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Kissinger Sommer

Kissinger Sommer

Publicado: Septiembre 2015
Música en el corazón de Alemania

Para llegar a la pequeña localidad de Bad Kissingen hay que atravesar en tren un amplio tramo montañoso, de prados y lagos, que va desde Frankfurt hasta la localidad que alberga el Kissinger Sommer, un festival que transcurrió durante el 19 de junio y el 19 de julio. Bad Kissingen es conocida por su Staatsbad (balneario estatal), uno de los más afamados del país y que recibe a todo tipo de aquejosos melómanos e individuos dispuestos a bañarse y a beber sus aguas, de un alto contenido en minerales. Los que asistimos sin dolencias, fueron otros los líquidos patrios ingeridos. Gracias a Frau Schütze, inmejorable guía, conocí los secretos de Bad Kissingen, su regia trayectoria y sus baños termales, así como pude probar algún que otro dulce local tras un desayuno digno de un nibelungo hambriento en el confortable y bello Hotel Kaiserhof Victoria.

Los conciertos tienen lugar preferentemente en el céntrico Regentenbau, edificio que alberga múltiples salas y disciplinas y que dispone de un muy bello auditorio de madera, con mejor acústica en su planta superior, que en los descansos de los conciertos se puede tomar un aperitivo en la terraza, desde donde hay una bella vista de la ciudad. Pero también se desarrollan conciertos a primera hora de la tarde en los patios exteriores, y no conciertos cualesquiera, ya que pude escuchar nada menos que a un extraordinario violinista, Valeriy Sokolov, junto al también excelente pianista Evgeny Izotov, concierto que en cualquier festival tendría su lugar en “horario de máxima audiencia”. Dos músicos que se enfrentaron a dos Sonatas de Beethoven y al viento que, cuando soplaba, era capaz de pasar las páginas como un invisible fantasma. Si Beethoven fue bueno, mejor lo fue la Sonata n. 1 de Bartók y un Tzigane de una creatividad sublime.

En el descanso de esta maravilla de recital pude charlar con Kari Kahl-Wolfsjäger (cazadora de lobos, es la traducción de su apellido), la intendente del Festival, que dejará de serlo en 2016 tras treinta años al frente y como fundadora del mismo. “He tratado de ayudar en todo lo posible a los jóvenes”, afirmaba, reconociendo que dio oportunidades a músicos como Lang Lang, Daniil Trifonov, Cecilia Bartoli, o Igor Levit, hoy reconocidos mundialmente y que cumplen puntualmente con su presencia anual en el Festival, en un gesto de reconocimiento por la ayuda prestada por la señora Wolfsjäger, que supo cazar el talento de cada uno. Aunque se queja de la actitud de ciertas políticas (espero que no dirija nada en España), también reconoció las ayudas recibidas y la bisagra entre Este y Oeste que supuso el Kissinger Sommer, tal y como Bad Kissingen lo fue en su historia.

Conciertos de lujo

Escuchar a un director como Christoph Eschenbach confirma lo que demuestra en cada actuación: es uno de los grandes y rara vez comete un error o afronta una obra desde una óptica equivocada. Excepcional Quinta de Tchaikovsky, repleta de genio y sentido del drama, pero también de belleza en cada frase y con una orquesta que sonó como su prima mayor de Berlín. El Concierto para violín del ruso, que lo precedió, vino con el solista Iskandar Widjaja, talento puro y demasiado exhibicionista, algo teatral y en exceso creativo, pero, al menos, fue una versión distinta al uso. Extraño el concierto con la Bamberger Symphoniker dirigida por el pujante Jakob Hrusa, ya que en la primera parte contó con la arrolladora Khatia Buniatishvili en el Tercero de Beethoven y en la segunda con el tenor Klaus Florian Vogt haciendo sus límpidos Wagner. Khatia es un volcán en el escenario (ver entrevista en este mismo número), creando un Beethoven de mucha intensidad expresiva, muy bien sintonizado con un Hrusa repleto de energía. Vogt, que ha dejado de ser el “niño cantor de Viena” al ensanchar más su voz, despliega sabiduría y un gran sentido del humor, ya que precedió cada actuación con un gracioso comentario, que tuve la suerte disponer de traducción simultánea gracias a Frau Weinberg. Tras este concierto se ofreció un ameno cóctel, músicos incluidos, donde se agradeció la donación desinteresada de amigos del Festival, camino ya de su treinta aniversario.

Foto: El tenor Klaus Florian Vogt actuó en Kissinger Sommer.
Acred: TIM SCHOBER

Próxima edición, 30 aniversario (1986-2016),
del 24 de junio al 24 de julio de 2016
Con Jaroussky, Buchbinder, Hope, Gardiner, W. Meier, Bychkov, G. Sokolov, Grimaud, Jurowski, Bartoli, Lang, etc.

http://www.kissingersommer.de/

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Brillant Magnus Quintet

Brillant Magnus Quintet

Publicado: Julio-Agosto 2015
Por las grutas de cristal

El Brillant Magnus Quintet (BMQ) es un grupo de cámara formado por tres trompetas, piano-órgano y percusión. Esta extraña formación lleva trabajando más de diez años, con casi 500 conciertos a su espalda y 200.000 kilómetros recorridos por toda la geografía española. Sus componentes son los trompetistas Javier Martínez, Luis Martínez y Nacho Lozano, el pianista-organista Carlos Hugo Paterson y la percusionista Eva Sánchez. Acaban de publicar su sexto CD bajo el título “La música de las Grutas de Cristal de Molinos”, que fue presentado al público en la XXXVII Semana de Música de Teruel. El BMQ ofrece una nueva sonoridad que conjuga el brillo del metal con la energía de la percusión, arropados por la majestuosidad del órgano o del piano. Esta formación instrumental permite crear un ambiente sonoro que sorprende por la combinación de los instrumentos, el virtuosismo de sus componentes y la frescura de sus interpretaciones.

¿Con esta formación tan original, qué tipo de concierto pueden ofrecer?

Trabajamos principalmente en dos tipos de espectáculos, porque el concepto de concierto de música clásica hace tiempo que lo abandonamos. El primero es una ¡Fiesta Barroca! Se trata de los conciertos que ofrecemos en los diferentes ciclos de órgano nacionales, donde interpretamos un repertorio esencialmente barroco, y en donde podemos afrontar desde el Oratorio de Navidad o el de Pascua de J.S. Bach, hasta los Conciertos para tres trompetas, timbales, cuerdas y continuo de G.Ph. Telemann, con más de un centenar de arreglos fantásticos escritos “ex profeso” para nosotros de las mejores obras de los maestros barrocos: G. F. Haendel, H. Purcell, D. Buxtehude, A. Vivaldi, M.A. Charpentier, J. de Nebra, A. Soler, etc. El segundo espectáculo es completamente diferente. Lo programamos para auditorios y salas de cámara, donde el BMQ actúa e interactúa con el público. No hay atriles, el humor es el hilo conductor, el piano es ahora el respaldo armónico y las trompetas y la percusión se desarrollan a través de la utilización de los instrumentos de la familia de la trompeta (cornetas, fliscornos, piccolos…) y de la interminable familia de los instrumentos de percusión. El repertorio en este tipo de espectáculos es muy variado y nos sentimos muy bien interpretando en el mismo concierto a M. de Falla, E. Granados, J. Turina, J.Mª Muneta, F. Bastidas, J.M. Montañés, G. Gershwin, L. Anderson, Ch. Mangione, J. Pastorius y un largo etcétera de autores y obras.

Han grabado música de Mozart, Bach, etc. ¿Por qué abordan ahora música española?

Principalmente porque la música española es una apuesta firme del BMQ desde sus orígenes. Nos apasiona la música de nuestros autores contemporáneos. Nos encanta que nos compongan obras y entender e interpretar la música española de nuestro tiempo. En el caso de este disco, el reto era doble ya que la partitura original es el Cuarteto para cuerdas XV Op. 308 de J. Mª Muneta, titulado “Las Grutas de Cristal”. Participamos en el XII Ciclo de Música y Palabra de la localidad de Molinos en Teruel, y quedamos tan prendados de sus Grutas de Cristal, que sentimos la necesidad de unir nuestro nombre al de la bella localidad turolense. Al encontrar esta partitura de Muneta escrita en el año 2006 y dedicada a las Grutas, se cerró el círculo.

¿Se atreve un grupo principalmente de viento-metal a abordar repertorio de cuarteto de cuerda?

El BMQ hace tiempo que se quitó el complejo que se puede tener cuando se interpreta con una trompeta. Este grupo tiene como aspiración el virtuosismo. Trabajamos con mucha pasión para salvar cualquier obstáculo o limitación instrumental. Nos encantan los retos y estamos acostumbrados a desarrollar con nuestros instrumentos casi todos los instrumentos de la orquesta. En este CD, por ejemplo, las trompetas hacen “dobles cuerdas” y “pizzicatos” de los violines y también se puede escuchar pasar el arco de la viola a través del fliscorno.

¿Qué otros proyectos tienen?

Nuestro objetivo principal es tocar en público. Ofrecer nuestro trabajo en directo. Seguimos ampliando repertorio y adaptándonos a las necesidades del mercado. También preparamos conciertos didácticos y realizamos un curso de verano que camina hacia su VI edición, ofrecemos máster class y preparamos la siguiente grabación que será de música de compositores españoles que han compuesto para nosotros.

www.brillantmagnus.com

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Por: Lucas Quirós

Isasi Quartet

Isasi Quartet

Publicado: Julio-Agosto 2015
Abriendo puertas al cuarteto de cuerda

Karsten Dobers, miembro fundador del Isasi Quartet e impulsor y supervisor artístico de la reconstrucción y proyecto de grabación de la obra completa para cuarteto de cuerda de Andrés Isasi, publicada por Naxos, nos habla del compositor.

¿Cómo surgió Isasi como nombre del grupo?

Isasi Quartet se identifica en muchos aspectos con la música de Andrés Isasi, que expresa una fusión entre la profundidad y complejidad de la cultura alemana y el lirismo y la sensualidad meridionales. Por eso elegimos el nombre. Los miembros del cuarteto reflejan en sus nacionalidades y en sus sensibilidades estos aspectos distintivos de la cultura alemana y mediterránea. El Cuarteto ha mostrado, desde el principio de su creación, un firme compromiso por la recuperación y revalorización de compositores de principios del siglo XX injustamente olvidados. Siguiendo esta línea, nuestros siguientes proyectos de grabaciones contemplan la integral de compositores franceses, belgas, alemanes y húngaros, coetáneos de Isasi, con nuevas grabaciones para Naxos, en colaboración con la Bayerischer Rundfunk. En este sentido, Isasi, se ha convertido en el emblema del cuarteto y de nuestro deseo por recuperar y reivindicar grandes músicos olvidados.

¿Es Isasi un compositor que ha sido relegado injustamente a un segundo plano?

Absolutamente. El contexto histórico, tras su muerte, no le ayudó en absoluto: fallece en 1940, recién finalizada la Guerra Civil española y al comienzo de una posguerra muy dura. La Segunda Guerra Mundial ya había comenzado. Su figura queda sepultada, como la de muchos compositores que empezaban a destacar, bajo las ruinas de dos grandes conflictos bélicos a nivel nacional e internacional. Isasi no estuvo respaldado por ninguna institución, componía porque era su pasión, su verdadera vocación. Además, tenía una situación económica desahogada. No necesitó componer para sobrevivir. Tuvo una vida discreta y recogida en su palacete de Algorta. Y esta reclusión, al regresar de Berlín en 1914, es un factor más a tener en cuenta, al no contar con intérpretes, agentes ni programadores que ayudaran a difundir su obra y mantenerla en el repertorio canónico. De ahí nuestro deseo por reivindicar su figura y su obra.

Según Ramón Rodamiláns: “El interés que Andrés Isasi manifestó por la música de cámara, en concreto por la composición de cuartetos de cuerda, lo distingue notablemente de la mayoría de sus compatriotas contemporáneos que, salvo Conrado del Campo, hicieron muy limitadas incursiones en este terreno. La triste ironía es que Andrés Isasi sólo pudo escuchar dos de los ocho Cuartetos que escribió”.

Fernando Delgado García, desde la Revista de Musicología, afirma: “Tanto por extensión como por calidad, el ciclo cuartetístico de Andrés Isasi ocupa un lugar de privilegio en el panorama español de su tiempo y hay que celebrar, con entusiasmo, su rescate”

Isasi está, si no me equivoco, de aniversario…

2015 coincide, curiosamente, con su doble aniversario (1890-1940), ya que se cumple el 125 aniversario de su nacimiento y el 75 de su muerte. Para conmemorarlo, hemos presentado el tercer y último volumen de la integral para cuartetos de cuerdas, publicados por Naxos, además de una edición en DVD de su vida y obra, que contiene la interpretación de piezas inéditas de su catálogo compositivo. La Sociedad Filarmónica de Bilbao (sede del estreno del Cuarteto n. 0 en 1908, y el estreno póstumo del n. 5, en 1942) nos invitó a la celebración con un doble programa: dos conciertos que tendrán lugar los próximos días 27 y 28 de octubre, en los que nos hemos reservado el estreno en España de dos de sus Cuartetos y de tres piezas más. Es lo mejor que podemos hacer para reivindicar su figura y su obra. Nos encantaría poder llevar este proyecto por más salas de conciertos en España y en otros países europeos, especialmente en Alemania, porque su música merece ser recuperada y divulgada.

¿Quién es Isasi?

