mi familia y no había tantas posibilidades de comunicación como hoy en día. Casi al terminar la carrera, participé en el Concurso Internacional “Chopin” en Varsovia. Obtuve buenas críticas y algunos conciertos, sin ningún premio en el certamen. Pero, desde entonces, empecé a tocar más en toda Europa y me empezaron a invitar a México. Últimamente he tocado varias veces en el Festival en Blanco y Negro, donde han participado otros pianistas de mi generación, como Barry Douglas, Karin Lechner, Sergio Tiempo, etc.

¿Podría definirnos que es para usted la música?

Expresarme con la música es para mí una necesidad. Una vez leí en un libro la siguiente frase: “El arte es algo brutalmente duro: un artista tiene que serlo no por poder serlo, sino por tener que serlo”. Pues así pienso yo: soy pianista por necesidad. Para ser artista hay que jugarse todas las cartas. Si no, no se es feliz. La posibilidad de expresarme con el piano es también una manera de servir a los demás, de darme a los demás y de hacerlos felices. La música y el arte son para mí un servicio insustituible a la sociedad. Un profesor decía que el hombre sin arte, no es hombre. Aquí, en Viena, donde resido, hay muchos ejemplos que ocurrieron cuando concluyó la Segunda Guerra Mundial: las personas apenas tenían para comer, pero donaban lo que podían para reconstruir la catedral y la ópera.

¿Dónde fundamenta su repertorio?

Chopin ha sido siempre uno de mis compositores favoritos. Me puedo identificar bastante con su música y en general con los románticos. Beethoven y Bach también ocupan un lugar muy importante en mi repertorio.

Como intérprete, ¿siente la necesidad de transmitir sus conocimientos?

Claro, además de intérprete soy también profesora en una Escuela de Música en Austria. Al principio, la enseñanza fue más bien una necesidad para vivir, ejercer una profesión como sustento vital dentro de mi especialización. Pero ahora estoy contenta de haber tenido esa necesidad, pues me gusta dar lo que sé y formar a gente joven. He sido invitada a dar clases magistrales varias veces en España y también en México, por la Escuela Superior de Música.

También tiene grabaciones discográficas…

Estoy preparando la grabación de un disco, titulado “Danzas”, con Ars Produktion, que saldrá probablemente en otoño, con obras de Chopin, Brahms y música española y latina. Entre otras, se incluye la transcripción del Danzón n. 2 de Arturo Márquez que hice para piano solo y que fue corregido por él mismo. En uno de mis viajes a México, tuve la oportunidad de encontrarme con él; fue para mí un encuentro importante. He tocado el Danzón, desde entonces, en Europa, Estados Unidos y Canadá. Siempre ha tenido mucho éxito. Me hacen muchos comentarios en YouTube (ver link al final de la entrevista), pues la gente quiere la partitura, que todavía no está editada...

También tengo otros discos con el sello Urtext en México, donde tengo grabados los 24 Preludios de Chopin, los 4 Scherzi también de Chopin y obras latinoamericanas. Y otro CD con Ionian Productions en Estados Unidos, con obras de Chopin, Beethoven y Otey.

¿Le escucharemos pronto en España?

Si le digo la verdad, es difícil conseguir conciertos sin agencias pues hay muchísimos pianistas en activo. Sigo buscando alguna agencia que pueda organizarme para actuar en España y para Europa central, pues así sería más fácil obtener conciertos sin tener que hacer uno mismo el marketing.

Gracias por su tiempo.

Lucas Quirós 

Reseñas periodísticas

“No hace falta gastar palabras sobre la técnica de la pianista mexicana. Lo excepcional reside en la fusión armónica de la técnica con la expresión musical” (Wiener Musikerinen, Viena)

“De su interpretación se escucha respeto y conocimiento pianístico” (Grenzach-Wyhlen, Alemania)

“Tremenda la fuerza que ha demostrado la pianista mexicana, Uno de los grandes conciertos que se han ofrecido en esta temporada” (Jürgen Scharft, Alemania)

Nuevo disco de Leticia Gómez-Tagle
DANCE PASSION. Obras de LISZT, BRAHMS, FALLA, ALBÉNIZ, NEUBAUER, GINASTERA, PIAZZOLLA, MOLEIRO, NAZARETH, PONCE, GÓMEZ TAGLE Y DEL VALLE, MÁRQUEZ y GLUCK-SGAMBATI. 
Leticia Gómez-Tagle, piano. 
Ars Produktion, ARS38183 · 78’ · DDD
Independiente **** A

Con un amplio recorrido por el mundo de la danza llevado al piano (claro ejemplo, la Danza del Molinero de El sombrero de Falla, a la que imprime de bellos rubatos antes del acelerando final), la pianista mexicana Leticia Gómez-Tagle aborda un comprometido programa en el que fusiona sus orígenes latinoamericanos con su formación centroeuropea, tocando desde Liszt, Brahms o Chopin, al citado Falla y Albéniz con Piazzolla, Neubauer (Tango-Space, que amplía las posibilidades del instrumento, con percusión y un colorista uso del teclado) o Ponce, entre otros, además de contener un bolero compuesto por el padre de la pianista para el día de su boda (la madre de Leticia). La jugosa rítmica del Valse-Caprice n. 6 de Liszt es una delicia, pero el arte de la mexicana se desglosa aún más en la segunda parte del disco, dedicada a los ritmos americanos (Malambo de Ginastera), salpicados de contenida tristeza (Verano Porteño del inclasificable Piazzolla), de melancolía (Habanera de Ponce), de un quasi rag del tango Perigoso de Nazareth y la gracia del Joropo de Moleiro, que parece salir de una novela de García Márquez. Visitando la página web de la artista puede conocerse más acerca de este disco y dónde obtenerlo. Muy buen sonido y generosa duración.

Lucas Quirós

Para más información "Online" sobre la pianista:

www.leticiagomeztagle.com

www.youtube.com/user/LeticiaGomezTagle

Foto: La pianista mexicana, afincada en Viena, Leticia Gómez-Tagle. 

 

Presentación de dos monografías arpísticas

Presentación de dos monografías arpísticas

Publicado: Marzo 2015
Nicanor Zabaleta: vida y obra / Esmeralda Cervantes y Lea Bach

Nicanor Zabaleta: vida y obra. Homenaje a su memoria en el primer centenario de su nacimiento.

Esmeralda Cervantes y Lea Bach: dos arpistas en la fundación de las escuelas de arpa de Argentina y Brasil.

Ambos libros fueron presentados en el Salón de Embajadores de la Casa de América de Madrid, el pasado 20 de enero. Se trata de dos publicaciones firmadas por la doctora y profesora Doña María Rosa Calvo-Manzano, catedrática de Arpa del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) y concertista de proyección universal y con diversas dedicaciones profesionales que jalonan su trayectoria artística: musicóloga, investigadora y mecenas de la música, en especial del arpa española, como se hace patente con el presente esfuerzo editorial. Estas dos obras son publicadas por Ediciones ARLU (perteneciente a la Fundación María Rosa Calvo-Manzano y a la Asociación Arpista Ludovico, de donde la editorial toma sus siglas). Es un trabajo dedicado a tres eminentes arpistas españoles bajo el denominador común de haber proyectado sus carreras profesionales en las Américas. En efecto, Esmeralda Cervantes, Lea Bach y Nicanor Zabaleta se embarcaron en una aventura que requería gran valentía y un no menor arrojo, al lanzarse al concertismo en el Nuevo Mundo, superando dificultades y trabas de alcances inconmensurables.

Esmeralda Cervantes

Esmeralda Cervantes fue la primera embajadora artística de este elenco de tres arpistas. De nombre Clotilde Cerdá, le fue impuesto su nombre artístico por la reina Isabel II y Víctor Hugo: éste, prendado de sus bellos ojos verdes, no dudó en apodarla como a la protagonista, Esmeralda, de su novela Notre Dame de Paris, mientras que la reina completó el nombre después de una actuación prodigiosa llevada a cabo por la artista, todavía niña, en memoria de Cervantes. Esta insólita mujer realizó una brillante carrera en toda América, que compatibilizó con una altruista dedicación a obras artísticas, didácticas, sociales y humanitarias. Esmeralda se implicó en la puesta en marcha de una Escuela de Música y otra de Bellas Artes para mujeres y en la dotación y equipamiento para la puesta en marcha del Teatro de Ópera. Su paso por Argentina y Brasil fue tan sonadamente excepcional que todavía en la actualidad su nombre se perpetúa a través del puente que une sobre Iguazú, Argentina con Brasil.

La segunda protagonista, Lea Bach, fue una intrépida dama, abandonada por su marido y sin recursos económicos, siendo madre de dos niñas muy pequeñas tomó el arpa literalmente al hombro y se embarcó rumbo a Argentina. Tras una estancia en este país, en el que dejó huella de escuela, pasó a Brasil. Allí su carrera tomó dimensiones impensables. Fue nombrada profesora de la Escuela Nacional de Música de Río de Janeiro, dejando en dicha institución la estela de una gran escuela, además de dar conciertos por el mundo entero.

“Mundo femenino”

Un hombre aparece en el mundo “femenino” del arpa, Nicanor Zabaleta. Los tres artistas fueron de formación fundamentalmente hispana y los tres marcharon jóvenes a París para ampliar estudios. Más la inconmensurable figura de este vasco universal empalidece a cualquier artista del mundo del arpa de cualquier época y latitud. La comunidad arpística de las tres Américas al pleno, recuerdan a Zabaleta como el maestro de los maestros con emoción y veneración. La historia de España, desde el ecuador del siglo XIX a la década final del XX, ha gozado de tres figuras de arpistas auténticamente singulares y  excepcionales. Ello es un orgullo no solo para  la historia arpística y musical, sino para  la propia historia socio-cultural-artística de España.

