Ritmo "On Line"
Con nombre propio
Un punto de encuentro con las actividades de
artistas y gestores musicales
Carmina Antiqva 2018

Carmina Antiqva 2018

Publicado: Noviembre 2018

El InDiCCEx (Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral) presenta el ciclo en los meses de octubre y noviembre, entre los que se podrán escuchar diversos conciertos, como a la soprano lusitana Sandra Medeiros, el dúo Xácara Nueva y Gradualia, con Simón Andueza, que coparán las principales actividades.

La tercera edición de Carmina Antiqva arrancó el fin de semana del 20 y 21 de octubre) con un nuevo “Club de lectura musical”. Los clubes de lectura musical se pusieron en marcha el pasado año y tienen como objetivo dar a conocer repertorio, ediciones, compositores vinculados de una u otra forma con el patrimonio musical extremeño, realizando para ello una lectura-montaje coral.

Si en la pasada edición el foco de atención fue la catedral de Coria (Cáceres), en esta le toca el turno a la ciudad de Badajoz y su entorno. Así, se incluirán obras conservadas en ediciones antiguas de la Catedral de Badajoz, obras de maestros de capilla de la catedral y música del Cancionero de Elvas. Las sesiones se desarrollarán en la Biblioteca del Centro de Estudios Extremeños (en Badajoz) y estarán dirigidas por el director e investigador Alonso Gómez Gallego. Para garantizar el montaje del repertorio se contará con el Coro de Cámara Amadeus.

Arde corazón

El primer concierto tuvo lugar el viernes 26 de octubre. Lo ofrecieron la soprano extremeña Gloria Jaramillo y el vihuelista J. Manzanero San Andrés (dúo Xácara Nueva). Bajo el título Arde corazón, dieron a conocer una selección de obras de los siglos XV-XVII en formato dramatizado que incluyó algunas versiones del maestro de capilla pacense Juan Vázquez.

Gradualia

El segundo concierto es el viernes 2 de noviembre. En esta ocasión, la propuesta viene del grupo Gradualia, formado por Delia Agúndez, soprano; A. Cristina Marco, mezzo, Diego Neira, tenor y Simón Andueza, barítono y director. La formación presentará un programa intitulado In pace, fervor en la península por el oficio de difuntos. En el mismo se hará un recorrido por las composiciones polifónicas de maestros españoles y lusitanos con los que se irán completando las distintas secuencias del oficio y misa de difuntos.

Affetti D’amore

El ciclo finalizará el viernes 16 de noviembre con la formación que Affetti D’amore, integrada por Helena Raposo (laúd), Carmina Gonçalves (viola da gamba) y Sandra Medeiros (soprano). El programa lleva por título Affetti amorosi. Se trata de una selección de obras adaptadas a laúd, viola de gamba y canto, de maestros del siglo XV al XVII europeos. Así, podrán escucharse obras de J. Dowland, P. Guedrónc, T. Hume, H. Purcell, G. Caccini y Juan Vázquez, entre otros. Especialmente interesantes prometen ser las versiones de Duélete de mí, señora y ¿Con qué la lavaré?, de quien fuera maestro de capilla de la catedral pacense (Badajoz, ca. 1505 – Sevilla, febrero de 1563).

Este ciclo forma parte de Extremadura y su Música 2018 / Programación Lírica Extremeña y cuenta con patrocinio de la Consejería de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura y del Área de Cultura de la Diputación Provincial de Badajoz.

www.indiccex.es

por Blanca Gallego

Rafael Sánchez Araña

Rafael Sánchez Araña

Publicado: Noviembre 2018
El primer director canario en la Ópera de París

Este mes de noviembre se abre para usted con La Traviata en Opéra Bastille de París, ¿qué supone para usted esta experiencia?

Sin duda es una oportunidad maravillosa, y estoy seguro que será un fantástico aprendizaje. Ser partícipe en una producción en uno de los templos europeos de la música, con un capolavoro como La Traviata y junto al Maestro Chichon, será una experiencia que exprimiré al máximo.

El mes pasado tuvimos a Karel Mark Chichon en portada, del que usted es director asistente en la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. ¿Nos puede decir en qué consiste el trabajo de director asistente y como lo desarrolla?  

Mi trabajo de asistente es muy versátil. Desde dirigir un ensayo a escribir anotaciones en las particellas, hablar con músicos, producción, organización, o lo que requiera el Maestro y el programa. Chichon es un director que trabaja muy profundamente el sonido y sus balances; es por ello que muchas veces estoy al fondo de la sala, anotando los puntos donde no se percibe la idea que él quiere transmitir de la obra. Para un joven director, trabajar con un Maestro así es encontrar las soluciones directamente en la práctica, viendo cómo se ensaya o cómo se construyen grandes obras. Este tipo de aprendizaje sólo es posible si lo experimentas directamente con un Maestro. Es una suerte y un privilegio p­­­­ara mí trabajar con un director de su nivel profesional y humano.

Usted es además de responsable de la programación de los conciertos escolares y en familia de la Fundación Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, titular de la Orquesta Sinfónica de Las Palmas…

Sí, efectivamente. Soy responsable artístico de la programación de los Conciertos Escolares y Conciertos en Familia de la FOFGC, y sinceramente está siendo una experiencia muy enriquecedora. Una parte importante del trabajo de un director es programar y coordinar; es para mí un orgullo y también una responsabilidad estar al frente de un proyecto pionero en España, que llega cada año a más 30.000 estudiantes. Por otra parte, mi vínculo con la Sinfónica de Las Palmas comenzó hace casi 20 años. Por mi relación directa con la orquesta, comencé a dirigir algunos proyectos y poco a poco se dio la situación natural y de mutuo acuerdo de asumir la titularidad en febrero del 2017.

Háblenos de sus inicios, usted comenzó como violinista, después se formó como director de coro y posteriormente como director de orquesta. ¿Cree que el haber pasado por todos esos estadios le aporta una visión diferente de la música?

Estudié dirección de orquesta en Alemania. Mi formación como violinista y director de coro me ayudó a tener una competencia diferente que el resto de mis compañeros, y esto hacía que las cuestiones relacionadas con el funcionamiento de la orquesta o las voces me resultaran ya bastante familiares. Por otra parte, creo que no es tan relevante el instrumento que se haya estudiado previamente, al final hay un objetivo: la música, y un medio: la dirección de orquesta.

De todos los maestros que ha tenido, ¿se identifica con alguno en particular? ¿Hay alguno que haya marcado de alguna forma su trayectoria?

Mi primer maestro de dirección fue P. Pelucchi (Italia), luego K.H. Bloemeke en Detmold (Alemania) y, por último, G.C. Sandmann en Dresden (Alemania). Cada uno de ellos me ha marcado, pero todos a su vez, de forma diferente. Si tuviera que definir en una palabra lo que han significado para mí, sería: Pelucchi = Ilusión / Bloemeke = Confianza / Sandmann = Confirmación.

¿Qué es dirigir para usted? ¿Cómo entiende este concepto? ¿Dónde está su secreto?

Pienso que no es un concepto estático. El concepto de director de orquesta ha variado mucho en los últimos cien años. Al comienzo, los grandes maestros, autoritarios y severos, marcaron las pautas de lo que sería la dirección. Lo que diferencia a un director de otro es su energía, su presencia, su carisma y, sobre todo, su habilidad para gestionar y organizar un grupo humano. El director de orquesta, en definitiva, es un coordinador de energías que debe tener la capacidad de dejarse sorprender en cada ensayo por los músicos que tiene delante, para que de esta manera puedan, entre todos, emocionarse para emocionar.

El próximo año se cumple el XX aniversario de la Sinfónica de Las Palmas, imagino que tendrán preparados fuegos de artificio… ¿Cómo piensan celebrar la efemérides?

Pues así es, el pistoletazo de salida será con nuestro VII Concierto Popular de Año Nuevo junto a la mezzosoprano Carol García. Luego hay otros proyectos que están encima de la mesa como: un disco con el sello IBS Classical, un Carmina Burana con nuestro coro y un concierto junto a los tenores Pancho Corujo, Celso Albelo y Jorge de León, aunque nos quedan pequeños detalles para terminar de concretarlos.

Además de todo lo que se le viene encima con tal acontecimiento, ¿tiene más proyectos en cartera para los próximos meses?

Sí, tengo múltiples proyectos como una invitación como profesor de “dirección coral e instrumental”, en un Experto de investigación musical en la Universidad de Las Palmas y algunas propuestas de conciertos por Sudamérica y por Europa.

Si el genio de la lámpara se le apareciera y pudiera pedirle 3 deseos musicales, ¿cuáles serían?

Una conversación larga y profunda con cada uno de estos directores: Leonard Bernstein, Claudio Abbado y Carlos Kleiber…

www.sanchez-arana.com

por Lucas Quirós

Foto: “Lo que diferencia a un director de otro es su energía, su presencia, su carisma y, sobre todo, su habilidad para gestionar y organizar un grupo humano”, afirma el director de orquesta Rafael Sánchez Araña.

Acred: Nacho González Oramas

Sebastian Bohren

Sebastian Bohren

Publicado: Noviembre 2018
Una Sonata con Shostakovich

En un arreglo para percusión y orquesta de la Sonata para violín y piano Op. 134 de Shostakovich, realizado por Michail Zinman y Andrei Pushkarev, el violinista Sebastian Bohren prosigue su andadura discográfica con Sony Classical, tras sus grabaciones previas dedicadas al violín solo de Bach o los álbumes “Distant Light”, “Op. 2” o “Equal”. Como afirma el propio Sebastian, esta Sonata y su arreglo “es como una perfecta extensión de los dos Conciertos para violín compuestos por Shostakovich”.

Como violinista, usted habrá tocado la Sonata Op. 134 en su versión original para violín y piano… ¿Qué diferencias encuentra para el violinista interpretarla en este arreglo con percusión y orquesta realizado por Michail Zinman y Andrei Pushkarev?

No creo que exista una gran diferencia, especialmente en lo que respecta a los violinistas y su parte solista. Este es un detalle importante, ya que Michail Zinman y Andrei Pushkarev han dejado la parte del violín exactamente igual que el original de Shostakovich, no hay ningún cambio. La diferencia real es la manera en que hay que interpretar la parte del violín y su sonido en combinación con el piano o bien con las cuerdas, como es el caso. Con la cuerda, el violín solista puede incidir en aspectos como el color de las texturas, por ejemplo.

¿Qué opinión tiene de esta Sonata? ¿Y de la música final de Shostakovich? Las propias citas que emplea el compositor, por ejemplo suyas o de Berg, ¿la hacen aún más enigmática?