Como miembro de un cuarteto de cuerda y como profesor del Centro Superior de Música del País Vasco - Musikene, hace tiempo que siento un especial interés por las obras para cuarteto escritas por compositores vascos. Así, a lo largo de los años, he interpretado en diversos países los Cuartetos de Arriaga, Usandizaga o Ravel (si lo incluimos también, por parte materna), entre otros. Pero cuando me topé con los cuartetos de Isasi, inmediatamente supe que había encontrado una obra especial y muy particular. Curiosamente, yo (un músico alemán afincado en Euskadi) había reencontrado los trabajos del compositor vasco más vinculado a la cultura alemana. Isasi, alumno en Berlín de Karl Kämpf y Humperdinck, cultivó durante toda su vida una gran admiración por la cultura alemana. En todos los cuartetos compuestos en su palacete de Algorta,  incluyó siempre las indicaciones en alemán, como en casi todo el resto de sus partituras anteriores y posteriores. Fue una personalidad compleja, así que el acceso a la interpretación de su música siempre es un trabajo difícil. Entre los años 2007 al 2013, llevé a cabo un enorme trabajo de investigación, recuperación y reconstrucción antes de poder interpretar sus obras, debido a que el material disponible estaba muy desordenado y a que otras partes directamente se habían perdido.

Compositor de fuerte influencia germana…

Los dos conciertos que presentó en Bilbao en 1908 la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Richard Strauss, tuvieron una gran importancia en la decisión de irse a estudiar a Alemania. Como dice Ramón Rodamiláns en su libro sobre la Sociedad Filarmónica de Bilbao: “Strauss era, sencillamente, el compositor más importante que había visitado Bilbao en sus seis siglos de historia”. También creo que el fuerte impacto que debieron de dejar Don Juan y Till Eulenspiegel, que Strauss presentó en estos conciertos, llevó a Isasi a cultivar particularmente este género durante su época de Berlín. Isasi obtuvo sus primeros éxitos en Berlín con el estreno de sus obras orquestales, interpretadas por la Blüthnerorchester bajo la dirección de Bruno Weyersberg. El compositor Heinz Tiessen (maestro y profesor de Sergiu Celibidache) escribía en 1914 en el Allgemeine Musik Zeitung a propósito del estreno del poema sinfónico El amor dormido: “El talento y las indudables y sutiles cualidades musicales del joven compositor [Isasi] son incuestionables”. En Berlín, Isasi se hace amigo del prestigioso pianista Emeric Stefaniai (futuro director del Conservatorio de Budapest y fiel intérprete de sus obras para piano). Podemos suponer que en esta misma ciudad conoce también a Julius Ruthström, puesto que la segunda versión del Cuarteto n. 1 sería estrenada en Estocolmo, en 1914, por el Cuarteto Ruthström. Julius Ruthström había sido uno de los alumnos predilectos del gran violinista y amigo de Brahms, Joseph Joachim. También fue un intérprete siempre preocupado en difundir a los autores contemporáneos.

Pero las guerras le tocaron de lleno…

Esta es la incipiente carrera internacional, luego lastrada y sepultada por los conflictos bélicos. Porque, una vez más, el estallido de la Primera Guerra Mundial le obliga a regresar de Berlín, en 1914. No obstante, Madrid presencia el estreno de su Sinfonía n. 2, en 1918; en Bilbao se estrenará Mendigos al sol, en 1925. En Budapest se estrena en 1930 su obra para coro Angelus Domini, gracias al compositor húngaro Desiderius Demenyi, quien escribió en una carta dirigida a Isasi: “Esta es la música más difícil que jamás haya ensayado, pero al mismo tiempo es la más bella y admirable. Daría todas mis obras a cambio de haber escrito el Angelus”. Budapest también fue testigo de la presentación de su Sinfonía n. 2, en 1931. Su amigo íntimo Joaquín de Zuzagoitia lo define así: “La vida de Andrés Isasi fue una vida recoleta, entregada a su perfeccionamiento espiritual, en el que la música fue el vehículo. Huyó de cualquier exhibición. Fue la suya una existencia casi sin episodios, toda ella alma hacia adentro. Se puede decir que vio el mundo de rodillas ante el Creador y su obra. Para él (de espíritu franciscano) la naturaleza era la voz de Dios, y para ella era todo oídos”.

¿Qué respuesta está teniendo su música?

Los tres volúmenes que conforman la integral de sus Cuartetos de cuerda que hemos grabado para Naxos, han sido aplaudidos unánimemente por la crítica internacional y la prensa especializada, siendo programados al momento por las emisoras de radio internacionales.

Háblenos del proyecto Naxos de sus Cuartetos de cuerda…

El primer volumen combina el Cuarteto n. 0, obra de juventud, con un aire ligero y optimista, compuesto con 17 años, con el n. 2, de poderoso aliento sinfónico, compuesto con 30 años. El segundo volumen incluye el n. 4, de clima pastoral, combinado con obras inacabadas (falta el último movimiento del Cuarteto n. 3), además de otras piezas como el Scherzetto, el Aria y el Preludio “Jinete de Abril”. El tercer volumen incluye el temprano n. 1, compuesto en Berlín, a la búsqueda de un lenguaje y estilo personal, en contraste con el n. 5, su obra mejor acabada y definida. Para completar el volumen, Anna Bohigas, primer violín del Isasi Quartet, ha grabado con la pianista Marta Zabaleta la Sonata para violín y piano. El orden, pues, atiende a la variedad y contraste, que da cuenta de sus diferentes etapas compositivas y estilos. Las pinturas que ilustran los tres CDs están relacionadas con sus gustos personales, ya que era amante de la pintura, amigo de pintores, en especial de Zubiaurre, y miembro de la Asociación de Artistas Vascos. Hemos grabado los tres CDs en una sede con un alma y un ambiente muy especial: el Chateau de Arcangues, cerca de Biarritz. Antes que nosotros, en la sala de música del siglo XVIII, músicos como Stravinsky, Ravel, Rubinstein o Thibaud dieron recitales. Durante la grabación pudimos sentir siglos de historia acumulada en ese lugar…

Por último, ofrecerán esta música en la Quincena Musical Donostiarra…

Será en un lugar muy especial: es la primera vez que tenemos como marco de concierto el Auditorium del Aquiarium de Donostia, con un programa muy contrastado, donde el Cuarteto n. 0 de Isasi convive con un Cuarteto de Tomás Aragüés, compuesto en el año 1989, y el Cuarteto n. 1 de Smetana. El público que asista descubrirá que la música de Isasi es muy diversa, inspirada, versátil. Compuso una obra de clara inspiración en el postromanticismo alemán, pero con una personalidad propia, profunda y compleja, con una inmensa imaginación y un gran ingenio, que era difícil de detener. Cada uno de sus Cuartetos tiene un carácter muy diferente. Tengo la impresión de que Isasi había inventado una historia para cada Cuarteto y, luego, puesta en música esta historia. Podemos sentir en su música la poesía propia, la calidez, la ternura y la sensibilidad de Isasi, sobre todo en los movimientos lentos que irradian una cierta profundidad religiosa.

Gracias por este descubrimiento. Ha sido un placer.

http://www.isasi-quartet.com/

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 

Melani Mestre

Melani Mestre

Publicado: Julio-Agosto 2015
Descubriendo el Concierto para piano de Granados

El sello Hyperion ha publicado su volumen 65 de la serie “Romantic Piano Concertos”, dedicado a Conciertos pianísticos de Albéniz y Granados, donde el pianista barcelonés Melani Mestre interpreta en primicia mundial el Concierto para piano en do menor “Patético” de Granados, junto a la BBC Scottish Symphony Orchestra, con la dirección de Martyn Brabbins. 

Sin duda una de las grandes sorpresas en este CD es la primera grabación discográfica de un Concierto para piano inédito de Granados. ¿Cómo es posible que hasta la fecha desconociéramos dicha obra?

Es conocida en nuestro país la falta de salud de la que goza la música española en general y, en particular, la música de una determinada época, principalmente entre los siglos XVIII y XIX. Tanto por la insuficiente labor de investigación, edición y publicación como por la falta de programación del repertorio clásico de los grandes compositores y de otros no tan grandes, pero igualmente importantes. Hay una gran desconexión entre la Historia de la Música española y aquella que se programa de vez en cuando en la mayoría de ciclos sinfónicos en nuestro país. Un caso ejemplar es este Concierto para piano y orquesta, subtitulado “Patético”, que Granados dedicó a Camille Saint-Saëns y que empezó a escribir en 1909 con el propósito de estrenarlo el mismo, y que debido a un auténtico sabotaje, abortó su transcripción ante la falta de oportunidades de presentarlo en público.   

¿Hay constancia de que Granados escribiera esta obra para estrenarla él mismo y que fuera saboteada?

Así es, nadie es profeta en su tierra... Desgraciadamente, Granados cuenta toda la historia en una carta fechada en enero de 1909, dirigida a su íntimo Isaac Albéniz, calificando esta situación de “marranada” y de sabotaje. Es lógico pensar que un gran pianista y compositor como Granados escribiera un concierto a imagen y semejanza de aquellos precedentes decimonónicos que, tomando el perfil más romántico y bohemio del XIX, componían obras para su propio uso y disfrute, tal es el caso de Albéniz, Cassadó, Malats y de ejemplos conocidos por todos, como Chopin, Schumann, Saint-Saëns, Liszt, Rachmaninov...

Entonces, ¿Granados no llegó ni a terminar ni a estrenar dicho Concierto?

Efectivamente. Granados dejó casi completo un primer movimiento de casi 19 minutos a dos pianos, aunque dentro del mismo documento, conservado en el Fondo Granados de la Biblioteca de Cataluña, hay una partitura orquestada de unos 80 compases que deja bien clara la orquestación de toda la exposición y parte del desarrollo, así como la plantilla orquestal inicial que quiere utilizar para esta obra. No podemos hablar de fragmentos cuando hay casi escrito más del 90% del primer movimiento y una parte inicial, de apenas página y media, del segundo. Granados sencillamente estaba transcribiendo toda la obra ya compuesta en su mente para poder realizar el estreno en pocas semanas, pero al boicotearle la presentación, en la cual también iba a interpretar la Ballade de Fauré, dejó para más adelante, posiblemente, la tarea de terminar de transcribir su Concierto, a falta de oportunidades en España.

Tal como consta en la partitura publicada por la editorial Boileau y en las notas explicativas del CD, usted ha recuperado y reconstruido esta obra que acaba de grabar…

Al margen de esta grabación, junto al Concierto Fantástico y la versión original orquestada por el autor de la Rapsodia Española de Albéniz, mi tarea como investigador y difusor en particular de la música española, tanto como pianista como director de orquesta, ha sido la de recuperar este magnífico Concierto “Patético”, utilizando el 100% del material musical que Granados dejó en su manuscrito, realizando una labor de restauración y recuperación de aquellos compases últimos que enlazaban con el segundo movimiento y realizar el resto de la orquestación, que en muchos casos Granados dejó anotada en la partitura de dos pianos. Dicho esto, y siguiendo el criterio de Granados de proseguir con un segundo, y posiblemente un tercer movimiento, añadí al movimiento original dos otros movimientos confeccionados a partir de obras del mismo compositor para poder ofrecer la idea original de un concierto romántico estructurado en los tres movimientos típicos, teniendo en cuenta el material temático y estilo del movimiento original, siempre matizando que los dos últimos siguen tanto el criterio establecido en muchas otras obras restauradas y recuperadas, como el hecho de que no son originales de Granados en dicha forma.

Esta fascinante labor de restauración, reconstrucción y adaptación nos permite disfrutar de un repertorio inaudito e insólito…

El hecho de recuperar esta obra nos hace pensar en la cantidad de obras que nos aguardan y quedan por descubrir e incorporar en los programas de concierto habituales tanto en nuestro país como fuera de él. El hecho de que no sean conocidas y estén acabadas, no significa que no existan. Muestra de ello es el interés de la BBC como de Hyperion para llevar a cabo el proyecto. El Concierto de Granados fue estrenado en Ucrania en 2010 y ya fue interpretado en Finlandia el 2014, con la Filarmónica Estatal de Karelia, y hace pocas semanas tuve la oportunidad de estrenarlo con la Orquesta Filarmónica Ciudad de México y el maestro titular José Areán a la batuta, recibiendo una muy calurosa acogida por el público y la crítica especializada. En el disco, la BBC Scottish Symphony Orchestra ha sido una auténtica bendición para este repertorio, así como la batuta del eminente director Martyn Brabbins. Esto motiva seguir defendiendo un sinfín de repertorio español, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, alentando también a la comunidad educativa a tomar nota de estas magníficas obras para ser incorporadas de forma habitual en los programas de piano de nuestros conservatorios sin el perjuicio de que, por que sean compositores autóctonos, no tengan el interés o la calidad suficientes. Por supuesto que un estreno en nuestro país sería la forma más adecuada y normal de combatir la indiferencia y desconocimiento ante nuestro propio patrimonio musical.

