Ritmo "On Line"
Con nombre propio
Un punto de encuentro con las actividades de
artistas y gestores musicales
Hinves Pianos

Hinves Pianos

Publicado: Noviembre 2015
Distribución y representación de Steinway & Sons en su nueva tienda de Madrid

Catalogados como los mejores pianos del mundo, Steinway & Sons dispone de un nuevo centro de distribución oficial en España. El pasado año, la compañía Hinves Pianos inauguró su nueva sede en Madrid, acompañada de amigos, familia, además de clientes y personalidades del mundo de la música.

Hinves Pianos destaca, sin duda, por situarse a la cabeza entre las empresas españolas en cuanto a venta de pianos, alquiler de pianos para eventos y conciertos, así como en transporte y servicio técnico de pianos.

Negocio consolidado

Hinves Pianos es una empresa de base familiar con sus orígenes en los años 80. Negocio consolidado, con mucha experiencia y cuya misión y objetivos son la transparencia en el asesoramiento y trabajo de calidad de manera exclusivamente profesional, con el esfuerzo y la ilusión como motor de su forma de vida. Solo con estas premisas han conseguido desde su fundación (hace más de 20 años) posicionarse en el mundo del piano como referencia, tanto para amateurs como para artistas del más alto nivel, pasando por profesionales, particulares e instituciones y organismos públicos y privados por toda España.

Los valores empresariales y forma de trabajo la compañía dan como resultado en una recíproca confianza y tranquilidad en todas y cada una de las fases de las relaciones comerciales que mantienen con el cliente.

El Centro Steinway & Sons de Hinves, además de la venta de pianos Steinway y sus filiales Boston y Essex, alberga pianos para venta seminuevos y de ocasión de otras marcas, tal y como lo viene haciendo desde hace años en su tienda de pianos en Granada.

Independientemente del grado de inversión que realice, en Hinves Pianos es una obligación y compromiso poner a su disposición el mejor piano en su segmento. Como apasionados de los pianos, apuestan porque todo aquel al que le fascine este mundo pueda formar parte él.

Ofrecen un servicio exquisito sin duda y puede estar seguro de que le estarán aportando la mejor relación calidad-precio del sector.  

Lucas Quirós

Datos de contacto de HINVES PIANOS

Distribuidor y Servicio Oficial Steinway & Sons para España
Sedes: 
MADRID: C/Francisco Gasco Santillán, 2 - 28906 Getafe (Madrid)
Tlfno: 915 134 778

GRANADA: Ctra. de la Sierra, 26 - 18008 Granada
Tlfno: 958 226 291

E-mail: pianos@hinves.com

Foto: Hinves Pianos distribuye y representa en España a Steinway & Sons.

 

Annalisa Stroppa, mezzosoprano

Annalisa Stroppa, mezzosoprano

Publicado: Noviembre 2015
“El Liceu me sonríe”

La mezzosoprano italiana regresa este mes al Gran Teatre barcelonés como Ascanio de Benvenuto Cellini, la ópera de Berlioz.

Vuelve al Liceu después de inaugurar la temporada del coliseo barcelonés el pasado año como Rosina y de cantar también Adalgisa en ese escenario. ¿Qué recuerdos tiene de ese teatro?

¡Un recuerdo maravilloso! Me encanta ese teatro, su belleza y su sonrisa: sí, ¿por qué no decirlo? El Liceu me sonríe. Lo hace a través de las luces de la sala y de un público con el que nos hemos cogido mucho afecto. Además, adoro al equipo humano del Liceu porque trabaja con pasión y dedicación, pero por encima de todo amo al público liceísta por su afectuosidad y cariño. Barcelona me ha dado la posibilidad de exhibirme en roles protagonistas y nunca olvidaré la estupenda acogida del público como Rosina y Adalgisa. Ahora podrán verme en un personaje en travesti...

Ya ha debutado en La Scala ¿Cómo se vive cantar tan joven en un teatro de tanta tradición? 

Me siento muy afortunada; soy consciente de la enorme tradición de este teatro y de la historia que lleva a sus espaldas. Por eso procuro disfrutar todo lo que puedo cada vez que canto en Milán. 

¿Qué piensa del Benvenuto Cellini de Terry Gilliam?

Se trata de una ópera muy compleja y es difícil ponerla en escena. La historia se inspira en las memorias del escultor Benvenuto Cellini, al cual Berlioz añadió la historia de amor del artista con Teresa; está ambientada en la Roma papal de Clemente VI y se centra en el encargo de su famoso Perseo. El montaje de Gilliam traduce perfectamente la idea de la ópera diversificando y valorando cada momento: son especialmente íntimas y maravillosas las escenas amorosas e imponentes y majestuosas las de conjunto; además creo que Gilliam ayuda a disfrutar de la música de Berlioz. Vale la pena citar el momento del martes de Carnaval durante el cual el escenario se abarrota: coro, solistas, extras, acróbatas, malabaristas, bailarines, todos contribuyendo a crear un espectáculo dentro del espectáculo. Otro momento interesante y solemne es la entrada del Papa. Durante el montaje, el espectador quedará cautivado por una explosión de color, de movimiento y de cambios de atmósfera. Será imposible que nadie se aburra.

Ascanio posee el aria más conocida de la ópera, “Mais qu'ai-je doncs?”, una pieza muy compleja: tiene que imitar la voz del Papa, de Balducci...

Sí, es una de las arias más conocidas de la ópera y un momento privilegiado para Ascanio, quien reflexiona irónicamente y resume todo lo acontecido en las escenas precedentes. Es un aria brillante.  

La cantante que creó el papel de Ascanio, Rosine Stoltz, también fue la primera Léonor de La favorite. ¿Ve a este personaje en su repertorio futuro?

¡Por supuesto! Me encantaría interpretar el papel. De hecho, el aria “O mio Fernando” fue mi caballo de batalla en el conservatorio...

¿Qué otros papeles ha cantado “en travesti”?

Me divierto muchísimo vistiendo ropa masculina e interpretando a hombres. Creo que es una suerte poder transformarnos de vez en cuando. Mi primer rol en travesti fue Cherubino en I due Figaro de Mercadante; después he interpretado al Cherubino mozartiano, el Orfeo de Gluck, a Stéphano de Roméo et Juliette y a Hänsel. Me gustaría interpretar a Romeo de I Capuleti, Nicklausse de Les contes d’Hoffman y, por supuesto, a Octavian de Der Rosenkavalier. Es un desafío interpretativo: procuro observar al máximo las actitudes y movimientos masculinos y de encontrar la clave para sumergirme en el personaje.

¿Qué compromisos futuros tiene en teatros españoles?

Seré Rosina de Il barbiere en la ABAO (Bilbao), Fenena en Nabucco en Menorca y Enrichetta de I Puritani en el Teatro Real de Madrid.

¿Y cuáles destacaría de su agenda internacional?

Tendré el placer de regresar a La Scala en diversas óperas: Rigoletto, Nabucco, Madama Butterfly y Falstaff. Debutaré el rol de Cenerentola en la Israeli Opera de Tel Aviv; Rosina en Monte-Carlo, Dorabella de Così fan tutte en la Opéra de Rouen y Carmen en el Festival de Bregenz. 

Una intensa actividad. Gracias por su tiempo.

http://www.annalisastroppa.it/

Lucas Quirós

 

Foto: La mezzosoprano regresa en noviembre al Liceu de Barcelona.

Acred: © Silvia Lelli

 

 

Brentano String Quartet

Brentano String Quartet

Publicado: Noviembre 2015
No es un cuarteto más

Es uno de los más prestigiosos cuartetos de cuerda de la actualidad, llevan más de dos décadas recibiendo el aplauso de público y crítica de Estados Unidos, Europa, Canadá, Japón y Australia, en célebres salas de concierto, como Carnegie Hall, Barbican Centre, Concertgebouw Amsterdam, Konzerthaus Viena, Sydney Opera House, etc. Su catálogo de programas supone un soplo de aire fresco en el mundo del cuarteto de cuerda. “El cuarteto Brentano es algo especial”, escribió el afamado crítico Paul Griffiths en el New York Times. “Delicado y fresco... Apasionado y fascinante”. La formación americana, que ya ha actuado en los Auditorios de Madrid, Barcelona y Tenerife, así como en el Palacio Real con los Stradivarius de la colección palatina, actuará este mes en Galicia, Madrid y Murcia.

En el programa, Schumann y Mendelssohn, y el último de los Cuartetos de la integral de Beethoven. Su interpretación de otro de los últimos Cuartetos beethovenianos, el Op. 131, es el  Leitmotiv del film A Late Quartet; incluso Nina Lee aparece al final, ¿cómo surgió el proyecto con Yaron Zilberman? 

Yaron es un entusiasta melómano. Nos vio interpretar el Op. 131, y nos propuso participar en su proyecto. La grabación se hizo antes de la película, así que fue casualidad que se convirtiera en la banda sonora. El papel del chelista que reemplaza al personaje de Christopher Walken estaba, en principio, pensado para un actor. Pero Yaron decidió que participase Nina en la película, como una especie de guiño con los músicos, ella es la chelista que sustituye a Peter. Antes del rodaje, tocamos el Op. 131 para los actores, para estudiar posiciones y gestos, y tuvimos oportunidad de hablar de la música con ellos. ¡Fue un momento inolvidable para nosotros! Nos hizo mucha ilusión ser parte de la película y estamos muy agradecidos a Yaron por habernos permitido acceder a un público que no nos conocía.

Más de veinte años son muchos años de ensayos, viajes... ¿Además de buenos músicos, hay que ser buenos amigos para hacer música juntos?

En el día a día de un cuarteto de cuerda se trabaja intensamente con las mismas personas con algo que todos amamos: la música. Nuestro reto es crear una visión conjunta de la obra, que cuatro individuos suenen como si se tratase de uno solo, y hacerlo una y otra vez durante años. Si no se comparten propósitos y valores musicales y humanos, no es posible hacer bien este trabajo. La relación en un cuarteto, como en otras relaciones duraderas, exige confianza, sinceridad, respecto, paciencia… Si ya es difícil entre cuatro amigos, ¡imagínese lo difícil que sería entre cuatro personas que no se lleven bien entre ellas!

Repertorio clásico, romántico, y también contemporáneo; obras de Charles Wuorinen, Gubaidulina, Harbison, Vijay Iyer, Bruce Adolphe... Celebraron su primera década con  el encargo a varios compositores de piezas que dialogan con los movimientos de El arte de la fuga de Bach; en su vigésimo aniversario, Fragmentos, un proyecto que conecta pasado y presente, ¿algún otro proyecto con compositores del siglo XXI?

Tenemos varios proyectos con compositores que ya han colaborado con nosotros, como Steven Mackey, Shulamit Ran y Stephen Hartke, y también, con otros nuevos, como Matthew Aucoin y David Gompper. La mayoría son para cuarteto de cuerda, pero hay quintetos con violonchelo y clarinete. Para nosotros siempre es emocionante implicarnos en el nacimiento de nuevas obras y tener el privilegio de estrenarlas. Y que esas obras sigan teniendo vida más allá de nuestro grupo; un buen número de obras encargadas por nosotros ya forman parte del repertorio, lo cual es muy satisfactorio.

