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Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Publicado: Septiembre 2018
Nueva colección en NAXOS “Classics from Spain”

Hace unos pocos meses, la colección “Classics from Spain” de Naxos inauguró su serie con “Music and Poetry”, canciones del compositor Constancio Hernáez sobre textos de poetas españoles, como Gustavo Adolfo Bécquer, Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Pedro Provencio, Ángel García López y Federico García Lorca. Para ello, Constancio, miembro de la nueva generación de compositores contemporáneos de nuestro país, cuyo estilo radica en un orden neoclásico, en el que la escritura musical de Hernáez se adhiere al texto con un tratamiento tonal/modal, se ha reunido con los intérpretes Marta Toba, soprano; José Manuel Conde, barítono y Sebastián Mariné, piano, con los que interactuó durante el proceso de grabación. En RITMO los hemos juntado en un 4 x 4, que no es el compás binario sino cuatro preguntas similares a los cuatro protagonistas del disco, CD que precisamente alcanzó el tercer puesto de ventas en la lista internacional de Naxos en junio de 2018.

4 x 4
4 preguntas para 4

1. Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

2. Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

3. ¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

4. ¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

 

Constancio Hernáez
Compositor

Este CD nació de la relación personal y profesional de los intérpretes y el compositor, es decir, yo mismo, cuyo germen fue la presentación realizada en la SGAE en febrero de 2016: ello propició el acuerdo de presentarlo al sello Naxos. Creo que todos nosotros hemos aportado algo al repertorio de la canción española, así lo demuestra el proceso fluido e ilusionado en la grabación del disco.

Como compositor, he intervenido desde el año 2000, aproximadamente, en la organización de festivales de música contemporánea; precisamente, fui socio fundador del Festival de Tres Cantos; desde 2008 soy miembro de la junta directiva de la AMCC, organizadora del Festival de Música Contemporánea de Madrid (COMA). 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Desde mi actividad de compositor, y en lo relativo a la canción de concierto, texto y música representan dos lenguajes que tienen que convivir íntimamente, estableciendo entre ellos un juego de protagonismos y sometimientos, ayudándose ambos en beneficio del resultado artístico total. He entendido las canciones como un todo literario-musical, donde cada parte tiene que impulsar a la otra; el resultado debe transcender lo que es música o poesía en sí mismas. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Entiendo que la comunicación entre compositor e intérprete es de suma importancia. Y, en lo que se refiere al proyecto abordado, creo que ha existido un gran entendimiento entre nosotros. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Durante los siglos XX y XXI no hay compositor que no tenga en su catálogo canciones, y especialmente canción española; aunque también es verdad que, salvo casos contados, no hay una gran profusión de este tipo de obras. Según lo veo, éstas han ido a integrarse en el repertorio de cámara de los propios compositores españoles. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que muy importante y decisivo; en este disco aparecen grandes poetas que, a través de su poesía, nos sumergen en mundos de ideas, emociones y sentimientos tan profundos y sinceros, que motivan el intento de hacer buena música; sin hablar de la métrica y de la construcción formal del mismo poema, que te obliga a ser creativo en su concepción rítmica, cosa que, en la composición de música puramente instrumental, no hubiera sido tan necesaria. 

Marta Toba
Soprano

Soy soprano, actriz, profesora de canto y autora de mis propios espectáculos. “Music and Poetry” es mi primera incursión en la música clásica contemporánea y ha sido un estupendo regalo de la vida. Cuando Constancio me envió las canciones, en seguida vi que iba a ser un reto para mí. No era la música a la que estaba acostumbrada a interpretar pero, poco a poco se convirtió en una nueva manera de expresarme y… me enamoré, del proyecto y de mis compañeros. Por eso… un regalo de la vida. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Creo que es música que se ha servido de un texto. Constancio es un autor muy seguro de lo que quiere, tiene siempre muy claro lo que desea transmitir y, aunque no lo hemos hablado, creo que la música rondaba en su cabeza antes que el texto. Aunque ahora ya me quedo con la duda… le preguntaré sin falta… 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Por supuesto que las amplía. Poder preguntarle, en vivo y en directo, qué matiz quería transmitir en uno u otro momento, ha sido un privilegio. Pero en verdad he de decir que estábamos bastante sintonizados, incluso le propuse algún cambio, que él me adquirió sin ningún esfuerzo. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Yo no soy muy erudita en estos temas, pero imagino que, como en todo, cuando algo no se cultiva, se ve afectado de alguna manera. No obstante, creo que la música y los autores españoles tienen una pasión que prevalece sobre todas las cosas, incluido el abandono, y que a pesar de los pesares, el talento siempre aflora. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que los poetas son los eternos inspiradores de la música. La importancia de la palabra, del verso, de las emociones, del ritmo… siempre evocadores. La música por sí sola puede tocar nuestra alma, sin duda, pero cuándo a eso se le unen unas palabras, un sentimiento… nos llega directamente al corazón. Y además nosotros tenemos la suerte de contar con maravillosos e inspiradores poetas. Por eso, cuando las dos cosas se unen, salen cosas tan maravillosas como “Music and Poetry” de Constancio Hernáez. 

José Manuel Conde
Barítono

Este barítono, que realizó la carrera de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con cursos de técnica vocal con los maestros Francisco Ortiz, Vicente Sardinero y Pedro Lavirgen, es también licenciado en derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Se ha puesto en la piel de personajes como Germont (La Traviata), Marcello (La Bohème), Escamillo (Carmen), Tonio (Pagliacci) o Renato (Un ballo in maschera), entre muchos otros, actuando en países como Japón, Argentina, Brasil, República Dominicana y, lógicamente, en España, principalmente en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid, entre otros. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

El hecho de que los textos sean poesía, nos traslada a un escenario de música implícita. En este trabajo, Constancio Hernáez ha plasmado en partitura la idea que le sugiere el propio lenguaje poético y, por tanto, una vez interpretada, para mi representa un todo indisociable, y se convierte en un ente homogéneo que rebasa lo musical y lo poético. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Creo que eso depende del autor. En el caso de Constancio, las posibilidades creativas en la interpretación son indudables, ya que él siempre apuesta por esa libertad expresiva dentro de los parámetros básicos del respeto por la obra. Ha habido siempre interacción positiva. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

El momento actual es deficitario en este sentido, y trabajos como este pueden ser estimulantes para que se de una continuidad creativa en “los creadores” y una expectación creciente en “los públicos”. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Absolutamente fundamental. La poesía es la chispa que provoca el incendio de la composición musical, y ambas se retroalimentan mutuamente en el preciado género de la canción clásica. 

