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Tomás Marco

Tomás Marco

Publicado: Septiembre
Espíritu renovador

Tomás Marco es un compositor de ideas claras con una mente brillante. Se acerca al concepto humanista del Renacimiento, que maneja diversas ideas y disciplinas y las pone al servicio de su obra. Disfruta de un gran momento profesional, ha recibido el Premio Tomás Luis de Victoria, la próxima temporada estrenará una zarzuela y ultima la edición de un nuevo libro. Repasamos para RITMO los pilares de su trayectoria.

Para comenzar, ¿podría situarnos en la España musical de sus inicios?

Durante aquellos años tratamos de recuperar el tiempo perdido en la guerra, intentando asimilar a Stravinsky, el Serialismo o el Dodecafonismo. Enseguida percibí que las consecuencias de estos movimientos, tanto en Europa como en América, serían grandes. En España, Luis de Pablo, Cristóbal Halffter o Ramón Barce se habían iniciado en este camino y cuando los conocí comencé a trabajar con ellos.

¿Qué estilo le impresionó más?

Mientras el Serialismo integral daba paso a la Aleatoriedad, emergió una vanguardia europea que provenía de Europa del Este; las iniciativas de Lutoslawski o Penderecki llamaron mi atención poderosamente porque me permitieron seguir un lenguaje más personal.

¿Qué queda de aquella ruptura?

Un tipo de pensamiento que incitaba a investigar continuamente, gracias al cual existe ahora un lenguaje abierto y ecléctico. Cuando el compositor comienza a trabajar en una obra debe tener a mano todas las técnicas y posibilidades que estén a su alcance y aplicar la más conveniente.

¿Queda algo por descubrir?

Sí, en algunos momentos se llega a encrucijadas en las que parece que todos los caminos están agotados, pero siempre surgen otras opciones; a partir del Impresionismo no se sabía si habría continuación y de repente apareció la Atonalidad. Estamos en un momento en el que se ha avanzado mucho pero todavía quedan cosas por hacer, o eso espero.

¿Una opción sería volver a utilizar los elementos primarios de la música?

Sí, desde luego. Durante el siglo XX la música ha ido adquiriendo un material sonoro diferente, que contempla la utilización del ruido como elemento musical, de forma que en el XXI se cuenta con lo nuevo y con lo anterior. La música de este siglo transcurre por terrenos experimentales que, a su vez, utiliza herramientas tradicionales.

¿Podría concretar hacia donde se dirige?

Es difícil vaticinarlo, aunque hay indicios que lo muestran. Una vez que se ha conseguido este lenguaje que conjuga pasado y presente, hay que considerar el fenómeno de la globalización. Hoy día es posible saber qué está haciendo un colega australiano en tiempo real, lo que provocará una integración de culturas. Existen algunas muy distintas a la nuestra y músicos capaces de manejar ambas, como el japonés Takemitsu, que las combinaba con excelentes resultados. Esta será una de las opciones estilísticas del futuro.

¿El centro cultural se trasladará a Oriente?

No, depende de muchos factores. Los núcleos que concentran un determinado momento artístico se van trasladando conforme se desplazan los económicos, porque suelen estar donde hay un gran centro de poder.

¿España está capacitada para asimilar las próximas novedades?

Es conveniente que estemos preparados para evitar que nos desplacen. Se están llevando a cabo ideas interesantes, como la simbiosis entre proyectos experimentales, proyecciones con sintetizadores sobre música y palabra que se secuencian y se ven en otro ámbito. Estos planteamientos están conviviendo con buenos resultados.

¿La formación como músicos estará a la altura de las circunstancias?

La formación musical ha mejorado mucho en España, aunque se ha deteriorado en los últimos años. Lamentablemente, el estado de la formación obligatoria sigue en una situación tan pésima como la del siglo XX. No se ha avanzado a la hora de culturizar a la población e incluso se ha retrocedido: hace unos años el bachillerato incluía música y ahora no. Sólo se introducen iniciativas fútiles, como tocar la flauta, que sirve para aburrir a los padres.

Entonces ¿cómo se incorporará la música del siglo XXI a esta sociedad?

Habrá que hacerlo de manera personal. Esperar a que lo hagan las instituciones académicas va a ser complicado y, además, España es un país de individualidades.

¿Existe algún problema de fondo?

En realidad hay una banalización de la cultura y del arte, no solo en España sino en otros sitios de Europa y América. Aunque en su caso las grandes élites formativas universitarias siguen teniendo un enorme impacto mientras que aquí se está instaurando una mediocridad que se extiende al ámbito universitario.

¿En este sentido la música está en desventaja con las demás artes?

No, de hecho en este momento la música está por delante de la pintura y la literatura tanto a nivel nacional como internacional. El verdadero problema en España es que la asimilación de la música se ha deteriorado, es un arte menos accesible que otros y el ciudadano no está acostumbrado a su consumo. En este sentido es conveniente observar el lugar que ocupa en los medios de comunicación porque, en el fondo, sólo se conoce lo que dan los medios.

La música se olvida incluso desde las instituciones culturales…

Las instituciones son un reflejo de la sociedad, que deberían trabajar para mejorarla. Estamos en una democracia en la que las instituciones se constituyen con las personas que elegimos; si fueran buenos profesionales deberían mejorar la base educativa.

¿Qué le pareció la iniciativa del INAEM en favor de los compositores?

Me parece bien, es una manera de reconocer que la composición actual tiene algo que decir y por otra parte ha sido un foco de atención.

Con este presente y la perspectiva del tiempo, ¿cómo valora el camino que tomó?

En aquella época había que ser valiente, si no todavía estaríamos dando vueltas alrededor de lo mismo, hubo batallas y conciertos muy sonados que han pasado a la historia. Fue un momento importante en la cultura española.

Usted no se decidió por la enseñanza…

Yo estuve tres años en el conservatorio sustituyendo a Luis de Pablo cuando se fue a Canadá. Pero prefiero la gestión, creo que es importante, y es mejor si la hacen los músicos que los políticos…

Gestión, composición… ¿Cuál de sus facetas le parece más relevante?

La composición es lo fundamental, pero mi trabajo de investigación también es importante. Estoy a punto de sacar un libro sobre cómo escuchar la música actual. Es el producto de las conferencias que hice el año pasado en la fundación BBVA: aprender a escuchar por parámetros para saber contar los cambios en cada obra. Está indicado para personas a las que les interesa la cultura, no es necesario tener conocimientos específicos sobre música.

También dirigió el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, ¿cómo está en la actualidad?

Pertenece al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que lo lleva Antonio Moral y creo que lo está haciendo bien a todos los niveles, pero no es un centro específico de música contemporánea como el que había y eso no es positivo porque hace falta una institución más centrada en lo experimental.

¿Hoy día existe la música contemporánea como concepto de modernidad?

Sí, pero antes se entendía por contemporánea una música más estricta técnicamente, relacionada con la ruptura.

¿La ruptura estaba relacionada con la edad o con las circunstancias?

No es una cuestión de edad sino de personalidad. La edad te da experiencia, nada más. Hay jóvenes que son muy innovadores y otros que son muy clásicos. Yo he sido rompedor y lo voy a seguir siendo, antes innovar era hacer un cuarteto como Aura y en 2017 es hacer una zarzuela.

¿Se está restaurando lo anterior a la vanguardia?

Parece que se está recomponiendo de alguna manera, aunque movimientos como Fluxus ya no tienen sentido, porque su objetivo era provocar y ahora nadie se escandaliza de nada.

¿No es provocativa esta vuelta al XIX?

Supongo que sí y me imagino que el que yo haga una zarzuela va a escandalizar muchísimo, independientemente de cómo sea la obra. Se vuelve, pero en espiral; se recuperan ciertas ideas pero de otra manera, y así se crea la nueva vanguardia, que ya no es la anterior.

Esta espiral, ¿asciende o desciende?

Aspiraría a que fuera hacia arriba, pero que lo diga la crítica, o mejor dicho, la musicología del futuro.

Precisamente la crítica es otra de las actividades a la que se ha dedicado…

Sí, aún sigo escribiendo, pero hoy día la prensa musical diaria ha desaparecido de España por desinterés de los periódicos. En la época de Fernández Cid el ABC sacaba como mínimo una crítica diaria. Ese terreno se ha perdido, sobre todo en Madrid, donde apenas se publica nada; en las provincias todavía se publican artículos, aunque allí no quedan buenos críticos, nunca los ha habido. El futuro de la prensa escrita es complicado.

¿Quiénes han sido los responsables de ello?

Los medios de comunicación se han desinteresado de la música. Es un problema relacionado con la formación de los españoles, si el director de un periódico no tiene la música entre sus objetivos, evidentemente no aparece. Pero no es el único responsable, también interviene el entorno; por ejemplo, a ningún medio de comunicación se le ocurriría eliminar el fútbol de la programación, independientemente de que les guste o no.

Sin embargo, hay espacios relacionados con la música que siempre aparecen, como el Real…

La aparición del Real en los periódicos no está relacionada con el hecho musical. Es un asunto social, se ha abierto el Real y se ha convenido que es importante lo que sucede allí.

¿Y el esfuerzo de los gestores?

Ellos han trabajado mucho porque el Real parezca importante y lo sea, pero realmente no es solo eso. Es un ambiente social que ha decidido que el Real está en una cúspide compartida con Plácido Domingo.

El Minimalismo también ha conseguido captar la atención de los medios…

El Minimalismo triunfó gracias a los canales del pop, pero el estilo es más amplio que la música repetitiva de corte americano que lo ha hecho famoso. Glass triunfó con un público diferente al de la música clásica y aprovechó esta situación para seguir componiendo.

¿Está de acuerdo en darle al público lo que quiere?

Bueno, realmente no sabemos si al público se le está dando lo que quiere o lo que las grandes multinacionales les están ofreciendo y desean para ellos. Cuando la música se convierte en un negocio el gusto no es personal, sino dirigido.

Pero en este caso se basa en la música clásica…

Sí, pero hay muchos aspectos de la música clásica que se han visto como negocio. El éxito que tuvieron los “Tres Tenores” fue enorme, aunque musicalmente su alcance no fuera significativo. También hay figuras que han transcendido a un ámbito diferente del artístico, como Dudamel, que no solo es un director de orquesta sino un icono que representa a Venezuela. No dudo de su capacidad profesional, pero hay algunos profesionales de su talla y no tienen tanta relevancia mediática.

¿Aceptaría que una multinacional comercializase con su música?

Mi música está ahí para que la use el que quiera, lo complicado sería meterme en un negocio teledirigido con mi aquiescencia. Por ejemplo, Górecki, cuyo estreno de la Sinfonía de las Canciones Tristes no fue trascendente, años después se convirtió en un hit internacional. Le vino bien económicamente, pero tuvo que empezar a hacer obras como esa que no le importaban a nadie. Dudo que merezca la pena.

En el hipotético caso de que su zarzuela Policías y Ladrones, que estrenará la próxima temporada el Teatro de la Zarzuela, se convirtiese en el objetivo de una multinacional…

Eso no va a ocurrir. Policías y Ladrones es un esfuerzo grande por estrenar una nueva zarzuela que comenzó el director anterior y ha continuado el actual. Ha sido un reto, una estructura clásica con música del siglo XXI. El problema radica en que la zarzuela es un género que se ha convertido en histórico y tiene pocas posibilidades de incorporar nuevos elementos; por otra parte, independientemente de que sea buena o mala, tenga éxito o no, el circuito ya ha marcado las representaciones que va a haber en Madrid y después no habrá más.

¿Cuál es el tema de Policías y ladrones?

Es una zarzuela en el sentido formal, con partes habladas, cantadas y números cerrados que trata sobre la corrupción política. Un libreto escrito por Álvaro del Amo, en cierta medida dramático y humorístico, en el que hay personajes actuales como un político corrupto, un policía que lo persigue y acaba en la cárcel, los hijos que salen de Erasmus, la señora despistada que no sabe nada y todo le parece bien… Aunque Álvaro lo ha escrito en su totalidad, hemos trabajado entre los dos y en algunos cantables yo daba bocetos, igual que se hacía en la época. Podría afirmar que ha sido un trabajo de libretista-compositor en el que lo hemos pasado muy bien.