Más de dos décadas actuando en las mejores salas de concierto del mundo es un claro referente de que el público les apoya, ¿cuál es el secreto de su éxito?

No existe una fórmula secreta. Nosotros lo atribuimos a la combinación de buena suerte, buena actitud y trabajo duro. La suerte de conocer a gente, al inicio de nuestra carrera, que creyó en nosotros y nos apoyó, como Mitsuko Uchida o el compositor Bruce Adolphe, y más adelante, dos matrimonios muy amables y pudientes, a quien agradecemos nuestros magníficos instrumentos y nuestra primera residencia universitaria, en la Princeton University. Una buena actitud implica confianza, respeto y tolerancia. También lograr un buen equilibrio entre nuestro ideal artístico y las necesidades de promotores y  público a la hora de seleccionar el programa, por ejemplo. Y trabajar duro, porque nuestro principal trabajo es tratar de sonar lo mejor posible, dar lo mejor de nosotros y conseguir la mejor interpretación. Y todo esto, en medio del caos de los viajes, y un montón de detalles adicionales, es sorprendentemente fácil de olvidar. 

http://www.brentanoquartet.com/

Lorena Jiménez

Foto: El Cuarteto Brentano prepara una gira por España en noviembre.
Acred: © Peter Schaaf

Ximo Vicedo

Ximo Vicedo

Publicado: Noviembre 2015
El trombón soñado de Europa

“Busco que el público entienda los sentimientos que cada compositor ha transformado en melodía y armonía. Intento que mi sonido sea como el instrumento perfecto que es la voz. Canto a través del trombón”

España guarda innumerables tesoros históricos a lo largo y ancho de sus tierras, además de ser cuna de grandes artistas y pensadores, cuyas obras han reinventado la forma de percibir el mundo en todos los aspectos. Justamente, en la localidad alicantina de Castalla, nace el sueño del trombonista Ximo Vicedo, sueño que poco a poco se fue convirtiendo en un proyecto de vida, que hoy se ha materializado dando forma a su primera producción discográfica “Lo Soñado”.

Desde muy joven, Ximo se enamoró del sonido del trombón, emprendió su carrera musical entre varias orquestas nacionales, actualmente es solista de la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, y además comparte sus conocimientos con los estudiantes de la Escuela Superior de Música Katarina Gurska.

Un sueño

Con el paso del tiempo pudo notar que la condición solista de su instrumento era poco conocida por el público, y comenzó a idear la manera de darle un nuevo aire… Ximo comenzó a soñar con un trombón de grandes solos, que tuviera el protagonismo que pueden alcanzar muchos otros instrumentos musicales. Fue un sueño que lo ha llevado a trabajar hasta destacarse entre los principales trombonistas de Europa y el mundo.

Para este artista, el trombón, al igual que otros instrumentos, debe convertirse en un comunicador universal, siendo capaz de hablar y cantar para que todo el mundo lo entienda. “Busco que el público entienda los sentimientos que cada compositor ha transformado en melodía y armonía. Además intento que mi sonido sea como el instrumento perfecto que es la voz. Canto a través del trombón”, comenta Ximo Vicedo al preguntarle cuál es su propuesta musical. Está muy claro: pretende darle vida propia a su instrumento, y en “Lo Soñado” lo ha alcanzado.

Todos los temas de esta producción, publicada bajo el sello discográfico CMBK,  fueron dedicados íntegramente al repertorio de trombón acompañado por diferentes formaciones instrumentales (piano, quinteto de metales y coro de trombones). Además, fueron escritas únicamente por compositores españoles de la talla de José Rafael Pascual-Vilaplana, Santiago Miguel Alarcón, Miguel Guerra Arévalo, Ricardo Mollá Albero, Ramón García i Soler, Lusa Monllor Mollá, Salvador Brotons y Fernando Velázquez.

Estas piezas fueron especialmente dedicadas por sus compositores al artista castallense, quien fue responsable de darles vida con su trombón, acompañado por grandes músicos como el gran pianista Pepe Gallego, Friends Trombon Choir y Spanish Brass Luur Metalls.

Ximo Vicedo es Artista STOMVI desde 2011, y en su trabajo junto a Vicente Honorato, constructor de instrumentos de metal (trompetas, trombones y trompas) y presidente de STOMVI (fábrica de instrumentos ubicada en Valencia), buscan el sonido perfecto del trombón, mejorándolo estructuralmente, desarrollando avances para que su sonido se parezca a la voz humana, con la convicción de que los instrumentos de metal, especialmente el trombón, sean considerados al mismo nivel que todos los demás.

Aunque no parece ser una empresa fácil en la que este joven músico se ha embarcado, su empeño, su calidad musical y su constancia parecen ser la fórmula perfecta para convertir los sueños en realidades con melodías que prometen cambiar la forma en que el mundo ha escuchado el trombón hasta el día de hoy.

Harianned Chaurel

“Lo soñado” está a la venta en http://www.ximovicedo.com y disponible para descarga digital en iTunes, GooglePlay y Amazon mp3

http://ximovicedo.com/

 

Royal Opera House Muscat

Royal Opera House Muscat

Publicado: Noviembre 2015
Música en el país de “Las mil y una noches”

Siglos después de su nacimiento literario, la voz de Scheherezade aún susurra al suroeste de Omán entre las ruinas de Ubar, la legendaria ciudad perdida de “Las mil y una noches”. El propio nombre del país, atrapado entre las montañas de piedra de Al Hajar y acariciado por las tranquilas aguas del golfo de Omán y el mar Arábigo, evoca el embrujo y los misterios de Oriente. Omán, el territorio que los geógrafos romanos bautizaron como Arabia Felix, es tierra de sultanes, árida tierra donde crece el árbol del incienso, esa resina del olíbano, envuelta en un sinfín de leyendas, que durante siglos fue más valorado que el oro.

Del sur de Omán partían las caravanas de camellos que portaban hasta Egipto, la Roma Imperial y las urbes mediterráneas, las preciadas resinas sagradas que servían para aplacar a los dioses, embalsamar a los muertos y curar enfermedades. Según la leyenda, en Omán cargaron los Reyes Magos de Oriente sus camellos con dones preciosos de incienso y mirra para llevarlos hasta el portal de Belén como obsequio al recién nacido Niño Jesús. Cuentan que el sur del país, cerca de Salalah, acoge las ruinas del palacio en el que vivió la mítica reina de Saba. Dicen que los marineros del Sur, descendientes de navegantes e intrépidos mercaderes, que recorrieron en sus modestos dhows las costas del Océano Índico comerciando desde el Mar Rojo hasta China, son hijos del legendario Simbad el Marino, que allí inició sus épicos viajes.

Muscat, ciudad de ensueño

Bañada por la particular luz de Arabia y las increíbles aguas azules del océano Índico, Muscat, sede del palacio del Sultán y capital del Estado, es todavía hoy en día una ciudad de ensueño que  desprende aroma a mar y a especies. En la pequeña metrópoli omaní, una de las ciudades más antiguas de Oriente Medio, no hay lujosas extravagancias, ni los rascacielos más imponentes dominan el horizonte como en la vecina Dubái. En Muscat, aún puedes perderte en el laberinto de aromas, colores y sensaciones del Suq de Mutrah o pasear entre palmeras por el exclusivo barrio residencial Shatti Al-Qurm, donde se encuentra la Royal Opera House Muscat (ROHM),  mucho más que un teatro de ópera.

Por decisión expresa del actual sultán Qaboos bin Said al Said, gran amante de la música clásica y creador de la ROHM, su filosofía de programación se basa en la música como dialogo global e intercambio cultural en interés de la paz y armonía mundiales; los conciertos sinfónicos, los conciertos de cámara, las músicas del mundo o la danza y el ballet, también están presentes entre los ochenta espectáculos al año que programa el coliseo omaní, atalaya cultural de Oriente Medio. La atmósfera mágica y exótica de Omán envuelve este teatro de ópera, único en la Península Arábiga, cuyo exterior al estilo de un moderno palacio omaní de inmaculado mármol blanco, rodeado de jardines, es una obra de arte en sí mismo.

Kaufmann en Muscat

El teatro de ópera de estilo italiano con la mejor acústica del mundo, inaugurado en octubre del 2011 con la ópera Turandot de Puccini, cumplió esta temporada su primer lustro coincidiendo, además, con los 45 años de reinado del popular sultán Qaboos y los 30 años de la creación de la Royal Oman Symphony Orchestra. Y para celebrar el inicio de temporada de este quinto aniversario, su nuevo director artístico, el italiano Umberto Fanni, eligió al tenor de moda, el alemán Jonas Kaufmann, que se suma así a la larga lista de destacados artistas internacionales que han desfilado por el escenario de la Royal Opera House de Muscat.

Bajo la batuta de su compatriota Jochen Rieder y acompañado por la Czech National Symphony Orchestra, el aclamado tenor alemán hizo su debut en la Royal Opera House de Muscat con un recital, intercalado de bellos preludios orquestales y oberturas, que incluyó las más famosas arias de Verdi, Puccini, Mascagni, Leoncavallo, Bizet y Massenet (leer los subtítulos de tan famosas arias en árabe, a través de la pantalla táctil de los asientos, resulta de lo más exótico). Tras finalizar con la famosa aria de Turandot “Nessun Dorma”, un entusiasmado Kaufmann despidió al público con cuatro propinas que los asistentes agradecieron con grandes aplausos.

Al día siguiente, tuvo lugar el Concierto Aniversario de la Orquesta Sinfónica Real de Omán, la primera orquesta sinfónica de estilo occidental, compuesta en su totalidad por músicos omaníes, que este año cumple treinta años. El milanés Nicola Paszkowski fue el encargado de dirigir a la orquesta en un programa especial aniversario dedicado a Omán, que incluyó obras de Aziz Al Shawan, Youssuf Shawki, Shirvani Chalaev, Lalo Shifrin y Hamdan al Shaeky. Un público mayoritariamente local, de hombres ataviados con sus impecables dishdashas y turbante muzzar, y mujeres con hijab, abayas y bolsos de firma, ovacionó a su orquesta en esta mágica velada de música omaní, en el fascinante entorno de la Royal Opera House de Muscat.

http://www.rohmuscat.org.om/

Lorena Jiménez 

Foto: Concierto Aniversario por la Orquesta Sinfónica Real de Omán, compuesta en su totalidad por músicos omaníes, que este año cumple treinta años.
Acred: © Royal Opera House Muscat / Khalid Al Busaidi

XXI edición del Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

XXI edición del Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2015
Tradición y vanguardia en el Somontano de Barbastro (Huesca)


La presencia de instrumentos melódicos junto al órgano es una de las señas de identidad de este Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad, que se celebra cada año en el santuario de la ciudad oscense y un gran atractivo para el público que asiste a las actuaciones.