Sebastián Mariné
Piano

Sebastián Mariné, reconocido pianista e igualmente compositor, ha actuado como solista con las principales orquestas españolas y ha estrenado tres conciertos para piano y orquesta especialmente escritos para él (V. Ruiz, R. Cavestany y F. Aguirre). Su discografía, además de las Canciones de Hernáez, incluye obras de Stevenson, Rodríguez Albert, Iturralde, Marco, García Abril y Benavente. Como compositor es autor de un catálogo que contiene más de noventa obras en todos los géneros, estrenadas por prestigiosos solistas, orquestas y agrupaciones. Es Profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y también en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Como un texto que ha calado muy hondo en un compositor sensible que lo recita musicalmente y lo arropa con un acompañamiento pianístico adecuado a su interiorización del poema. Como ocurre en muchos Lieder románticos, a veces la misma música se repite con distinto texto, pero hay pequeños detalles que cambian sutilmente para diferenciar la intención expresiva de cada estrofa. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Depende del compositor. Si es un autor que tiene de su música una idea muy clara, única y excluyente puede frenar la fantasía del intérprete. Pero también la tradición puede frenar la inventiva en el caso de un autor fallecido. Constancio nos ha transmitido desde el principio una gran confianza en nuestra sensibilidad, no imponiendo una visión cerrada de sus canciones sino moldeando nuestra visión de cada una de ellas, sugiriendo detalles que nos ayudaban a introducirnos en el clima de cada poema musicado. Nos hemos sentido muy respetados pero también muy enriquecidos. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

En la primera mitad del s. XX se vivió una edad de oro de la canción culta. Los principales compositores (Falla, Nin, Turina, los Halffter, Mompou, Gerhard, Rodrigo, Bacarisse, Guridi, Obradors, Toldrà…), reservaron una parte importante de su producción al género. En cambio, en la época de las vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial sólo pervivió en algún autor esta predilección, favoreciéndose la integración de la voz en pequeños conjuntos instrumentales. Pero creo que es evidente que en las generaciones posteriores se ha vivido un renacimiento del repertorio para este mágico dúo que forman la voz y el piano. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Muchos de los poetas del s. XX españoles eran amigos de compositores, siendo algunos de ellos también estimables músicos (Gerardo Diego, García Lorca). Creo que esta cercanía fue la responsable de esa eclosión que antes comentábamos. Esos poetas (y también anteriores como Bécquer, presente en este CD) han seguido inspirando a los compositores actuales, aunque en las últimas generaciones se está prestando una atención más especial por los poetas coetáneos. 

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https://www.naxos.com/catalogue/item.asp?item_code=8.579027

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por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: de izquierda a derecha, Constancio Hernáez, José Manuel Conde, Marta Toba
y Sebastián Mariné.
Crédito © Emilio Hernáez

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Publicado: Septiembre 2018
Temporada 2018-19

Con Antonio Méndez como director principal, la Orquesta Sinfónica de Tenerife incorpora novedades y apuesta por el repertorio romántico y postromántico.

La Sinfónica de Tenerife ha diseñado para el inicio de la temporada 2018-19 un interesante programa, que incluye el Preludio y Muerte de amor de Tristán e Isolda de Wagner, el Concierto para piano en sol mayor de Ravel y la Sinfonía n. 1 “Titán”, de Mahler. El director principal de la orquesta, Antonio Méndez, estará al frente de este concierto inaugural el próximo viernes 14 de septiembre en la Sala Sinfónica del Auditorio de Tenerife y contará con la presencia como solista invitado de Javier Perianes, uno de los pianistas españoles más destacados en el ámbito internacional.

Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la orquesta ofrece una programación que aúna tradición y modernidad al mismo tiempo que se abre al mundo a través de la música. Nuevos solistas y batutas de calidad contrastada intervendrán como invitados en los 19 conciertos de este ciclo que, del 14 de septiembre al 21 de junio, recogen medio centenar de obras de estilos variados para deleite de todos los públicos.

Antonio Méndez se pone al frente de la formación musical del Cabildo de Tenerife en esta nueva etapa de crecimiento y proyección nacional e internacional, para consolidar la trayectoria de este proyecto artístico en un rumbo acorde con su prestigio. Planteará un trabajo conjunto lleno de novedades, en el que coloca en un lugar privilegiado al gran repertorio romántico y postromántico centroeuropeo, en una temporada cuyos dos ejes fundamentales serán los ciclos dedicados a Brahms y Debussy.

También tendrá especial importancia el repertorio coral, con la participación de destacadas formaciones de la Isla, en un mini ciclo de tres conciertos, dos de ellos bajo la batuta del director principal y el tercero con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez, en el podio.

Esta temporada presenta por primera vez la figura del artista en residencia, que en esta ocasión recae en el músico François Leleux, quien intervendrá en dos programas, en uno como solista de oboe y en otro como director. La relación de solistas que debutan con la Sinfónica de Tenerife en la temporada 2018-19 son Alina Pogostkina (violín), Truls Mørk (violonchelo), Luise Buchberger (violonchelo), Ashop Gupta (piano), François Leleux (oboe), Alexandra Soumm (violín), Ian Bousfield (trombón), Alicia Amo (soprano), Anabel Aldalur (mezzo), Leigh Howard Stevens (marimba), Jorge Luis Prats (piano), Michel Barenboim (violín) y Regula Mühlemann (soprano). Nombres que se suman a otros ya conocidos por el público tinerfeño como Javier Perianes (piano), Cristo Barrios (clarinete), Agustín Prunell-Friend (tenor), David Wilson-Johnson (barítono), Daniel Müller-Schott (violonchelo) y Vestard Shimkus (piano).

La Sinfónica de Tenerife interpretará un total de 47 piezas de 27 compositores, combinando las estéticas de Wagner, Ravel, Mahler, Falla, Shostakovich, Rachmaninov, Tchaikovsky, Prokofiev, Schubert, Mozart, Haydn, Beethoven o Strauss. La composición actual estará asimismo presente con la interpretación de Nocturno Sinfónico, obra con la que Marcos Fernández ganó la IX Edición del Premio de Composición Musical AEOS-Fundación BBVA, y el estreno absoluto de In Memorian, del tinerfeño Agustín Ramos. Además, esta temporada regresa el concierto pop, dirigido por Nick Davies y estará dedicado a la música del grupo The Beatles.

