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Astrid Angvik, directora de Grand Piano

Astrid Angvik, directora de Grand Piano

Publicado: Noviembre 2017
Al servicio del nuevo piano

Hace cinco años nació el sello discográfico Grand Piano, perteneciente al grupo Naxos, con la finalidad de aportar y rescatar nuevos registros pianísticos, descubriendo autores, obras e intérpretes en todo el mundo. En estos cinco años, Grand Piano ha creado un excelente catálogo de más de 130 títulos, creciendo mes a mes, siendo ya un referente en el mercado internacional. Hablamos con Astrid Angvik, directora de Grand Piano y del grupo Naxos.

¿Cómo surgió la idea de Grand Piano?

Convergieron dos situaciones para animarnos a lanzar el nuevo sello. Sentíamos que una nueva comunidad de público y profesionales del piano demandaba una etiqueta que cubriera nuevos repertorios, no grabados, para este instrumento. Al mismo tiempo, a Naxos le estaban llegando gran número de propuestas de grabaciones de piano que no tenían una cabida correcta en nuestra etiqueta base. Las llamadas del mercado eran claras, así que lanzamos el nuevo sello hace ahora cinco años.

De la idea inicial a la realidad actual, ¿tenemos diferencias?

Estoy feliz al poder afirmar que hemos permanecido fieles a nuestra visión original, que era la de explorar el repertorio pianístico aún por descubrir,  especializándonos en ciclos completos de diversos compositores menos conocidos, cuya producción de otro modo habría permanecido ignorada y no registrada. De los más de 130 álbumes que hemos lanzado, el 80% incluye primeras grabaciones mundiales y el 70% implica ciclos completos.

¿Cómo eligen los repertorios?

Hay una dinámica saludable de push and pull. Recibimos muchísimas propuestas, seleccionando aquellas que puedan encajar en nuestro concepto. Por otro lado, los pianistas también nos preguntan qué es lo que nosotros queremos grabar. La semana pasada tuvimos un caso en el que Naxos Japón nos presentó una propuesta concreta de repertorio, lo consultamos con uno de nuestros pianistas accediendo éste a grabarlo, a pesar de que probablemente nunca lo hubiese elegido para incluirlo en uno de sus conciertos públicos.

¿Cómo elige a los intérpretes?

Por lo general, cada proyecto tiene su pianista natural, o de cabecera, que es un experto en ese compositor o repertorio. Muchos de nuestros intérpretes nos sugieren nuevos proyectos. Ahora que ya contamos con un importante cartel de pianistas y conocemos sus tendencias y estilo, nos es mucho más fácil identificar al pianista correcto para cada grabación o propuesta.

¿Han conseguido que Grand Piano sea rentable desde un punto de vista económico?

Seremos rentables siempre y cuando podamos seguir vendiendo CDs. El streaming es ideal para los consumidores y para las grandes etiquetas con grandes y mediáticos artistas del pop y rock, pero el modelo de negocio online no funciona aún para géneros más pequeños y especializados. Para generar ingresos de 10.000 dólares, que apenas cubren el coste de una grabación de piano, ¡necesitarías 2.5 millones de descargas en Spotify! Obviamente, ninguno de nuestros discos llegará a estar cerca de estas cifras. De hecho, para casi ningún álbum clásico esto es posible. Así que, a menos que los consumidores online y los servicios de streaming paguen más en un futuro, la financiación para mantener una industria discográfica especializada, en la actualidad, hay que buscarla por otras vías por el momento.

¿Cuántas novedades editan año?

Lanzamos 20-25 nuevos títulos por temporada; normalmente tres al mes durante 9-10 meses del año.

¿Cuáles son sus proyectos editoriales futuros?

Tenemos proyectos en curso, como Manuel Ponce, Satie (Urtext), Cartas Celestes de Almeida Prado, Sonatas de teclado de Kozeluch y compositores armenios; pero el próximo año también tendremos nuevos proyectos con compositores como Anthony Burgess, Arvo Pärt y Witold Lutoslawski. Compositores africanos y,  también, algunas transcripciones emocionantes, incluyendo Paganini y un nuevo arreglo de los Conciertos de Brandemburgo de Bach para dos pianos. Y cuanto más grabamos, más descubrimos… ¡Hay una gran cantidad de música de piano ahí fuera esperando ser descubierta y grabada!

Muchas gracias por sus amables respuestas. Deseamos a Grand Piano muchos años más en su excelente trabajo de búsqueda y recuperación de nuevos repertorios pianísticos, de la mano de sus nuevos grandes intérpretes. Felicidades por sus primeros cinco años de vida. 

GRAND PIANO

5 años del sello internacional del piano independiente 

El piano ha gozado de una especial atención en las grabaciones discográficas, contando siempre con un enorme volumen de registros atendidos por las principales marcas multinacionales. Por otro lado, los pequeños sellos locales también están presentes de forma masiva en el mundo del piano. También, un gran número de concursos internacionales promueven el instrumento y a sus jóvenes intérpretes, con premios, conciertos y grabaciones. 

Como decíamos, los sellos discográficos, a lo largo de los años, han puesto a disposición del amante del instrumento un ingente número de registros que cubren sin fisuras el repertorio más popular del piano, con grabaciones de los grandes maestros, y decenas de versiones de las principales obras; pero el aficionado avanzado ha ido echando en falta una mayor exploración de repertorios alternativos o infrecuentes, con lo que se abre un espacio para la investigación y producción de grabaciones de nuevas obras para el instrumento rey.

Compositores no habituales

En Grand Piano podemos encontrar un importante número de ciclos y series de compositores no habituales, así como obras poco frecuentes de otros más conocidos. Algunos ejemplos: Mili Alekseyevich Balakirev (1837-1910), George Enescu (1881-1995), Philip Glass (1937), Franz Anton Hoffmeister (1754-1812), Leopold Koželuch (1747-1818), Joachim Raff (1822-1882), Camille Saint-Saëns (1835-1921), Erik satie (1866-1925), Florent Schmitt (1870-1958), Erwin Schulhoff (1894-1942), Alexander Tcherepnin (1899-1977), Jan Hugo Voříšek (1791-1825) O Mieczyslaw Weinberg (1919-1996), entre otros. 

Este mes de noviembre se presenta un CD con música cubana para piano con obras de Ernesto Lecuona, Carlos Fariñas Cantero y Andrés Alén Rodríguez; un CD que se suma al del mexicano Manuel Ponce, al del brasileño Almeida Prado, la música portuguesa, la mexicana o la venezolana, creando poco a poco una muy interesante colección de música para piano latinoamericana. También destaca en el sello el gran número de grabaciones de compositores rusos, la música contemporánea con obras de autores de los países del norte de Europa y una pequeña ventana al Jazz.

Los intérpretes son jóvenes pianistas de todo el mundo, muchos de ellos ganadores o finalistas de los principales concursos internacionales de piano, como por ejemplo el español Josu de Solaun, ganador del Concurso Internacional George Enescu de Bucharest, portada de RITMO en julio-agosto de 2015 y 2016, y que ha sido el responsable de los registros de la obra completa para piano de Enescu en 3 volúmenes. 

El sello Grand Piano celebra su quinto aniversario con la publicación de un estuche especial de 3 CD, tipo sampler, que nos ayuda a recorrer lo principal del catálogo: CD 1 Siglos XVIII y XIX (períodos clásico y romántico); CD 2 1900-1950 (divergencias y nuevo siglo); CD 3 1960 en adelante (música de hoy).

En el presente año 2017 destacamos la finalización de la serie sobre Leopold Koželuch, y el inicio de una nueva colección sobre la música de piano de Erik Satie (edición Urtext), interpretada por Nicolás Horvath. También es digno de mención  la grabación de Giorgio Koukl de la obra completa de piano de la compositora checa Vítězslava Kaprálová (1915-1940), así como el disco que abre la serie de Inga Fiolia y que cubre las obras de teclado de Mikhail Glinka (1804-1857). También cabe reseñar para este mes de noviembre un CD para piano del maestro Lalo Schifrin, gran compositor de bandas sonoras como Misión Imposible, Mannix  o Starsky y Hutch.

Grand Piano, tras estos cinco años de andadura, puede presentarse en el mercado internacional como un sello con más de 130 títulos, la mayoría primeras grabaciones mundiales, apoyado por el talento de jóvenes y reputados intérpretes, con cuidadas ediciones, muy documentadas y bien presentadas. Y además, todo ello dentro de la gran familia Naxos, lo que significa una posición muy activa en el mercado internacional, una eficiente distribución física en todo el mundo, una excelente presencia en las principales plataformas de distribución digital internacional y una amplia cobertura mediática, tanto en los medios de comunicación especializados como en las activas redes sociales e Internet. Podemos afirmar que Grand Piano cumple su compromiso de recuperar autores y obras infrecuentes de la historia del piano, dando visibilidad y promoción a jóvenes grandes intérpretes de todo el mundo.

por Florestán Aguilar

Foto: Astrid Angvik.
Acred: Annabel Lee

http://www.grandpianorecords.com/

https://www.facebook.com/grandpianorecords

https://www.youtube.com/channel/UCrkloxieNWXQEnszNff-Pig

Mario Prisuelos

Mario Prisuelos

Publicado: Noviembre 2017
Compromiso con la música contemporánea

El reconocido pianista madrileño, que con sus extraordinarias interpretaciones ha llevado la música española a las salas de conciertos de todo el mundo, tras el éxito de su anterior grabación dedicada al piano romántico de Marcial del Adalid, fiel a su compromiso con la música actual, presenta en su nuevo CD “Tomás Marco: Piano Works”. Una amplia selección de la música para piano del compositor Tomás Marco, galardonado por la SGAE con el prestigioso Premio Tomás Luis de Victoria, en reconocimiento a su aportación a la música contemporánea.

¿Cómo llega Mario Prisuelos a la música de Tomás Marco?

El primer contacto con la música de Tomás Marco es a través de mi maestro Humberto Quagliata, gran intérprete de la música de su tiempo y de la música de Tomás Marco. Con él empecé a conocer la música de mi época y conocí la de Marco, de quien me atrajo su mundo sonoro y empecé a tocar como primera obra su Soleá, que después he interpretado en muchas ocasiones dentro y fuera de España.

¿Cuándo y cómo surge el proyecto de grabar esta integral de piano?

A raíz del estreno de Movilidad de la escultura, surgió la posibilidad de hacer una grabación con la música de Tomás Marco como celebración de su 75 aniversario, y yo le propuse que podría ser una visión de su obra para piano a lo largo del tiempo. El maestro se ilusionó desde un primer momento con la idea, y decidimos mostrar una grabación muy personal, una fusión entre intérprete y compositor. Contamos con el apoyo de la Comunidad de Madrid y con el magnífico sello IBS Classical, que viene desarrollando una labor estupenda y que, a través de su productor Paco Moya, han realizado un trabajo excepcional.

Como pianista, ¿qué destacaría de la música para piano del maestro Marco?

Para el intérprete su música es siempre un reto, porque detrás de una supuesta sencillez esconde siempre un mundo sonoro muy intenso, hipnótico, en ocasiones técnicamente muy complejo y siempre con una fuerte intención comunicativa. Para mí, es una música que plantea siempre interrogantes y que mantiene un juego apasionante de tensiones entre lo estático y el movimiento.