Desde su primera edición en 1995, ha llegado a constituirse en un referente de los festivales de música de Aragón, con reconocida calidad artística, larga tradición y arraigo popular. Esta consolidación ha quedado manifiesta por la gran afluencia de asistentes, más numerosos que en ediciones anteriores.

Inauguración con trompeta y órgano

El primer concierto corrió a cargo del dúo de trompeta y órgano formado por Ángel San Bartolomé y José Santos de la Iglesia, respectivamente. Los músicos ofrecieron un programa centrado en el Barroco (en las obras a dúo). Las dos obras para órgano solo que interpretó José Santos de la Iglesia mostraron la riqueza tímbrica del gran órgano de Torreciudad, con sus 4.072 tubos, obra de Gabriel Blancafort, Maestro organero. Destacar las Variaciones sobre Merck toch hoe sterc, donde Santos consiguió combinaciones de registros contrastantes que daban dinamismo a la pieza, cargada de una profunda melancolía. El público disfrutó con el Concierto en si bemol mayor de Albinoni, una obra brillante, melódica, luminosa, del popular autor veneciano, pieza que cerró el recital.

Sociedad Coral de Bilbao

La segunda actuación se enmarcó dentro de los actos celebrados con motivo de la festividad de la Virgen de Torreciudad. La Sociedad Coral de Bilbao, dirigida por Julio Gergely, fue la encargada de conmemorar esta fiesta con un programa romántico, acompañados al órgano por Gerardo Rifón.

El programa comenzó con un Ave María para coro de mujeres, a la que siguió Hör mein Bitten de Felix Mendelssohn, donde la solista Isabel Sanz alternó su canto con el coro. La obra central fue el Te Deum, también de Mendelssohn, pieza muy adecuada por tratarse de un himno de acción de gracias, coincidiendo con la celebración del 40 aniversario de la inauguración del santuario. Pudo escucharse un Mendelssohn genuino, interpretado con un excelente cuidado de los matices.

El auditorio no se conformó con el programa previsto, y la coral cantó tres bises, entre los que destacó el Aita Gurea del Padre Madina, obra sobrecogedora de grandes contrastes, y el Ave de Torreciudad, melodía que interpretó en el 25 aniversario del santuario el Orfeón Donostiarra. En aquella ocasión les acompañaba igualmente el organista Gerardo Rifón, quien decidió rescatar la partitura, preparando para esta ocasión un arreglo completamente original.

Dos organistas al unísono

La participación internacional vino de la mano del matrimonio Michel Bouvard (Francia) y Yasuko Uyama Bouvard (Japón). El repertorio elegido incluía obras inglesas y francesas de los siglos XVI y XVII, escritas para tres y cuatro manos, abriendo y cerrando el concierto con sendas transcripciones de Mozart. La viveza y pulcritud de la escritura de estas obras quedaron patentes en la magistral ejecución de las mismas por parte de los organistas.

En este concierto, la interpretación conjunta de dos organistas acentuó decisivamente el efecto orquestal del instrumento. En varias de las obras hubo un marcado diálogo entre el órgano de coro, más pequeño, y el órgano de tribuna, de forma que el resultado pudo asimilarse en ocasiones a un concierto para solista y orquesta.

En el popular Preludio al Te Deum de Charpentier, el órgano lució su mejor trompetería. Fue ésta quizá la obra más comentada junto a Musètes de Choisi et de Taverni enchainées de Couperin, una original y hasta divertida composición poco conocida.

El saxo de Iturralde con Aranzabal al órgano

Para la clausura del Ciclo, la organista titular del santuario, Maite Aranzabal, formó dúo con el gran saxofonista, clarinetista y compositor Pedro Iturralde, interpretando siete de sus obras. Este músico navarro ha alternado, a lo largo de su vida, las tareas pedagógicas con la interpretación del jazz, su gran pasión. Su gran preparación técnica y su conocimiento exhaustivo de la música clásica le han hecho poseedor de un estilo propio que rezuma ingenio y talento interpretativo.

La presentación de las piezas las hizo el propio Iturralde, lo cual permitió una mayor cercanía con el público. Era la primera vez que este compositor tocaba todo un programa solista con acompañamiento, fórmula delicada y muy exigente. Él mismo manifestó: “la propuesta de este concierto con órgano, interpretando mi propia música, me pareció un reto interesante”. El resultado fue una espectacular experiencia sonora, en la que el sonido del saxo, especialmente, llenó con fuerza el interior del templo y de admiración el ánimo de los presentes. Hubo unanimidad en calificar la actuación como concierto especial y único.

Homenaje a Granados, Miniatura Impromptu, Balada Galaica, Suite Helénica, El Molino y El Río… fueron sucediéndose “in crescendo” hasta culminar con Memorias, una de las obras más emblemáticas de Iturralde.

Aranzabal, por su parte, mostró un excelente dominio del órgano y realizó una obra maestra en su labor de acompañamiento, recibiendo una gran ovación final del público y los elogios de Iturralde, muy satisfecho del resultado.

Más información

Santuario de Torreciudad

http://www.torreciudad.org/ciclo-organo/ 

Por: M. J. Egido - M. Aranzabal

Foto: Pedro Iturralde y Maite Aranzabal durante los ensayos para clausurar brillantemente el Ciclo.
Acred: J. A. Arregui y P. Pérez Tomé

 

José Manuel Dapena

José Manuel Dapena

Publicado: Octubre 2015
“Un excelente intérprete, con un sonido redondo y fuerte” (David Russell)


RINCÓN MÁGICO
Integral para guitarra sobre los manuscritos originales y transcripciones de obras para piano de Joaquín Turina.

El maestro Joaquín Turina (Sevilla, 1882-Madrid, 1949) dedicó gran parte de su producción a la música para piano, su instrumento predilecto del que, además, fue notable intérprete. Para guitarra escribió originalmente cinco piezas, más que ningún otro compositor no guitarrista entre los destacados del nacionalismo español de la primera mitad del siglo XX. En el presente CD encontramos transcripciones de obras originales para piano realizadas por el propio intérprete José Manuel Dapena, y las cinco piezas originales para guitarra en versiones que tienen en cuenta las copias de los manuscritos aparecidos durante los últimos años.

Una de las razones que ha llevado al intérprete a la transcripción de algunas obras originalmente escritas para piano por el maestro sevillano ha sido la inclusión de Orgía, tercera de sus Danzas Fantásticas Op. 22, pieza exitosa y sobradamente conocida por el público en general.

El compositor y nieto de Joaquín Turina, José Luis Turina aconsejó al guitarrista arreglar las Danzas gitanas Op. 55, por tener una tesitura muy parecida a la de la guitarra. Hay veces que aparecen acordes típicos del instrumento, repeticiones de notas en trémolo, imitación del rasgueado de la guitarra, rara vez pasa del Re de la sexta cuerda en el grave y algunas veces aparece la escritura del piano con dos claves de Sol, lo que hace que la transcripción sea más sencilla.

En los jardines de Murcia, de Cuentos de España Op. 20, el guitarrista ha buscado una obra donde la melodía pudiese ser tocada en la guitarra sin problemas, con un acompañamiento romántico en La mayor, cuyo arpegio resulta muy guitarrístico.

Sevillana, Fandanguillo, Ráfaga, Sonata para guitarra y Homenaje a Tárrega son los títulos de las obras que el compositor sevillano escribió originalmente para la guitarra. Estas obras fueron compuestas entre los años 1923 y 1932, época de creación de varias de las obras más significativas de su catálogo, por lo que se puede considerar un factor más para valorar su importancia. Gracias a Andrés Segovia se superan prejuicios de la época sobre las posibilidades de la guitarra como instrumento de concierto y se amplía considerablemente su repertorio con obras de compositores no guitarristas, algo poco habitual hasta entonces. No obstante, se han encontrado unas 965 diferencias entre los manuscritos originales del autor o de copista y las ediciones de Schott y Columbia editadas en su día por Andrés Segovia. Una nueva edición de la obra completa para guitarra de Joaquín Turina, publicada en Schott en el año 2009 (ED 9540 ISMN 979-0-54001-008-9), recoge estas diferencias agrupadas según diversos parámetros musicales, como el ritmo, dinámica, articulación, estructura, tempo y otros aspectos clave para el intérprete.

Por Marián Álvarez Benito

... AL PIE DE UNA GUITARRA
Música para guitarra inspirada en la poesía de Miguel Hernández.

Durante el año 2010 el guitarrista José Manuel Dapena realizó una serie de conciertos con el Instituto Cervantes para conmemorar el centenario del poeta español Miguel Hernández, en ellos acompañaba con la guitarra la lectura de poemas que tuviesen relación con alguna obra escrita para el instrumento. Esta es la idea principal de este disco.

Así, Miguel Hernández describe las ciudades de España, al igual que Albéniz en su Suite española, con preciosos poemas donde por ejemplo el texto y la música describen a Sevilla como “Ciudad de manzanilla”, con ese aroma del típico vino andaluz. Hernández dedicó un gran poema a García Lorca, al igual que Asencio lo hizo con un gran tango en el que se menciona la guitarra. Este es el poema que da título al disco y sirve de inspiración al guitarrista para seguir con La muerte de Eduardo Sainz de la Maza, en el cual el poeta grita su famosa frase “Callo después de muerto”.

La Serenata Granada T.61A recibió varios números de opus, según las diversas ediciones. En una carta a Rafael Moragas, Albéniz la describe como “una serenata romántica hasta el paroxismo y triste hasta el desespero. Y por encima de todo, un lamento desentonado y desgarrador”. Fue la primera pieza de Albéniz transcrita para guitarra por Tárrega, en la tonalidad de Mi mayor, con tan gran fortuna que se convirtió en una obra canónica del repertorio guitarrístico, a pesar de estar escrita para una guitarra de envergadura menor y que utiliza cuerdas de tripa.

José Manuel Dapena ha escrito su propia transcripción en Re mayor para una guitarra del siglo XXI, colocando una cejilla especial que sólo pisa las cuatro primeras cuerdas y mantiene las dos últimas al aire. En esta versión de Dapena hay por tanto muchas más cuerdas resonando al aire, los adornos se resuelven con facilidad e incluso existen partes en las que el guitarrista pisa notas antes y después de la cejilla, consiguiendo así acordes nuevos para el instrumento.

Puesto que Mallorca de Albéniz y el Capricho Árabe de Tárrega se parecen mucho en cuanto a su sonoridad guitarrística, Dapena ha escrito su nueva versión como un homenaje a Tárrega, emulando los ligados, los acordes, las escalas y arpegios típicos del Capricho Árabe en la pieza de Albéniz. La versión de Dapena parece más simple que otras transcripciones, pero en la segunda parte de la obra, la guitarra se comporta como un piano y el guitarrista se enfrenta a una técnica conocida, típica del instrumento. En terminología estética actual, diríamos que se trata de una “apropiación” antes que de una “transcripción”.