¿Le satisface recibir encargos y seguir en activo?

Sí, es estimulante, aunque uno sigue en activo a pesar de que no tenga encargos. Quiero seguir escribiendo y componiendo, y si a alguien le interesa, mejor.

También ha sido galardonado con el premio Tomás Luis de Victoria

Es una satisfacción porque a este premio no se presentan las candidaturas personalmente, sino que se lo dan. Cuando te conceden un galardón porque te reconocen los méritos es un honor, y en este caso se compite en todo el ámbito iberoamericano. Aunque también se puede pensar -ya están haciendo el réquiem- pero si uno no se abstrae de esos pensamientos, se agradece el reconocimiento y sigues adelante.

¿Cómo percibe la evolución de la tecnología y la electrónica?

Fue una revolución en su momento, principalmente a partir de que aparecen el moog y los sintetizadores, porque la posibilidad de manejar el sonido por ordenador se amplió y se ha extendido enormemente a todo tipo de música, desde el flamenco hasta el pop llevan sintetizadores. Es un método más para componer.

¿No tienen un fondo de falsedad?

No, son lo que son, máquinas electrónicas. El piano o el violín también son máquinas complicadísimas. Todos lo son excepto la voz. La gente que no sabe manejar el instrumento puede llegar hasta un nivel y no avanzar más, en ese punto se encuentran los que están a la misma altura, y al final se percibe que no saben usarlo correctamente.

¿El público puede intuirlo?

El público no existe, existen los públicos. En este caso probablemente lo sabe pero no le importa. 40.000 personas que van a un concierto de pop o rock con un enorme montaje electrónico tampoco van exactamente a escuchar sino de juerga. Se oye, no se escucha.

¿Hay público suficiente para que un compositor viva de su trabajo?

En principio no. Lo normal es que se viva de otras cosas, por eso se enseña o se gestiona. Estoy convencido de que si diera mucho dinero nadie enseñaría, se dedicarían exclusivamente a la composición. Hay muchos profesionales con talento que componen, pero cada vez es más sencillo estrenar ciertas cosas y más difícil darse a conocer. Si se repasan los nombres de la música española desde los que tienen más edad hasta los más jóvenes, hay más músicos pero son menos conocidos.

Después de tanto tiempo ¿le ha perdido el respeto al mundo de la música?

Es peligroso perdérselo y yo no lo voy a hacer. Por consideración a la música.

Gracias maestro, ha sido un placer.

http://www.tomasmarco.com/

por Esther Martín

 

Festival Internacional Andrés Segovia

Festival Internacional Andrés Segovia

Publicado: Septiembre 2017
Entrevistamos a Laura Verdugo del Rey

“Crear, organizar y moldear un programa en favor de la guitarra clásica”

La XXXI edición del Festival Internacional Andrés Segovia, que tendrá lugar el próximo mes de octubre en Madrid, se presenta con novedades. Su antiguo director, Pablo de la Cruz, deja paso a Laura Verdugo del Rey en la función de cabeza y guía de este certamen, uno de los más importantes de nuestro país. La responsabilidad de conformar una nueva agenda ha caído en manos de esta guitarrista cuyo principal interés es difundir las diferentes facetas del instrumento y darlas a conocer a través de espacios y profesiones diversas. Formada en Madrid y Maastricht, se ha enfrentado a esta tarea con espíritu renovador y se ha comprometido a continuar la tarea comenzada por Segovia.

Laura, ¿por qué ha cambiado la dirección?

Tras el enorme trabajo de estas tres décadas, Pablo buscaba una persona que pudiera relevarle. Yo tenía la intención de montar un festival para guitarra en Madrid y, dada su experiencia, me puse en contacto para que me asesorara, sin saber que él estaba buscando alguien que tomara su relevo.

¿Entonces Pablo abandona completamente el festival?

No, seguirá como director honorífico y personalmente me sigue aconsejando.

¿Qué ha sido lo más complicado?

Comprender la dinámica del festival, mantenerla e incorporar novedades.

¿Qué hará para continuar el ciclo “Ecos del Mediterráneo”, uno de sus pilares fundamentales?

Su objetivo se centra en renovar el repertorio del instrumento, estrenando obras de compositores españoles e hispanoamericanos para guitarra sola o concertino y orquesta. Este año se estrena Los colores del Mediterráneo, de Pedro Contreras, para guitarra, oboe, percusión y orquesta.

¿Cómo ha elaborado la programación?

Lo más importante ha sido organizar los músicos y las salas donde tendrán lugar los conciertos. Por tercera vez colabora el Teatro Infanta Isabel con el ciclo “Los lunes musicales”, además también participan el IAE, el Museo de Historia de Madrid, el Museo de San Isidro, la Biblioteca de las antiguas Escuelas Pías de Madrid y el aula Magna de la Universidad San Pablo CEU.

¿Quién es el artista invitado?

El guitarrista mexicano Daniel Olmos, ganador del Concurso Luys Milán 2016. También contaremos con la presencia de los ganadores del Festival Ciudad de Fiuggi-Andrés Segovia y el Ensemble Marquise, además de David Russell, Àlex Garrobé, Javier García Moreno y Pasquale Vitale; toda la información sobre horarios, entradas y direcciones está publicada en la web.

Y también se va a incluir una master class

Leo Brouwer y Àlex Garrobé serán los encargados de impartirla en las Escuelas Pías, un espacio de la UNED, y a los asistentes se les concederá un crédito ECTS. Además, también habrá una conferencia de Estética y Composición a cargo de Leo Brouwer, Iluminada Pérez Frutos y Consuelo Díez.

¿Después de esta experiencia, se contará con usted para próximas ediciones?

Sí, ha sido mucho trabajo pero el esfuerzo ha merecido la pena y me ha encantado el trabajo: crear, organizar y moldear un programa en favor de la guitarra clásica. Me gustaría repetir y que este año fuera el comienzo de una larga trayectoria.

¿Por qué este festival es importante para la guitarra?

La vinculación con la universidad, a través de los cursos en la UNED, le da un valor añadido fundamental, porque se da a conocer la guitarra en otros entornos. Además, no es solo un festival de guitarra, sino que se tratan otras disciplinas, como la composición.

¿Cuándo tendrá lugar la inauguración?

El 1 de octubre en el Teatro Infanta Isabel, abierta a todo el que quiera asistir. Los guitarreros Contreras, Ramírez, Juan Álvarez, Felipe Conde, Pedro de Miguel y José Antonio Lagunar mostrarán sus instrumentos y explicarán su construcción mientras seis intérpretes tocarán para que se puedan apreciar sus características. Al final, la Orquesta de guitarras de Madrid ofrecerá un concierto.

Programa (4-30 de octubre)

·                     4. Javier García Moreno en el Aula Magna-Universidad CEU San Pablo

·                     5. Manni Wu en el Museo de Historia de Madrid

·                     9. Nova Cámera Orquesta, solistas Laura Verdugo del Rey, Pablo de la Cruz y Zoraida
                          Ávila en el Teatro Infanta Isabel

·                     16. Àlex Garrobé en el Teatro Infanta Isabel

·                     18, 19 y 20. Master Class y Conferencias de Estética y Composición Musical en las
                             Escuelas Pías

·                     22. Pasquale Vitale en el Museo de San Isidro

·                     23. David Russell en el Teatro Infanta Isabel

·                     27. Daniel Olmos en la Biblioteca de la UNED

                      30. Ensemble Marquise en el Teatro Infanta Isabel


Por Esther Martín
 

https://festivalandressegovia.com/ 

Foto: Laura Verdugo del Rey, nueva directora del certamen. 

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués

Publicado: Septiembre 2017
Cuna de maestros

La Orquesta de Cadaqués tiene abierto el plazo de inscripción de su prestigioso Concurso Internacional de Dirección hasta el 8 de septiembre. Esta XII edición tendrá por primera vez como presidente del jurado a Gianandrea Noseda, actual director principal de la Orquesta de Cadaqués y ganador del primer premio del certamen en 1994. Según Vasily Petrenko, actual director titular de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, entre otras orquestas, “ganar el Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués en 2004 fue un paso definitivo para mi lanzamiento internacional, un  punto de inflexión en mi carrera. Me ahorró diez años de trabajo”.

Sobre este evento conversamos con Llorenç Caballero, Director Artístico de la Orquesta de Cadaqués.

Noseda, V. Petrenko, Nesterowicz, Viotti, Pablo González o A. Gourlay, los nombres de los ganadores del Concurso Internacional de Dirección avalan por sí solos el prestigio de certamen…

La verdad es que sí. Desde 1992 ha habido 9 ganadores y casi todos ellos están haciendo una carrera importante. Posiblemente hemos hecho bien las cosas y al mismo tiempo hemos tenido suerte, tanto la organización del concurso como los propios ganadores.

¿En qué afecta a la Orquesta de Cadaqués el Concurso? ¿Hay vinculación directa posterior de los premiados con la orquesta?

La Orquesta de Cadaqués organiza el concurso con frecuencia bienal y todos nosotros sentimos que es el proyecto más bonito y esperanzador que realizamos cada dos años. Para la orquesta es su inversión en I+D. Gianandrea Noseda, ganador en el año 1994, es nuestro director principal desde 1998 y tenemos una gran relación con casi todos los ganadores del concurso (y no solo los ganadores). El establecer relación con jóvenes directores que tienen un gran futuro era nuestro objetivo. La idea era que en esta fase inicial nosotros les pudiésemos ayudar (el ganador dirigirá más de 30 orquestas distintas en más de 100 conciertos como premio a haber ganado el concurso) y que en un futuro, cuando ellos sean reconocidos y tengan una influencia importante en el mundo de la música, nos puedan ayudar a nosotros. Como el ganador dirige a más de 30 orquestas, esta relación ganador (finalista o bien director interesante) no solo se da entre la Orquesta de Cadaqués y los premiados, si no entre todas las orquestas colaboradoras (estas 30) y los premiados.

Para esta edición, el ganador estará asesorado durante un año por Alfonso Aijón, ¿qué significa esto exactamente?

Que puede hacer todas las preguntas que quiera a una persona que lleva 50 años (Alfonso Aijón) en el panorama musical internacional, que como sabe ha sido premiado recientemente con la Cruz del Mérito de la República Federal Alemana por sus 500 conciertos con las orquestas alemanas con Ibermúsica. Una persona que ha conocido (y conoce) a los directores más relevantes del mundo orquestal y que puede asesorar, informar y guiar a los jóvenes en aquello que ellos necesiten.  

¿Cómo se desarrolla el Concurso?

Hay una pre-selección de candidatos y unos 120 directores llegan a Cadaqués. Hay cinco rondas antes de la final (Auditori de Barcelona), que se desarrolla en forma de concierto con los dos finalistas. Durante las distintas rondas los concursantes pasarán por los distintos estilos musicales con obras escritas en 4 siglos diferentes y con formaciones diversas. El concurso trata de encontrar las personas más talentosas y al mismo tiempo preparadas, para darles un empujón en su carrera y así poder acelerar su camino hacia una labor que hará disfrutar de la música a miles (¿millones?) de personas.

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Jurado

En la duodécima edición de 2017, Noseda debuta como presidente del jurado. Hasta la undécima edición, Gennady Rozhdestvensky y Sir Neville Marriner fueron alternándose este cargo. Este año, formarán parte del jurado de la XII edición 2017 Annette Mangold, directora de planificación artística de la Filarmónica de Berlín; Nicholas Kenyon, consejero delegado de Barbican Centre; Lutz Köhler, director de orquesta; Jaime Martín, director titular de  la Orquesta de Cadaqués y de la Gävle Symfoniorkester; y Jun-ichi Nihei, presidente COO de Japan Arts Corporation. Asimismo, la Orquesta de Cadaqués integra el jurado con dos votos.