Pienso que esta Sonata, compuesta en el otoño de 1968 en Moscú y dedicada a David Oistrakh, que la estrenó en mayo de 1969, es una obra de un extraordinario balance y equilibrio. En su versión con orquesta de cámara, es como una perfecta extensión de los dos Conciertos para violín compuestos por Shostakovich. Personalmente, al interpretar esta obra no persigo una búsqueda del misterio que hay detrás de la escritura; trato de encontrar el estilo idóneo de cómo tocar esta música y, de este modo, encontrar los mejores colores y el mejor fraseo para darle el máximo contenido a la obra.

¿Qué referencias tiene? Quizá Oistrakh, que fue quien la estrenó…

Para Shostakovich, David Oistrakh es un intérprete fundamental. Pero debo admitir que la manera que yo veo a Shostakovich está influenciada más por la interpretación de esta Sonata de Gidon Kremer. Y también me influye y me gusta Vadim Repin. Creo que el “toque” que le imprime Oistrakh es, por momentos, demasiado noble, para la visión que tengo formada de Shostakovich.

Esta grabación para Sony Classical digital es un registro en vivo, que reafirma más la autenticidad de esta fantástica interpretación, repleta de un mundo sonoro fantasmal…

Gracias. Creo firmemente en las grabaciones en vivo. Si conoces bien la obra, gracias al proceso profundo de estudio, y has realizado los suficientes ensayos con una buena orquesta, se puede grabar en vivo con mayor calidad y autenticidad que en una grabación de estudio.

¿Tiene pensado visitar España en breve?

Estuve en España por primera vez en el pasado verano de 2018, dentro del Festival de Amposta. Adoro este país. Espero poder regresar lo antes posible y espero poder tocar con alguna orquesta.

¿Cuál es su repertorio principal, dónde se desenvuelve mejor?

Mi repertorio es principalmente la música alemana de la gran tradición, desde Bach, Haydn, Mozart, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Beethoven, etc., a los compositores del siglo XX, una parte también muy importante de mi repertorio natural.

También es miembro del Stradivari Quartet…

Toco en el Stradivari Quartet desde 2013. El hecho de hacer música de cámara me ha enseñado grandes secretos y muchos detalles de la música y de cada género y estilo que podrían pasar desapercibidos si no se interpretara intensamente música de cámara.

www.sebastianbohren.ch/en/

https://sonyclassical.lnk.to/SB-Shos

http://web.no-te.com/

por Lucas Quirós 

Foto: El violinista Sebastian Bohren, que ha grabado un arreglo para violín, percusión y orquesta de la Sonata Op. 134 de Shostakovich.
Acreditación: © Marco Borggreve 

Paula Coronas

Paula Coronas

Publicado: Noviembre 2018
Un piano con luz propia

La pianista malagueña Paula Coronas continúa con una imparable trayectoria artística desde la interpretación y la investigación musical, campos en los que su testimonio y sus versiones al piano son ampliamente reconocidas.

En una línea de trabajo incansable, sus programas se distinguen por un cuidadoso criterio de selección de piezas, que la propia intérprete elige con esmero y dedicación, como viene demostrando desde hace tiempo a través de sus interesantes y atractivos recitales, que se caracterizan por su sello personal. Recordemos en este sentido las palabras de la periodista musical Mikaela Vergara, que aparecen como notas al programa del trabajo discográfico más reciente de Paula Coronas, su undécimo disco, titulado “Raíces”, grabado en Málaga en 2015 y dedicado al patrimonio musical malagueño:

“Si tuviera que elegir un adjetivo para definir a Paula Coronas, ése sería entusiasmo: entusiasmo por la música, el conocimiento y las personas. Esta joven artista malagueña ha desarrollado una polifacética carrera asentada en una sólida formación como pianista, pedagoga, investigadora y periodista. Y todo ese bagaje cultural se percibe en su aproximación poliédrica a la obra de arte. Paula Coronas encarna ese perfil de intérprete proactivo e innovador que reúne todas las virtudes necesarias para satisfacer la demanda de nuestra sociedad actual. En cada propuesta integra sabiduría e información, razón, intuición y sentimiento. Ella cree en lo que hace y se involucra al máximo en cada una de las fases del proyecto desde su gestación hasta su puesta en escena final”

(Mikaela Vergara, Raíces, Málaga, 2015)

Sus recientes viajes internacionales con conciertos en Alemania, Hungría e Italia, le han presentado como un valor consolidado dentro de la generación de pianistas europeos con más proyección. Actualmente continúa estudiando y ampliando repertorio, dedicando una gran parte de su tiempo y esfuerzo a la investigación de obras poco conocidas e inéditas. Composiciones de Antón García Abril y Zulema de la Cruz, entre otras, son recreadas con éxito en los dedos y en la interpretación de la pianista: “me considero privilegiada por tener la oportunidad de dar vida a estrenos o páginas de hoy que destacan con luz propia en el panorama musical del momento. Creo que los intérpretes actuales tenemos un compromiso con la creación musical que se hace en nuestro país, reflejo de la sociedad y del interés cultural del presente”.

Artista completa

Antón García Abril, gran compositor actual muy ligado a la trayectoria artística de Paula Coronas, a través de discos, libros y Tesis Doctoral que ha dedicado a su figura, afirma lo siguiente al encontrarse en la pianista:

“La imagen de una artista completa, llena de intuiciones musicales, representante de un perfil muy interesante y necesario en la música española de nuestro tiempo y de nuestro país. En ella confluyen talento, capacidad y temperamento, tres cualidades con las que aborda rigurosamente mi música”

(Antón García Abril, entrevista en “Programa de mano”, de TVE)

Su gira de conciertos en nuestro país permite escuchar a Paula Coronas esta temporada en Sevilla, Jaén, Málaga, Córdoba, León, Ciudad Real, Madrid, Tarragona y otras ciudades españolas, en las que anuncia un programa romántico y español con compositores paradigmáticos como Schumann, Scriabin, Mozart, Debussy, Granados y Albéniz, entre otros.

Como Directora Artística del Ciclo “Miradas al Sur”, con escenarios emblemáticos en Andalucía, y a punto de alcanzar su tercera edición, Paula Coronas presenta interesantes citas con la música en 2019: “estamos trabajando ilusionadamente por dar a conocer e impulsar nuestra música española y contemporánea de calidad. Muy feliz de participar activamente en esta iniciativa que tan magnífica acogida está obteniendo”.

Durante la pasada temporada, la pianista abordó brillantemente el Concierto BWV 1054 de Bach y el Concierto Fantástico de Albéniz como solista con la Orquesta Filarmónica de Málaga, que tuvo ocasión de interpretar dentro de la temporada de abono en el Teatro Cervantes de Málaga, posteriormente en el Auditorio “Maestro Padilla” de Almería y en el Festival de Música Española de Cádiz, donde es requerida habitualmente para actuar. Del mismo modo, en 2019 tiene previsto participar en diversos conciertos con orquesta, entre los que cabe resaltar su intervención al piano junto a la Camerata Atenea, ensemble orquestal integrado exclusivamente por mujeres en los atriles, cuya creación fue puesta en marcha por Paula Coronas hace dos años en el seno del Ateneo de Málaga, institución a la que pertenece como Vocal de Música y por cuya labor de difusión y divulgación musical ha sido premiada recientemente por la Federación de Ateneos de Andalucía.

Un nuevo disco en perspectiva es una de las primicias que la intérprete andaluza nos desvela para el próximo año, que afronta con ilusión y determinación.

http://www.paulacoronas.com/ 

por Blanca Gallego

Foto: La pianista malagueña Paula Coronas, Directora Artística del Ciclo “Miradas al Sur”.
Acreditación: María Eugenia Griñán 

XXIV Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

XXIV Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2018
Música entre piedra y ladrillo

Durante el mes de agosto, el Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad ha llegado a su XXIV edición, en la que ha destacado una vez más el numeroso público, por su incondicionalidad y entusiasmo. La experiencia de todos estos años confirma el acierto de seguir apostando por la combinación de otros instrumentos junto al órgano; en esta ocasión, escuchamos flauta dulce, violonchelo, clarinete y arpa.

El Ciclo acogió en su tercera actuación el estreno absoluto de la obra Ob-audire Op. 156, del compositor Antonio Noguera, que la presentó personalmente a los asistentes. Se trata de una pieza elaborada a partir de algunas melodías propias del santuario, interpretada magistralmente por Maite Aranzabal, organista del santuario de Torreciudad.

www.torreciudad.org

Foto: Deslumbrante interpretación de Justo Sanz (clarinete) y Maite Aranzabal (órgano), con un original programa cargado de viveza.
Acred: J.A. Arregui y Xavier Safont

Segunda temporada de las London Music N1ghts

Segunda temporada de las London Music N1ghts

Publicado: Octubre 2018
Escuchar música con gin-tonic

Vuelve el ciclo al Café Comercial de Madrid con nueve conciertos y veinte intérpretes de reconocimiento mundial que ofrecerán una sorprendente programación: desde el siglo XV hasta nuestros días.

Tras el éxito de la primera edición, en unos días arrancará la segunda temporada de The London Music N1ghts. Esta singular iniciativa, promovida por The London Nº1 y LaFonoteca, volverá a acercar la mejor música clásica a todos los públicos a través de reconocidos intérpretes en un entorno diferente y único como el Café Comercial de Madrid.

A partir de octubre, esta propuesta regresará todos los segundos lunes de cada mes. En total, serán 9 conciertos en los que una veintena de músicos e intérpretes, entre solistas y grupos, abordarán en directo un amplio repertorio musical que abarca desde el siglo XV hasta la música contemporánea.

La segunda edición de The London Music N1ghts contará con un concierto más que la temporada pasada. El ciclo, comisariado por el periodista Benjamín García Rosado, ofrecerá una atractiva programación en manos de un excepcional elenco de artistas, españoles en su mayoría, de gran reconocimiento internacional.

II THE LONDON MUSIC N1GHTS

La crisis de la música clásica copó sus primeras portadas a principios del siglo XX. “Las orquestas agonizan”, sentenciaban los periódicos en grandes titulares. “Las salas de concierto tienen los días contados”, predecían algunas crónicas de la época. Nadie podía imaginar que, cien años después, el número de auditorios, orquestas, intérpretes y ciclos de música superaría el más alentador de los pronósticos. Quédense con este dato: nunca antes en toda la historia se había escuchado ni consumido tanta música clásica como en nuestros días.

La primera edición de las London Music N1ghts, iniciativa promovida por The London Nº1 y LaFonoteca, vino a confirmar esa tendencia. Los artistas de la pasada temporada no sólo agotaron hasta el último rollo de papel de la taquilla sino que consiguieron acercar al público (en su más amplio espectro) a un formato de concierto tan innovador como firmemente asentado en los orígenes de la tradición musical. Porque ¿qué eran las primeras “schubertiadas” sino reuniones informales en las que los compositores daban a conocer sus nuevas partituras entre brindis y delicatessen gastronómicas? ¿Acaso la música de “cámara” no hace referencia precisamente a una pequeña habitación donde los músicos del renacimiento podían tocar en una atmósfera más relajada e intimista?

