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Asier Polo

Asier Polo

Publicado: Julio-Agosto 2017
El violonchelo romántico


Asier Polo es uno de los más grandes intérpretes españoles actuales, una figura imprescindible del violonchelo español con una trayectoria sólida y consolidada. Acaba de publicar el que quizá sea el CD más afín a su personalidad, Romantic Cello Sonatas, junto a la pianista Marta Zabaleta, editado por el sello IBS Classical.
 

Su larga discografía ha estado hasta ahora dedicada fundamentalmente a compositores españoles contemporáneos. Ha grabado obras de Villa-Rojo, Bernaola, García Abril, Tomás Marco, etc. ¿Por qué ha querido que su nuevo CD estuviera dedicado al violoncelo romántico?

La relación con los compositores contemporáneos es muy importante en el transcurso de mi carrera, una experiencia muy enriquecedora. Lógicamente, cuando realizas algún estreno, la repercusión mediática es muy relevante, pero en realidad, este apartado de mis actividades ocupa un espacio mínimo dentro de mi agenda. Normalmente en mis conciertos interpreto fundamentalmente obras del repertorio habitual para cello. Me siento en un momento muy fructífero de mi trayectoria profesional y considero oportuno empezar a registrar mi visión personal de este repertorio.

El CD reúne obras de cuatro compositores muy diferentes, dos rusos (Rachmaninov y Glazunov) y dos franceses (Franck y Ravel), compuestas en un intervalo de apenas 20 años. ¿Cómo escogió las obras?

La elección del repertorio ha sido por afinidad estética; son obras que llevo interpretando desde hace muchos años en recital; he profundizado mucho sobre ellas. Aunque en principio parezca que no tienen ninguna relación entre ellas, son compositores que viven en el siglo XX, pero cuyas obras, con un sello personal muy marcado, se inspiran plenamente de la tradición romántica del siglo XIX.

¿Se podría decir que es el CD que mejor refleja su sensibilidad como chelista?

Se podría decir que en gran parte sí, el repertorio que presentamos es esencialmente melódico, en el que el violonchelo, como instrumento esencialmente lírico, se expresa en plenitud. 

En él vuelve a colaborar con la pianista Marta Zabaleta, ¿cómo ha sido el trabajo con ella?

Con Marta Zabaleta me une una amistad de hace muchos años y siento además una gran admiración por ella como músico. Esto permite que el trabajo resulte muy productivo, por el ambiente de confianza y el respeto que nos tenemos.

El disco se grabó en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, ¿cómo fue el proceso de grabación?

El proceso de grabación, dentro de la tensión que supone trabajar con plazos cerrados, fue sin embargo fluido, en gran parte gracias al buen hacer de los directores de la discográfica IBS Classical, Paco Moya y Gloria Medina, que nos facilitaron mucho las cosas, trabajando en un ambiente agradable y familiar.

Tiene otros dos trabajos discográficos a punto de salir…

Si, aunque desconozco los plazos concretos, pero efectivamente hay dos registros pendientes de publicación de los que me siento muy orgulloso; ambos junto a la Orquesta Nacional de España y el maestro Juanjo Mena. El primero de ellos interpretando los dos Conciertos para violonchelo de Joaquín Rodrigo y el segundo con el Concierto n. 2 de Alberto Ginastera. Creo que es una aportación de gran interés cultural, al tratarse de obras poco conocidas pero muy relevantes dentro del repertorio español y latinoamericano para violonchelo.

¿Cuáles son sus siguientes proyectos?

Además de estar al frente, como director artístico, de la Academia Internacional de Verano Forum Musikae en Madrid, este mismo verano estaré realizando conciertos en el Festival Garda Lake Music Master (Italia), también tocaré junto a la Orquesta Sinfónica de Minería (Ciudad de México), Newport Music Festival (Estados Unidos), realizando varios recitales, finalizando la temporada el 3 de agosto en la Quincena Musical de San Sebastián junto a la BBC Philharmonic bajo la dirección de Juanjo Mena, interpretando el sublime Concierto de Elgar.

Romantic Cello Sonatas reúne cuatro obras líricas en las que el violonchelo muestra toda su capacidad expresiva. La Sonata Op. 19 de Rachmaninov y la Sonata en la mayor de Franck son el eje central de un CD que se completa con el Chant du Menestrel de Glazunov y el Vocalise-Étude de Ravel, en las que el violonchelo de Asier Polo brilla junto al piano de Marta Zabaleta en un nuevo trabajo de IBS Classical.

Por Lucas Quirós

http://www.asierpolo.com/

http://ibsclassical.es/product/cello-romantic-sonatas/

Foto: El violonchelista Asier Polo, que acaba de publicar Romantic Cello Sonatas.
Acred: Pablo Axpe

 

Luis Fernández-Castelló

Luis Fernández-Castelló

Publicado: Julio-Agosto 2017
El clarinete que canta


Luis Fernández-Castelló se ha convertido en uno de los jóvenes clarinetistas españoles con mayor proyección. Hablamos con él con motivo de la publicación de su CD “The singing clarinet”.

¿Por qué el clarinete?

Puro azar. Fue el instrumento que disponían en mi sociedad musical y con él me quedé. Con el tiempo me alegro de esta feliz coincidencia y sigo manteniendo intacta la pasión por él, pero también me atraen las cualidades de otros instrumentos y que intento trasladar al clarinete.

En el CD que ha publicado recientemente, titulado “The Singing Clarinet”, ha querido mostrar las características quasi vocales de las que es capaz este instrumento, ¿Qué ha aprendido de ello?

Principalmente la flexibilidad en la interpretación. Siempre he sentido predilección por la voz y sus sutilezas, y en este trabajo he aprendido a extraer el máximo fruto del “texto” de cada pieza, su perfecta dicción, su especial tímbrica, etc., en definitiva, a “cantar” con el instrumento.

El CD incluye obras de compositores de ópera italianos como Donizetti, Bellini o Rossini y también de compositores alemanes, autores de Lieder como Schumann, Mendelssohn o Weber, ¿qué diferencias encuentra en su acercamiento al clarinete?

Son dos mundos muy diferentes. El bel canto italiano muestra una ligereza, que no simpleza, en la que es muy fácil, desde el desconocimiento interpretativo, caer en la trivialidad. Por su parte, el dramatismo alemán necesita de una tímbrica más compleja, especialmente variada en colores del sonido. A pesar de ello, ambos exigen un compromiso emocional enorme.

¿Cómo fue tu trabajo con el pianista Carlos Apellániz y el proceso de grabación del CD con el sello Orpheus?

Carlos es un pianista excepcional y muy divertido, que se adapta a la perfección a mis necesidades interpretativas y que aporta visiones musicales muy interesantes desde su óptica pianística. Desde que nos conocemos hemos disfrutado mucho tocando juntos y este aspecto lo consideraba esencial a la hora de emprender este proyecto. Una grabación discográfica es muy exigente y necesitas constante motivación, y eso lo conseguimos. Son muchas las horas de grabación; y no sólo se acaba ahí el proceso, antes ha habido un largo lapso de tiempo de selección del repertorio y posteriormente otros aspectos extramusicales. En todo momento desde Orpheus, con Félix Ardanaz a la cabeza, se mostraron muy cercanos y profesionales, lo cual les agradecemos enormemente.

“The Singing Clarinet” es su primer CD en solitario, pero ya había participado en otros proyectos discográficos, alguno incluso con sellos como Deutsche Grammophon…

He podido participar en otros proyectos discográficos y me agrada especialmente el llevado a cabo para Deutsche Grammophon junto a la Joven Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de Cataluña en el que, bajo la dirección de Josep Pons, grabamos los monumentales Gurrelieder de Arnold Schoenberg. Fue muy emocionante.

En su currículum siempre se destaca su interés por la música contemporánea, de hecho algunos compositores le han dedicado sus obras para clarinete…

Me siento muy cómodo interpretando música contemporánea. Creo que es debido a mi actitud curiosa como intérprete que necesita descubrir caminos nuevos en la música y en el arte en general. Los clarinetistas tenemos un repertorio reducido, pero de gran valor, en comparación con el piano o el violín, y son el siglo XX y la música actual los que han permitido un mayor desarrollo del instrumento con posibilidades que me fascinan. Me parece muy enriquecedor poder interpretar música de John Adams, de Francisco Coll o, incluso, música electrónica, a la vez que preparo las Sonatas de Brahms o el Quinteto de Mozart para el próximo concierto. Lo siento como una necesidad vital.

¿Cuáles son sus siguientes proyectos?

Se aproximan unos meses de bastante actividad con conciertos en festivales en Madrid, Barcelona, Valencia, Andalucía o México, junto a otros que espero se confirmen pronto en Portugal, Croacia o República Checa. A su vez, estamos esperando que salga a la luz una nueva grabación para el sello Naxos con música para clarinete del compositor catalán Leonardo Balada. Y, por supuesto, no dejo de lado mi labor pedagógica, ya que daré diversas masterclasses en el Conservatorio Nacional de México y en España.

The singing clarinet

Luis Fernández-Castelló, junto al pianista Carlos Apellániz, interpreta obras de Weber, Bellini, Donizetti, Schumann, Mendelssohn y Rossini.

CD editado por Orpheus Classical

www.orpheusclassical.com/the-singing-clarinet

Disponible en www.laquintademahler.com

Por Lucas Quirós

Foto: Luis Fernández-Castelló realiza en este disco un precioso recorrido por el romanticismo alemán e italiano.
Acreditación: Paula Mollá

 

Sira Hernández

Sira Hernández

Publicado: Julio-Agosto 2017
Un nuevo Padre Soler al piano


Sira Hernández, pianista de carrera consolidada, es dueña de una voz característica, desarrollada con rigurosos criterios de calidad y valentía interpretativa. La intérprete presenta su nuevo CD, en el que interpreta 12 Sonatas del Padre Soler, en transcripción de Joaquim Nin i Castellanos. Este inusual programa refleja el espíritu inquisitivo de la pianista, su afán de búsqueda, análisis e interpretación de nuevos repertorios. Sira Hernández busca y logra con su interpretación en este disco, resaltar aquellos “acentos de un sentimiento casi romántico alternando con aspectos picarescos llenos de malicia, donde el elegante dibujo se opone a los rasgos populares”, palabras del propio Joaquín Nin Castellanos sobre Soler.

 “Descubrí las Sonatas del Padre Antoni Soler hace años -nos cuenta la pianista-, cuando ya había terminado mis estudios musicales en Italia. En Turín trabajé en profundidad las Sonatas de Domenico Scarlatti, que me entusiasmaban. Estas sonatas de D. Scarlatti, muchas grabadas por Arturo Benedetti Michelangeli (a cuya escuela pertenecía mi maestro en el Conservatorio de Turín) con unos niveles realmente sublimes, extraordinarios, son auténticas joyas de la interpretación pianística. Mi fascinación por D. Scarlatti hizo que lo incorporase a mi repertorio y grabara mi primer CD con alguna de estas sonatas”.

Sira Hernández interpreta en sus programas de concierto asiduamente música de Bach, Rameau y Scarlatti, entre otros. ¿Es al volver a España cuando se topa con el Padre Soler?

Sí, en Italia no se estudia demasiado repertorio español, por supuesto no éste, casi desconocido incluso para los españoles. El descubrimiento de las sonatas del P.  Soler fue todo un regalo para mí, casi una revelación. Esta música la entendí y la amé inmediatamente. Con el tiempo surgió de manera natural la idea de grabar las Sonatas que presento ahora, con el deseo y la voluntad de mantenerlas vivas, ofreciendo una nueva versión. Es para mí un placer y un deber darlas a conocer cada vez más.