Nuevas batutas serán las encargadas de subir por primera vez al podio de la Sinfónica de Tenerife, como el caso de  Elim Chan, Lorenza Borrani, Nuno Coelho, Lucas Macías, el propio François Leleux y Karl-Heinz Steffens. El nuevo director principal, Antonio Méndez, estará al frente de la inauguración y clausura y dirigirá ocho conciertos. De los 19 programas que conforman la temporada, tres contarán con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez. Solo James Feddeck y Nick Davies vuelven a reencontrarse con la formación orquestal.

En su apuesta por adaptarse a sus públicos y acercar la música en directo a más personas, la Sinfónica de Tenerife ha creado nuevas modalidades de abonos de 10, 4 y 3 conciertos, que se suman al tradicional Abono de Temporada y al Abono de Bienvenida. Además, entre las novedades de esta temporada es significativo el compromiso de la formación musical del Cabildo por los jóvenes, que se traduce en ofrecer la oportunidad de disfrutar de la temporada completa de conciertos a un precio único de 20 euros a los menores de 27 años. Asimismo, los mayores de 65 años con rentas reducidas tendrán un descuento del 70%. Todos los abonos, plazos, ventajas y precios especiales de las entradas pueden consultarse en las web:

www.sinfonicadetenerife.es

www.auditoriodetenerife.com

Además de los 19 conciertos de temporada, la actividad de la Sinfónica de Tenerife se completa con un amplio catálogo de conciertos en aras de aproximar la música sinfónica a la población de toda la Isla. A su presencia en Ópera de Tenerife, Festival de Música de Canarias, Fimucité o Festival de Música Contemporánea, la orquesta suma conciertos didácticos para público infantil y familiar, programas extraordinarios, el de Navidad, de la mano de la Autoridad Portuaria, los que conforman el Ciclo de Cámara de Tenerife y su ya habitual presencia en los hospitales y centros sociosanitarios, lo que hace que la formación tinerfeña cuente con más de un centenar de actividades a lo largo del año. 

por Blanca Gallego 

Foto: Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife promete emociones fuertes.
Crédito: © Igor Studio 

Yuri Pochekin, luthier

Yuri Pochekin, luthier

Publicado: Julio-Agosto 2018
70 años moldeando sonidos

Estimado señor Pochekin, ante todo le felicitamos el día de su 70 aniversario. Y hablando de su arte, ¿qué ha sido lo más importante para usted en todos estos años?

¡Muchas gracias! Lo primero, siendo luthier, es la obra de toda mi vida; no podría vivir de otra manera. Hablando de mi trabajo, claro que siempre me ha gustado crear nuevos instrumentos. En todos estos años he hecho más de 300 violines, violas y violonchelos. Con mucho gusto he restaurado los antiguos instrumentos italianos, incluyendo los exquisitos ejemplos de Stradivari, Guarneri, Guadagnini y muchos otros. Sin duda, para mí las cualidades sonoras siempre han sido lo principal, del mismo modo con los antiguos instrumentos que con los míos propios.

¿Cómo llegó a esta profesión?

Comencé a tocar el violín a los 5 años y luego hice mis estudios de música en la Academia Musical de Gnesin en Moscú. A los 13 y 14 años me aficioné de verdad al arte de luthier. Me fascinaba todo sobre el tema, como la estructura, forma, sonido, etc. A los 17 años, aproximadamente, empecé con pequeñas restauraciones de violines, encerdando los arcos, y pronto ya hice mi primer violín. Y ahora resulta que llevo más de 50 años en la profesión... Supongo que fue difícil para mí cuando decidí dejar de tocar y me dediqué al arte de luthier. Pero me siento muy feliz que fuera así. Y el hecho de que tocara el violín por muchos años, me ha ayudado mucho en mi trabajo acústico con los instrumentos y me ha permitido y me permite escuchar el sonido de una forma particular.

Estudiaba con los más famosos luthiers de segunda mitad del siglo 20, cuéntenos un poco sobre ellos…

En verdad me siento muy afortunado de haber tenido maestros así. Tras ganar el Concurso Nacional de Luthiers de la Unión Soviética en 1974, fui a estudiar a Cremona al “Istituto di Istruzione Superiore Antonio Stradivari”, donde mis maestros fueron Francesco Bissolotti y Gio Batta Morassi. En 1980 fui a Praga para trabajar con Premysl Spidlen en su taller. Todos los maestros eran diferentes y cada uno tenía su propia forma artística. Pero había una cosa en común para todos ellos, su fidelidad fanática al arte y su amor por los violines. 

Entre los músicos con los que ha trabajado, había gente extraordinaria. ¿Entre ellos, quién le impresionó profundamente?

Entre los primeros músicos que me confiaron sus instrumentos, estaban los miembros del legendario Cuarteto Borodin y el violinista Boris Goldstein. En aquel entonces, para un joven luthier como yo, poder trabajar con maestros de ese nivel significaba mucho apoyo y era una experiencia increíble. Posteriormente hicimos amigos artísticos con muchos músicos. En general, me siento muy feliz de haber podido trabajar en Moscú en los años 70 y 80. Fue la temporada del gran apogeo de la escuela rusa. Yo cuidaba durante muchos años los instrumentos de Daniil Shafran, Mikhail Kopelman, Nelli Shkolnikova o Liana Issakadze. También estábamos en contacto constante con los legendarios profesores Yuri Yankelevich, Boris Belenkiy y Zakhar Bron. Cada uno tenía diferentes personalidades y pudimos establecer un contacto creativo muy especial. Por ejemplo, una etapa importante en mi trabajo fue la cooperación con la Colección Estatal de Instrumentos Únicos en Moscú. También trabajé durante varios años con el Teatro Mariinsky y su director artístico Valery Gergiev. Tienen una colección exclusiva de instrumentos italianos antiguos.

En los últimos 20 años vive y trabaja en Madrid. ¿Qué le parece España?