La mesa, presidida por personalidades del mundo de la cultura y el arte, fue una delicia de erudición por parte de todos: el director gerente de la Casa de América, Excmo. Señor Don Oscar Dávila, hizo una semblanza preciosa de María Rosa Calvo-manzano, autora de los dos libros. A continuación, los Excmos. Señores  D. José Luis García del Busto, prologuista del libro de las artistas catalano-brasileiras y Académico de la  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, hizo una preciosa exposición de ambos libros. La Ilma. Señora Doña Ana Guijarro, directora el RCSMM, se centró en la personalidad de Nicanor Zabaleta, habida cuenta de que este artista opositó por dos veces a dicha institución y en ambas ocasiones fue suspendido. ¡Cosas de nuestra querida España! 

El acto se cerró con las palabras del director honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el historiador de arte tan insigne como es el Excmo. Sr. D. Antonio Bonet. A continuación, el broche musical fue pincelado por dos excepcionales discípulas de María Rosa Calvo-Manzano, Irantzu Aguirre y Luisa Domingo. María Rosa interpretó varias de las obras que Zabaleta editó en su juventud y de las que él tocaba con más amor.  

El acto, abarrotado de público, resultó ser de los eventos más delicados, de altura intelectual y excelsa de arte.

Lucas Quirós

Foto: María Rosa Calvo-Manzano, junto a Irantzu Aguirre y Luisa Domingo.
Acred: Ángeles Filgueira

 

Al concierto en vaqueros

Al concierto en vaqueros

Publicado: Marzo 2015
Concert in Jeans, Concierto 3.0 en el Auditorio Nacional

La cantaora Ginesa Ortega y el reputado director valenciano Josep Vicent, presentan Amor Brujo el próximo día 13 de marzo en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en un concierto titulado Concert in Jeans, Concierto 3.0, que contará con la Hispanian Symphony Orchestra (HSO), la primera orquesta totalmente privada de España en su género y que además ofrecerá el Triple Concierto de Beethoven, con los solistas Jesús Reina (violín), Alberto Martos (cello) y Ambrosio Valero (piano).

¿Por qué Concert in Jeans? Porque, además de otras novedades que no se han visto hasta ahora en un auditorio clásico, los músicos de HSO llevarán una uniformidad diferente a la habitual, un vestuario símbolo de la renovación en un concierto clásico, donde la calidad se hace compatible con lo lúdico y la acogida a nuevos públicos. En este Concierto las Nuevas Tecnologías de la Información adquieren un lugar protagonista. Para ahorrar papel y esfuerzo, los componentes de HSO utilizarán tablets en lugar de las partituras tradicionales, siendo retransmitido en parte en streaming a través de un dispositivo móvil (espectador online) y se animará al público a utilizar las redes sociales durante el concierto.

Los seis magníficos

Alberto Martos

Según Daniel Barenboim: “Álvaro Martos una de las grandes promesas del violonchelo español”. Beethoven, cello en vaqueros.

Ambrosio Valero

El pianista Ambrosio Valero, portada de RITMO en noviembre de 2014, presentará su colosal Bösendorfer, el piano más grande el mundo. Beethoven, piano en vaqueros.

Jesús Reina

Violinista de fama internacional, Jesús Reina es un intérprete muy solicitado por grandes directores como Valery Gergiev. Beethoven, violín en vaqueros.

Ginesa Ortega

Raíces flamencas para la música de Manuel de Falla, Ginesa Ortega rasgará las almas con su voz para El Amor Brujo. Falla, cantaora en vaqueros.

HSO

Primera orquesta independiente que empleará sus tablets para leer las partituras, tecnología y sentimientos unidos. Falla y Beethoven, orquesta en vaqueros.

Josep Vicent

Un director que sobrevuela los continentes para dirigir a las mejores orquestas, ahora en Madrid, con la HSO. Falla y Beethoven, director en vaqueros.

Información útil:

Fecha y hora

Viernes 13 de marzo, 19:30 horas

Escenario

Auditorio Nacional de Música (Madrid)

C / Príncipe de Vergara, 146

¿Cómo llegar?

Metro línea 9 (parada Cruz del Rayo) y línea 4 (parada Prosperidad)

Autobús urbano, líneas 1, 9, 16, 19, 29, 51, 52 y 73

Precios de las entradas

12, 20, 30 y 60€

¿Dónde comprar?

http://www.auditorionacional.mcu.es/entradas/es

Enlaces

http://www.hispaniansymphonyorchestra.com/

http://facebook.com/HispanianSymphonyOrchestra

https://twitter.com/OficialHSO

Lucas Quirós 

Classical Concert Chamber Orchestra

Classical Concert Chamber Orchestra

Publicado: Febrero 2015
“Ponemos nuestro corazón y profesionalidad en todas nuestras actuaciones”

Con 8 años de experiencia y decenas de conciertos a su espalda, la Classical Concert Chamber Orchestra de los Estados Unidos aterriza de nuevo España, en la que es su cuarta gira en nuestro país. Esta orquesta fue fundada por el maestro Ashot Tigranyan en el año 2006 y, desde entonces, ha recorrido medio mundo gozando del favor del público y de la crítica. El conjunto, formado por 35 músicos, tiene la peculiaridad de que Ashot Tigranyan dirige a la vez que actúa como solista.

María José Montiel

Para su gira española, la primera de 2015, presentan un intenso y emotivo repertorio que recoge algunas de las obras más importantes de compositores como Vivaldi, Mozart, Sarasate y Falla. Además, cuentan con la participación de la mezzosoprano María José Montiel en las actuaciones de Barcelona y Zaragoza. Montiel es una de las cantantes más prestigiosas de nuestro país y ha actuado en los mejores escenarios. Ahora, y por primera vez, se une a la Classical Concert Chamber Orchestra para realizar dos conciertos muy especiales, en los que se fusionará su voz y el sonido del violín.

ATCM Inc, en total, ha preparado 11 conciertos en 8 ciudades españolas y una francesa, Montpellier. Esta actuación será un aperitivo de la gira que la orquesta celebrará en Francia en el mes de abril. El estreno del tour español será en el Auditorio Nacional de Música de Madrid el 10 de febrero y concluirá el 28 de febrero en Zaragoza. Además, actuarán en A Coruña, Valladolid, Barcelona, San Sebastián, Bilbao y Pamplona.

El alma de la orquesta

Después de una vida plagada de éxitos musicales, el legendario violinista Ashot Tigranyan, discípulo del legendario Leonid Kogan, profesor del Conservatorio de Moscú, formó en Los Ángeles esta orquesta de cámara, en la que da la oportunidad de trabajar y actuar a artistas consagrados, como los 35 músicos que forman el ensamble.

“Fundé esta empresa solo y le doy a los músicos la posibilidad de viajar por todo el mundo y de que crezca su experiencia y, además, consiguen un trabajo. Ahora se están cerrando muchas orquestas y nosotros abrimos oportunidades para muchos músicos”, explica el maestro Tigranyan.

Desde la fundación de la orquesta, Ashot Tigranyan se ha rodeado de grandes artistas. “Los músicos vienen con una larga andadura profesional. Hacemos audiciones durante semanas para elegir a los mejores músicos de todo el mundo. Tenemos muchos miembros fijos, pero siempre estamos abiertos a nuevos intérpretes que deseen unirse a esta orquesta”, destaca Tigranyan y, añade: “cuando llegan, les instruyo sobre el repertorio musical que hemos elegido y tienen que ser capaces de seguir mi estilo, que viene de la antigua escuela interpretativa rusa”. Y precisamente es ese estilo el que le ha dado renombre y fama por todo el mundo. “Toco el violín desde los tres años y la orquesta es también mi instrumento”, asegura.

La Classical Concert Chamber Orchestra lleva meses ensayando para su gira española y también para las de Francia e Italia que preparan para los meses de abril y mayo. “Ensayamos el repertorio intensamente”, explica el maestro Tigranyan y apunta que: “los músicos son muy profesionales y me conocen bien. No son unos extraños para mí, son como mi propia familia porque esto es una gran empresa”.

Ashot Tigranyan ya ha conquistado al público español en sus visitas anteriores y para él siempre es un placer volver a tocar en nuestros escenarios. “España es un país de grandes compositores. Además, las expectativas de la audiencia son muy altas, por lo que me encanta España y por eso me gusta venir tanto”, señala. “Nosotros ponemos nuestro corazón en el escenario y nuestra profesionalidad en todos las actuaciones, presentando nuestro propio estilo”, concluye el maestro.

La emoción y el talento interpretativo de Ashot Tigranyan vienen de nuevo a España para que todos los amantes de la música clásica puedan disfrutar de la magia y sensibilidad de esta orquesta. El solista y director musical ha preparado un cuidado repertorio de obras muy conocidas pero que nunca antes han sonado igual en las manos de este violinista y de toda su orquesta.

http://cccorchestra.com/

María Navajas Martínez

Festival Internacional de Música Antigua de Diamantina

Festival Internacional de Música Antigua de Diamantina

Publicado: Febrero 2015
Patrimonio Inmaterial / Patrimonio Material:

Un diálogo necesario
¿Realizar un festival internacional de Música Antigua en una ciudad ubicada a 1.200 metros de altitud, en una árida y lejana meseta de la Sierra de Espinhaço, Valle del Jequitinhonha, una de las regiones más características y enigmáticas del estado de Minas Gerais, Brasil? Esta es precisamente la ingente propuesta de la empresa brasileña Lira Cultura, que verá la luz entre los días 20 de febrero y 1 de marzo de 2015, bajo los auspicios del Ministerio de Cultura y con el patrocinio principal del BNDES – Banco de Desarrollo de Brasil.

Diamantina, ciudad Patrimonio Mundial según la UNESCO, se ha desarrollado a lo largo del siglo XVIII a partir de un núcleo urbano formado en torno a la explotación de importantísimos yacimientos diamantíferos. El entonces llamado Arraial do Tejuco dio cobijo a la legendaria pasión entre el intendente João Fernandes de Oliveira (detentor del privilegio real de la extracción de la codiciada piedra) y la ex-esclava Chica da Silva, quien se vio convertida en una auténtica reina, con derecho a corte propia.