Lo esperamos. Gracias por su tiempo.
.

http://www.musicmasters.es/artistas/pianistas/melani-mestre/

http://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA67918

Por: Lucas Quirós

Francesco Parrino

Francesco Parrino

Publicado: Julio-Agosto 2015
El detective violinista

Francesco Parrino realizó sus estudios de Música y Humanidades en el Conservatorio “Giuseppe Verdi” de Milán, en la Hogeschool voor de Kunsten de Utrecht, la Royal Academy of Music de Londres, así como en la Royal Holloway de la Universidad de Londres, donde completó un PhD en Musicología. Como violinista, ha sido alumno de Yfrah Neaman (pupilo de Carl Flesch, Max Rostal y Jacques Thibaud) y David Takeno (alumno de Yfrah Neaman y Emanuel Zetlin, y miembro fundador del Cuarteto de Tokyo). Es profesor del Conservatorio “Niccolò Paganini” de Génova, desarrollando su carrera como solista y músico de cámara (la mayoría de estas ocasiones junto a su hermano el flautista Stefano Parrino). Es el director artístico del International Festival-Masterclass LeAltreNote, que se celebra anualmente entre agosto y septiembre en Valtellina, en un precioso valle en los Alpes italianos, en la frontera con Suiza.

Estimado Francesco, ¿háblenos de su último disco dedicado a Henri Vieuxtemps?

Mi nuevo disco presenta obras para violín solo de Henri Vieuxtemps. Son primicias mundiales de las cuales estoy muy orgulloso y satisfecho, porque pienso sinceramente que estas obras son muy valiosas, en especial la serie llamada Morceaux Op. 55, que evidencian el interés de Vieuxtemps (cuya traducción al español es curiosamente “viejos tiempos”) en la polifonía de Bach y transmitida a su pupilo Eugène Ysaÿe en sus 6 Sonatas para violín solo. Estos Morceaux son técnica y musicalmente muy complejos, fundiendo la polifonía de Bach con su deuda con el Romanticismo (en particular de Mendelssohn y Schumann). Las otras obras incluidas en el disco son los Études de concert Op 16, los cuales nacieron, creo, fruto de su juvenil entusiasmo por Niccolò Paganini, que Vieuxtemps pudo escuchar en Londres en 1834. Están bañados por un estilo más clásico, en la línea de Charles de Beriot y Louis Spohr. Son una serie de piezas independientes, una de ellas un Adagio, cuyo autógrafo descubrí en la biblioteca del Real Conservatorio de Bruselas.

Este Vieuxtemps formará parte de su repertorio en los conciertos, además de sus habituales programas…

Además de las obras habituales para un violinista y de la música de cámara, que adoro tocar, a la que añado ahora este Vieuxtemps, siempre he sentido atracción por las obras inexploradas de importantes compositores. Para este trabajo me han ayudado mucho mis estudios musicológicos (después de todo, el musicólogo no deja de ser un detective musical, un espeleólogo de la Historia de la Música), que han ejercido una importante influencia en mi curiosidad sobre lo desconocido o ignorado en el actual desarrollo de la música y su repertorio. De este modo intenté dar lo mejor de mí con algunos de los mayores compositores italianos del siglo XX, como Bruno Bettinelli, Luciano Chailly, Franco Donatoni, Giorgio Gaslini, Giorgio Federico Ghedini y Gian Francesco Malipiero, así como de los más destacados violinistas-compositores del siglo XIX, como Louis Spohr y Henri Vieuxtemps.

¿Y estos trabajos tendrán su fruto discográfico?

Sí, estas recuperaciones y primeras grabaciones mundiales han sido grabadas en el mismo sello en el que ha grabado Vieuxtemps, el sello italiano Stradivarius.

No me resisto a preguntarle sobre los instrumentos que toca o tiene, los violinistas son muy cuidadosos con estas cosas…

Pues sí, es cierto. Poseo dos violines, un Gaetano Gadda hecho en Mantua sobre 1930 y un Giacomo & Leandro Bisiach construido en Milán en 1967. El Gadda es de sonido diríamos que marcadamente cálido, profundo y dulce, mientras el Bisiach es más brillante y claro. También soy muy afortunado por haber recibido en préstamo un delicioso Giuseppe & Antonio Gagliano, construido en Nápoles entre 1790 and 1805. Pertenece a los herederos del gran director y compositor Gino Marinuzzi. Grabé los discos de Vieuxtemps y Spohr con este violín, el cual tiene en las sonoridades más agudas ese sonido típicamente italiano, que canta con un tono de plata, mientras el medio y registros bajos están caracterizados por un timbre expresivo parecido a una contralto. También me gustaría mencionar los arcos que empleo, ya que su uso es un factor determinante a la hora de encontrar y conseguir mi sonido. Tengo el placer de emplear dos arcos de Benoit Rolland, al que considero el mayor fabricante vivo. También poseo un precioso Eugène Sartory, hecho en la década de 1930, que me fue dado por un admirador anónimo: hace unos años, el cartero me entregó un paquete en forma de tubo con una pequeña tarjeta sin firma. Aún no he sido capaz de descubrir la identidad de este generoso donante y amigo. Es una historia con un cierto romanticismo que la hace muy emotiva.

Háblenos de sus proyectos más inmediatos…

En agosto el sello Brilliant Classics editará mi nuevo disco (un doble CD), que contiene los Cuartetos con flauta de Giuseppe Cambini, grabados por el Quartetto DuePiùDue (formado por Stefano Parrino, Claudio y Alessandro Andriani, y por mí). Esta es la primera grabación mundial. La música de Cambini es deliciosa y, en su momento, fue conocida por su estilo pre-schubertiano. En otoño, junto con mi hermano Stefano y el pianista Maud Renier, grabaremos para Brilliant las obras completas para violín y piano y flauta y piano de Leo Ornstein, un maravilloso compositor del siglo XX cuya música debería recibir más atención de la que ha recibido y recibe. Hay todavía más proyectos, pero espero que usted sepa perdonar la discreción del detective-violinista para mantener el secreto.

Siendo un detective-violinista, sus pesquisas se convertirán en música para nuestro placer. Gracias. 

http://www.violinandflute.com

http://www.lealtrenote.org

https://www.facebook.com/violinandflute?ref=bookmarks

http://conservatoriopaganini.org/

Por: Lucas Quirós

 

International Diaghilev Festival 2015

International Diaghilev Festival 2015

Publicado: Julio-Agosto 2015
In memoriam Shostakovich

Perm, la ciudad situada en el corazón de Rusia, a los pies de los Urales y a orillas del río Kama, es la última ciudad de Europa y puerta de entrada a Asia. Fundada en el siglo XVIII por el zar Pedro I Alexéievich, llamado el Grande, es “la ciudad de canteras de mármol, salinas, yacimientos de platino, oro y minas de carbón”, de la que habla Miguel Strogoff, “donde los viajeros revenden sus vehículos tras un largo trayecto por las llanuras de Siberia y donde quienes pasan de Europa a Asia compran trineos antes de lanzarse por espacio de varios meses a través de las estepas”. Perm es la ciudad en la que Pásternak ideó Doctor Zhivago y que en la novela aparece bajo el nombre ficticio de Yuriatin, el escenario de los encuentros del joven médico y poeta Yuri Zhivago con Larisa Fiódorovna (Lara).

Renombrada como Mólotov en época de Stalin, fue ciudad-fortaleza dedicada a la industria militar y durante décadas desapareció de los mapas soviéticos, convirtiéndose en una “ciudad cerrada” y oculta al mundo. Pero en los últimos años, la ciudad de los Urales ha hecho todo lo posible para enterrar la imagen de antigua capital industrial rusa y lucha por reinventarse a sí misma como centro  cultural y artístico, dispuesta a rivalizar con San Petersburgo y Moscú. La cultura se ha convertido en el sector de desarrollo que impulsa la ciudad. Sede de una quincena de festivales, no es casualidad que el Perm Opera and Ballet Theatre decidiera en 2003 organizar el primer festival del país dedicado al fundador de los Ballets Russes, Sergei Diaghilev, dado que aquí pasó su infancia y juventud, y la ciudad alberga la única casa-museo del legendario empresario. Además, el edificio del teatro fue erigido gracias al apoyo financiero de la familia Diaghilev.

Festejando a Diaghilev

El festival que festeja a Sergei Diaghilev, originalmente llamado “The Diaghilev Seasons: Perm- Saint Petersburg-Paris”, adoptó en 2012 su actual denominación como “International Diaghilev Festival”.  Lo que distingue al Festival de Perm de otros festivales no es solo la singularidad del lugar, sino también la amplia variedad de géneros que abarca. La implicación del prominente mecenas y empresario en un amplio arco de actividades relacionadas con el drama, la ópera, el ballet, la música, el arte…, es la base estructural sobre la que se asienta el programa multidisciplinar de un festival, que incluye estrenos de ópera, ballet y danza contemporánea, exposiciones de arte, conciertos sinfónicos, música de cámara, órgano, jazz, documentales, conferencias… Un festival que aúna eventos artísticos con proyectos de investigación como el Simposio Internacional, que congrega a destacados artistas, compañías de ballet rusas y extranjeras, investigadores y críticos internacionales, que este año estuvo dedicado al compositor de San Petersburgo, Dmitri Shostakovich.

La gala inaugural tuvo lugar el 21 de mayo en el Perm Opera and Ballet Theatre (uno de los teatros más antiguos del país, conocido en Perm como “Casa Tchaikovsky”), bajo la batuta del director artístico del festival, Teodor Currentzis y su director de coro Vitaly Polonsky, entre ovaciones y aplausos, para el doble espectáculo de la revista musical Hypothetically murdered, en la que el compositor hace un uso heterogéneo de géneros que van desde el jazz al music hall, auto-citas, canciones populares, etc. Y Orango, la ópera inacabada de Shostakovich y perdida durante años, hasta que en 2004 la musicóloga Olga Digonskaya encontró el manuscrito para voz y piano del prólogo, en el Museo Glinka de Moscú. Dos años más tarde, la viuda del compositor, Irina Antonovna Shostakovich (presente en la gala y activa colaboradora en el festival de este año), encargaría la orquestación de la música a Gerard McBurney. El coreógrafo Alexey Miroshnichenko, actual director del ballet de la Ópera de Perm, debutó como director de escena en este doble proyecto, tomando como referencia los bocetos teatrales de la fundadora del constructivismo ruso, Alexandra Exter, para recrear unos años treinta al más puro estilo Soviet Lubok, que hizo las delicias del público que abarrotó el teatro.

Gala del violín

Al día siguiente, el museo-casa Diaghilev fue el escenario de “la gala de violín”, donde a oscuras y sentados en el suelo, asistimos a un viaje musical con la música seleccionada por los propios intérpretes, en la que destacó la magnífica interpretación de la violinista alemana Carolin Widmann. Con la intensa y controvertida Kopatchinskaja viajamos a través de los siglos XVIII, XX y XXI, y con la serena interpretación de Ilya Gringolts, de los Capriccios de Paganini a Sciarrino. Kopatchinskaja volvió a ser la estrella junto a su habitual pianista Markus Hinterhäuser del extraordinario concierto, que tuvo lugar en la Perm Philharmonic, dedicado a la alumna favorita de Shostakovich, la compositora rusa Galina Ustvolskaya.

Otro de los platos fuertes del festival fue la actuación de la multipremiada Akram Khan Dance Company, con su espectáculo Kaash (elegido como mejor espectáculo de danza en Francia-2002), con música del compositor británico Nitin Sawhney y coreografía del gurú de la danza moderna, Akram Khan, que trasformaron la narrativa en movimiento, dando al Kathak (danza milenaria hindú) una nueva dimensión, a veces sin más acompañamiento que el silencio. La música del compositor ucraniano Leonid Desyatnikov y la Sinfonía n. 5 de Mahler, a cargo de la Orquesta del Festival (Musica Aeterna) bajo la batuta de su director Teodor Currentzis, clausuraron el International Diaghilev Festival 2015.

http://diaghilevfest.ru/en/

Por: Lorena Jiménez

Herbert Schuch

Herbert Schuch

Publicado: Julio-Agosto 2015
Pianista por convicción y talento

En un momento, como el actual, en el que la caída de la venta de discos es una realidad, un nutrido grupo de fans espera con impaciencia cada nueva versión de Herbert Schuch. Nacido en la ciudad transilvana de Temesvar hace 36 años, el nombre del pianista alemán de origen rumano saltó a la escena internacional cuando en el mismo año ganó los primeros premios de tres célebres concursos: The London International Piano Competition, the International Beethoven Piano Competition (Viena) y el Casagrande de Terni (Italia). Tras su aspecto juvenil, se oculta uno de los pianistas más sobresalientes de su generación y su inteligente y selecta trayectoria discográfica ha sido galardonada con los más importantes premios; disfruta del aplauso del público y la crítica internacional por la solidez de sus directos, comparte escenario con importantes figuras y célebres orquestas, y se ha convertido en nombre fijo de las más importantes salas de conciertos y festivales internacionales. Recientemente pudimos verle en el Auditorio Nacional de Madrid junto al Cuarteto Leipzig y en su recital en el Auditorio de Santiago de Compostela. En vísperas de su actuación en el Festival de Salzburgo, Herbert Schuch habla en exclusiva para RITMO. 

Tras presentar su último CD Invocation, recientemente elegido por la crítica alemana como uno de los mejores discos de 2015, en varias salas de conciertos de Europa y América, el próximo 21 de julio lo hará en el marco del Festival de Salzburgo…

Es algo estupendo, porque los colegas que tocan allí son grandes músicos: desde Schiff hasta Sokolov, Uchida…, gente que me han acompañado desde mi infancia. Recuerdo cuando escuchaba los Conciertos de Mozart de Uchida, en la época en que yo empezaba a tocar esos mismos Conciertos, así que tocar en el mismo ciclo de recitales junto a estos nombres es muy especial, además de lo que ya significa de por sí tocar en Salzburgo, y la  sala del Mozarteum; una sala ideal para acercar al público a este programa.