La segunda temporada del ciclo quiere seguir desmontando viejos mitos asociados al repertorio clásico y a la música de creación contemporánea con una programación atractiva, asequible y equilibrada que pone en valor a toda una generación de artistas (en su mayoría españoles) que han conquistado las grandes salas de concierto. Una vez más, tenemos que agradecer la confianza que cada uno de estos músicos extraordinarios ha depositado en nuestro proyecto. Es un verdadero privilegio poder contar con su presencia en el escenario para seguir colgando el cartel de “no hay entradas” los segundos lunes de cada mes. 

Las obras del programa de este curso abarcan varios siglos: desde el lamento que Juan del Encina compuso a la muerte del príncipe Juan de Aragón hasta un reciente exilio para piano de Mercedes Zavala. Entre medias: una esmerada selección de música para clave (Yago Mahúgo); un arpa histórica al servicio del teatro del Siglo de Oro (Sara Águeda); el último y turbador trío para piano, violín y violonchelo que escribió Schubert (Trío VibrArt); un viaje con destino a “la Spagna” que triunfó en la Europa ilustrada (La Spagna); la Sonata de Franck que conmovió al mismísimo Proust (Ana María Valderrama & Luis del Valle); un pianista al rescate del “Chopin español” (Mario Prisuelos); el soplo de aire fresco de un cuarteto de saxofones (Kebyart Ensemble); un surtido de obras de compositoras contemporáneas de ambos lados del Atlántico (Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro), y un mapa de los sonidos más auténticos y castizos del siglo XVIII (Concerto 1700). 

Madrid servirá de hilo conductor a algunos de los intérpretes, que han aprovechado la ocasión para rendir homenaje a la música que se escuchaba en la época de los Borbones, en 1887 (cuando el Café Comercial abrió sus puertas) o en los felices años veinte del siglo pasado. Quién sabe si el próximo Galdós de nuestras letras recogerá en sus “episodios digitales” alguno de nuestros conciertos. Mientras tanto, seguiremos satisfaciendo la fantasía de los melómanos que alguna vez se preguntaron cómo sonaría la música clásica fuera de un auditorio y ofreciendo a los aficionados una experiencia alternativa al concierto tradicional.

por Benjamín G. Rosado (Comisario)

Yago Mahúgo

Yago Mahúgo abrirá el ciclo este 8 de octubre con una selección de música para clave del siglo XVIII. Según el intérprete madrileño, el ictus cerebral que sufrió hace cinco años le obligó a reaprenderlo todo desde el clave y le permitió sacudirse los pequeños vicios de su pasado como pianista romántico.

Sara Águeda

Sara Águeda es una de las mejores intérpretes de arpa histórica de nuestro país, además de especialista en música antigua con una larga trayectoria en el mundo del teatro. Llegará al escenario del Café Comercial el 12 de noviembre con un repertorio que rinde homenaje al Siglo de Oro español. La propia Sara ofreció un pequeño adelanto de su actuación en la presentación del ciclo, que tuvo lugar el pasado mes de septiembre.

Trío VibrArt

La amistad que une a los tres integrantes del Trío VibrArt (el violinista Miguel Colom, el violonchelista Fernando Arias y el pianista Juan Pérez Floristán) les ha permitido preservar su personalidad como solistas y enfrentarse a los nuevos retos con una libertad inquebrantable. El 5 de diciembre (único concierto que cae en miércoles) interpretarán un programa con obras de Schubert y Shostakovich.

Kebyart Ensemble

El nuevo año dará la bienvenida al cuarteto de saxofones Kebyart Ensemble, un grupo versátil, comprometido y apasionado por la música de cámara que exprime al máximo las posibilidades expresivas de su instrumento. El concierto, que se celebrará el 14 de enero, es un homenaje a los felices años 20 que sirvieron de evasivo paréntesis al horror de las dos guerras mundiales.

Mario Prisuelos

Ya en febrero (día 11), el pianista Mario Prisuelos profundizará en la música que se escuchaba en la capital allá por 1887 (el año de inauguración del emblemático Café Comercial) y nos presentará algunas piezas olvidadas de Marcial del Adalid, a quien muchos conocen como el “Chopin español”.

La Spagna

El ciclo continúa con La Spagna, conjunto barroco fundado por Alejandro Marías (director y viola da gamba). El programa que han preparado para la ocasión sus cuatro integrantes, especializados en el repertorio del renacimiento y el primer clasicismo, quiere recuperar y reivindicar lo que en musicología se conoce como “carácter español” y que tanto marcó a los compositores de la Europa ilustrada. Alejandro Marías también pudo ofrecer el sonido de su cello barroco con Bach en la presentación del ciclo.

Valderrama & del Valle

El 8 de abril será el turno de Ana María Valderrama (ganadora del XI Concurso Internacional de Violín “Pablo Sarasate”) y el pianista Luis del Valle. Los dos jóvenes intérpretes (que son pareja y padres fuera del escenario) rendirán homenaje a la literatura para violín y piano compuesta el mismo año por dos compositores (Franck y Brahms), que no llegaron a conocerse. 

Concerto 1700

El concierto del mes de mayo estará protagonizado por el grupo fundado por el carismático violinista Daniel Pinteño. Concerto 1700 es uno de los ensembles jóvenes más demandados del panorama barroco español. Sus cuatro integrantes y la soprano Aurora Peña nos sorprenderán con un “mapa de los sonidos” que podríamos escuchar durante un paseo imaginario por el Madrid del siglo XVIII.  

Tonna & Pérez Dobarro

Clausurarán la temporada el 10 de junio Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro. El proyecto Women in Music/Mujeres en Música que lideran la mezzosoprano estadounidense y la pianista española, tiene como objetivo promover un amplio catálogo de obras de compositoras de Estados Unidos y España y hacer reflexionar sobre la diversidad en el contexto de la música de creación contemporánea. 

Programa

London Music N1ghts 

8 de octubre, 20h - Yago Mahúgo

12 de noviembre, 20h - Sara Águeda

5 de diciembre, 19h - Trío VibrArt

14 de enero, 20h - Kebyart Ensemble

11 de febrero, 20h - Mario Prisuelos

11 de marzo, 20h - La Spagna

8 de abril, 20h - Ana María Valderrama & Luis del Valle

13 de mayo, 20h - Concerto 1700

10 de junio, 20h - Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro

Escenario: Café Comercial (Madrid) 

www.thelondonmusicnights.com

La imagen de esta excepcional segunda temporada ha corrido a cargo del diseñador Aníbal Hernández, responsable de algunos de los proyectos más icónicos de la capital y creador de un lenguaje visual verdaderamente innovador. 

La primera edición de The London Music N1gths inició su andadura en octubre del año pasado y contó con la participación de artistas como Judith Jáuregui,  Lina Tur y Raquel Andueza y conjuntos como el Cuarteto Quiroga, Neopercusión y Forma Antiqva. Al cierre de su edición, en mayo de 2018, se había colgado el cartel de “no hay entradas” en todos sus conciertos.

Al igual que en la temporada anterior, el precio fijado para las entradas será de 16€ y se podrán adquirir en Ticketbell.com. Además, se ofrecerá la oportunidad de adquirir un paquete que incluye, junto con la entrada, una cena en el restaurante del Café Comercial por 39€. 

The London Nº1 

The London Nº1 es una ginebra única con una personalidad propia, sofisticada y elegante. Se elabora en pequeñas producciones en Londres, dónde si no. La exclusiva y refinada mezcla de sus 12 botánicos le otorga esa complejidad tan especial.

El resultado es una ginebra limpia y cristalina, de un hermoso color azul turquesa, con un aroma fino y elegante y un sabor suave y especiado. Una suma de detalles que conduce a la armonía. Gracias a sus refrescantes notas balsámicas y enebro, The London Nº1 es ideal en diferentes cócteles y muy especialmente para la preparación del gin-tonic. 

www.gonzalezbyass.com  

www.lafonoteca.net

#TheLondonMusicNights 

por Blanca Gallego 

L’Auditori

L’Auditori

Publicado: Octubre 2018
Programación para la temporada 2018-2019

L’Auditori de Barcelona presenta su proyecto artístico para la temporada 2018-2019 y estrena nueva imagen creada por ‎Frederic Amat. Una ‎temporada que profundiza en la conexión entre los diferentes ciclos, generando proyectos ‎transversales de gran envergadura.

Se consolida así el modelo iniciado hace cinco años, que posiciona L’Auditori como el centro de ‎la música de Barcelona con temporadas estables de música sinfónica, antigua, cámara, nueva ‎creación sonora, músicas modernas, jazz y una gran oferta para público escolar y ‎familiar. Todas ellas incluyen importantes colaboraciones internacionales, artistas de primer ‎nivel y varios estrenos y encargos y dotan al equipamiento de una identidad propia dentro ‎del ecosistema musical del país. Concretamente, habrá en ‎L’Auditori 16 estrenos mundiales, 19 estrenos nacionales y 14 encargos.

Música Antigua‎

Jordi Savall inaugurará la temporada con su Capella Reial de Catalunya. Bajo el nombre de El ‎so original, Savall interpretará obras maestras de grandes nombres del repertorio barroco y ‎clásico. Los grandes conjuntos internacionales llenarán la Sala 1 Pau Casals, como la Accademia ‎Bizantina, que representará Marc’Antonio e Cleopatra de Johann Adolph Hasse, con la contralto francesa Delphine Galou y el joven contratenor Valer ‎Barna Sabadus. La temporada será testigo de dos importantes debuts en Barcelona, el de Arcangelo y el del Ensemble Pygmalion. Uno de los programas más ‎sugerentes es el que interpretará el formidable RIAS Kammerchor, en el que la ‎antigua dialogará con la contemporánea en un concierto sin precedentes, con el Requiem de Victoria y el estreno mundial del Requiem de Bernat Vivancos.‎ Otro proyecto de casa, el Bach Zum Mitsingen, acercará el tesoro de Cantatas de ‎Bach con la soprano Miriam Feuersinger y los participantes de la ‎Beca Bach.‎

Festival Llums d’Antiga

La primera edición del Festival Llums d’Antiga se celebrará del 5 al 16 de febrero y se harán ‎conciertos en la capilla de Santa Àgata, en la basílica de Sant Just i Sant Pastor, en la basílica de ‎Santa Maria del Pi y en la Sala 2 Oriol Martorell de L’Auditori. La programación, que ‎acercará los repertorios más lejanos y dará luz a las partituras olvidadas del pasado, gira en ‎torno a dos hilos argumentales: L’état c’est moi, con Luis XIV y el absolutismo monárquico ‎y la Reforma de Lutero.