No ha elegido una transcripción cualquiera…

No, es una decisión muy meditada. La elección de la transcripción que hace Joaquim Nin cuando las publica en París, en 1925, en la editorial Max Eschig, no es casual. Aparte de querer ser un homenaje al gran musicólogo, responde también a mi adhesión a su concepto de la interpretación, no solo por lo que se refiere a la elección del instrumento (es conocida su disputa con la clavecinista Wanda Landowska sobre este tema), que en este caso es un piano y no un clave, sino también por las pautas que Nin utiliza, de una cierta libertad en la interpretación inherente a la expresión musical, que debe ser siempre viva, con ese punto de espontaneidad que creo indispensable, dentro de la fidelidad y el rigor a la música escrita. La elección que hace Nin Castellanos me parece totalmente vigente y necesaria para mantener vivo el interés en la obra de este gran compositor, que debería ser imprescindible y un referente de la música en nuestro país y más allá de nuestras fronteras.

Explica Joaquín Nin Castellanos, en la edición que Hernández ha usado para el estudio de estas sonatas, sobre las mismas:

“[...] Todo y hablar italiano, como muchos de sus contemporáneos europeos, el Padre Soler conserva bastante acento español como para que quienes conozcan las dos lenguas eviten el lamentable error de confundir lo que es debido a la influencia italiana con lo que pertenece, por derecho propio, al monje español; esto por lo que concierne a la colección de Londres, de donde hemos extraído las cuatro primeras sonatas de nuestra propia colección.

Seis de las otras sonatas que publicamos han sido tomadas de una colección de doce, manuscrito que nos ha ofrecido generosamente Henri Prunières, director de la Revue Musicale de París. Esta colección, que llamamos “de París”, tiene para nosotros una doble importancia; primero en razón de su contenido y después a causa de su título, pues este es el texto exacto: XII Toccate per cembalo composte dal Padre Antonio Soler discepolo de Domenico Scarlati [...]”.

Por Blanca Gutiérrez

www.sirahernandez.com

Foto: La pianista Sira Hernández ha grabado 12 Sonatas del Padre Soler, en transcripción de Joaquim Nin i Castellanos.

 

 

 

Yago Mahúgo e Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid

Yago Mahúgo e Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid

Publicado: Julio-Agosto 2017
Saudades do Brasil


Este 2017 está siendo un año fantástico para Yago Mahúgo. Acaba de ser nombrado catedrático y después de su gira por EE.UU., con concierto en el Carnegie Hall incluido, acaba de aterrizar de nuevo por Brasil, esta vez con su grupo Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid.

No se podrá quejar del año… ¿Qué es lo que han hecho allí y qué tal el panorama musical por Brasil?

¿Conciertos? (Risas). No me puedo quejar, para nada. En Brasil han sido tres semanas muy intensas, especialmente los últimos 5 días antes de volver, que es cuando se juntaban la mayor parte de los conciertos. Un trabajo muy bueno con la OBU (Orquesta Barroca de UNIRIO), clases a los alumnos de la Universidad y cuatro conciertos: uno de cámara de Ímpetus con músicos de allí, dos de ellos de clave solo y el cuarto dirigiendo a la OBU y tocando el Concierto de Brandeburgo n. 5 de Bach. Una experiencia muy enriquecedora para todos. Me he encontrado con músicos muy buenos como el violinista Roger Lins, el cellista Lucas Bracher, Patricia Michelini o la flautista Laura Rónai, que es la profesora de flauta de la Universidad y la que me ha invitado a hacer toda esta gira.

El panorama musical parece algo sombrío. Me contaban que los músicos del Teatro Municipal de Río (estuve viendo una excelente versión de Carmina Burana) llevan desde noviembre sin cobrar, muchos viviendo de lo que la gente les dona, incluso alguno ha tenido que vender su instrumento para poder comer… Tristísimo… Por otro lado, lo que no depende del gobierno del Estado de Río (el equivalente a la comunidad autónoma) no está en bancarrota, aunque no es que estén sobrados de dinero, ni mucho menos. Brasil parece inmerso en una crisis permanente. No alcanzo a explicarme cómo se hicieron allí el mundial de fútbol o las olimpiadas.

¿Volvería allí a tocar?

A tocar y a dar clase. Sin duda. Esta es la segunda vez que voy. La acogida es excelente. Fui en el 2014, también con Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid, con el programa de las Pièces de Clavecin en Concerts de Rameau. Ahora hemos vuelto para hacer, además de conciertos, una parte de labor educativa, que les interesa mucho. La gente que se dedica allí a la música renacentista y barroca está ávida por adquirir nuevos conocimientos. No hay que olvidar que para nosotros toda la música que hacemos es lejana en el tiempo, pero no tan lejana en cuanto a distancia, al ser música europea. Para ellos, todo está lejos y pueden sentirse un poco inseguros al aproximarse a nuestra música.

¿Hay una elección especial de repertorio al ir a un país exóticamente hablando en lo musical?

Están obviamente muy interesados en música española. De todas maneras, como le comentaba, hemos estado haciendo una labor pedagógica. Les dimos carta blanca para la elección del repertorio y han preferido dar el concierto con piezas que estaban trabajando, mejor que aprenderse unas nuevas. La próxima vez que regresemos, esperamos que sea en un año y medio aproximadamente, volveremos a integrar a la gente de Ímpetus en la orquesta y esta vez querrán hacer repertorio español que ya habrán estudiado.

Unas giras así condicionan buena parte de la temporada, ¿cómo la trabaja?

Si soy yo solo el que se va de gira, siempre es más sencillo. Cuando se trata del grupo, puede llegar a ser un dolor de cabeza. Es prácticamente imposible cuadrar la agenda de más de cuatro personas durante muchos días, a no ser que se haga con un par de años. Intento siempre que estos viajes largos ocurran con el curso ya acabado (como esta vez), en vacaciones o a principio de curso, para que el conservatorio y los alumnos no se vean afectados, ya que algunos de los miembros de Ímpetus somos docentes durante el curso escolar. Después hay que organizarse el estudio personal y planear los ensayos. Suena complejo, y a veces lo es, pero estamos acostumbrados. ¡Llevamos toda la vida organizando agendas! De algo tiene que servir…

Aquí, en España, ¿cuáles son sus próximos proyectos?

A nivel individual, tengo que hacer, ahora en verano, una nueva grabación para Brilliant Classics, así como varios recitales hasta final de año. El próximo concierto previsto con Ímpetus será en el primer trimestre del año que viene. Aunque estoy pendiente de ver si se concreta lo que sería un concierto muy importante para el grupo antes de final de año…

¿Nos dice en qué consistiría?

No. Prefiero no comentar posibles planes, sino solo lo concreto, porque lo que se comenta sin estar seguro tiende a estropearse.

Ha nombrado los discos con Brilliant Classics. Acaba de salir un disco de Ímpetus Conjunto Barroco de Madrid con canciones de C.P.E. Bach, donde hace dúo con la soprano Mariví Blasco…

Sí. Esta grabación se publicó hace dos años. Así que esta es una reedición con una nueva masterización. Brilliant me preguntó por ella y le interesó para poder tenerla en su catálogo. Estoy muy contento de que haya sido así, ya que va hacer que la grabación llegue a más gente.

Su intención es grabar un disco por año con Brilliant Classics, ¿cierto?

Así es. Tengo un contrato de tres años para tres discos. A disco por año.

Por Ricardo Castro

www.yagomahugo.com

www.ensembleimpetus.com

Foto: Yago Mahúgo junto a Laura Rónai (flauta), Roger Lins (violín) y Lucas Bracher (cello).
Acred: Nabila Trindade

 

Gran Teatre del Liceu

Gran Teatre del Liceu

Publicado: Junio 2017
Conmemoraciones programadas por los 20 años de la reapertura


Christina Scheppelmann: “Los nombres nacionales son uno de los pilares del Liceu”
 

La directora artística del Gran Teatre del Liceu, Christina Scheppelmann, nos recibe amablemente. Mientras saboreamos un café, nos adelanta las novedades de la nueva temporada 2017/18, recién presentada, programación que se integra en los actos de conmemoración de la reapertura del Liceu, cuyo 20 aniversario culmina en 2019.

Una programación marcada por los grandes títulos del repertorio y los primeros nombres de la lírica. Un Liceu de grandes voces y que apuesta por los nuevos cantantes nacionales e internacionales, lenguajes clásicos intercalados con nuevas tecnologías e innovación sobre el escenario y con grandes equipos de dirección de escena y musicales. En el marco del 20 aniversario de la reapertura del Teatro, Scheppelmann tiene un objetivo claro: mantener la alta calidad, ejemplaridad y referencia internacional que definen el proyecto artístico del Teatro.

Enhorabuena por la temporada que acaban de presentar. ¿Está satisfecha con el resultado?

Absolutamente. Presentar una temporada es algo muy emocionante. Implica desvelar el resultado de mucho tiempo de trabajo. Se trata de un largo proceso de coordinación de criterios artísticos, calendarios y disponibilidades para que el conjunto de títulos y nombres sea lo más interesante y de la más alta calidad posible, pensando siempre en el público liceísta, nuestro exigente destinatario. Y creo sinceramente que lo hemos conseguido. 

Si tuviera que definirla en pocas palabras…

La nueva temporada destaca por grandes títulos del repertorio y primerísimos nombres de la lírica, y también por descubrimientos, cantantes de joven trayectoria que empiezan a brillar en sus carreras, tanto nacionales como internacionales, nuevas caras para el público del Liceu por las que apostamos claramente y que nuestro público debe conocer. 

¿Destaca algún momento en concreto?

Uno de los momentos cumbres de la temporada será, sin duda, el esperado debut de Jonas Kaufmann en una producción en el Liceu, nada más y nada menos que en el Andrea Chénier de David McVicar, que ha sido creada especialmente para él. Será bajo la batuta de Pinchas Steinberg y la producción de la Royal Opera House. Además, Kaufmann vendrá al Liceu parea este Chénier en marzo de 2018 con unos compañeros de brillante nivel, la soprano Sondra Radvanovsky y el barítono Carlos Álvarez. 

Y no serán las únicas estrellas de una temporada marcada por las grandes voces…

Se nos presenta una temporada repleta de voces de primer nivel, como las de Iréne Theorin, Piotr Beczala, Stefan Vinke, Fabio Santori, Dolora Zajik, Markus Werba, Gregory Kunde, Ludmila Monastyrska, Jorge de León, Ildar Abdrazakov, Dmitri Hvorostovsky, Sabina Puértolas, Lawrence Brownlee, Clementine Margaine, Michael Spyres..., todos ellos cantantes admirados por nuestro público. 

¿Qué veremos en la gran noche del año, la inauguración en octubre?

El 7 de octubre será la noche de Verdi y Boussard, el director de escena francés que nos brinda esta producción de Un ballo in maschera con el espectacular vestuario de Christian Lacroix y la excepcional dirección musical de uno de los maestros referentes a nivel internacional, Renato Palumbo. Veremos un elegante juego de seducción y traición que unirá sobre el escenario del Gran Teatre dos repartos de gran nivel con Piotr Beczala, Fabio Santori, Dmitri Hvorostovsky, Giovanni Meoni, Ekaterina Metlova, Maria José Siri, Dolora Zajik, Patricia Bardon y Elena Sancho Pereg, entre otros. 