Me mudé a España en 1998. Un año después participé en el Concurso Nacional de Lutheria de José Contreras en Sevilla, donde mi violín y viola ganaron el Primer Premio y la Medalla de Oro, marcando un periodo importante de mi vida española. Si le digo la verdad, yo disfruto trabajando en Madrid. Buen clima y el sol son indispensables para poder crear nuevos instrumentos y aquí, como se puede comprobar, ambos elementos están de sobra durante casi todo el año. También he establecido excelentes relaciones con muchos músicos en España. En Madrid, por ejemplo, tengo buenas amistades con la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Es una escuela maravillosa, donde trabajan los mejores maestros del mundo.

Curiosamente, sus hijos Iván y Mikhail, famosos violinistas que siempre tocan los instrumentos que usted hace, son los primeros probadores de sus creaciones….

Si le digo la verdad, siempre he querido que mis hijos tocasen el violín. Incluso hice ocho pequeños instrumentos con las formas y dimensiones apropiadas para ellos. Es decir; estas formas permitían que cuando el niño creciera, cambiara el violín por uno más grande y no apreciara la diferencia. Ahora, mis hijos ya son mayores. Tienen 31 y 28 años, respectivamente. Cuando interpretan como solistas con una gran orquesta sinfónica tocando los instrumentos que he hecho, siempre me provoca una gran satisfacción…

Yuri Pochekin (Luthier)
Contacto:
yuri_pochekin@mail.ru

www.pochekin.com

por Lucas Quirós 

Foto: Afincado en Madrid desde 1998, Yuri Pochekin es uno de los más prestigiosos luthiers del mundo.
Fotografía de Kirill Bashkirov

 

III edición de LittleOpera Zamora

III edición de LittleOpera Zamora

Publicado: Julio-Agosto 2018
Opera de cámara y experiencias turísticas

El festival zamorano, especializado en ópera de cámara, inaugura su III edición con una Gala Lírica de la mano de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCYL) y dos intérpretes internacionales, la soprano venezolana Ana Lucrecia García y el barítono rumano Florin Estefan, además del coro colaborativo LittleOpera, formado por tres coros zamoranos. Este año, la Gala, dirigida por el maestro Arturo Díez Boscovich, homenajeará al recientemente fallecido Jesús López Cobos (Toro, 1940-Berlín, 2018), director emérito de la OSCYL y orquesta con la que, además, realizó sus últimas grabaciones discográficas.

Atractivo cultural y turístico

Desde su origen, fruto de la colaboración entre las concejalías de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Zamora, LittleOpera Zamora y su directora, la soprano Conchi Moyano, presentan al público propuestas originales y diferentes, en un esfuerzo por combinar atractivo cultural y turístico tanto para los zamoranos como para cualquier amante del arte lírico. Cada edición del Festival ofrece la mencionada Gala Inaugural, más dos producciones propias, un título de nueva creación, un espectáculo familiar y Talleres Divulgativos para la creación de nuevos públicos.

Sumar a esta oferta musical la degustación de productos zamoranos y las visitas guiadas gratuitas por el románico de Zamora convierte a LittleOpera Zamora en uno de esos festivales que se consolidan en el paisaje cultural español, aunando distintas sensibilidades culturales.

Creación contemporánea

Otro de los elementos que marcan la personalidad del Festival es la apuesta por la creación contemporánea, inseparable, para los organizadores, de una programación responsable de eventos musicales, ya que consideran necesario ofrecer al público actual oportunidades para el acceso a la música que se está creando en su tiempo. “En nuestro mundillo es algo obvio, pero la inmensa mayoría de la gente no está al tanto de la creación contemporánea”, explica Conchi Moyano, directora del Festival.

De ahí que desde su primera edición, el Festival haya programado cuatro óperas escritas durante el siglo XX (obras de Menotti, Maxwell-Davies, Poulenc y Escudero). Sin olvidar óperas de cámara de períodos anteriores, lo que han hecho presentando montajes de obras de Mozart, Jommelli, Pergolesi y Cimarosa.

“Se consolida la particular oferta lírica que ofrece la ciudad de Zamora del 25 al 29 de julio, con la III edición de LittleOpera Zamora, el único festival europeo que se dedica íntegramente a la puesta en escena de óperas de cámara de todas las épocas”.

La cambiale di matrimonio

En 2018, del 25 al 29 de julio LittleOpera Zamora pondrá en escena la representación de La cambiale di matrimonio de Rossini, como homenaje al 150 aniversario de su muerte, en una sesión en la que también se podrá asistir a la interpretación de A hand of bridge, de Samuel Barber, probablemente la ópera más corta del repertorio (unos 12 minutos para cuatro personajes).

La obra contemporánea de este año será La luterana, un guiño del español Agustín Castilla-Ávila al 500 aniversario de la Reforma (el personaje central de la ópera es la monja Katharina von Bora, que se convirtió en la esposa de Martin Lutero).

En la búsqueda de nuevos públicos, el Festival programará AriaKadabra, un espectáculo que mezcla ópera y magia en directo, con el aval del éxito que ya tuvo en el Liceu barcelonés.

Precios populares

La organización de LittleOpera Zamora siempre ha apostado por una política de precios populares. Este año, el Festival ofrece un abono para todas las actividades/espectáculos por tan sólo 45€, que incluye la invitación a la degustación gastronómica posterior a la Gala de inauguración y visitas guiadas al rico patrimonio arquitectónico románico que pervive en Zamora.

LittleOpera Zamora surgió como una iniciativa del  Ayuntamiento de Zamora junto con la Asociación Lírica de Zamora, y recibe el apoyo económico de la corporación municipal además del de la Junta de Castilla y León y la Fundación Caja Rural de Zamora. “Estamos muy agradecidos a todos ellos, porque gracias a su confianza, en este proyecto se ha logrado hacer crecer en Zamora un festival único en Europa”, apostilla Conchi Moyano.

http://www.littleoperazamora.com/

por Arburua Iribarren

 

Leticia Gómez-Tagle

Leticia Gómez-Tagle

Publicado: Junio 2018
Dance Passion y Poems and Pictures, retratos al piano

¿Podemos hacer un balance de sus últimas actividades?

Los últimos dos años, tanto 2016 como 2017, han sido para mí muy fructuosos, pues he podido realizar dos grabaciones discográficas con un importante sello alemán, ARS Produktion, que me han proporcionado muy buenas críticas que se pueden leer en mi página web, en revistas musicales internacionales, incluyendo RITMO, además de Scherzo en España, Fanfare en USA, Pizzicato en Luxemburgo o Musicweb international en Reino Unido, entre otras. El CD de 2016 se tituló Dance Passion, con un repertorio de compositores europeos y latinoamericanos. Me sentí muy feliz de contemplar mi CD comparado con las grandes interpretaciones de pianistas top.