‎La basílica de Sant Just i Sant Pastor y su órgano recientemente restaurado serán los ‎anfitriones del concierto inaugural, que propone un diálogo entre el organista Juan de la Rubia ‎y el poeta Manuel Forcano. En Una nit amb el Rei Sol, de la Rubia improvisará sobre textos de ‎la época que relatan la gran celebración organizada por Luis XIV con motivo de una victoria ‎militar. La programación incluye otras perlas del repertorio de la corte de Luis XIV, como el ‎concierto que Jean Rondeau dedicará a François Couperin, el que Lina Tur y Kenneth Weiss ‎ofrecerán en torno a la compositora Élisabeth Jacquet de la Guerre o el que permitirá ‎descubrir a Justin Taylor, figura revelación del clavicémbalo, sobre la saga de músicos de la ‎familia Forqueray.‎

La línea luterana la dibujará Vox Luminis, uno de los conjuntos vocales de referencia ‎indiscutible en Centroeuropa, con su programa dedicado a la Reforma en la Basílica de Santa ‎Maria del Pi, y el cuarteto Alternative History, que presentará una de sus últimas grabaciones, la dedicada al compositor Josquin Desprez, de quien Lutero fue un gran admirador.‎

El festival lo completan la Accademia del Piacere y Núria Rial, con un programa dedicado a ‎Sebastián Durón, seguramente el compositor español más significativo de la música escénica ‎de la época.

La temporada de cámara acogerá recitales de solistas de renombre internacional ‎como Emmanuel Pahud, Janine Jansen, Chad Hoopes, Lars Vogt, ‎Apollon Musagete Quartet, el trío ‎Sepec-Zimmermann-Queyras, Brad ‎Mehldau, Ian Bostridge, Quartet Casals, Alexander ‎Melkinov, Trío ‎Arriaga, Josep Colom, ‎Trio Pedrell o la visita de Pablo Heras-Casado al frente de la Mahler Chamber ‎Orchestra.

Festival Emergents Barcelona

Este III festival es el espacio más importante donde descubrir a los ‎jóvenes talentos nacionales e internacionales. ‎Durante una semana, ‎L’Auditori ofrece una veintena de conciertos y presenta a un centenar de jóvenes talentos de ‎la clásica y el jazz, que se convertirán en las estrellas del futuro.‎

Por otra parte, las Sampler Sèries ponen en el centro de la temporada al compositor invitado Manuel ‎Rodríguez Valenzuela, de quien se estrenarán dos obras encargo, así como diversos proyectos de improvisación libre con ‎referentes internacionales indiscutibles. El foco internacional de este año estará dedicado a Berlín. Un proyecto de largo recorrido que ‎girará en torno al reconocido compositor y director Enno Poppe, visitando Sampler Sèries el Quartet Diotima.

En cuanto a Escenes, la programación que pone en diálogo la música en directo con las artes ‎escénicas, esta temporada el espectáculo inaugural hará subir al escenario al artista plástico ‎que ha dado vida a toda la imagen de L’Auditori: Frederic Amat.

A estas actividades y ciclos, hay que añadir las Jazz Sessions, que dedican el Retrat d’Artista a Brad Mehldau y celebra los 50 ‎años del Festival de Jazz de Barcelona‎; o Sit Back, el placer de escuchar pop, que se abrirá con ‎el cantautor estadounidense Damien Jurado, así como actividades socioeducativas diversas.

https://www.auditori.cat/es/

por Blanca Gallego 

Foto: Janine Jansen tocará en L’Auditori en la temporada de cámara.
Crédito: © Marco Borggreve

 

Art Insurance Consulting

Art Insurance Consulting

Publicado: Octubre 2018
Garantías para el desarrollo de la actividad artística

El sector artístico y musical es un segmento vulnerable en cuanto al desempeño de su actividad. Son diversos los riesgos que afectan a estos profesionales, desde los contratiempos en el momento de encontrar una sala para realizar una serie de conciertos, la manera en la que muestran su imagen al público, el daño al objeto artístico y a los instrumentos musicales, los contratiempos que pueden surgir a la hora de realizar una actuación y que necesitan la protección especial del evento, e incluso los accidentes que puede sufrir un artista o un músico en el desempeño de su actividad. Por todo ello, Art Insurance Consulting se fundó con el objetivo de proteger todos los aspectos que se derivan de la actividad artística. Su slogan: “garantizamos la actividad artística protegiendo su patrimonio”, es mucho más que un simple slogan; “simboliza el compromiso de esta empresa para con el sector y su especialización concreta y exclusiva dentro del mismo”, afirman sus fundadores Gabriel Abraham y Carmen Redondo, con quien hemos mantenido un encuentro para conocer de manera directa a Art Insurance Consulting.

Art Insurance Consulting es una marca empresarial dedicada al sector artístico por completo, ¿qué les impulsó a su creación?

Gracias a nuestra formación específica en el sector artístico y nuestra trayectoria profesional en el ámbito asegurador conocemos de primera mano las necesidades del primero y ello nos permite plasmarlo en el segundo. A raíz de la puesta en marcha de este proyecto, aportamos nuestra visión para fomentar el arte y la cultura así como en la protección de los riesgos dentro del sector artístico, atendiendo las necesidades y deficiencias existentes hasta nuestra creación, como lo es la falta de especialización en el ámbito dentro del sector asegurador, es decir, nos dedicamos exclusivamente a proteger el patrimonio artístico de nuestros clientes y al mismo tiempo a los profesionales que lo conforman. Esto, junto a nuestro profundo conocimiento del ámbito profesional artístico, nos diferencia tanto en la consultoría de riesgos como en las áreas de management y gestión cultural.

Mejorar el servicio que ofrece el sector asegurador a este segmento, así como fomentar el desarrollo de la actividad artística y cultural, fue el motivo de nuestra creación y es nuestra filosofía de trabajo.

Según su experiencia, ¿cuáles son las carencias específicas en las que trabajan día a día con sus clientes?

Desde Art Insurance Consulting destacamos la necesidad de contar con un enfoque global que garantice la actividad artística en todos sus procesos, desde la presentación del proyecto cultural o la imagen del artista hasta la protección de sus instrumentos musicales, pinturas, esculturas e incluso los propios eventos, como exposiciones, conciertos, etc. También son las instituciones públicas y privadas, así como particulares, los que a su vez se benefician de nuestro objetivo, que es aportar valor, seguridad e integridad al arte en general y a la música en particular, a través de nuestro servicio de asesoramiento profesional y personalizado. El cliente, sea quien sea, desea ser escuchado y que se le de valor a sus necesidades particulares, así como también merece que se le ofrezca una solución adaptada a sus circunstancias, tanto si nos referimos a un artista que desea ser representado, una institución que requiera de proyectos innovadores, como también el análisis de los riesgos específicos de un instrumento musical, una obra de arte, de los profesionales del sector, un coleccionista o cualquier otra entidad.

Es precisamente con esta percepción global, junto al análisis particular de cada caso, como conseguimos que las soluciones aportadas a las personas que confían en nosotros sean únicas y exclusivas para cada uno.

Entonces, su aportación de valor reside en el asesoramiento que proporcionan a los artistas e instituciones. ¿Cómo lo hacen?

Así es, nuestra función principal es el asesoramiento personalizado para artistas, instituciones y particulares, enfocando nuestros esfuerzos a la consecución de sus objetivos. Contamos con varios departamentos para poder abordar todas las necesidades de cada actividad. En el área de management nos centramos en impulsar la imagen del artista y creamos proyectos propios para fomentar la difusión de la cultura a través del área de gestión cultural, mientras que la consultoría de riesgos analiza cada uno de esos aspectos para ofrecer las coberturas necesarias, pudiendo desarrollar la actividad artística con todas las garantías.

En función del servicio que precisen nuestros clientes nos enfocamos en un área o en otra, siempre respetando y escuchando previamente sus deseos y requerimientos, ofreciendo la solución que creemos más conveniente. Igualmente, nuestras áreas de negocio están en constante comunicación para realizar una acción integral e impulsar, fomentar y proteger el arte en todas sus facetas.

En el área que compete a la consultoría de riesgos ¿cuáles son los aspectos que analizan?

Cuando hablamos de riesgos nos referimos a la protección de las personas y su patrimonio. Cualquier actividad artística está expuesta a circunstancias que necesitan ser cubiertas, por ejemplo los accidentes, robos, cancelación de eventos, etc. Nuestra especialización nos permite proteger cualquier eventualidad, algo sumamente importante. La complejidad de algunos riesgos requiere de un asesoramiento especializado en la materia, ya que no se necesitan las mismas coberturas para cada caso, por ello nuestros equipos de trabajo comparten criterios técnicos, analizando la prevención en origen, evaluando lo que no se ha podido evitar y reparando o indemnizando cuando el daño se ha producido. Contamos con diversas entidades para garantizar todos los riesgos. En cuanto a los riesgos de los instrumentos musicales, contamos en exclusiva con Mussap para la protección de estos riesgos. Mussap es la mutua de seguros y reaseguros a prima fija que hemos elegido para cubrir los accidentes, robos, expoliaciones, hurtos y depreciaciones que puedan sufrir los instrumentos musicales de nuestros clientes. La resolución fue unánime a la hora de decidir en quién depositar nuestra confianza y pese a poder escoger cualquier multinacional que presta estos servicios en nuestro país, abogamos por Mussap por la personalización que nos permiten para con nuestros clientes y, lo más importante para nosotros, el trato cercano y humano que nos brindan hace realidad lo que refleja su slogan “entre personas”.

Entonces, las coberturas que ofrecen son especiales para cada caso, ¿de qué manera personalizan la cobertura de un riesgo?

Como especialistas asumimos la responsabilidad que exigen y merecen nuestros clientes, por ello trabajamos constantemente para proporcionarles garantías especiales. No todos los casos requieren de todas las coberturas, por ejemplo en cuanto a los daños materiales, la depreciación de un instrumento musical es una garantía importante para aquellos músicos cuya herramienta de trabajo se revaloriza con el paso del tiempo, en cambio es totalmente prescindible para los alumnos de grado elemental de un conservatorio. Para ilustrar lo anterior, los últimos instrumentos que hemos asegurado con la garantía de depreciación fueron dos chelos Stradivari de 1710 y un arco François Lotte de 1935. No tendría sentido que un cliente abonase la sobre-prima de esta cobertura para un instrumento fabricado en serie y de menor valor.

Anteriormente han comentado que también es su cometido proteger a los profesionales del sector artístico, ¿en qué sentido dan cobertura a sus necesidades?