Orquesta de Cadaqués

La Orquesta de Cadaqués, fundada en 1988, es un caso único entre las orquestas europeas y la agrupación española de mayor impacto internacional. Dispone de un sello discográfico y editorial, Tritó Ediciones. Es la única Orquesta Residente del Ciclo Ibermúsica y cuenta con un ciclo propio en el Palau de la Música Catalana, BCN Clàssics. Entre los futuros compromisos de la orquesta destacan los conciertos inaugurales del Festival de Bremen en agosto 2017, tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburgo en octubre 2017 y una gira con Gianandrea Noseda en diciembre por España y Portugal.

Concurso

El concurso tendrá lugar entre los días 14 y 18 de diciembre de 2017 en Cadaqués y Barcelona, y pueden participar en él directores y directoras de orquesta de todas las nacionalidades, nacidos a partir del 19 de diciembre de 1981. El primer premio único consiste en dirigir al menos un concierto con todas las orquestas colaboradoras del concurso a lo largo de las temporadas 2017/18, 2018/19 y 2019/20.

http://www.orquestradecadaques.com/es/7/bases-del-concurso

Foto: Gennady Rozhdestvensky, junto a su esposa Viktoria Postnikova, durante su presidencia en el XI Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués.
Acred: Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués
 

Bachfest Leipzig 2017

Bachfest Leipzig 2017

Publicado: Septiempre 2017
Música y Reforma

Como cada año, en el mes de junio, la ciudad de Leipzig festeja a J.S. Bach, su Thomaskantor más ilustre. Melómanos de todo el mundo y los mejores intérpretes de su música peregrinaron a la ciudad sajona para disfrutar, en su contexto histórico, del legado musical del genial compositor. Coincidiendo con la celebración del 500 aniversario de la Reforma, reconocidos artistas del panorama musical internacional se dieron cita en el legendario festival alemán, para rendir homenaje a las obras corales del reformador Martin Luther, bajo el lema “Ein schön new Lied”. En la großer Saal de la Gewandhaus, con entradas agotadas desde días antes, el director inglés y actual presidente de la Fundación Bach-Archiv Leipzig, Sir John Eliot Gardiner, al frente del Monteverdi Choir, GewandhausChor y Gewandhausorchester Leipzig, inauguró los conciertos del Bachfest 2017 con la interpretación de la Sinfonía de la Reforma de Mendelssohn. Al día siguiente, de nuevo, Gardiner, al frente de su conjunto English Baroque Soloists y Monteverdi Choir, ofreció su lectura de las Cantatas de la Reforma de Heinrich Schütz y J.S. Bach.

Con una ceremonia oficial en la Sala de Banquetes del Antiguo Ayuntamiento, en esta ocasión, con la actuación del conjunto barroco “Ludus instrumentalis”, el alcalde impuso la célebre medalla de Bach de la ciudad de Leipzig como reconocimiento a los esfuerzos por promover la difusión de la obra de J.S. Bach, medalla que en su día ya recibieron, entre otros, Gustav Leonhardt, Gardiner o Harnoncourt, y que este año el jurado otorgó por su defensa del legado de Bach a Reinhard Goebel, violinista, director y fundador de la legendaria Musica Antiqua Köln.

Día de la Cantata

Durante “El Día de la Cantata” del Bachfest 2017, en pocas horas se pudieron escuchar diez cantatas corales del ciclo anual 1724-1725, cuatro de ellas en el concierto de la noche de la Nikolaikirche, la iglesia más antigua de la ciudad, donde pudimos disfrutar del excelente trabajo del director aragonés Eduardo López Banzo al frente de su grupo vocal e instrumental Al Ayre Español, que en su regreso al festival interpretaron las Cantatas escritas por J.S. Bach para el tiempo litúrgico de la Trinidad, acompañados por el tenor suizo Raphaël Favre y el barítono alemán Marcus Niedermeyr.

Más de 35 lugares diferentes en la ciudad y sus alrededores para disfrutar de 120 eventos, durante nueve días (del 9 al 18 de junio), con más de 3.000 participantes y más de 70.000 visitantes de 41 países diferentes (con mayoría de estadounidenses), dan idea del carácter cada vez más internacional de este festival, que batió dos nuevos récords de visitantes y venta de entradas. Un año más, el festival también incluyó nuevas versiones y arreglos de la música de Bach de conocidos intérpretes de la música clásica y del jazz. El famoso y controvertido organista estadounidense Cameron Carpenter, inauguró los conciertos al aire libre (Bach Open Air), con lleno absoluto en la plaza del mercado de Leipzig.

Obtener una nueva perspectiva de la música clásica, más próxima y más allá de la sala de conciertos habitual, fue uno de los objetivos del Bachfest 2017. Mención especial merece el Mendelssohn Classic Lounge, un proyecto conjunto de la Mendelssohn Kammerorchester Leipzig, Schaubühne Lindenfels y el Bachfest, que por primera vez se celebró durante el segundo fin de semana del festival. En el nuevo barrio de Lindau y en el que fue antiguo restaurante, salón de baile y cine de la DDR en Leipzig, y actual espacio interdisciplinario, Schaubühne Lindenfels, se celebró con gran éxito una velada diferente para escuchar a Bach. Con la asistencia de un público mayoritariamente joven y en un ambiente distendido y relajado, pudimos escuchar las composiciones de Arash Safaian dedicadas a Bach, interpretadas por el pianista Sebastian Knauer, Pascal Schumacher (vibráfono) y el quinteto de cuerda de la Deutsches Kammerorchester Berlin.

Completó el programa el DJ Raphaël Marionneau, considerado como el inventor del chill out francés y un creador de emociones. En la legendaria Thomaskirche, donde  J.S. Bach fue Kapellmeister durante los últimos veintisiete años de su vida, se celebró el concierto de clausura bajo la batuta del incombustible Herbert Blomstedt, que pocos días antes de su noventa cumpleaños, dirigió magistralmente la Misa en si menor de Bach junto al excelente cuarteto de solistas, el Dresdner Kammerchor y la Gewandhausorchester Leipzig.

Por Lorena Jiménez

http://www.bachfestleipzig.de/ 

Foto: En la legendaria Thomaskirche, Herbert Blomstedt dirigió magistralmente la Misa en si menor de Bach.
Crédito: Bachfest Leipzig - Gert Mothes

 

Musikfestspiele Potsdam Sanssouci 2017

Musikfestspiele Potsdam Sanssouci 2017

Publicado: Septiembre 2017
Música en la “perla” de Brandemburgo

A unos treinta kilómetros al suroeste de Berlín, la bella ciudad de Potsdam, antigua residencia de la familia real prusiana y capital actual del estado federado de Brandenburg, es el marco ideal para los amantes del arte y la naturaleza. En los jardines del palacio de Sanssouci, y en el centro histórico y alrededores de la ciudad que fue símbolo de la gran Prusia de los Hohenzollern, y baluarte del cine alemán de los años veinte del siglo pasado; la ciudad que, tras la Segunda Guerra Mundial, albergó la famosa conferencia de las cuatro potencias vencedoras, y en 1990 fue declarada Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, celebra desde hace casi treinta años, en el mes de junio, los famosos Musikfestspiele Potsdam Sanssouci. Una ocasión única para disfrutar de la buena música y del bellísimo paisaje de una ciudad rodeada de extensos jardines, más de una veintena de lagos y palacios barrocos, que reflejan el antiguo esplendor prusiano.

Herederos de los antiguos Parkfestspiele Sanssouci de los años cincuenta, una de las citas musicales más destacadas del calendario cultural de la DDR, el festival inicia una nueva era tras la reunificación alemana, con nuevo nombre y perfil, según el concepto ideado por la musicóloga Dr. Andrea Palent, directora artística de los Musikfestspiele Potsdam Sanssouci desde su creación en 1991. Su objetivo ha sido vincular el festival a la historia cultural y el ambiente único de los palacios y jardines prusianos como el lugar idóneo para la interacción de las artes con el sonido de los instrumentos historicistas y la palabra hablada y cantada, en programas de alto nivel artístico, siguiendo un criterio musicológico. Todo el paisaje cultural de Potsdam: sus palacios, iglesias, jardines, parques y lagos, se convierten en escenarios de un festival, que este año, durante 16 días (del 9 al 25 de junio) logró reunir a más de 423 artistas procedentes de 23 países diferentes, y cautivó a un total de 15.550 espectadores en 73 eventos, entre conciertos, óperas, circuitos musicales y artísticos guiados, conciertos al aire libre o el Sanssouci Prom Concert, con la mágica iluminación de los fuegos artificiales.

Los cuatro elementos

En el corazón del gran parque que rodea el palacio de Sanssouci, abrazan la gran fuente las figuras alegóricas de los cuatro elementos: el fuego, el agua, la tierra y el aire.  El programa y el concepto temático en esta edición 2017, siguiendo el criterio musicológico de la directora artística del festival, la Dr. Andrea Palent, llevó como lema los elementos “Tierra, Fuego, Agua y Aire”, para mostrar cómo han reflejado a lo largo de los siglos la fuerza de los cuatro elementos de la naturaleza, tanto compositores como intérpretes, teóricos de la música, científicos o constructores de instrumentos.

Entre los eventos de esta edición, destacaron tres óperas: Il ritorno d’Ulisse de Monteverdi, en la mágica versión del director y artista visual William Kentridge, que fusiona música en directo, cantantes, marionetas, proyección audiovisual y sombras chinescas, en un viaje a través del espacio y el tiempo. Una ópera del barroco español: Los Elementos, del mallorquín Antonio Literes, con dirección musical de Esteban Mazer y firma escénica de Adrián Schvarzstein, que sitúa la acción en una tasca “typical spanish”, donde los cuatro elementos encarnados por cuatro cantantes vestidas de flamencas cantan y bailan en espera de la Aurora y el Tiempo. Mención especial merece la actuación de la soprano María Hinojosa (El Agua). Y la ópera para niños Eine kleine Zauberflöte (Una pequeña flauta mágica), que muestra cómo Tamino y Papageno han de superar el fuego y el agua para ganarse el favor de la princesa.

Entre los Highlights de los Musikfestspiele Potsdam Sanssouci 2017: Il diluvio universale de Michelangelo Falvetti con la Cappella Mediterranea, el ya tradicional concierto al aire libre “Sanssouci Jazznacht” que contó, entre otros, con la actuación de Fred Wesley, el popular “Fahrradkonzert”, un verdadero tour de conciertos para todos los amigos de la bici, y el Sanssouci Prom Concert: Feuer!, con la Brandenburger Symphoniker. El año que viene, el lema del festival será “Europa”, y será la despedida de la legendaria directora del festival, Andrea Palent, a quien sucederá en el cargo la flautista Dorothee Oberlinger.

Por Lorena Jiménez

http://www.musikfestspiele-potsdam.de

Foto: María Hinojosa (en la parte superior), en la caracterización de tasca “typical spanish” en Los Elementos, de Antonio Literes.
Crédito: © Stefan Gloede

 

Asier Polo

Asier Polo

Publicado: Julio-Agosto 2017
El violonchelo romántico


Asier Polo es uno de los más grandes intérpretes españoles actuales, una figura imprescindible del violonchelo español con una trayectoria sólida y consolidada. Acaba de publicar el que quizá sea el CD más afín a su personalidad, Romantic Cello Sonatas, junto a la pianista Marta Zabaleta, editado por el sello IBS Classical.
 

Su larga discografía ha estado hasta ahora dedicada fundamentalmente a compositores españoles contemporáneos. Ha grabado obras de Villa-Rojo, Bernaola, García Abril, Tomás Marco, etc. ¿Por qué ha querido que su nuevo CD estuviera dedicado al violoncelo romántico?

La relación con los compositores contemporáneos es muy importante en el transcurso de mi carrera, una experiencia muy enriquecedora. Lógicamente, cuando realizas algún estreno, la repercusión mediática es muy relevante, pero en realidad, este apartado de mis actividades ocupa un espacio mínimo dentro de mi agenda. Normalmente en mis conciertos interpreto fundamentalmente obras del repertorio habitual para cello. Me siento en un momento muy fructífero de mi trayectoria profesional y considero oportuno empezar a registrar mi visión personal de este repertorio.