Una grabación con una aportación suya a la obra de Márquez…

Sí, es así, ya que esta grabación incluye también mi transcripción del Danzón n. 2 para piano solo de Márquez. La edición de esta transcripción salió ya en Peermusic Classical, lo que fue para mí un motivo de alegría (o de sentirme orgullosa, en el buen sentido).

Poems and Pictures fue su segundo disco en Ars Produktion…

Exacto. Fue en 2017 cuando grabé otro CD con la misma discográfica, al que llamé Poems and Pictures, con 2 obras pianísticas importantes: Gaspard de la nuit de Ravel y Cuadros de una exposición de Mussorgsky. Entre una y otra incluí transcripciones de Liszt sobre Lieder de Schubert. También se dijo de esta grabación que era una buena alternativa a interpretaciones conocidas de los grandes pianistas, por lo que estoy más que satisfecha del resultado. Claro, que como artista nunca se está del todo conforme y como la grabación es al fin y al cabo una foto de un momento, la interpretación sigue evolucionando. Pero ya se sabe que eso es así y que las obras se tocarán siempre nuevas y de una manera diferente. Este CD es, además, el primero con estas dos grandes obras grabadas por una pianista mexicana.

Tengo entendido que dio conciertos en El Líbano…

2017 fue un año muy interesante: ya que pude dar varios recitales allí. Fue una tournée muy atractiva. Al principio, cuando me invitaron, tenía un poco de miedo por la situación política. Por medio de las embajadas pude enterarme que el momento era bueno para ir y me decidí. No me arrepiento. Aparte de los conciertos, ofrecí una masterclass a alumnos del conservatorio. Fue muy provechoso comprobar el gran interés de los alumnos.

¿Y proyectos inmediatos?

En septiembre vuelvo a grabar para la misma discográfica Ars Produktion, con obras de dos grandes: Chopin y Liszt. Supongo que saldrá al mercado a finales de 2018. El título del CD todavía no está pensado. El trabajo que se hace para grabar ayuda a pulir las obras al máximo. Creo que esto también me ha ayudado en mi interpretación, pues aunque se trabaje sobre la misma obra, siempre se encuentra algo nuevo. Y últimamente he tocado por primera vez en Suiza y entre los próximos conciertos en mi agenda está también España. Tocaré en Almería en noviembre. Y lo más inmediato son recitales en México en verano y, justo después, en octubre, daré conciertos en la ciudad austríaca de Linz.

DANCE PASSION
Leticia Gómez-Tagle, piano.
Ars Produktion ARS38183

Con un amplio recorrido por el mundo de la danza llevado al piano (claro ejemplo, la Danza del Molinero de El sombrero de Falla, a la que imprime de bellos rubatos antes del acelerando final), la pianista mexicana Leticia Gómez-Tagle aborda un comprometido programa en el que fusiona sus orígenes latinoamericanos con su formación centroeuropea, tocando desde Liszt, Brahms o Chopin, al citado Falla y Albéniz con Piazzolla, Neubauer (Tango-Space, que amplía las posibilidades del instrumento, con percusión y un colorista uso del teclado) o Ponce, entre otros, además de contener un bolero compuesto por el padre de la pianista para el día de su boda (la madre de Leticia). La jugosa rítmica del Valse-Caprice n. 6 de Liszt es una delicia, pero el arte de la mexicana se desglosa aún más en la segunda parte del disco, dedicada a los ritmos americanos (Malambo de Ginastera), salpicados de contenida tristeza (Verano Porteño de Piazzolla), de melancolía (Habanera de Ponce), de un quasi rag del tango Perigoso de Nazareth y la gracia del Joropo de Moleiro, que parece salir de una novela de García Márquez.
(publicado en RITMO de enero de 2016, por Lucas Quirós)

http://leticiagomeztagle.no-te.com

https://www.facebook.com/leticiagomeztaglepiano/

por Lucas Quirós
 

Foto: La pianista mexicana Leticia Gómez-Tagle.
Crédito: Weinwurm 

Festival AETYB Madrid 2018

Festival AETYB Madrid 2018

Publicado: Junio 2018
El mundo de la tuba y el bombardino, del 20 al 25 de julio

La Asociación Española de Tubas y Bombardinos (AETYB), en colaboración con la International Tuba and Euphonium Association (ITEA), organiza del 20 al 25 de julio su tercer gran Festival, el Festival AETYB Madrid 2018 – Super Regional ITEA, que tendrá a D. Manuel Dávila, profesor de Tuba, como anfitrión del evento, y se desarrollará en las instalaciones del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

AETYB fue presentada en 2012 como un lugar de encuentro para los amantes de la Tuba y el Bombardino. Desde entonces, la Asociación desarrolla numerosas actividades entorno a estos instrumentos: encuentros, concursos de composición, publicación de entrevistas y artículos de investigación, encargos de nuevas obras, organización de conciertos, etc. Estas actividades han captado en los últimos años la atención de profesionales, estudiantes y amateurs, que unidos por la pasión que sienten hacia la tuba y el bombardino, han visto en la Asociación el punto de unión que reclamaban estos instrumentos que tanto han crecido en España en los últimos años.

Los eventos organizados por la AETYB que han despertado mayor interés entre los tubas y bombardinos, con casi cuatrocientos asistentes en cada uno de ellos, han sido los exitosos Festivales de Barcelona en 2014 y Valencia en 2016, en los que se ha contado con la participación de los más reputados artistas nacionales e internacionales del mundo de la tuba y el bombardino, y se ha desarrollado todo tipo de actividades relacionadas con estos instrumentos: recitales, concursos, talleres, actividades infantiles, clases magistrales, conferencias, conciertos, exposiciones de instrumentos y partituras, etc.