Órgano histórico

Testimonio elocuente de aquella época de esplendor es el órgano histórico de la Iglesia de la Orden Tercera de Nuestra Señora del Carmen, el más antiguo que se conserva integralmente hecho en Brasil. Construido entre 1782 y 1787 por el organero autodidacta Padre Manoel de Almeida e Silva, bajo las órdenes del compositor José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (174?–1805), el instrumento vio nacer algunas páginas cumbre de la música colonial brasileña.

Tal hecho inspiró directamente la concepción de una programación artística coherente, que refleja la epígrafe síntesis del festival: “Patrimonio Inmaterial / Patrimonio Material: un diálogo necesario”. Partiendo de este singularísimo instrumento (restaurado en 2013 por el taller de organería español Hermanos Desmottes), la obra de Lobo de Mesquita será recreada en el contexto luso-brasileño, iberoamericano e italo-ibérico que la secundó.

La primera edición del Festival Internacional de Música Antigua de Diamantina se compondrá de siete conciertos, un curso de interpretación histórica del repertorio orgánico ibérico e italiano, mesas de debate centradas en las relaciones entre el patrimonio inmaterial y el material, además de actividades especialmente dedicadas a los más jóvenes.

Diez días intensos, en los cuales se podrá apreciar el trabajo de referencia del reputado grupo Ministriles de Marsias, compuesto en la ocasión por los bajonistas Josep Borràs y Fernando Sánchez y los organistas Javier Artigas y Marco Brescia, quienes interpretarán un programa en torno a la música instrumental en las catedrales aragonesas de la época ilustrada. La soprano Rosana Orsini, la mezzo Nerea Berraondo, el tenor Luciano Botelho y el bajo-barítono Pedro Ometto, demostrarán su arte de excepción al frente del ensemble Favola d’Argo, especializado en la interpretación histórica del repertorio italo-ibérico de raíz napolitana, además de interpretar obras luso-brasileñas del siglo XVIII, asistidos por el Alemmares Ensemble. El Festival contará igualmente con la actuación de organistas de la talla de Bruno Forst, João Vaz o Elisa Freixo, además del aclamado clavecinista Bruno Procopio. Clausurará el evento un concierto de campanas, llamado a celebrar la historia, la música y las tradiciones centenarias de una ciudad que las ha sabido preservar, como su más preciado tesoro, en el corazón del Brasil más auténtico.

Fechas: 20 de febrero a 1 de marzo de 2015.

Conciertos

20/02, 20.30 horas, Iglesia del Carmen. Domenico Zipoli: integral para órgano. Marco Brescia.

21/02, 20.30 horas, Iglesia del Carmen. Música religiosa luso-brasileña del último cuarto del siglo XVIII. Alemmares Ensemble (Orsini/Berraondo/Botelho/Ometto, continuo y dirección: Rodrigo Teodoro).

22/02, 11.00 horas, Teatro Santa Isabel. Música italiana para clave. Bruno Procopio.

26/02, 20.30 horas, Iglesia del Carmen. El órgano iberoamericano. Elisa Freixo. 27/02, 20.30 horas, Iglesia del Carmen. Música instrumental en las catedrales aragonesas de la época ilustrada. Ministriles de Marsias (Borràs/Sánchez/Artigas/Brescia).

28/02, 20.30 horas, Iglesia del Carmen. Flos Carmeli. Favola d’Argo (Orsini/Berraondo/Botelho/Ometto, órgano y dirección: Bruno Forst).

01/03, 11.00 horas, Iglesia del Carmen. Portugal y la influencia italiana. João Vaz.

www.musicaantigadiamantina.com

Lucas Quirós

Camerata Musicalis nos desvela los secretos de la Sinfonía del Nuevo Mundo

Camerata Musicalis nos desvela los secretos de la Sinfonía del Nuevo Mundo

Publicado: Febrero 2015
¿Por qué es especial?

La Orquesta Sinfónica Camerata Musicalis ofrece una nueva visión de la Sinfonía del Nuevo Mundo en seis conciertos para todos los públicos. Con su programa “¿Por qué es ESPECIAL la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak?”, el director, Edgar Martín, destapa en clave de humor los pequeños y grandes detalles de la obra más interpretada del compositor checo.

50 músicos, 50 instrumentos, un director y mucho buen humor. Así define Edgar Martín la orquesta que dirige, Camerata Musicalis, la cual lleva más de diez años comprometida con la difusión musical de forma lúdica y cercana. Desde 2004, Camerata Musicalis ha participado en festivales por toda la península, y ha realizado conciertos en salas de reconocido prestigio. Destacados solistas han colaborado con Camerata Musicalis, como Miguel Borrego, Alexander Trotchinsky, Rubén Fornell, Pilar Constancio y Josep Lluis Puig, entre otros. Desde su creación, el director musical de la orquesta es Edgar Martín, quien cuenta con una larga trayectoria en el ámbito pedagógico y musical. El maestro Martín no sólo ha dirigido diferentes orquestas en España, sino que también ha sido invitado a dirigir en Argentina y Austria.

Un programa original

Entre febrero y mayo de este año, la Orquesta se ha propuesto pasear por toda la Comunidad de Madrid la obra cumbre de Antonin Dvorák, la Sinfonía n. 9, “del Nuevo Mundo”, con una perspectiva tan original como interesante. Aprovechando la popularidad y el preciosismo de esta obra, se transporta al público desde el siglo XIX hasta nuestros días. Se puede acudir a estos conciertos con la expectativa de escuchar una interpretación completa, rigurosa y coherente, esto está reservado para la segunda parte. Pero lo más original de este programa está en la primera parte.

Una interesante demostración musical precede a la interpretación completa de la obra. En la primera parte, se realiza un recorrido musical por el contexto socio-cultural del momento en que Dvorák compuso esta obra, durante su residencia en Nueva York, en el año 1893. Mediante la interpretación de diferentes fragmentos de obras de la época, se pondrán de manifiesto las diferencias entre la música de Europa del Este y la de Estados Unidos. Algunas de estas diferencias suelen sorprender al gran público. Por otro lado, se darán muestras de la influencia que ha ejercido la Sinfonía del Nuevo Mundo en obras posteriores (como la B.S.O. de John Williams para Tiburón). Se escuchará música de Smetana, Wagner, Beethoven y el propio John Williams, entre otros. El objetivo es incentivar el interés por la obra, al tiempo que se prepara al público para apreciar detalles que enriquecen la escucha.

Tras un descanso, Camerata Musicalis interpretará la Sinfonía completa, sus cuatro movimientos, sin comentarios ni interrupciones. “De esta forma, se da también una oportunidad de que cada uno disfrute de la obra a su manera”, nos dice Edgar Martín.

Conciertos programados:

Collado-Villalba. 7 de febrero, 19:30, Teatro Casa de Cultura.

Alcalá de Henares. 28 de febrero, 19:00, Teatro Salón Cervantes.

Alcorcón. 7 de marzo, 19:00, Teatro Buero Vallejo.

Torrejón de Ardoz. 8 de marzo, 20:00, Teatro José María Rodero.

Getafe. 26 de abril, 19:00, Teatro Federico García Lorca.

Pinto. 9 de mayo, 20:00, Teatro Francisco Rabal.

más información en:    

www.cameratamusicalis.com

www.facebook.com/cameratamusicalis 

Gonzalo Pérez Chamorro

Stefano Parrino

Stefano Parrino

Publicado: Febrero 2015
Descubriendo a Kuhlau

¿Quién es el músico Stefano Parrino?

Esta es una pregunta complicada, creo que soy un músico que intenta tomar decisiones personales en su manera de ver la música. Comencé a tocar a los 13 años, tras un encuentro con Severino Gazzelloni. Después de estudiar en Milán, estuve en Ginebra con Maxence Larrieu, en París con Patrick Gallois y en Londres (en la Royal Academy of Music) con William Bennet, Sebastian Bell, Kate Hill y Keith Brag. Me perfeccioné en Italia con Peter-Lukas Graf. Por otra parte, soy fundador, junto a mi hermano Francesco (violinista), del Trío Albatros y del Cuarteto Due più Due. Francesco y yo creamos el Festival Le Altre Note, que es también un curso donde los estudiantes son los protagonistas; ellos son el alma vibrante y fundamental del proyecto, donde los estudiantes que valoren y comprendan más el ideal de amistad, de sacrificio y trabajo de Le Altre Note, tienen la posibilidad de ser los protagonistas cada año, compartiendo el escenario con artistas de fama internacional. Igualmente enseño en el Conservatorio “Arcangelo Corelli” de Messina y he desarrollado la técnica de respiración continua, dando master clasess en Europa, América y Rusia.

Acaba de salir su nuevo disco de flauta sola. ¿Por qué Friedrich Kuhlau?

Después del CD de Mercadante, “Arie e Capricci”, editado hace dos años, pensé en una conexión. Todo nació de una reflexión sobre dos Fantasías que tienen dos temas de Mozart, La ci darem la mano de Mercadante y Batti batti bel masetto de Kuhlau. Mi búsqueda me llevo a tomar la decisión de grabar Mercadante de manera clásica (o, mejor dicho, clasicista) y Kuhlau de manera romántica. Kuhlau y Mercadante fueron contemporáneos, Kuhlau nació 11 años antes que Mercadante, pero su estilo de composición parece ser más romántico y cerca de la idea beethoveniana, en un capricho parece usar un tema de la Quinta Sinfonía

¿Qué diferencias hay entre ser profesor e intérprete? ¿Ayuda como intérprete ser profesor y como profesor ser intérprete?