El CD reúne obras de cuatro compositores muy diferentes, dos rusos (Rachmaninov y Glazunov) y dos franceses (Franck y Ravel), compuestas en un intervalo de apenas 20 años. ¿Cómo escogió las obras?

La elección del repertorio ha sido por afinidad estética; son obras que llevo interpretando desde hace muchos años en recital; he profundizado mucho sobre ellas. Aunque en principio parezca que no tienen ninguna relación entre ellas, son compositores que viven en el siglo XX, pero cuyas obras, con un sello personal muy marcado, se inspiran plenamente de la tradición romántica del siglo XIX.

¿Se podría decir que es el CD que mejor refleja su sensibilidad como chelista?

Se podría decir que en gran parte sí, el repertorio que presentamos es esencialmente melódico, en el que el violonchelo, como instrumento esencialmente lírico, se expresa en plenitud. 

En él vuelve a colaborar con la pianista Marta Zabaleta, ¿cómo ha sido el trabajo con ella?

Con Marta Zabaleta me une una amistad de hace muchos años y siento además una gran admiración por ella como músico. Esto permite que el trabajo resulte muy productivo, por el ambiente de confianza y el respeto que nos tenemos.

El disco se grabó en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, ¿cómo fue el proceso de grabación?

El proceso de grabación, dentro de la tensión que supone trabajar con plazos cerrados, fue sin embargo fluido, en gran parte gracias al buen hacer de los directores de la discográfica IBS Classical, Paco Moya y Gloria Medina, que nos facilitaron mucho las cosas, trabajando en un ambiente agradable y familiar.

Tiene otros dos trabajos discográficos a punto de salir…

Si, aunque desconozco los plazos concretos, pero efectivamente hay dos registros pendientes de publicación de los que me siento muy orgulloso; ambos junto a la Orquesta Nacional de España y el maestro Juanjo Mena. El primero de ellos interpretando los dos Conciertos para violonchelo de Joaquín Rodrigo y el segundo con el Concierto n. 2 de Alberto Ginastera. Creo que es una aportación de gran interés cultural, al tratarse de obras poco conocidas pero muy relevantes dentro del repertorio español y latinoamericano para violonchelo.

¿Cuáles son sus siguientes proyectos?

Además de estar al frente, como director artístico, de la Academia Internacional de Verano Forum Musikae en Madrid, este mismo verano estaré realizando conciertos en el Festival Garda Lake Music Master (Italia), también tocaré junto a la Orquesta Sinfónica de Minería (Ciudad de México), Newport Music Festival (Estados Unidos), realizando varios recitales, finalizando la temporada el 3 de agosto en la Quincena Musical de San Sebastián junto a la BBC Philharmonic bajo la dirección de Juanjo Mena, interpretando el sublime Concierto de Elgar.

Romantic Cello Sonatas reúne cuatro obras líricas en las que el violonchelo muestra toda su capacidad expresiva. La Sonata Op. 19 de Rachmaninov y la Sonata en la mayor de Franck son el eje central de un CD que se completa con el Chant du Menestrel de Glazunov y el Vocalise-Étude de Ravel, en las que el violonchelo de Asier Polo brilla junto al piano de Marta Zabaleta en un nuevo trabajo de IBS Classical.

Por Lucas Quirós

http://www.asierpolo.com/

http://ibsclassical.es/product/cello-romantic-sonatas/

Foto: El violonchelista Asier Polo, que acaba de publicar Romantic Cello Sonatas.
Acred: Pablo Axpe

 

Luis Fernández-Castelló

Luis Fernández-Castelló

Publicado: Julio-Agosto 2017
El clarinete que canta


Luis Fernández-Castelló se ha convertido en uno de los jóvenes clarinetistas españoles con mayor proyección. Hablamos con él con motivo de la publicación de su CD “The singing clarinet”.

¿Por qué el clarinete?

Puro azar. Fue el instrumento que disponían en mi sociedad musical y con él me quedé. Con el tiempo me alegro de esta feliz coincidencia y sigo manteniendo intacta la pasión por él, pero también me atraen las cualidades de otros instrumentos y que intento trasladar al clarinete.

En el CD que ha publicado recientemente, titulado “The Singing Clarinet”, ha querido mostrar las características quasi vocales de las que es capaz este instrumento, ¿Qué ha aprendido de ello?

Principalmente la flexibilidad en la interpretación. Siempre he sentido predilección por la voz y sus sutilezas, y en este trabajo he aprendido a extraer el máximo fruto del “texto” de cada pieza, su perfecta dicción, su especial tímbrica, etc., en definitiva, a “cantar” con el instrumento.

El CD incluye obras de compositores de ópera italianos como Donizetti, Bellini o Rossini y también de compositores alemanes, autores de Lieder como Schumann, Mendelssohn o Weber, ¿qué diferencias encuentra en su acercamiento al clarinete?

Son dos mundos muy diferentes. El bel canto italiano muestra una ligereza, que no simpleza, en la que es muy fácil, desde el desconocimiento interpretativo, caer en la trivialidad. Por su parte, el dramatismo alemán necesita de una tímbrica más compleja, especialmente variada en colores del sonido. A pesar de ello, ambos exigen un compromiso emocional enorme.

¿Cómo fue tu trabajo con el pianista Carlos Apellániz y el proceso de grabación del CD con el sello Orpheus?

Carlos es un pianista excepcional y muy divertido, que se adapta a la perfección a mis necesidades interpretativas y que aporta visiones musicales muy interesantes desde su óptica pianística. Desde que nos conocemos hemos disfrutado mucho tocando juntos y este aspecto lo consideraba esencial a la hora de emprender este proyecto. Una grabación discográfica es muy exigente y necesitas constante motivación, y eso lo conseguimos. Son muchas las horas de grabación; y no sólo se acaba ahí el proceso, antes ha habido un largo lapso de tiempo de selección del repertorio y posteriormente otros aspectos extramusicales. En todo momento desde Orpheus, con Félix Ardanaz a la cabeza, se mostraron muy cercanos y profesionales, lo cual les agradecemos enormemente.

“The Singing Clarinet” es su primer CD en solitario, pero ya había participado en otros proyectos discográficos, alguno incluso con sellos como Deutsche Grammophon…

He podido participar en otros proyectos discográficos y me agrada especialmente el llevado a cabo para Deutsche Grammophon junto a la Joven Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de Cataluña en el que, bajo la dirección de Josep Pons, grabamos los monumentales Gurrelieder de Arnold Schoenberg. Fue muy emocionante.

En su currículum siempre se destaca su interés por la música contemporánea, de hecho algunos compositores le han dedicado sus obras para clarinete…

Me siento muy cómodo interpretando música contemporánea. Creo que es debido a mi actitud curiosa como intérprete que necesita descubrir caminos nuevos en la música y en el arte en general. Los clarinetistas tenemos un repertorio reducido, pero de gran valor, en comparación con el piano o el violín, y son el siglo XX y la música actual los que han permitido un mayor desarrollo del instrumento con posibilidades que me fascinan. Me parece muy enriquecedor poder interpretar música de John Adams, de Francisco Coll o, incluso, música electrónica, a la vez que preparo las Sonatas de Brahms o el Quinteto de Mozart para el próximo concierto. Lo siento como una necesidad vital.

¿Cuáles son sus siguientes proyectos?

Se aproximan unos meses de bastante actividad con conciertos en festivales en Madrid, Barcelona, Valencia, Andalucía o México, junto a otros que espero se confirmen pronto en Portugal, Croacia o República Checa. A su vez, estamos esperando que salga a la luz una nueva grabación para el sello Naxos con música para clarinete del compositor catalán Leonardo Balada. Y, por supuesto, no dejo de lado mi labor pedagógica, ya que daré diversas masterclasses en el Conservatorio Nacional de México y en España.

The singing clarinet

Luis Fernández-Castelló, junto al pianista Carlos Apellániz, interpreta obras de Weber, Bellini, Donizetti, Schumann, Mendelssohn y Rossini.

CD editado por Orpheus Classical

www.orpheusclassical.com/the-singing-clarinet

Disponible en www.laquintademahler.com

Por Lucas Quirós

Foto: Luis Fernández-Castelló realiza en este disco un precioso recorrido por el romanticismo alemán e italiano.
Acreditación: Paula Mollá

 

Sira Hernández

Sira Hernández

Publicado: Julio-Agosto 2017
Un nuevo Padre Soler al piano


Sira Hernández, pianista de carrera consolidada, es dueña de una voz característica, desarrollada con rigurosos criterios de calidad y valentía interpretativa. La intérprete presenta su nuevo CD, en el que interpreta 12 Sonatas del Padre Soler, en transcripción de Joaquim Nin i Castellanos. Este inusual programa refleja el espíritu inquisitivo de la pianista, su afán de búsqueda, análisis e interpretación de nuevos repertorios. Sira Hernández busca y logra con su interpretación en este disco, resaltar aquellos “acentos de un sentimiento casi romántico alternando con aspectos picarescos llenos de malicia, donde el elegante dibujo se opone a los rasgos populares”, palabras del propio Joaquín Nin Castellanos sobre Soler.

 “Descubrí las Sonatas del Padre Antoni Soler hace años -nos cuenta la pianista-, cuando ya había terminado mis estudios musicales en Italia. En Turín trabajé en profundidad las Sonatas de Domenico Scarlatti, que me entusiasmaban. Estas sonatas de D. Scarlatti, muchas grabadas por Arturo Benedetti Michelangeli (a cuya escuela pertenecía mi maestro en el Conservatorio de Turín) con unos niveles realmente sublimes, extraordinarios, son auténticas joyas de la interpretación pianística. Mi fascinación por D. Scarlatti hizo que lo incorporase a mi repertorio y grabara mi primer CD con alguna de estas sonatas”.

Sira Hernández interpreta en sus programas de concierto asiduamente música de Bach, Rameau y Scarlatti, entre otros. ¿Es al volver a España cuando se topa con el Padre Soler?

Sí, en Italia no se estudia demasiado repertorio español, por supuesto no éste, casi desconocido incluso para los españoles. El descubrimiento de las sonatas del P.  Soler fue todo un regalo para mí, casi una revelación. Esta música la entendí y la amé inmediatamente. Con el tiempo surgió de manera natural la idea de grabar las Sonatas que presento ahora, con el deseo y la voluntad de mantenerlas vivas, ofreciendo una nueva versión. Es para mí un placer y un deber darlas a conocer cada vez más.

No ha elegido una transcripción cualquiera…

No, es una decisión muy meditada. La elección de la transcripción que hace Joaquim Nin cuando las publica en París, en 1925, en la editorial Max Eschig, no es casual. Aparte de querer ser un homenaje al gran musicólogo, responde también a mi adhesión a su concepto de la interpretación, no solo por lo que se refiere a la elección del instrumento (es conocida su disputa con la clavecinista Wanda Landowska sobre este tema), que en este caso es un piano y no un clave, sino también por las pautas que Nin utiliza, de una cierta libertad en la interpretación inherente a la expresión musical, que debe ser siempre viva, con ese punto de espontaneidad que creo indispensable, dentro de la fidelidad y el rigor a la música escrita. La elección que hace Nin Castellanos me parece totalmente vigente y necesaria para mantener vivo el interés en la obra de este gran compositor, que debería ser imprescindible y un referente de la música en nuestro país y más allá de nuestras fronteras.

Explica Joaquín Nin Castellanos, en la edición que Hernández ha usado para el estudio de estas sonatas, sobre las mismas:

“[...] Todo y hablar italiano, como muchos de sus contemporáneos europeos, el Padre Soler conserva bastante acento español como para que quienes conozcan las dos lenguas eviten el lamentable error de confundir lo que es debido a la influencia italiana con lo que pertenece, por derecho propio, al monje español; esto por lo que concierne a la colección de Londres, de donde hemos extraído las cuatro primeras sonatas de nuestra propia colección.