¿Por qué eligió estas obras en particular?

Movilidad de la escultura era una de las obras que tenía especial interés en grabar, obra que tuve el gran honor de ser dedicatorio y estrené en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. La selección del resto responde al interés por mostrar una visión de la obra para piano de Tomás Marco lo más completa posible, en un instrumento solista al que ha dedicado la mayor parte de su producción. Música que debía estar ahí por motivos algunas veces puramente conceptuales, otras por una necesidad más espiritual y otras, porque, como intérprete, me sentía más identificado en ellas. Al ser una antología de su música para piano, creímos que debía ser una visión de distintos estilos y formas de entender el piano y que todas juntas dieran una idea variada pero completa de su obra. El CD está pensado para escucharlo seguido y quedarse al final de su escucha con una visión de toda una vida compositiva a través del piano.

Como intérprete al que le gusta mantenerse fiel al compositor, ¿qué supuso el hecho de poder trabajar codo a codo con un compositor vivo?

Para mí es maravilloso poder trabajar las obras con los propios compositores, conocer de primera mano sus intenciones, todo aquello que va más allá de la propia escritura. El CD cuenta con cinco obras que son primera grabación mundial, algo muy gratificante y a la vez de gran responsabilidad; un trabajo muy intenso y muy enriquecedor. Es cierto que me exijo siempre la máxima fidelidad a lo escrito por el compositor, pero a veces no es suficiente, surgen dudas y es muy estimulante poder consultar con el compositor. Como intérprete, mi objetivo final es transmitir la intención musical y vital del compositor. Y poder trabajar con Tomás Marco, compositor al que admiro tanto y uno de los grandes nombres de la música en España en sus más diversos aspectos, ha supuesto una oportunidad única.

A lo largo de su trayectoria profesional, aunque sin abandonar nunca el repertorio tradicional, es evidente su compromiso con la música actual ¿Con qué repertorio se siente más a gusto?

Es cierto que adoro la música de mi tiempo. Quizá los siglos XX y XXI son donde me siento más cómodo, me apasiona la gran variedad de estéticas que han estado conviviendo. Me hace sentir muy vivo mostrar al público la música que se está haciendo en este momento. Igual que hubo un momento mágico en el que se mostró por primera vez una Sinfonía de Beethoven o un Cuarteto de Mozart, a mí me apasiona hacer lo mismo con una obra de nuestros días. Aunque también es cierto, tengo una necesidad recurrente de volver a la tradición, necesito sentir ese poso del repertorio tradicional y bucear en él, en la búsqueda de sus características en el timbre, técnica, fraseo o color que después me gusta aplicar en la música actual.

¿Tendremos oportunidad de escuchar este último CD en concierto? ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Están previstos varios conciertos en 2018 con música de Tomás Marco, tanto dentro como fuera de España, en países como Estados Unidos, Francia o Polonia, junto a obras de música española. Entre los próximos proyectos me hace especial ilusión el próximo estreno del Concierto para piano y orquesta de José María Goicoechea, junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra dirigida por Josep Caballé Domenech.

por Jesús Rovira

Foto: Mario Prisuelos.
Acred: Michal Novak 

http://www.marioprisuelos.com/

Carmina Antiqva 2017

Carmina Antiqva 2017

Publicado: Noviembre 2017
Música antigua en Extremadura

El ciclo Carmina Antiqva 2017 se presenta con un enfoque multidisciplinar que acoge un Club de Lectura Musical, en el que se leerán obras de maestros de capilla de las catedrales de Coria y Plasencia, un concierto inspirado en la realidad sonora coetánea a los años de vida del celebérrimo pintor Francisco de Zurbarán, otro concierto de lírica medieval y una conferencia sobre las obras de distintos maestros de capilla que prestaron servicio en las catedrales del norte de Extremadura durante los siglos XVII, XVIII y XIX.

La edición arrancó en la tarde del 28 de octubre con un novedoso formato consistente en leer obras corales vinculadas, de una u otra forma, a la realidad cultural extremeña. El director Armando Possante (Lisboa) conducirá así la lectura de trabajos recientemente transcritos de los archivos catedralicios de Coria y Plasencia. Esta actividad es participativa y se abrirá a cualquier cantor, director de coro, musicólogo, profesor, investigador…, que tenga interés en escuchar y cantar de primera mano las composiciones de los maestros de capilla que antaño prestaron servicios en estos centros religiosos.

Para ello, se dispondrá de reducciones y un coro piloto (Coro de Cámara Amadeus, dirigido por Alonso Gómez Gallego), que facilitará esta labor de montaje. Cabe destacar que la actividad no persigue un trabajo artístico final o presentación como concierto, sino el conocimiento, aproximación a la dificultad real, sonoridad, posibilidades dramatúrgicas, de un patrimonio que gracias a la labor de jóvenes investigadores extremeños se rescata ahora de un injusto olvido. 

El viernes, 3 de noviembre, tendrá lugar el primer concierto a cargo de Eduardo Paniagua con Música Antigua. La agrupación interpretará un programa intitulado Cantigas y canciones de al-Ándalus en Extremadura.

Lírica popular

Con este programa nos acercaremos a la lírica popular y cancioneril del oeste y sur peninsular. En ella oiremos temas recurrentes en la tradición oral, desde la edad media (los anhelos de la amada/o, la morena, temas de corte histórico…) en formatos de jarchas, villancicos, cantigas y canciones antiguas.  

El viernes 10 de noviembre será el turno de la doctora Alicia Martín Terrón, premio de doctorado (UEx 2016), autora de la tesis doctoral “Esplendor y ocaso en las instituciones eclesiásticas del norte de Extremadura: las prácticas musicales en las catedrales de Plasencia y Coria entre 1750-1839”, así como de las ediciones y estudios utilizados en el Club de Lectura Musical. La investigadora placentina ofrecerá una conferencia en la que disertará sobre la música contenida en los archivos de dichas catedrales y las relaciones de sus maestros con otras capillas relevantes del momento como la Capilla Real.  

El ciclo finalizará el viernes 17 de noviembre con el dúo integrado por Cristina Bayón y Sara Águeda. Ambas conformarán un programa que busca recrear los sonidos, textos y aromas coetáneos al pintor fuentecanteño Francisco de Zurbarán. Un concierto inspirado en la pintura del insigne maestro y que llevará por título Entre lo divino y lo humano: Santas vírgenes de Zurbarán, reflejos de la música de un tiempo.

El InDiCCEx desarrollará estas actividades en la Biblioteca del Centro de Estudios Extremeños, en el Museo de Bellas Artes de Badajoz y en el Salón Noble del Palacio de la Diputación, centros todos dependientes de la Diputación Provincial de Badajoz.

A excepción del Club de Lectura Musical, que tendrá una matrícula simbólica de 10 €, todas las actividades gozarán de entrada libre hasta completar el aforo.

por Alonso Gómez Gallego

http://www.indiccex.es/

María Teresa Chenlo en “La Alhambra en Clave”

María Teresa Chenlo en “La Alhambra en Clave”

Publicado: Noviembre 2017
Música de España e Hispanoamérica - El eslabón perdido


Acaba de dar un concierto en la Alhambra de Granada, en el bellísimo Palacio de Carlos V, dentro del ciclo “La Alhambra en clave, 2017”. ¿Nos puede explicar cómo ha sido este ciclo y su organización?

La Alhambra, como espacio de ensueño y creación artística, nos invita a recordar a tres grandes artistas y músicos enamorados de este lugar, Manuel de Falla, la clavecinista Wanda Landowska y su discípulo Rafael Puyana. Los tres estuvieron unidos por una pasión común: restaurar un repertorio olvidado que el romanticismo había desplazado. La feliz coincidencia del legado de Rafael Puyana de su excepcional biblioteca y tres valiosos instrumentos a la Fundación Archivo Manuel de Falla dieron lugar a que el Patronato de la Alhambra y Generalife y la Fundación, con gran acierto, crearan y patrocinaran este ciclo, del que se ha celebrado la segunda edición, en homenaje a estos eximios artistas.

El programa que usted presentó se tituló “Obras para clave españolas y americanas de los siglos XVII al XIX” ¿Cuál era su idea al presentar este programa?

Con motivo del día de la Hispanidad, la organización me pidió que el programa estuviera centrado en la música de España y de la América Hispana. No es la primera vez que hago esta combinación de músicas que, por cierto, siempre son recibidas con gran entusiasmo. El repertorio es tan rico y abundante que en cada concierto puedes variar completamente el programa. Para mí es una satisfacción integrar estas músicas en un mismo concierto, pues yo llevo en mí misma esa integración, nací allí y desarrollo mi actividad aquí.

¿Qué tienen de especial las obras y compositores españoles que usted seleccionó?

La música española de este periodo es abundante y de compositores reconocidos. Creí oportuno elegir compositores poco o menos interpretados. Seleccioné la Sonata V en fa sostenido menor de Manuel Blasco de Nebra. Posee una excelente escritura, con pasajes de virtuosismo, destacando sobre todo su movimiento lento que introduce la Sonata (un Adagio), de honda expresividad; verdadero adelanto al espíritu del romanticismo. Asimismo, elegí una obra de María Rodrigo (1888-1967), una de las primeras compositoras de finales del XIX y principios del XX tristemente olvidada (recientemente se ha recuperado su memoria con un concierto y un disco tras los trabajos musicológicos de José Luis Temes, nos recuerda María Teresa Chenlo). De La copla intrusa, original para piano, realicé una versión para clave. Es una brillante fantasía compuesta en 1931, donde hábilmente mezcla aires andaluces con temas de jota.

Hablando de aires andaluces, también interpretó una Soleá y un Tango  anónimos… ¿Cómo suena este flamenco en su instrumento, propio del siglo XVIII?

Es la primera vez que interpreto obras del flamenco en clave. Fue una inspiración que me provocó el lugar en que iba a tocar y un desafío que me planteé, arriesgándome a probar un estilo de gran intensidad emocional y fruto del mestizaje de las culturas gitana, árabe, judía, cristiana e indiana. Evidentemente, para asumir este riesgo realicé un trabajo previo de gran información y conocimiento del estilo. Tenía que mostrar toda la capacidad de comunicación, de emociones, de placer, alegría y dolor de este arte netamente andaluz. Por otra parte, la estética que fascina del flamenco es su relato verídico basado en su laberinto de melismas, nexo común con la borrachera ornamental del barroco. No olvidemos que ambos son artes que buscan una catarsis para transformar el dolor en alegría. Por otra parte, la sonoridad del clave es próxima a la sonoridad de la guitarra, el alma del toque flamenco.

Las obras americanas también tendrán sus peculiaridades y por eso las elegiría ¿Es así?