Como ocurre en toda actividad profesional las personas se exponen a ciertas circunstancias que pueden ocasionar un perjuicio para su salud y por ende a su profesión. Los artistas están expuestos a riesgos concretos por lo que es necesario proporcionar una solución específica. Esto es una breve historia real, ocurrió de la forma más absurda y en un momento cotidiano. Nuestro protagonista se encontraba en su domicilio estudiando la Sonata en si menor de Liszt, cuando en uno de sus descansos decidió aprovechar el momento para servirse un vaso de agua. Se le escurre el vaso de las manos y el acto reflejo fue evitar la caída del mismo con la mala fortuna de que el vaso golpea la encimera, se rompe y el filo del cristal corta los tendones de algunos dedos de la mano derecha del pianista. Lo primero que pensó fue que su carrera profesional había terminado en ese preciso momento ya que no podía articular varios de sus dedos. Simultáneamente se percató de la gravedad del accidente y acudió a urgencias. El resultado: dos operaciones y una ardua y dolorosa convalecencia que se prolongó durante un año. Otra grave consecuencia de este hecho fortuito fue la cancelación de todos los conciertos que tenía programados para esa temporada y todo ello provocaría inmediatamente la pérdida de ingresos de este músico, no obstante y por fortuna conocía nuestra empresa y servicios por lo que pudimos asesorarle con anterioridad de los riesgos a los que estaba expuesto.

Nuestro cometido en estas situaciones es poner a disposición de estos profesionales unas garantías especiales que protegen la pérdida de ingresos en caso de incapacidad transitoria, cubriendo aquellos aspectos con mayor vulnerabilidad debido a su profesión, como son las extremidades superiores, la vista, el oído o la voz. 

Además de la consultoría de riesgos, también desarrollan actividades destinadas al desarrollo cultural, ¿cuáles son los objetivos de estas iniciativas?

Desde nuestra empresa creemos que el arte y la cultura deben ser potenciados e impulsados para poder procurar a la sociedad una calidad y una formación cultural que nos induzca a pensar y replantearnos aspectos tanto internos como externos. El arte siempre ha sido un comunicador de ideas y emociones, por ello apostamos por las acciones de management para elevar a artistas cuya obra es buena, pero carecen de los recursos necesarios para poder darse a conocer y transmitir con su trabajo ideas que potencien la dinámica cultural.

Algunas de las acciones a través de las cuales también fomentamos estas acciones son el mecenazgo y la gestión cultural, mediante nuestro prestigio como empresa acompañamos en su trayectoria a varios artistas que a su vez también participan en nuestros proyectos propios. Nuestra forma de proceder incluye la colaboración con centros públicos y privados como conservatorios, fundaciones, orquestas, entidades y administraciones aunando nuestros objetivos comunes para conseguir elevar la calidad de la música, el arte y la cultura. 

Tenemos la firme creencia que Art Insurance Consulting puede aportar recursos nuevos en ese sentido. Abogamos por la colaboración público-privada también y estamos convencidos que, combinando la excelencia de los artistas y fomentando la inclusión de los consumidores del arte, obtenemos más éxito como entidad y realizamos una aportación de valor a nuestra sociedad. Tenemos dos objetivos fundamentales, uno es acercar la cultura a la gente y el segundo es dar oportunidades a los jóvenes talentos. La cultura es algo muy importante y es necesario que sea capaz de aportar valores por medio de la calidad artística, ello diferencia mucho el atractivo de nuestra sociedad tanto de cara al exterior como para quienes la conformamos.

por Lucas Quirós

Foto: Carmen Redondo y Gabriel Abraham, fundadores de Art Insurance Consulting.

Art Insurance Consulting
Consultoría de riesgos | Management | Gestión cultural
Área de actividad especializada en Arte e instrumentos musicales de Balear Salud SL agencia de seguros exclusiva de Mussap Mutua de Seguros a PF
Vía Roma, 8 1ºD - 07012 Palma de Mallorca
Islas Baleares - España
971 724 134 | 971 725 310

info@artinsurance.es | www.artinsurance.es

Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Publicado: Septiembre 2018
Nueva colección en NAXOS “Classics from Spain”

Hace unos pocos meses, la colección “Classics from Spain” de Naxos inauguró su serie con “Music and Poetry”, canciones del compositor Constancio Hernáez sobre textos de poetas españoles, como Gustavo Adolfo Bécquer, Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Pedro Provencio, Ángel García López y Federico García Lorca. Para ello, Constancio, miembro de la nueva generación de compositores contemporáneos de nuestro país, cuyo estilo radica en un orden neoclásico, en el que la escritura musical de Hernáez se adhiere al texto con un tratamiento tonal/modal, se ha reunido con los intérpretes Marta Toba, soprano; José Manuel Conde, barítono y Sebastián Mariné, piano, con los que interactuó durante el proceso de grabación. En RITMO los hemos juntado en un 4 x 4, que no es el compás binario sino cuatro preguntas similares a los cuatro protagonistas del disco, CD que precisamente alcanzó el tercer puesto de ventas en la lista internacional de Naxos en junio de 2018.

4 x 4
4 preguntas para 4

1. Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

2. Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

3. ¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

4. ¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

 

Constancio Hernáez
Compositor

Este CD nació de la relación personal y profesional de los intérpretes y el compositor, es decir, yo mismo, cuyo germen fue la presentación realizada en la SGAE en febrero de 2016: ello propició el acuerdo de presentarlo al sello Naxos. Creo que todos nosotros hemos aportado algo al repertorio de la canción española, así lo demuestra el proceso fluido e ilusionado en la grabación del disco.

Como compositor, he intervenido desde el año 2000, aproximadamente, en la organización de festivales de música contemporánea; precisamente, fui socio fundador del Festival de Tres Cantos; desde 2008 soy miembro de la junta directiva de la AMCC, organizadora del Festival de Música Contemporánea de Madrid (COMA). 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Desde mi actividad de compositor, y en lo relativo a la canción de concierto, texto y música representan dos lenguajes que tienen que convivir íntimamente, estableciendo entre ellos un juego de protagonismos y sometimientos, ayudándose ambos en beneficio del resultado artístico total. He entendido las canciones como un todo literario-musical, donde cada parte tiene que impulsar a la otra; el resultado debe transcender lo que es música o poesía en sí mismas. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Entiendo que la comunicación entre compositor e intérprete es de suma importancia. Y, en lo que se refiere al proyecto abordado, creo que ha existido un gran entendimiento entre nosotros. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Durante los siglos XX y XXI no hay compositor que no tenga en su catálogo canciones, y especialmente canción española; aunque también es verdad que, salvo casos contados, no hay una gran profusión de este tipo de obras. Según lo veo, éstas han ido a integrarse en el repertorio de cámara de los propios compositores españoles. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que muy importante y decisivo; en este disco aparecen grandes poetas que, a través de su poesía, nos sumergen en mundos de ideas, emociones y sentimientos tan profundos y sinceros, que motivan el intento de hacer buena música; sin hablar de la métrica y de la construcción formal del mismo poema, que te obliga a ser creativo en su concepción rítmica, cosa que, en la composición de música puramente instrumental, no hubiera sido tan necesaria. 

Marta Toba
Soprano

Soy soprano, actriz, profesora de canto y autora de mis propios espectáculos. “Music and Poetry” es mi primera incursión en la música clásica contemporánea y ha sido un estupendo regalo de la vida. Cuando Constancio me envió las canciones, en seguida vi que iba a ser un reto para mí. No era la música a la que estaba acostumbrada a interpretar pero, poco a poco se convirtió en una nueva manera de expresarme y… me enamoré, del proyecto y de mis compañeros. Por eso… un regalo de la vida. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Creo que es música que se ha servido de un texto. Constancio es un autor muy seguro de lo que quiere, tiene siempre muy claro lo que desea transmitir y, aunque no lo hemos hablado, creo que la música rondaba en su cabeza antes que el texto. Aunque ahora ya me quedo con la duda… le preguntaré sin falta… 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Por supuesto que las amplía. Poder preguntarle, en vivo y en directo, qué matiz quería transmitir en uno u otro momento, ha sido un privilegio. Pero en verdad he de decir que estábamos bastante sintonizados, incluso le propuse algún cambio, que él me adquirió sin ningún esfuerzo. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Yo no soy muy erudita en estos temas, pero imagino que, como en todo, cuando algo no se cultiva, se ve afectado de alguna manera. No obstante, creo que la música y los autores españoles tienen una pasión que prevalece sobre todas las cosas, incluido el abandono, y que a pesar de los pesares, el talento siempre aflora. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que los poetas son los eternos inspiradores de la música. La importancia de la palabra, del verso, de las emociones, del ritmo… siempre evocadores. La música por sí sola puede tocar nuestra alma, sin duda, pero cuándo a eso se le unen unas palabras, un sentimiento… nos llega directamente al corazón. Y además nosotros tenemos la suerte de contar con maravillosos e inspiradores poetas. Por eso, cuando las dos cosas se unen, salen cosas tan maravillosas como “Music and Poetry” de Constancio Hernáez. 

José Manuel Conde
Barítono

Este barítono, que realizó la carrera de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con cursos de técnica vocal con los maestros Francisco Ortiz, Vicente Sardinero y Pedro Lavirgen, es también licenciado en derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Se ha puesto en la piel de personajes como Germont (La Traviata), Marcello (La Bohème), Escamillo (Carmen), Tonio (Pagliacci) o Renato (Un ballo in maschera), entre muchos otros, actuando en países como Japón, Argentina, Brasil, República Dominicana y, lógicamente, en España, principalmente en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid, entre otros. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

El hecho de que los textos sean poesía, nos traslada a un escenario de música implícita. En este trabajo, Constancio Hernáez ha plasmado en partitura la idea que le sugiere el propio lenguaje poético y, por tanto, una vez interpretada, para mi representa un todo indisociable, y se convierte en un ente homogéneo que rebasa lo musical y lo poético. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Creo que eso depende del autor. En el caso de Constancio, las posibilidades creativas en la interpretación son indudables, ya que él siempre apuesta por esa libertad expresiva dentro de los parámetros básicos del respeto por la obra. Ha habido siempre interacción positiva. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

El momento actual es deficitario en este sentido, y trabajos como este pueden ser estimulantes para que se de una continuidad creativa en “los creadores” y una expectación creciente en “los públicos”. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Absolutamente fundamental. La poesía es la chispa que provoca el incendio de la composición musical, y ambas se retroalimentan mutuamente en el preciado género de la canción clásica. 