Ser profesor y ser intérprete son dos maneras distintas de ser músico, todos hemos tenido profesores y algunos de ellos fueron maestros intérpretes. Y ser intérprete es fundamental para enseñar, porque solo con la experiencia de los conciertos podemos ayudar a los jóvenes músicos a crecer y mejorar con consejos de interpretación. Muchas veces nos olvidamos que la claridad de las ideas musicales es la cosa más complicada da buscar, ser profesor ayuda mucho en ser mejor músico, porque permite profundizar y filtrar los conceptos musicales que llevan a las decisiones artísticas. Algunas veces, el intercambio de ideas musicales con los estudiantes permite al profesor cambiar o modificar sus propias ideas, solo con la fusión nace el diálogo y la síntesis. Al final estoy de acuerdo con el filósofo Joseph Joubert, que “enseñar es aprender dos veces”.

Históricamente, la música italiana es melódica por excelencia y usted es flautista, instrumento nacido para la melodía. ¿Está relacionado el hecho de ser italiano y recibir esa influencia para dedicarse a la flauta?

No creo que mi decisión de tocar este instrumento esté relacionada con esta herencia melódica y cultural. Con 13 años tuve la posibilidad de conocer a un flautista como Severino Gazzelloni, su manera de ser como persona y sus capacidades artísticas me causaron una gran impresión. Él me contaba aspectos de su vida artística y de sus experiencias, como tocar con maestros como Celibidache o Abbado; esto supuso una gran inspiración para mí.

¿Qué espera del público en concierto al interpretar la música de Kuhlau? ¿Concede importancia a la crítica?

Hace años que los programadores y el público, por miedo a dejar las salas vacías, se han acostumbrado al mismo repertorio estándar. No sé si seguir escuchando siempre los mismos repertorios y los mismos compositores nos permite de desarrollar una sociedad más interesada en las diferencias, más curiosa sobre compositores de nivel extraordinario, pero desconocidos. Creo que como músico tengo una obligación de cambiar esta actitud cada vez que grabo algo, trato de buscar música nueva que pueda tener un sentido. Comenzando por el disco de Nino Rota con el Trío Albatros, pasando a la música para flauta y orquesta de Giorgio Federico Ghedini y Gian Francesco Malipiero o a las composiciones para flauta sola de Saverio Mercadante y Friedrich Kuhlau, toda esta música ha tenido un enorme éxito con el publico y Kuhlau, con sus atmósferas beethovenianas, con su sentido romántico, ha sido siempre muy bien acogido. Hace poco, en la presentación en Radio Nacional de Italia, RAI 3, la periodista ocultó deliberadamente el nombre de Kuhlau, preguntando al público, como en un concurso, qué compositor podría ser. La gran mayoría contestó que Beethoven… Por otra parte, la crítica es muy importante si está hecha de una manera positiva, significando los aspectos más importantes, como calidad de ejecución, calidad del mensaje, compositor, etc. Hay mucho trabajo detrás de cada proyecto discográfico.

www.lealtrenote.org

www.violinandflute.com

www.albatrosensemble.com 

Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: El flautista italiano Stefano Parrino.
Acred: © COSTANTINO CONTI

 

Ticino Musica International Classic

Ticino Musica International Classic

Publicado: Febrero 2015
Intercambios que enriquecen al joven músico

Ticino Musica International Classic, un encuentro internacional de jóvenes músicos, existe desde hace más de 30 años y tiene como objetivo mantener y transmitir las tradiciones musicales a las nuevas generaciones. Docentes de alto nivel y de fama internacional ofrecen contemporáneamente, durante las últimas dos semanas de julio, 20 cursos de alto perfeccionamiento para todos los instrumentos de orquesta, canto, piano, órgano, guitarra y arpa. Simultáneamente a los cursos, el Festival Ticino Musica organiza una serie de casi 45 conciertos en distintas localidades del Cantón Ticino y algunos de estos tienen origen en los cursos.

Gracias al hecho de que todos los cursos se hacen a la vez, los jóvenes participantes tienen la posibilidad, no solo de preparar junto a los docentes una gran variedad de repertorio solístico, sino también una extensa variedad de repertorio de música de cámara. Es este trabajo de preparación el que conlleva la creación de gran parte de los conciertos: conciertos en los que los participantes son protagonistas y que son acogidos con gran entusiasmo por el rico público local. El calor y admiración de este público es, pues, fuente de inspiración para los participantes, que regresan a casa con la sensación de haber vivido experiencias inolvidables.

Presencia juvenil

La siempre numerosa cantidad de jóvenes que participan a los cursos, la seriedad y empeño con la que se enfrentan a las clases y la positiva acogida con la que nuestra oferta es recibida, demuestra que esta iniciativa satisface una verdadera necesidad por parte de jóvenes músicos, cantantes y conjuntos de música de cámara de todos los ángulos del mundo, de mejorar sus propias habilidades y de perfeccionar técnica y habilidad de ejecución musical. La fama y excepcional capacidad de transformar la vida musical de los jóvenes, que tan bien caracterizan a nuestros profesores, son de suma importancia para todos los actores en juego y son muestra de que un trabajo apasionado y bien estructurado es clave cuando de emprender una carrera musical se trata.

Y Ticino Musica es más que solo una serie de cursos y de conciertos. El Festival ha desarrollado un laboratorio de música contemporánea que está a la vanguardia de la didáctica de este repertorio tan poco explorado. El laboratorio trata de crear un diálogo directo entre todos los participantes, ofreciendo cursos de composición con dos exponentes de renombre de la composición contemporánea y un director especializado en la dirección de este tipo de repertorio que, acompañados por un ensemble contemporáneo, trabajan no solo con quienes a este tipo de música se dedican, sino con todos aquellos participantes de los cursos tradicionales que así lo deseen. Complementando estas actividades, 5 compositores suizos de renombre, a través del dialogo y en una serie de encuentros pre-definidos, comparten con el público su visión de la música que crean y del rol que cada estudiante tiene en la promoción y divulgación de la nueva música, para el bien del buen desarrollo de esta exquisita arte.

Opera Studio

Al lado del laboratorio de música contemporánea, Ticino Musica también organiza el Opera Studio “Silvio Varviso” que este año, en su novena edición, traerá en escena la indiscutiblemente deliciosa ópera de Mozart Le Nozze di Figaro. El Opera Studio está dirigido a todos aquello jóvenes cantantes interesados en participar en una verdadera producción operística y que así quieran debutar en roles de importancia, poniendo a prueba su talento y tenacidad. La selección de los cantantes es hecha en base a un concurso internacional, del cual es elegido un doble cast, dando así esta preciosa oportunidad a un mayor número de cantantes. El equipo de docentes que trabajan para este Studio, compuesto por un director musical, un experto director de escena y un famoso escenógrafo, preparan durante un mes de intenso trabajo la producción de la ópera.

Como cada año, una vez llegados los más de 200 jóvenes músicos y casi 30 docentes, el Cantón Ticino empezará a hervir en esta jugosa sopa de creatividad y comenzará a vibrar en armonía con innumerables expresiones de belleza artística. Como lo han definido algunos participantes de ediciones pasadas: “Ticino Musica representa un encuentro entre músicos y artistas de todo el mundo; una posibilidad de encontrar inspiración y de intercambiar ideas con personas que, ricas de otras culturas, bagaje artístico y generacional, no pueden más que transformar tu vida”. 

www.ticinomusica.com

En Facebook https://www.facebook.com/ticinomusicapg

Lucas Quirós

Foto: En Ticino se respira un cálido ambiente entre los participantes a los cursos y al festival.
Acred: TICINO FESTIVAL

 

María Teresa Chenlo

María Teresa Chenlo

Publicado: Enero 2015
El arte de tocar el clave

María Teresa Chenlo es una de nuestras más importantes intérpretes y estudiosas del clave. Tras iniciar sus estudios de piano en su ciudad natal Florida (Uruguay), el descubrimiento del repertorio barroco la llevó a consagrarse en cuerpo y alma a la música para tecla. Afincada en España desde hace años, su personal forma de tocar es la combinación perfecta entre técnica e intuición musical, entre virtuosismo y una innata musicalidad que le acompaña cada vez que se pone frente a una partitura. A ello han contribuido las enseñanzas de sus maestros y, muy especialmente, las del gran Rafael Puyana, con quien tuvo oportunidad de estudiar en París. Acaba de rendirle un merecido homenaje en los XX Encuentros Manuel de Falla de Granada con un concierto que se ha repetido con éxito en el Festival de Música Española de Cádiz. En esta entrevista, María Teresa Chenlo hace un repaso a su carrera y recuerda a su Maestro con el cariño y el respeto del discípulo agradecido por tanta sabiduría y experiencias compartidas.

Hablar de María Teresa Chenlo significa referirnos a la música de tecla. ¿De dónde le viene esta gran pasión que surgió cuando era una niña?

Supongo que debe estar en los genes de mi familia; uno de mis hermanos es pianista, aunque no se dedicó a ello, y el otro violonchelista ya retirado. Solíamos hacer música juntos en nuestra casa y nuestros padres siempre apoyaron nuestras vocaciones.

Tuve la suerte que desde mis inicios me guiaron magníficos profesores. En mi ciudad natal Olga Dibarboure y luego, en el Conservatorio Superior de Montevideo, el Maestro Hugo Balzo, estupendo pianista, muy buen conocedor del repertorio clásico, contemporáneo y latinoamericano. Él nos enseñó a ampliar el panorama y a trabajar obras de Fabini, Tosar, Ginastera, Guastavino, Ponce, Villalobos, Hindemith, Kabaleswsky, Bartók, Schoenberg etc. Agregado a ello, dos grandes profesores de Historia, Estética y Análisis, Walter Guido y Armando Diez, me presentaron el Barroco con tal exquisitez, ilustrándolo con grabaciones de clave, que fue el detonante para preguntarme: ¿Qué hago tocando esta música en el piano? ¡Quiero estudiar el clave! En el conservatorio de Montevideo no había cátedra y tomé la opción de ir a Buenos Aires.