Ciertamente. Domenico Zipoli (1688-1726), formado en la escuela europea, desarrolló su actividad en Perú. Es uno más de los casos de trasvase de la escuela europea a América. La obra que interpreté, Sonata I en re mayor, tiene la estructura de la suite pero él ya la llamó sonata. Por otra parte, el cubano Manuel Saumell (1817-1870) en sus Contradanzas (La Siempreviva, La Suavecita y La Paila), transforma la contradanza europea, usando el ritmo hemiólico procedente de la habanera, que tan presente está en la música española. El sevillano Antonio Sáenz, activo en Montevideo, creó un cóctel de danzas criollas y andaluzas mezcladas con trozos de la tonadilla escénica, conjuntando lo de aquí y lo de allí (Boleras Jaleadas de la Media Caña, Trípili y Cachucha). Como broche final elegí un Fandanguito mexicano-huazteco, del que he realizado una versión para clave (Fandango Indiano), que no deja dudas que allí se originó el fandango que luego se transformaría, cuando entró orondo por las puertas del puerto de Cádiz.

Luego la interconexión e intercambio entre las músicas de las dos orillas es grande y fructífera…

Por supuesto. La música de los virreinatos de América, lamentablemente ha sido la gran desconocida, si bien hoy ya se está investigando bastante. Posee tantos ricos elementos que se erige como un auténtico cosmos de música con verdadera fuerza creadora, llena de fuego, fruto de una suma de elementos: imaginación, amplitud de formas, sutileza, refinamiento, sensualidad y, el primordial, la exploración de la tonalidad para mostrar sus posibilidades emocionales. Es un verdadero privilegio poder bucear en los archivos de los distintos países de América y encontrar partituras totalmente olvidadas. Por otra parte, es un sembrado de trampas ya que el material es tan abundante que obliga a decantar con mucho cuidado la selección de las mismas. De todo este rico acervo musical se ha nutrido la música española, así como la americana se nutrió de la que llevó la colonización. Fueron y vinieron. Lo que en musicología se ha dado en llamar músicas de “ida y vuelta”. La interconexión entre estos dos mundos musicales es haber encontrado el “eslabón perdido”. Así lo definió con gran lucidez al terminar el concierto Enrique Gámez, Coordinador de Actividades Culturales del Patronato de La Alhambra y el Generalife.

En este concierto ha usado un clave de tres teclados, nada frecuente, y que ya usó en otra ocasión. ¿Qué posibilidades o ventajas le ha ofrecido este instrumento al interpretar esas obras? Por cierto, este clave es uno de los que donó su maestro, Rafael Puyana, a la Fundación Archivo Manuel de Falla…

Así es. Lo usé precisamente en un concierto homenaje a mi maestro, también en Granada. Es copia de un original de Hieronymus Albrecht Hass de 1740; un ejemplar único en España. Gracias al Patronato y a la Fundación, se le ha hecho una puesta a punto y se conserva en óptimas condiciones. Ya ha sido y está siendo utilizado por diversos clavecinistas. Esa es la fantástica idea de la Fundación.

¿Y su sonoridad?

Su sonoridad y sus posibilidades, al tener los registros de 16 pies y de 2 pies, son innegables. Las investigaciones musicales son continuas y se sigue dando vueltas a cual es el tipo de instrumento idóneo para usar según el periodo o país. El intérprete debe seguir como norma principal e imprescindible el enriquecer la obra con los contrastes sonoros que la partitura le dicte. Es la obra la que pide a gritos los cambios dinámicos necesarios. Si queremos hacer MÚSICA, siempre debemos sentirnos libres de tomar las opciones que nos permitan hacerla en su más alto grado de belleza y no encorsetarnos con prejuicios ajenos a la misma.

¿Finalmente, qué reacción tuvo el público al programa del concierto?

Calurosísima, en los dos pases que se hicieron del mismo. Tuve bravos y, como no podía faltar, oles. Es la mejor recompensa que los intérpretes podemos tener por el trabajo serio y meticuloso con que preparamos los conciertos. En este duro camino del artista, que atraviesa momentos difíciles en nuestro país, comprobar que vale la pena seguir adelante con la seguridad de que el trabajo serio no es en vano, es muy reconfortante.

www.mariateresachenlo.com

Universo clavecinístico

La Alhambra, como espacio de evocación y creación artística, nos invita a recordar a tres grandes artistas unidos por una pasión común en su empeño por recuperar el universo clavecinístico: Manuel de Falla, su amiga la clavecinista polaca Wanda Landowska, y el discípulo de ésta, el afamado clavecinista colombiano Rafael Puyana, maestro de María Teresa Chenlo. Todos ellos mantuvieron una enorme fascinación por la colina roja en la que acabaría viviendo Manuel de Falla y que fue testigo de otras aventuras musicales, como la celebración del I Concurso de Cante Jondo de 1922, o los recitales (ese mismo año decisivo) de Wanda Landowska en el teatrito del Hotel Alhambra Palace.

Los extraordinarios instrumentos que han sido el eje central de este segundo ciclo “La Alhambra en clave”, fueron donados por Rafael Puyana, un músico estrechamente unido a nuestra ciudad como intérprete y como profesor de los Cursos Manuel de Falla, y han sido restaurados gracias al apoyo fundamental del Patronato de la Alhambra y Generalife.

(En la imagen, Manuel de Falla junto a Wanda Landowska, en Granada - foto cedida por el Archivo Manuel de Falla-).

por Lucas Quirós
 

Foto: María Teresa Chenlo
Acred: © Archivo Manuel de Falla

 

Grandes organistas para un gran órgano

Grandes organistas para un gran órgano

Publicado: Noviembre 2017
III Ciclo Internacional de Órgano - Murcia 2017

El III Ciclo Internacional de Órgano. Murcia 2017, organizado por la Asociación Merklin de Amigos del Órgano de la Región de Murcia (AMAORM) se celebra en la Catedral de Murcia durante el presente mes de noviembre. A partir del viernes día 3, todos los jueves habrá un concierto en el gran órgano Merklin-Schütze de la Catedral de Murcia a las 20:30 con entrada libre.

Con la organización de este ciclo, la asociación AMAORM se propone reivindicar la importancia del gran órgano Merklin-Schütze de la mejor manera posible: haciéndolo sonar y  llevando a su tribuna a organistas de primer nivel nacional e internacional. Esta tercera edición cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Murcia, y la colaboración del INAEM, ICARM (Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia), la Fundación CajaMurcia, Cabildo de la Catedral, ONCE y Universidad de Murcia.

Wayne Marshall en España

En este ciclo destaca la presencia del director, organista y pianista británico Wayne Marshall, actual titular de la Orquesta de la Radio de Colonia. Como organista ha actuado recientemente en el Bridgewater Hall de Manchester, Konzerthaus de Viena, Davies Hall, Lotte Hall, Three Choirs Festival, Dortmund Konzerthaus y en el concierto de órgano inaugural de la Philharmonie de París. En mayo de 2018 Wayne Marshall actuará y presentará la Gran Gala de órgano del Royal Albert Hall de Londres, en la que actuarán también los organistas de renombre internacional Olivier Latry y David Briggs. Wayne Marshall actuará como organista en Seattle con la Sinfónica de Seattle y actuará en la misma ciudad en 2018 y 2019.

Junto a él, intervendrán Javier Artigas, Loreto Aramendi, Daniel Oyarzábal y el canónigo prefecto de música sacra y organista titular de la Catedral de Murcia Alfonso Guillamón. Desde el comienzo de los Ciclos Internacionales de Órgano, la filosofía de AMAORM ha sido la de que en ellos estén representados organistas del más alto nivel, incluyendo figuras destacadas a nivel internacional, nacional y regional, pues pretende dar visibilidad tanto a las figuras reconocidas a nivel internacional y nacional como a los organistas de la región, dado que Murcia cuenta con la especialidad de órgano en sus conservatorios de grado profesional y superior. Para conocer detalles sobre la trayectoria de los organistas y los programas que van a interpretar, se puede consultar la web de la Asociación (asociacionmerklin.es).

El gran órgano Merklin-Schütze

El órgano Merklin-Schütze (IV/63-1857) de la Catedral de Murcia destaca sobremanera entre los órganos de España y se encuentra al nivel de los mejores órganos románticos europeos. Inaugurado hace 160 años, constituye un hito en la historia de la música en nuestro país, ya que fue el primer órgano monumental que se construyó en España y uno de los más grandes e importantes de todo el continente en su época.

Su especial interés reside en que se construyó bajo el consejo de Hilarión Eslava, no sólo con la intención de dotar a la catedral de un gran órgano que supliera a los anteriores (destruidos por un incendio), sino de sentar un precedente para crear escuela e impulsar a los organeros españoles a mejorar su nivel. Constituyó una obra señera de su autor, Joseph Merklin, que le sirvió para ser reconocido como uno de los organeros más importantes de Europa y construir órganos para varios países de Europa y América.

Desde su inauguración en 1857, hasta nuestros días, ha pasado por distintas etapas, pero después de la excelente restauración llevada a cabo en los talleres de J. Daldosso en Toulouse en 2008, hoy podemos decir que el órgano Merklin de la Catedral de Murcia se encuentra en perfecto estado, permitiendo interpretar en él la música que sonaba en su estado original, motivo por el cual es apreciado internacionalmente y reconocido en los ambientes artísticos. El tipo de música que se puede interpretar en él es amplio y variado, pero es en el repertorio de la música romántica para órgano donde mejor se puede apreciar la belleza y sonoridad de sus registros.

Una magnífica ocasión para visitar la ciudad y disfrutar de la Música.

Calendario de conciertos

· 3 de noviembre, 20:30 - Javier Artigas

Catedrático de órgano del Conservatorio Superior de Murcia y Director Artístico de la restauración del órgano monumental Merklin-Schütze (1854) de la Catedral de Murcia.

· 9 de noviembre, 20:30 - Wayne Marshall

Organista residente en Bridgewater Hall en Manchester y Director de la Orquesta Radiofónica de la WRD de Colonia.

· 16 de noviembre, 20:30 - Loreto Aramendi

Profesora en el Conservatorio Profesional Francisco Escudero de San Sebastián y organista titular del órgano Cavaillé-Coll (1863) de la Basílica de Santa María del Coro de San Sebastián.

· 23 de noviembre, 20:30 - Daniel Oyarzábal

Profesor de órgano en la Escuela Superior de Música Katarina Gurska de Madrid, organista titular de la Catedral de Getafe y organista principal de la Orquesta Nacional de España.

· 30 de noviembre, 20:30 - Alfonso Guillamón de los Reyes

Canónigo Prefecto de Música Sacra y organista titular de la Catedral de Murcia.

por Lucas Quirós

Foto: El reconocido Wayne Marshall actuará en el III Ciclo Internacional de Órgano de Murcia.
Acred: Charlie Best 

http://asociacionmerklin.es/ 

Juan Carlos Rodríguez

Juan Carlos Rodríguez

Publicado: Noviembre 2017
Parada en el piano de Clementi

En RITMO hace unos meses anunciábamos sus recitales en Berlín y Dresde, ¿nos puede contar como fueron?

Han sido una experiencia muy interesante a la vez que enriquecedora. Interpreté obras de Bach, Haydn, Falla y Schumann, las cuales han sido recibidas por el público con gran entusiasmo, e incluso me atrevería a decir que con cierto fervor, dadas sus reacciones. Es un público estupendo a la vez que cálido, muy receptivo a escuchar nuevas propuestas, y esto es muy positivo y repercute de manera exponencial en el artista, haciéndole sentir en un ambiente confortable. Teniendo en cuenta que la interpretación de una pieza conlleva un nexo de unión con la creatividad, reflejada no solo en la concepción que el compositor tiene de la obra sino también en la aportación creativa del propio intérprete, contar con un público receptivo constituye un gran valor añadido.