Sebastián Mariné
Piano

Sebastián Mariné, reconocido pianista e igualmente compositor, ha actuado como solista con las principales orquestas españolas y ha estrenado tres conciertos para piano y orquesta especialmente escritos para él (V. Ruiz, R. Cavestany y F. Aguirre). Su discografía, además de las Canciones de Hernáez, incluye obras de Stevenson, Rodríguez Albert, Iturralde, Marco, García Abril y Benavente. Como compositor es autor de un catálogo que contiene más de noventa obras en todos los géneros, estrenadas por prestigiosos solistas, orquestas y agrupaciones. Es Profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y también en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Como un texto que ha calado muy hondo en un compositor sensible que lo recita musicalmente y lo arropa con un acompañamiento pianístico adecuado a su interiorización del poema. Como ocurre en muchos Lieder románticos, a veces la misma música se repite con distinto texto, pero hay pequeños detalles que cambian sutilmente para diferenciar la intención expresiva de cada estrofa. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Depende del compositor. Si es un autor que tiene de su música una idea muy clara, única y excluyente puede frenar la fantasía del intérprete. Pero también la tradición puede frenar la inventiva en el caso de un autor fallecido. Constancio nos ha transmitido desde el principio una gran confianza en nuestra sensibilidad, no imponiendo una visión cerrada de sus canciones sino moldeando nuestra visión de cada una de ellas, sugiriendo detalles que nos ayudaban a introducirnos en el clima de cada poema musicado. Nos hemos sentido muy respetados pero también muy enriquecidos. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

En la primera mitad del s. XX se vivió una edad de oro de la canción culta. Los principales compositores (Falla, Nin, Turina, los Halffter, Mompou, Gerhard, Rodrigo, Bacarisse, Guridi, Obradors, Toldrà…), reservaron una parte importante de su producción al género. En cambio, en la época de las vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial sólo pervivió en algún autor esta predilección, favoreciéndose la integración de la voz en pequeños conjuntos instrumentales. Pero creo que es evidente que en las generaciones posteriores se ha vivido un renacimiento del repertorio para este mágico dúo que forman la voz y el piano. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Muchos de los poetas del s. XX españoles eran amigos de compositores, siendo algunos de ellos también estimables músicos (Gerardo Diego, García Lorca). Creo que esta cercanía fue la responsable de esa eclosión que antes comentábamos. Esos poetas (y también anteriores como Bécquer, presente en este CD) han seguido inspirando a los compositores actuales, aunque en las últimas generaciones se está prestando una atención más especial por los poetas coetáneos. 

Para + Informacion:

https://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.579027

https://www.hernaezmarco.com/

Para comprar el disco "online" haga "clic" en:

- Música Directa

- Amazon

También a la venta en:

- Tiendas de discos
- En las principales plataformas digitales en Streaming y descarga
 

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: de izquierda a derecha, Constancio Hernáez, José Manuel Conde, Marta Toba
y Sebastián Mariné.
Crédito © Emilio Hernáez

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Publicado: Septiembre 2018
Temporada 2018-19

Con Antonio Méndez como director principal, la Orquesta Sinfónica de Tenerife incorpora novedades y apuesta por el repertorio romántico y postromántico.

La Sinfónica de Tenerife ha diseñado para el inicio de la temporada 2018-19 un interesante programa, que incluye el Preludio y Muerte de amor de Tristán e Isolda de Wagner, el Concierto para piano en sol mayor de Ravel y la Sinfonía n. 1 “Titán”, de Mahler. El director principal de la orquesta, Antonio Méndez, estará al frente de este concierto inaugural el próximo viernes 14 de septiembre en la Sala Sinfónica del Auditorio de Tenerife y contará con la presencia como solista invitado de Javier Perianes, uno de los pianistas españoles más destacados en el ámbito internacional.

Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la orquesta ofrece una programación que aúna tradición y modernidad al mismo tiempo que se abre al mundo a través de la música. Nuevos solistas y batutas de calidad contrastada intervendrán como invitados en los 19 conciertos de este ciclo que, del 14 de septiembre al 21 de junio, recogen medio centenar de obras de estilos variados para deleite de todos los públicos.

Antonio Méndez se pone al frente de la formación musical del Cabildo de Tenerife en esta nueva etapa de crecimiento y proyección nacional e internacional, para consolidar la trayectoria de este proyecto artístico en un rumbo acorde con su prestigio. Planteará un trabajo conjunto lleno de novedades, en el que coloca en un lugar privilegiado al gran repertorio romántico y postromántico centroeuropeo, en una temporada cuyos dos ejes fundamentales serán los ciclos dedicados a Brahms y Debussy.

También tendrá especial importancia el repertorio coral, con la participación de destacadas formaciones de la Isla, en un mini ciclo de tres conciertos, dos de ellos bajo la batuta del director principal y el tercero con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez, en el podio.

Esta temporada presenta por primera vez la figura del artista en residencia, que en esta ocasión recae en el músico François Leleux, quien intervendrá en dos programas, en uno como solista de oboe y en otro como director. La relación de solistas que debutan con la Sinfónica de Tenerife en la temporada 2018-19 son Alina Pogostkina (violín), Truls Mørk (violonchelo), Luise Buchberger (violonchelo), Ashop Gupta (piano), François Leleux (oboe), Alexandra Soumm (violín), Ian Bousfield (trombón), Alicia Amo (soprano), Anabel Aldalur (mezzo), Leigh Howard Stevens (marimba), Jorge Luis Prats (piano), Michel Barenboim (violín) y Regula Mühlemann (soprano). Nombres que se suman a otros ya conocidos por el público tinerfeño como Javier Perianes (piano), Cristo Barrios (clarinete), Agustín Prunell-Friend (tenor), David Wilson-Johnson (barítono), Daniel Müller-Schott (violonchelo) y Vestard Shimkus (piano).

La Sinfónica de Tenerife interpretará un total de 47 piezas de 27 compositores, combinando las estéticas de Wagner, Ravel, Mahler, Falla, Shostakovich, Rachmaninov, Tchaikovsky, Prokofiev, Schubert, Mozart, Haydn, Beethoven o Strauss. La composición actual estará asimismo presente con la interpretación de Nocturno Sinfónico, obra con la que Marcos Fernández ganó la IX Edición del Premio de Composición Musical AEOS-Fundación BBVA, y el estreno absoluto de In Memorian, del tinerfeño Agustín Ramos. Además, esta temporada regresa el concierto pop, dirigido por Nick Davies y estará dedicado a la música del grupo The Beatles.

Nuevas batutas serán las encargadas de subir por primera vez al podio de la Sinfónica de Tenerife, como el caso de  Elim Chan, Lorenza Borrani, Nuno Coelho, Lucas Macías, el propio François Leleux y Karl-Heinz Steffens. El nuevo director principal, Antonio Méndez, estará al frente de la inauguración y clausura y dirigirá ocho conciertos. De los 19 programas que conforman la temporada, tres contarán con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez. Solo James Feddeck y Nick Davies vuelven a reencontrarse con la formación orquestal.

En su apuesta por adaptarse a sus públicos y acercar la música en directo a más personas, la Sinfónica de Tenerife ha creado nuevas modalidades de abonos de 10, 4 y 3 conciertos, que se suman al tradicional Abono de Temporada y al Abono de Bienvenida. Además, entre las novedades de esta temporada es significativo el compromiso de la formación musical del Cabildo por los jóvenes, que se traduce en ofrecer la oportunidad de disfrutar de la temporada completa de conciertos a un precio único de 20 euros a los menores de 27 años. Asimismo, los mayores de 65 años con rentas reducidas tendrán un descuento del 70%. Todos los abonos, plazos, ventajas y precios especiales de las entradas pueden consultarse en las web:

www.sinfonicadetenerife.es

www.auditoriodetenerife.com

Además de los 19 conciertos de temporada, la actividad de la Sinfónica de Tenerife se completa con un amplio catálogo de conciertos en aras de aproximar la música sinfónica a la población de toda la Isla. A su presencia en Ópera de Tenerife, Festival de Música de Canarias, Fimucité o Festival de Música Contemporánea, la orquesta suma conciertos didácticos para público infantil y familiar, programas extraordinarios, el de Navidad, de la mano de la Autoridad Portuaria, los que conforman el Ciclo de Cámara de Tenerife y su ya habitual presencia en los hospitales y centros sociosanitarios, lo que hace que la formación tinerfeña cuente con más de un centenar de actividades a lo largo del año. 

por Blanca Gallego 

Foto: Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife promete emociones fuertes.
Crédito: © Igor Studio 

Yuri Pochekin, luthier

Yuri Pochekin, luthier

Publicado: Julio-Agosto 2018
70 años moldeando sonidos

Estimado señor Pochekin, ante todo le felicitamos el día de su 70 aniversario. Y hablando de su arte, ¿qué ha sido lo más importante para usted en todos estos años?

¡Muchas gracias! Lo primero, siendo luthier, es la obra de toda mi vida; no podría vivir de otra manera. Hablando de mi trabajo, claro que siempre me ha gustado crear nuevos instrumentos. En todos estos años he hecho más de 300 violines, violas y violonchelos. Con mucho gusto he restaurado los antiguos instrumentos italianos, incluyendo los exquisitos ejemplos de Stradivari, Guarneri, Guadagnini y muchos otros. Sin duda, para mí las cualidades sonoras siempre han sido lo principal, del mismo modo con los antiguos instrumentos que con los míos propios.

¿Cómo llegó a esta profesión?

Comencé a tocar el violín a los 5 años y luego hice mis estudios de música en la Academia Musical de Gnesin en Moscú. A los 13 y 14 años me aficioné de verdad al arte de luthier. Me fascinaba todo sobre el tema, como la estructura, forma, sonido, etc. A los 17 años, aproximadamente, empecé con pequeñas restauraciones de violines, encerdando los arcos, y pronto ya hice mi primer violín. Y ahora resulta que llevo más de 50 años en la profesión... Supongo que fue difícil para mí cuando decidí dejar de tocar y me dediqué al arte de luthier. Pero me siento muy feliz que fuera así. Y el hecho de que tocara el violín por muchos años, me ha ayudado mucho en mi trabajo acústico con los instrumentos y me ha permitido y me permite escuchar el sonido de una forma particular.

Estudiaba con los más famosos luthiers de segunda mitad del siglo 20, cuéntenos un poco sobre ellos…

En verdad me siento muy afortunado de haber tenido maestros así. Tras ganar el Concurso Nacional de Luthiers de la Unión Soviética en 1974, fui a estudiar a Cremona al “Istituto di Istruzione Superiore Antonio Stradivari”, donde mis maestros fueron Francesco Bissolotti y Gio Batta Morassi. En 1980 fui a Praga para trabajar con Premysl Spidlen en su taller. Todos los maestros eran diferentes y cada uno tenía su propia forma artística. Pero había una cosa en común para todos ellos, su fidelidad fanática al arte y su amor por los violines. 

Entre los músicos con los que ha trabajado, había gente extraordinaria. ¿Entre ellos, quién le impresionó profundamente?

Entre los primeros músicos que me confiaron sus instrumentos, estaban los miembros del legendario Cuarteto Borodin y el violinista Boris Goldstein. En aquel entonces, para un joven luthier como yo, poder trabajar con maestros de ese nivel significaba mucho apoyo y era una experiencia increíble. Posteriormente hicimos amigos artísticos con muchos músicos. En general, me siento muy feliz de haber podido trabajar en Moscú en los años 70 y 80. Fue la temporada del gran apogeo de la escuela rusa. Yo cuidaba durante muchos años los instrumentos de Daniil Shafran, Mikhail Kopelman, Nelli Shkolnikova o Liana Issakadze. También estábamos en contacto constante con los legendarios profesores Yuri Yankelevich, Boris Belenkiy y Zakhar Bron. Cada uno tenía diferentes personalidades y pudimos establecer un contacto creativo muy especial. Por ejemplo, una etapa importante en mi trabajo fue la cooperación con la Colección Estatal de Instrumentos Únicos en Moscú. También trabajé durante varios años con el Teatro Mariinsky y su director artístico Valery Gergiev. Tienen una colección exclusiva de instrumentos italianos antiguos.