En Salzburgo, el año pasado interpretó las tres últimas Sonatas para piano de Schubert en un mismo concierto, un auténtico desafío para cualquier pianista…

Sí, bueno… Realmente la preparación del proyecto es siempre lo más difícil, es decir, conseguir esa calidad musical para luego poder transmitirla en el concierto,  porque tienes que planificar exactamente cada segundo de lo que se hace. También hice otros grandes proyectos como, por ejemplo, tocar todos los Conciertos de Beethoven en dos días… Pero todo es cuestión de prepararse bien; luego resulta maravilloso poder vivir eso en el escenario, porque el público te transmite una energía muy diferente a la que recibes cuando estás ensayando solo.

Su disco con obras de Janácek y Schubert fue distinguido con 5 estrellas en la revista BBC Music Magazine; según Brendel “tocar Schubert es como caminar con los ojos cerrados”, ¿qué significa Schubert para Herbert Schuch?

Con la música de Schubert tengo la sensación de que el trabajo nunca está terminado  del todo, cuando tienes una cosa solucionada, de repente, te aparece otra que todavía tienes que solucionar. Pero es una gran satisfacción trabajar estas obras. No es una tarea fácil llegar al público con obras tan íntimas, que no tienen el carisma de las Sonatas de Beethoven, salvo excepciones como, por ejemplo, la Fantasía Wanderer, una pieza muy virtuosa. Pero para mí, que me gusta buscar colores, atmósferas, etc., la música de Schubert es ideal.

Entre los muchos aplausos que ha recibido como auténtico pianista schubertiano, recuerdo una crítica en la revista DrehPunktKultur, en la que se calificaba como ejemplar su interpretación de los 4 Impromptus D 935 e incluso se le comparaba con Sokolov…

Sí, esa interpretación fue dentro de ese ciclo completo de seis conciertos que hice en Salzburgo, en los que interpreté casi toda la obra pianística de Schubert, tratando de combinar sus grandes obras para piano con las de Janácek. Me alegra que me hayan comparado con Sokolov. Lo admiro mucho, pero creo que nuestra forma de tocar es bastante distinta.  

Invocation incluye piezas de Bach, Liszt, Ravel, Messiaen y Murail, compositores de estilo y época diferentes. ¿Por qué decidió unirlos en un mismo programa?

Siempre me gustó el sonido de las campanas de la iglesia. Por esa razón, surgió la idea de elaborar un programa en torno a ese tema. Bach, Liszt y Messiaen tienen una vinculación religiosa; Ravel y Tristan Murail compusieron fantásticas obras para piano que imitan perfectamente el sonido de las campanas. Se puede comparar con la sensación de hoy en día cuando entras en una iglesia, cuya construcción se inició en época románica, pero que tiene añadidos góticos, e incluso una escultura moderna de una cruz, es decir, hay elementos de diferentes estilos, pero cada elemento artístico que se ve en esas iglesias tiene un objetivo concreto. En ese sentido, este programa trata de recrear una visita musical en una iglesia, de manera que el oyente pueda sentir diversas formas de religiosidad, de campanas, de sonidos… Creo que esto es mucho más interesante que escuchar solo a un compositor…

Además de recitales para piano solo, colabora habitualmente como solista invitado de destacadas orquestas como, por ejemplo, la WDR, con quien en 2013 ganó el ECHO KLASSIK por el Concierto para piano Op. 25 de Viktor Ullmann, como mejor grabación del año de un concierto del siglo XX…

Tocar como solista un concierto para piano es muy diferente a interpretar obras para piano solo, porque una buena parte del trabajo comienza cuando me reúno con el director para hablar del enfoque de la obra y, a veces, es muy interesante cuando trabajas con nuevos directores. Hace poco hice el Concierto para piano de Ullmann en Turín con la Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai y John Axelrod, y fue asombroso tocar este Concierto con él, porque tenía magníficas ideas, que me permitieron refrescar las que yo tenía de esta obra. Como solista siempre se agradece tener en el podio a un director que te inspire y te aporte una nueva energía, eso hace que director y solista se beneficien mutuamente del trabajo conjunto… Y tocar el Concierto de Ullmann ha sido muy importante para mí, por el contexto en el que se creó, y porque se trata de un Concierto totalmente olvidado y que no se tocó por primera vez hasta los años 90… Ullmann es un compositor muy interesante que, antes de ser deportado a Auschwitz, escribió cadencias para los Conciertos de Beethoven, además de haber tocado obras de Beethoven y Mozart en la Theresienstadt. Y este hecho es algo que me impresionó mucho; por eso quise combinar su Concierto con el Concierto para piano n. 3 de Beethoven en el mismo disco. 

A menudo comparte escenario con destacados músicos, como recientemente con el violonchelista Daniel Müller-Schott y la violinista Viviane Hagner en el Festival Richard Wagner de Garmisch. ¿Sus estudios de violín le ayudan a la hora de afrontar una obra de cámara?

No, lamentablemente no me ayuda, porque mis estudios de violín fueron hace mucho tiempo. Y no era realmente bueno tocando el violín (risas). Disfruto mucho haciendo música de cámara con otros músicos, también colaboro con mi mujer, la pianista Gülru Ensari; hemos tocado por ejemplo Sacre de Stravinsky en la versión original para piano a cuatro manos.  

¿Cómo  influyó Brendel en su evolución como pianista?

Brendel es un hombre muy especial y único como músico. Para mí, lo más importante fue que siempre puedes seguir descubriendo cosas nuevas de una misma obra, algo primordial para los músicos y, sobre todo, para los pianistas, porque eso es lo que hace que la interpretación se mantenga viva.

En sus workshops, por ejemplo en “Junge Talente am Klavier” en la Steinway-Haus de Munich, ¿qué consejos les da a sus alumnos?

Es difícil decir algo general, porque depende de lo que estén tocando en ese momento, y a veces es difícil dar consejos cuando no conoces todavía realmente al estudiante, su personalidad... Pero, lo que sí me parece importante es que, al menos, en la cultura musical centroeuropea, nunca se piensa en un piano cuando se toca el piano, sino en una frase escrita para un cuarteto de cuerda, para una orquesta o para una voz, es decir, se tiene que pensar más allá del piano en sí, y esta concepción es algo que influye en el sonido que se consigue a través del piano, y cuando se toca música de Bach, Mozart Beethoven o Schubert, es importante que el sonido no solo venga del piano. Además, considero muy interesante practicar solo leyendo las partituras, sin tocarlas, y ver qué hay detrás, leyendo la partitura, se observan muchos pequeños detalles que a veces se olvidan. 

Gracias por su tiempo, ha sido un placer.

http://www.herbertschuch.com/ 

Por: Lorena Jiménez

Davide Bandieri

Davide Bandieri

Publicado: Junio 2015
Un clarinete en Busoni

Clarinetista que pasó por la Orquesta Sinfónica de Madrid (Orquesta Titular del Teatro Real), Davide Bandieri ha afrontado una grabación extraordinaria con música para clarinete de Ferruccio Busoni. Ya con discos muy aclamados, grabados por el sello Verso, Bandieri es músico honesto, de intensas emociones y que, como Busoni, sabe conjugar su espíritu italiano con la música europea. 

¿Quién es el músico Davide Bandieri?

Para resumir brevemente mi trayectoria, comencé a tocar el clarinete cuando tenía siete años. Terminados mis estudios con el maestro Dario Goracci, proseguí mi perfeccionamiento y formación con Alessandro Carbonare, músico que me ha marcado de manera muy profunda en mi visión de la música. En 2004 pasé a formar parte de la Orquesta Sinfónica de Madrid (Orquesta Titular del Teatro Real) como ayuda-solista (requinto solista), plaza que cubro hasta el 2011. A partir del 2012 ocupo la plaza de clarinete solista de la Orchestre de Chambre de Lausanne en Suiza.

Acaba de salir su nuevo disco en Brilliant Classics, un doble CD dedicado al compositor italiano Ferruccio Busoni, ¿nos habla de este trabajo?

Es un disco que me ha costado mucho trabajo. Ferruccio Busoni es un compositor italiano, supuestamente toscano como yo, que nació cerca de Florencia. Su padre, Ferdinando, era clarinetista, bastante conocido en la segunda mitad del siglo XIX y profesor en el Conservatorio de Florencia. Ferdinando fue para Ferruccio lo que Leopold Mozart fue para su hijo Wolfgang; por eso hay mucha música para clarinete que Ferruccio compuso en su juventud, que es, por otra parte, de muy alta calidad. De hecho, el clarinete fue, junto al piano, el instrumento de experimentación compositiva de Ferruccio Busoni. En el disco hay también dos piezas compuestas por su padre Ferdinando, para clarinete y piano, que son un estreno mundial. El disco se cierra con dos piezas escritas por Ferruccio en edad madura, durante su estancia en Suiza y dedicadas al reconocido clarinetista Edmondo Allegra, una Elegía para clarinete y piano y el Concertino para clarinete y orquesta.

¿Dónde sitúa la fantástica música para clarinete de Busoni? Personalmente lo considero un compositor esencial del siglo XX, con esa mezcla italiana-germánica en una misma persona…

La música para clarinete de Busoni abarca toda su vida de trabajo compositivo. La mayoría de sus creaciones se sitúan en su juventud, reflejando un gusto melódico italiano de la  segunda mitad del siglo XIX y un perfume armónico ligeramente bachiano, que nos recuerda los años de estudio pianístico de Busoni; Bach, como usted sabrá, marcó mucha de la producción pianística de Ferruccio. La Elegía K 286 y el Concertino K 276 ya se sitúan en la última etapa de la vida del compositor y, sin lugar a dudas, son dos obras maduras e importantes de su repertorio. Obras que, a pesar de no perder una vena melódica típicamente italiana, muestran también una variedad armónica y formal que Busoni adquirió a lo largo de su vida alemana. Busoni empezó a componer alrededor del 1875 hasta su muerte, acaecida en 1924. En este periodo, en Italia, estaban los grandes compositores de opera: Verdi en sus últimos años de vida y Puccini, contemporáneo de Busoni. Podríamos decir que Busoni ha sido el compositor más importante de música sinfónica que Italia tuvo en esa época.

Nos habla de su estancia en Madrid y de su labor con el clarinete requinto…

Viví en Madrid durante 7 años tocando con la Orquesta Titular del Teatro Real, tengo mucho cariño a esta orquesta y a la ciudad. A lo largo de esos años, cubriendo la plaza de requinto solista, quise dar un pequeño impulso a este instrumento y a su reducida literatura. Así han nacido dos discos editados por Verso, “Il clarinetto piccolo all’Opera” y “Tentative Wings 2006-2011”. Dos CDs totalmente distintos que tienen en común las mismas ganas de búsqueda (ver RITMO de abril, pág. 67, en su sección de crítica discográfica). Esta labor ha sido útil para redescubrir un repertorio original para clarinete requinto dedicado a la música italiana operística, en forma de “Fantasía para” y para aumentar la literatura contemporánea, encargando nuevas piezas a jóvenes y prometedores compositores.

¿Proyectos futuros?

El próximo año saldrá un nuevo disco dedicado a Verdi, “Fantasías de Ópera” para clarinete y piano. Además, sigo trabajando en nuevas piezas y al respecto tengo un proyecto con el compositor español y gran amigo Eduardo Morales-Caso. Me gustaría grabar un CD monográfico, con piezas importantes para clarinete de este talentoso compositor.

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: El clarinetista italiano Davide Bandieri. 

http://www.brilliantclassics.com/articles/b/busoni-complete-music-for-clarinet/

Juan Carlos Rodríguez

Juan Carlos Rodríguez

Publicado: Junio 2015
Siguiendo los pasos de Falla

Pianista nacido en Cádiz y residente en Granada, tarde o temprano el destino le tenía reservado su momento Falla, ya que el compositor, también gaditano y residente granadino, donde ejerció una fuerte influencia cultural, que se mantiene activa en la actualidad, recorrió el mismo camino que ha recorrido Juan Carlos Rodríguez. Mientras observamos desde una encantadora terraza madrileña el ir y venir de las gentes, hablamos de Falla, del ir y venir de su piano, que arranca con miniaturas deliciosas y culmina con las obras mayores, como las Cuatro Piezas Españolas o la Fantasía Bética, que cronológicamente Juan Carlos Rodríguez ha interpretado y grabado en esta disco para el sello Paladino. Desde el Nocturno a Pour le Tombeau de Paul Dukas, como desde nuestro café al gintónic, Falla va de menos a más, creando paso a paso una producción y un sello propio, que el pianista gaditano ha sabido plasmar en su nuevo trabajo discográfico.

Nació en Cádiz, cerca de la Plaza de Mina y reside en Granada. ¿Se ha sentido en la obligación de tener a Falla como destino tras este mismo recorrido que el compositor?

El hecho de haber nacido en la misma ciudad que Manuel de Falla no ha supuesto una obligación para que su obra forme parte de mi repertorio desde la niñez. Constituye todo un placer el tener la oportunidad de haber grabado su música para piano. Mi vinculación con el compositor siempre ha estado presente en mi desarrollo como músico. La figura de Falla siempre estuvo ahí sin ser un factor condicionante. Es un ejemplo a seguir. Su música es sincera, se desarrolla con naturalidad y frescura, y este hecho permite al intérprete desarrollar aspectos musicales y artísticos que Falla sabía magistralmente aportar en su obra, tales como el fraseo y la respiración, herramientas fundamentales para presentar un discurso musical que pueda permitir al oyente captar el mensaje que el intérprete quiere transmitir y calar directamente en cada persona.