Por Xoán M. Carreira


Discografía
 

RINCÓN MÁGICO. Obras de TURINA. José Manuel Dapena, guitarra.
Air Classical, ACCD001 (CD)


... AL PIE DE UNA GUITARRA. Obras de ALBÉNIZ, SAINZ DE LA MAZA, VICENTE ASENCIO y BROUWER. José Manuel Dapena, guitarra.
Air Classical, ACCD002(CD)


La iniciativa del guitarrista español José Manuel Dapena se corresponde con la de una generación de músicos con iniciativas independientes a la trayectoria de un sello discográfico ya establecido en el mercado. Su proyecto recibe el nombre de Air Classical, un sello propio que permite descargarse los discos desde internet en formato mp3 a un precio muy ajustado; además, la web incluye un apartado de partituras. Su creador, alumno de David Russell y de José Luis Turina, ya ha grabado dos discos y los ha alojado en su web y en plataformas como Amazon. El primero, Rincón Mágico, recopila la obra completa para guitarra de los manuscritos de Joaquín Turina, una encomiable labor que interesará a los estudiantes de guitarra porque, lejos de las personales versiones de Andrés Segovia, presenta el original según fue concebido. El segundo disco, …al pie de una guitarra, es una selección de obras inspiradas en la poesía de Miguel Hernández, entre ellas el Tango de la casada infiel y la Suite Mística de Vicente Asencio y los Preludios epigramáticos de Leo Brouwer. Un nuevo punto de vista al repertorio, una ejecución impecable y la inclusión del material en internet confieren un enorme valor a la propuesta de Dapena.

Por Esther Martín

http://www.airclassical.com

http://www.manueldapena.com

2. Weimarer Bachkantaten-Akademie

2. Weimarer Bachkantaten-Akademie

Publicado: Octubre 2015
Un festival diferente

Siempre hay una buena excusa para viajar al corazón de Alemania y visitar Weimar (y no sólo para melómanos). No existe otro lugar que esté tan ligado a la historia y la cultura de Alemania como Weimar. En la pequeña ciudad del estado federado de Turingia, antigua capital del Ducado de Sajonia-Weimar-Eisenach, late el corazón cultural de Alemania. Cuna de la esencia de la intelectualidad germana y Capital Europea de la Cultura (1999), fue  la ciudad que atrajo a  artistas como Lucas Cranach el Viejo en el siglo XVI, y la ciudad donde Walter Gropius fundó la Staatliche Bauhaus, que revolucionó los conceptos arquitectónicos y estéticos del siglo XX.

Weimar fue el trono desde el que reinó Goethe sobre la Alemania literaria del siglo XIX, y allí fijaron su residencia el filósofo y teólogo Johann Gottfried von Herder y el gran dramaturgo Friedrich Schiller por recomendación del poeta, novelista e intelectual, al que Thomas Mann definió como símbolo de la Alemania humanista. Deseoso de recuperar el prestigio artístico del que había disfrutado la ciudad en tiempos de Goethe, el Gran Duque Karl Friederich nombró Hofkapellmeister de la corte a Franz Liszt, que hizo de Weimar uno de los centros musicales más prestigiosos de Europa, convirtiendo la pequeña ciudad en meca musical de los compositores más avanzados de la época. En la ciudad ducal presentó Liszt la música de sus contemporáneos Berlioz, Schumann y el joven Wagner, de quien estrenó Lohengrin, dio clases a Hans von Bülow y al joven Joseph Joachim, entre otros, y desarrolló su faceta de compositor, escribiendo piezas para piano y canciones, sus célebres 12 poemas sinfónicos y sus dos Sinfonías programáticas Fausto y Dante.

Pero, para los amantes de Bach, Weimar es, sobre todo, la ciudad en la que el genio de Eisenach compuso la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano y también, la ciudad en la que compuso sus primeras cantatas.

Ciudad del siglo XVIII

La Weimar del siglo XVIII estaba muy lejos de ser la gran ciudad de los tiempos de Liszt, de Goethe y Schiller, o lo que llegaría a ser en el siglo XX. Era una pequeña ciudad, donde reinaba el duque Wilhelm Ernst, que a pesar de sus ideas absolutistas, era un hombre con un alto interés por la cultura y en particular por la música. En dicha ciudad permanecería Bach durante casi una década al servicio del duque, en su doble función de organista de la corte y Kammermusicus, y escribió para la iglesia sus primeras grandes composiciones de órgano y para los conciertos de cámara, las de clave. En 1714, el duque nombró a Bach Konzertmeister, lo que le obligaba a ejecutar cada mes una composición nueva y a dirigir los ensayos de los músicos de capilla. “Una composición nueva” significaba una cantata cada mes para la iglesia.

En el verano de 2014, por primera vez, 70 estudiantes de 18 países residieron durante dos semanas en Weimar para ensayar en el histórico lugar las Cantatas de Bach con Helmuth Rilling, uno de los más grandes intérpretes bachianos de nuestro tiempo, que a sus 82 años sigue llevando la música de Bach por todo el mundo. En agosto de 2015, por segundo año consecutivo y tras el extraordinario éxito de la primera edición, organizada por las Thüringer Bachwochen, en colaboración con la Hochschule für Musik Franz Liszt de Weimar y Amigos de Helmuth Rilling e. V., coristas procedentes de países tan dispares como Japón, Argentina, Uruguay, EE.UU, Israel, Austria, Ucrania… e instrumentistas internacionales, asistieron en Weimar a las masterclasses de Helmuth Rilling, que contó con el apoyo de la experta directora de coro Kathy Saltzmann Romey.

6 conciertos-conferencia

Los resultados de este trabajo se pudieron comprobar en los 6 conciertos-conferencia de carácter público, que tuvieron lugar en las iglesias de Mühlhausen, Arnstadt, Weimar y, este año, por primera vez, en Leipzig. La Weimarer Bachkantaten-Akademie no es un festival más en la extensa lista de festivales de verano; es una experiencia inolvidable para los estudiantes, y una oportunidad única para los melómanos de escuchar las Cantatas de Bach en su lugar de origen con uno de los grandes expertos de la actualidad, de una forma nueva. Rilling explicó a la audiencia, paso a paso, las arias, recitativos y corales de cada Cantanta, que dirigió con su habitual gesto suave. Grandes aplausos y ovaciones de pie, fue la respuesta de un público, que conoce y ama profundamente a Bach y llenó los bancos de las iglesias, que abrieron sus puertas para los conciertos de este particular festival.

http://www.thueringer-bachwochen.de

Por: Lorena Jiménez

Foto: Congregación en Weimar para ensayar en el histórico lugar las Cantatas de Bach con Helmuth Rilling.
Acred: Jens Haentzschel

Davide Livermore

Davide Livermore

Publicado: Septiembre 2015
Pasión y entrega al frente de Les Arts

Recientemente nombrado intendente y director artístico del Palau de les Arts de Valencia, como le gusta recordar continuamente, “desempeño doble función artística y de gestión”, Davide Livermore asume un Teatro de primera fila mundial, que en 2015 cumple se décimo aniversario, con un pasado muy reciente y también conflictivo. Este italiano de Turín, que se declara seguidor incondicional del Torino y, por tanto, no muy amigo de la Juventus, defiende el trabajo en equipo y apuesta por la renovación de repertorio, persiguiendo una meta: posibilitar la ópera, su arte y la belleza a cualquier grado social de la población. Nos habla de su concepción del trabajo y de lo orgulloso que se siente del quipo que le rodea. Y coincide en el acierto del nombramiento de los tres directores de orquesta para dirigir a la fantástica formación sinfónica estable de Les Arts. La foto que pisa este texto fue tomada durante la presentación de la nueva temporada, el primer reto para este pasional conversador. 

¿Cómo hay que tratarlo? ¿Cómo director de escena o como ya intendente-director artístico?

Ese no es mi problema, ese es su problema… Es cierto que puedo estar en la parte administrativa y en la parte artística, pero debo recordarle que esto no es una novedad, ya se había hecho antes y se hace, ya que en gran parte de los teatros de Europa la misma persona tiene estos dos cargos y responsabilidades, la dirección de escena y la intendencia artística. En mi opinión, ser director de escena es tener un buen perfil para ser intendente. Cuando los escenógrafos creamos un espectáculo, no estamos lejos de la parte de producción, de las cuestiones técnico-administrativas. Un director de escena no elige ideas, hace que las ideas se puedan concretar. Po este motivo un director de escena tiene un perfecto conocimiento de la parte administrativa, técnica, dramatúrgica y musical de un teatro. Creo que con esto he contestado a su pregunta…

Es como si para llegar a ser ministro de sanidad tuviera antes que haber sido médico…

Exactamente. Pero ahí no siempre ocurre… Un buen médico puede conocer muy bien los problemas internos como un director de escena conoce todos los entresijos en cada producción de un teatro. Son dos actividades que están relacionadas, deben de enriquecerse, si conoces el funcionamiento interno, puedes desarrollar mejor el trabajo.

¿Qué cree que Valencia espera de usted?

Desde que estuve en Valencia por primera vez, la gente siempre me hablaba de un hecho que para mí estaba muy claro, que es la capacidad que debe tener este Teatro de mostrar todas las bellezas que ha hecho, que está haciendo y que hará. Hasta ahora, creo que no se ha comunicado todo esto como debiera. Debe representar una parte fundamental de la vida cultural de esta ciudad y de esta región, así como de la vida cultural española. Ya lo es a nivel de calidad en los espectáculos, en los cuales en los últimos tres años he tenido la suerte de participar y ser protagonista activo, lo cual me llena de orgullo. Es importante tener claro que la capacidad de un teatro para impactar a nivel de comunicación debe llegar a todos los niveles, no solo a la élite cultural de la ciudad. Y que puede llegar a cambiar la calidad de la vida de la gente. Yo nací en un barrio popular, de los llamados obreros, en el seno de una familia normal, como mucha gente. Cuando era pequeño, la calidad de la oferta cultural de mi ciudad, Turín, en los años setenta, pudo cambiar mi vida, ya que podría decir que fui “educado en la belleza” desde niño. Mi deseo de hacer teatro fue la razón por la que encontré la belleza, tanto de los sentimientos como de la educación del alma. Esto es lo que yo quiero hacer con los jóvenes de esta ciudad y esta región, dar una oportunidad a la belleza que aún no conocen y que son capaces de admirar. Tienen que sentir que el Palau de Les Arts es su casa, y no solo la casa de la élite, aunque esta sea muy importante.

La ópera nació como un género para todos...

Exacto. Y es muy importante la excelencia en el nivel de calidad artística, ya que no podemos imaginar que haya un impacto en los espectadores con un espectáculo mediocre, ni con otro demasiado intelectual. Abrir el discurso a otros sectores de la población no significa disminuir la calidad de los espectáculos, que han estado muy arropados por la sociedad cultural valenciana, siempre muy involucrada con el Teatro. Hacer un discurso abierto a una comunidad no significa bajar el nivel de comunicación, significa aprender la belleza sensible.

¿Esto incluye programar títulos menos problemáticos, más populares…?