En los últimos 20 años vive y trabaja en Madrid. ¿Qué le parece España?

Me mudé a España en 1998. Un año después participé en el Concurso Nacional de Lutheria de José Contreras en Sevilla, donde mi violín y viola ganaron el Primer Premio y la Medalla de Oro, marcando un periodo importante de mi vida española. Si le digo la verdad, yo disfruto trabajando en Madrid. Buen clima y el sol son indispensables para poder crear nuevos instrumentos y aquí, como se puede comprobar, ambos elementos están de sobra durante casi todo el año. También he establecido excelentes relaciones con muchos músicos en España. En Madrid, por ejemplo, tengo buenas amistades con la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Es una escuela maravillosa, donde trabajan los mejores maestros del mundo.

Curiosamente, sus hijos Iván y Mikhail, famosos violinistas que siempre tocan los instrumentos que usted hace, son los primeros probadores de sus creaciones….

Si le digo la verdad, siempre he querido que mis hijos tocasen el violín. Incluso hice ocho pequeños instrumentos con las formas y dimensiones apropiadas para ellos. Es decir; estas formas permitían que cuando el niño creciera, cambiara el violín por uno más grande y no apreciara la diferencia. Ahora, mis hijos ya son mayores. Tienen 31 y 28 años, respectivamente. Cuando interpretan como solistas con una gran orquesta sinfónica tocando los instrumentos que he hecho, siempre me provoca una gran satisfacción…

Yuri Pochekin (Luthier)
Contacto:
yuri_pochekin@mail.ru

www.pochekin.com

por Lucas Quirós 

Foto: Afincado en Madrid desde 1998, Yuri Pochekin es uno de los más prestigiosos luthiers del mundo.
Fotografía de Kirill Bashkirov

 

III edición de LittleOpera Zamora

III edición de LittleOpera Zamora

Publicado: Julio-Agosto 2018
Opera de cámara y experiencias turísticas

El festival zamorano, especializado en ópera de cámara, inaugura su III edición con una Gala Lírica de la mano de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCYL) y dos intérpretes internacionales, la soprano venezolana Ana Lucrecia García y el barítono rumano Florin Estefan, además del coro colaborativo LittleOpera, formado por tres coros zamoranos. Este año, la Gala, dirigida por el maestro Arturo Díez Boscovich, homenajeará al recientemente fallecido Jesús López Cobos (Toro, 1940-Berlín, 2018), director emérito de la OSCYL y orquesta con la que, además, realizó sus últimas grabaciones discográficas.

Atractivo cultural y turístico

Desde su origen, fruto de la colaboración entre las concejalías de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Zamora, LittleOpera Zamora y su directora, la soprano Conchi Moyano, presentan al público propuestas originales y diferentes, en un esfuerzo por combinar atractivo cultural y turístico tanto para los zamoranos como para cualquier amante del arte lírico. Cada edición del Festival ofrece la mencionada Gala Inaugural, más dos producciones propias, un título de nueva creación, un espectáculo familiar y Talleres Divulgativos para la creación de nuevos públicos.

Sumar a esta oferta musical la degustación de productos zamoranos y las visitas guiadas gratuitas por el románico de Zamora convierte a LittleOpera Zamora en uno de esos festivales que se consolidan en el paisaje cultural español, aunando distintas sensibilidades culturales.

Creación contemporánea

Otro de los elementos que marcan la personalidad del Festival es la apuesta por la creación contemporánea, inseparable, para los organizadores, de una programación responsable de eventos musicales, ya que consideran necesario ofrecer al público actual oportunidades para el acceso a la música que se está creando en su tiempo. “En nuestro mundillo es algo obvio, pero la inmensa mayoría de la gente no está al tanto de la creación contemporánea”, explica Conchi Moyano, directora del Festival.

De ahí que desde su primera edición, el Festival haya programado cuatro óperas escritas durante el siglo XX (obras de Menotti, Maxwell-Davies, Poulenc y Escudero). Sin olvidar óperas de cámara de períodos anteriores, lo que han hecho presentando montajes de obras de Mozart, Jommelli, Pergolesi y Cimarosa.

“Se consolida la particular oferta lírica que ofrece la ciudad de Zamora del 25 al 29 de julio, con la III edición de LittleOpera Zamora, el único festival europeo que se dedica íntegramente a la puesta en escena de óperas de cámara de todas las épocas”.

La cambiale di matrimonio

En 2018, del 25 al 29 de julio LittleOpera Zamora pondrá en escena la representación de La cambiale di matrimonio de Rossini, como homenaje al 150 aniversario de su muerte, en una sesión en la que también se podrá asistir a la interpretación de A hand of bridge, de Samuel Barber, probablemente la ópera más corta del repertorio (unos 12 minutos para cuatro personajes).

La obra contemporánea de este año será La luterana, un guiño del español Agustín Castilla-Ávila al 500 aniversario de la Reforma (el personaje central de la ópera es la monja Katharina von Bora, que se convirtió en la esposa de Martin Lutero).

En la búsqueda de nuevos públicos, el Festival programará AriaKadabra, un espectáculo que mezcla ópera y magia en directo, con el aval del éxito que ya tuvo en el Liceu barcelonés.

Precios populares

La organización de LittleOpera Zamora siempre ha apostado por una política de precios populares. Este año, el Festival ofrece un abono para todas las actividades/espectáculos por tan sólo 45€, que incluye la invitación a la degustación gastronómica posterior a la Gala de inauguración y visitas guiadas al rico patrimonio arquitectónico románico que pervive en Zamora.

LittleOpera Zamora surgió como una iniciativa del  Ayuntamiento de Zamora junto con la Asociación Lírica de Zamora, y recibe el apoyo económico de la corporación municipal además del de la Junta de Castilla y León y la Fundación Caja Rural de Zamora. “Estamos muy agradecidos a todos ellos, porque gracias a su confianza, en este proyecto se ha logrado hacer crecer en Zamora un festival único en Europa”, apostilla Conchi Moyano.

http://www.littleoperazamora.com/

por Arburua Iribarren

 

Leticia Gómez-Tagle

Leticia Gómez-Tagle

Publicado: Junio 2018
Dance Passion y Poems and Pictures, retratos al piano

¿Podemos hacer un balance de sus últimas actividades?

Los últimos dos años, tanto 2016 como 2017, han sido para mí muy fructuosos, pues he podido realizar dos grabaciones discográficas con un importante sello alemán, ARS Produktion, que me han proporcionado muy buenas críticas que se pueden leer en mi página web, en revistas musicales internacionales, incluyendo RITMO, además de Scherzo en España, Fanfare en USA, Pizzicato en Luxemburgo o Musicweb international en Reino Unido, entre otras. El CD de 2016 se tituló Dance Passion, con un repertorio de compositores europeos y latinoamericanos. Me sentí muy feliz de contemplar mi CD comparado con las grandes interpretaciones de pianistas top.

Una grabación con una aportación suya a la obra de Márquez…

Sí, es así, ya que esta grabación incluye también mi transcripción del Danzón n. 2 para piano solo de Márquez. La edición de esta transcripción salió ya en Peermusic Classical, lo que fue para mí un motivo de alegría (o de sentirme orgullosa, en el buen sentido).

Poems and Pictures fue su segundo disco en Ars Produktion…

Exacto. Fue en 2017 cuando grabé otro CD con la misma discográfica, al que llamé Poems and Pictures, con 2 obras pianísticas importantes: Gaspard de la nuit de Ravel y Cuadros de una exposición de Mussorgsky. Entre una y otra incluí transcripciones de Liszt sobre Lieder de Schubert. También se dijo de esta grabación que era una buena alternativa a interpretaciones conocidas de los grandes pianistas, por lo que estoy más que satisfecha del resultado. Claro, que como artista nunca se está del todo conforme y como la grabación es al fin y al cabo una foto de un momento, la interpretación sigue evolucionando. Pero ya se sabe que eso es así y que las obras se tocarán siempre nuevas y de una manera diferente. Este CD es, además, el primero con estas dos grandes obras grabadas por una pianista mexicana.

Tengo entendido que dio conciertos en El Líbano…

2017 fue un año muy interesante: ya que pude dar varios recitales allí. Fue una tournée muy atractiva. Al principio, cuando me invitaron, tenía un poco de miedo por la situación política. Por medio de las embajadas pude enterarme que el momento era bueno para ir y me decidí. No me arrepiento. Aparte de los conciertos, ofrecí una masterclass a alumnos del conservatorio. Fue muy provechoso comprobar el gran interés de los alumnos.

¿Y proyectos inmediatos?

En septiembre vuelvo a grabar para la misma discográfica Ars Produktion, con obras de dos grandes: Chopin y Liszt. Supongo que saldrá al mercado a finales de 2018. El título del CD todavía no está pensado. El trabajo que se hace para grabar ayuda a pulir las obras al máximo. Creo que esto también me ha ayudado en mi interpretación, pues aunque se trabaje sobre la misma obra, siempre se encuentra algo nuevo. Y últimamente he tocado por primera vez en Suiza y entre los próximos conciertos en mi agenda está también España. Tocaré en Almería en noviembre. Y lo más inmediato son recitales en México en verano y, justo después, en octubre, daré conciertos en la ciudad austríaca de Linz.

DANCE PASSION
Leticia Gómez-Tagle, piano.
Ars Produktion ARS38183

Con un amplio recorrido por el mundo de la danza llevado al piano (claro ejemplo, la Danza del Molinero de El sombrero de Falla, a la que imprime de bellos rubatos antes del acelerando final), la pianista mexicana Leticia Gómez-Tagle aborda un comprometido programa en el que fusiona sus orígenes latinoamericanos con su formación centroeuropea, tocando desde Liszt, Brahms o Chopin, al citado Falla y Albéniz con Piazzolla, Neubauer (Tango-Space, que amplía las posibilidades del instrumento, con percusión y un colorista uso del teclado) o Ponce, entre otros, además de contener un bolero compuesto por el padre de la pianista para el día de su boda (la madre de Leticia). La jugosa rítmica del Valse-Caprice n. 6 de Liszt es una delicia, pero el arte de la mexicana se desglosa aún más en la segunda parte del disco, dedicada a los ritmos americanos (Malambo de Ginastera), salpicados de contenida tristeza (Verano Porteño de Piazzolla), de melancolía (Habanera de Ponce), de un quasi rag del tango Perigoso de Nazareth y la gracia del Joropo de Moleiro, que parece salir de una novela de García Márquez.
(publicado en RITMO de enero de 2016, por Lucas Quirós)

http://leticiagomeztagle.no-te.com

https://www.facebook.com/leticiagomeztaglepiano/

por Lucas Quirós
 

Foto: La pianista mexicana Leticia Gómez-Tagle.
Crédito: Weinwurm 

Festival AETYB Madrid 2018

Festival AETYB Madrid 2018

Publicado: Junio 2018
El mundo de la tuba y el bombardino, del 20 al 25 de julio

La Asociación Española de Tubas y Bombardinos (AETYB), en colaboración con la International Tuba and Euphonium Association (ITEA), organiza del 20 al 25 de julio su tercer gran Festival, el Festival AETYB Madrid 2018 – Super Regional ITEA, que tendrá a D. Manuel Dávila, profesor de Tuba, como anfitrión del evento, y se desarrollará en las instalaciones del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

AETYB fue presentada en 2012 como un lugar de encuentro para los amantes de la Tuba y el Bombardino. Desde entonces, la Asociación desarrolla numerosas actividades entorno a estos instrumentos: encuentros, concursos de composición, publicación de entrevistas y artículos de investigación, encargos de nuevas obras, organización de conciertos, etc. Estas actividades han captado en los últimos años la atención de profesionales, estudiantes y amateurs, que unidos por la pasión que sienten hacia la tuba y el bombardino, han visto en la Asociación el punto de unión que reclamaban estos instrumentos que tanto han crecido en España en los últimos años.