En 2018, la International Tuba and Euphonium Association (ITEA), entidad que agrupa a músicos de todo el mundo relacionados con la tuba y el bombardino, y organizadora de los más importantes festivales llevados a cabo históricamente para estos instrumentos en ciudades como Linz (Austria), Indiana (Estados Unidos), Sapporo (Japón), Maryland (Estados Unidos) o Riva del Garda (Italia), ha considerado participar en el Festival AETYB Madrid 2018, designándolo como encuentro Super Regional ITEA. Durante el Festival se desarrollan numerosas actividades relacionadas con la tuba y el bombardino: clases magistrales impartidas por concertistas de todo el mundo, conferencias, debates, talleres participativos, actividades para los más jóvenes, etc.

Concurso AETYB 2018

Una de las actividades más importantes del Festival será el Concurso AETYB 2018. En este caso, se organizan en seis categorías según el instrumento y la edad de los aspirantes, y se reparten numerosos premios entre los ganadores de cada categoría. Los jurados del Concurso están formados por algunos de los más prestigiosos tubas y bombardinos de nuestro país, así como con afamados artistas internacionales.

En el Festival tendremos la oportunidad de escuchar fantásticos e inolvidables conciertos ofrecidos los mejores solistas y grupos del momento, que harán el deleite de los participantes tanto por su calidad como por su variedad, acompañados por las más variadas formaciones sinfónicas y de cámara.

Cabe destacar el concierto del Ensemble AETYB, que reunirá a cuatrocientos tubas y bombardinos y estará formado por todos los participantes del Festival, sea cual sea su edad, procedencia o nivel de estudios, ya que jóvenes y mayores, aficionados y profesionales, compartirán fantásticas experiencias durante esta gran semana. El Ensemble AETYB contará como director en cada una de las obras seleccionadas en el programa con un profesor de reconocido prestigio.

Al llegar la noche se disfrutará de las Movida’s Night AETYB en la Cafetería Nubel del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, un lugar fantástico para terminar las actividades diarias de forma distendida y reponer fuerzas, escuchando actuaciones en directo.

Otra parte muy importante del Festival, en colaboración con las numerosas marcas, son las exposiciones. Sin duda esta es la mejor ocasión para probar los últimos modelos de tubas y bombardinos y poder hablar con sus constructores, diseñadores e importadores. Los expositores también nos presentarán las últimas novedades del sector en accesorios, fundas, partituras y reparación de instrumentos.

La mayor parte de las actividades del festival se desarrollarán en las magníficas instalaciones del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, situado frente al Museo Nacional de Arte Reina Sofía y a un paso de la estación de tren de Madrid Atocha, en la zona centro de la ciudad. El Conservatorio cuenta, además, con un gran número de salas de conferencias y aulas dotadas con la equipación necesaria para un evento de estas características, con tres auditorios: el Auditorio Tomás Luís de Victoria, el Auditorio Cubiles y el Auditorio Manuel de Falla.

Madrid es una ciudad abierta, cosmopolita, que fusiona modernidad con tradición, con una variada oferta cultural, una rica gastronomía y llena de fantásticos monumentos, museos y mucha diversión.

www.aetyb.org

por Lucas Quirós

Foto: Festival AETYB Madrid 2018.

Festival Terras Sem Sombra

Festival Terras Sem Sombra

Publicado: Junio 2018
Tierras que asombran

A escasos kilómetros de la frontera con España, el Baixo Alentejo es una región rica en paisajes, con un vino que besa en los labios al que lo bebe y con unas gentes enamoradas de sus tierras. Compuesto por 13 concelhos en el Distrito de Beja, esta comarca ha celebrado la 14º Edición de Terras Sem Sombra, el Festival do Baixo Alentejo 2018, con el título “Aproximando o Distante - Tradição e Modernidade na Música Europeia (Séculos XVI-XXI)”. Con la dirección de José António Falcão, cuenta con la dirección artística de nuestro querido Juan Ángel Vela del Campo, que programa con inteligencia y chispa.

“Haznos una visita al Festival -me dijo Juan Ángel-, te sorprenderá esta tierra y sus gentes”. No lo dudamos un momento, y tras pasar unos días en la cautivadora Lisboa, sin que Eurovisión nos contagiara su pasión por la mala música, un sábado por la mañana me encontraba montado en un autobús camino de Beja. Llegar a este bello pueblo es como entrar en el universo de Amarcord de Fellini, donde se respira una pasión por sus productos, sus tierras, con gente cariñosa que se saludan una y otra vez en un portugués que hablan a toda velocidad y que se dirigen a uno con cercanía, como si le conocieran desde hace años. Tras almorzar un cordero ensopado servido una y otra vez con generosidad en el Restaurante Luiz da Rocha y hablar con el sabio José António Falcão sobre las virtudes de Beja, con la nueva incorporación de un obispo que ama más las misas que la música y que ha dejado las iglesias solo para el culto y no para Mozart o Bach, lenguajes más divinos que cualquier otro, partimos tan saciados como un obispo a conocer las bellezas del pueblo, especialmente en una ruta programada sobre Soror Mariana Alcoforado (Beja, 1640-1723, Beja), religiosa autora de las Cartas portuguesas o Cartas de amor de la monja portuguesa (1669), cinco famosas misivas amorosas consideradas como una obra maestra de la literatura universal.

Este recorrido organizado, que es un plus a los conciertos y que reunió a buena parte de la audiencia de esa misma noche, culminó, tras la iglesia principal, casa natal de Mariana y museo de Beja, en la biblioteca, donde nos regalaron una preciosa edición de las Cartas, con ilustraciones de Susa Monteiro.

Canto corso: Barbara Fortuna

Tras descansar brevemente, nos esperaba el concierto en el Convento de São Francisco, reconvertido en acogedor hotel (Pousada de São Francisco), de Barbara Fortuna (cuarteto de canto corso), que justo el día anterior habían cantado en el ciclo de la Universidad Autónoma de Madrid en el Auditorio Nacional de Música. Con diferencias al ofrecido la noche anterior en Madrid, Barbara Fortuna es como un viaje por el Mediterráneo, nos salpica el agua tibia y acabamos cubiertos de salitre quemado por el sol: su canto proviene de las más profundas culturas mediterráneas, con atrevidas disonancias que nos pueden recordar a Monteverdi y con claras alusiones al canto siciliano (a Italia en general) y a diferentes cunas de un mar que tiene un pacto con el sol, incluido un orador matutino de los minaretes musulmanes.