¿Qué nuevas expectativas artísticas le abrió este instrumento a la hora de afrontar el repertorio barroco y su maestra Norma Romano en el Conservatorio Nacional Carlos López Buchardo de Buenos Aires?

Todas. Norma Romano me llevó a descubrir el instrumento en profundidad y comenzar a trabajar el repertorio barroco que luego se fue ampliando al contemporáneo. Para graduarme tuve que preparar obras de Rameau, Buxtehude, Bach y el Concerto de Falla. Una vez finalizada mi graduación en Buenos Aires el SODRE, en Uruguay, llamó a concurso a solistas para actuar en la temporada Sinfónica de la Orquesta. Preparé el Concierto para cembalo y orquesta de Bohuslav Martinu y obtuve el primer premio. Ya tenía claro, por mi sólida formación, que los compositores barrocos debían tocarse con orquestas de instrumentos ad hoc, por eso preferí elegir el estreno del compositor checo bajo la dirección del Maestro Howard Mitchell. Tuve mucho éxito y excelentes críticas que guardo con cariño.

Con una beca se traslada a estudiar a Europa, concretamente a España con Genoveva Gálvez y en París con el gran Rafael Puyana. ¿Qué recuerdos tiene de aquella etapa?

Efectivamente obtuve una beca de UNESCO para estudiar clave y otra del entonces llamado Instituto de Cultura Hispánica para el Curso de Música Antigua de Santiago de Compostela.

Como tampoco había cátedra de clave en Madrid estudié con Genoveva Gálvez en los cursos de Santiago y dos años de manera particular. Ella me introdujo en aspectos técnicos muy interesantes que trabajé con gran dedicación. Fueron tiempos de adaptación a costumbres muy diferentes. Venía de Uruguay, un país muy abierto a todas las corrientes intelectuales y con una educación de gran nivel. El tesón de haber encontrado el camino musical correcto, junto al apoyo de muchos amigos que fui haciendo y que conservo, me hicieron superar esas diferencias. España es hoy, también, mi hogar. Durante esta etapa el Ministerio de Asuntos Exteriores de España concedió becas para extranjeros y obtuve una de ellas, lo que me dio opción a estudiar en el Conservatorio Superior de Madrid el repertorio organístico español de los siglos XVII y XVIII, bajo la dirección de Paulino Ortiz de Jócano. Fue una estupenda experiencia que completó mi conocimiento de la música española de tecla.

Luego vinieron las becas a los Cursos Internacionales Manuel de Falla en Granada. Allí conocí a Rafael Puyana quien me escuchó y me invitó a trabajar con él en París. Sentí un honor y una enorme alegría ante esta invitación. Fue el deslumbramiento total con un maestro que poseía el don de atrapar al alumno en una exigencia rigurosa, rica al máximo en recursos técnicos y estéticos. Así comenzó y continuó una hermosa y fructífera relación que me guió en un serio y espléndido trabajo, enriqueciendo al máximo mi vida profesional.

Precisamente, a su maestro Rafael Puyana acaba de rendirle un homenaje en los Encuentros Manuel de Falla de Granada, concierto que se ha repetido en el Festival de Música Española de Cádiz. Nos regaló un “Paseo por la música que su querido maestro amó”, con piezas algunas de ellas revisadas por usted. ¿Qué criterios siguió a la hora de seleccionar el repertorio y cómo ha sido la experiencia?

Estos dos conciertos homenaje han sido mi manera de agradecerle todo el conocimiento recibido. La guía para seleccionar las partituras la tenía muy clara, me la sugirió él; parte de su extraordinaria pedagogía fue enseñarnos a elegir el repertorio de los programas, combinando épocas y estilos diferentes. En esta ocasión, para el “Paseo por la música que amó”, elegí  obras y compositores de los sucesivos periodos del barroco, desde Peter Philips a Bach, pasando por Correa, Poglietti, Rameau, Scarlatti, Albero y Soler; realmente un paseo por todo el apasionante mundo del barroco.

La experiencia fue única pues estuvo cargada de emoción con la presencia de sus sobrinas de Colombia y Estados Unidos, y clavecinistas amigos que también estuvieron en los Cursos de Granada.

Para el concierto contó con dos instrumentos muy especiales…

Otro agregado más a la carga emocional. Usé dos claves que fueron de Puyana y que los donó a la Fundación Archivo Manuel de Falla de Granada. Uno de dos teclados, copia de un Blanchet (París S. XVIII), y otro de tres teclados, copia de un Hass (Hamburgo 1740), único ejemplar que tenemos en España.

Tocar en el Hass de tres teclados ofrece la posibilidad de llegar a la exquisita interpretación de las obras. Pero cuidado, no se trata de hacer gimnasia saltando de un teclado a otro sino que la música gane totalmente la partida, aprovechando los recursos de los distintos registros.

En este apartado quisiera expresar brevemente mi posición sobre las tan dogmáticas y encorsetadas opiniones que sugieren ciertas escuelas acerca de que las obras deben ser interpretadas, para ser válidas, según el compositor y la época en tal o cual instrumento. Entiendo que un falso purismo no debe nunca matar la música. Anterior al Hass, Hamburgo 1740, hubo ya otros constructores de claves de tres teclados. Stefano Bolcioni en 1627 construyó uno en Florencia, actualmente en la colección Russel de la Universidad de Edimburgo y otro construido en 1702, que se atribuye a Bartolomeo Cristofori, conservado en la Universidad de Michigan.

El clave llamado Il Coreggio de la Reina María Bárbara de Braganza, desgraciadamente desaparecido, fue construido por Diego Fernández con los consejos del castrato Farinelli. Tenía cinco juegos de cuerdas, con lo cual había un registro de 16’, tiradores y pedales para variados cambios de registros. Scarlatti conoció ese instrumento, ¿se puede pensar que un compositor de su talla no lo aprovecharía? Por lo tanto desde el siglo XVII los músicos tenían esos claves a su disposición.

Lo esencial es que los intérpretes sepamos usar cada instrumento para hacer música.

Mi marido, que es físico, es un gran apasionado en el estudio del mecanismo y construcción de los claves. Ha hecho un trabajo técnico serio y pormenorizado de las características del Hass, que puede ser de gran ayuda para los intérpretes.

¿Qué labor de investigación hay detrás de cada una de las piezas que interpreta en el clave?

Total: época, análisis armónico-tonal, documentación exhaustiva sobre la vida del compositor. Por ejemplo, ¿cómo no saber que Correa de Arauxo se negó a entregar la llave del órgano en Sevilla y estuvo preso por ello, o que la distracción favorita de Scarlatti era el juego y muchas veces la Reina María Bárbara pagó sus deudas para salvarlo? Estos detalles que parecerían secundarios sin embargo nos dan pautas del carácter fogoso del compositor que se transmite a sus creaciones.

Además de su maestro Rafael Puyana, Wanda Landowska estará también entre sus referentes artísticos…

Sin duda. Fue una personalidad arrolladora; gracias a ella el instrumento está vivo. Actualmente hay una corriente que se permite el lujo de criticarla. Si escuchamos sus grabaciones en el Pleyel, que evidentemente no es una copia histórica fiel, transmiten tanta música con mayúsculas que a nadie con sensibilidad pueden dejar ajeno. Como a mi Maestro, la admiro.

Su versatilidad artística le ha permitido abordar un repertorio muy amplio, desde el barroco, las obras para fortepiano de los siglos XVIII y XIX, la música clavecinística americana, e incluso obras de nueva creación, muchas de las cuales le han sido dedicadas, de Cervetti, Castillo, J. L. Turina, Legido y tantos otros. ¿Qué diferencias hay a la hora de interpretar una obra contemporánea, de una barroca o del repertorio americano para clave?

Desde el punto de vista técnico mucha. Hay que adaptar la mano y la técnica para que el sonido no resulte seco. Pero desde el punto de vista musical ninguna: seguir lo que nos dice la partitura con gran detalle. Con los compositores actuales tenemos la posibilidad, en la mayoría de los casos, de poder intercambiar ideas acerca de la obra y su interpretación lo que redunda en un óptimo resultado. Mi experiencia en este aspecto ha sido muy fructífera y espero que para los compositores también.

Como intérprete me siento en la obligación moral y estética de dar a conocer a los creadores de nuestro tiempo. Testimonio de esto es el CD que acaba de aparecer con las obras del Taller de Compositoras del XI Festival de Cádiz, creado por el eficiente director del mismo D. Reynaldo Fernández Manzano.

¿Qué proyectos artísticos tiene? ¿Tendremos oportunidad de disfrutar de la grabación del programa de homenaje a Rafael Puyana?

La preparación de un monográfico de un músico español del siglo XVIII. El nombre del compositor no se dice pues si no el proyecto no sale. Aunque no soy supersticiosa, sigo el buen consejo de mi abuela italiana.

Comenzar una investigación sobre la vida y realizaciones de Rafael Puyana. Para ello cuento con el estupendo material, donado por el Maestro a la Fundación Archivo Manuel de Falla, y la exquisita colaboración de su gerente y amiga Elena García de Paredes. En cuanto a la grabación del concierto, lamentablemente no se efectuó.

El próximo 15 de enero el Festival COMA’14 rendirá, en Madrid, un homenaje a dos grandes figuras de la creación como son Claudio Prieto y Sebastián Sánchez Cañas. En él tendré el placer de recrear nuevamente la Sonata 13 de Prieto, sonata que me dedicó, así como Petenera y Vaqueirada y Baile vaqueiro de Sánchez Cañas.

Por: Elena Trujillo Hervás

www.mariateresachenlo.com

www.youtube.com/watch?v=PJJDxrtbHoo*

* María Teresa Chenlo estudiando en el clave de tres teclados realizado por Andrea y Anthony Goble, donado por Rafael Puyana al Archivo Manuel de Falla.

Foto: La clavecinista María Teresa Chenlo.