Seis de las otras sonatas que publicamos han sido tomadas de una colección de doce, manuscrito que nos ha ofrecido generosamente Henri Prunières, director de la Revue Musicale de París. Esta colección, que llamamos “de París”, tiene para nosotros una doble importancia; primero en razón de su contenido y después a causa de su título, pues este es el texto exacto: XII Toccate per cembalo composte dal Padre Antonio Soler discepolo de Domenico Scarlati [...]”.

Por Blanca Gutiérrez

www.sirahernandez.com

Foto: La pianista Sira Hernández ha grabado 12 Sonatas del Padre Soler, en transcripción de Joaquim Nin i Castellanos.

 

 

 

Yago Mahúgo e Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid

Yago Mahúgo e Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid

Publicado: Julio-Agosto 2017
Saudades do Brasil


Este 2017 está siendo un año fantástico para Yago Mahúgo. Acaba de ser nombrado catedrático y después de su gira por EE.UU., con concierto en el Carnegie Hall incluido, acaba de aterrizar de nuevo por Brasil, esta vez con su grupo Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid.

No se podrá quejar del año… ¿Qué es lo que han hecho allí y qué tal el panorama musical por Brasil?

¿Conciertos? (Risas). No me puedo quejar, para nada. En Brasil han sido tres semanas muy intensas, especialmente los últimos 5 días antes de volver, que es cuando se juntaban la mayor parte de los conciertos. Un trabajo muy bueno con la OBU (Orquesta Barroca de UNIRIO), clases a los alumnos de la Universidad y cuatro conciertos: uno de cámara de Ímpetus con músicos de allí, dos de ellos de clave solo y el cuarto dirigiendo a la OBU y tocando el Concierto de Brandeburgo n. 5 de Bach. Una experiencia muy enriquecedora para todos. Me he encontrado con músicos muy buenos como el violinista Roger Lins, el cellista Lucas Bracher, Patricia Michelini o la flautista Laura Rónai, que es la profesora de flauta de la Universidad y la que me ha invitado a hacer toda esta gira.

El panorama musical parece algo sombrío. Me contaban que los músicos del Teatro Municipal de Río (estuve viendo una excelente versión de Carmina Burana) llevan desde noviembre sin cobrar, muchos viviendo de lo que la gente les dona, incluso alguno ha tenido que vender su instrumento para poder comer… Tristísimo… Por otro lado, lo que no depende del gobierno del Estado de Río (el equivalente a la comunidad autónoma) no está en bancarrota, aunque no es que estén sobrados de dinero, ni mucho menos. Brasil parece inmerso en una crisis permanente. No alcanzo a explicarme cómo se hicieron allí el mundial de fútbol o las olimpiadas.

¿Volvería allí a tocar?

A tocar y a dar clase. Sin duda. Esta es la segunda vez que voy. La acogida es excelente. Fui en el 2014, también con Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid, con el programa de las Pièces de Clavecin en Concerts de Rameau. Ahora hemos vuelto para hacer, además de conciertos, una parte de labor educativa, que les interesa mucho. La gente que se dedica allí a la música renacentista y barroca está ávida por adquirir nuevos conocimientos. No hay que olvidar que para nosotros toda la música que hacemos es lejana en el tiempo, pero no tan lejana en cuanto a distancia, al ser música europea. Para ellos, todo está lejos y pueden sentirse un poco inseguros al aproximarse a nuestra música.

¿Hay una elección especial de repertorio al ir a un país exóticamente hablando en lo musical?

Están obviamente muy interesados en música española. De todas maneras, como le comentaba, hemos estado haciendo una labor pedagógica. Les dimos carta blanca para la elección del repertorio y han preferido dar el concierto con piezas que estaban trabajando, mejor que aprenderse unas nuevas. La próxima vez que regresemos, esperamos que sea en un año y medio aproximadamente, volveremos a integrar a la gente de Ímpetus en la orquesta y esta vez querrán hacer repertorio español que ya habrán estudiado.

Unas giras así condicionan buena parte de la temporada, ¿cómo la trabaja?

Si soy yo solo el que se va de gira, siempre es más sencillo. Cuando se trata del grupo, puede llegar a ser un dolor de cabeza. Es prácticamente imposible cuadrar la agenda de más de cuatro personas durante muchos días, a no ser que se haga con un par de años. Intento siempre que estos viajes largos ocurran con el curso ya acabado (como esta vez), en vacaciones o a principio de curso, para que el conservatorio y los alumnos no se vean afectados, ya que algunos de los miembros de Ímpetus somos docentes durante el curso escolar. Después hay que organizarse el estudio personal y planear los ensayos. Suena complejo, y a veces lo es, pero estamos acostumbrados. ¡Llevamos toda la vida organizando agendas! De algo tiene que servir…

Aquí, en España, ¿cuáles son sus próximos proyectos?

A nivel individual, tengo que hacer, ahora en verano, una nueva grabación para Brilliant Classics, así como varios recitales hasta final de año. El próximo concierto previsto con Ímpetus será en el primer trimestre del año que viene. Aunque estoy pendiente de ver si se concreta lo que sería un concierto muy importante para el grupo antes de final de año…

¿Nos dice en qué consistiría?

No. Prefiero no comentar posibles planes, sino solo lo concreto, porque lo que se comenta sin estar seguro tiende a estropearse.

Ha nombrado los discos con Brilliant Classics. Acaba de salir un disco de Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid con canciones de C.P.E. Bach, donde hace dúo con la soprano Mariví Blasco…

Sí. Esta grabación se publicó hace dos años. Así que esta es una reedición con una nueva masterización. Brilliant me preguntó por ella y le interesó para poder tenerla en su catálogo. Estoy muy contento de que haya sido así, ya que va hacer que la grabación llegue a más gente.

Su intención es grabar un disco por año con Brilliant Classics, ¿cierto?

Así es. Tengo un contrato de tres años para tres discos. A disco por año.

Por Ricardo Castro

www.yagomahugo.com

www.ensembleimpetus.com

Foto: Yago Mahúgo junto a Laura Rónai (flauta), Roger Lins (violín) y Lucas Bracher (cello).
Acred: Nabila Trindade

 

Gran Teatre del Liceu

Gran Teatre del Liceu

Publicado: Junio 2017
Conmemoraciones programadas por los 20 años de la reapertura


Christina Scheppelmann: “Los nombres nacionales son uno de los pilares del Liceu”
 

La directora artística del Gran Teatre del Liceu, Christina Scheppelmann, nos recibe amablemente. Mientras saboreamos un café, nos adelanta las novedades de la nueva temporada 2017/18, recién presentada, programación que se integra en los actos de conmemoración de la reapertura del Liceu, cuyo 20 aniversario culmina en 2019.

Una programación marcada por los grandes títulos del repertorio y los primeros nombres de la lírica. Un Liceu de grandes voces y que apuesta por los nuevos cantantes nacionales e internacionales, lenguajes clásicos intercalados con nuevas tecnologías e innovación sobre el escenario y con grandes equipos de dirección de escena y musicales. En el marco del 20 aniversario de la reapertura del Teatro, Scheppelmann tiene un objetivo claro: mantener la alta calidad, ejemplaridad y referencia internacional que definen el proyecto artístico del Teatro.

Enhorabuena por la temporada que acaban de presentar. ¿Está satisfecha con el resultado?

Absolutamente. Presentar una temporada es algo muy emocionante. Implica desvelar el resultado de mucho tiempo de trabajo. Se trata de un largo proceso de coordinación de criterios artísticos, calendarios y disponibilidades para que el conjunto de títulos y nombres sea lo más interesante y de la más alta calidad posible, pensando siempre en el público liceísta, nuestro exigente destinatario. Y creo sinceramente que lo hemos conseguido. 

Si tuviera que definirla en pocas palabras…

La nueva temporada destaca por grandes títulos del repertorio y primerísimos nombres de la lírica, y también por descubrimientos, cantantes de joven trayectoria que empiezan a brillar en sus carreras, tanto nacionales como internacionales, nuevas caras para el público del Liceu por las que apostamos claramente y que nuestro público debe conocer. 

¿Destaca algún momento en concreto?

Uno de los momentos cumbres de la temporada será, sin duda, el esperado debut de Jonas Kaufmann en una producción en el Liceu, nada más y nada menos que en el Andrea Chénier de David McVicar, que ha sido creada especialmente para él. Será bajo la batuta de Pinchas Steinberg y la producción de la Royal Opera House. Además, Kaufmann vendrá al Liceu parea este Chénier en marzo de 2018 con unos compañeros de brillante nivel, la soprano Sondra Radvanovsky y el barítono Carlos Álvarez. 

Y no serán las únicas estrellas de una temporada marcada por las grandes voces…

Se nos presenta una temporada repleta de voces de primer nivel, como las de Iréne Theorin, Piotr Beczala, Stefan Vinke, Fabio Santori, Dolora Zajik, Markus Werba, Gregory Kunde, Ludmila Monastyrska, Jorge de León, Ildar Abdrazakov, Dmitri Hvorostovsky, Sabina Puértolas, Lawrence Brownlee, Clementine Margaine, Michael Spyres..., todos ellos cantantes admirados por nuestro público. 

¿Qué veremos en la gran noche del año, la inauguración en octubre?

El 7 de octubre será la noche de Verdi y Boussard, el director de escena francés que nos brinda esta producción de Un ballo in maschera con el espectacular vestuario de Christian Lacroix y la excepcional dirección musical de uno de los maestros referentes a nivel internacional, Renato Palumbo. Veremos un elegante juego de seducción y traición que unirá sobre el escenario del Gran Teatre dos repartos de gran nivel con Piotr Beczala, Fabio Santori, Dmitri Hvorostovsky, Giovanni Meoni, Ekaterina Metlova, Maria José Siri, Dolora Zajik, Patricia Bardon y Elena Sancho Pereg, entre otros. 

Otra gran noticia de la temporada serán las coproducciones…

En efecto, es un gran momento para las relaciones internacionales. Cada vez los teatros trabajan más en colaboración con otros teatros, lo cual enriquece en nuestro caso tanto al Liceu como a su público. Estas relaciones se verán reflejadas la próxima temporada con tres coproducciones: Roméo et Juliette, dirigido por Stefan Lawless y ambientada durante la Guerra Civil Norteamericana; Manon Lescaut, firmada por Davide Livermore, que presenta su trabajo por primera vez en nuestro escenario; y Demon, título ruso de pleno romántico fin de siglo XIX de Anton Rubinstein, prácticamente “redescubierto” por el director de escena Dmitry Bertman y que nunca se ha visto en el Liceu. 

Precisamente este Demon es una producción que lidera el Liceu. ¿En qué medida les afecta?

Es todo un reto que empezó hace algo más de un año, desde que hablé con el director de escena Dmitry Bertman de la idea que llevará a escena bajo la batuta de Mikhail Tatarnikov y las voces de Dmitri Hvorostovsky y Asmik Grigorian. Este proyecto implica coordinar y albergar un largo proceso de creación por parte del equipo de producción y los coproductores, de reuniones y tomas de decisiones junto al Helikon Opera de Moscú, Staatstheater Nürnberg y Opéra National Bourdeaux. Liderar el proceso significa coordinar y concretar los detalles de la producción, vestuario, escenografía. Una producción que dará mucho que hablar... 

¿Por qué?

Será muy impactante a nivel visual. Un gran cilindro se plantará en el escenario liceísta y, tras él, una gran esfera albergará un proyector, que la convertirá en un elemento muy versátil y dará al montaje una espectacular sensación de profundidad. 

¿Qué otros motivos nos da para acercarnos al Liceu la próxima temporada?

Para empezar, Il viaggio a Reims que nos dará la bienvenida después de vacaciones. Un dramma giocoso dirigido por Emilio Sagi con el que estrenaremos una nueva experiencia “studio”, que mezclará en los repartos grandes cantantes líricos con jóvenes profesionales y promesas del canto. Esto da gran calidad y energía a las funciones y una experiencia importante para los jóvenes profesionales. Otro momento imperdible será el Poliuto de Donizetti en versión concierto y con tres de las mejores voces del panorama actual, Gregory Kunde, Sondra Radvanovsky y Luca Salsi. Y otro Donizetti cerrará la temporada, La Favorite, en su versión original en francés y con figuras de la talla de las excelentes mezzosopranos Clementine Margaine y Ksenia Dudnikova y los tenores de gran calidad, expertos belcantistas, como Michael Spyres y Stephen Costello. 