En el mes de octubre sale a la venta su nuevo disco en Naxos, dedicado al piano de Muzio Clementi, ¿qué repertorio es el que interpreta?

El disco está integrado por las tres Sonatas Op. 23, la Sonata Op. 34 n. 1, así como la Fantasía con variaciones Op. 48 “Au clair de la lune”. Para mí es un repertorio muy colorista, a la vez que bastante imaginativo. Clementi era un compositor de la misma época que Mozart (tan solo era cuatro años mayor que el genio de Salzburgo) y evidentemente existe una similitud estilística con la música de la época. Pero es un compositor totalmente original y sigue parámetros y estructuras muy convincentes a la vez que diferenciadoras de las del resto de sus contemporáneos.

Clementi está un paso más allá de la pedagogía, es decir, hablando en cristiano, que su música es realmente buena…

A nivel académico, Clementi es un compositor que ha aportado determinados fundamentos y bases en la técnica pianística, que después desarrollaron otros compositores como Beethoven y, en adelante, Brahms, Schumann o Liszt. Al margen de esto, su obra para piano también está enfocada desde el mismo punto de vista del que se puede abordar una Sonata para piano de Mozart, por ejemplo. Es decir, su concepción de la obra pianística no está solo destinada a desarrollar una técnica instrumental, sino a aportar un lenguaje expresivo que sea capaz de llegar a conectar con los oyentes, lo cual en mi opinión lo consigue de manera muy efectiva. Respecto a la paleta dinámica que utiliza, es un maestro a la hora de establecer con bastante gusto fórmulas que esbozan en la audiencia más de una sonrisa. Como he dicho anteriormente, es muy colorista.

¿Podría hacer algunas consideraciones interpretativas sobre lo que ya hay en disco de Clementi?

Existen variados registros discográficos sobre la obra de Clementi. Resultan atractivas las interpretaciones al fortepiano de Andreas Staier. En mi caso, trato de aportar un rigor interpretativo basado en un conocimiento profundo de la obra y, al mismo tiempo, dotar a la pieza de mi propia perspectiva, lo cual hace identificar una versión diferente del resto de grabaciones, siendo esto un aspecto muy positivo. Las grabaciones realizadas con instrumentos históricos son interesantes desde un punto de vista tímbrico, aunque hacerlas en un instrumento actual, como un Steinway en este caso, no debe suponer tender a imitar o intentar asemejar la textura sonora de un fortepiano. Un piano moderno es una excelente herramienta con suficientes recursos técnicos y auditivos para afrontar este tipo de repertorio con gran objetividad.

¿Qué paralelismos e influencias han ejercido otros compositores sobre la obra de Clementi? ¿Y viceversa?

En la obra de Clementi vemos ciertos aspectos que nos hacen recordar a otros compositores. Por ejemplo, desde mi punto de vista la influencia de Haydn se hace notar, desde el uso de los ornamentos estratégicamente colocados hasta el empleo de las modulaciones. A Haydn le gustaba modular de una forma muy original, un tanto sorpresiva, y esto también se hace presente en Clementi. Por otro lado, es conocida la admiración que el compositor italiano sentía por Mozart, al cual conoció personalmente en un encuentro a modo de duelo musical. Y también está Beethoven, que fue su discípulo. Existen también algunos elementos típicamente beethovenianos presentes en las Sonatas de Clementi, así como en su Fantasía “Au clair de la lune”. En este sentido es él quien ejerce influencias sobre otros…

Falla, Schumann y ahora Clementi, tres paradas discográficas muy diferentes, para un pianista que no se encasilla…

Pienso que la variedad de estilos es una de las características que me definen. Si la música es de una extraordinaria calidad, uno puede sentirse cómodo interpretando un repertorio variado. En definitiva, existe un nexo común en todo ello. La finalidad consiste en transmitir una idea, un concepto, un pensamiento que provoque emoción y reflexión en el público.

¿Y ahora qué proyectos tiene en vista?

Está previsto visitar nuevamente Alemania. También se están planificando colaboraciones con grupos de cámara en Austria, así como una nueva gira en Japón para la temporada 2018-2019.

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto:
Juan Carlos Rodríguez 
Acred: Marco Borggreve 

http://juancarlosrodriguez.website/

Flandes, musical y artística

Flandes, musical y artística

Publicado: Octubre 2017
Un viaje por las delicias culturales y artísticas de la región


Flandes, situada al norte de Bélgica, es una de las regiones del mundo más sofisticadas en términos culturales. No en vano, ha sido el hogar de los grandes Maestros Flamencos (Peter Paul Rubens, Jan van Eyck o Pieter Bruegel​ “el Viejo”), cuyas huellas aún perduran en las Ciudades de Arte, tan bien conectadas entre sí.

Amberes, Brujas, Lovaina, Gante, Malinas o Bruselas, su capital, consiguen que el otoño y el invierno sean las estaciones más acogedoras del año, gracias a sus exposiciones, museos, una variada oferta gastronómica de primer orden y, por supuesto, mucha música. 

Sin ir más lejos, el Auditorio (Concertgebouw) de Brujas nos depara en el mes de octubre una variada y muy atractiva oferta cultural, con el Così fan tutte de Mozart. La dirección musical corre a cargo de Emmanuelle Haïm a Le Concert d'Astrée, mientras que la excitante puesta en escena del director teatral Christophe Honoré, también vista en Aix-en-Provence o el Festival de Edimburgo, aporta todo el picante y sensualidad a esta ópera de Mozart. 

También, los ilustres ahijados de Gante, el Collegium Vocale Gent, con su habitual director, el también gantés Philippe Herreweghe, realizan su particular homenaje a Monteverdi con las Vespro della Beata Vergine (Concertgebouw de Brujas). 

10 ideas para una escapada de temporada a Flandes 

Paseo al son de la música

Los campanarios de Flandes, incluidos en el Patrimonio de la UNESCO, albergan los curiosos carillones. No hay nada más agradable que un paseo por las calles adoquinadas al ritmo de la melodía de las campanas. Los más enérgicos pueden subir a algunas torres para verlo sonar en directo, o acudir a la Escuela Internacional de Carillón de Malinas para descubrir todos sus secretos. 

Concertgebouw de Brujas

El Auditorio (Concertgebouw) de Brujas es sinónimo de calidad musical y artística, desde Anima Eterna en octubre, ciclo dedicado a Monteverdi, hasta el festival de danza en diciembre, December Dance. 

La Abadía del Parque

La Abadía del Parque en Lovaina alberga la Casa de la Polifonía, laboratorio y punto de encuentro para la música polifónica y el canto gregoriano. En octubre, además, en la Abadía se inaugura PARCUM, un nuevo museo dedicado a la religión, el arte y la cultura. 

Una noche en la Ópera

La reputada Opera Ballet Vlaanderen representa Falstaff de Verdi en Amberes este mes de diciembre y en Gante el próximo enero. 

Conciertos con encanto

Conciertos en lugares insospechados: además de las grandes salas, en Flandes las representaciones musicales en iglesias, conventos y otros espacios habitualmente dedicados a otros fines se convierten en una experiencia inolvidable. Siglos de arte, cultura y música concentrados en una noche. 

Museo Groeninge

La romántica ciudad de Brujas presenta una fabulosa exposición esta temporada en el Museo Groeninge: Pieter Pourbus y los Maestros Olvidados. 

Catedral de Gante

Los amantes de la pintura deben acudir sin falta a la catedral de Gante, que guarda la joya pictórica de la región: el retablo de la Adoración del Cordero Místico de van Eyck. En él se pueden apreciar todos los detalles y magnitud de la importancia de la obra de los Primitivos Flamencos. Imprescindible. 

Pieter Bruegel el Viejo

Es el momento de visitar Bruegel, unseen Masterpieces, un proyecto de los Reales Museos de Bellas Artes de Bruselas, en colaboración con Google Cultural Institute. Se trata de una serie de imágenes en altísima resolución que permite conocer a Pieter Bruegel el Viejo y adentrarse en su obra. 

Rubens en Amberes

Para descubrir la vida y obra de Rubens hay que acercarse a Amberes, donde se puede visitar su casa-taller, la iglesia en la que está enterrado, sus imponentes cuadros…, e incluso, la iglesia cuya fachada diseñó. 

Gastronomía

Una escapada con tanto encanto merece estar acompañada con la mejor gastronomía. Y en Flandes esto es una realidad: desde los sabrosos platos del día, hasta la más refinada cocina de los chefs de reconocimiento internacional, los visitantes disfrutarán de la pasión con la que los flamencos preparan sus recetas. Y para acompañarlas, una buena cerveza, claro. Dicen que en Flandes hay más que días del año. 

Información práctica

Viajes musicales a Flandes organizados por Pannei, the Travel Factory:
https://www.pannei.es/flandes-artistico/

Información sobre los Maestros Flamencos:
http://www.visitflanders.com/es/temas/artes-y-patrimonio/maestros-flamencos/index.jsp?country=es_ES

Información sobre el destino:
http://www.visitflanders.com/es/index.jsp

En Twitter: https://twitter.com/TurismoFlandes 

Por Lucas Quirós 

Foto: Los campanarios de Flandes tienen a la catedral de Amberes como uno de sus principales exponentes, con la estatua de Rubens en la Groenplaats.
Acred: © Kris Jacobs

 

XXIII Ciclo Internacional de órgano de Torreciudad

XXIII Ciclo Internacional de órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2017
Música junto al Pirineo

Durante el mes de agosto, el Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad ha llegado a su XXIII edición, en la que ha destacado una vez más el público: su participación fue in crescendo tanto por el número como por su incondicionalidad y entusiasmo.

La experiencia de todos estos años confirma el acierto de seguir apostando por la combinación de otros instrumentos junto al órgano; en esta ocasión escuchamos trombón, violonchelo y quinteto de metales. Esta última agrupación, compuesta por músicos del entorno geográfico del santuario, es la que más halagos recibió por su sonoridad y vistosidad.

Destacados eventos: 

  • La organista Liudmila Matsyura hizo brillar el gran órgano construido por Blancafort (4.072 tubos) en la inauguración del Ciclo.
  • Singular combinación sonora de trombón (Mauro Piazzi) y órgano (Alessandro Bianchi) para el segundo concierto.
  • Maite Aranzabal (órgano) y la joven violonchelista Irene Mateos clausuraron el Ciclo con un original programa repleto de expresividad.

 

www.torreciudad.org

Foto: La apuesta por un grupo local llegó el día 18 de agosto con el quinteto de metales Pirena Brass y Vicenç Prunés al órgano.
Foto de J. A. Arregui y Xavier Safont

 

Karel Mark Chichon

Karel Mark Chichon

Publicado: Octubre 2017
Director titular y artístico de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria

“El acto musical debe convertirse en una experiencia novedosa para un público ansioso de emociones”

Director titular y artístico de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC), el maestro nacido en Londres nos relata algunas de sus principales cuestiones al frente de la OFGC.