No, todo lo contrario. Creo que no existen ni títulos fáciles ni títulos problemáticos, existe la belleza de una partitura que necesitamos comunicarla. Sobre todo comunicar y descubrir el patrimonio musical lírico, ya que hay muchos títulos que merecen ser mejor conocidos, como en la temporada que ahora comienza, que no está hecha de Traviatas y Bohèmes. En esta temporada los títulos que no se conocen no son títulos problemáticos. Quiero comunicar con ellos la respuesta a la profunda curiosidad que tiene la gente a escuchar (y ver) cosas nuevas. Esto imprime emoción en el espectador, le provoca inquietud ante algo que todavía no ha tenido la oportunidad de conocer…

Como el precioso Narciso que cerró la temporada pasada, con su escenografía…

Para mí este Narciso es muy especial, ya que en el Teatre Martin i Soler nunca se ha hecho un espectáculo tecnológicamente tan complejo a nivel visual. Las proyecciones son impresionantes, de hecho las críticas del estreno en Austria fueron exultantes (el lector puede leer la crítica a estas funciones en el número de julio-agosto de RITMO). Fue un éxito en todos los sentidos, tanto visual, como le he dicho, como en un pleno artístico, tanto escénica como musicalmente. La visión dramatúrgica es acertada. Los decorados también y la interpretación musical, tanto en la parte vocal con los jóvenes cantantes del Centre de Perfeccionament “Plácido Domingo”, como en la instrumental. El Centre de Perfeccionament “Plácido Domingo” no es una academia, como se ha demostrado en las funciones de Narciso, es un centro de estudios donde los cantantes están comenzando su carrera y se muestran ante el público como profesionales que ya son. En ningún momento en Austria, en el estreno, se les ha llamado “estudiantes”, son profesionales jóvenes. Del mismo modo en Valencia el reparto fue en la misma línea, se ha profundizado a nivel técnico, interpretativo y cultural. El nivel obtenido por estos cinco jóvenes cantantes ha sido emocionante.

Cuándo le nombraron director artístico del Palau de les Arts…

Perdone que le interrumpa, pero me gustaría subrayar que además de director artístico, me nombraron intendente, ya que mi responsabilidad es artística y de gestión del Palau de les Arts, que quede esto claro…

Queda claro, y retomo la pregunta, cuándo le nombraron intendente y director artístico, ¿sus amigos en Europa le llamaron para darle la enhorabuena o para darle ánimos…?

Ninguno de mis amigos me llamó para recordarme la problemática que ha tenido el Palau de les Arts, todo lo contrario, la gente que me conoce sabe que tengo deseo, fuerza y gran pasión para realizar esta labor, por lo que todos me han dado la enhorabuena. Y tampoco entiendo porque me tendrían que dar ánimos, porque este es el mejor teatro a nivel humano, técnico y artístico. Habla alguien que viene  de teatros con extraordinaria historia, hablamos de la Fenice de Venecia o la Ópera de Roma. Sé de lo que hablo. La calidad humana y artística que me he encontrado en Valencia, y no lo digo como deferencia a mi actual situación de intendente y director artístico, lo digo con total sinceridad, ya que cuando ensayé mi primera producción hace unos dos años y medio en este teatro, que fue La bohème con Riccardo Chailly, no podía creerme la calidad artística y la calidad humana del equipo; entonces aún no estaba en la situación que estoy ahora. La gente y el equipo que trabaja en este Teatro lo hacen con pasión y gran profesionalidad. En este Teatro se hizo un expediente de regulación de empleo, por lo que esperaba encontrarme gente que trabajara sin excesiva ilusión, tras pasar por esos momentos difíciles. Todo lo contrario, me he encontrado con un equipo con muchas ganas y energía, muy profesional. Ninguno de los que ha hecho más trabajo del que antes hacía, tras la reducción de personal, lo hacen con menos entrega y peor ambiente. Mi experiencia en otros teatros no me hacía presagiar encontrarme con tan buen ambiente aquí en Valencia…

¿Qué nos puede decir de los tres directores musicales sobre los que recae la responsabilidad de esta magnífica orquesta? Roberto Abbado, Ramón Tebar y su amigo Fabio Bindi….

Fabio Biondi es un sensacional director, de los mejores maestros del mundo, y debo recalcar que ha sido nombrado director por su prestigio, no por la amistad que nos une.

Pero si hay feeling siempre se trabaja mejor, y ustedes dos lo tienen...

Sí, es cierto, pero el trabajo y la amistad no tienen porque enriquecerse la una a la otra, no veo relación…

Quiero decir que usted da importancia al trato humano, y este hecho de amistad con Fabio favorecerá la relación laboral…

Disculpe si a veces no comprendo bien sus preguntas, pero mi idioma actual, hasta que perfeccione el castellano, es el “itañol”… Contestando a la primera pregunta, la presencia de estos tres directores, Abbado, Biondi y Tebar, no es fruto de la casualidad ni de una corrección política. Estoy seguro que estos nombramientos y esta dirección compartida, que no es la bicefalia de antes, es la mejor posibilidad para ampliar el gran nivel de la orquesta y para mejorar una cosa fundamental de este Teatro, el repertorio. Esta orquesta tiene diez años de vida, en los que se pueden hacer muchas cosas, pero no profundizar en exceso en el repertorio. Necesitamos especialistas para mejorar en títulos del barroco y del clasicismo, que en este caso tenemos a Biondi; del gran repertorio verdiano y romántico se encargará Roberto Abbado y Ramón Tebar es actualmente el mejor director que conozco, no solo de España, creo que lo es a nivel mundial, por lo que todo lo que haga será de gran nivel artístico. Ramón ha comenzado su carrera fuera de España, así ha podido comprobar in situ en qué posición se encuentra, qué calidad y qué competencia puede tener, se ha puesto “a prueba con el mundo”. Si no hubiera salido de España, no sabría calibrar estas medidas imprescindibles para madurar como músico. La ópera es mundial, no valenciana. El señor Mozart escribió en cinco idiomas…

Acabando y cambiando de tema, es usted un torinista muy pasional, espero que esta temporada la Juventus no esté tan fuerte y el Torino mejore…

Ay… No quiero hablar de esto… La Juve nunca ha tenido que ver con mi ciudad, mi ciudad es el Torino, el toro. Llevar el toro en el corazón es vivir por la justicia y la belleza. La Juve no es un equipo de fútbol, si le dijera lo que pienso quizá no podría publicarlo…

Gracias. Le deseamos en buen año en todos los sentidos. Ha sido un placer.

http://www.lesarts.com/

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Simón Orfila

Simón Orfila

Publicado: Septiembre 2015
Sorprendiendo desde el escenario

Se define como un “obrero de la lírica”. Simón Orfila (Alaior, Menorca, 1976) acaba de triunfar en el Colón de Buenos Aires como Dulcamara de L’elisir d’amore, el mismo personaje con el que este mes debuta en el Théâtre de La Monnaie de Bruselas. No es común que en las críticas se destaque a su personaje y no al tenor o a la soprano, como le pasó en Argentina. “Creo que el burlón de Dulcamara es un papel bombón dentro de los de bajo buffo y por eso no pasa desapercibido”, afirma recordando las funciones en el Colón. “El público se divirtió y yo me identifiqué mucho con el montaje, ya que antes de ser cantante quería ser humorista”, afirma entre risas. “Siempre es gratificante que la crítica alabe tu trabajo y bienvenido sea, pero al final el público es el soberano”.

“Debuto este mes en el Théâtre de La Monnaie de Bruselas con Dulcamara de L’elisir d’amore

¿Cuándo y dónde debutó el personaje?

En mi tierra, en 2003, en mi querido Teatre Principal de Maó con la Asociación Cor Illa de Menorca. En 2004 lo interpreté en el Liceu de Barcelona. Es un burlador, un jeta, un charlatán. Siempre lo he visto como a los vendedores de las películas del Oeste... Se arrima a quien más le conviene e intenta sacar dinero de todas partes, aunque me gusta que se le vea simpático. Es el típico papel para bajo-barítono muy agudo y que se mueve en la zona del pasaje; es difícil. Yo prefiero hacer una versión más cantada, con línea, y no tan parlato.

No ha trabajado con Damiano Michieletto, que lo dirigirá en Bruselas. ¿Sabe que sus montajes son bastante rompedores?

No hemos trabajado, pero he visto tanto la producción que cantaré en Bruselas como su Lucia di Lammermoor que haré a finales de año en el Liceu. Es un gran director y piensa muy bien todo lo que hace y quiere, y lo sabe comunicar a los cantantes. Este tipo de directores te hace entrar en su visión y sentirte cómodo con lo que haces. Mis compañeros que han trabajado con él hablan maravillas.

Hace tiempo que se mueve en los mejores escenarios de España y del mundo. ¿Qué personalidad hay que tener para aguantar en esta carrera?

Lo fundamental es nunca pensar que ya lo sabes todo o que eres el mejor. En este mundo nadie es imprescindible y siempre saldrán nuevas voces. Hay que saber conservarse y estar en activo; esto significa mucho sacrificio, superarse y sorprender en cada actuación. Siempre digo que soy un obrero de la lírica: me lo he labrado todo a pulso y con esfuerzo. Hay que tener los pies en el suelo y acordarse de donde uno viene: esto siempre lo he escuchado de los más grandes, empezando por Alfredo Kraus, que fue mi primer maestro, y también de Bonaldo Giaiotti, cuando viajaba a Milán para dar clases con él, y ahora de Juan Pons. Otra de las cosas duras de este mundo es la soledad; desde los 18 años estoy fuera de casa, lejos de familia y amigos, y sé que soy un afortunado por vivir de una de mis pasiones. Los isleños llevamos peor esas situaciones, creo. Hay que estar muy preparado mentalmente y ser fuerte.

Ha debutado en teatros como La Scala o el Covent Garden. ¿Cómo han sido esas experiencias?

Imponen mucho, sobre todo las primeras veces. Sabes de los grandes cantantes que han actuado allí... Es muy emocionante cuando se alza el telón. Aunque yo doy lo máximo de mí en el escenario que sea.

¿A qué colegas con los que ha cantado admira?

A Alfredo Kraus: cantar con él fue como un sueño. Su técnica, su precisión en todo, su voz, sus agudos, todo era especial. A Edita Gruberova, con quien canté mucho en los inicios de mi carrera; se portó genial conmigo... Inolvidable será el primer ensayo en el que cantamos el dúo de I Puritani... A Juan Diego Flórez, con quien siempre hablo de técnica; es un portento.

¿Qué recuerdos tiene de su trabajo junto a Kraus?

Era muy exigente, no te dejaba pasar ni una. Era de la antigua escuela, trabajaba mucho sobre la voz en maschera, posición alta y claridad en la dicción. Tenía unas tablas de respiración para trabajar el apoyo. Encontrarlo fue una de las mejores cosas que me han pasado, porque como persona era un grande, muy humano y generoso.

¿Qué personajes le interesa debutar?