¿Cómo se entiende a Falla en junio de 2015?

Creo que está más vivo que nunca. En muchos aspectos se siente como un compositor cosmopolita, anticipa formas en la concepción de su obra que rompen con moldes o estereotipos. Sin ir más lejos, su Tombeau dedicado a Paul Dukas (Pour le Tombeau de Paul Dukas, de 1935), es una amalgama de colores y contrastes, desarrollados dentro de una escritura vertical que, sin tener que resultar monótona, presenta una sonoridad pianística que nos sumerge en un ambiente totalmente nuevo y original. Si lo comparamos con su Nocturno, su primera obra para piano (1896), son dos mundos muy diferentes, pero con el sello personal que Falla otorgaba a sus obras, haciéndolas especiales, únicas.

¿Ha tenido en cuenta la fuerte presencia interpretativa, llamémosla jurisprudencia sonora, con la obra de Falla?

Como bien sabe, la universalidad de la obra de Falla está plasmada en las diversas versiones que existen de sus obras. No obstante, he querido aportar mi visión propia a la forma en la que creo que se desarrolla su música a nivel interpretativo. En mi opinión, la naturalidad, la frescura y la originalidad son características en la obra de este compositor. El pianista debe tocar con continuidad, para que el discurso musical se desarrolle con la fluidez apropiada. Creo que el equilibrio sonoro se encuentra aquí. Falla es rico en expresividad y matices, como lo es la música popular de la que se influenció en tantos aspectos. En su música puedes encontrar a Chopin, a Satie, a Debussy, a Ravel e incluso a Mussorgsky, pero siempre es Falla. Creo que esta característica hace que el intérprete busque un balance que le permita adecuar todos estos elementos y transformarlos en algo propio. En definitiva, todo consiste en convertirse en un transmisor de las voluntades del compositor y teniendo en cuenta algo absolutamente esencial: la Música (con mayúsculas) como objetivo final. El compositor la crea y, en este caso, el pianista la presenta. Cada uno adopta su papel, pero teniendo claro que el mensaje que se transmite al público debe trascender a ambos.

El disco se grabó en Barcelona pero tengo entendido que se montó en Austria, en Viena. ¿Cómo reaccionan ante Falla los vieneses, como nosotros con Strauss?

Creo que la obra de Strauss y la de Falla tienen algún que otro aspecto en común, y uno de ellos es sin duda la elegancia. En este sentido, el Maestro del vals vienés tiene bastantes connotaciones con Falla. También podríamos decir que hay un cierto refinamiento. Los vieneses tienen fama de ello. Buena prueba de esta característica la podemos encontrar en la primera de las Cuatro Piezas Españolas, la Aragonesa. Qué duda cabe que es una jota, pero escrita con tanta elegancia que te deja al oírla un agradable sabor de boca. Cuando la música está bien concebida, creo que finalmente los estereotipos o clichés tienden a desaparecer. Lo mismo le ocurría a Schubert. No sólo era un maravilloso creador de Lieder. Por ejemplo, tenemos el caso de su ópera Fierrabras, aunque el público tardara un tiempo en reconocerlo.

Háblenos del disco en sí, de las obras y su relación con ellas…

La gestación de este proyecto discográfico surgió hace unos tres años. Como he comentado anteriormente, siempre he sentido una fuerte vinculación con Falla, ya no sólo por haber nacido en la misma ciudad y por seguir el mismo recorrido hacia Granada, sino por lo que su música representa. Quién me iba a decir que iba a terminar grabando su obra para piano, con la de veces que en mi niñez pasaba delante de su casa natal y me paraba a contemplarla desde un rincón de la Plaza de Mina… Y para un sello austríaco…

Bien dicho, ya que hay sellos españoles que graban Schubert, como debe ser…

Exacto, y eso es bueno… Como le decía, una de las cosas que más me agradan de este disco es la presentación de las obras siguiendo un orden cronológico de las mismas. Esto, que a simple vista puede parecer obvio, ofrece una interesante forma de mostrar la evolución del compositor, tanto a nivel estructural como musical. Para empezar, tenemos el Nocturno, una pieza de corte romántico a la manera de Chopin, con una bella melodía arropada por un acompañamiento que deja entrever el rubato, algo tan característico del compositor polaco. Pero ya desde esta obra, concebida desde la influencia chopiniana, la personalidad de Falla aflora y se hace latente, como se demuestra durante el transcurso de su desarrollo, utilizando elementos muy propios como el uso de escalas modales, anticipando lo que en un futuro se convertirá en un sello de su identidad personal.

Hasta llegar a las obras mayores hay una importante evolución…

De ahí a las Cuatro Piezas Españolas se proyecta un camino que evoluciona sin perder equilibrio o finura, cargado de esencia. Su Canción es una de esas piezas que, a pesar de su sencillez, no deja indiferente a nadie. Precisamente su belleza radica en su genial simplicidad. Me recuerda bastante a Satie, aunque de la forma que creo que Falla lo sentía. Otra de las piezas que me resultan muy gratas es el Vals Capricho. Posee una amabilidad y nobleza que la hace especial, de una bella inocencia. Y la Fantasía Baetica... En mi opinión, no hay otra “fantasía” como ésta. Muchos compositores han presentado en su catálogo esta forma musical, esta representación de ideas tan originales que esta estructura ofrece. Pero la manera en la que Falla las plasma y las desarrolla, deja totalmente perplejo tanto al intérprete como al oyente. El pianista no sólo se enfrenta a problemas técnicos importantes que ha de resolver con éxito, sino al reto que supone el poder presentar los elementos que conforman la obra de manera coherente e interrelacionada. Creo que aquí radica el éxito en la interpretación de esta magnífica música, en comprender y hacer entender al oyente todas las cosas que van surgiendo y que nos vamos a encontrando al escucharla. Podemos oír perfectamente un rítmico zapateado desde el principio, una preciosa nana a modo de intermezzo, la melodía profunda de un cante jondo, el rasgueo de una guitarra, hasta una completa orquesta, y todo ello tocado en un instrumento de “sólo” ochenta y ocho teclas. Me parece algo increíble...

¿Falla sugiere e indica sonoridades?

A lo largo de todo este proceso de desarrollo, Falla te muestra cómo debes buscar la sonoridad más adecuada que se adapte al concepto, a la idea que se quiere reflejar, transmitir. La forma en la que estudias debe ir enfocada hacia ese fin. Es un privilegio tener la oportunidad de ofrecer un testimonio sonoro que pretende servir para presentar a Falla como un creador universal.

Gracias. Escucharemos el disco con sumo placer.

 

agenda

Junio. Presentación del CD en La Quinta de Mahler, Madrid, jueves 25 de junio a las 20 horas.

Julio. Presentación del CD en la SGAE de Barcelona. Entrevista para Catalunya Música (fechas a concretar)

Septiembre-Octubre. Presentación del disco en el Instituto Cervantes de Viena (fechas a concretar)

Septiembre-Noviembre. Recital en el Auditori Pau Casals (fechas a concretar).

Noviembre. Recital en Zúrich (fechas a concretar).

Diciembre. Grabación para Naxos con obras de Clementi.

https://www.paladino.at/cds/pmr-0062

http://www.juancarlosrodriguez.es/

Foto: El pianista gaditano Juan Carlos Rodríguez
Acred: MARCO BORGGREVE

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 

Juanjo Mudarra

Juanjo Mudarra

Publicado: Junio 2015
El Albéniz desconocido

Juanjo Mudarra, natural de Martos (Jaén), es un joven pianista que a su labor como profesor del Conservatorio de Jaén, añade una intensa actividad como concertista y como miembro de diversos grupos de cámara. Acaba de darnos a conocer el quinto volumen de la serie dedicada a Isaac Albéniz, que edita el sello Naxos dentro de su “Spanish Classics”. Se trata, como el lector ya conoce por reseñas anteriores, de un proyecto iniciado por el pianista Guillermo González, autoridad albeniciana, y que pretende ofrecer la grabación de la obra integral pianística de Isaac Albéniz. Por este motivo hemos entrevistado al intérprete andaluz, protagonista de esta novedad discográfica.

Estimado maestro, cuéntenos algo sobre el marco histórico y las características generales de este registro…

Se trata de un disco enmarcado entre los años 1881 y 1892, es decir, en los años veinte del compositor. Es una joven etapa en la que se hace aún más patente su faceta concertística que compositiva. En aquellos años Albéniz ofrecía más conciertos que obras para estrenar. Estas obras son de pequeño formato y de corte “salonier”, que nos revelan ciertos atisbos de una genialidad aún no plenamente consumada, entremezclando magistralmente las tradiciones centroeuropeas con las más puramente españolas. En mi opinión, la escucha de este trabajo resulta amena y distendida, hasta el punto de que las dificultades técnicas pueden pasar desapercibidas, aunque le aseguro que las hay…

Hablando de dificultades, estos Estudios no son precisamente “fáciles”…

Para mí ha supuesto un gran reto (risas). Sin ir más lejos, ha sido incluso objeto de análisis de un Trabajo Fin de Máster que realicé en la Universidad Internacional de Andalucía. Me considero una persona especialmente metódica en el estudio diario y afronto las dificultades técnicas desde el conocimiento y el análisis. No toco sin más, sino que intento asimilar, desde la lentitud, tanto el concepto musical de cada pasaje, como su complejidad técnica en sí. Pretendo así obtener un resultado óptimo y, sobre todo, claro. No en vano, alguna de las críticas recibidas hablan de esa “claridad”, como la crítica firmada por David Denton (David’s Review Corner - Naxos.com), en la que escribió: “Juan José Mudarra Gámiz es una opción ideal para tal música límpida, la claridad de sus dedos capturada en una de las grabaciones para piano más realistas que he escuchado”.

Me alegro profundamente que tanto trabajo se vea recompensado por una crítica tan positiva… Ese sonido tan realista, ¿un objetivo, un fin?

La verdad es que el proceso de grabación y postproducción del disco han estado enfocados precisamente a la consecución de un sonido realista, cálido y claro, para disfrutar relajadamente de la música. Esto ha sido posible gracias a la profesionalidad y al entrañable apoyo del ingeniero de sonido David del Río y a todo su equipo. Es curioso, pero también otras críticas han ido por el mismo camino. Bryce Morrison (Gramophone - Reino Unido) afirmó “para Juan José Mudarra Gámiz hay poca necesidad de disculpa o negación. Todas sus interpretaciones están abordadas con brillantez y convicción”. Por otra parte, Grego Applegate Edwards (Gapplegate Classical-Modern Music Review - EE.UU) también reseñó: “Juan José Mudarra Gámiz va bastante lejos con estas piezas engañosamente sencillas”.

Es esta una de sus búsquedas constantes como pianista, el sonido…

No en vano, desde pequeño he sido formado por buenos profesores, para los cuáles la claridad de sonido y de ideas musicales era su principal objetivo. Para mí, una buena articulación proporciona una adecuada precisión en la producción del sonido. Ya en clase de mi maestro Guillermo González, a quien estoy profundamente agradecido por sus sabios consejos y su gran pedagogía, pude absorber todo el entusiasmo por el legado scarlattiano y su influencia en toda la música española posterior. Nunca olvidaré su típica frase ante un pasaje vivo, rítmico y preciso: “¡esto es Scarlatti!”.

Gran maestro Guillermo González y uno de lo máximos exponentes en música española del mundo…

Así es. Para mí es un privilegio haber formado parte de una herencia tan importante como la de Perlemuter o la de Cubiles. Guillermo es un pianista con un “olfato musical” muy especial. Su percepción de la música a través de los diferentes estilos es única e inigualable, así como su amor al instrumento y a la enseñanza. En especial, considero que su concepción de la música española va más allá. Entiende y hace entender las obras de compositores españoles de manera sublime. En mi opinión, es la visión más acertada y genuina que conozco.

Y ahora usted forma parte de la serie “Spanish Classics” de Naxos que comenzó su maestro…

Quién me iba a decir a mí que allá por el año 1998, cuando comencé mis estudios superiores en la cátedra de Guillermo González, iba a continuar una serie discográfica junto a mi maestro. Pues sí. Fue allí, en su clase, en su entorno, donde comenzó la elaboración del proyecto que ahora cristaliza en este quinto volumen de la integral que se pretende editar. Es para mí un auténtico honor y una gran responsabilidad.

¿Otros profesores que quiera destacar?

Ante todo quiero dejar constancia del profundo agradecimiento que siento hacia Marisa Monzón y Ernesto Rocío, ahora entrañables compañeros y amigos y antes mis concienzudos profesores. Ellos pusieron en mí los cimientos de esa afición, de ese amor al instrumento, que ahora queda patente.

¿Y qué trayectoria ha seguido tras sus estudios?

Tras finalizar mis estudios superiores en Madrid y completarlos con un periplo extranjero que me llevó a sitios tan distantes y distintos como Helsinki y Dallas, comencé mi labor docente en Jaén. De esa época recuerdo mis numerosos recitales y los conciertos que con la Orquesta Filarmónica de Andalucía ofrecí en distintas localidades de la geografía andaluza. 

Recuerda con cariño algún recital en particular…

¡Claro! Por lo que tenían de novedoso y exótico, son inolvidables mis actuaciones en China. Aquel “Shanghai Concert Hall” deslumbrante y repleto, aquel enorme Auditorio en Xuzhou y la calidez con que me acogieron, son vivencias emotivas e imborrables. Allí realicé un recital de música española que fue muy apreciado por el público y por la radio y televisión nacionales.