 

Christina Sandsengen

Christina Sandsengen

Publicado: Enero 2015
La guitarrista que surgió del frío boreal

Nació hace 27 años en un pequeño pueblo del país más occidental de la península escandinava, un país salpicado de lagos, cascadas, glaciares e impresionantes fiordos. Alta, esbelta, rubia, ojos azules, reúne en su aspecto todos los tópicos de la belleza vikinga; podría ser modelo, pero es guitarrista clásica. Comenzó a estudiar piano, pero cuando tenía 15 años se enamoró de la guitarra clásica y a partir de entonces se dedicó exclusivamente al instrumento de cuerda pulsada. A los 16 años fue aceptada en un programa de talentos para jóvenes músicos dirigido por el guitarrista Geir Otto Nilsson en la Academia Noruega de Música. Tras su licenciatura, continuó su formación con grandes figuras de la guitarra clásica, actuando como concertista en las principales salas y festivales de Noruega, Suecia, Inglaterra, Bolivia, Perú, España, Tailandia, Singapur o Turquía, convirtiéndose en una de las guitarristas de mayor proyección internacional de su generación. Recientemente fue elegida miembro de la Asociación de Guitarra Clásica de Noruega y su pasión por dicho instrumento la ha llevado a fundar Oslo Gitarskole, la principal escuela de guitarra de su país. Coincidiendo con el lanzamiento de su primer trabajo discográfico para el sello Odradek Records, Shades & Contrasts, Christina Sandsengen habló en exclusiva para RITMO.

Comenzó estudiando piano, pero a los 15 años se enamoró de la guitarra clásica, ¿cómo se produce ese flechazo?

La verdad es que empecé con guitarra eléctrica en la escuela, pero mi profesor me dijo que primero tenía que aprender a tocar la guitarra clásica. Y así empecé… No sabía lo que realmente era una guitarra clásica (risas) pero me dije ¿por qué no? Y fue él quien se encargó de mis primeras lecciones de guitarra. Cuando ya comencé a tocar algunas piezas clásicas, me pareció tan bonito que empecé a enamorarme de este maravilloso instrumento, porque creo que es un instrumento musical sumamente rico. Fue como si se abriese un nuevo mundo ante mí, y desde ese día, decidí dedicar mi vida a tocar la guitarra clásica.

¿Cree que la guitarra es el instrumento perfecto para comunicarse a través de la música? 

Sí, así es, porque es un instrumento que te permite manifestar un espectro muy amplio de sentimientos, me refiero a que te permite tocar de forma delicada y suave, y por otro lado también puedes tocar con fuerza y potencia, además de toda la amplia gama intermedia que puedes conseguir. Y es un instrumento que puedes usar para ritmo, melodía…

Estudió en la Academia Noruega de Música y también en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”. ¿Por qué eligió Sevilla para completar su formación?

Una de las razones por las que escogí Sevilla fue porque es una ciudad donde el flamenco está muy presente. Y otra de las razones de esta elección fue porque quería estudiar con el profesor de guitarra clásica Antonio Duro, que daba clases allí, y además Sevilla es un sitio muy soleado (risas), aunque también es muy fría en invierno…

Su compatriota Bettina Flater se enamoró de la guitarra flamenca en Sevilla. ¿Le gusta la guitarra flamenca? 

Sí, y allí fui también a muchos tablaos flamencos. De hecho, me encanta escuchar flamenco y ver a los que lo bailan, ¡son tan expresivos e intensos!, notas cómo realmente lo sienten…

Tras licenciarse como guitarrista clásica, completó sus estudios en París con un guitarrista de élite, el concertista francés Gérard Abiton. ¿Qué fue lo más importante que aprendió de Abiton? ¿Algún consejo que todavía recuerde antes de subir al escenario?

Gérard me enseñó muchas cosas. Es un profesor excelente y muy atento con sus estudiantes. Me ayudó mucho con la técnica; siempre tenía sugerencias muy interesantes para la digitación, que te ayudaban a tocar mejor.  Me aconsejaba que estuviera relajada y pensara siempre en positivo antes de salir al escenario. Y también me recomendaba estar muy concentrada cuando practicaba, porque si estás concentrado cuando practicas y lo haces de forma correcta, vas a estar mucho más seguro y cómodo en el escenario.

¿Y cómo se concentra Christina Sandsengen el día del concierto?

Bueno, lo que hago es planificar muy bien ese día, es decir, nada de realizar cosas extras, porque si no me pongo nerviosa, y para mí es muy importante estar muy tranquila ese día. Así que me arreglo el pelo bien temprano por la mañana y me preparo, y una hora antes del concierto trato de tumbarme para relajar mis músculos; trato de que mi mente solo esté ocupada con cosas positivas, sin pensar en cómo va ir el concierto. Lo único que pienso es en que me voy a divertir y en que tengo que disfrutarlo al máximo, ya que para eso amo mi trabajo…

Entre sus maestros también figuran otras grandes nombres de la guitarra de la escena internacional, como el último alumno directo de Andrés Segovia, el norteamericano Eliot Fisk, el virtuoso brasileño Fabio Zanon o el famoso guitarrista italiano Aniello Desiderio ¿Qué huellas le han dejado en su perfil artístico y técnico?

Me influyeron mucho musicalmente. Con Eliot Fisk toqué Mallorca de Isaac Albéniz y me dio muy buenos consejos. Con Desiderio hice dos master-classes y es un guitarrista muy expresivo, y aunque también hablamos de técnica; sus clases fueron muy enriquecedoras, sobre todo, desde el punto de vista de sus consejos musicales. Fabio Zanon es amigo mío y hablamos con frecuencia. Con él he aprendido mucho desde el punto de vista rítmico. Conoce muy bien la música brasileña y es muy preciso en lo que hace; con él aprendí sobre todo cuestiones referentes al ritmo.

Interpretó la famosa suite Koyunbaba de Carlo Domeniconi en directo para la CNN Türk. ¿Cómo recuerda ese momento?

Es una de mis piezas preferidas y la interpreto a menudo. Y siempre que la toco, siento que es una pieza muy especial para mí. Cuando la toqué allí, delante de los aficionados turcos, estaba especialmente nerviosa, pero como es una obra muy emotiva, también estaba absolutamente concentrada cuando la interpreté. Cuando toco esta música tan rica y arrolladora, siento emociones muy diferentes. Se trata de una pieza que tiene cuatro movimientos y cada uno de ellos evoca una atmósfera distinta. Yo creo que hasta lloré la primera vez que la escuché… De hecho, me llevó mucho tiempo poder interpretarla, porque me ponía a llorar cada vez que la tocaba…, pero  ya no lloro (risas), aunque siempre es muy emocionante cuando la toco.

Además de Koyunbaba, su primer CD incluye Tárrega, Albéniz, Agustín Barrios o Late at Night de su compatriota y profesor Sven Lundestad. ¿Escuchó interpretaciones de otros guitarristas de Mallorca o Asturias? ¿Qué criterios de selección siguió para este primer CD y por qué decidió reunir estas piezas en un mismo álbum?

Sí, por supuesto, escuché a otros guitarristas que han interpretado estas obras, pero no recuerdo cuándo fue la primera vez que las escuché. De todas formas, aunque escuche grabaciones de otros guitarristas, trato de aportar mi personalidad y mi propia expresión a cada obra que interpreto. Late at Night es una de las que aprendí a tocar cuando estaba estudiando con mi primer profesor de guitarra. Para mí, el nexo de unión de estas músicas es que todas son piezas románticas, aunque no todas ellas son del periodo romántico. Y digamos que todas estas piezas me conmueven de forma especial. Todas ellas se diferencian y contrastan entre sí, de ahí que el título sea Shades & Contrasts, porque no dejan de referirse a distintas “sombras y contrastes” que acontecen en nuestra vida, las diversas emociones que experimentamos en nuestra vida…

¿Se atreve a compartir con nuestros lectores su obra favorita del disco?

Koyunbaba, sin duda.

Sus gustos van desde la música romántica hasta el heavy metal, e incluso ha tocado en una metal band, ¿algún proyecto futuro en este sentido?

Ojalá pudiera seguir tocando en metal bands, pero hace tiempo que decidí centrarme en la guitarra clásica. De todas formas, estoy pensando en hacer algo que mezcle la música de heavy metal con la guitarra clásica, y también quiero componer algo en ese sentido, porque no dejan de ser dos mundos muy interesantes, que se podrían combinar… Sería un nuevo contraste, una manera de confrontar estos dos estilos.

¿Qué proyectos esperan a Christina  Sandsengen en un futuro más inmediato?

En diciembre tengo una gira por China y en enero me iré al resto de Asia. En marzo tocaré en un Festival en Noruega con el guitarrista estadounidense Al Di Meola…

¿Tendrán oportunidad de verla también sus fans españoles en el 2015 en nuestro país?

Sí, porque en julio estaré en el Festival de Guitarra de Sigüenza.

Hagamos una cosa. Dígame lo que quiera para acabar la entrevista.

Esta es la pregunta más difícil de todas (risas). Pues mire, soy de los que creo que uno tiene que seguir sus sueños, y no escuchar lo que digan los demás, ya sean familiares, amigos, o sea quien sea, porque aunque suene a tópico, estoy convencida de que uno tiene que seguir siempre lo que le dice el corazón. Me refiero a que uno puede trabajar muy duro, dar el máximo, no abandonar nunca, pero tiene que escuchar también lo que le dice el corazón…

Gracias, buen consejo. Ha sido un placer.

www.christinasandsengen.com

Por: Lorena Jiménez

Foto: La joven y gran guitarrista Christina Sandsengen.
Acred: SEYE ISIKALU

FM ACOUSTICS

FM ACOUSTICS

Publicado: Enero 2015
El Santo Grial del sonido

FMA quiere decir “Acoustics for Music”. Fundada hace cuarenta años por personas que se dedicaban en exclusiva en el campo profesional de los estudios de grabación y sonido, sus inicios fueron difíciles, hasta que George Martin, el productor de los Beatles, nada menos, les abrió las puertas de su estudio y a partir de ese instante les llego el éxito, llegando a estar presentes en casi el cincuenta por ciento de los mejores estudios de grabación.