Me ha hecho mucha ilusión debutar Escamillo de Carmen; hacía tiempo que me lo ofrecían y lo rechazaba por ser demasiado joven. Ya lo he cantado en Bogotá, Berlín, Roma y Mahón. Attila y Felipe II son papeles que quiero interpretar al menos una vez en mi carrera.

¿Qué queda de ese chaval que con 16 años cantaba la romanza de zarzuela “Despierta negro” en las fiestas de su Alaior natal?

La misma ilusión, las ganas de hacer las cosas bien, la alegría ante nuevos proyectos. En Alaior sigo celebrando un concierto cada verano y he tenido la suerte de que muchísimos de mis colegas, grandísimos artistas, acepten de manera altruista venir a cantar a mi tierra. Volver a casa, a Menorca, estar con mi gente, me da mucha fuerza.

Le deseamos lo mejor en su Dulcamara en Bruselas.

http://www.simonorfila.es/

Foto: El menorquín debutará en breve en el Théâtre de La Monnaie de Bruselas.
Acred: © EVA TIMONER

Por: L.Q.

 

Proemium Metals

Proemium Metals

Publicado: Septiembre 2015
Quinteto de metales de referencia

Fundado en Granada en 2006, Proemium Metals es uno de los quintetos de viento metal de mayor proyección de Andalucía. En julio de 2013 obtuvo el primer premio en el concurso de música de cámara del Mediterranean Brass Festival (Fesmon 2013), en Valencia, y en noviembre de 2014 fue finalista del concurso Jan Koetsier Competition en Múnich. Proemium Metals es un quinteto de jóvenes músicos que apuesta decididamente por la innovación y el enriquecimiento del repertorio de viento metal en su lenguaje, color, temática y formas, para lo cual trabaja en estrecha colaboración con destacados compositores del panorama musical contemporáneo.

El trabajo desarrollado por esta agrupación se ha materializado en la grabación de dos discos, los cuales han tenido repercusión mundial, habiendo sido emitidos en distintas ocasiones por radios de España, Portugal y Argentina: Ástor en Bronces (2011), dedicado íntegramente a la obra de Ástor Piazzolla, y Confluencias (2013), en el que ofrecen la confluencia en la sonoridad del quinteto de metal de distintas vertientes de la música contemporánea. El pasado mes de mayo presentaron su tercer disco, en el que se incluyen tres obras para quinteto solista y orquesta y dos piezas para quinteto solo, para lo cual han tenido la colaboración de la Orquesta de la Universidad de Granada. bajo la dirección de Gabriel Delgado Morán.

Escenas Contemporáneas

Escenas Contemporáneas es el proyecto más ambicioso que ha afrontado Proemium Metals desde su fundación. El objetivo de esta grabación es presentar distintas vertientes de la música contemporánea (a modo de diferentes escenas de una obra de teatro), en las que la agrupación del quinteto de metales se amolda a distintos estilos de la expresión musical contemporánea, mostrando la riqueza de colores, recursos técnicos y matices que un grupo de cámara de esta naturaleza puede llegar a ejecutar. El hilo conductor entre estas escenas contemporáneas radica en que todas las obras que aquí se recogen no son partícipes ni herederas directas de las vanguardias y las post-vanguardias. Por el contrario, se trata de música que no rehúye la belleza sonora y la emotividad.

Para ello, Proemium Metals ha contado con la colaboración de un plantel de lujo de compositores: José González Granero (ganador del primer premio “New Works Composition Competition” en Londres), Valentí Miserachs Grau (maestro de capilla en la Basílica de Santa María la Mayor de Roma y exdirector del Pontificio Istituto di Musica Sacra de Roma), Nemesio García Carril (último maestro de capilla de la Catedral de Santiago y compositor de varias bandas sonoras, entre ellas la de la serie “Los Gozos y las Sombras” de TVE), Gustavo Díaz Jerez (con obras estrenadas por la Royal Philharmonic Orchestra, Hungarian Chamber Symphony Orchestra y Orquesta Sinfónica de Tenerife) y Derek Bourgeois (autor de 106 Sinfonías y exdirector de la Joven Orquesta Nacional de Reino Unido). Asimismo, Proemium ha contado con el asesoramiento musical de Luis Otero y Miguel Gálvez-Taroncher.

El disco se divide en dos partes de media hora cada una: en la primera se ofrecen tres obras para quinteto de metales solista y orquesta (González Granero, Miserachs y García Carril), mientras que, en la segunda, se interpretan dos piezas para quinteto solo (Díaz-Jerez y Bourgeois). Varios aspectos hacen de Escenas Contemporáneas una grabación de referencia en la discografía para quinteto de metales. Todas las obras han sido estrenadas mundialmente por Proemium Metals, habiendo sido cuatro de ellas compuestas especialmente con ocasión de este proyecto. Además, hay un trabajo de recuperación histórica, pues el Brass Quintet n. 2 de Derek Bourgeois, que aquí se incluye, fue compuesto en 1972 para el Philip Jones Brass Ensemble, que lo declaró “imposible de tocar”, permaneciendo inédito hasta 2014, cuando fue estrenado por Proemium. Asimismo, la significativa aportación mediante tres piezas al escaso repertorio de quinteto de metal solista y orquesta, en el que hasta el momento solo se contabilizaban una decena de obras. Y finalmente, por ser un disco autoproducido económicamente por Proemium sin ninguna subvención externa.

En esta grabación han participado Ángel Hernández López, Juan Peralta Torrecilla e Ismael Cañizares Ortega (trompetas), Nemesio García-Carril Puy (trompa), José Manuel Martínez Carrillo (trombón) y José Luis Montero Navarro (tuba) como miembros de Proemium Metals, y Francisco Gil Angosto (trompeta) como artista invitado. 

Conciertos (programas y fechas a determinar)

Granada,
Diciembre 2015: estrenos absolutos de Rube Goldberg Variations para quinteto de metales y piano preparado de Dmitri Tymoczko y Por Triplicado de Antonio Florián López.

Almería, 2016.

Granada
Marzo 2016: concierto conmemoración décimo aniversario y presentación de nuestro cuarto disco.

www.proemiummetals.com

proemium.metals@gmail.com

https://www.facebook.com/proemium.metals?fref=ts

Foto de la portada del disco

Por: Lucas Quirós

Kissinger Sommer

Kissinger Sommer

Publicado: Septiembre 2015
Música en el corazón de Alemania

Para llegar a la pequeña localidad de Bad Kissingen hay que atravesar en tren un amplio tramo montañoso, de prados y lagos, que va desde Frankfurt hasta la localidad que alberga el Kissinger Sommer, un festival que transcurrió durante el 19 de junio y el 19 de julio. Bad Kissingen es conocida por su Staatsbad (balneario estatal), uno de los más afamados del país y que recibe a todo tipo de aquejosos melómanos e individuos dispuestos a bañarse y a beber sus aguas, de un alto contenido en minerales. Los que asistimos sin dolencias, fueron otros los líquidos patrios ingeridos. Gracias a Frau Schütze, inmejorable guía, conocí los secretos de Bad Kissingen, su regia trayectoria y sus baños termales, así como pude probar algún que otro dulce local tras un desayuno digno de un nibelungo hambriento en el confortable y bello Hotel Kaiserhof Victoria.

Los conciertos tienen lugar preferentemente en el céntrico Regentenbau, edificio que alberga múltiples salas y disciplinas y que dispone de un muy bello auditorio de madera, con mejor acústica en su planta superior, que en los descansos de los conciertos se puede tomar un aperitivo en la terraza, desde donde hay una bella vista de la ciudad. Pero también se desarrollan conciertos a primera hora de la tarde en los patios exteriores, y no conciertos cualesquiera, ya que pude escuchar nada menos que a un extraordinario violinista, Valeriy Sokolov, junto al también excelente pianista Evgeny Izotov, concierto que en cualquier festival tendría su lugar en “horario de máxima audiencia”. Dos músicos que se enfrentaron a dos Sonatas de Beethoven y al viento que, cuando soplaba, era capaz de pasar las páginas como un invisible fantasma. Si Beethoven fue bueno, mejor lo fue la Sonata n. 1 de Bartók y un Tzigane de una creatividad sublime.

En el descanso de esta maravilla de recital pude charlar con Kari Kahl-Wolfsjäger (cazadora de lobos, es la traducción de su apellido), la intendente del Festival, que dejará de serlo en 2016 tras treinta años al frente y como fundadora del mismo. “He tratado de ayudar en todo lo posible a los jóvenes”, afirmaba, reconociendo que dio oportunidades a músicos como Lang Lang, Daniil Trifonov, Cecilia Bartoli, o Igor Levit, hoy reconocidos mundialmente y que cumplen puntualmente con su presencia anual en el Festival, en un gesto de reconocimiento por la ayuda prestada por la señora Wolfsjäger, que supo cazar el talento de cada uno. Aunque se queja de la actitud de ciertas políticas (espero que no dirija nada en España), también reconoció las ayudas recibidas y la bisagra entre Este y Oeste que supuso el Kissinger Sommer, tal y como Bad Kissingen lo fue en su historia.

Conciertos de lujo

Escuchar a un director como Christoph Eschenbach confirma lo que demuestra en cada actuación: es uno de los grandes y rara vez comete un error o afronta una obra desde una óptica equivocada. Excepcional Quinta de Tchaikovsky, repleta de genio y sentido del drama, pero también de belleza en cada frase y con una orquesta que sonó como su prima mayor de Berlín. El Concierto para violín del ruso, que lo precedió, vino con el solista Iskandar Widjaja, talento puro y demasiado exhibicionista, algo teatral y en exceso creativo, pero, al menos, fue una versión distinta al uso. Extraño el concierto con la Bamberger Symphoniker dirigida por el pujante Jakob Hrusa, ya que en la primera parte contó con la arrolladora Khatia Buniatishvili en el Tercero de Beethoven y en la segunda con el tenor Klaus Florian Vogt haciendo sus límpidos Wagner. Khatia es un volcán en el escenario (ver entrevista en este mismo número), creando un Beethoven de mucha intensidad expresiva, muy bien sintonizado con un Hrusa repleto de energía. Vogt, que ha dejado de ser el “niño cantor de Viena” al ensanchar más su voz, despliega sabiduría y un gran sentido del humor, ya que precedió cada actuación con un gracioso comentario, que tuve la suerte disponer de traducción simultánea gracias a Frau Weinberg. Tras este concierto se ofreció un ameno cóctel, músicos incluidos, donde se agradeció la donación desinteresada de amigos del Festival, camino ya de su treinta aniversario.