Tengo entendido que la informática le roba tiempo a su piano…

Siempre me ha llamado la atención todo lo relacionado con la informática. Desde muy pequeño he estado “trasteando” con un ordenador hasta conseguir lo que me proponía. Ya en época docente, he conseguido compatibilizar esta afición con mi profesión, impartiendo asignaturas de Informática Musical durante más de diez años, tanto en enseñanzas profesionales como superiores. Nunca he parado de formarme en este aspecto. Incluso he realizado un Máster en Educación y Nuevas Tecnologías en la Universidad a Distancia de Madrid.

Y para concluir, ¿alguna obra del disco que le llame más la atención?

Bueno, he de decir que siento especial debilidad por L’Automne-Valse (Vals de Otoño), de 1890. Creo que, aunque esta obra se enmarca dentro de la estética de la música de salón de finales del siglo XIX, alcanza, bajo mi punto de vista, una mayor profundidad. Está compuesta por tres pequeños valses, precedidos de una breve pero preciosa introducción y seguidos por una brillante coda que recopila y entrelaza el material expuesto en cada uno de ellos. Puedo entrever aquí una leve aunque latente influencia schumanniana.

El disco de Albéniz en Naxos

(Este disco se criticó en febrero de 2015, reproducimos ahora lo dicho entonces)
ALBÉNIZ: 7 Estudios en los tonos naturales mayores. Les Saisons. Rapsodia cubana. Suite antigua n. 1. Scherzo de la Sonata n. 1. 2 Mazurcas de salón. Amalia y Ricordati. L'Automne-Valse. Juan José Mudarra Gámiz, piano.
Naxos, 8.573293 • 71’ • DDD
+ Info en Naxo.com
+ Info en Música Directa

El quinto volumen de esta colección pianística sobre la obra de Albéniz contiene los Siete estudios en tonos naturales mayores, que presentan serios escollos exigentes de un profundo trabajo que tampoco se ve recompensado por una escucha en la que aparentemente todo parece más fácil. Aunque en línea distinta al resto del disco, pues aquí se manifiesta con cierta tensión, Mudarra nos ofrece un acercamiento en el que claramente proyecta su convicción de que lo importante no son las dificultades técnicas (acordes, síncopas, tresillos) sino las notas, extrayendo de cada estudio, con ritmo y buen juego dinámico, belleza donde a veces solo existe puro academicismo. El resto del disco transcurre en el mundo agradable y poco pretencioso de la miniatura de salón cultivada por Albéniz en su juventud, terreno en el que se mueve el pianista con gran soltura, resultando muy hermosa la forma sugerentemente impresionista con la que se aborda Les Saisons y destacable la libertad de una intensa Rapsodia Cubana a la que se da vida con el debido impulso rítmico y color, así como el fraseo impecable de las Mazurkas y el vals L’Automne, donde su forma de tocar nunca suena apresurada, dejando que la música fluya con la naturalidad propia de quien se encuentra interpretando relajadamente en el ambiente de un café concierto. Sin duda, otro buen acercamiento a este Albéniz temprano.

José Luis Arévalo


Amigos de siempre

Nunca deja de sorprenderme la facilidad con que Juanjo Mudarra toca el piano; se diría que son amigos de siempre y que no hay empresa al respecto que no puedan realizar juntos con óptimos resultados. Llegó a mi clase después de los magníficos profesores María Luisa Monzón y Ernesto Rocío que, junto conmigo, le enseñamos una escuela pianística que provenía de Alfred Cortot, Ravel y Vlado Perlemuter (profesor mío en el Conservatorio Superior de París). 

En la audición de su magnífica grabación con Naxos, resalta la dicción y pedalización con una acentuada nitidez, desgranando las ideas musicales tanto melódicas como armónicas, sin que se le olvide detalle alguno. Nos explica de manera clara y con enorme elegancia su visión esclarecedora de una música, aparentemente sencilla, pero que no deja de sorprender. Todo me parece muy bueno y algunos momentos excepcionales. El sonido de la grabación es de primera calidad.
Recomiendo vivamente que le escuchéis.   

¡Enhorabuena y un cálido abrazo!

Guillermo González

http://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.573293

Foto: El pianista jiennense Juanjo Mudarra.
Acred: JOSÉ M. VALERO

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Thüringer Bachwochen 2015

Thüringer Bachwochen 2015

Publicado: Junio 2015
Tras las huellas de Bach

En 1620, el teólogo y compositor alemán Michael Altenburg escribió: “No encontraréis ni un solo pueblo en Thüringen (Turingia) en el que la música, tanto instrumental como vocal, no se encuentre en pleno apogeo. Si no hay ningún órgano, la música vocal se acompaña al menos con cinco o seis violines como nunca antes se había visto”. Y es que el Estado Libre de Turingia, situado en el centro geográfico del país, no es sólo uno de los estados (Länder) de la República Federal de Alemania donde se inició la industrialización alemana en el siglo XIX. Turingia, famosa por sus bosques y llamada a menudo “el corazón verde de Alemania”, ha tenido siempre un papel primordial en la cultura alemana; cuna de duques, príncipes, artistas, del filósofo Herder, de Goethe y de Schiller, fue, también, el lugar de nacimiento del considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos: Johann Sebastian Bach.

Mucho antes de que naciera J.S. Bach (Eisenach, 1685), los primeros Bach abandonaron su hogar en Hungría, a causa de sus creencias, para instalarse en Turingia, cuna de la reforma luterana. Durante doscientos años, la familia Bach (una de las más prodigiosas familias musicales de la historia), originó más de 50 músicos de prestigio, entre organistas, clavecinistas, cantores, músicos de cámara de la corte y notables compositores. Documentos de la época indican que el apellido Bach fue usado en algunos lugares de Turingia como sinónimo de músicos.

Cada año por primavera, amantes de la música barroca y, por supuesto, de la música de su ciudadano más ilustre, acuden desde toda Alemania y el resto de Europa al festival Thüringer Bachwochen, y recorren las pequeñas ciudades de Turingia siguiendo las huellas de Bach, para admirar su música en un contexto histórico y un escenario único. Dos semanas con un amplio abanico de eventos relacionados con la vida y obra del compositor, que, siguiendo la tradición, se iniciaron el 27 de marzo con “la larga noche de los conciertos caseros”, preludio del mayor festival de música de Turingia, en el que varias personas ceden sus hogares para ofrecer más de cien conciertos gratuitos y, entre los que destacan, los legendarios conciertos de la familia von Kessel (Silvius von Kessel, director artístico de “las semanas de Bach de Turingia”, es el organista de la Catedral de Erfurt desde 1994).

Intérpretes de renombre

Con bravos, aplausos y ovaciones en pie, La Pasión según San Mateo de J. S. Bach, dirigida por el prestigioso tenor lírico alemán y también legendario Evangelista, Christoph Prégardien, inauguraron Thüringer Bachwochen 2015 (27 marzo-19 abril) en Arnstadt, la ciudad donde Bach obtuvo su primer cargo como organista. Destacados solistas y ensembles de reconocido prestigio internacional, como Christian Poltéra, Carolin Widmann, Ina Siedlaczek & Hille Perl,  Sergei Nakariakov, Holland Baroque Society, Huelgas Ensemble o Solistenensemble Kaleidoskop, se sumaron a la a larga lista de intérpretes que participaron en esta nueva edición.

Con sólo 18 años, el joven Bach se convirtió en el organista oficial de la Iglesia Nueva, ahora llamada Bachkirche (iglesia de Bach), y en el organista mejor pagado de los servicios eclesiásticos de Arnstadt (lo que indica la alta consideración que recibió como ejecutante desde el principio). En la Bachkirche de la ciudad más antigua de Turingia, tuvimos la oportunidad de escuchar Die Kunst der Fuge (obra compuesta como un conjunto de ejemplos de las técnicas de contrapunto, que Bach nunca pensó que se interpretaría en público) en la excelsa interpretación de Phantasm, el cuarteto fundado por Laurence Dreyfus, y reconocido internacionalmente como el consorcio de violas más emocionante de la actualidad. El mismo día, unas horas más tarde, en la Thomaskirche de la vecina Erfurt, capital del Estado federado de Turingia, el joven director italiano Lorenzo Ghirlanda fue la batuta de un concierto en el que jóvenes músicos especializados en música barroca interpretaron la Cantata Ich habe genug BWV 82, junto al barítono húngaro Michael Nagy, famoso por su Papageno con Rattle en la producción de Carsen para el Festival de Pascua de Baden-Baden. 

Bach nunca estuvo en la señorial ciudad de Meiningen, antigua residencia de los duques de Sajonia-Meiningen, sin embargo, se sabe que mantuvo estrechos lazos con la rama de la familia Bach de esta ciudad, músicos y organistas de la corte, en especial con su primo el organista y compositor, Johann Ludwig Bach “el Bach de Meiningen”. En el Südthüringisches Staatstheater Meiningen tuvo lugar el extraordinario concierto de Holland Baroque Society. La agrupación holandesa, una de las más innovadoras dentro de las formaciones de la llamada “Música Antigua”, dirigidos desde el clavecín por Francesco Corti, ofreció una lectura fresca, entusiasta e intensa de los seis Conciertos compuestos por Bach y dedicados al margrave de Brandemburgo. En Eisenach, la ciudad donde Martin Luther tradujo el Nuevo Testamento al alemán y ciudad natal de Bach, Nigel Kennedy & Band clausuraban el Festival de este año con un interesantísimo programa titulado “Bach meets Kennedy”, que provocó aplausos, ovaciones y el entusiasta delirio del público asistente, a quien levantó de los  bancos de la Georgenkirche, en los que previamente, en una hoja escrita a mano por el propio Kennedy, se había dejado el programa que alternaba obras suyas con las del genio alemán. Una iglesia abarrotada para asistir al concierto del ex niño prodigio y alumno predilecto de Yehudi Menuhin (con larga cola de espera antes de la apertura de puertas), llena de altavoces y luces de colores y, al frente, la pila bautismal de Bach, hizo escenario para el violinista británico, que inyectó a la Tocata y fuga o el Doble Concierto de Bach ritmos jazzísticos al más puro estilo de Stéphane Grappelli, cerrando el programa con obras de estilo minimalista compuestas por él mismo.

http://www.thueringer-bachwochen.de/en

Foto: Nigel Kennedy & Band clausuraron el Festival con un interesantísimo programa titulado “Bach meets Kennedy”.
Acred: JENS HAENTZSCHEL

Lorena Jiménez


Francisco Navarro Lara

Francisco Navarro Lara

Publicado: Mayo 2015
Imagina que puedes convertirte en director de orquesta…

¿Te gustaría tener la oportunidad hacer realidad tu sueño y convertirte en un director de orquesta profesional con reconocimiento internacional? ¿Poder disfrutar de la música dirigiendo las grandes obras de los grandes maestros al frente de importantes Orquestas Sinfónicas, tanto dentro como fuera de tu propio país?

¿Viajar por el mundo, y dirigir en los principales templos y catedrales de la música como Viena, Berlín, Londres o New York, sintiendo el aplauso cálido del público, y poder vivir profesionalmente como Director de Orquesta ofreciendo a tu familia la calidad de vida que siempre soñaste?

Hola, mi nombre es Francisco Navarro Lara; soy Doctor en Ciencias sobre el Arte en la especialidad de Dirección de Orquesta, Profesor Superior de Dirección de Orquesta, Director Titular de la Orquesta y de la Banda Sinfónica Municipal de Huelva, Director Titular de la Orquesta Internacional de Directores de Orquesta (OIDO), Director Honorífico de la Orquesta Sinfónica de Paraguay y Director y fundador de la Escuela de Dirección de Orquesta y Banda Maestro Navarro Lara.

¿Quieres ser director?

Me gustaría que leyeras atentamente, porque esta puede ser la gran oportunidad que siempre has estado esperando. ¿Estás preparado? Comencemos…

Nuestra Escuela Internacional de Dirección te ofrece la oportunidad de mejorar profesionalmente y de obtener la más completa formación en Dirección de Orquesta y en Dirección de Banda con arreglo a las más vanguardistas Técnicas de Dirección del Momento.

Podrás realizar tus estudios de forma semipresencial o 100% online a distancia desde tu misma ciudad, desde la comodidad de tu casa, sin desplazamientos, con absoluta libertad de horarios y a tu propio ritmo de aprendizaje, para que puedas compatibilizarlo con tu vida familiar y profesional, y la distancia física y geográfica ya no sea un problema.

Tendrás la oportunidad de obtener tu Diploma de Licenciado en Dirección de Orquesta o en Dirección de Banda avalado por la Associated Board of the Royal Schools of Music, una de las instituciones musicales europeas con mayor prestigio internacional, y así poder convertirte en un director reconocido en todo el mundo.

Escuela “Maestro Navarro Lara”

Nuestra Escuela cuenta con una experiencia de más de 10 años, en los cuales hemos formado a más de 900 alumnos de más de 30 países de todo el mundo, como España, Australia, Japón, Suecia, México, Colombia, Argentina, Portugal, Ecuador, Chile, Brasil, Estados Unidos, Reino Unido, Perú, Canadá, Paraguay, Guatemala, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, Costa Rica, Emiratos Árabes Unidos, Cuba, República Dominicana, República Democrática del Congo, Finlandia, Francia e Italia, entre otros.