Estos sistemas de sonido son completamente analógicos, hechos a mano, pero ofrecen la calidad más alta de audio que pueda escucharse. Tuvieron su presentación madrileña en un céntrico hotel, donde los presentes pudimos quedarnos boquiabiertos con la calidad sonora, ya que son equipos y componentes tanto para el profesional de la grabación como para el uso doméstico. La experiencia sonora convirtió la audición en una irrepetible experiencia. 

Sentados en cómodas sillas, como un pequeño auditorio dispuesto a ponerse en marcha, los presentes paseábamos previamente por un pequeño salón de convenciones, aclimatado para poder escuchar en toda su dimensión la calidad sonora de unos equipos de sonido que hacían su presentación en España. Mientras tanto, contemplábamos los componentes de audio expuestos por la sala. Su austera presentación, todo analógico y por consiguiente sin referencias luminosas digitales, hacían presentir que estábamos ante el Santo Grial del sonido. Los distribuidores en España de FMA hicieron una breve presentación, dando paso al señor Manuel Huber, fundador y propietario de FMA, que comenzó a desplegar toda su sabiduría técnica sobre sus equipos y componentes. 

El siguiente paso en la expansión de FM Acoustics lo realizan los artistas que graban en los estudios con los nuevos equipos ya adquiridos, que compran los productos FMA para su uso particular. El tercer círculo aparece con los amigos de esas estrellas de la música (por ejemplo, Yehudi Menuhin presentó FMA en su domicilio y maravilló a sus invitados), lo que ya da paso a la difusión entre los musicómanos y audiófilos. A pesar de eso, hasta la aparición del DAT, momento en que algunos artistas empiezan a abandonar los estudios, FMA vendía el 70-80% al mundo profesional. 

Manuel Huber comenzó hablando de cables, nada nuevo, pensamos los allí presentes. “FMA hace lo que otras marcas hacen, pero su exclusividad radica en que algunas cosas las hacemos de forma diferente, realizando productos que los demás no pueden o quieren hacer, así cuando a todos nos han educado en la idea de que los cables deben ser lo más cortos posible, nosotros decimos que hasta 200 metros de longitud no hay problemas, cuando otros usan cables con enormes pantallajes, los nuestros son cables de apariencia normal, es decir, somos diferentes”.

Primera audición, casi sin aviso. Una Suite de Cascanueces de Tchaikovsky desenfundada de un LP en una versión añeja de Ernst Ansermet con la Suisse Romande. Comienza a sonar. El plato gira y el cableado, preamplificación, amplificación y pantallaje emiten un sonido hasta entonces nunca escuchado. Es sencillamente delicioso. Pocos son los que nos conocemos, pero entre unos y otros nos lanzamos miradas de incredulidad ante la maravilla sonora que se despliega ante nuestros oídos. Jamás tanta naturalidad había salido de unos altavoces. Entonces pensé, “dios, y yo pensaba que mi equipo era bueno…”. 

Cuando uno compra un sistema completo de FMA no compra un equipo como el de las otras marcas, compra un instrumento (en la foto el último sueño sonoro, el FM 268C). Esto no es una frase, es una realidad, un equipo compuesto por electrónicas y cajas acústicas de FMA se afina cual un instrumento musical, es decir, como un piano o un violín, desde la búsqueda de la primera y segunda resonancia con los preamplificadores 266 y 268, lo que nos permite una atenuación de hasta 9 dB, que es una cifra increíble. A su vez, esto nos evita la colocación de los tan odiados paneles de absorción, que en nuestros pequeños hogares tanto entorpecen y molestan. Una vez corregida la acústica de la sala, con la amortiguación de las tan dañinas y reseñadas dos resonancias, pasamos a la afinación de los graves, medios y agudos, que se realiza de este modo: Desde el amplificador controlamos por separado y para cada canal los graves y el medio-agudo, ¿el grave va directo a altavoz? Driver de graves sin pasar por ningún tipo de filtro, lo que permite un control superlativo de los bajos; y el medio-agudo llega a través de un filtro pasivo. A su vez, los agudos, los dos, pues uno irradia hacia el frente y el otro hacia la parte posterior, se controlan independientemente, con lo que se consigue un afinamiento increíble de las cajas acústicas y por ende del sonido, que contrasta con los equipos habituales, que solo podemos modificar un poco el sonido moviendo las cajas, con los problemas de fase que eso puede conllevar. FMA consigue toda esa afinación al máximo, partiendo de una calidad excepcional de sus componentes, pues la tolerancia entre las dos cajas acústicas es prácticamente 0 dB, cuando en la mayoría de marcas se aceptan diferencias de más de 3 dB como normales. 

El señor Huber, tras escuchar la preciosa interpretación de Ansermet, que puedo asegurar nunca se había escuchado de tal modo, nos ofrece unos gráficos donde se aprecian las increíbles calidades de sonido y hasta dónde han podido llegar. Pero además, tras escuchar unos discos de jazz del gran Jimmy Smith con su Hammond, que penetró en nuestros oídos con una claridad alucinante, presentó otros de sus productos estrella. Todos hemos tenido en casa LPs que por el mal uso o por los roces sufren molestos “tics” a cada paso de la aguja por el surco, pero un amplificador de FMA reconoce esos errores y al pulsar el milagroso botoncito, estos desaparecen, sin ser confundidos con modelos rítmicos fijos de la música, por los que podrían pasar. No es un phono linearizer cualquiera, así, mediante una simple tecla, nos permiten quitar ese ruido de nuestros queridos discos que por accidente se nos han rayado, y todo eso no en digital, sino en tiempo real y analógico, sin alteración mínima de la calidad del sonido. Es un milagro, como confesó Manuel Huber con su pícara cara de haber descubierto una solución para millares de discotecas con estos defectos irreparables. 

Cuando las otras marcas hablan de preamplificador de phono, FMA habla de phono linearizer, pues no solo incrementa las pequeñas señales que emanan de las capsulas de fono, si no que lo realizan de forma diferente. FMA amplifica las dos partes de la señal, es decir la + (positiva) y la – (negativa), cuando la mayoría solo trabaja sobre la positiva y deriva la negativa al tierra. Como consecuencia de ello se ganan 6 Db, que es un mundo a la hora de amplificar tan débiles señales de la cápsula. Pero no contentos con esto, en FMA se piensa en aquellos coleccionistas de LPs, aquellos que tienen discos de muchos años, incluso monofónicos, discos que fueron cortados verticalmente y a los que las agujas actuales tienen enormes dificultades para leer, FMA soluciona ese problema permitiéndonos recuperar esas maravillosas grabaciones. 

Hablando sobre quienes usan estos equipos, que son accesibles para el aficionado y profesional que en verdad desea invertir de por vida en la calidad total de audio, uno se queda perplejo. Aquí va una relación de algunos, músicos clásicos y no clásicos, quédense pasmados:

AC/DC, Joan Baez, Chet Baker, John Barry, Arturo Benedetti-Michelangeli, Leonard Bernstein, Alpha Blondy, Luciano Berio, Adriano Celentano, Ray Charles, Miles Davis, Depeche Mode, Georges Delerue, Fleetwood Mac, Herbie Hancock, Billy Idol, Eliahu Inbal, Maurice Jarre, Keith Jarrett, Billy Joel, Julia Migenes-Johnson, Grace Jones, Gene Kelly, Katia y Marielle Labecque, John Mac Laughlin, Michel Legrand, Level 42, YoYo Ma, Branford Marsalis, Pink Floyd, Sir Yehudi Menuhin, Al Di Meola,

Yves Montand, Mike Nichols, Noa, Leo Nucci, Queen, Ruggiero Raimondi, The Red Hot Chili Peppers, Lou Reed, The Rolling Stones, Ryuchi Sakamoto, Lalo Schifrin, Wayne Shorter, Simply Red, Rod Stewart, Sting, Talking Heads, Tears For Fears, U2, Vangelis, Roger Waters y Orson Welles, entre muchos otros. 

FMA nos permite aplicar 84 tipos de RIAA diferentes para que a cada LP de cada estudio se le trate de forma individual, y así restituir el sonido en toda su grandeza, pero si lo aplicásemos con un RIAA standard, que es el que se ofrece en los preamplificadores de fono de las otras marcas, tendríamos una corrección incompleta y en cierta forma incorrecta. Otra maravilla de FMA, que no se encuentra en ningún catalogo de ninguna marca, es el linearizador, que nos permite con solo cinco mandos recuperar todas las frecuencias en tiempo real, analógico, actuando de forma diferente a como lo hacen los ecualizadores. Estos aplican sobre la señal un notch filter, es decir, un filtro selectivo sobre una frecuencia, que como consecuencia altera el feed back que conlleva el aumento o disminución del ruido, y lo que es peor, la alteración de la fase, mientras que los cinco mandos del FMA permiten aplicar una disminución o aumento en unas frecuencias, sin alterar ni su fase ni su feed back. Lo importante es que el timbre de lo que escuchamos no se altera ni en timbre ni en calidad sonora.

Y qué decir de los amplificadores, desde los pequeños en clase A con solo 4,5 kilos de peso, hasta lo de gama superior, solo en potencia, pues todos y cada uno de ellos tienen el mismo timbre y calidad musical. La calidad reproducida de un CD es lo que podríamos llamar “el Santo Grial del audio”. 

INFORMACIÓN ÚTIL

Audio Niuli, distribuidor para España y Portugal

Tel: 971400304

http://audioniuli.com/fm_acoustics/


A LA VENTA EN

Assai Audio

Larra 11, 28004 (Madrid). Tel: 914461238  

info@assaiaudio.com

· Pueden llamar para pedir hora para una audición del equipo completo de FMA.

· El equipo completo de FMA, incluyendo las cajas acústicas, está en exposición continúa en Assai Audio de Madrid.