Otra gran noticia de la temporada serán las coproducciones…

En efecto, es un gran momento para las relaciones internacionales. Cada vez los teatros trabajan más en colaboración con otros teatros, lo cual enriquece en nuestro caso tanto al Liceu como a su público. Estas relaciones se verán reflejadas la próxima temporada con tres coproducciones: Roméo et Juliette, dirigido por Stefan Lawless y ambientada durante la Guerra Civil Norteamericana; Manon Lescaut, firmada por Davide Livermore, que presenta su trabajo por primera vez en nuestro escenario; y Demon, título ruso de pleno romántico fin de siglo XIX de Anton Rubinstein, prácticamente “redescubierto” por el director de escena Dmitry Bertman y que nunca se ha visto en el Liceu. 

Precisamente este Demon es una producción que lidera el Liceu. ¿En qué medida les afecta?

Es todo un reto que empezó hace algo más de un año, desde que hablé con el director de escena Dmitry Bertman de la idea que llevará a escena bajo la batuta de Mikhail Tatarnikov y las voces de Dmitri Hvorostovsky y Asmik Grigorian. Este proyecto implica coordinar y albergar un largo proceso de creación por parte del equipo de producción y los coproductores, de reuniones y tomas de decisiones junto al Helikon Opera de Moscú, Staatstheater Nürnberg y Opéra National Bourdeaux. Liderar el proceso significa coordinar y concretar los detalles de la producción, vestuario, escenografía. Una producción que dará mucho que hablar... 

¿Por qué?

Será muy impactante a nivel visual. Un gran cilindro se plantará en el escenario liceísta y, tras él, una gran esfera albergará un proyector, que la convertirá en un elemento muy versátil y dará al montaje una espectacular sensación de profundidad. 

¿Qué otros motivos nos da para acercarnos al Liceu la próxima temporada?

Para empezar, Il viaggio a Reims que nos dará la bienvenida después de vacaciones. Un dramma giocoso dirigido por Emilio Sagi con el que estrenaremos una nueva experiencia “studio”, que mezclará en los repartos grandes cantantes líricos con jóvenes profesionales y promesas del canto. Esto da gran calidad y energía a las funciones y una experiencia importante para los jóvenes profesionales. Otro momento imperdible será el Poliuto de Donizetti en versión concierto y con tres de las mejores voces del panorama actual, Gregory Kunde, Sondra Radvanovsky y Luca Salsi. Y otro Donizetti cerrará la temporada, La Favorite, en su versión original en francés y con figuras de la talla de las excelentes mezzosopranos Clementine Margaine y Ksenia Dudnikova y los tenores de gran calidad, expertos belcantistas, como Michael Spyres y Stephen Costello. 

Será también un gran año para la danza…

Sin duda. Esta temporada contaremos con la presencia de tres ballets de fama internacional. Tres títulos que muestran la comunión entre las artes; el salto de la literatura a la música y la danza da como fruto obras maravillosas, como el Roméo et Juliette del Ballet de Ginebra, la Anna Karenina de Boris Eifman y el Songe, basado en Sueño de una noche de verano de Shakespeare y coreografía de J.C. Maillot y Les Ballets de Monte-Carlo. 

También será una temporada de grandes batutas…

Será una temporada donde confluirá una nueva generación de maestros con Giacomo Sagripanti, Ramón Tebar y Speranza Scapucci (todos por primera vez en el Liceu), que se intercalarán con maestros de referencia internacional como William Christie, que dirigirá por primera vez en el Liceu. Renato Palumbo, Daniele Callegari, Pinchas Steinberg, Mikhail Tatarnikov y Patrick Summers también son muy reconocidos maestros que trabajarán con la Orquesta y el Coro del Teatro, en la línea de mejora y de logro de la excelencia musical que lidera el maestro Josep Pons, director musical del Liceu, que dirigirá las óperas Tristan und Isolde y Roméo et Juliette durante la nueva temporada 2017/18. 

Y Pons también estará al frente de varios conciertos…

Efectivamente, el maestro nos traerá tres conciertos sinfónicos protagonizados por Johannes Brahms y Richard Strauss. Y otros directores musicales de excepcional nivel visitarán también el Liceu esta temporada, como Jordi Savall o Jean-Christophe Spinosi, que será el encargado de celebrar en el Liceu el 450 aniversario de Monteverdi con L’incoronazione di Poppea en concierto. Sin duda un gran año para el Barroco, que también nos brinda el Ariodante dirigido por William Christie. 

Este año también vemos una importante presencia nacional en la programación…

Los nombres nacionales son uno de los pilares del Liceu. Esta temporada el director de escena Àlex Ollé de La Fura dels Baus repite en la programación del coliseo con un Wagner como Tristan und Isolde. El reparto es excelente, Iréne Theorin y Stefan Vinke, dos indiscutibles referentes wagnerianos como Brünnhilde y Siegfried. Además, recuperamos uno de los montajes más exitosos, L’elisir d’amore de Mario Gas, una adorable historia de amor ligera, cómica y romántica ambientada en esta producción en la Roma fascista, con el entrañable recuerdo del cine neoclásico. Jessica Pratt, Pavol Breslik y Roberto de Candia encabezan un reparto perfecto bajo la batuta del español Ramón Tebar, que debuta en el Liceu. Las Ensaladas de Jordi Savall con Le Concert des Nations, el recital de los 25 años del debut de Josep Bros y el Cuento de Navidad de Charles Dickens con música de Albert Guinovart y la historia contada a través de dibujos de arena. 

Sin embargo, no todo serán óperas y conciertos sobre el escenario del Liceu…

Exacto, un teatro del siglo XXI tiene que ser mucho más que los espectáculos o los artistas sobre su escenario principal, por eso, en esta nueva temporada presentamos nuevos espectáculos del Petit Liceu con el deseo de hacer llegar la ópera a los más pequeños y ponemos en relieve la presencia de nuestro proyecto social, que cada vez está más imbricado con toda nuestra programación y con el personal del Teatre. 

Y con nuevos escenarios como el Foyer, ¿no es así?

No podemos estar más contentos con el éxito en la primera experiencia del ciclo Off Liceu – Diálogos musicales en el Foyer. Hemos logrado un 91% de ocupación y eso corrobora la necesidad de dar continuidad a un proyecto que da voz a la creación musical llegada de todo el país y con un amplio abanico estilístico, acercando la música del siglo XXI al público y demostrando su variedad. Hemos cumplido las expectativas de formato y concepto que se habían planteado y hemos superado con creces la asistencia y la entusiasta respuesta del público. 

¿Un Off Liceu que supone un paso más hacia el Liceu de Todos?

Propuestas como Off Liceu demuestran que la ópera y el Liceu no son elitistas. Estas propuestas alternativas a la cartelera principal, la mejora en la accesibilidad, la apertura a nuevos públicos y un constante trabajo en la política de precios nos acercan cada vez más a este lema que tan bien nos define: la ópera, la música, la emoción es para todos, el Liceu de Todos. 

https://www.liceubarcelona.cat/es# 

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Christina Scheppelmann, directora artística del Gran Teatre del Liceu.
Acred: Christian Machío

Harmonia del Parnàs y La Dorinda

Harmonia del Parnàs y La Dorinda

Publicado: Junio 2017
Rescate de la fabula pastoral de Corradini


Nacido alrededor del año 1690 en Venecia y tras haber alcanzado grandes éxitos en Nápoles, Corradini se trasladó a Valencia en 1728 para ocuparse de la capilla de música de la corte levantina al servicio del príncipe de Campoflorido, de origen asimismo italiano, Luis Regio Branciforte, quien gustaba de celebrar grandes festejos en el suntuoso salón de su palacio. Corradini se encargó de poner música a dichas fiestas palaciegas con entremeses, sainetes y música escénica, como es el caso de la fábula pastoral La Dorinda, compuesta para celebrar el santo de la reina Isabel de Farnesio e interpretada por vez primera, en la versión de la fuente escogida, en el Salón del Palacio Real de Valencia el 19 de noviembre de 1730.

Al parecer éste sería uno de sus últimos trabajos en dicha corte, por cuanto a finales de 1730 desaparecen las noticias de Corradini en Valencia, instalándose en Madrid, entre finales de 1730 y principios de 1731. Durante sus primeros años en la capital, Corradini compuso óperas, autos, música de comedias e, incluso, zarzuelas para los principales teatros de la ciudad, contando con la colaboración literaria de José de Cañizares. Y, del mismo modo que sucedió al estrenar sus primeras óperas en Nápoles, también en Madrid sus obras alcanzaron tal éxito que algunas de ellas permanecieron en cartel durante semanas, convirtiéndose así en el compositor de moda de los teatros públicos.

Durante sus primeros años de estancia en la capital, Corradini trató de adaptarse a la moda allí establecida, componiendo zarzuelas y lo que él llamaría “opera spagnola”. El compositor italiano pretendió integrarse hasta tal punto en nuestra música, que llegó incluso a componer, al menos, seis autos sacramentales de Calderón. Desafortunadamente, apenas se conservan unas poquísimas fuentes de las muchas que Corradini compuso aquí, pues tenemos noticias del Melodrama harmónico, al estilo de Italia, su título “Con amor no hay libertad” que executó en el Carnabal de este año de 1731, en el Teatro de la Cruz de Madrid, la Compañía de Juana de Orozco, de la zarzuela que estrenó en 1731 la compañía de ópera de Manuel de San Miguel Templo y monte de Filis y Demofonte, y que permaneció en cartel durante 22 días seguidos, Milagro es hallar verdad (1732), La boda discreta (1733), El ser noble es obrar bien (1736), La Elisa (1739), o La más heroica amistad (1745), entre otras.

Rival de Nebra

Siendo La Dorinda una de las pocas composiciones que se conservan de quien fuera el máximo rival de Nebra en los teatros públicos de Madrid, Harmonia del Parnàs no se ha podido resistir a mostrar una parte de su sonoridad. El grupo ya había trabajado algunas piezas del compositor en su disco anterior “Bárbaro” y ahora presenta un monográfico sobre este compositor que marcó un antes y un después en la historia de la música valenciana, y que resultó un compositor de referencia en Madrid.

Y si bien es cierto que, muy posiblemente, se trata al menos en parte de un pasticcio (recurso que por otro lado solía ser bastante habitual en la época), la calidad musical, literaria y artística de la obra ha llevado a Marian Rosa Montagut y Harmonia del Parnàs a proceder nuevamente a su interpretación en nuestros días y dejar constancia grabada de una selección de la misma.

Aunque lo ideal hubiese sido la recuperación de la totalidad de la ópera, no sólo en su versión musical sino asimismo con su correspondiente puesta en escena, los medios únicamente han permitido abordar en esta primera grabación de una selección de La Dorinda, realizada a partir de la fuente manuscrita conservada en la Biblioteca Nacional de Madrid.

Lo que hay que saber de La Dorinda

  • El melodrama pastoral La Dorinda se interpretó por vez primera, en la versión de la fuente escogida conservada en la Biblioteca Nacional de Madrid, en el Salón del Palacio Real de Valencia en 1730.
  • El CD de Harmonia del Parnàs aborda una selección del drama pastoral de Corradini, una obra de 3 actos de dimensiones considerables protagonizada por Dorinda, Nicandro, Delmira y Fileno.
  • La Dorinda de Francesco Corradini es el sexto disco del grupo, y el tercero editado en su sello propio TEMPUS.
  • La grabación está protagonizada por la soprano Ruth Rosique y la mezzosoprano Marta Infante, bajo la dirección de Marian Rosa Montagut.
  • Harmonia del Parnàs ha recuperado en concierto, en los últimos meses, la mayoría de las piezas recogidas en el disco, en escenarios como el Auditorio Nacional de Música (Madrid), el Auditorio Ciudad de León o el Palau de la Música de Valencia. 


https://harmoniadelparnas.com/

https://www.facebook.com/HarmoniadelParnas

https://twitter.com/hdelparnas

La Dorinda en Los Conciertos de la 2:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/los-conciertos-de-la-2/conciertos-2-512/3990823/

por Lucas Quirós

Foto: La Dorinda de Corradini es el sexto disco de Harmonia del Parnàs, tercero editado en su sello propio TEMPUS.
Acred: Michal Novak

 

 

Wolfgang Emanuel Schmidt

Wolfgang Emanuel Schmidt

Publicado: Junio 2017
Metamorphosen Berlin


“Es uno de los mejores violonchelistas de su generación, y de nuestro tiempo”
(Mstilsav Rostropovich) 

Concertista en las más célebres salas del mundo, solista invitado de las mejores orquestas de Europa; como músico de cámara, ha compartido escenario, entre otros, con Lang Lang, Kavakos, Shaham, Znaider o su colega Jens Peter Maintz (Cello Duello). Hablamos con el famoso chelista alemán Wolfgang Emanuel Schmidt. 