Los eventos organizados por la AETYB que han despertado mayor interés entre los tubas y bombardinos, con casi cuatrocientos asistentes en cada uno de ellos, han sido los exitosos Festivales de Barcelona en 2014 y Valencia en 2016, en los que se ha contado con la participación de los más reputados artistas nacionales e internacionales del mundo de la tuba y el bombardino, y se ha desarrollado todo tipo de actividades relacionadas con estos instrumentos: recitales, concursos, talleres, actividades infantiles, clases magistrales, conferencias, conciertos, exposiciones de instrumentos y partituras, etc.

En 2018, la International Tuba and Euphonium Association (ITEA), entidad que agrupa a músicos de todo el mundo relacionados con la tuba y el bombardino, y organizadora de los más importantes festivales llevados a cabo históricamente para estos instrumentos en ciudades como Linz (Austria), Indiana (Estados Unidos), Sapporo (Japón), Maryland (Estados Unidos) o Riva del Garda (Italia), ha considerado participar en el Festival AETYB Madrid 2018, designándolo como encuentro Super Regional ITEA. Durante el Festival se desarrollan numerosas actividades relacionadas con la tuba y el bombardino: clases magistrales impartidas por concertistas de todo el mundo, conferencias, debates, talleres participativos, actividades para los más jóvenes, etc.

Concurso AETYB 2018

Una de las actividades más importantes del Festival será el Concurso AETYB 2018. En este caso, se organizan en seis categorías según el instrumento y la edad de los aspirantes, y se reparten numerosos premios entre los ganadores de cada categoría. Los jurados del Concurso están formados por algunos de los más prestigiosos tubas y bombardinos de nuestro país, así como con afamados artistas internacionales.

En el Festival tendremos la oportunidad de escuchar fantásticos e inolvidables conciertos ofrecidos los mejores solistas y grupos del momento, que harán el deleite de los participantes tanto por su calidad como por su variedad, acompañados por las más variadas formaciones sinfónicas y de cámara.

Cabe destacar el concierto del Ensemble AETYB, que reunirá a cuatrocientos tubas y bombardinos y estará formado por todos los participantes del Festival, sea cual sea su edad, procedencia o nivel de estudios, ya que jóvenes y mayores, aficionados y profesionales, compartirán fantásticas experiencias durante esta gran semana. El Ensemble AETYB contará como director en cada una de las obras seleccionadas en el programa con un profesor de reconocido prestigio.

Al llegar la noche se disfrutará de las Movida’s Night AETYB en la Cafetería Nubel del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, un lugar fantástico para terminar las actividades diarias de forma distendida y reponer fuerzas, escuchando actuaciones en directo.

Otra parte muy importante del Festival, en colaboración con las numerosas marcas, son las exposiciones. Sin duda esta es la mejor ocasión para probar los últimos modelos de tubas y bombardinos y poder hablar con sus constructores, diseñadores e importadores. Los expositores también nos presentarán las últimas novedades del sector en accesorios, fundas, partituras y reparación de instrumentos.

La mayor parte de las actividades del festival se desarrollarán en las magníficas instalaciones del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, situado frente al Museo Nacional de Arte Reina Sofía y a un paso de la estación de tren de Madrid Atocha, en la zona centro de la ciudad. El Conservatorio cuenta, además, con un gran número de salas de conferencias y aulas dotadas con la equipación necesaria para un evento de estas características, con tres auditorios: el Auditorio Tomás Luís de Victoria, el Auditorio Cubiles y el Auditorio Manuel de Falla.

Madrid es una ciudad abierta, cosmopolita, que fusiona modernidad con tradición, con una variada oferta cultural, una rica gastronomía y llena de fantásticos monumentos, museos y mucha diversión.

www.aetyb.org

por Lucas Quirós

Foto: Festival AETYB Madrid 2018.

Festival Terras Sem Sombra

Festival Terras Sem Sombra

Publicado: Junio 2018
Tierras que asombran

A escasos kilómetros de la frontera con España, el Baixo Alentejo es una región rica en paisajes, con un vino que besa en los labios al que lo bebe y con unas gentes enamoradas de sus tierras. Compuesto por 13 concelhos en el Distrito de Beja, esta comarca ha celebrado la 14º Edición de Terras Sem Sombra, el Festival do Baixo Alentejo 2018, con el título “Aproximando o Distante - Tradição e Modernidade na Música Europeia (Séculos XVI-XXI)”. Con la dirección de José António Falcão, cuenta con la dirección artística de nuestro querido Juan Ángel Vela del Campo, que programa con inteligencia y chispa.

“Haznos una visita al Festival -me dijo Juan Ángel-, te sorprenderá esta tierra y sus gentes”. No lo dudamos un momento, y tras pasar unos días en la cautivadora Lisboa, sin que Eurovisión nos contagiara su pasión por la mala música, un sábado por la mañana me encontraba montado en un autobús camino de Beja. Llegar a este bello pueblo es como entrar en el universo de Amarcord de Fellini, donde se respira una pasión por sus productos, sus tierras, con gente cariñosa que se saludan una y otra vez en un portugués que hablan a toda velocidad y que se dirigen a uno con cercanía, como si le conocieran desde hace años. Tras almorzar un cordero ensopado servido una y otra vez con generosidad en el Restaurante Luiz da Rocha y hablar con el sabio José António Falcão sobre las virtudes de Beja, con la nueva incorporación de un obispo que ama más las misas que la música y que ha dejado las iglesias solo para el culto y no para Mozart o Bach, lenguajes más divinos que cualquier otro, partimos tan saciados como un obispo a conocer las bellezas del pueblo, especialmente en una ruta programada sobre Soror Mariana Alcoforado (Beja, 1640-1723, Beja), religiosa autora de las Cartas portuguesas o Cartas de amor de la monja portuguesa (1669), cinco famosas misivas amorosas consideradas como una obra maestra de la literatura universal.

Este recorrido organizado, que es un plus a los conciertos y que reunió a buena parte de la audiencia de esa misma noche, culminó, tras la iglesia principal, casa natal de Mariana y museo de Beja, en la biblioteca, donde nos regalaron una preciosa edición de las Cartas, con ilustraciones de Susa Monteiro.

Canto corso: Barbara Fortuna

Tras descansar brevemente, nos esperaba el concierto en el Convento de São Francisco, reconvertido en acogedor hotel (Pousada de São Francisco), de Barbara Fortuna (cuarteto de canto corso), que justo el día anterior habían cantado en el ciclo de la Universidad Autónoma de Madrid en el Auditorio Nacional de Música. Con diferencias al ofrecido la noche anterior en Madrid, Barbara Fortuna es como un viaje por el Mediterráneo, nos salpica el agua tibia y acabamos cubiertos de salitre quemado por el sol: su canto proviene de las más profundas culturas mediterráneas, con atrevidas disonancias que nos pueden recordar a Monteverdi y con claras alusiones al canto siciliano (a Italia en general) y a diferentes cunas de un mar que tiene un pacto con el sol, incluido un orador matutino de los minaretes musulmanes.

La belleza vocal de este cuarteto no puede entenderse (ni explicarse) desde los cánones clásicos. Cantan de maravilla, pero cantan en su estilo. Fundamentado en un discurso de liberación y de nacionalismo corso, es tal la belleza de cada canción, que el Convento, repleto de público y adecuadamente bañado de una luz azul eléctrica que nos trasladaba al mismo color de este mar, acogió uno de los conciertos más bonitos y diferentes que he escuchado en mi vida. A capella o con una guitarra, las canciones, repletas de guiños y metáforas sobre los placeres de la vida, incluida la religión (un Ave Maris Stella realmente emocionante) nos hacían mirarnos a los asistentes con cara de felicidad, que fue correspondida por Barbara Fortuna con varios regalos finales impagables. Una delicia que no había acabado…

Marchamos todo el séquito a cenar, donde nos esperaban representantes locales del Cante Alentejano, Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, que comenzaron a cantar mientras degustábamos exquisito vino de la zona y la cena preparada por la propia gente de Beja, ya que es la sociedad civil la que se involucra profundamente en todo el festival. Este canto fue secundado por Barbara Fortuna, que comenzó su particular duelo vocal con los alentejanos, para goce de los que allí estábamos. La noche acabó con una luna que iluminaba Beja mientras aún sonaban los lamentos corsos de sus canciones por las calles.

La mañana siguiente estaba dedicada a una ruta de biodiversidad para observar las muchas aves del entorno, bajo un sol primaveral que iluminaba los verdes campos alentejanos, repletos de flores, olivos, pinos, eucaliptos, vides y lagos, una delicia para el viajero que ha descansado y que emprende la marcha que culmina un fin de semana centrado en un concierto, amenizado con estas actividades tan interesantes.

Almorzando bajo los árboles en un picnic delicioso, servido con todo detalle por la hacienda Herdade dos Grous, comprendí que los festivales de música no son nada sin su gente, sin el contacto y el cariño que les ponen y el acogimiento que ofrecen al visitante. En el Alentejo hay una calidad humana muy grande, se brinda a la primera que se puede, todo el personal del Festival se entrega a ayudar y cuando uno se marcha de Beja, del Alentejo, sabe que va a volver.

https://festivalterrassemsombra.org

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Barbara Fortuna ofreció un recital de canto corso repleto de belleza.
Crédito: Terras Sem Sombra 2018 / © Arlindo Homem 

Página 1 de 21Primero   Anterior   [1]  2  3  4  5  6  7  8  9  10  Siguiente   Último   
Esquina inferior izquierda Esquina inferior iderecha
Portal web DotNetNuke por DOTWARE tecnología a punto   GEN. 0,0937885 s