Foto: El tenor Klaus Florian Vogt actuó en Kissinger Sommer.
Acred: TIM SCHOBER

Próxima edición, 30 aniversario (1986-2016),
del 24 de junio al 24 de julio de 2016
Con Jaroussky, Buchbinder, Hope, Gardiner, W. Meier, Bychkov, G. Sokolov, Grimaud, Jurowski, Bartoli, Lang, etc.

http://www.kissingersommer.de/

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

Brillant Magnus Quintet

Brillant Magnus Quintet

Publicado: Julio-Agosto 2015
Por las grutas de cristal

El Brillant Magnus Quintet (BMQ) es un grupo de cámara formado por tres trompetas, piano-órgano y percusión. Esta extraña formación lleva trabajando más de diez años, con casi 500 conciertos a su espalda y 200.000 kilómetros recorridos por toda la geografía española. Sus componentes son los trompetistas Javier Martínez, Luis Martínez y Nacho Lozano, el pianista-organista Carlos Hugo Paterson y la percusionista Eva Sánchez. Acaban de publicar su sexto CD bajo el título “La música de las Grutas de Cristal de Molinos”, que fue presentado al público en la XXXVII Semana de Música de Teruel. El BMQ ofrece una nueva sonoridad que conjuga el brillo del metal con la energía de la percusión, arropados por la majestuosidad del órgano o del piano. Esta formación instrumental permite crear un ambiente sonoro que sorprende por la combinación de los instrumentos, el virtuosismo de sus componentes y la frescura de sus interpretaciones.

¿Con esta formación tan original, qué tipo de concierto pueden ofrecer?

Trabajamos principalmente en dos tipos de espectáculos, porque el concepto de concierto de música clásica hace tiempo que lo abandonamos. El primero es una ¡Fiesta Barroca! Se trata de los conciertos que ofrecemos en los diferentes ciclos de órgano nacionales, donde interpretamos un repertorio esencialmente barroco, y en donde podemos afrontar desde el Oratorio de Navidad o el de Pascua de J.S. Bach, hasta los Conciertos para tres trompetas, timbales, cuerdas y continuo de G.Ph. Telemann, con más de un centenar de arreglos fantásticos escritos “ex profeso” para nosotros de las mejores obras de los maestros barrocos: G. F. Haendel, H. Purcell, D. Buxtehude, A. Vivaldi, M.A. Charpentier, J. de Nebra, A. Soler, etc. El segundo espectáculo es completamente diferente. Lo programamos para auditorios y salas de cámara, donde el BMQ actúa e interactúa con el público. No hay atriles, el humor es el hilo conductor, el piano es ahora el respaldo armónico y las trompetas y la percusión se desarrollan a través de la utilización de los instrumentos de la familia de la trompeta (cornetas, fliscornos, piccolos…) y de la interminable familia de los instrumentos de percusión. El repertorio en este tipo de espectáculos es muy variado y nos sentimos muy bien interpretando en el mismo concierto a M. de Falla, E. Granados, J. Turina, J.Mª Muneta, F. Bastidas, J.M. Montañés, G. Gershwin, L. Anderson, Ch. Mangione, J. Pastorius y un largo etcétera de autores y obras.

Han grabado música de Mozart, Bach, etc. ¿Por qué abordan ahora música española?

Principalmente porque la música española es una apuesta firme del BMQ desde sus orígenes. Nos apasiona la música de nuestros autores contemporáneos. Nos encanta que nos compongan obras y entender e interpretar la música española de nuestro tiempo. En el caso de este disco, el reto era doble ya que la partitura original es el Cuarteto para cuerdas XV Op. 308 de J. Mª Muneta, titulado “Las Grutas de Cristal”. Participamos en el XII Ciclo de Música y Palabra de la localidad de Molinos en Teruel, y quedamos tan prendados de sus Grutas de Cristal, que sentimos la necesidad de unir nuestro nombre al de la bella localidad turolense. Al encontrar esta partitura de Muneta escrita en el año 2006 y dedicada a las Grutas, se cerró el círculo.

¿Se atreve un grupo principalmente de viento-metal a abordar repertorio de cuarteto de cuerda?

El BMQ hace tiempo que se quitó el complejo que se puede tener cuando se interpreta con una trompeta. Este grupo tiene como aspiración el virtuosismo. Trabajamos con mucha pasión para salvar cualquier obstáculo o limitación instrumental. Nos encantan los retos y estamos acostumbrados a desarrollar con nuestros instrumentos casi todos los instrumentos de la orquesta. En este CD, por ejemplo, las trompetas hacen “dobles cuerdas” y “pizzicatos” de los violines y también se puede escuchar pasar el arco de la viola a través del fliscorno.

¿Qué otros proyectos tienen?

Nuestro objetivo principal es tocar en público. Ofrecer nuestro trabajo en directo. Seguimos ampliando repertorio y adaptándonos a las necesidades del mercado. También preparamos conciertos didácticos y realizamos un curso de verano que camina hacia su VI edición, ofrecemos máster class y preparamos la siguiente grabación que será de música de compositores españoles que han compuesto para nosotros.

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Por: Lucas Quirós

Isasi Quartet

Isasi Quartet

Publicado: Julio-Agosto 2015
Abriendo puertas al cuarteto de cuerda

Karsten Dobers, miembro fundador del Isasi Quartet e impulsor y supervisor artístico de la reconstrucción y proyecto de grabación de la obra completa para cuarteto de cuerda de Andrés Isasi, publicada por Naxos, nos habla del compositor.

¿Cómo surgió Isasi como nombre del grupo?

Isasi Quartet se identifica en muchos aspectos con la música de Andrés Isasi, que expresa una fusión entre la profundidad y complejidad de la cultura alemana y el lirismo y la sensualidad meridionales. Por eso elegimos el nombre. Los miembros del cuarteto reflejan en sus nacionalidades y en sus sensibilidades estos aspectos distintivos de la cultura alemana y mediterránea. El Cuarteto ha mostrado, desde el principio de su creación, un firme compromiso por la recuperación y revalorización de compositores de principios del siglo XX injustamente olvidados. Siguiendo esta línea, nuestros siguientes proyectos de grabaciones contemplan la integral de compositores franceses, belgas, alemanes y húngaros, coetáneos de Isasi, con nuevas grabaciones para Naxos, en colaboración con la Bayerischer Rundfunk. En este sentido, Isasi, se ha convertido en el emblema del cuarteto y de nuestro deseo por recuperar y reivindicar grandes músicos olvidados.

¿Es Isasi un compositor que ha sido relegado injustamente a un segundo plano?

Absolutamente. El contexto histórico, tras su muerte, no le ayudó en absoluto: fallece en 1940, recién finalizada la Guerra Civil española y al comienzo de una posguerra muy dura. La Segunda Guerra Mundial ya había comenzado. Su figura queda sepultada, como la de muchos compositores que empezaban a destacar, bajo las ruinas de dos grandes conflictos bélicos a nivel nacional e internacional. Isasi no estuvo respaldado por ninguna institución, componía porque era su pasión, su verdadera vocación. Además, tenía una situación económica desahogada. No necesitó componer para sobrevivir. Tuvo una vida discreta y recogida en su palacete de Algorta. Y esta reclusión, al regresar de Berlín en 1914, es un factor más a tener en cuenta, al no contar con intérpretes, agentes ni programadores que ayudaran a difundir su obra y mantenerla en el repertorio canónico. De ahí nuestro deseo por reivindicar su figura y su obra.

Según Ramón Rodamiláns: “El interés que Andrés Isasi manifestó por la música de cámara, en concreto por la composición de cuartetos de cuerda, lo distingue notablemente de la mayoría de sus compatriotas contemporáneos que, salvo Conrado del Campo, hicieron muy limitadas incursiones en este terreno. La triste ironía es que Andrés Isasi sólo pudo escuchar dos de los ocho Cuartetos que escribió”.

Fernando Delgado García, desde la Revista de Musicología, afirma: “Tanto por extensión como por calidad, el ciclo cuartetístico de Andrés Isasi ocupa un lugar de privilegio en el panorama español de su tiempo y hay que celebrar, con entusiasmo, su rescate”

Isasi está, si no me equivoco, de aniversario…

2015 coincide, curiosamente, con su doble aniversario (1890-1940), ya que se cumple el 125 aniversario de su nacimiento y el 75 de su muerte. Para conmemorarlo, hemos presentado el tercer y último volumen de la integral para cuartetos de cuerdas, publicados por Naxos, además de una edición en DVD de su vida y obra, que contiene la interpretación de piezas inéditas de su catálogo compositivo. La Sociedad Filarmónica de Bilbao (sede del estreno del Cuarteto n. 0 en 1908, y el estreno póstumo del n. 5, en 1942) nos invitó a la celebración con un doble programa: dos conciertos que tendrán lugar los próximos días 27 y 28 de octubre, en los que nos hemos reservado el estreno en España de dos de sus Cuartetos y de tres piezas más. Es lo mejor que podemos hacer para reivindicar su figura y su obra. Nos encantaría poder llevar este proyecto por más salas de conciertos en España y en otros países europeos, especialmente en Alemania, porque su música merece ser recuperada y divulgada.

¿Quién es Isasi?

Como miembro de un cuarteto de cuerda y como profesor del Centro Superior de Música del País Vasco - Musikene, hace tiempo que siento un especial interés por las obras para cuarteto escritas por compositores vascos. Así, a lo largo de los años, he interpretado en diversos países los Cuartetos de Arriaga, Usandizaga o Ravel (si lo incluimos también, por parte materna), entre otros. Pero cuando me topé con los cuartetos de Isasi, inmediatamente supe que había encontrado una obra especial y muy particular. Curiosamente, yo (un músico alemán afincado en Euskadi) había reencontrado los trabajos del compositor vasco más vinculado a la cultura alemana. Isasi, alumno en Berlín de Karl Kämpf y Humperdinck, cultivó durante toda su vida una gran admiración por la cultura alemana. En todos los cuartetos compuestos en su palacete de Algorta,  incluyó siempre las indicaciones en alemán, como en casi todo el resto de sus partituras anteriores y posteriores. Fue una personalidad compleja, así que el acceso a la interpretación de su música siempre es un trabajo difícil. Entre los años 2007 al 2013, llevé a cabo un enorme trabajo de investigación, recuperación y reconstrucción antes de poder interpretar sus obras, debido a que el material disponible estaba muy desordenado y a que otras partes directamente se habían perdido.

Compositor de fuerte influencia germana…

Los dos conciertos que presentó en Bilbao en 1908 la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Richard Strauss, tuvieron una gran importancia en la decisión de irse a estudiar a Alemania. Como dice Ramón Rodamiláns en su libro sobre la Sociedad Filarmónica de Bilbao: “Strauss era, sencillamente, el compositor más importante que había visitado Bilbao en sus seis siglos de historia”. También creo que el fuerte impacto que debieron de dejar Don Juan y Till Eulenspiegel, que Strauss presentó en estos conciertos, llevó a Isasi a cultivar particularmente este género durante su época de Berlín. Isasi obtuvo sus primeros éxitos en Berlín con el estreno de sus obras orquestales, interpretadas por la Blüthnerorchester bajo la dirección de Bruno Weyersberg. El compositor Heinz Tiessen (maestro y profesor de Sergiu Celibidache) escribía en 1914 en el Allgemeine Musik Zeitung a propósito del estreno del poema sinfónico El amor dormido: “El talento y las indudables y sutiles cualidades musicales del joven compositor [Isasi] son incuestionables”. En Berlín, Isasi se hace amigo del prestigioso pianista Emeric Stefaniai (futuro director del Conservatorio de Budapest y fiel intérprete de sus obras para piano). Podemos suponer que en esta misma ciudad conoce también a Julius Ruthström, puesto que la segunda versión del Cuarteto n. 1 sería estrenada en Estocolmo, en 1914, por el Cuarteto Ruthström. Julius Ruthström había sido uno de los alumnos predilectos del gran violinista y amigo de Brahms, Joseph Joachim. También fue un intérprete siempre preocupado en difundir a los autores contemporáneos.