¿Por qué el violonchelo?

Mis padres no son músicos, pero aman la música y querían que estudiase un instrumento. Con siete años, yo quería aprender a tocar el contrabajo, pero era muy grande para mí, y eligieron el chelo. Poco tiempo después, escuché a Mstislav Rostropovich en el Concierto para violonchelo en do mayor de Haydn. Y, después del concierto, cuando me acerqué a él para pedirle un autógrafo, me acarició el pelo diciéndome “serás un gran chelista”. ¡No me quería lavar el pelo!, y mis padres tuvieron que cortármelo. ¡Todavía guardo el mechón! Para mí fue como un sueño poder estudiar con Slava después de ganar el Concurso “Rostropovich” en París.

Además del “Grand Prix de la Ville de Paris” y el Premio de Música Contemporánea en el Concours de violoncelle Rostropovich, presidido por el propio maestro, ha ganado los más célebres concursos internacionales, como el Tchaikovsky de Moscú o el Leonard Rose de Estados Unidos, entre otros, ¿Son importantes los concursos?

Yo mismo me he beneficiado mucho de los concursos. Obviamente, la idea esencial de un concurso se contradice con los ideales de la música (ir juntos, y no competir o ir en contra). Sin embargo, para los jóvenes músicos supone una oportunidad maravillosa de preparar en profundidad un amplio repertorio; además, ganar premios te permite darte a conocer. Como violonchelista, he participado en cerca de 15-20 concursos, y también como jurado; mis estudiantes participan habitualmente, pero no es necesariamente “obligatorio”. Algunos renuncian conscientemente a hacerlo, y eso no impide que desarrollen una brillante carrera como concertistas.

Profesor en la prestigiosa HFM Franz Liszt Weimar y en la Universidad de las Artes de Berlín, famoso concertista, músico de cámara, solista invitado de las principales orquestas; en 2010 funda con su mujer, la violinista Indira Koch (Konzertmeisterin), la Kammerorchester Metamorphosen Berlin…

Mi mujer y yo tuvimos la suerte de estudiar con dos de los más destacados artistas de las últimas décadas; mi mujer, Indira Koch, con Menuhin y yo con Rostropovich, y llevamos casi 20 años tocando juntos (casi los mismos casados); con Metamorphosen queremos conseguir nuestro ideal sonoro de la música romántica. El nombre “Metamorphosen” viene de la fantástica obra de Richard Strauss para 23 instrumentistas de cuerda. Tenemos la suerte de contar con 23 músicos de cámara magníficos como Andreas Willwohl, del Cuarteto Mandelring, o primeros atriles de orquestas sinfónicas como, por ejemplo, Norbert Anger (solista de la sección de violonchelos de la Staatskapelle Dresden y la Orquesta del Festival de Bayreuth), y primeros premios de concursos internacionales. La edad oscila entre los 20-60 años, y hay 14 nacionalidades distintas. Así que somos un ensemble internacional con sede en Berlín, una ciudad fascinante e inspiradora. Para mi mujer y para mí, como co-directores artísticos, es todo un orgullo haber dado forma en tan poco tiempo a un ensemble, que este año ha iniciado con gran éxito su propio ciclo de conciertos en el Konzerthaus de Berlín.

Y ya con dos CD para Sony Classical; su aclamado primer CD Inspiration, con música de Dvorák, Suk y Herbert, y un segundo disco, Serenade, dedicado a Tchaikovsky, que incluye la primera grabación mundial de un arreglo de usted mismo para violonchelo y orquesta de cuerda del Valse sentimentale y October.

¡Me encanta escribir arreglos para mi instrumento! Cada uno de los 5 CD que ya he grabado para Sony Classical contiene transcripciones hechas por mí. Disfruto enriqueciendo el repertorio para violonchelo con pequeñas Delikatessen. Me gusta mucho tocar este tipo de obras, tanto en conciertos como en grabaciones, y quizá me aventure incluso a componer algo propio en un futuro. Tchaikovsky es sensualidad sonora, maravillosas melodías románticas, virtuosismo, dinámica, profundidad sonora y sensibilidad. Cualidades que, para mí como violonchelista, son las más importantes. Ese es el ideal sonoro que mi mujer y yo intentamos transmitir con Metamorphosen Berlin. Y al leer las críticas de estos últimos CD, creo que lo hemos conseguido…

http://www.wolfgangemanuelschmidt.com/

por J. M. Urrutia

Foto: Wolfgang Emanuel Schmidt, cellista y fundador del ensemble Metamorphosen Berlin.

Jessica Pratt

Jessica Pratt

Publicado: Junio 2017
“El mejor Rossini está en su ópera seria”

La cantante australiana, una de las estrellas líricas más importantes de la actualidad, será Amenaide de Tancredi en el Palau de Les Arts.

Es uno de los pocos escenarios españoles en los que todavía no había debutado en ópera escenificada, ya que la soprano australiana Jessica Pratt, sin duda una de las intérpretes más importantes del panorama internacional (aclamada por la crítica como la digna sucesora de la gran Joan Sutherland), se ha ido presentando paulatinamente y siempre con éxito en las grandes plazas líricas del país.

Lo mismo sucede en París, Nueva York, Londres o Milán, ciudades que también la han aplaudido. Y después de su reciente triunfo en Las Palmas como Marie en La fille du régiment (de la que podemos leer la crítica en este mismo número), ahora regresa al Palau de Les Arts de Valencia en el difícil papel de Amenaide de la ópera Tancredi, de Rossini, en una coproducción entre la Opéra de Lausanne y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, con dirección de escena del español Emilio Sagi y que contará con la batuta de Roberto Abbado (23, 25, 27, 29 de junio y 1 de julio).

Enamorada del belcanto

Tancredi es mi ópera de Rossini favorita”, apunta la soprano australiana, “y siempre me siento feliz y dispuesta a interpretarla; fue el primer título que vi cuando llegué a Roma en mi época de estudiante y el que provocó que me enamorara del belcanto; sin duda determinó absolutamente el camino en mi formación. Creo que el mejor Rossini lo encontramos en su ópera seria, como es el caso de Tancredi; me encantan sus óperas cómicas, más populares y representadas y siempre impregnadas de genialidad, pero sus óperas serias son difíciles de escuchar más allá del Festival de Pésaro y por eso siempre aplaudo cuando un teatro hace el esfuerzo de programarlas.

Sin olvidar a otros muchos compositores belcantistas que interpreto, podría decir que Rossini ocupa un lugar importante en mi trayectoria, ya que tengo más de 12 de sus personajes en repertorio. En Valencia tendremos un reparto impresionante que incluye a Yijie Shi y a Daniela Barcellona, junto a un experto en Rossini como es el maestro Roberto Abbado. Debuté el rol de Amenaide hace unos años en esta misma producción de Sagi, que encuentro increíblemente elegante y bonita, tanto como la música de Rossini, así que tengo unas ganas tremendas de interpretarla de nuevo con todos estos grandes artistas”, añade la soprano.

Intensa temporada

Tras una intensa temporada en la que ha paseado algunos de sus personajes más emblemáticos como Semiramide (Semiramide, Ópera de Florencia), Rosmonda (Rosmonda d’Inghilterra, Florencia y Teatro Donizetti de Bérgamo), Reina de la Noche (La flauta mágica, Metropolitan Opera, Nueva York), o Gilda (Rigoletto, Ópera de Oviedo), Jessica Pratt cantó en mayo La Sonnambula (Victorian Opera, Melbourne), I Puritani (Müpa, Budapest) y Le Comte Ory (Klangvokal Musikfestival, Dortmund), antes de viajar este mes de junio a Valencia.

En los próximos meses le esperan los roles protagonistas de I Puritani (Festival de Savonlinna en la visita del Teatro Real de Madrid al certamen finlandés), Lucia di Lammermoor (Théâtre des Champs Elysées, París), su regreso a España con Don Pasquale (ABAO-OLBE, Bilbao) y L’elisir d’amore (Liceu de Barcelona), y su esperada vuelta a Nueva York como protagonistas de Lucia di Lammermoor (Metropolitan Opera).

Tancredi, de Rossini

Palau de Les Arts, Valencia (23, 25, 27, 29 de junio y 1 de julio).
Escena de Emilio Sagi y dirección musical de Roberto Abbado.
Reparto: Jessica Pratt (Amenaide), Daniela Barcellona (Tancredi), Yijie Shi (Argirio), Pietro Spagnoli (Orbazzano), etc.

http://en.jessicapratt.com/ 

por Lucas Quirós

Katowice Kultura Natura Festival

Katowice Kultura Natura Festival

Publicado: Junio 2017
Más allá del carbón

En la capital del voivodato de Silesia, celebró su tercera edición el pasado mes de mayo, el joven festival Katowice Kultura Natura Festival “Ziemia” (del 12 al 21 de mayo de 2017). Katowice, la ciudad que surgió del carbón y el acero en la histórica región de la Alta Silesia, ha dejado atrás su imagen de ciudad industrial y minera, y quiere reinventarse en una moderna metrópoli europea. Fomentar las industrias culturales y creativas como palancas para la renovación y sostenibilidad de la ciudad, es el objetivo de la nueva Katowice. En los terrenos donde hace poco más de una década se levantaba la antigua mina de “Katowice”, se ha construido la nueva sede de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca (NOSPR), como símbolo de la metamorfosis de esta ciudad, situada al suroeste de Polonia, que recibió el título UNESCO City of Music del año 2015.

En octubre de 2014, Krystian Zimerman y la NOSPR inauguraban el monumental edificio de ladrillo rojo, diseñado por Tomasz Konior, y su espectacular sala de conciertos con 1800 asientos, dispuestos en cuatro niveles de onduladas y rugosas paredes en hormigón negro, imitando al carbón, y diseñada para satisfacer las más altas exigencias acústicas por la famosa compañía japonesa Nagata Acoustics. La primera edición del festival, creado por la Asociación Katowice Kultura Natura y la NOSPR, se celebró en mayo de 2015.

Bajo la batuta de Alexander Liebreich, director artístico del festival y director titular de la NOSPR, con Anna Szostak al frente de la Camerata Silesia y Petras Bingelis al frente de The Kaunas State Choir, dos obras de Arnold Schönberg, Die Jakobsleiter y la obra para coro a cappella Friede auf Erden, la Sinfonía n. 39 de Haydn y la cantata Demeter de Karol Szymanowsky, se inauguró el pasado 12 de mayo la III Edición del Katowice Kultura Natura Festival, que este año tuvo como lema “Ziemia” (Tierra).