La belleza vocal de este cuarteto no puede entenderse (ni explicarse) desde los cánones clásicos. Cantan de maravilla, pero cantan en su estilo. Fundamentado en un discurso de liberación y de nacionalismo corso, es tal la belleza de cada canción, que el Convento, repleto de público y adecuadamente bañado de una luz azul eléctrica que nos trasladaba al mismo color de este mar, acogió uno de los conciertos más bonitos y diferentes que he escuchado en mi vida. A capella o con una guitarra, las canciones, repletas de guiños y metáforas sobre los placeres de la vida, incluida la religión (un Ave Maris Stella realmente emocionante) nos hacían mirarnos a los asistentes con cara de felicidad, que fue correspondida por Barbara Fortuna con varios regalos finales impagables. Una delicia que no había acabado…

Marchamos todo el séquito a cenar, donde nos esperaban representantes locales del Cante Alentejano, Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, que comenzaron a cantar mientras degustábamos exquisito vino de la zona y la cena preparada por la propia gente de Beja, ya que es la sociedad civil la que se involucra profundamente en todo el festival. Este canto fue secundado por Barbara Fortuna, que comenzó su particular duelo vocal con los alentejanos, para goce de los que allí estábamos. La noche acabó con una luna que iluminaba Beja mientras aún sonaban los lamentos corsos de sus canciones por las calles.

La mañana siguiente estaba dedicada a una ruta de biodiversidad para observar las muchas aves del entorno, bajo un sol primaveral que iluminaba los verdes campos alentejanos, repletos de flores, olivos, pinos, eucaliptos, vides y lagos, una delicia para el viajero que ha descansado y que emprende la marcha que culmina un fin de semana centrado en un concierto, amenizado con estas actividades tan interesantes.

Almorzando bajo los árboles en un picnic delicioso, servido con todo detalle por la hacienda Herdade dos Grous, comprendí que los festivales de música no son nada sin su gente, sin el contacto y el cariño que les ponen y el acogimiento que ofrecen al visitante. En el Alentejo hay una calidad humana muy grande, se brinda a la primera que se puede, todo el personal del Festival se entrega a ayudar y cuando uno se marcha de Beja, del Alentejo, sabe que va a volver.

https://festivalterrassemsombra.org

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Barbara Fortuna ofreció un recital de canto corso repleto de belleza.
Crédito: Terras Sem Sombra 2018 / © Arlindo Homem 

Clásicas Sin Piedad

Clásicas Sin Piedad

Publicado: Junio 2018
Contra la violencia de género

Han pasado tres meses desde que arrancara Movimiento Sin Piedad (MSP) contra la violencia de género. Un alegato fotográfico y musical, del que RITMO es la revista oficial. Con la colaboración del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, y la Comunidad de Madrid, en marzo se estrenaron 22 retratos del fotógrafo Juan Carlos Vega, de 22 mujeres que se unen por la igualdad de género. Para ello, hemos hablado en exclusiva con cuatro de las mujeres de MSP relacionadas con la música clásica.

AINHOA ARTETA
Soprano 

Una filosofía de vida, por la mujer…
Espíritu de sacrificio es una frase con la que me siento identificada, pues es casi una filosofía que en la vida puede llevarte muy lejos, que me inculcaron desde muy pequeña. En mi retrato elegí la frase “Eduquemos en contra de la violencia”, porque la educación es la base de todo.

La mujer y la ópera…
Sobre la violencia de género en la ópera, destacaría La Traviata. Violeta es una mujer insultada, vejada por la sociedad porque tiene que renunciar al amor de su vida obligada por su padre. Los derechos de la mujer son tremendamente pisoteados en esta ópera, al igual que en otras muchas.

La mujer y la industria musical en España…
Vivimos un momento dulce y feliz en cuanto a cantidad y calidad de cantantes españolas, en el panorama artístico español. Está habiendo auténticas maravillas en el repertorio femenino. Me gustaría que el Gobierno o la entidad correspondiente cuidara, en general, más a los músicos españoles, y que hubiera una ley que protegiese más  nuestro patrimonio español y de cantantes españoles.

ELENA MIKHAILOVA
Violinista y compositora 

Una filosofía de vida, por la mujer…
Por desgracia creo que todas las mujeres en algún que otro momento de sus vidas han llegado a sufrir algún tipo de maltrato psicológico. Siempre me he refugiado en la música, y concretamente en el violín. En el himno Sin Piedad (editado por Universal Music Spain) he investigado a qué suena el dolor de la mujer. Mi lema para MSP es “No son víctimas sino supervivientes y heroínas”.

La mujer y la ópera…
Es muy interesante analizar el lenguaje de la ópera, dado que el machismo está presente en la mayoría, principalmente por la mentalidad de la época. Me quedo con Carmen, por su carácter, personalidad y pasión. Víctima de violencia de género, fue asesinada a manos de un hombre. El director Juan Paulo Gómez ha realizado unos arreglos, para violín y orquesta, de arias de famosas óperas, cuyas protagonistas han sufrido la violencia de género en sus carnes, como Tosca o Madame Butterfly.

La mujer y la industria musical en España…
Echo en falta mujeres que dirijan las principales orquestas de Europa. En el marco de MSP nace un movimiento musical, Ellas Dicen No, una orquesta de orquestas, que integra mujeres que componen otras formaciones orquestales ya constituidas. El 10 de noviembre tengo el honor de tocar como solista con Ellas en el Auditorio Nacional de Madrid y el 25 en Boadilla del Monte, el programa de Óperas y la mujer.

MONTSERRAT IGLESIAS
Directora General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música

Una filosofía de vida, por la mujer…
El silencio es parte constitutiva del sonido, y no hace falta llegar a la famosa obra de John Cage para percibirlo. Nuestra sociedad contemporánea no es muy dada a valorarlo, pero sí ha convertido el silencio en un símbolo de respeto y homenaje. Por ese carácter simbólico yo quise resaltarlo en la frase de la exposición (“Y ni un minuto de silencio más”), para que el fin de la violencia de género no calle más voces ni nos deje sin palabras por el desconsuelo de cada una de esas muertes.

La mujer y la ópera…
En la ópera, como en las demás artes, la representación de una mujer fuerte, independiente y que toma sus propias decisiones, suele terminar en su muerte o su aislamiento. Voy a mencionar el personaje que me resulta con diferencia el más antipático, Madama Butterfly, porque en su caso ella misma es la primera en aceptar sumisamente el destino que una sociedad machista y colonial le impone.