Sound Sevilla

Carlinga 7, 4º D, 41020 (Sevilla). Tel: 954409150

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El dream team de FM Acoustics al completo, desde cableado, pantallas, preamplificadores, amplificadores y reproductores.

 

Santiago L. Sacristán

Santiago L. Sacristán

Publicado: Enero 2015
Pensando en Albéniz

Santiago L. Sacristán, pianista castellano manchego (natural de Valdepeñas), acaba de sacar al mercado el sexto volumen de la obra completa para piano de Isaac Albéniz en el sello Naxos. Es un pianista versátil que se siente igual de cómodo interpretando música de los clavecinistas (no en vano se declara un gran amante de la música de D. Scarlatti) como de la época actual, aunque manifiesta su debilidad por la música española, y en especial por la figura de Isaac Albéniz. Ha desarrollado su carrera concertística, que comenzó a la edad de 15 años como pianista-solista de la primera orquesta de Castilla la Mancha, tanto en España como en varios países europeos. Entre sus estrenos destaca Cantata in memoriam Op. 72 del compositor Ignacio Morales Nieva, discípulo de Joaquín Turina, cuya parte para piano fue compuesta especialmente para este pianista. El disco que ha sacado con Naxos es la continuación del trabajo iniciado por el pianista Guillermo González para completar la grabación de la obra integral para piano de Albéniz.

Sabemos que uno de los aspectos más cuidados en su disco es el sonido, ¿cuéntenos qué es exactamente lo que ha buscado?

Mi idea, en todo momento, ha sido que la experiencia del oyente resulte más cercana a estar escuchando un concierto que a estar sentado junto a un equipo de música. Sería bonito, aunque se esté frente a una grabación, sentir el piano como un instrumento vivo: poder percibir un sonido más brillante y con mayor relieve y profundidad. Para ello los micrófonos se han colocado a muy corta distancia del instrumento.

Pero eso debe ser muy comprometido para el intérprete…

Sí, porque el sonido no se diluye en la sala, y cada pequeño detalle se escucha con absoluta nitidez. Es verdad que el pianista está más expuesto, pero pienso que el resultado ha merecido la pena, ya que creo que se ha conseguido un sonido limpio, potente y natural. Esto ha sido posible gracias al gran equipo de profesionales que he tenido detrás.

Ha sido una grata sorpresa descubrir en su disco cuatro primeras grabaciones mundiales: la mazurca Recuerdos, el Tercer Minueto, la Mazurca de salón Op. 81 y el Minueto de la Séptima Sonata.

Pues sí, es un material inédito y no deja de ser curioso que hasta más de cien años después de la muerte de Albéniz estas obras no vean la luz. Aunque hay que tener en cuenta que en esta época todavía estaba experimentando, creo que es importante conocer las obras de su primera etapa para poder entender al Albéniz más maduro. En ellas podemos encontrar similitudes con obras posteriores del Albéniz que todos conocemos.

Y también podemos encontrar indicios de autores anteriores…

Efectivamente, así es. Tengamos en cuenta que corría la década de 1880 y estaba absorbiendo y asimilando el estilo de diferentes compositores, para después crear su propio y personal lenguaje que lo ha hecho inconfundible. Así, podemos encontrar rasgos de Chopin en el Vals Champagne, de Schumann en la parte central del Tercer Minueto, o de Liszt en el Estudio Deseo.

Un Estudio que, por cierto, y como apunta usted en su disco, rivaliza en dificultad con los Estudios Trascendentales de Liszt.

Sí, es una obra muy exigente para el intérprete y que conlleva una gran dificultad, y aunque ciertamente es muy lisztiano, yo encuentro en su parte central rasgos del Albéniz más español. 

En su disco aparece también la Suite España, una de las series más conocidas por el gran público, en contraposición a otras piezas del álbum que nos muestran a un Albéniz más desconocido…

Sí, y es que seguramente las melodías más conocidas de Albéniz no sean las que se encuentran en sus grandes obras, sino en otras como España, como puedan ser su Tango en re Mayor o la Malagueña. El propio Albéniz, que comparaba este tipo de piezas con su colosal Iberia, decía que al final de su vida notaba en ellas menos ciencia musical y menos idea grande, pero más calor, más luz del sol y más sabor de aceitunas. Que esa música suya de juventud era como los alicatados de la Alhambra, que no quieren decir nada, pero que son como el aire o como el sol, lo mejor de toda España.

Y con respecto a España, ¿qué cree usted que puede aportar su versión?

He pretendido, ante todo, hacer una versión sincera y cercana a lo que creo que es el pensamiento musical de Albéniz, intentando huir de lo que la gente piensa normalmente que es la interpretación de la música española. Siempre, por supuesto, desde el mayor respeto a la partitura.

Como curiosidad, su disco contiene la primera y la última obra para piano que compuso Albéniz…

Así es, y llama la atención que ambas piezas tuvieran que ver de una u otra manera con la infancia. La primera, la Marcha Militar, porque la compuso a la edad de ocho años, seguramente influenciado por la música que escuchaba de niño en Barcelona, debido a la cercanía de su domicilio con el lugar de ensayo de una banda militar. Y la última, Yvonne en visite!, porque describe el episodio durante el cual una niña, Yvonne, se ve obligada por su madre a interpretar al piano en el transcurso de una visita. Episodio por el que creo que todo músico ha pasado en algún momento de su niñez.

En palabras de Stephen Smoliar, la grabación que usted ha hecho debería ser reconocida por demostrar que Albéniz podría tener sentido del humor...

En efecto, esto lo dice a propósito de Yvonne en visite!, y es realmente en el segundo movimiento donde la pieza tiene un carácter más humorístico, ya que el pianista debe imitar la mala ejecución de Yvonne y transmitir esa torpeza. Esta obra está plagada de indicaciones al estilo de Erik Satie, y es llamativa la última de ellas, que poniendo letra a los compases finales de la obra, reza "Je ne sais pas si l'on saisira!!!" (“no sé si esto será comprendido!!!”) en referencia a la obra. En esta música se puede apreciar un lenguaje más moderno, cercano a Prokofiev, aunque con ecos de Iberia, que nos puede llevar a pensar que si Albéniz hubiera vivido más tiempo posiblemente hubiera entrado en una nueva etapa compositiva con un lenguaje distinto al que había usado hasta ese momento.

¿Qué aceptación está teniendo su disco?

He podido saber que está siendo radiado en Estados Unidos y Francia, y que han aparecido varias críticas internacionales; teniendo en cuenta el poco tiempo que lleva en el mercado estoy bastante satisfecho.

Usted demuestra que es posible compaginar una carrera pianística no sólo con la docencia, sino incluso con la dirección de un conservatorio.

Por supuesto que es posible, yo imparto clases desde muy joven y llevo años dirigiendo el Conservatorio "Isaac Albéniz" de Cabra. Desde niño tenía clarísima mi vocación de intérprete, aunque la de docente vino más tarde, en la última etapa de mi formación académica en la que tuve la inmensa suerte de poder estudiar con Guillermo González, en cuyas clases me contagié del entusiasmo de la docencia. Fue ahí donde me di cuenta de la importancia de seguir transmitiendo los conocimientos que a mí me eran transmitidos: al fin y al cabo, a través de la historia de la música, los intérpretes y los compositores siempre se han dedicado también a enseñar. Además, en esta etapa en la que estoy ahora, en la que mis dos hijas son estudiantes de piano, he descubierto una nueva dimensión de la docencia mezclada con el placer de enseñarles a amar la música.

Entonces en su hogar se respira un gran ambiente musical...

Claro que sí, vivo en una casa de músicos. A mi esposa, que también es pianista, y a mí, nos gusta mantener largas conversaciones sobre música, y nos encanta escucharnos al piano y aconsejarnos el uno al otro.

Para finalizar, Santiago, ¿qué proyectos tiene en este momento?

Hay un proyecto conjunto de los pianistas que estamos grabando la integral de piano de Albéniz para Naxos, que incluye conciertos en España y en el extranjero para difundir la música de este genial compositor; también tengo otro proyecto discográfico que comprende obras de distintos compositores con un hilo conductor, pero de momento no puedo desvelar más.

Muchas gracias. Ha sido placer conocerle y conocer mejor a Albéniz.

+ Info sobre el disco en Naxos.com

Disponible en España desde: Música Directa

 Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 
MAESTRO Y ALUMNO

Devoción por Albéniz

Me siento orgulloso de poder escribir unas letras sobre Santiago. Fue mi alumno desde muy joven en la cátedra que yo dirigía en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Enseguida comprobé que era muy dotado, con una sólida técnica y un enorme deseo de dedicarse entera y profesionalmente al piano. Tuvo que sortear muchas dificultades en esa época, además no vivía en Madrid y se financiaba los estudios dando clases. Aún así, lograba mantener un magnífico nivel en el Conservatorio, tanto en piano como en las numerosas asignaturas preceptivas que se exigían. A su capacidad de aprendizaje unía la humildad y una necesidad verdaderamente envidiable de conocer música. Sobresalía, para mí, por esa sonrisa infantil capaz de encajar las más duras críticas y la mayor exigencia sin aspavientos. En la magnífica grabación que acaba de presentar exhibe una técnica exigente cuando el texto lo requiere y una musicalidad y sonido necesarios cuando es la única vía de comunicación.

Logra interpretaciones muy serias, muy profesionales: brillantes las piezas que lo son, pero también verdaderas joyas musicales en esas piezas aparentemente fáciles que necesitan de un intérprete que las haga “volar”. Creo que es un disco de referencia por su sinceridad, su impecable conducción de la música, su sonido y unos pedales imaginativos e impecables.

Las recientes críticas internacionales así lo expresan.

¡Enhorabuena Santiago!

Guillermo González

Foto: Maestro y alumno, Santiago ha heredado directamente la sabiduría albeniciana de Guillermo González.

 

 

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