Diez intensos días de buena música con artistas de renombre internacional y un excelente programa, cuidadosamente elegido, que combina de forma inteligente música de diferentes épocas. En la sala koncertowa se pudo disfrutar de la música de Haendel, Vivaldi y Bach con al contratenor Bejun Mehta y la AKAMUS (Akademie für Alte Musik Berlin). Pero, también, de la música que Béla Bartók escribió para los ballets El mandarín maravillo y El príncipe de madera, con la orquesta invitada de este año: Orquesta del Festival de Budapest y su director musical Iván Fischer.

Alexander Liebreich

Al igual que en ediciones anteriores, además, hubo ocasión de escuchar buena música de cámara con el Artemis Quartett. El habitual recital pianístico estuvo a cargo del pianista británico Paul Lewis. Como en las dos primeras ediciones, el Festival incluyó dos conciertos de abono de la NOSPR, bajo la batuta de Alexander Liebreich (el 12 y el 18 de mayo). Este último concierto contó con el barítono Michael Nagy y la soprano Johanna Winkel como invitados, que ofrecieron una magistral interpretación de la Sinfonía lírica de Zemlinsky. El 19 de mayo estuvo dedicado a la Música Antigua con la maravillosa y excepcional actuación de Graindelavoix, el increíble conjunto vocal de Amberes fundado por el artista interdisciplinario, antropólogo y etnomusicólogo, Björn Schmelzer, que con su impecable afinación y cuidadísimo sonido, levantó al público de sus butacas. Pioneros en un audaz y novedoso enfoque de la Música Antigua, su programa incluyó Las Lamentaciones del Antiguo Testamento de dos compositores del Renacimiento, Carolus Luython y Pedro Ruimonte.

El 20 de mayo, la New Music Orchestra y su director Szymon Bywalec, estrenaron Wyliczanka na 3 głosy i 9 instrumentów, de P. Mykietyn, una obra encargo del festival inspirada en el texto de una rima infantil del periodo de entreguerras, en el que las voces actúan como eco del conjunto instrumental. El festival se clausuró, como siempre, con un concierto de jazz, en esta ocasión, a cargo del trompetista italiano Enrico Rava y la pianista Geri Allen. Como evento paralelo al festival, es necesario destacar Mother Lode I-III, la asombrosa instalación sonora de la cantante y compositora Agata Zubel, interpretada en directo por músicos de la New Music Orchestra, que utiliza el espacio acústico del Museo de Silesia y un espectacular juego de espejos, para recrear nuevos sonidos, inspirados en los sonidos de la antigua mina de carbón.

http://kulturanatura.eu/

por Lorena Jiménez

Foto: La asombrosa instalación sonora en el Katowice Kultura Natura Festival, que utiliza el espacio acústico del Museo de Silesia y un espectacular juego de espejos.
Acred: © Bartek Barczyk 

Naxos, 30 años de música clásica grabada

Naxos, 30 años de música clásica grabada

Publicado: Mayo 2017
Entrevista con Klaus Heymann, fundador y presidente


El sello discográfico Naxos cumple 30 años. Comenzó su andadura en el año 1987 con un pequeño catálogo básico de música clásica, siendo actualmente una de las marcas más respetadas e influyentes del panorama internacional del disco, con un catálogo sin competencia, por su amplitud y profundidad de repertorio, que comprende más de 9.000 grabaciones. Naxos edita actualmente más de 200 nuevos discos cada año con orquestas, agrupaciones, directores y solistas de todo el mundo. El Grupo Naxos (Naxos Music Group) no solamente contiene los sellos  Naxos y Marco Polo, sino también una docena de sellos como Capriccio, Dynamic, Grand Piano, Ondine, Orfeo, así como otros independientes de gran reputación. Recientemente, en marzo pasado, se acaba de incorporar VoxClassics. Naxos Music Group es el mayor distribuidor global de CD y DVD independientes de música clásica, a través de su red internacional de empresas y centros logísticos. En el entorno digital su fuerza de distribución también es de las más potentes, representando y gestionando a cientos de catálogos clásicos en las principales plataformas digitales internacionales. Ya, desde 1996, Naxos puso su catálogo online en Internet. Naxos Music Library, su propio servicio de streaming, fue lanzado en el año 2002 y contiene actualmente casi 130.000 grabaciones de más de 800 sellos independientes y de multinacionales; es utilizado por más de 15 millones de estudiantes y músicos del planeta. El conjunto de las bibliotecas y recursos digitales online de Naxos ahora también cubre el jazz, las músicas del mundo, las producciones audiovisuales y los audio-libros. Una nueva base de datos de obras musicales (partituras) también está en funcionamiento y disponible para profesionales. 

Klaus Heymann, el visionario fundador y presidente de Naxos, que tiene 80 años, acaba de ser galardonado con uno de los Premios Internacionales ICMA, por sus logros a través de toda una carrera en el mundo de la música clásica y del disco. Con ocasión de los 30 años del sello, hemos querido acercar este gran personaje de la industria internacional del disco a todos los lectores de RITMO con una amplia entrevista exclusiva que ha tenido la amabilidad de concedernos. 

Señor Heymann, a sus 80 años sigue dirigiendo su grupo Naxos, cuando la compañía acaba de cumplir 30 años en el mercado, ¿cómo se encuentra usted personalmente?

Pues mantengo una salud razonablemente buena, teniendo en cuenta mi edad. Juego al golf dos o tres veces por semana. Si no juego al golf, camino al menos 5 km. Me he convertido en un vegetariano (sin carne, sin mantequilla, sin helados, sin queso), sólo verduras y frutas. Afortunadamente, me gustan las verduras y las frutas. Mi único pecado, hoy en día, es poder seguir disfrutando de un buen vino.

¿Cómo ve el grupo Naxos tras estos 30 años de trabajo?

Estoy francamente sorprendido al comprobar cómo mi modesto sello se ha convertido en estos años en uno de los tres mayores de la industria del disco,  proveedor de servicios y socio comercial de prácticamente todos los sellos independientes, así como de las grandes compañías de la música clásica. Somos la única empresa del sector que ofrece un servicio integral a la industria: edición, distribución física y digital, logística, servicios digitales, comercialización, promoción, producción y masterización, fabricación bajo demanda…

¿Qué piensa de la situación actual del mercado del disco?

Todavía queda mercado para los discos físicos (CD/DVD), un mercado muy localizado que se está reduciendo día a día. Las ventas de discos físicos disminuyen constantemente, a pesar de que todavía hay un grupo fiel de coleccionistas que mantendrán sus compras de repertorios interesantes o de las grabaciones de sus artistas favoritos.

¿Cree que siguen teniendo sentido las tiendas tradicionales de discos?

Sería magnífico seguir teniendo en el mercado las tradicionales tiendas de discos pero, para ello, habría que averiguar cómo hacerlas y mantenerlas rentables en un momento tan complicado como el actual. Todavía tenemos buenas tiendas en la mayoría de los principales mercados, excepto en los Estados Unidos, donde las ventas se realizan por tiendas en Internet o tiendas multiproductos.

¿En un mercado global como el actual, cómo ve los servicios internacionales de venta por correo de CD y DVD que ofrecen empresas como Amazon, JPC, ArkivMusic, Presto, NaxosDirect...?

A medida que el número de tiendas sigue disminuyendo, estas empresas ofrecen un servicio inestimable: mantienen disponible un gran catálogo de discos, mucho mayor que la mayoría de las tiendas físicas, y su volumen de negocio con nosotros y con otros sellos distribuidos sigue creciendo.

¿Cuál es su visión de la distribución digital de la música?

Este es, obviamente, el futuro de nuestra industria, pero tenemos que encontrar una manera de hacerlo rentable para los distintos sellos discográficos. Ojalá el mercado de las descargas musicales desde Internet se hubiese consolidado en su momento, pues es mucho más rentable para las discográficas, en lugar de haber derivado al streaming. Por supuesto que yo no puedo quejarme, tras haber lanzado el primer servicio de streaming de la industria en 2002.

En el mercado digital: ¿descargas (download) o streaming?

El streaming es, obviamente, el futuro: no podemos dar marcha atrás al reloj. Todavía quedará un mercado para las descargas, pero irá disminuyendo. Afortunadamente, por el momento, al menos, el crecimiento en los ingresos por streaming compensa suficientemente  la caída de los ingresos por descargas.

¿Qué piensa de la competencia que supone la oferta gratuita de audio y vídeo de distintas plataformas en Internet?

Evidentemente, las plataformas gratuitas son un gran problema, ya que las tasas que pagan por la audición de cada corte son demasiado bajas y no compensan la pérdida de ventas, tanto físicas como por descargas o por los ingresos de suscripciones vía streaming.

En un mundo de distribución digital donde los artistas, los teatros o las orquestas pueden subir directamente en la red sus grabaciones, ¿qué sentido tienen las compañías discográficas?

Los artistas y las entidades de las artes escénicas todavía necesitan de la colaboración, en la comercialización de sus producciones audiovisuales, de empresas profesionales del disco. Aunque una orquesta o teatro de ópera tenga su propio sitito web de descargas y streaming, ¿cómo atraer a los visitantes sin gastar una fortuna en la promoción del sitio? ¿Y cómo hacer para que el aficionado pague y se fidelice?

¿Por qué cree usted que han caído tanto las ventas de los DVD?

Obviamente, hay una gran cantidad de contenido gratuito disponible en Internet. También, en general, los aficionados tienen ahora unas enormes posibilidades de elección en distintas plataformas: piense en Netflix, Hulu y otras. Que el mercado ofrezca muchas opciones no significa que los aficionados tengan más tiempo para el disfrute, por lo que el público se reparte y compra menos DVD.

¿Piensa que tiene algo que ver la oferta gratuita de plataformas como YouTube, Vimeo, DailyMotion... o las plataformas de TV, libres y de pago?

Me remito a mis respuestas anteriores…

¿En el momento actual de reducción de la oferta de las grandes multinacionales del disco, por qué cree usted que siguen funcionando las pequeñas, o no tan pequeñas, compañías independientes?

Las multinacionales del disco necesitan tener claros beneficios en sus producciones, y ya no hay beneficios claros en la producción y realización de las grandes grabaciones de música clásica. Los independientes, empresas mucho más pequeñas que tienen propietarios concretos, apasionados de la música clásica,  producen grabaciones de repertorios más interesantes, arriesgados y novedosos, con nuevos prometedores artistas y, además, sus grabaciones no se realizan siempre con fines de lucro.

El catálogo Naxos ya tiene más de 9.000 títulos y usted lo ha definido como la gran enciclopedia sonora de la música clásica. ¿Cuales han sido sus conceptos fundamentes en el desarrollo musical de Naxos?

El sello se inició con las grabaciones de las obras más populares de la música clásica. Luego derivó a la grabación de grandes ciclos. Después vinieron las obras completas de ciertos destacados compositores. Más tarde repertorio para mercados específicos (American Classics, Spanish Classics y otros). Ahora, que ya son menos las obras pendientes de incorporar en el catálogo, hemos comenzado nuevamente a grabar el repertorio estándar pero con nuevos artistas. 

Naxos dispone de una importante plantilla de grandes músicos internacionales que rescatan, en algunos casos, obras menos frecuentes, o poco grabadas. Intérpretes como Marin Alsop, JoAnn Falletta, Boris Giltburg, Eldar Nebolsin, Leonard Slatkin, Tianwa Yang o Jaap van Zweden, entre otros ¿Naxos va a seguir en esa línea artística y editorial?

Sí, ciertamente habrá más enfoque hacia los artistas porque, como ya he dicho antes, tenemos todo el repertorio más importante ya cubierto.