Será también un gran año para la danza…

Sin duda. Esta temporada contaremos con la presencia de tres ballets de fama internacional. Tres títulos que muestran la comunión entre las artes; el salto de la literatura a la música y la danza da como fruto obras maravillosas, como el Roméo et Juliette del Ballet de Ginebra, la Anna Karenina de Boris Eifman y el Songe, basado en Sueño de una noche de verano de Shakespeare y coreografía de J.C. Maillot y Les Ballets de Monte-Carlo. 

También será una temporada de grandes batutas…

Será una temporada donde confluirá una nueva generación de maestros con Giacomo Sagripanti, Ramón Tebar y Speranza Scapucci (todos por primera vez en el Liceu), que se intercalarán con maestros de referencia internacional como William Christie, que dirigirá por primera vez en el Liceu. Renato Palumbo, Daniele Callegari, Pinchas Steinberg, Mikhail Tatarnikov y Patrick Summers también son muy reconocidos maestros que trabajarán con la Orquesta y el Coro del Teatro, en la línea de mejora y de logro de la excelencia musical que lidera el maestro Josep Pons, director musical del Liceu, que dirigirá las óperas Tristan und Isolde y Roméo et Juliette durante la nueva temporada 2017/18. 

Y Pons también estará al frente de varios conciertos…

Efectivamente, el maestro nos traerá tres conciertos sinfónicos protagonizados por Johannes Brahms y Richard Strauss. Y otros directores musicales de excepcional nivel visitarán también el Liceu esta temporada, como Jordi Savall o Jean-Christophe Spinosi, que será el encargado de celebrar en el Liceu el 450 aniversario de Monteverdi con L’incoronazione di Poppea en concierto. Sin duda un gran año para el Barroco, que también nos brinda el Ariodante dirigido por William Christie. 

Este año también vemos una importante presencia nacional en la programación…

Los nombres nacionales son uno de los pilares del Liceu. Esta temporada el director de escena Àlex Ollé de La Fura dels Baus repite en la programación del coliseo con un Wagner como Tristan und Isolde. El reparto es excelente, Iréne Theorin y Stefan Vinke, dos indiscutibles referentes wagnerianos como Brünnhilde y Siegfried. Además, recuperamos uno de los montajes más exitosos, L’elisir d’amore de Mario Gas, una adorable historia de amor ligera, cómica y romántica ambientada en esta producción en la Roma fascista, con el entrañable recuerdo del cine neoclásico. Jessica Pratt, Pavol Breslik y Roberto de Candia encabezan un reparto perfecto bajo la batuta del español Ramón Tebar, que debuta en el Liceu. Las Ensaladas de Jordi Savall con Le Concert des Nations, el recital de los 25 años del debut de Josep Bros y el Cuento de Navidad de Charles Dickens con música de Albert Guinovart y la historia contada a través de dibujos de arena. 

Sin embargo, no todo serán óperas y conciertos sobre el escenario del Liceu…

Exacto, un teatro del siglo XXI tiene que ser mucho más que los espectáculos o los artistas sobre su escenario principal, por eso, en esta nueva temporada presentamos nuevos espectáculos del Petit Liceu con el deseo de hacer llegar la ópera a los más pequeños y ponemos en relieve la presencia de nuestro proyecto social, que cada vez está más imbricado con toda nuestra programación y con el personal del Teatre. 

Y con nuevos escenarios como el Foyer, ¿no es así?

No podemos estar más contentos con el éxito en la primera experiencia del ciclo Off Liceu – Diálogos musicales en el Foyer. Hemos logrado un 91% de ocupación y eso corrobora la necesidad de dar continuidad a un proyecto que da voz a la creación musical llegada de todo el país y con un amplio abanico estilístico, acercando la música del siglo XXI al público y demostrando su variedad. Hemos cumplido las expectativas de formato y concepto que se habían planteado y hemos superado con creces la asistencia y la entusiasta respuesta del público. 

¿Un Off Liceu que supone un paso más hacia el Liceu de Todos?

Propuestas como Off Liceu demuestran que la ópera y el Liceu no son elitistas. Estas propuestas alternativas a la cartelera principal, la mejora en la accesibilidad, la apertura a nuevos públicos y un constante trabajo en la política de precios nos acercan cada vez más a este lema que tan bien nos define: la ópera, la música, la emoción es para todos, el Liceu de Todos. 

https://www.liceubarcelona.cat/es# 

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Christina Scheppelmann, directora artística del Gran Teatre del Liceu.
Acred: Christian Machío

Harmonia del Parnàs y La Dorinda

Harmonia del Parnàs y La Dorinda

Publicado: Junio 2017
Rescate de la fabula pastoral de Corradini


Nacido alrededor del año 1690 en Venecia y tras haber alcanzado grandes éxitos en Nápoles, Corradini se trasladó a Valencia en 1728 para ocuparse de la capilla de música de la corte levantina al servicio del príncipe de Campoflorido, de origen asimismo italiano, Luis Regio Branciforte, quien gustaba de celebrar grandes festejos en el suntuoso salón de su palacio. Corradini se encargó de poner música a dichas fiestas palaciegas con entremeses, sainetes y música escénica, como es el caso de la fábula pastoral La Dorinda, compuesta para celebrar el santo de la reina Isabel de Farnesio e interpretada por vez primera, en la versión de la fuente escogida, en el Salón del Palacio Real de Valencia el 19 de noviembre de 1730.

Al parecer éste sería uno de sus últimos trabajos en dicha corte, por cuanto a finales de 1730 desaparecen las noticias de Corradini en Valencia, instalándose en Madrid, entre finales de 1730 y principios de 1731. Durante sus primeros años en la capital, Corradini compuso óperas, autos, música de comedias e, incluso, zarzuelas para los principales teatros de la ciudad, contando con la colaboración literaria de José de Cañizares. Y, del mismo modo que sucedió al estrenar sus primeras óperas en Nápoles, también en Madrid sus obras alcanzaron tal éxito que algunas de ellas permanecieron en cartel durante semanas, convirtiéndose así en el compositor de moda de los teatros públicos.

Durante sus primeros años de estancia en la capital, Corradini trató de adaptarse a la moda allí establecida, componiendo zarzuelas y lo que él llamaría “opera spagnola”. El compositor italiano pretendió integrarse hasta tal punto en nuestra música, que llegó incluso a componer, al menos, seis autos sacramentales de Calderón. Desafortunadamente, apenas se conservan unas poquísimas fuentes de las muchas que Corradini compuso aquí, pues tenemos noticias del Melodrama harmónico, al estilo de Italia, su título “Con amor no hay libertad” que executó en el Carnabal de este año de 1731, en el Teatro de la Cruz de Madrid, la Compañía de Juana de Orozco, de la zarzuela que estrenó en 1731 la compañía de ópera de Manuel de San Miguel Templo y monte de Filis y Demofonte, y que permaneció en cartel durante 22 días seguidos, Milagro es hallar verdad (1732), La boda discreta (1733), El ser noble es obrar bien (1736), La Elisa (1739), o La más heroica amistad (1745), entre otras.

Rival de Nebra

Siendo La Dorinda una de las pocas composiciones que se conservan de quien fuera el máximo rival de Nebra en los teatros públicos de Madrid, Harmonia del Parnàs no se ha podido resistir a mostrar una parte de su sonoridad. El grupo ya había trabajado algunas piezas del compositor en su disco anterior “Bárbaro” y ahora presenta un monográfico sobre este compositor que marcó un antes y un después en la historia de la música valenciana, y que resultó un compositor de referencia en Madrid.

Y si bien es cierto que, muy posiblemente, se trata al menos en parte de un pasticcio (recurso que por otro lado solía ser bastante habitual en la época), la calidad musical, literaria y artística de la obra ha llevado a Marian Rosa Montagut y Harmonia del Parnàs a proceder nuevamente a su interpretación en nuestros días y dejar constancia grabada de una selección de la misma.

Aunque lo ideal hubiese sido la recuperación de la totalidad de la ópera, no sólo en su versión musical sino asimismo con su correspondiente puesta en escena, los medios únicamente han permitido abordar en esta primera grabación de una selección de La Dorinda, realizada a partir de la fuente manuscrita conservada en la Biblioteca Nacional de Madrid.

Lo que hay que saber de La Dorinda

  • El melodrama pastoral La Dorinda se interpretó por vez primera, en la versión de la fuente escogida conservada en la Biblioteca Nacional de Madrid, en el Salón del Palacio Real de Valencia en 1730.
  • El CD de Harmonia del Parnàs aborda una selección del drama pastoral de Corradini, una obra de 3 actos de dimensiones considerables protagonizada por Dorinda, Nicandro, Delmira y Fileno.
  • La Dorinda de Francesco Corradini es el sexto disco del grupo, y el tercero editado en su sello propio TEMPUS.
  • La grabación está protagonizada por la soprano Ruth Rosique y la mezzosoprano Marta Infante, bajo la dirección de Marian Rosa Montagut.
  • Harmonia del Parnàs ha recuperado en concierto, en los últimos meses, la mayoría de las piezas recogidas en el disco, en escenarios como el Auditorio Nacional de Música (Madrid), el Auditorio Ciudad de León o el Palau de la Música de Valencia. 


https://harmoniadelparnas.com/

https://www.facebook.com/HarmoniadelParnas

https://twitter.com/hdelparnas

La Dorinda en Los Conciertos de la 2:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/los-conciertos-de-la-2/conciertos-2-512/3990823/

por Lucas Quirós

Foto: La Dorinda de Corradini es el sexto disco de Harmonia del Parnàs, tercero editado en su sello propio TEMPUS.
Acred: Michal Novak

 

 

Wolfgang Emanuel Schmidt

Wolfgang Emanuel Schmidt

Publicado: Junio 2017
Metamorphosen Berlin


“Es uno de los mejores violonchelistas de su generación, y de nuestro tiempo”
(Mstilsav Rostropovich) 

Concertista en las más célebres salas del mundo, solista invitado de las mejores orquestas de Europa; como músico de cámara, ha compartido escenario, entre otros, con Lang Lang, Kavakos, Shaham, Znaider o su colega Jens Peter Maintz (Cello Duello). Hablamos con el famoso chelista alemán Wolfgang Emanuel Schmidt. 

¿Por qué el violonchelo?

Mis padres no son músicos, pero aman la música y querían que estudiase un instrumento. Con siete años, yo quería aprender a tocar el contrabajo, pero era muy grande para mí, y eligieron el chelo. Poco tiempo después, escuché a Mstislav Rostropovich en el Concierto para violonchelo en do mayor de Haydn. Y, después del concierto, cuando me acerqué a él para pedirle un autógrafo, me acarició el pelo diciéndome “serás un gran chelista”. ¡No me quería lavar el pelo!, y mis padres tuvieron que cortármelo. ¡Todavía guardo el mechón! Para mí fue como un sueño poder estudiar con Slava después de ganar el Concurso “Rostropovich” en París.

Además del “Grand Prix de la Ville de Paris” y el Premio de Música Contemporánea en el Concours de violoncelle Rostropovich, presidido por el propio maestro, ha ganado los más célebres concursos internacionales, como el Tchaikovsky de Moscú o el Leonard Rose de Estados Unidos, entre otros, ¿Son importantes los concursos?

Yo mismo me he beneficiado mucho de los concursos. Obviamente, la idea esencial de un concurso se contradice con los ideales de la música (ir juntos, y no competir o ir en contra). Sin embargo, para los jóvenes músicos supone una oportunidad maravillosa de preparar en profundidad un amplio repertorio; además, ganar premios te permite darte a conocer. Como violonchelista, he participado en cerca de 15-20 concursos, y también como jurado; mis estudiantes participan habitualmente, pero no es necesariamente “obligatorio”. Algunos renuncian conscientemente a hacerlo, y eso no impide que desarrollen una brillante carrera como concertistas.