En la actualidad, nuestra Escuela de Dirección de Orquesta y Banda es reconocida internacionalmente como la Escuela de Dirección más importante de todo el mundo en cuanto al número de alumnos, en cuanto a la utilización de las nuevas tecnologías en nuestro sistema educativo, pero sobre todo por nuestro método de formación exclusivo y único en base a la más novedosa y vanguardista Técnica de Dirección de Orquesta del momento, con un concepto absolutamente revolucionario de Dirigir y de Hacer Música conocido como Técnica NeuroDirectorial.

En los dos últimos años nuestra Escuela ha publicado tres libros de dirección orquestal escritos por Francisco Navarro Lara en coautoría con sus propios alumnos, que han sido best sellers en amazon.com, la mayor librería de todo el mundo. Sus títulos son “Las 7 Claves de la Técnica NeuroDirectorial: Dirección Orquestal 3.0”, “Los 10 mandamientos Apócrifos del Director de Orquesta del Siglo XXI” y “El Milagro de dirigir la Orquesta sin usar las manos”.

Nuestro Canal de YouTube tiene más de dos millones y medio de minutos de visualización, y en todo el mundo tenemos en la actualidad más de 80.000 seguidores de nuestra Escuela y de nuestras Enseñanzas.

La seriedad, competencia y perfecta organización de nuestra Institución; el compromiso, la cercanía, el trato personal y el contacto permanente de la Escuela con todos y cada uno de nuestros alumnos, pero muy especialmente la absoluta disposición y el compromiso personal incondicional como Maestro de Navarro Lara,  absolutamente entregado en ofrecer lo mejor de sí mismo a cada uno de sus discípulos, hacen de nuestra Escuela una GRAN FAMILIA, que posibilita un círculo de influencia y contactos con directores de más de 30 países de todo el mundo, donde se fomentan y posibilitan relaciones profesionales al máximo nivel, pero también donde florecen las relaciones personales de amistad, compañerismo y de ayuda mutua.

Formación a distancia

Nuestro sistema de Formación a Distancia es absolutamente perfecto: puedes estudiar y seguir las clases desde cualquier parte donde estés, para lo cual sólo necesitas un ordenador con conexión a Internet, o incluso también podrás hacerlo ya desde tu mismo teléfono móvil.

El éxito de nuestra Escuela depende directamente de tu éxito como alumno; así que no dudes ni un momento que estaremos pegados a ti para animarte y ayudarte personalmente durante tu estudio; desde la Escuela prometemos que haremos todo lo posible y también lo imposible para que tu formación como Director en sea absolutamente EXCELENTE. En esto tienes la palabra de Francisco Navarro Lara.

Los estudios en nuestra Escuela están divididos en tres niveles de formación: Inicial, Medio y Superior, de 10 meses de duración cada uno de ellos. Todos los nuevos alumnos deben comenzar por el Nivel Inicial, aunque podrán avanzar más rápido en función de sus propias capacidades.

El Curso académico 2015/2016 comienza el día 1 de Octubre y tiene una duración de 10 meses, de octubre a julio. Durante el mismo trabajaremos Técnica de Dirección de Orquesta y de Banda, Análisis de Partituras, Orquestación, Desarrollo del Oído y dirigiremos un interesante repertorio integrado por las obras más significativas de los grandes maestros desde el Clasicismo hasta la Música Contemporánea: Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, Richard Strauss, Tchaikovsky, Mahler, Stravinsky, etc. Durante el curso recibirás un completo y exclusivo temario propio de nuestra escuela, que está integrado por 23 temas de estudio, donde te instruimos en las más vanguardistas técnicas de dirección de la actualidad, material que está perfectamente ilustrado con diagramas, imágenes y videos demostrativos, así como por cuestionarios de autoevaluación que te permitirán comprobar tu grado de aprendizaje.

Cada semana del curso impartimos una clase online por Internet de una hora de duración que es colectiva para todos los alumnos de la Escuela, la cual podrás seguir en directo desde la comodidad de tu casa en un horario compatible, tanto para América como para Europa, donde te explicaré los distintos temas de estudio y estaré a tu disposición personal para responder tus preguntas y comentarios; cada una de estas clases queda grabada automáticamente por si algún día no puedes asistir en directo, o por si deseas volver a ver la clase en cualquier otro momento.

Una vez al mes tendremos una Tutoría Personal de Nivel de una hora de duración donde estaré a tu disposición particular para resolver todas tus dudas y donde te llevaré de la mano paso por paso en tu proceso individual de formación.

Al final del curso, durante el mes de agosto, celebramos presencialmente en Huelva (España) un Encuentro Anual de Alumnos donde ponemos en práctica todos los conocimientos adquiridos durante el curso. Este evento pretende ser un punto de encuentro y de intercambio personal y profesional entre todos los alumnos internacionales que formamos nuestra gran familia. La asistencia presencial a este Encuentro Anual de alumnos es voluntaria; si por cualquier motivo no puedes participar presencialmente, no te preocupes, también tendrás la posibilidad de seguirlo por Internet desde tu propia casa.

En el pasado mes de Agosto de 2014 en la ciudad de Huelva, tuvo la presentación oficial nuestra Orquesta Internacional de Directores de Orquesta (OIDO), orquesta integrada 100% por nuestros propios alumnos de Dirección de Orquesta provenientes de más de 30 países de todo el mundo, siendo esta la primera orquesta en la historia de la música integrada plena y únicamente por Directores de Orquesta.

Para matricularte como alumno oficial de nuestra escuela para el curso 2015/2016 sólo tienes que ir a nuestra web http://www.musicum.net/matricula y hacer clic donde dice “Haz Tu Matrícula Ahora” y quedarás desde este mismo momento matriculado en nuestra Escuela como alumno oficial.

No importa si tienes 18 o 83 años, si no sabes tocar el piano, o si no dominas varios instrumentos. Lo único que necesitas para matricularte es tener unos conocimientos musicales medios y poseer la pasión y el deseo de convertirte en el mejor Director de Orquesta del mundo.

Las clases del curso académico comenzarán el día 1 de octubre de 2015.

Lo que hay que saber

· Diploma de Licenciado en Dirección de Orquesta y en Dirección de Banda por la Royal School of Music.

· Estudios semipresenciales y a distancia.

· Estudia a tu propio ritmo de aprendizaje.

· La más completa y vanguardista formación en Dirección de Orquesta del momento.

· Más de 900 alumnos de más de 30 países de todo el mundo se han formado en nuestra Escuela.

· El Maestro Navarro Lara es autor de tres libros que han sido best sellers en amazon.com.

· Abierto plazo de matriculación. Las plazas son limitadas y se cubrirán por riguroso orden de inscripción. Más información en:

http://www.musicum.net/matricula

Nuestro canal de YouTube tiene más de dos millones y medio de minutos de visualización: https://www.youtube.com/FranciscoNavarroLara

El Maestro Juan Carlos Dos Santos (Director de la Orquesta Nacional de Paraguay), el Maestro Alberto Correa (Director de la Orquesta Filarmónica de Medellín) o el Maestro Miguel Moreno Guna (Director de la Banda Primitiva de Llíria en Valencia) han sido alumnos de nuestra Escuela.

 Nuestra Escuela posee alumnos desde los 16 hasta los 83 años de edad; para matricularte sólo necesitas unos conocimientos musicales medios y la pasión y el deseo en convertirte en “el mejor director de orquesta del mundo”. 

“En nuestra web tienes a tu disposición toda la información que necesitas para tomar tu decisión, así como el testimonio de nuestros alumnos, personas de carne y hueso como tú y como yo que decidieron darse una oportunidad y tomaron la decisión acertada”.

Lucas Quirós

http://www.musicum.net/

https://www.youtube.com/FranciscoNavarroLara

 

 

Hispanian Symphony Orchestra

Hispanian Symphony Orchestra

Publicado: Mayo 2015
Una orquesta para los nuevos tiempos

Nos encontramos con Ambrosio Valero, conocido por los lectores de RITMO por haber sido portada reciente, concretamente en el número de noviembre de 2014. Pianista conocido y de fuerte personalidad, como ya nos relató en aquella jugosa entrevista, une a sus facultades musicales la gestión de la orquesta de la que es director artístico, la Hispanian Symphony Orchestra, que recientemente celebró un concierto en vaqueros (Concert in Jeans) en el Auditorio Nacional, con la dirección de una de las grandes promesas hechas realidad de la dirección musical española, Josep Vicent.

Cuéntenos en qué consiste la Hispanian Symphony Orchestra…

La HSO, o Hispanian Symphony Orchestra, es un proyecto lleno de energía e ilusión. En Drop Artist hemos creado una orquesta que está revolucionando el mundo de la música clásica con una nueva filosofía totalmente arrolladora. Estamos creando una marca, un símbolo, con mil ingredientes que están generando un nuevo público que, sumado al de siempre, está recuperando la fe en los profesionales de la música.

¿Alguna orquesta a la que le gustaría parecerse?

Me vienen a la mente grandes orquestas del panorama internacional, pero, quizás tengamos una forma de trabajar “a la inglesa”. Aún así, buscamos ser una orquesta con personalidad propia. Con una imagen y un sonido muy definidos que sean fácilmente reconocibles.

¿Financiación totalmente privada?

Cien por cien. La HSO se financia en su totalidad con capital privado. Por eso es tan importante que cada concierto sea un éxito en lo musical y en lo empresarial. Competimos con orquestas que cuentan con presupuestos millonarios y eso hace que tengamos que reinventarnos en cada concierto, en cada actuación. Gracias a esta filosofía estamos atrayendo a inversores privados que quieren vincular su marca con el proyecto. Estamos demostrando que una orquesta puede no solo ser sostenible, sino también dar beneficios económicos, además de los puramente culturales. 

¿Es estable o sus miembros van rotando?

Tenemos una plantilla estable de sesenta músicos que aumenta según las necesidades del programa y de las obras que vayamos a interpretar. La orquesta tiene un núcleo muy fuerte, que poco a poco va creando un sonido propio. Además, tenemos la suerte de trabajar con dos grandísimos directores como son Enrique García Asensio y Josep Vicent, nuestro Principal Director. Ambos son dos grandes Maestros que exprimen hasta la última gota el talento de nuestros músicos. Y ambos representan dos tendencias distintas en el enfoque musical, aportan, por tanto, distintas concepciones a la HSO.

¿Por qué Concert in Jeans? (conciertos en vaqueros, ropa menos formal, que se asocia con la interpretación en escena de la música clásica)

Porque la música, y los músicos, lo necesitábamos. Hemos de romper barreras con el público para que vuelva a los auditorios. Hemos de ser conscientes del mundo en el que vivimos y estamos muy orgullosos de haber sido nosotros los primeros en construir esos puentes. ¿Por qué no se va a poder tuitear durante un concierto? Es algo que se ha convertido en parte de nuestro día a día. Además tengo que decirle que el público hizo uso el móvil durante todo el concierto con el máximo respeto y no se escuchó ni un solo ruido (el teléfono puede estar en silencio y su empleo se hace de manera respetable). Los vaqueros son un símbolo de cercanía y el uso de las tablets (las partituras, en lugar de leerse en papel, se leen digitalmente en tablets) y el streaming (se retransmite el concierto en vivo online) es un guiño significativo a la época actual en la que si no se está en las redes sociales, no ha pasado… Renovarse o morir.

Concert in Jeans, Concierto en vaqueros. ¿Se va a repetir esta experiencia por otras ciudades?

Este nuevo concepto de concierto, realizado por primera vez en España por la HSO, ha sido toda una revolución y sí, le confirmo, ya que va a repetirse el próximo día 22 de mayo, de este mismo mes, en el Palau de la Música de Barcelona, con unos precios muy populares que lo harán asequible a todo el mundo. También puedo decirle que el día después del estreno en Madrid recibimos numerosas llamadas para contratar el concierto no solo en España, sino en todo el mundo. Es una gran satisfacción sentir que Concert in Jeans ha sido un soplo de aire fresco para los clásicos.

Háblenos de los solistas de Concert in Jeans

Desde el minuto uno, Drop Artist y Josep Vicent tuvimos claro que para que esta nueva andadura dejara la huella que buscábamos, debíamos sustentar el proyecto en unos cimientos inquebrantables: la máxima calidad artística y el respeto total por la liturgia del concierto. Por esto no tuvimos dudas en contar con Jesús Reina (violín) y Alberto Martos (cello) para nuestro Triple Concierto de Beethoven y con Ginesa Ortega como cantaora para El Amor Brujo de Falla. Créame si le digo que ellos han tenido mucha culpa del éxito del concierto y de la gran repercusión del evento. Ya no puedo imaginarme otro escenario en el que no estén con nosotros.

A usted también pudimos verlo y de nuevo con “su” piano…

Así es. “Mi” piano y yo fuimos parte en el Triple Concierto de Beethoven. Como ya saben, siempre viajo con un magnífico Bösendorfer Imperial que llama la atención de todo el mundo por su imponente tamaño. Aún no he conseguido que me dejen entrar con mi Vespa al escenario, pero seguro que pronto lo lograre… Estoy pensando cambiar la banqueta del piano por el asiento de mi Vespa…

Y si no se tienen vaqueros y tablets, ¿se podrá tocar en esta orquesta…?

Por suerte todos tenemos unos vaqueros en casa… Y la cuestión de las tablets la resolvemos a través de patrocinadores que se encargan de que en cada atril haya una tablet lista para ser usada. Es sorprendente como los músicos se han adaptado a este nuevo sistema. Me maravilla ver como toman las anotaciones del Maestro Josep Vicent con solo un dedo en su partitura electrónica.