Tras su anterior experiencia como titular en Graz, Letonia y Saarbrücken, ¿cómo afronta esta nueva etapa al frente de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria?

Afronto esta nueva etapa con una enorme ilusión, con la seguridad de tener ante mí a un gran instrumento con el que desarrollar plenamente mis metas artísticas. Cada una de mis anteriores orquestas tenía su propio sello y con ellas viví experiencias muy diversas y enriquecedoras. La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria cuenta de entrada con un sonido propio y reconocible, y tiene la gran virtud de su amplia experiencia, tanto en el foso operístico como en los escenarios sinfónicos. Además, la tradición musical de Las Palmas de Gran Canaria, la respuesta entusiasta de su público ante la música y los magníficos escenarios de que dispone Las Palmas de Gran Canaria son factores que contribuyen a hacer aún más atractiva esta nueva etapa.

Su contacto previo con la OFGC le ha permitido dirigirla tanto en su temporada de abono como en funciones de ópera y una gala lírica, prueba de la versatilidad del conjunto, ¿se plantea grandes cambios en el repertorio en los próximos años?

No planteo cambios drásticos, pero sí deseo que se produzca un cambio en la actitud de la OFGC hacia la música, asumiendo riesgos que hagan que el acto musical se convierta en una experiencia novedosa para un público ansioso de emociones. Considero fundamental abordar el repertorio clásico, Haydn, Mozart y Beethoven básicamente, para que la orquesta profundice y mejore aspectos como el sonido, el empaste de conjunto, el equilibrio entre las diferentes familias y la capacidad de matización dinámica. Son aspectos básicos y que, al menos en los dos primeros años, quiero potenciar con directores afines a este repertorio, logrando así más nitidez y transparencia, porque una orquesta que domina este repertorio puede tocar cualquier cosa, y mejorar también su prestación al abordar el repertorio romántico, que tan importante es también en su desarrollo.

Entre los puntos fuertes de su apuesta está el reforzamiento de la presencia de la música y los intérpretes españoles, ¿qué líneas plantea seguir para lograr este propósito?

Esto creo que es un deber de todas las orquestas españolas. Tenemos la obligación de difundir la música de los creadores españoles, voluntad que quiero dejar ya patente desde mi primer concierto como titular, interpretando Ariel, obra de la compositora sevillana Noelia Lobato que estrené con éxito en Saarbrücken. Del mismo modo, debemos hacer lo posible para que los intérpretes españoles hagan oír su voz en nuestra programación, en la que lógicamente la presencia de artistas canarios será también una de las señas distintivas. Queremos ser vehículo del talento de la música de nuestro país.

Ha hablado usted de modernización y de acercamiento a nuevos públicos como uno de los ejes en que basa su titularidad, ¿qué nuevas ideas piensa aportar?

Debemos acercarnos al público y la manera más efectiva es hacerlo a través de los jóvenes, a los que debemos atraer con propuestas novedosas y con las ventajas para la difusión que nos ofrece internet en la actualidad. El público desea escuchar nuevas aportaciones al repertorio habitual de las orquestas, y combinarlo por apuestas hacia la música más actual, buscando siempre el equilibrio.

¿Se puede hablar del “toque Chichon”, en relación a sus propuestas para la OFGC?

Deseo, ante todo, ofrecer un abanico de estilos amplio, desde el barroco a la música contemporánea. En este sentido, considero importante ofrecer programas menos saturados y que no excedan de una determinada duración, en torno a los 40 minutos cada parte.

¿Qué aspectos esenciales cree que son los que definen el carácter de la OFGC en el conjunto de las orquestas españolas?

La OFGC es un conjunto muy homogéneo, con solistas de grandísimo nivel, y responde con entusiasmo ante una batuta capaz de estimularles y sacar lo mejor de ellos. Su familiaridad hacia la ópera y la música sinfónica, unida a su motivación, son elementos ideales para construir un proyecto de futuro, con esfuerzo y disciplina, en el que todos sus miembros puedan sentir el legítimo orgullo de pertenecer a la orquesta.

Ha realizado grabaciones para sellos como Hänssler y Deutsche Grammophon, ¿piensa integrar a la OFGC en nuevos proyectos discográficos?

Ese es mi deseo. Para llevarlo a cabo me parece importante empezar a trabajar con la orquesta con este objetivo en mente y pulir todos aquellos aspectos técnicos necesarios para obtener los mejores resultados. Estamos definiendo proyectos con Deutsche Grammophon en Alemania, con todo lo que ello implica de distribución mundial, así como con otros sellos como Naxos y Oehms.

http://www.ofgrancanaria.com/index.php/es/

Por Lucas Quirós

Foto: “Deseo, ante todo, ofrecer un abanico de estilos amplio, desde el barroco a la música contemporánea”, afirma Karel Mark Chichon, director de la Filarmónica de Gran Canaria.
Crédito: Marco Borggreve 

HERBSTGOLD Festival in Eisenstadt 2017

HERBSTGOLD Festival in Eisenstadt 2017

Publicado: Octubre 2017
Otoño de oro en la ciudad de hierro

Situada en la falda de las montañas de Leitha, a unos 50 kilómetros al sur de Viena y a 12 kilómetros de la frontera húngara, Eisenstadt, la llamada “ciudad de hierro”, traducción etimológica de su nombre, es la capital de Burgenland y la más pequeña de Austria, pero para los melómanos de todo el mundo, es la ciudad de su antiguo e ilustre residente, Franz Joseph Haydn. Desde su nombramiento como Hofkapellmeister del príncipe húngaro Nikolaus Esterházy, la ciudad donde trabajó durante más de treinta años y compuso la mayor parte de su obra, está íntimamente ligada a Haydn; sus restos mortales descansan en la Bergkirche de Eisenstadt, los entusiastas de Haydn pueden disfrutar de su música en la Haydnsaal en Schloss Esterházy, visitar la casa donde vivió en Haydn-Gasse o probar los deliciosos Haydnrolle de Altdorfer. La música de Haydn se respira a diario en Eisenstadt. Pero, sobre todo, está presente en “International Haydn Days”, el festival más importante dedicado a la música del compositor. Y, desde este año, también, en el nuevo festival: HERBSTGOLD-Festival in Eisenstadt.

Reforzar la apuesta turística y cultural de Eisenstadt es el objetivo de este novedoso festival, que aspira a convertirse en el acontecimiento cultural y musical de Burgenland en el calendario de conciertos del espléndido palacio barroco de Esterházy; joya arquitectónica de la ciudad y residencia principal durante más de trescientos años de una de las familias más nobles e influyentes del imperio austrohúngaro.

Cuatro pilares

HERBSTGOLD Festival im Schloss Esterházy se asienta sobre cuatro pilares programáticos: música clásica, sonidos balcánicos, jazz, música romaní y gastronomía. Según su director artístico, Andreas Richter: “Un nuevo formato de festival, en un ambiente festivo, que se ha propuesto atraer al público más joven con novedades, como Pan O’Gusto, el jazz, las masterclass dedicadas a jóvenes músicos, en esta ocasión, impartidas por el oboísta François Leleux y el clarinetista Andreas Ottensamer, o el original Quartet Marathon, en el que varios cuartetos tocan por diferentes dependencias del palacio; desde la antigua bodega hasta la sala de la Princesa o el salón del Imperio y, por supuesto, en la Haydnsaal”.  

Pan O’Gusto: el nuevo festival gastronómico de la región de Panonia, que se celebró en la Orangerie, el histórico parque del palacio y en el que, enólogos y chefs de Austria, Hungría y Eslovenia presentaron sus creaciones, fue otra de las propuestas de este festival, en el que durante dos semanas (del 6 al 16 de septiembre) música y gastronomía caminaron de la mano.

En la Haydnsaal del Schloss Esterházy, la misma en la que Haydn tocó en numerosas ocasiones, y bajo la dirección del conocido chelista Nicolas Altstaedt, la Haydn Philharmonie, orquesta residente del palacio, fundada a finales de los años ochenta por Adam Fischer, inauguró este primer festival que tuvo como lema “Revoluciones”. Al día siguiente, los protagonistas fueron el joven cuarteto francés Van Kuijk y la percusionista búlgara Vassiléna Sérafimova, interpretando la música de Haydn, Mendelssohn, Janácek y un estreno del joven compositor Benjamin Attahir.

Mención especial merece el concierto del clarinetista Andreas Ottensamer y la ORF Radio-Symphonieorchester Wien; sin duda, uno de los mejores conciertos que pudimos disfrutar en la famosa sala dedicada a Haydn, símbolo del antiguo esplendor de la corte de Esterházy y los Habsburgo. La excelente acústica de la Haydnsaal nos permitió disfrutar de la versatilidad y expresividad melódica del instrumento con el clarinetista principal de la Filarmónica de Berlín y del buen trabajo del director titular de la orquesta vienesa, Cornelius Meister, en un programa que incluyó Moments lucides de David Philip Hefti, el Konzert für Klarinette und Orchester de uno de los compositores más prolíficos de la Escuela de Mannheim y favorito del joven Mozart, el compositor de Bohemia Carl Stamitz, y la Eroica de Beethoven. Tras el concierto, pudimos disfrutar, además, de un singular concierto Nightline con música de Bach, Scarlatti y Piazzolla, entre otros, en la versión de jazz de Andreas Ottensamer y el pianista Christoph Traxler.

Los amantes de la música balcánica y romaní también tuvieron su singular concierto de voces e instrumentos con “Balkan- und Roma-Sounds”. Otro de los conciertos a destacar fue el segundo concierto de la Haydn Philharmonie con el aclamado y virtuoso pianista alemán Alexander Lonquich. La pequeña ciudad de Eisenstadt acogió más de 4.000 visitantes en los primeros cinco días del festival; sin duda, un buen dato para este novedoso festival al que desde las páginas de RITMO damos la bienvenida.

https://www.herbstgold.co/

Por Lorena Jiménez

Foto: Andreas Ottensamer con la ORF Radio-Symphonieorchester Wien, dirigida por Cornelius Meister.
Crédito: © Wolfgang Riepl 

Moritzburg Festival 2017

Moritzburg Festival 2017

Publicado: Octubre 2017
Música en los bosques de Sajonia

A escasos kilómetros de Dresde, entre frondosos bosques y serenos lagos, se encuentra Moritzburg, una preciosa y pequeña localidad sajona que luce orgullosa su hermoso Castillo (Schloss), construido entre 1542-1546 como un pabellón de caza para el Duque Mauricio de Sajonia. La capilla fue añadida entre 1661 y 1671, según los diseños de Wolf Caspar von Klengels y es un buen ejemplo del estilo barroco temprano, muy típico de Centroeuropa y Alemania.

En nuestra visita a este Festival, que se nutre de música de cámara, salvo algún que otro concierto, como el inaugural en la espectacular Gläserne Manufaktur (Fábrica de Cristal) de Volkswagen en Dresde, que ofreció Josep Caballé Domenech con la Orquesta del Festival, integrada por los estudiantes de la Academia, tuvimos la suerte de compartir estancias con los propios músicos. Si en una parte de nuestra habitación escuchábamos ensayar el Sexteto n. 1 de Brahms, por la otra ventana un solitario violín tocaba la Chacona de Bach. No había forma de escaparse…

El guitarrista finés Ismo Eskelinen, mientras nos servíamos el almuerzo, nos relataba que el ambiente que se vivía en el Festival era diferente, ya que había muchas más horas de ensayos y se convivía la música de manera muy profunda, muy intensa. Por su parte, el oboísta granadino Ramón Ortega Quero, solista de la Sinfónica de la Radio de Baviera, en su primera presencia en el Festival de Moritzburg, coincidía en la importancia de ensayar y convivir de cerca con más músicos, ampliando las relaciones personales, que fructifican en un mejor entendimiento interpretativo.