Naxos mantiene una estrecha colaboración con los principales concursos internacionales de música, grabando a sus ganadores en la colección Laureate Series. Estos discos permiten descubrir a nuevas figuras de la interpretación. ¿Va a seguir con esas colaboraciones?

Sí, vamos a continuar esta colaboración, pues nos ayuda a descubrir nuevos talentos, aunque un artista ahora tiene que ganar varios concursos antes de que él o ella puedan destacar y optar a una buena carrera internacional. 

¿Cuáles son sus proyectos principales de ediciones para este año 2017?

Todavía tenemos que completar varios grandes proyectos: la música de piano de Liszt, las Sonatas de Scarlatti, las Sinfonías de Weinberg, las óperas de Rossini, la música sacra de Mozart y algunos proyectos más que estamos estudiando… 

¿Puede comentarnos también sus principales proyectos de grabaciones para los próximos años?

Música latinoamericana de países menos habituales como Brasil y Argentina. Música contemporánea china con orquestas y artistas chinos. Las obras completas de Pfitzner, de Beethoven para el aniversario de 2020, obras orquestales de Joseph Marx… 

¿Cómo ve el desarrollo de la música española en el catálogo Naxos?

Vamos a seguir trabajando con las orquestas de Pamplona y Barcelona.  Barcelona se centrará en la música catalana y Pamplona en la música española con coro, pues cuentan con la colaboración del Orfeón Pamplonés. Lamentablemente, el mercado español del disco se ha reducido drásticamente en los últimos años, lo que significa que tenemos que encontrar otros mercados para estas grabaciones.

Naxos está adquiriendo un importante compromiso con la música del siglo XX ¿Piensa seguir esa línea?

Continuaremos grabando las obras más importantes del siglo pasado y los compositores importantes y prometedores de nuestro tiempo. Obviamente, existe el problema de los editores, que marcan unas tarifas de alquiler de las obras  a grabar muy poco realistas, que incluso se anticipan al inicio de las grabaciones. Espero que esto cambie cuando tomen conciencia de que en este tipo de registros no hay beneficio y que, en todo caso, se realizan principalmente para promocionar a estos compositores y a sus obras.

La educación musical es una faceta muy importante en los proyectos de Naxos. En esa línea de trabajo tiene una de las mejores plataformas internacionales en Internet, Naxosmusiclibrary, una plataforma en la que colaboran, no solamente los sellos independientes, sino también las multinacionales. ¿Puede comentarnos sus proyectos en esa línea?

Nuestro próximo gran proyecto educativo es una enciclopedia online de música clásica. Ya tenemos un diccionario online, con ejemplos musicales, que se ampliará hacia una verdadera enciclopedia que llevará imágenes, archivos y ejemplos con audiciones musicales. 

Y. para finalizar, ¿cuáles son sus compromisos para con los aficionados a la música clásica, tanto los veteranos como las nuevas generaciones?

Seguiremos haciendo nuevas grabaciones y brindando servicios a nuestra industria. Estoy seguro de que próximamente habrá un nuevo modelo de negocio, que va a permitir a las discográficas prosperar en el marco del streaming. 

Muchas gracias Klaus Heymann por su tiempo, le conozco personalmente desde los inicios de Naxos, hace ya 30 años, y permítame que le diga que le encuentro con la misma ilusión y entusiasmo por su proyectos como el primer día. Ha sido todo un placer conversar y compartir estos años con usted. 

www.naxosmusicgroup.com

www.naxos.com 

Foto: Klaus Heymann.
© Emily Chu
 

por Fernando Rodríguez Polo

 

Shoah, un violín en el templo sagrado

Shoah, un violín en el templo sagrado

Publicado: Mayo 2017
Música para evitar el olvido

Friedl Dicker-Brandeis (1898-1944) llenó dos maletas con cerca de cuatro mil quinientos dibujos realizados entre 1942 y 1944 por los niños a quienes daba clases clandestinas en el gueto de Terezín. Hizo ver a sus alumnos que el dibujo era una forma de comunicarse y les sirvió como una clase de terapia. Esos dibujos son todo lo que queda de las almas de aquellos niños. Al compositor Jorge Grundman esas almas en conjunto le hicieron llorar, sintiendo la necesidad de escribir música para que nunca nadie les olvide.

En estas páginas relatamos el proceso de creación de Shoah y su creador nos rememora, en sus propias palabras, como surgió Shoah. Este proyecto se presentó el 25 de abril en la Sinagoga del Tránsito de Toledo y el lanzamiento del Libro CD será en septiembre de este 2017.

El proyecto

En síntesis, se trata una partita para violín solo denominada Shoah for Solo Violin and Sacred Temple, escrita con la intención de emocionar y de recordar al público la Memoria de las Víctimas del Holocausto, con la filosofía de interpretarse siempre en lugares sagrados o señalados. A esta obra le acompaña un texto específico que contiene un relato de lo que se narra musicalmente junto con los hechos históricos que dan lugar a cada pieza. La duración de la partita es de aproximadamente una hora.

El proyecto se complementa con la grabación de un libro CD, también con el violín Stradivari “Auer”, de 1691 (que les fue cedido por el Grupo Canimex, gracias al Sr. y a la Sra. Dubois, creado cuando Bach vivía y del que fue propietario Leopold Auer, quien fue el dedicatario original del Concierto de Tchaikovsky), que se publica entre junio y septiembre de 2017 a nivel mundial. Todos los conciertos en lugar sagrado se intentan que sean de carácter gratuito para poder llevar la Memoria del Holocausto al mayor número de personas.

Se ha pretendido también que, aunque el proyecto sea autosostenible, la venta de los CD a la finalización de los conciertos y, en el caso de ser necesario, la venta de entradas permita mantener en la memoria de aquellos que los adquieran el recuerdo a las Víctimas del Holocausto.

Por qué escribí la partita

A menudo y tras un suceso luctuoso, se realiza un acto de homenaje en su memoria. A menudo ese homenaje incluye la música como vehículo de comunicación emocional. También a menudo se elige música para ser interpretada por un único solista. Un violonchelista a veces. Otras, un violinista. A menudo, para este tipo de actos, se utiliza música que fue escrita en el Barroco. Y mucho más a menudo se elige música de Bach. Finalmente, de la forma más general, se eligen movimientos de sus partitas.

Lo que la gran mayoría desconoce es que en el Barroco aún la música no había llegado a su máxima expresión de emotividad, al menos, tal y como la conocemos ahora. También resulta desconocido, para la gran mayoría, que una partita está formada por un conjunto de danzas: alemanda, corrente, zarabanda, bourrée, giga, gavota o chacona son algunas de esas danzas que se encuentran entre las partes de ese tipo de suite. Es obvio que Bach no escribió esas danzas con el fin de emocionar. Mucho se ha escrito sobre la Chacona en re menor. En algún momento, entre 1718 y 1720, se ha especulado que Bach puso sus notas en el pentagrama tras volver de un viaje y encontrar que su mujer, Maria Barbara, había fallecido. Pero el Maestro entre maestros no escribía la música como vehículo emocional para el disfrute del arte sino como parte de su función cívica o religiosa, como organista luterano.

Ahora bien, Grundman sintió la necesidad de escribir música que honrase directamente la Memoria de las Víctimas del Holocausto porque creyó que podría invocar su recuerdo desde la emoción. No se trata, pues, de intentar que un violinista demuestre todo su virtuosismo inaccesible al sentimiento de la tristeza y de la evocación. No se trata, pues, de una partita en el sentido estricto de una suite de danzas. No guardan los movimientos ni siquiera la misma tonalidad. No alternan un movimiento rápido con otro lento. No se trata, tampoco, de elevar la escritura violinista a cumbres soñadas por Ysaÿe. Ni mucho menos.

Stradivari “Auer”

“Tener la suerte de disponer del Stradivari “Auer”, ha hecho que la obra que van a escuchar tenga aún más significado emocional para mí como humilde escritor de música. Tener también el lujo de poder escribir la obra teniendo al lado al violinista Vicente Cueva, ha llevado la misma a la categoría de interpretable, algo por lo que Auer rechazó estrenar la obra de Tchaikovsky, calificándola de “intocable”. Yo no soy violinista. Tchaikovsky tampoco. Y si Tchaikovsky y Brahms necesitaron a un violinista para hacer su obra interpretable, con mucha más razón lo he necesitado yo para esta partita. Dicho desde la sinceridad y la humildad más absoluta”, afirma el compositor.

La obra más larga para violín

Probablemente, al escribir estas líneas en febrero de 2017, afirma el creador, nos encontremos ante la obra para violín sólo de más larga duración de la historia de la humanidad. Esto no la hace mejor que la peor danza que escribiese el Maestro, pero sí que tiende a elevar a un gran nivel de dificultad el que un violinista se enfrente a más de cincuenta y seis minutos por delante para llevar la máxima espiritualidad.

Tantos minutos de violín desnudo podrían llevar al desafecto a cualquier oyente, por mucho que este quiera hermanarse espiritualmente en comunión con el alma de los desaparecidos. Y por si fuese poco superar tanto tiempo de ejecución, el hecho de contener el estado de tristeza durante todo ese tiempo, no es algo que pueda sobrellevarse sin preparación psicológica, técnica y física.

Jorge Grundman ha procurado que Bach estuviese presente durante la escritura de su obra de forma subliminal. Como también ha intentado que la música judía se albergase en su corazón y se mezclase con su forma de escribir música. No se trata, pues, de una suite de danzas. Sino de una suite de recuerdos de hechos infames. “Todo aquello que nosotros no hicimos pero que debería hacernos sentir permanentemente avergonzados”.

La partita

I. Yom HaShoah

Día del Recuerdo del Holocausto. Fuga del campo de exterminio de Sobibor.

II. Getto Warszawskie

La vida día a día en el gueto de Varsovia.

III. Terezín Through the Eyes of the Children

Los dibujos realizados entre 1942 y 1944 en el campo de concentración de Theresienstadt.

IV. Babi-Yar

Los tres días de la masacre de los judíos en Kiev.

V. Bergen-Belsen

El campo de concentración donde se trasladó la orquesta de mujeres de Auschwitz-Birkenau.

VI. The Last Breath

La actitud ante la muerte en la cámara de gas tras el testimonio de un sonderkommando.

 

Non Profit Music

• Premio de la Crítica 2012

Por la calidad de sus grabaciones discográficas de manos de Positive Feedback en Estados Unidos

• Premio de la Esperanza 2011

En la modalidad de Mejor Empresa Privada por parte de la Asociación de Esclerosis Múltiple de Toledo

• Nominaciones como Mejor Álbum de Música Clásica

En los años 2015, 2013, 2012, 2011, 2010 y 2008, en los Premios de la Música y en los Premios de la Música Independiente

http://shoah.nonprofitmusic.org/

http://www.nonprofitmusic.org/

 

Foto: El compositor Jorge Grundman, creador de Shoah, música impregnada de dolor y de la Memoria de las Víctimas del Holocausto.
Acred: Sergio Cabanillas 

Por Lucas Quirós

Pilar Montoya

Pilar Montoya

Publicado: Mayo 2017
Perspectivas artísticas multiculturales

Pilar Montoya es una artista polifacética, Catedrática de Clave en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, Bailarina Histórica y Directora de Orquesta, que en los últimos meses ha realizado una gira de conciertos y clases magistrales por Italia y Japón exportando el repertorio español para tecla. 

Por su actividad polifacética, ¿qué visión le aporta conocer el repertorio desde las diferentes perspectivas?