Profesor en la prestigiosa HFM Franz Liszt Weimar y en la Universidad de las Artes de Berlín, famoso concertista, músico de cámara, solista invitado de las principales orquestas; en 2010 funda con su mujer, la violinista Indira Koch (Konzertmeisterin), la Kammerorchester Metamorphosen Berlin…

Mi mujer y yo tuvimos la suerte de estudiar con dos de los más destacados artistas de las últimas décadas; mi mujer, Indira Koch, con Menuhin y yo con Rostropovich, y llevamos casi 20 años tocando juntos (casi los mismos casados); con Metamorphosen queremos conseguir nuestro ideal sonoro de la música romántica. El nombre “Metamorphosen” viene de la fantástica obra de Richard Strauss para 23 instrumentistas de cuerda. Tenemos la suerte de contar con 23 músicos de cámara magníficos como Andreas Willwohl, del Cuarteto Mandelring, o primeros atriles de orquestas sinfónicas como, por ejemplo, Norbert Anger (solista de la sección de violonchelos de la Staatskapelle Dresden y la Orquesta del Festival de Bayreuth), y primeros premios de concursos internacionales. La edad oscila entre los 20-60 años, y hay 14 nacionalidades distintas. Así que somos un ensemble internacional con sede en Berlín, una ciudad fascinante e inspiradora. Para mi mujer y para mí, como co-directores artísticos, es todo un orgullo haber dado forma en tan poco tiempo a un ensemble, que este año ha iniciado con gran éxito su propio ciclo de conciertos en el Konzerthaus de Berlín.

Y ya con dos CD para Sony Classical; su aclamado primer CD Inspiration, con música de Dvorák, Suk y Herbert, y un segundo disco, Serenade, dedicado a Tchaikovsky, que incluye la primera grabación mundial de un arreglo de usted mismo para violonchelo y orquesta de cuerda del Valse sentimentale y October.

¡Me encanta escribir arreglos para mi instrumento! Cada uno de los 5 CD que ya he grabado para Sony Classical contiene transcripciones hechas por mí. Disfruto enriqueciendo el repertorio para violonchelo con pequeñas Delikatessen. Me gusta mucho tocar este tipo de obras, tanto en conciertos como en grabaciones, y quizá me aventure incluso a componer algo propio en un futuro. Tchaikovsky es sensualidad sonora, maravillosas melodías románticas, virtuosismo, dinámica, profundidad sonora y sensibilidad. Cualidades que, para mí como violonchelista, son las más importantes. Ese es el ideal sonoro que mi mujer y yo intentamos transmitir con Metamorphosen Berlin. Y al leer las críticas de estos últimos CD, creo que lo hemos conseguido…

http://www.wolfgangemanuelschmidt.com/

por J. M. Urrutia

Foto: Wolfgang Emanuel Schmidt, cellista y fundador del ensemble Metamorphosen Berlin.

Jessica Pratt

Jessica Pratt

Publicado: Junio 2017
“El mejor Rossini está en su ópera seria”

La cantante australiana, una de las estrellas líricas más importantes de la actualidad, será Amenaide de Tancredi en el Palau de Les Arts.

Es uno de los pocos escenarios españoles en los que todavía no había debutado en ópera escenificada, ya que la soprano australiana Jessica Pratt, sin duda una de las intérpretes más importantes del panorama internacional (aclamada por la crítica como la digna sucesora de la gran Joan Sutherland), se ha ido presentando paulatinamente y siempre con éxito en las grandes plazas líricas del país.

Lo mismo sucede en París, Nueva York, Londres o Milán, ciudades que también la han aplaudido. Y después de su reciente triunfo en Las Palmas como Marie en La fille du régiment (de la que podemos leer la crítica en este mismo número), ahora regresa al Palau de Les Arts de Valencia en el difícil papel de Amenaide de la ópera Tancredi, de Rossini, en una coproducción entre la Opéra de Lausanne y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, con dirección de escena del español Emilio Sagi y que contará con la batuta de Roberto Abbado (23, 25, 27, 29 de junio y 1 de julio).

Enamorada del belcanto

Tancredi es mi ópera de Rossini favorita”, apunta la soprano australiana, “y siempre me siento feliz y dispuesta a interpretarla; fue el primer título que vi cuando llegué a Roma en mi época de estudiante y el que provocó que me enamorara del belcanto; sin duda determinó absolutamente el camino en mi formación. Creo que el mejor Rossini lo encontramos en su ópera seria, como es el caso de Tancredi; me encantan sus óperas cómicas, más populares y representadas y siempre impregnadas de genialidad, pero sus óperas serias son difíciles de escuchar más allá del Festival de Pésaro y por eso siempre aplaudo cuando un teatro hace el esfuerzo de programarlas.

Sin olvidar a otros muchos compositores belcantistas que interpreto, podría decir que Rossini ocupa un lugar importante en mi trayectoria, ya que tengo más de 12 de sus personajes en repertorio. En Valencia tendremos un reparto impresionante que incluye a Yijie Shi y a Daniela Barcellona, junto a un experto en Rossini como es el maestro Roberto Abbado. Debuté el rol de Amenaide hace unos años en esta misma producción de Sagi, que encuentro increíblemente elegante y bonita, tanto como la música de Rossini, así que tengo unas ganas tremendas de interpretarla de nuevo con todos estos grandes artistas”, añade la soprano.

Intensa temporada

Tras una intensa temporada en la que ha paseado algunos de sus personajes más emblemáticos como Semiramide (Semiramide, Ópera de Florencia), Rosmonda (Rosmonda d’Inghilterra, Florencia y Teatro Donizetti de Bérgamo), Reina de la Noche (La flauta mágica, Metropolitan Opera, Nueva York), o Gilda (Rigoletto, Ópera de Oviedo), Jessica Pratt cantó en mayo La Sonnambula (Victorian Opera, Melbourne), I Puritani (Müpa, Budapest) y Le Comte Ory (Klangvokal Musikfestival, Dortmund), antes de viajar este mes de junio a Valencia.

En los próximos meses le esperan los roles protagonistas de I Puritani (Festival de Savonlinna en la visita del Teatro Real de Madrid al certamen finlandés), Lucia di Lammermoor (Théâtre des Champs Elysées, París), su regreso a España con Don Pasquale (ABAO-OLBE, Bilbao) y L’elisir d’amore (Liceu de Barcelona), y su esperada vuelta a Nueva York como protagonistas de Lucia di Lammermoor (Metropolitan Opera).

Tancredi, de Rossini

Palau de Les Arts, Valencia (23, 25, 27, 29 de junio y 1 de julio).
Escena de Emilio Sagi y dirección musical de Roberto Abbado.
Reparto: Jessica Pratt (Amenaide), Daniela Barcellona (Tancredi), Yijie Shi (Argirio), Pietro Spagnoli (Orbazzano), etc.

http://en.jessicapratt.com/ 

por Lucas Quirós

Katowice Kultura Natura Festival

Katowice Kultura Natura Festival

Publicado: Junio 2017
Más allá del carbón

En la capital del voivodato de Silesia, celebró su tercera edición el pasado mes de mayo, el joven festival Katowice Kultura Natura Festival “Ziemia” (del 12 al 21 de mayo de 2017). Katowice, la ciudad que surgió del carbón y el acero en la histórica región de la Alta Silesia, ha dejado atrás su imagen de ciudad industrial y minera, y quiere reinventarse en una moderna metrópoli europea. Fomentar las industrias culturales y creativas como palancas para la renovación y sostenibilidad de la ciudad, es el objetivo de la nueva Katowice. En los terrenos donde hace poco más de una década se levantaba la antigua mina de “Katowice”, se ha construido la nueva sede de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca (NOSPR), como símbolo de la metamorfosis de esta ciudad, situada al suroeste de Polonia, que recibió el título UNESCO City of Music del año 2015.

En octubre de 2014, Krystian Zimerman y la NOSPR inauguraban el monumental edificio de ladrillo rojo, diseñado por Tomasz Konior, y su espectacular sala de conciertos con 1800 asientos, dispuestos en cuatro niveles de onduladas y rugosas paredes en hormigón negro, imitando al carbón, y diseñada para satisfacer las más altas exigencias acústicas por la famosa compañía japonesa Nagata Acoustics. La primera edición del festival, creado por la Asociación Katowice Kultura Natura y la NOSPR, se celebró en mayo de 2015.

Bajo la batuta de Alexander Liebreich, director artístico del festival y director titular de la NOSPR, con Anna Szostak al frente de la Camerata Silesia y Petras Bingelis al frente de The Kaunas State Choir, dos obras de Arnold Schönberg, Die Jakobsleiter y la obra para coro a cappella Friede auf Erden, la Sinfonía n. 39 de Haydn y la cantata Demeter de Karol Szymanowsky, se inauguró el pasado 12 de mayo la III Edición del Katowice Kultura Natura Festival, que este año tuvo como lema “Ziemia” (Tierra).

Diez intensos días de buena música con artistas de renombre internacional y un excelente programa, cuidadosamente elegido, que combina de forma inteligente música de diferentes épocas. En la sala koncertowa se pudo disfrutar de la música de Haendel, Vivaldi y Bach con al contratenor Bejun Mehta y la AKAMUS (Akademie für Alte Musik Berlin). Pero, también, de la música que Béla Bartók escribió para los ballets El mandarín maravillo y El príncipe de madera, con la orquesta invitada de este año: Orquesta del Festival de Budapest y su director musical Iván Fischer.

Alexander Liebreich

Al igual que en ediciones anteriores, además, hubo ocasión de escuchar buena música de cámara con el Artemis Quartett. El habitual recital pianístico estuvo a cargo del pianista británico Paul Lewis. Como en las dos primeras ediciones, el Festival incluyó dos conciertos de abono de la NOSPR, bajo la batuta de Alexander Liebreich (el 12 y el 18 de mayo). Este último concierto contó con el barítono Michael Nagy y la soprano Johanna Winkel como invitados, que ofrecieron una magistral interpretación de la Sinfonía lírica de Zemlinsky. El 19 de mayo estuvo dedicado a la Música Antigua con la maravillosa y excepcional actuación de Graindelavoix, el increíble conjunto vocal de Amberes fundado por el artista interdisciplinario, antropólogo y etnomusicólogo, Björn Schmelzer, que con su impecable afinación y cuidadísimo sonido, levantó al público de sus butacas. Pioneros en un audaz y novedoso enfoque de la Música Antigua, su programa incluyó Las Lamentaciones del Antiguo Testamento de dos compositores del Renacimiento, Carolus Luython y Pedro Ruimonte.