Pero las guerras le tocaron de lleno…

Esta es la incipiente carrera internacional, luego lastrada y sepultada por los conflictos bélicos. Porque, una vez más, el estallido de la Primera Guerra Mundial le obliga a regresar de Berlín, en 1914. No obstante, Madrid presencia el estreno de su Sinfonía n. 2, en 1918; en Bilbao se estrenará Mendigos al sol, en 1925. En Budapest se estrena en 1930 su obra para coro Angelus Domini, gracias al compositor húngaro Desiderius Demenyi, quien escribió en una carta dirigida a Isasi: “Esta es la música más difícil que jamás haya ensayado, pero al mismo tiempo es la más bella y admirable. Daría todas mis obras a cambio de haber escrito el Angelus”. Budapest también fue testigo de la presentación de su Sinfonía n. 2, en 1931. Su amigo íntimo Joaquín de Zuzagoitia lo define así: “La vida de Andrés Isasi fue una vida recoleta, entregada a su perfeccionamiento espiritual, en el que la música fue el vehículo. Huyó de cualquier exhibición. Fue la suya una existencia casi sin episodios, toda ella alma hacia adentro. Se puede decir que vio el mundo de rodillas ante el Creador y su obra. Para él (de espíritu franciscano) la naturaleza era la voz de Dios, y para ella era todo oídos”.

¿Qué respuesta está teniendo su música?

Los tres volúmenes que conforman la integral de sus Cuartetos de cuerda que hemos grabado para Naxos, han sido aplaudidos unánimemente por la crítica internacional y la prensa especializada, siendo programados al momento por las emisoras de radio internacionales.

Háblenos del proyecto Naxos de sus Cuartetos de cuerda…

El primer volumen combina el Cuarteto n. 0, obra de juventud, con un aire ligero y optimista, compuesto con 17 años, con el n. 2, de poderoso aliento sinfónico, compuesto con 30 años. El segundo volumen incluye el n. 4, de clima pastoral, combinado con obras inacabadas (falta el último movimiento del Cuarteto n. 3), además de otras piezas como el Scherzetto, el Aria y el Preludio “Jinete de Abril”. El tercer volumen incluye el temprano n. 1, compuesto en Berlín, a la búsqueda de un lenguaje y estilo personal, en contraste con el n. 5, su obra mejor acabada y definida. Para completar el volumen, Anna Bohigas, primer violín del Isasi Quartet, ha grabado con la pianista Marta Zabaleta la Sonata para violín y piano. El orden, pues, atiende a la variedad y contraste, que da cuenta de sus diferentes etapas compositivas y estilos. Las pinturas que ilustran los tres CDs están relacionadas con sus gustos personales, ya que era amante de la pintura, amigo de pintores, en especial de Zubiaurre, y miembro de la Asociación de Artistas Vascos. Hemos grabado los tres CDs en una sede con un alma y un ambiente muy especial: el Chateau de Arcangues, cerca de Biarritz. Antes que nosotros, en la sala de música del siglo XVIII, músicos como Stravinsky, Ravel, Rubinstein o Thibaud dieron recitales. Durante la grabación pudimos sentir siglos de historia acumulada en ese lugar…

Por último, ofrecerán esta música en la Quincena Musical Donostiarra…

Será en un lugar muy especial: es la primera vez que tenemos como marco de concierto el Auditorium del Aquiarium de Donostia, con un programa muy contrastado, donde el Cuarteto n. 0 de Isasi convive con un Cuarteto de Tomás Aragüés, compuesto en el año 1989, y el Cuarteto n. 1 de Smetana. El público que asista descubrirá que la música de Isasi es muy diversa, inspirada, versátil. Compuso una obra de clara inspiración en el postromanticismo alemán, pero con una personalidad propia, profunda y compleja, con una inmensa imaginación y un gran ingenio, que era difícil de detener. Cada uno de sus Cuartetos tiene un carácter muy diferente. Tengo la impresión de que Isasi había inventado una historia para cada Cuarteto y, luego, puesta en música esta historia. Podemos sentir en su música la poesía propia, la calidez, la ternura y la sensibilidad de Isasi, sobre todo en los movimientos lentos que irradian una cierta profundidad religiosa.

Gracias por este descubrimiento. Ha sido un placer.

http://www.isasi-quartet.com/

Por: Gonzalo Pérez Chamorro

 

Melani Mestre

Melani Mestre

Publicado: Julio-Agosto 2015
Descubriendo el Concierto para piano de Granados

El sello Hyperion ha publicado su volumen 65 de la serie “Romantic Piano Concertos”, dedicado a Conciertos pianísticos de Albéniz y Granados, donde el pianista barcelonés Melani Mestre interpreta en primicia mundial el Concierto para piano en do menor “Patético” de Granados, junto a la BBC Scottish Symphony Orchestra, con la dirección de Martyn Brabbins. 

Sin duda una de las grandes sorpresas en este CD es la primera grabación discográfica de un Concierto para piano inédito de Granados. ¿Cómo es posible que hasta la fecha desconociéramos dicha obra?

Es conocida en nuestro país la falta de salud de la que goza la música española en general y, en particular, la música de una determinada época, principalmente entre los siglos XVIII y XIX. Tanto por la insuficiente labor de investigación, edición y publicación como por la falta de programación del repertorio clásico de los grandes compositores y de otros no tan grandes, pero igualmente importantes. Hay una gran desconexión entre la Historia de la Música española y aquella que se programa de vez en cuando en la mayoría de ciclos sinfónicos en nuestro país. Un caso ejemplar es este Concierto para piano y orquesta, subtitulado “Patético”, que Granados dedicó a Camille Saint-Saëns y que empezó a escribir en 1909 con el propósito de estrenarlo el mismo, y que debido a un auténtico sabotaje, abortó su transcripción ante la falta de oportunidades de presentarlo en público.   

¿Hay constancia de que Granados escribiera esta obra para estrenarla él mismo y que fuera saboteada?

Así es, nadie es profeta en su tierra... Desgraciadamente, Granados cuenta toda la historia en una carta fechada en enero de 1909, dirigida a su íntimo Isaac Albéniz, calificando esta situación de “marranada” y de sabotaje. Es lógico pensar que un gran pianista y compositor como Granados escribiera un concierto a imagen y semejanza de aquellos precedentes decimonónicos que, tomando el perfil más romántico y bohemio del XIX, componían obras para su propio uso y disfrute, tal es el caso de Albéniz, Cassadó, Malats y de ejemplos conocidos por todos, como Chopin, Schumann, Saint-Saëns, Liszt, Rachmaninov...

Entonces, ¿Granados no llegó ni a terminar ni a estrenar dicho Concierto?

Efectivamente. Granados dejó casi completo un primer movimiento de casi 19 minutos a dos pianos, aunque dentro del mismo documento, conservado en el Fondo Granados de la Biblioteca de Cataluña, hay una partitura orquestada de unos 80 compases que deja bien clara la orquestación de toda la exposición y parte del desarrollo, así como la plantilla orquestal inicial que quiere utilizar para esta obra. No podemos hablar de fragmentos cuando hay casi escrito más del 90% del primer movimiento y una parte inicial, de apenas página y media, del segundo. Granados sencillamente estaba transcribiendo toda la obra ya compuesta en su mente para poder realizar el estreno en pocas semanas, pero al boicotearle la presentación, en la cual también iba a interpretar la Ballade de Fauré, dejó para más adelante, posiblemente, la tarea de terminar de transcribir su Concierto, a falta de oportunidades en España.

Tal como consta en la partitura publicada por la editorial Boileau y en las notas explicativas del CD, usted ha recuperado y reconstruido esta obra que acaba de grabar…

Al margen de esta grabación, junto al Concierto Fantástico y la versión original orquestada por el autor de la Rapsodia Española de Albéniz, mi tarea como investigador y difusor en particular de la música española, tanto como pianista como director de orquesta, ha sido la de recuperar este magnífico Concierto “Patético”, utilizando el 100% del material musical que Granados dejó en su manuscrito, realizando una labor de restauración y recuperación de aquellos compases últimos que enlazaban con el segundo movimiento y realizar el resto de la orquestación, que en muchos casos Granados dejó anotada en la partitura de dos pianos. Dicho esto, y siguiendo el criterio de Granados de proseguir con un segundo, y posiblemente un tercer movimiento, añadí al movimiento original dos otros movimientos confeccionados a partir de obras del mismo compositor para poder ofrecer la idea original de un concierto romántico estructurado en los tres movimientos típicos, teniendo en cuenta el material temático y estilo del movimiento original, siempre matizando que los dos últimos siguen tanto el criterio establecido en muchas otras obras restauradas y recuperadas, como el hecho de que no son originales de Granados en dicha forma.

Esta fascinante labor de restauración, reconstrucción y adaptación nos permite disfrutar de un repertorio inaudito e insólito…

El hecho de recuperar esta obra nos hace pensar en la cantidad de obras que nos aguardan y quedan por descubrir e incorporar en los programas de concierto habituales tanto en nuestro país como fuera de él. El hecho de que no sean conocidas y estén acabadas, no significa que no existan. Muestra de ello es el interés de la BBC como de Hyperion para llevar a cabo el proyecto. El Concierto de Granados fue estrenado en Ucrania en 2010 y ya fue interpretado en Finlandia el 2014, con la Filarmónica Estatal de Karelia, y hace pocas semanas tuve la oportunidad de estrenarlo con la Orquesta Filarmónica Ciudad de México y el maestro titular José Areán a la batuta, recibiendo una muy calurosa acogida por el público y la crítica especializada. En el disco, la BBC Scottish Symphony Orchestra ha sido una auténtica bendición para este repertorio, así como la batuta del eminente director Martyn Brabbins. Esto motiva seguir defendiendo un sinfín de repertorio español, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, alentando también a la comunidad educativa a tomar nota de estas magníficas obras para ser incorporadas de forma habitual en los programas de piano de nuestros conservatorios sin el perjuicio de que, por que sean compositores autóctonos, no tengan el interés o la calidad suficientes. Por supuesto que un estreno en nuestro país sería la forma más adecuada y normal de combatir la indiferencia y desconocimiento ante nuestro propio patrimonio musical.

Lo esperamos. Gracias por su tiempo.
.

http://www.musicmasters.es/artistas/pianistas/melani-mestre/

http://www.hyperion-records.co.uk/dc.asp?dc=D_CDA67918

Por: Lucas Quirós

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