En su debut en Madrid, la HSO ha tenido como padrino de lujo a Santiago Segura… ¿Podríamos “asegurar” que la orquesta ha nacido como un “torrente”?

Creemos que fue una buena idea contar con él… Una de las sugerentes innovaciones de Concert in Jeans es la vinculación del proyecto con personalidades que aman la música clásica sin tener porque ser profesionales de la misma. De ahí el eslogan “Yo soy clásico”. Santiago estuvo desde el primer momento vinculado con este proyecto y quiso compartir ese día con nosotros. Además, presentó el concierto con su espectacular sentido del humor con lo que no podemos pedirle más. Será habitual verlo con nosotros y el 22 de mayo nos acompañará de nuevo al Palau de Barcelona. Además Alex González, actor de la serie “El Príncipe”, también hizo acto de presencia para apoyar este proyecto y reivindicar que ellos también son clásicos. 

También han tenido un buen debut discográfico en el sello IBS. ¿Algún proyecto más?

Un debut inmejorable. Imagine la batuta del Maestro García Asensio sumada a la incomparable guitarra de Joaquín Clerch creando una versión del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, única e inolvidable. Arriaga, con su Sinfonía, completa el primer trabajo discográfico de la Hispanian Symphony Orchestra que está haciendo las delicias del público y que está recibiendo inmejorables críticas (en RITMO fue disco del parade de marzo). Ahora tenemos nuevos proyectos discográficos sobre la mesa que estamos estudiando con calma.

Gracias Ambrosio por la entrevista y… ¡nos vemos el 22 de mayo en Barcelona!

Allí les esperamos a todos cargados de ilusión, energía y buena música. ¡Hasta pronto!

Gonzalo Pérez Chamorro

http://www.hispaniansymphonyorchestra.com/

Acceso artículo publicado en ForumClasico: Al concierto en vaqueros

 

Foto: Ambrosio Valero, a la derecha, junto a Santiago Segura, el actor Alex González y Emilio Rodríguez, a la izquierda, gerente de la HSO.

Acred:Eduardo Ortiz

Early Music Morella Mística

Early Music Morella Mística

Publicado: Mayo 2015
IV Curso Internacional de Música Medieval y Renacentista

Tras un recinto amurallado a más de 1000 metros sobre el nivel del mar se levanta, majestuosa, Morella. Situada en el tradicional paso entre el valle del Ebro y la costa mediterránea su situación estratégica provocó, a lo largo de los siglos, su esplendor histórico y cultural. El Cid, Jaime I, Blasco de Alagón, Benedicto XIII Papa Luna, San Vicente Ferrer o Fernando I de Antequera, son sólo algunos de los personajes que la hicieron florecer en la Edad Media, período del cual conserva su mayor patrimonio artístico.

Este hecho la convierte en el emplazamiento idóneo para albergar uno de los cursos de interpretación de música medieval y renacentista más importantes de Europa: Early Music Morella. Su IV edición tendrá lugar del 18 al 23 de julio de 2015 y estará dedicada a la Mística.

De la voluntad y la dimensión académica de Capella de Ministrers, encabezada artísticamente por Carles Magraner, este ensemble español, dedicado desde 1987 a la recuperación del patrimonio musical más antiguo y con más de 47 álbumes en su trayectoria, condensa su actividad didáctica con la realización de Early Music Morella, en el que conjuga la tradición con la música culta y la práctica con la teoría musical. Un Curso Internacional de Música Medieval y Renacentista especializado en el repertorio de los siglos X a XVI que palía la carencia de estudios y difusión de este singular repertorio. Esta IV edición del Curso y Festival Early Music Morella centra el punto de atención en la Mística, entendida como una experiencia universal y natural a las Tres Culturas, y en la que la música es fundamental para transportar la razón, el conocimiento y los sentidos.

El misticismo es un término complejo que engloba diferentes experiencias que parecen estar por encima de la razón y de la percepción normal de nuestros sentidos. Del griego mystikós, “cerrado, arcano o misterioso”, el término designa un tipo de experiencia compleja de alcanzar en que se llega al grado máximo de unión íntima y espiritual del alma humana con lo sagrado durante la existencia terrenal, pretendiendo salvar ese abismo que separa al hombre de la divinidad. Cristianos, judíos y musulmanes convivieron (comunes a esta experiencia) en las mismas tierras, construyendo un patrimonio común histórico-cultural que hoy día tratamos de recuperar y difundir.

En esta experiencia común a la simbiosis cultural que experimentó la Península Ibérica en la Edad Media, tuvieron una influencia fundamental figuras como la del cabalista y teólogo Ramón Llull y Santa Teresa de Jesús, al que Early Music Morella 2015 rendirá especial homenaje, coincidiendo con la conmemoración de sus centenarios. Un cartel de excelencia con 19 profesores internacionales llegados de algunas de los más prestigiosos centros de música antigua como la Schola Cantorum Basiliensis, el Real Conservatorio de La Haya, el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid o el Mannes School de Nueva York. Todo ello para especializarse en la interpretación de la música de los trovadores, el canto gregoriano y la monodia, el ars subtilior, la música de las Tres Culturas, en la interpretación de música tradicional y andalusí, la interpretación de las polifonías religiosas en torno al misticismo… A lo que se suman otras actividades como 4 conferencias, talleres, exposiciones de luthería, danza histórica y el Festival de Música Antigua Early Music Morella con 9 conciertos en los diferentes espacios históricos de esta villa medieval. En definitiva, todo lo que desde el nacimiento del canto gregoriano hasta las últimas polifonías del Renacimiento se pudo escuchar en Occidente y Oriente, transmitido tanto por tradición oral como escrita, tomando especial atención en esta edición al corpus musical hispano en torno a la espiritualidad, el sufismo y la mística.

Compartir, recuperar, interpretar, conservar y difundir nuestro patrimonio musical, conocer en definitiva el entorno social y cultural de nuestra historia más antigua, este es el objetivo fundamental del Curso Internacional de Música Medieval y Renacentista Early Music Morella.

http://www.culturalcomes.net/es/

http://www.capelladeministrers.es/

 B.T.

Interpretación de Música Medieval y Renacentista
Ian Harrison, Manuel Vilas, Catherine King, Paloma Gutiérrez del Arroyo, Isaac Alonso, Eva Narejos, Elíes Hernandis, Ignasi Jordà, David Antich, Anne Smith, Carles Magraner, Ariel Abramovich.

Interpretación de Música Tradicional
Carles Dénia, Begoña Olavide, Ahmed Sharif, Glen Velez y Lori Cotler, Eduard Navarro, Aziz Samsaoui.

Conciertos

· 18. 8.30 PM, Iglesia Arciprestal de Santa María

Mística-Paisajes sonoros del itinerario fundacional de Santa Teresa de Jesús
Capella de Ministrers

· 18. 10.30 PM, Teatro Municipal

Traditional Drums & Rythm Vocals
Glen Velez y Loire

· 19. 8 PM, Iglesia Arciprestal de Santa María

Concierto de Órgano (Órgano histórico de Turull)
Ignasi Jordà

· 20. 8 PM, Salón Gótico del Ayuntamiento

El éxtasis de la vihuela
Carlos González y Mabel Ruiz

· 20. 10.30 PM, Salón Gótico del Ayuntamiento

Antonio de Cabezón
Manuel Vilas

· 21. 8 PM, Salón Gótico del Ayuntamiento

La voz del salterio
Begoña Olavide

· 21. 10.30 PM, Convento de San Francisco

Música, danza y poesía sufí
Aziz Samsaoui, Ahmed Sharif, Eduard Navarro, Ian Harrison, Carles Dénia

· 22. 8 PM, Convento de San Francisco

La Mística del Renacimiento Español
Escuela de Ministriles, Alta Capella, Capilla Musical_LAB

· 23. 8 PM, Convento de San Francisco

La Danza de la Muerte
Concierto clausura

Foto: Carles Magraner, director artístico de Early Music Morella y de Capella de Ministrers.
Acreditación: 
Javier Ferrer

Vientos del Pueblo

Vientos del Pueblo

Publicado: Mayo 2015
Celebra su cincuentenario

La Coral “Vientos del Pueblo” es un coro mixto con sede en la población zaragozana de Borja, formado por una treintena de cantantes aficionados bajo la dirección de su fundador, Emilio Jiménez Aznar. El coro cumple este año cincuenta años ininterrumpidos de actividad musical, actuando como uno de los mayores dinamizadores de la vida cultural borjana.

La Coral “Vientos del Pueblo” conmemora sus Bodas de Oro este año 2015. Cuando en agosto de 1965 Emilio Jiménez, su director hasta la actualidad, fundó aquel “Orfeón de la Juventud Borjana” (y que tras su presentación oficial en 1966 tomó su nombre actual), probablemente no se le pasaba por la mente que cincuenta años después estaría soplando las velas de cumpleaños de ese mismo coro.

“Vientos del Pueblo” ha sido y es en Borja algo más que un coro al uso. Su implicación en la cultura de la localidad ha sido fundamental como dinamizador de otros proyectos; así, en 1967, de las inquietudes de aquellos jóvenes cantores, nacía el Centro Cultural CICAR, que con más de 200 socios contaba con secciones de teatro, conferencias, cine-club, deporte, etc. También la Parroquia de Santa María contribuyó dando techo a sus actividades culturales. Allí se fraguó en 1979, por iniciativa de “Vientos del Pueblo”, el I Curso de Canto Coral que sentó las bases para las Jornadas Internacionales de Canto Coral “Ciudad de Borja”, que vienen celebrándose anualmente hasta la actualidad.

Emilio Jiménez

Emilio Jiménez, motor de energía inagotable, ha empuñado la batuta del coro (y simultáneamente la de las citadas Jornadas) desde sus inicios, haciendo de un coro aficionado un instrumento de atinado sonido y buena técnica vocal, con el que ha llevado el nombre de Borja y sus músicos por todos los escenarios en que ha actuado. El repertorio es muy variado, aunque trabaja con profundidad la polifonía religiosa de los siglos XV a XVIII del rico archivo de la Colegial de Borja, estudiado y transcrito por el propio Emilio Jiménez, mereciendo especial reseña sus programas polifónicos durante la Semana Santa. “Vientos del Pueblo” no olvida sus raíces y siempre tiene un lugar para la música de compositores de Borja, habiendo estrenado también obras de autores aragoneses vivos.

En 1986, “Vientos del Pueblo” entró a formar parte de la recién constituida Federación Aragonesa de Coros como asociado número uno de la mano de Emilio Jiménez, cofundador de esta Federación y director del Archivo Aragonés de Canto Coral. Hay también que mencionar que, en diversos momentos de su historia, “Vientos del Pueblo” ha mantenido paralelamente un coro infantil que en 1984 obtuvo en Madrid el segundo premio del Certamen Nacional de UNICEF.

La Coral “Vientos del Pueblo” ha sido objeto de gran número de distinciones, como la Medalla de Oro de la Ciudad de Borja, Medalla Santa Isabel de la Excelentísima Diputación de Zaragoza, Farol Minero de la Felguera (Asturias), Nudos de la Amistad de Santa Pola (Alicante), Placa de Participación en la IV Semana Cultural Chamartín (Madrid), Placa del Ayuntamiento de Portugalete (Bilbao), así hasta más de trescientos recuerdos y galardones.

Cancionero Popular

En el apartado discográfico obran en su haber dos registros, el primero con obras del Cancionero Popular Religioso de Borja, del compositor borjano Ramón Borobia Paños y el segundo, un disco con ocho poemas de Ana María Aznar Villabona y música de Luis Fraca Royo. Igualmente han efectuado la grabación de “Auroras Tradicionales” para el archivo de Tradición Oral de la Diputación Provincial de Zaragoza, habiendo participado en grabaciones televisivas y radiofónicas que se iniciaron en 1969 con la interpretación del Himno de Teleclubs para la producción de Televisión Española “Adelante, Teleclubs”, siguiendo otras como la "Tarjeta de Felicitación de Navidad" de Radio Televisión Española en Aragón, a cargo del coro infantil en el Monasterio de Veruela, la participación en el “Ciclo Coral de Radio Nacional de España” en Aragón o la grabación del programa “Los Aragoneses”.

Entre agosto de 2015 y el mismo mes de 2016 la Coral “Vientos del Pueblo” organiza diversos actos conmemorativos, entre los que se encuentran un concierto que reunirá a muchos de los integrantes que han sido del coro en estos 50 años, haciendo un recorrido por los distintos repertorios interpretados. Durante las próximas Jornadas Internacionales de Canto Coral participarán en la Gala Lírica “Ramón Borobia Paños” con un programa de zarzuela, terminando el año con una actuación conjunta con la banda de música Agrupación Musical Borjana. Para 2016 existen varios proyectos más ligados a la efeméride y diversas actuaciones en Cantabria, San Sebastián, Navarra y Zaragoza.

Desde aquí felicitamos efusivamente a la Coral “Vientos del Pueblo” y a su alma mater Emilio Jiménez, con el deseo de que sigan muchos años más en esa misma sostenida e impagable labor cultural de difusión del canto coral.

Víctor Rebullida

https://es-es.facebook.com/CoralVientosDelPueblo

https://www.youtube.com/user/vientospueblo

http://www.vientosdelpueblo.org/

 

Foto: La Coral aragonesa “Vientos del Pueblo”.

Acred: Roberto García Pardo

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