Para mi supone un enriquecimiento profesional y personal. Me siento afortunada por poder aunar esas facetas y ver una pieza objeto de estudio desde distintas áreas que se complementan. Muchas veces, mientras estoy tocando una obra al clave, imagino movimientos o gestos que pudieran corresponder a los sonidos o cómo sonaría una versión orquestal. Cuando decidí ser músico tenía miedo a la dispersión por abarcar varias disciplinas a la vez pero, con la perspectiva que da el tiempo, me he dado cuenta de que fue un acierto seguir con todas ellas y escuchar el consejo de uno de mis profesores que me dijo que sería capaz de integrarlas.

Usted se ha especializado en la música española de los siglos XVI, XVII y XVIII. ¿Qué es lo que más le ha cautivado de este repertorio?

Tantas cosas… Lo primero es que se trata de un estilo único en el que confluyen lo religioso y lo profano, lo popular y la Corte. El repertorio ibérico de los siglos XVI, XVII y XVIII es muy vasto, riquísimo y supone una mezcla maravillosa de culturas procedentes de distintas regiones de nuestra península, de Oriente, África y América, hecho excepcional que no se da en otros estilos europeos. He podido observar que incluso musicólogos extranjeros han estudiado más nuestro repertorio que nosotros mismos. Afortunadamente existen también nombres ilustres dentro de la musicología española que han hecho mucho por recuperar y poner en valor nuestra música.

En los últimos meses ha realizado una gira de conciertos y clases magistrales por Italia y Japón exportando el repertorio español para tecla. ¿Cómo han acogido nuestra música?

Ambos proyectos han sido experiencias magníficas y me siento muy orgullosa de difundir la música española en el extranjero. Mi estancia en Italia fue a través del programa de intercambio ERASMUS para profesores y fui invitada por la Associazione Clavicembalistica Bolognese de Bolonia, presidida por la clavecinista Maria Pia Jacoboni, y los conservatorios de Bolonia y Ferrara. Durante una semana ofrecí un concierto y estuve trabajando con los alumnos de ambos conservatorios, tocando música de Cabezón, Aguilera de Heredia, Pablo Bruna…, de los grandes compositores de nuestro Siglo de Oro. Asistieron alumnos de diferentes partes del mundo y para mí fue muy hermoso poder enseñar un Tiento de Cabezón a personas con culturas tan distintas… ¡Ha sido una experiencia preciosa! Y casi sin tiempo de cambiar las maletas tuve que viajar a Japón. Era mi primera visita y tenía muchas ganas de conocer ese país. La profesora Kaori Goto me invitó muy amablemente a ofrecer dos conciertos y clases magistrales en las ciudades de Sendai y Yokohama. Tuve el privilegio de ver la labor que Kaori está realizando allí en favor del órgano y de la difusión del repertorio europeo y en concreto del ibérico.

Si se valora tanto fuera de nuestras fronteras, ¿por qué cree que en España no goza de la misma repercusión?

Creo que tenemos un complejo de inferioridad que llevamos arrastrando a lo largo de nuestra historia. Además, todo es consecuencia de una falta de información y difusión de nuestro patrimonio, empezando fundamentalmente por la educación en las escuelas, desde donde se debería valorar más el arte. En los conservatorios tampoco mejora mucho este aspecto, ya que cerca del 90% de la música que se enseña es de autores extranjeros. Se interpretan muy poco las obras de compositores españoles y eso es algo que los profesores podemos cambiar. Desde hace unos años creé  el “Taller de Música Iberoamericana” en el COSCYL, una asignatura optativa para que nuestros alumnos tengan la oportunidad de tocar, conocer y profundizar en este repertorio.

¿Ya ha comenzado a planificar su próxima gira internacional?

Sí. Después de mi estancia en Italia, la profesora Jacoboni me invitó a formar parte del Jurado del Concurso de Clave que la Associazione Clavicembalistica Bolognese organiza cada año y a ofrecer un concierto en el Real Colegio de España con un programa de autores españoles del siglo XVIII. También hay un proyecto para que vuelva a Japón, ya que en el año 2018 se cumple una doble efemérides, el 800 Aniversario de la creación de la Universidad de Salamanca y los 150 años del inicio de las relaciones diplomáticas entre España y ese país. Además, probablemente participaré en el Festival Cervantino que se celebra en la ciudad de México junto a la flautista Anna Margules y realizaré una gira por España, Argentina y Estados Unidos con el dúo que formo con el chelista Marcelo Zigarán.    

www.pilarmontoya.es

www.innova-musica.es

Foto: La clavecinista ha realizado una gira de conciertos y clases magistrales por Italia y Japón.

por Miguel Galdón

 

 

Internationales Musikfestival Heidelberger Frühling

Internationales Musikfestival Heidelberger Frühling

Publicado: Mayo 2017
Música y tolerancia en una ciudad de cuento

Heidelberg, la romántica ciudad alemana, situada en el valle del río Neckar, al noroeste del Land de Baden-Württemberg; famosa por las ruinas del castillo en el que durante cinco siglos residieron los Príncipes Electores del Palatinado, y por tener la Universidad más antigua del país, celebra desde hace más de veinte años, durante los meses de marzo y abril, uno de los festivales de música clásica más importantes del país: “Heidelberger Frühling”.

Un festival de superlativos que reúne cada año a miles de visitantes, con 128 eventos musicales, cerca de 90 conciertos y 700 artistas internacionales; un imán para turistas musicales, aficionados y amantes de la música de todo el mundo. La ciudad que te hace sentir como si hubieras retrocedido a la Edad Media, ha sabido conservar su tranquilidad y la belleza atemporal a la que sucumbieron Schumann, Brahms o Carl Maria von Weber, que comenzó a escribir en Heildeberg su Cazador furtivo.

Desde el 25 de marzo al 29 de abril, las banderas verdes del festival ondean en los puentes, plazas y angostas calles de esta ciudad abrazada al Neckar, que enamoró a Goethe, inspiró al pintor británico William Turner; a novelistas como Mark Twain o a célebres poetas del Romanticismo alemán como Höldelrin, Brentano y Eichendorff.

Bajo el lema “In der Fremde” y con más de 120 eventos, el mayor festival de música clásica de Baden-Württemberg, que este año celebró su vigésimo primera edición, inicia en el 2017 la trilogía que se extenderá hasta el 2019 en defensa de las ideas fundamentales de la Ilustración y en contra de los prejuicios y la intolerancia religiosa porque, tal y como afirmó, en su discurso de bienvenida, el director del festival Thorsten Schmidt: “la tolerancia ayuda a superar el miedo a lo desconocido”.

En el inconfundible edificio de piedra roja, Kongresshaus Stadthalle Heidelberg, se celebró el concierto inaugural con la BBC Philharmonic y su actual titular, Juanjo Mena; como solista invitada, la famosa violinista alemana, Julia Fischer, que interpretó el Concierto para violín y orquesta en re menor de Britten, sin duda, lo mejor de un concierto en el que el desempeño de la orquesta tuvo más sombras que luces, con graves desajustes entre las diversas secciones (los violonchelos tapaban a los primeros violines), un atronador volumen orquestal, y una Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky difícilmente reconocible.

Además de los artistas internacionales habituales del festival, como el pianista Sir András Schiff, el director de la Lied Akademie, el barítono Thomas Hampson o el famoso percusionista Martin Grubinger, que exhibió su impecable técnica y recibió la mayor ovación del público asistente como solista invitado del segundo concierto de la BBC Philharmonic, también estuvieron presentes en esta edición: Daniil Trifonov con la Mahler Chamber Orchestra, el dúo formado por Nikolaj Znaider y Piotr Anderszewski, o los contratenores Valer Sabadus y Christophe Dumaux, con la Cappella Gabetta.  

Pero Heidelberger Frühling es mucho más que un festival de música clásica, además, es un reflejo de la Internationalität característica de esta Universitätsstadt, tal y como se refleja en sus dos mini-festivales, dentro del festival: Standpunkte, que siguiendo el lema de esta edición reflexionó sobre los conceptos de patria y forastero, reuniendo a músicos que han desarrollado su carrera profesional lejos de su país de origen, para tocar música de cámara juntos, y ofrecer una nueva visión del concepto tradicional de Kammermusik, entre otros, la violinista georgiana residente en Alemania Lisa Batiashvili, el clavecinista persa Mahan Esfahani, que con cuatro años se trasladó con sus padres a USA y actualmente vive en Inglaterra, el pianista ruso Igor Levit, que triunfa en Alemania, o Isang Enders, de padre alemán y madre coreana, que con tan solo 20 años ocupó el puesto de violonchelista principal de la Staatskapelle Dresde. Y Neuland.Lied, que, además de las clásicas Liederabenden con Piotr Beczala o Annette Dasch, se ha convertido en un auténtico laboratorio para experimentar con el Lied del futuro y su interrelación con la danza, el teatro y los cantos procedentes de Japón, China India, Irán o Israel.

http://www.heidelberger-fruehling.de/

Foto: “La tolerancia ayuda a superar el miedo a lo desconocido”, afirmó el director del festival, Thorsten Schmidt.
Crédito: Heidelberger Frühling

Por Lorena Jiménez


 

Concurso Rookie Chamber Music - 3º y 4º Premio

Concurso Rookie Chamber Music - 3º y 4º Premio

Publicado: Mayo 2017
Premiados II Concurso Nacional de Música de Cámara On-line (II)

Tercer Premio: Altium Quartet.

Componentes: Valeria Roa Rizo Xalapa (violín), Francesc García Sania (viola), Noelia Criado Rehues Buñol (chelo), Ángel Cámara Martínez (piano).
Formación: cuarteto con piano. Schumann Piano Quartet op.47 (4th movement) 

Qué nos cuenta el Altium Quartet… 

El Cuarteto Altium destaca por su labor interpretativa rigurosa y original, fundamentada y a la vez novedosa, que no solo apuesta por repertorios de referencia en el ámbito de la música de cámara, sino que aborda registros poco comunes, incorporando en sus recitales obras de los compositores actuales o menos habituales en las salas de concierto. De ahí viene el nombre del cuarteto, Altium, que significa “con más profundidad”. Un proyecto ambicioso y versátil, que tiene como objetivo principal ampliar el repertorio disponible, apostando por los nuevos lenguajes y adaptándose a las nuevas necesidades que el arte camerístico demanda, contemplando la posibilidad de otras formaciones, como el dúo o el trío.

Sus integrantes, procedentes de Murcia, Valencia, Buñol y Xalapa (México), también han recibido distinciones a nivel individual, habiendo recibido las más altas calificaciones a lo largo de su formación musical así como habiendo resultado premiados en concursos a nivel nacional e internacional como el Concurso Internacional de Piano de Llíria o el Concurso Nacional de Violín “Hermilo Novelo”.

Asimismo, desarrollan una intensa actividad en el ámbito orquestal, habiendo formado parte de orquestas de tales como la Sinfónica de Boca del Río, la Orquesta Internacional de Jóvenes, la Sinfónica de Castellón, la Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana o la Master’s Symphony Orchestra, con directores de la talla de Isaac Karabtchevsky, Jorge Mester o Roque Baños.

Actualmente, el Cuarteto Altium realiza sus estudios de máster en el Conservatori Liceu de Barcelona, formándose con el director de orquesta Manel Valdivieso, habiendo recibido clases de William Kinderman. A pesar de la juventud del grupo, ya ha conseguido tener una intensa actividad musical, actuando en diversos auditorios del territorio nacional, así como con varias entrevistas y conciertos programados en las comunidades de Murcia, Cataluña y Aragón. 

Cuarto Premio: CSMV Quintet.

Componentes: Miriam Puchades (oboe), Eva Tejado (clarinete), David Gálvez  (trompa), Vicente Pellicer (fagot) y Clara Ramis (piano).
Formación: quinteto de viento con piano. 