Jan Vogler, el fantástico cellista y director del Festival, que acaba de preparar un interesante proyecto con el actor Bill Murray, cada mañana saludaba exultante (“Morgen!”) a “sus” músicos, intérpretes de tanto prestigio como Baiba Skride, Louis Lortie, Peter Bruns o Andreas Brantelid (¡excepcional cellista!), avivando el entrañable ambiente musical y cultural que se respiraba desde primera hora de la mañana, café en mano. Además de estos intérpretes, el Festival ha contado con Alexander Sitkovetsky, Kai Vogler, Mira Wang, Ulrich Eichenauer, Lawrence Power, Dominc Seldis, Lisa de la Salle o Wenzel Fuchs, entre muchos otros, además del compositor en residencia Sven Helbig, presente en la sala, del que pudimos escuchar sus Tres Momentos, miniaturas para cuarteto de cuerda en la mejor tradición.

La principal cualidad de estos conciertos es la diversidad, tanto de música como de intérpretes. Por poner un ejemplo, el primero a los que asistimos ofreció obras tan diferentes como el Cuarteto con oboe KV 370 de Mozart, el Cuarteto con piano n. 1 de Fauré y el Quinteto de cuerda Op. 77 de Dvorák, con nada menos que diez músicos. Esto es bastante complicado encontrarlo en cualquier festival, que ofrece el habitual concierto por el mismo ensemble, girando el programa en torno a la disposición instrumental del mismo.

Academia del Festival

Uno de los principales atractivos es la Academia del Festival, donde jóvenes intérpretes de alto nivel preparan obras con los propios intérpretes del Festival, para luego ofrecerlas en una “Lange Nacht der Kammermusik” (Larga noche de música de cámara). Entre ellos, un español, alumno de la Escuela Reina Sofía, el violinista Luis María Suárez Felipe. Cuesta adivinar la altísima calidad de los músicos y lo mejor aún, el entendimiento musical entre ellos, fruto de su talento y del buen hacer de la Academia.

Nuestra despedida tuvo otro concierto que solo es posible en Moritzburg: Terzetto con guitarra de Paganini, Sexteto con piano de Glinka, Tres Momentos de Helbig y el Sexteto n. 1 de Brahms. Me relataba Anne Marie Kaiser durante la espléndida cena-buffet en el Castillo, también responsable del Festival, la compleja historia que lleva preparar estos conciertos. El resultado es sensacional, ya que la diversidad propicia los cambios de atmósferas, que mantienen la atención muy activa del espectador. Desde un Paganini tocado con selecta elegancia, atento al detalle por la clase de Eskelinen, a un Sexteto “imposible” de Glinka, admirable en la parte pianística de Louis Lortie, a un poderoso Sexteto de Brahms, que actuó como modelo previo de una Segunda Sinfonía, tanto por su estructura como por su sonoridad, liderados por un Jan Vogler emocionante en el inolvidable Andante con variaciones. Y es eso, variaciones de conciertos lo que propone un festival que además de esta variada música, permite conocer una de las zonas más bellas de Alemania.

https://www.moritzburgfestival.de/de/
https://www.moritzburgfestival.de/en/

Por Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: Castillo de Moritzburg, sede de variados conciertos del festival.
Acred: Rene Gaens

 

 

LeAltreNote 2017

LeAltreNote 2017

Publicado: Octubre 2017
Música en los Alpes italianos

Entre el 2 de agosto y el 9 de septiembre tuvo lugar el Festival LeAltreNote de Valtellina, la provincia alpina italiana que hace frontera con Suiza. En esta octava edición, el Festival ofreció 30 conciertos en diversos marcos históricos y naturales, situados en 17 escenarios de la ciudad. El programa general del Festival se tituló “Note di viaggio” (Notas de viaje), para subrayar los fuertes lazos culturales entre el fenómeno musical y el arquetipo del viaje.

El concierto inaugural mostró a la Nuova Orchestra Pedrollo, dirigida por Gabriele Dal Santo, que interpretó dos Sinfonías de Mozart, así como el rara vez interpretado Doble Concierto para flauta y violín de Bartolomeo Campagnoli y el estreno actual de la Sinfonía Concertante n. 3 de Giuseppe Maria Cambini, con los solistas Stefano y Francesco Parrino.

En el siguiente evento, el público recibió con entusiasmo las interpretaciones del Trío Omar Acosta y de la bailaora flamenca Nuria Cazorla, que presentó un viaje musical a través del repertorio hispanoamericano. Otros brillantes conciertos incluyeron un programa enteramente dedicado a al compositor y flautista Albert Franz Doppler (interpretado por Daria Grillo, Stefano Parrino y Luigi Cordova); los refinados recitales camerísticos por el clarinetista Anton Dressler y la pianista Ingrid Fliter o una teatralización musical de la famosa novela de Eduard Mörike Mozart de camino a Praga.

Conciertos a 3.000 metros

Con una altitud de 2.500 y 3.000 metros, los conciertos en los picos Alpe Boron y Stelvio Livrio, por la mezzo Patrizia Patelmo y el tenor Ivan Defabiani, acompañados por el pianista Gianni Gambardella, supusieron una inolvidable experiencia. El tradicional concierto en la plaza de la Madonna di Tirano (en el Santuario) fue interpretado por la Orchestra di Fiati della Brianza, dirigida por Alessandro Pacco, con un monográfico del compositor suizo Franco Cesarini y sus Travel Pieces. Tres recitales titulados “West meets East” (“El Oeste encuentra al Este”) tuvieron como protagonistas al violinista italiano Gian Paolo Peloso y el cellista chino Trey Lee, con obras de Bach, Bartók, Honegger y melodías compuestas por Wang Liping, inspiradas en la música tradicional china; las “Mozart soirées” con el Quartetto Viotti, que interpretó dos Cuartetos con flauta y arreglos del Don Giovanni realizados por Joseph Kuffner; o un programa presentado por el guitarrista Bruno Giuffredi en trío con Stefano y Francesco Parrino, con obras inspiradas en el mar Mediterráneo.

El Impasse Accordion Quartet ofreció el concierto titulado “Serenata a las estrellas”. Por otra parte, destacaron el exuberante recital del cellista Mats Lidström y el pianista Leif Kaner-Lidström; el debut en el Festival, a sus 89 años de edad, del mítico flautista Peter-Lukas Graf, acompañado por el pianista Antonino Averna; o el memorable concierto nocturno de clausura en la mística Cripta del Santuario de Tresivio por el Celestino Eccher Children’s Choir, con el pianista Mauro Brusaferri y la dirección de Marcella Endrizzi, que elaboraron un rico y variado programa, incluyendo, entre otros, el vaudeville marino de Britten The Golden Vanity.

También digno de reseñar fueron los conciertos dados por los artistas que ofrecieron paralelamente clases magistrales en el hermoso valle Valdidentro (Dimitry Ashkenazy, Marco Bettuzzi, Ivano Biscardi, Dario Bonuccelli, Giorgio Colombo Taccani, Gloria D’Atri, Bruno Giuffredi, Ann Lines, Francesco Parrino, Stefano Parrino y Robert Silla Aguado), así como por estudiantes selectos (los españoles Clara García Lorenzo, viola; Andrea Velasco Rodríguez, flauta y Elisa Tejedor, cello, además de la guitarrista italiana Emma Baiguera).

Hay que destacar la altísima presencia de público en todos los conciertos, incluyendo las sesiones dedicadas a Paolo Conte y a la atmosférica lectura-concierto que el musicólogo Giuseppe Montemagno, el bajo Dario Russo y el pianista Massimo Leonardi dedicaron a las canciones alemana, francesa y angloamericana, inspiradas en la imaginación viajera.

http://www.lealtrenote.org/

Por Marco Perucci 

Foto: El público forma parte activa de los conciertos del Festival LeAltreNote.

 

Tomás Marco

Tomás Marco

Publicado: Septiembre 2017
Espíritu renovador

Tomás Marco es un compositor de ideas claras con una mente brillante. Se acerca al concepto humanista del Renacimiento, que maneja diversas ideas y disciplinas y las pone al servicio de su obra. Disfruta de un gran momento profesional, ha recibido el Premio Tomás Luis de Victoria, la próxima temporada estrenará una zarzuela y ultima la edición de un nuevo libro. Repasamos para RITMO los pilares de su trayectoria.

Para comenzar, ¿podría situarnos en la España musical de sus inicios?

Durante aquellos años tratamos de recuperar el tiempo perdido en la guerra, intentando asimilar a Stravinsky, el Serialismo o el Dodecafonismo. Enseguida percibí que las consecuencias de estos movimientos, tanto en Europa como en América, serían grandes. En España, Luis de Pablo, Cristóbal Halffter o Ramón Barce se habían iniciado en este camino y cuando los conocí comencé a trabajar con ellos.

¿Qué estilo le impresionó más?

Mientras el Serialismo integral daba paso a la Aleatoriedad, emergió una vanguardia europea que provenía de Europa del Este; las iniciativas de Lutoslawski o Penderecki llamaron mi atención poderosamente porque me permitieron seguir un lenguaje más personal.

¿Qué queda de aquella ruptura?

Un tipo de pensamiento que incitaba a investigar continuamente, gracias al cual existe ahora un lenguaje abierto y ecléctico. Cuando el compositor comienza a trabajar en una obra debe tener a mano todas las técnicas y posibilidades que estén a su alcance y aplicar la más conveniente.

¿Queda algo por descubrir?

Sí, en algunos momentos se llega a encrucijadas en las que parece que todos los caminos están agotados, pero siempre surgen otras opciones; a partir del Impresionismo no se sabía si habría continuación y de repente apareció la Atonalidad. Estamos en un momento en el que se ha avanzado mucho pero todavía quedan cosas por hacer, o eso espero.

¿Una opción sería volver a utilizar los elementos primarios de la música?

Sí, desde luego. Durante el siglo XX la música ha ido adquiriendo un material sonoro diferente, que contempla la utilización del ruido como elemento musical, de forma que en el XXI se cuenta con lo nuevo y con lo anterior. La música de este siglo transcurre por terrenos experimentales que, a su vez, utiliza herramientas tradicionales.

¿Podría concretar hacia donde se dirige?

Es difícil vaticinarlo, aunque hay indicios que lo muestran. Una vez que se ha conseguido este lenguaje que conjuga pasado y presente, hay que considerar el fenómeno de la globalización. Hoy día es posible saber qué está haciendo un colega australiano en tiempo real, lo que provocará una integración de culturas. Existen algunas muy distintas a la nuestra y músicos capaces de manejar ambas, como el japonés Takemitsu, que las combinaba con excelentes resultados. Esta será una de las opciones estilísticas del futuro.