El 20 de mayo, la New Music Orchestra y su director Szymon Bywalec, estrenaron Wyliczanka na 3 głosy i 9 instrumentów, de P. Mykietyn, una obra encargo del festival inspirada en el texto de una rima infantil del periodo de entreguerras, en el que las voces actúan como eco del conjunto instrumental. El festival se clausuró, como siempre, con un concierto de jazz, en esta ocasión, a cargo del trompetista italiano Enrico Rava y la pianista Geri Allen. Como evento paralelo al festival, es necesario destacar Mother Lode I-III, la asombrosa instalación sonora de la cantante y compositora Agata Zubel, interpretada en directo por músicos de la New Music Orchestra, que utiliza el espacio acústico del Museo de Silesia y un espectacular juego de espejos, para recrear nuevos sonidos, inspirados en los sonidos de la antigua mina de carbón.

http://kulturanatura.eu/

por Lorena Jiménez

Foto: La asombrosa instalación sonora en el Katowice Kultura Natura Festival, que utiliza el espacio acústico del Museo de Silesia y un espectacular juego de espejos.
Acred: © Bartek Barczyk 

Naxos, 30 años de música clásica grabada

Naxos, 30 años de música clásica grabada

Publicado: Mayo 2017
Entrevista con Klaus Heymann, fundador y presidente


El sello discográfico Naxos cumple 30 años. Comenzó su andadura en el año 1987 con un pequeño catálogo básico de música clásica, siendo actualmente una de las marcas más respetadas e influyentes del panorama internacional del disco, con un catálogo sin competencia, por su amplitud y profundidad de repertorio, que comprende más de 9.000 grabaciones. Naxos edita actualmente más de 200 nuevos discos cada año con orquestas, agrupaciones, directores y solistas de todo el mundo. El Grupo Naxos (Naxos Music Group) no solamente contiene los sellos  Naxos y Marco Polo, sino también una docena de sellos como Capriccio, Dynamic, Grand Piano, Ondine, Orfeo, así como otros independientes de gran reputación. Recientemente, en marzo pasado, se acaba de incorporar VoxClassics. Naxos Music Group es el mayor distribuidor global de CD y DVD independientes de música clásica, a través de su red internacional de empresas y centros logísticos. En el entorno digital su fuerza de distribución también es de las más potentes, representando y gestionando a cientos de catálogos clásicos en las principales plataformas digitales internacionales. Ya, desde 1996, Naxos puso su catálogo online en Internet. Naxos Music Library, su propio servicio de streaming, fue lanzado en el año 2002 y contiene actualmente casi 130.000 grabaciones de más de 800 sellos independientes y de multinacionales; es utilizado por más de 15 millones de estudiantes y músicos del planeta. El conjunto de las bibliotecas y recursos digitales online de Naxos ahora también cubre el jazz, las músicas del mundo, las producciones audiovisuales y los audio-libros. Una nueva base de datos de obras musicales (partituras) también está en funcionamiento y disponible para profesionales. 

Klaus Heymann, el visionario fundador y presidente de Naxos, que tiene 80 años, acaba de ser galardonado con uno de los Premios Internacionales ICMA, por sus logros a través de toda una carrera en el mundo de la música clásica y del disco. Con ocasión de los 30 años del sello, hemos querido acercar este gran personaje de la industria internacional del disco a todos los lectores de RITMO con una amplia entrevista exclusiva que ha tenido la amabilidad de concedernos. 

Señor Heymann, a sus 80 años sigue dirigiendo su grupo Naxos, cuando la compañía acaba de cumplir 30 años en el mercado, ¿cómo se encuentra usted personalmente?

Pues mantengo una salud razonablemente buena, teniendo en cuenta mi edad. Juego al golf dos o tres veces por semana. Si no juego al golf, camino al menos 5 km. Me he convertido en un vegetariano (sin carne, sin mantequilla, sin helados, sin queso), sólo verduras y frutas. Afortunadamente, me gustan las verduras y las frutas. Mi único pecado, hoy en día, es poder seguir disfrutando de un buen vino.

¿Cómo ve el grupo Naxos tras estos 30 años de trabajo?

Estoy francamente sorprendido al comprobar cómo mi modesto sello se ha convertido en estos años en uno de los tres mayores de la industria del disco,  proveedor de servicios y socio comercial de prácticamente todos los sellos independientes, así como de las grandes compañías de la música clásica. Somos la única empresa del sector que ofrece un servicio integral a la industria: edición, distribución física y digital, logística, servicios digitales, comercialización, promoción, producción y masterización, fabricación bajo demanda…

¿Qué piensa de la situación actual del mercado del disco?

Todavía queda mercado para los discos físicos (CD/DVD), un mercado muy localizado que se está reduciendo día a día. Las ventas de discos físicos disminuyen constantemente, a pesar de que todavía hay un grupo fiel de coleccionistas que mantendrán sus compras de repertorios interesantes o de las grabaciones de sus artistas favoritos.

¿Cree que siguen teniendo sentido las tiendas tradicionales de discos?

Sería magnífico seguir teniendo en el mercado las tradicionales tiendas de discos pero, para ello, habría que averiguar cómo hacerlas y mantenerlas rentables en un momento tan complicado como el actual. Todavía tenemos buenas tiendas en la mayoría de los principales mercados, excepto en los Estados Unidos, donde las ventas se realizan por tiendas en Internet o tiendas multiproductos.

¿En un mercado global como el actual, cómo ve los servicios internacionales de venta por correo de CD y DVD que ofrecen empresas como Amazon, JPC, ArkivMusic, Presto, NaxosDirect...?

A medida que el número de tiendas sigue disminuyendo, estas empresas ofrecen un servicio inestimable: mantienen disponible un gran catálogo de discos, mucho mayor que la mayoría de las tiendas físicas, y su volumen de negocio con nosotros y con otros sellos distribuidos sigue creciendo.

¿Cuál es su visión de la distribución digital de la música?

Este es, obviamente, el futuro de nuestra industria, pero tenemos que encontrar una manera de hacerlo rentable para los distintos sellos discográficos. Ojalá el mercado de las descargas musicales desde Internet se hubiese consolidado en su momento, pues es mucho más rentable para las discográficas, en lugar de haber derivado al streaming. Por supuesto que yo no puedo quejarme, tras haber lanzado el primer servicio de streaming de la industria en 2002.

En el mercado digital: ¿descargas (download) o streaming?

El streaming es, obviamente, el futuro: no podemos dar marcha atrás al reloj. Todavía quedará un mercado para las descargas, pero irá disminuyendo. Afortunadamente, por el momento, al menos, el crecimiento en los ingresos por streaming compensa suficientemente  la caída de los ingresos por descargas.

¿Qué piensa de la competencia que supone la oferta gratuita de audio y vídeo de distintas plataformas en Internet?

Evidentemente, las plataformas gratuitas son un gran problema, ya que las tasas que pagan por la audición de cada corte son demasiado bajas y no compensan la pérdida de ventas, tanto físicas como por descargas o por los ingresos de suscripciones vía streaming.

En un mundo de distribución digital donde los artistas, los teatros o las orquestas pueden subir directamente en la red sus grabaciones, ¿qué sentido tienen las compañías discográficas?

Los artistas y las entidades de las artes escénicas todavía necesitan de la colaboración, en la comercialización de sus producciones audiovisuales, de empresas profesionales del disco. Aunque una orquesta o teatro de ópera tenga su propio sitito web de descargas y streaming, ¿cómo atraer a los visitantes sin gastar una fortuna en la promoción del sitio? ¿Y cómo hacer para que el aficionado pague y se fidelice?

¿Por qué cree usted que han caído tanto las ventas de los DVD?

Obviamente, hay una gran cantidad de contenido gratuito disponible en Internet. También, en general, los aficionados tienen ahora unas enormes posibilidades de elección en distintas plataformas: piense en Netflix, Hulu y otras. Que el mercado ofrezca muchas opciones no significa que los aficionados tengan más tiempo para el disfrute, por lo que el público se reparte y compra menos DVD.

¿Piensa que tiene algo que ver la oferta gratuita de plataformas como YouTube, Vimeo, DailyMotion... o las plataformas de TV, libres y de pago?

Me remito a mis respuestas anteriores…

¿En el momento actual de reducción de la oferta de las grandes multinacionales del disco, por qué cree usted que siguen funcionando las pequeñas, o no tan pequeñas, compañías independientes?

Las multinacionales del disco necesitan tener claros beneficios en sus producciones, y ya no hay beneficios claros en la producción y realización de las grandes grabaciones de música clásica. Los independientes, empresas mucho más pequeñas que tienen propietarios concretos, apasionados de la música clásica,  producen grabaciones de repertorios más interesantes, arriesgados y novedosos, con nuevos prometedores artistas y, además, sus grabaciones no se realizan siempre con fines de lucro.

El catálogo Naxos ya tiene más de 9.000 títulos y usted lo ha definido como la gran enciclopedia sonora de la música clásica. ¿Cuales han sido sus conceptos fundamentes en el desarrollo musical de Naxos?

El sello se inició con las grabaciones de las obras más populares de la música clásica. Luego derivó a la grabación de grandes ciclos. Después vinieron las obras completas de ciertos destacados compositores. Más tarde repertorio para mercados específicos (American Classics, Spanish Classics y otros). Ahora, que ya son menos las obras pendientes de incorporar en el catálogo, hemos comenzado nuevamente a grabar el repertorio estándar pero con nuevos artistas. 

Naxos dispone de una importante plantilla de grandes músicos internacionales que rescatan, en algunos casos, obras menos frecuentes, o poco grabadas. Intérpretes como Marin Alsop, JoAnn Falletta, Boris Giltburg, Eldar Nebolsin, Leonard Slatkin, Tianwa Yang o Jaap van Zweden, entre otros ¿Naxos va a seguir en esa línea artística y editorial?

Sí, ciertamente habrá más enfoque hacia los artistas porque, como ya he dicho antes, tenemos todo el repertorio más importante ya cubierto.

Naxos mantiene una estrecha colaboración con los principales concursos internacionales de música, grabando a sus ganadores en la colección Laureate Series. Estos discos permiten descubrir a nuevas figuras de la interpretación. ¿Va a seguir con esas colaboraciones?

Sí, vamos a continuar esta colaboración, pues nos ayuda a descubrir nuevos talentos, aunque un artista ahora tiene que ganar varios concursos antes de que él o ella puedan destacar y optar a una buena carrera internacional. 

¿Cuáles son sus proyectos principales de ediciones para este año 2017?

Todavía tenemos que completar varios grandes proyectos: la música de piano de Liszt, las Sonatas de Scarlatti, las Sinfonías de Weinberg, las óperas de Rossini, la música sacra de Mozart y algunos proyectos más que estamos estudiando… 

¿Puede comentarnos también sus principales proyectos de grabaciones para los próximos años?

Música latinoamericana de países menos habituales como Brasil y Argentina. Música contemporánea china con orquestas y artistas chinos. Las obras completas de Pfitzner, de Beethoven para el aniversario de 2020, obras orquestales de Joseph Marx… 

¿Cómo ve el desarrollo de la música española en el catálogo Naxos?

Vamos a seguir trabajando con las orquestas de Pamplona y Barcelona.  Barcelona se centrará en la música catalana y Pamplona en la música española con coro, pues cuentan con la colaboración del Orfeón Pamplonés. Lamentablemente, el mercado español del disco se ha reducido drásticamente en los últimos años, lo que significa que tenemos que encontrar otros mercados para estas grabaciones.

Naxos está adquiriendo un importante compromiso con la música del siglo XX ¿Piensa seguir esa línea?

Continuaremos grabando las obras más importantes del siglo pasado y los compositores importantes y prometedores de nuestro tiempo. Obviamente, existe el problema de los editores, que marcan unas tarifas de alquiler de las obras  a grabar muy poco realistas, que incluso se anticipan al inicio de las grabaciones. Espero que esto cambie cuando tomen conciencia de que en este tipo de registros no hay beneficio y que, en todo caso, se realizan principalmente para promocionar a estos compositores y a sus obras.

La educación musical es una faceta muy importante en los proyectos de Naxos. En esa línea de trabajo tiene una de las mejores plataformas internacionales en Internet, Naxosmusiclibrary, una plataforma en la que colaboran, no solamente los sellos independientes, sino también las multinacionales. ¿Puede comentarnos sus proyectos en esa línea?

Nuestro próximo gran proyecto educativo es una enciclopedia online de música clásica. Ya tenemos un diccionario online, con ejemplos musicales, que se ampliará hacia una verdadera enciclopedia que llevará imágenes, archivos y ejemplos con audiciones musicales. 

Y. para finalizar, ¿cuáles son sus compromisos para con los aficionados a la música clásica, tanto los veteranos como las nuevas generaciones?

Seguiremos haciendo nuevas grabaciones y brindando servicios a nuestra industria. Estoy seguro de que próximamente habrá un nuevo modelo de negocio, que va a permitir a las discográficas prosperar en el marco del streaming. 

Muchas gracias Klaus Heymann por su tiempo, le conozco personalmente desde los inicios de Naxos, hace ya 30 años, y permítame que le diga que le encuentro con la misma ilusión y entusiasmo por su proyectos como el primer día. Ha sido todo un placer conversar y compartir estos años con usted. 

www.naxosmusicgroup.com

www.naxos.com 

Foto: Klaus Heymann.
© Emily Chu
 

por Fernando Rodríguez Polo

 

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