Qué nos cuenta el CSMV Quintet…

“Juntarse es un comienzo. Seguir juntos es un progreso. Trabajar juntos es un éxito” (Henry Ford) 

Somos el CSMV Quintet, grupo de cámara formado por alumnos del Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia. Además de ser un quinteto de viento con piano, contamos con otro miembro habitual, José Jesús Martínez, flauta.  Esta formación nos permite trabajar con sextetos de viento con piano, como los de Francis Poulenc o Ludwig Thuille, quintetos de viento con piano como el de Wolfgang Amadeus Mozart o quintetos de viento como los de Anton Reicha, lo que nos aporta una gran versatilidad como grupo.

Gracias a la música de cámara estamos desarrollando tanto aspectos musicales que enriquecen nuestra interpretación individual y en conjunto, como experiencias personales a través de la participación en conciertos destinados a la música de cámara, proyectos tales como Mozart Nacht und Tag en el Palau de les Arts, conciertos didácticos en conservatorios profesionales de música o estrenos de obras de jóvenes compositores. Entre nuestros próximos proyectos contamos con una interpretación en directo en uno de los programas de Radio Clásica de Radio Nacional de España (RNE), que entra dentro del Rookie Chamber Music - II Festival On-line de Música de Cámara, gracias al cual también hemos podido optar a este reportaje.

Finalmente, nos gustaría agradecer el apoyo de nuestra profesora, Cristina Aguilera, que nos ha transmitido la importancia de la música de cámara, nos ha motivado y nos ha ofrecido constantemente nuevas oportunidades de enriquecimiento, y por supuesto a Rookiebox y a la revista RITMO por darnos a conocer como grupo de cámara a un ámbito mayor. 

http://www.rookiebox.com/ 

 

Alberto Zedda: no sólo Rossini

Alberto Zedda: no sólo Rossini

Publicado: Abril 2017
Homenaje a Alberto Zedda, por José Miguel Pérez-Sierra


Cuando se habla de Alberto Zedda (Milán, 2 de Enero de 1928 - Pesaro, 6 de Marzo de 2017), viene inmediatamente a la mente la figura de Gioacchino Rossini. No en vano, el Maestro Zedda ha protagonizado en ese sentido una de las operaciones de restitución cultural más importantes del último siglo: la recuperación de las óperas serias de Rossini (que representan dos tercios de su obra y estuvieron completamente olvidadas durante más de 100 años), y la edición crítica de la opera omnia del genio pesarés, de la que es precursor fundamental. La creación del Festival Rossini de Pesaro, la dirección de la “Accademia Rossiniana”… Podemos afirmar categóricamente que Alberto Zedda ha sido el gran embajador de Rossini en tiempos modernos, y que sin su intervención capital, Rossini hubiese quedado para la historia como el simpático bon vivand compositor de operas “buffas” que fue en el imaginario popular, hasta que un joven Zedda empezó a sentir curiosidad por él, allá por los años 50 del pasado siglo. Durante 60 años de trabajo, Zedda ha logrado devolver al mundo el espesor intelectual y la dimensión real de un compositor que fue el auténtico “astro mayor” de su tiempo, y que resulta profundo y vanguardista como pocos en su concepción teatral y musical. Por todo ello, es normal que el binomio Rossini-Zedda quede ligado para siempre, y se recuerde su vínculo indisoluble como una de las intervenciones musicológicas más importantes de la historia.

Pero Alberto Zedda es mucho más que Rossini. En su “tetravalencia” de director de orquesta, musicólogo, docente y director artístico, podemos afirmar que, a nivel mundial, es un auténtico coloso cultural de la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI. No ha habido otro personaje que haya reunido estas 4 facetas, y que en todas ellas se haya desempeñado al mayor nivel. No muchos saben que el Maestro dirigió casi 100 títulos operísticos no rossinianos (casi todo el repertorio italiano, francés y alemán, además de ópera barroca, ópera contemporánea…) en los teatros más importantes del mundo, y que su repertorio sinfónico era tan grande como el operístico y estaba jalonado por hitos increíbles (el estreno de la 1ª Sinfonía de Bruckner en Italia, por citar un ejemplo). Como musicólogo, su “reino” se extendía mucho más allá de las fronteras rossinianas: estudió y editó con dedicación a Händel, Vivaldi, Cavalli, Monteverdi… ejemplo vívido de esta  faceta es su extraordinaria orquestación de “L’ Incoronazione di Poppea”, que se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán en los años 90, y que supone una muestra magistral de su capacidad creativa, instrumentando la obra maestra de Monteverdi con inviolable amor por el texto y el hecho teatral, fuera de cualquier convención o compromiso pseudo-historicista.

Como docente, ha dejado un legado de incalculable valor a docenas, cientos de musicólogos, cantantes y directores jóvenes, que hemos aprendido a mirar la música de una manera moderna y poliédrica gracias a la constante inspiración que nos ha supuesto su magisterio. En Pesaro fundó su “Accademia Rossiniana” hace más de 20 años, donde edición tras edición ha venido formando a un considerable porcentaje de los intérpretes que hoy copan los escenarios más importantes del mundo. En el Palau de les Arts de Valencia fue entre 2009 y 2011 el primer director artístico del Centre de Perfeccionament “Plácido Domingo”, donde tuve el honor de ser su colaborador más estrecho. Desde 2012, acudía cada año a su cita en Madrid con el OperaStudio de la Universidad de Alcalá de Henares, donde impartió su última Masterclass el pasado Enero. En los últimos años había emprendido también una fructífera actividad docente en La Coruña, ciudad donde residía con su esposa, la brillante profesional de la producción y la dirección artística Cristina Vázquez. A ella debemos agradecerle la asidua presencia que el Maestro tuvo en las últimas décadas en el panorama musical español.

En su faceta de director artístico, baste resaltar que estuvo al frente del Teatro alla Scala de Milán entre 1992 y 1995, y que tras fundar el Rossini Opera Festival de Pesaro en 1980, lo dirigió durante casi toda su existencia, convirtiéndolo en un evento de prestigio mundial y atrayendo a miles de espectadores de todos los rincones del orbe, llevando a Pesaro a ser considerado como el “Bayreuth italiano”.

Lo más extraordinario era cómo el Maestro era capaz de enriquecer cada uno de sus ámbitos profesionales con la experiencia en sus otras facetas. Como director de orquesta, se aproximó a la partitura con un rigor musicológico y una pura conciencia estilística al alcance de muy pocos, y gracias a su experiencia como docente tuvo la capacidad de comunicarse de manera culta y a la vez cercana con orquestas, solistas y cantantes. Ningún musicólogo plasmó como él la necesidad de una praxis interpretativa moderna en su trabajo; sólo bajo su experta mirada de director, podían gestarse ediciones que, no sólo supusieran la restitución de las intenciones originales del autor, sino una valiosísima guía interpretativa para el músico de hoy. En cuanto a su actividad docente, no sólo engrandecía su magisterio con la experiencia de más de medio siglo de carrera sobre el podio, sino con todo el conocimiento histórico-musicológico que le procuraba haber estado durante décadas más cerca que nadie de los manuscritos de Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Puccini… Y como director artístico, nadie como él ha reunido el talento de un intérprete reconocido mundialmente con el rigor que le hizo ser padre de la musicología moderna. Nadie como él ha tenido la sabiduría y la intuición necesarias para dar la primera oportunidad a docenas de interpretes jóvenes que hoy día realizan carreras mundiales (La lista es apabullante, basta citar algunos: Juan Diego Flórez, Olga Peretyatko, Marina Rebeka, José Manuel Zapata, Maxim Mironov, Mariola Cantarero, Marianna Pizzolato…). Y en unos tiempos difíciles para la música y los teatros, en los que desde las direcciones artísticas se habla de la importancia capital que tiene “educar al público” y atraer nuevos espectadores, el Maestro Zedda fue capaz de llevar hasta un festival de nueva creación a personas de todo el globo, y logró que la audiencia llegase a experimentar auténtica devoción por más de 20 títulos rossinianos que llevaban sin interpretarse más de un siglo.

Todo esto hace de Alberto Zedda un personaje incomparable e irrepetible. A lo largo de su trayectoria recibió doctorados Honoris Causa, premios internacionales, condecoraciones… Infinidad de reconocimientos ante los que el Maestro siempre mantuvo intacta su humildad, su conciencia social y su sentido de la justicia. Contemplaba cada nuevo día con la curiosidad de un niño y la pasión de un espíritu imparable y vital, que se veía reflejada sobre todo en sus ojos: de un color azul intenso, su mirada era la de un intelectual de talla mundial, la de un hombre capaz de desafiar al mundo con su pensamiento… Y también la de un hombre de finísimo sentido del humor y elegante ironía. Pero sobre todo, la de un ser humano excepcional. Me vienen a la mente sus palabras en una entrevista que concedió en Japón al Yomiuri Shimbun hace unos años:

“La estrella polar que guía mis pasos se halla en una constelación de palabras y conceptos sencillos: mucha energía vital, producida y alimentada por libertad, erotismo, curiosidad, interés, fantasía, búsqueda, sueño, utopía, diálogo, amor, tolerancia, trascendencia, pasión. Las palabras que he eliminado de mi vocabulario son: pereza, convencionalismo, mediocridad, rutina, violencia, fanatismo, cansancio, renuncia, servilismo. Tres son los principios en los que me apoyo: hacer frente a los interrogantes de la vida, desde lo más infinitamente pequeño a lo insondable, con el empeño del filósofo y, al mismo tiempo, con la inocencia y la positividad del niño; transformar el trabajo que hay que hacer en un divertido juego, en una aventura entusiasmante: hacer de un deber y de una obligación una opción libre, fuente de júbilo y de serenidad. La receta para no envejecer: llegados a la conclusión de que no hay esperanza de un mundo mejor (y asumido por tanto el desmoronamiento de las generosas ilusiones de juventud), seguir luchando igualmente por cambiarlo, desafiando la inutilidad del sacrificio.”

Restaría sólo hablar de mi relación profesional y personal con el Maestro, aunque para explicar lo que fueron 14 años de encuentro de arte y vida, un libro sería quizá continente más adecuado que un artículo… Diré sólo que el Zedda musicólogo fue mi nexo más valioso y directo con los compositores del pasado y con su música, y el Zedda intérprete fue mi más visionario puente hacia el futuro: la modernidad de su mirada interpretativa es tan poderosa que para mí es obligado vivir aspirando a alcanzarla. El Zedda docente fue conmigo exigente profesor y generoso didacta, con quien tuve el privilegio de compartir innumerables conversaciones, en las que respondía infatigablemente a la avalancha de mis preguntas (ahora me doy cuenta de que fueron pocas…). El Zedda director artístico fue el hombre que confió en mí desde el principio, y que me abrió las puertas de mi profesión al darme la extraordinaria oportunidad de dirigir “Il Viaggio a Reims” de la Accademia Rossiniana en el ROF 2006. Sabio y lucidísimo consejero, le gustaba estar puntualmente informado de mi actividad, y su opinión siempre resultó para mí fundamental y decisiva, hasta la última conversación telefónica que mantuvimos, a principios de Febrero.

Y luego está Alberto. Alberto era mi amigo, mi amigo del alma. Uno de los mejores amigos que he tenido y que tendré nunca. ¿Y saben qué?  Alberto era el más joven de mis amigos. Si le conocieron, me entenderán.

José Miguel Pérez-Sierra, DIRECTOR DE ORQUESTA

Foto: José Miguel Pérez-Sierra junto a Alberto Zedda.

 

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