¿El centro cultural se trasladará a Oriente?

No, depende de muchos factores. Los núcleos que concentran un determinado momento artístico se van trasladando conforme se desplazan los económicos, porque suelen estar donde hay un gran centro de poder.

¿España está capacitada para asimilar las próximas novedades?

Es conveniente que estemos preparados para evitar que nos desplacen. Se están llevando a cabo ideas interesantes, como la simbiosis entre proyectos experimentales, proyecciones con sintetizadores sobre música y palabra que se secuencian y se ven en otro ámbito. Estos planteamientos están conviviendo con buenos resultados.

¿La formación como músicos estará a la altura de las circunstancias?

La formación musical ha mejorado mucho en España, aunque se ha deteriorado en los últimos años. Lamentablemente, el estado de la formación obligatoria sigue en una situación tan pésima como la del siglo XX. No se ha avanzado a la hora de culturizar a la población e incluso se ha retrocedido: hace unos años el bachillerato incluía música y ahora no. Sólo se introducen iniciativas fútiles, como tocar la flauta, que sirve para aburrir a los padres.

Entonces ¿cómo se incorporará la música del siglo XXI a esta sociedad?

Habrá que hacerlo de manera personal. Esperar a que lo hagan las instituciones académicas va a ser complicado y, además, España es un país de individualidades.

¿Existe algún problema de fondo?

En realidad hay una banalización de la cultura y del arte, no solo en España sino en otros sitios de Europa y América. Aunque en su caso las grandes élites formativas universitarias siguen teniendo un enorme impacto mientras que aquí se está instaurando una mediocridad que se extiende al ámbito universitario.

¿En este sentido la música está en desventaja con las demás artes?

No, de hecho en este momento la música está por delante de la pintura y la literatura tanto a nivel nacional como internacional. El verdadero problema en España es que la asimilación de la música se ha deteriorado, es un arte menos accesible que otros y el ciudadano no está acostumbrado a su consumo. En este sentido es conveniente observar el lugar que ocupa en los medios de comunicación porque, en el fondo, sólo se conoce lo que dan los medios.

La música se olvida incluso desde las instituciones culturales…

Las instituciones son un reflejo de la sociedad, que deberían trabajar para mejorarla. Estamos en una democracia en la que las instituciones se constituyen con las personas que elegimos; si fueran buenos profesionales deberían mejorar la base educativa.

¿Qué le pareció la iniciativa del INAEM en favor de los compositores?

Me parece bien, es una manera de reconocer que la composición actual tiene algo que decir y por otra parte ha sido un foco de atención.

Con este presente y la perspectiva del tiempo, ¿cómo valora el camino que tomó?

En aquella época había que ser valiente, si no todavía estaríamos dando vueltas alrededor de lo mismo, hubo batallas y conciertos muy sonados que han pasado a la historia. Fue un momento importante en la cultura española.

Usted no se decidió por la enseñanza…

Yo estuve tres años en el conservatorio sustituyendo a Luis de Pablo cuando se fue a Canadá. Pero prefiero la gestión, creo que es importante, y es mejor si la hacen los músicos que los políticos…

Gestión, composición… ¿Cuál de sus facetas le parece más relevante?

La composición es lo fundamental, pero mi trabajo de investigación también es importante. Estoy a punto de sacar un libro sobre cómo escuchar la música actual. Es el producto de las conferencias que hice el año pasado en la fundación BBVA: aprender a escuchar por parámetros para saber contar los cambios en cada obra. Está indicado para personas a las que les interesa la cultura, no es necesario tener conocimientos específicos sobre música.

También dirigió el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, ¿cómo está en la actualidad?

Pertenece al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que lo lleva Antonio Moral y creo que lo está haciendo bien a todos los niveles, pero no es un centro específico de música contemporánea como el que había y eso no es positivo porque hace falta una institución más centrada en lo experimental.

¿Hoy día existe la música contemporánea como concepto de modernidad?

Sí, pero antes se entendía por contemporánea una música más estricta técnicamente, relacionada con la ruptura.

¿La ruptura estaba relacionada con la edad o con las circunstancias?

No es una cuestión de edad sino de personalidad. La edad te da experiencia, nada más. Hay jóvenes que son muy innovadores y otros que son muy clásicos. Yo he sido rompedor y lo voy a seguir siendo, antes innovar era hacer un cuarteto como Aura y en 2017 es hacer una zarzuela.

¿Se está restaurando lo anterior a la vanguardia?

Parece que se está recomponiendo de alguna manera, aunque movimientos como Fluxus ya no tienen sentido, porque su objetivo era provocar y ahora nadie se escandaliza de nada.

¿No es provocativa esta vuelta al XIX?

Supongo que sí y me imagino que el que yo haga una zarzuela va a escandalizar muchísimo, independientemente de cómo sea la obra. Se vuelve, pero en espiral; se recuperan ciertas ideas pero de otra manera, y así se crea la nueva vanguardia, que ya no es la anterior.

Esta espiral, ¿asciende o desciende?

Aspiraría a que fuera hacia arriba, pero que lo diga la crítica, o mejor dicho, la musicología del futuro.

Precisamente la crítica es otra de las actividades a la que se ha dedicado…

Sí, aún sigo escribiendo, pero hoy día la prensa musical diaria ha desaparecido de España por desinterés de los periódicos. En la época de Fernández Cid el ABC sacaba como mínimo una crítica diaria. Ese terreno se ha perdido, sobre todo en Madrid, donde apenas se publica nada; en las provincias todavía se publican artículos, aunque allí no quedan buenos críticos, nunca los ha habido. El futuro de la prensa escrita es complicado.

¿Quiénes han sido los responsables de ello?

Los medios de comunicación se han desinteresado de la música. Es un problema relacionado con la formación de los españoles, si el director de un periódico no tiene la música entre sus objetivos, evidentemente no aparece. Pero no es el único responsable, también interviene el entorno; por ejemplo, a ningún medio de comunicación se le ocurriría eliminar el fútbol de la programación, independientemente de que les guste o no.

Sin embargo, hay espacios relacionados con la música que siempre aparecen, como el Real…

La aparición del Real en los periódicos no está relacionada con el hecho musical. Es un asunto social, se ha abierto el Real y se ha convenido que es importante lo que sucede allí.

¿Y el esfuerzo de los gestores?

Ellos han trabajado mucho porque el Real parezca importante y lo sea, pero realmente no es solo eso. Es un ambiente social que ha decidido que el Real está en una cúspide compartida con Plácido Domingo.

El Minimalismo también ha conseguido captar la atención de los medios…

El Minimalismo triunfó gracias a los canales del pop, pero el estilo es más amplio que la música repetitiva de corte americano que lo ha hecho famoso. Glass triunfó con un público diferente al de la música clásica y aprovechó esta situación para seguir componiendo.

¿Está de acuerdo en darle al público lo que quiere?

Bueno, realmente no sabemos si al público se le está dando lo que quiere o lo que las grandes multinacionales les están ofreciendo y desean para ellos. Cuando la música se convierte en un negocio el gusto no es personal, sino dirigido.

Pero en este caso se basa en la música clásica…

Sí, pero hay muchos aspectos de la música clásica que se han visto como negocio. El éxito que tuvieron los “Tres Tenores” fue enorme, aunque musicalmente su alcance no fuera significativo. También hay figuras que han transcendido a un ámbito diferente del artístico, como Dudamel, que no solo es un director de orquesta sino un icono que representa a Venezuela. No dudo de su capacidad profesional, pero hay algunos profesionales de su talla y no tienen tanta relevancia mediática.

¿Aceptaría que una multinacional comercializase con su música?

Mi música está ahí para que la use el que quiera, lo complicado sería meterme en un negocio teledirigido con mi aquiescencia. Por ejemplo, Górecki, cuyo estreno de la Sinfonía de las Canciones Tristes no fue trascendente, años después se convirtió en un hit internacional. Le vino bien económicamente, pero tuvo que empezar a hacer obras como esa que no le importaban a nadie. Dudo que merezca la pena.

En el hipotético caso de que su zarzuela Policías y Ladrones, que estrenará la próxima temporada el Teatro de la Zarzuela, se convirtiese en el objetivo de una multinacional…

Eso no va a ocurrir. Policías y Ladrones es un esfuerzo grande por estrenar una nueva zarzuela que comenzó el director anterior y ha continuado el actual. Ha sido un reto, una estructura clásica con música del siglo XXI. El problema radica en que la zarzuela es un género que se ha convertido en histórico y tiene pocas posibilidades de incorporar nuevos elementos; por otra parte, independientemente de que sea buena o mala, tenga éxito o no, el circuito ya ha marcado las representaciones que va a haber en Madrid y después no habrá más.

¿Cuál es el tema de Policías y ladrones?

Es una zarzuela en el sentido formal, con partes habladas, cantadas y números cerrados que trata sobre la corrupción política. Un libreto escrito por Álvaro del Amo, en cierta medida dramático y humorístico, en el que hay personajes actuales como un político corrupto, un policía que lo persigue y acaba en la cárcel, los hijos que salen de Erasmus, la señora despistada que no sabe nada y todo le parece bien… Aunque Álvaro lo ha escrito en su totalidad, hemos trabajado entre los dos y en algunos cantables yo daba bocetos, igual que se hacía en la época. Podría afirmar que ha sido un trabajo de libretista-compositor en el que lo hemos pasado muy bien.

¿Le satisface recibir encargos y seguir en activo?

Sí, es estimulante, aunque uno sigue en activo a pesar de que no tenga encargos. Quiero seguir escribiendo y componiendo, y si a alguien le interesa, mejor.

También ha sido galardonado con el premio Tomás Luis de Victoria

Es una satisfacción porque a este premio no se presentan las candidaturas personalmente, sino que se lo dan. Cuando te conceden un galardón porque te reconocen los méritos es un honor, y en este caso se compite en todo el ámbito iberoamericano. Aunque también se puede pensar -ya están haciendo el réquiem- pero si uno no se abstrae de esos pensamientos, se agradece el reconocimiento y sigues adelante.

¿Cómo percibe la evolución de la tecnología y la electrónica?

Fue una revolución en su momento, principalmente a partir de que aparecen el moog y los sintetizadores, porque la posibilidad de manejar el sonido por ordenador se amplió y se ha extendido enormemente a todo tipo de música, desde el flamenco hasta el pop llevan sintetizadores. Es un método más para componer.

¿No tienen un fondo de falsedad?

No, son lo que son, máquinas electrónicas. El piano o el violín también son máquinas complicadísimas. Todos lo son excepto la voz. La gente que no sabe manejar el instrumento puede llegar hasta un nivel y no avanzar más, en ese punto se encuentran los que están a la misma altura, y al final se percibe que no saben usarlo correctamente.

¿El público puede intuirlo?

El público no existe, existen los públicos. En este caso probablemente lo sabe pero no le importa. 40.000 personas que van a un concierto de pop o rock con un enorme montaje electrónico tampoco van exactamente a escuchar sino de juerga. Se oye, no se escucha.

¿Hay público suficiente para que un compositor viva de su trabajo?

En principio no. Lo normal es que se viva de otras cosas, por eso se enseña o se gestiona. Estoy convencido de que si diera mucho dinero nadie enseñaría, se dedicarían exclusivamente a la composición. Hay muchos profesionales con talento que componen, pero cada vez es más sencillo estrenar ciertas cosas y más difícil darse a conocer. Si se repasan los nombres de la música española desde los que tienen más edad hasta los más jóvenes, hay más músicos pero son menos conocidos.

Después de tanto tiempo ¿le ha perdido el respeto al mundo de la música?

Es peligroso perdérselo y yo no lo voy a hacer. Por consideración a la música.

Gracias maestro, ha sido un placer.

http://www.tomasmarco.com/

por Esther Martín

 

Festival Internacional Andrés Segovia

Festival Internacional Andrés Segovia

Publicado: Septiembre 2017
Entrevistamos a Laura Verdugo del Rey

“Crear, organizar y moldear un programa en favor de la guitarra clásica”

La XXXI edición del Festival Internacional Andrés Segovia, que tendrá lugar el próximo mes de octubre en Madrid, se presenta con novedades. Su antiguo director, Pablo de la Cruz, deja paso a Laura Verdugo del Rey en la función de cabeza y guía de este certamen, uno de los más importantes de nuestro país. La responsabilidad de conformar una nueva agenda ha caído en manos de esta guitarrista cuyo principal interés es difundir las diferentes facetas del instrumento y darlas a conocer a través de espacios y profesiones diversas. Formada en Madrid y Maastricht, se ha enfrentado a esta tarea con espíritu renovador y se ha comprometido a continuar la tarea comenzada por Segovia.

Laura, ¿por qué ha cambiado la dirección?

Tras el enorme trabajo de estas tres décadas, Pablo buscaba una persona que pudiera relevarle. Yo tenía la intención de montar un festival para guitarra en Madrid y, dada su experiencia, me puse en contacto para que me asesorara, sin saber que él estaba buscando alguien que tomara su relevo.

¿Entonces Pablo abandona completamente el festival?

No, seguirá como director honorífico y personalmente me sigue aconsejando.

¿Qué ha sido lo más complicado?

Comprender la dinámica del festival, mantenerla e incorporar novedades.

¿Qué hará para continuar el ciclo “Ecos del Mediterráneo”, uno de sus pilares fundamentales?

Su objetivo se centra en renovar el repertorio del instrumento, estrenando obras de compositores españoles e hispanoamericanos para guitarra sola o concertino y orquesta. Este año se estrena Los colores del Mediterráneo, de Pedro Contreras, para guitarra, oboe, percusión y orquesta.

¿Cómo ha elaborado la programación?

Lo más importante ha sido organizar los músicos y las salas donde tendrán lugar los conciertos. Por tercera vez colabora el Teatro Infanta Isabel con el ciclo “Los lunes musicales”, además también participan el IAE, el Museo de Historia de Madrid, el Museo de San Isidro, la Biblioteca de las antiguas Escuelas Pías de Madrid y el aula Magna de la Universidad San Pablo CEU.

¿Quién es el artista invitado?

El guitarrista mexicano Daniel Olmos, ganador del Concurso Luys Milán 2016. También contaremos con la presencia de los ganadores del Festival Ciudad de Fiuggi-Andrés Segovia y el Ensemble Marquise, además de David Russell, Àlex Garrobé, Javier García Moreno y Pasquale Vitale; toda la información sobre horarios, entradas y direcciones está publicada en la web.

Y también se va a incluir una master class

Leo Brouwer y Àlex Garrobé serán los encargados de impartirla en las Escuelas Pías, un espacio de la UNED, y a los asistentes se les concederá un crédito ECTS. Además, también habrá una conferencia de Estética y Composición a cargo de Leo Brouwer, Iluminada Pérez Frutos y Consuelo Díez.

¿Después de esta experiencia, se contará con usted para próximas ediciones?

Sí, ha sido mucho trabajo pero el esfuerzo ha merecido la pena y me ha encantado el trabajo: crear, organizar y moldear un programa en favor de la guitarra clásica. Me gustaría repetir y que este año fuera el comienzo de una larga trayectoria.

¿Por qué este festival es importante para la guitarra?

La vinculación con la universidad, a través de los cursos en la UNED, le da un valor añadido fundamental, porque se da a conocer la guitarra en otros entornos. Además, no es solo un festival de guitarra, sino que se tratan otras disciplinas, como la composición.

¿Cuándo tendrá lugar la inauguración?

El 1 de octubre en el Teatro Infanta Isabel, abierta a todo el que quiera asistir. Los guitarreros Contreras, Ramírez, Juan Álvarez, Felipe Conde, Pedro de Miguel y José Antonio Lagunar mostrarán sus instrumentos y explicarán su construcción mientras seis intérpretes tocarán para que se puedan apreciar sus características. Al final, la Orquesta de guitarras de Madrid ofrecerá un concierto.

Programa (4-30 de octubre)

·                     4. Javier García Moreno en el Aula Magna-Universidad CEU San Pablo

·                     5. Manni Wu en el Museo de Historia de Madrid

·                     9. Nova Cámera Orquesta, solistas Laura Verdugo del Rey, Pablo de la Cruz y Zoraida
                          Ávila en el Teatro Infanta Isabel

·                     16. Àlex Garrobé en el Teatro Infanta Isabel

·                     18, 19 y 20. Master Class y Conferencias de Estética y Composición Musical en las
                             Escuelas Pías

·                     22. Pasquale Vitale en el Museo de San Isidro

·                     23. David Russell en el Teatro Infanta Isabel

·                     27. Daniel Olmos en la Biblioteca de la UNED

                      30. Ensemble Marquise en el Teatro Infanta Isabel


Por Esther Martín
 

https://festivalandressegovia.com/ 

Foto: Laura Verdugo del Rey, nueva directora del certamen. 

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués

Publicado: Septiembre 2017
Cuna de maestros

La Orquesta de Cadaqués tiene abierto el plazo de inscripción de su prestigioso Concurso Internacional de Dirección hasta el 8 de septiembre. Esta XII edición tendrá por primera vez como presidente del jurado a Gianandrea Noseda, actual director principal de la Orquesta de Cadaqués y ganador del primer premio del certamen en 1994. Según Vasily Petrenko, actual director titular de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, entre otras orquestas, “ganar el Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués en 2004 fue un paso definitivo para mi lanzamiento internacional, un  punto de inflexión en mi carrera. Me ahorró diez años de trabajo”.

Sobre este evento conversamos con Llorenç Caballero, Director Artístico de la Orquesta de Cadaqués.

Noseda, V. Petrenko, Nesterowicz, Viotti, Pablo González o A. Gourlay, los nombres de los ganadores del Concurso Internacional de Dirección avalan por sí solos el prestigio de certamen…

La verdad es que sí. Desde 1992 ha habido 9 ganadores y casi todos ellos están haciendo una carrera importante. Posiblemente hemos hecho bien las cosas y al mismo tiempo hemos tenido suerte, tanto la organización del concurso como los propios ganadores.

¿En qué afecta a la Orquesta de Cadaqués el Concurso? ¿Hay vinculación directa posterior de los premiados con la orquesta?

La Orquesta de Cadaqués organiza el concurso con frecuencia bienal y todos nosotros sentimos que es el proyecto más bonito y esperanzador que realizamos cada dos años. Para la orquesta es su inversión en I+D. Gianandrea Noseda, ganador en el año 1994, es nuestro director principal desde 1998 y tenemos una gran relación con casi todos los ganadores del concurso (y no solo los ganadores). El establecer relación con jóvenes directores que tienen un gran futuro era nuestro objetivo. La idea era que en esta fase inicial nosotros les pudiésemos ayudar (el ganador dirigirá más de 30 orquestas distintas en más de 100 conciertos como premio a haber ganado el concurso) y que en un futuro, cuando ellos sean reconocidos y tengan una influencia importante en el mundo de la música, nos puedan ayudar a nosotros. Como el ganador dirige a más de 30 orquestas, esta relación ganador (finalista o bien director interesante) no solo se da entre la Orquesta de Cadaqués y los premiados, si no entre todas las orquestas colaboradoras (estas 30) y los premiados.

Para esta edición, el ganador estará asesorado durante un año por Alfonso Aijón, ¿qué significa esto exactamente?

Que puede hacer todas las preguntas que quiera a una persona que lleva 50 años (Alfonso Aijón) en el panorama musical internacional, que como sabe ha sido premiado recientemente con la Cruz del Mérito de la República Federal Alemana por sus 500 conciertos con las orquestas alemanas con Ibermúsica. Una persona que ha conocido (y conoce) a los directores más relevantes del mundo orquestal y que puede asesorar, informar y guiar a los jóvenes en aquello que ellos necesiten.  

¿Cómo se desarrolla el Concurso?

Hay una pre-selección de candidatos y unos 120 directores llegan a Cadaqués. Hay cinco rondas antes de la final (Auditori de Barcelona), que se desarrolla en forma de concierto con los dos finalistas. Durante las distintas rondas los concursantes pasarán por los distintos estilos musicales con obras escritas en 4 siglos diferentes y con formaciones diversas. El concurso trata de encontrar las personas más talentosas y al mismo tiempo preparadas, para darles un empujón en su carrera y así poder acelerar su camino hacia una labor que hará disfrutar de la música a miles (¿millones?) de personas.

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Jurado

En la duodécima edición de 2017, Noseda debuta como presidente del jurado. Hasta la undécima edición, Gennady Rozhdestvensky y Sir Neville Marriner fueron alternándose este cargo. Este año, formarán parte del jurado de la XII edición 2017 Annette Mangold, directora de planificación artística de la Filarmónica de Berlín; Nicholas Kenyon, consejero delegado de Barbican Centre; Lutz Köhler, director de orquesta; Jaime Martín, director titular de  la Orquesta de Cadaqués y de la Gävle Symfoniorkester; y Jun-ichi Nihei, presidente COO de Japan Arts Corporation. Asimismo, la Orquesta de Cadaqués integra el jurado con dos votos.

Orquesta de Cadaqués

La Orquesta de Cadaqués, fundada en 1988, es un caso único entre las orquestas europeas y la agrupación española de mayor impacto internacional. Dispone de un sello discográfico y editorial, Tritó Ediciones. Es la única Orquesta Residente del Ciclo Ibermúsica y cuenta con un ciclo propio en el Palau de la Música Catalana, BCN Clàssics. Entre los futuros compromisos de la orquesta destacan los conciertos inaugurales del Festival de Bremen en agosto 2017, tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburgo en octubre 2017 y una gira con Gianandrea Noseda en diciembre por España y Portugal.

Concurso

El concurso tendrá lugar entre los días 14 y 18 de diciembre de 2017 en Cadaqués y Barcelona, y pueden participar en él directores y directoras de orquesta de todas las nacionalidades, nacidos a partir del 19 de diciembre de 1981. El primer premio único consiste en dirigir al menos un concierto con todas las orquestas colaboradoras del concurso a lo largo de las temporadas 2017/18, 2018/19 y 2019/20.

http://www.orquestradecadaques.com/es/7/bases-del-concurso

Foto: Gennady Rozhdestvensky, junto a su esposa Viktoria Postnikova, durante su presidencia en el XI Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués.
Acred: Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués
 

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