La mujer y la industria musical en España…
Hace ya tiempo que tenemos mujeres instrumentistas excelentes (en unas familias de instrumentos más que en otras), pero hay muy pocas directoras de orquesta, por ejemplo. Sea cual sea su profesión, las mujeres siempre tendrán que pensar de qué manera van a conciliar su vida familiar y laboral, algo que a los hombres les afecta muchísimo menos.

PILAR JURADO
Soprano, compositora y directora de orquesta 

Una filosofía de vida, por la mujer…
“Amores que duelen... tolerancia cero” es la frase de mi retrato. A lo largo de nuestra vida nos han transmitido el mensaje de que “quien bien te quiere te hará llorar” y que el amor conlleva sufrimiento, pero nada de eso es verdad. El amor verdadero busca tu felicidad y te proporciona equilibrio. Los amores que conllevan angustia, celos y sinsabores no son más que relaciones tóxicas revestidas de caramelos envenenados.

La mujer y la ópera…
De las óperas cuyos personajes han sufrido la violencia de género, no me quedaría con ninguna… Mi personaje favorito es la Zerbinetta de Ariadne auf Naxos de R. Strauss, precisamente porque es ella la que le explica al personaje de la Prima Donna porqué no hay que llorar por amor. Es un papel fascinante, libre y absolutamente lúcido en el tema de las relaciones humanas.

La mujer y la industria musical en España…
El papel de la mujer está evolucionando en todos los estamentos de nuestra sociedad y no podría ser de otra manera en la música clásica. Siempre he estado muy comprometida en este tema y llevo colaborando con asociaciones de mujeres desde hace más de veinte años y ahora, desde MadWomenFest, tengo la oportunidad de abrir muchas puertas y ventanas para que las mujeres del arte se conviertan en verdaderos referentes a nivel internacional.

https://www.movimientosinpiedad.com/

por Blanca Gallego
fotografía de © Juan Carlos Vega 

Foto: Montserrat Iglesias (Directora General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música). 

Aprender a crear creando

Aprender a crear creando

Publicado: Junio 2018
Todos creamos (dentro del Proyecto Pedagógico del CNDM)

Llevo años afirmándolo; incluso gritándolo: la educación musical es una de las pocas medicinas posibles para la enfermedad del mal pensar, y la aplicación inteligente de su praxis quizá la única manera de que, en todo, la Humanidad deje de ser lo que es, un conglomerado de brutalidades, amargas frustraciones, incomprensión e ignorancia antropológica. Si nuestros curas, nuestros banqueros, nuestros periodistas, nuestros juristas, nuestros comerciantes, nuestros médicos, nuestros políticos…, todos aquellos que de alguna manera intervienen en un grado u otro en la organización social, entendieran de una vez por todas el papel que podría jugar la educación musical en la formación humana del individuo, el mundo sería mejor, más lógico y más fácil. Y mucho más placentero. E inteligente; infinitamente más inteligente. Por eso se entiende mal la poca importancia que se da en los medios musicales más intelectualizados, y muy concretamente en el mundo de la crítica musical, a proyectos pedagógicos como el que se comenta ahora desde esta página. Porque si ya es especialmente doloroso que los que detentan el Poder lo ignoren (en absoluto les interesa lo contrario; es el camino más corto para ejercer el dominio), más doloroso resulta que los que saben del asunto pasen por encima de ello sin hacer el más mínimo caso. Todos estamos más por el oropel de la música como comercio que por la música como herramienta educativa.

Una actividad, un trabajo, un proyecto como Todos creamos (dentro del Proyecto Pedagógico del CNDM) no solo debería de ser exhibido donde lo ha sido (¡ya por quinta vez!) sino que debería ser parte de los planes de estudio de los colegios de Primaria, ESO y Bachillerato. Es muy gratificante asistir a un concierto como este, por haber podido comprobar de lo que son capaces de crear pedagogos, profesores y alumnos cuando alcanzan una química colectiva, es decir, cuando todos ellos son capaces de superar las más desgastadas reglas de la pedagogía tradicional, para decidir por fin algo tan sencillo como ¡trabajar juntos! Lo es, sí. Pero se queda corto. Porque al fin y al cabo lo deseable sería que una experiencia así se convirtiera en norma educativa, no en objeto para ser mostrado. Lo que estos chicos hacen en las preparaciones previas con sus profesores, a su vez dirigidos por Fernando Palacios y su equipo, adquiere un crédito de materia educativa, como si del aprendizaje de la matemática o la química se tratara. Solo que una materia no como esas, específicas, sino como una herramienta mucho más potente para formar a los jóvenes como personas; para conseguir desarrollar potencialidades genéricas tales como la memoria, la retentiva, la concentración, la observación, la intuición, las capacidades de análisis y síntesis, el desarrollo lógico, la facilidad  para escuchar al de enfrente, al gusto por lo bien hecho, la empatía hacia lo bello, etc., etc. No deja de ser chocante que estos chicos acaben teniendo más facilidad para estudiar y aprender las disciplinas convencionales que aquellos a los que no se les brinda tal posibilidad. ¿Chocante? Pues sí; porque se sabe que esto es así, pero no se toma la decisión de universalizar seriamente este tipo de didácticas. A la postre es una labor de titanes en medio de un mar de ignorancia. Y de fracaso en el aprendizaje de la vida.

Esos titanes aquí se llaman CNDM (léase Antonio Moral) y Fernando Palacios, un hombre del que ya lo he dicho casi todo en mi vida, por la sencilla razón de que ha sido y es mucho, muchísimo, lo que ha hecho y hace. El mérito del primero consiste en desplegar la clarividencia necesaria para dar cancha a algo así desde su condición de director del Centro, que, como todo el mundo sabe ya, abandona. Manda bemoles, como diría el castizo musical. Y el del segundo, el haber puesto en marcha semejante tinglado, bajo una idea primigenia que de tan elemental y sencilla echaría atrás a cualquiera con un número corto de agallas: se aprende a crear creando. La idea es: un profesor, un pedagogo, no es un transmisor de doctrina sino un individuo capaz de proporcionar herramientas individuales y colectivas correctas para el aprendizaje. O sea, para la invención, que, de lejos, es siempre lo más importante para una auténtica formación en libertad.

Más de cien niños de varios colegios, alguno de ellos de educación especial; una orquesta de jóvenes y otras instituciones pedagógicas han edificado este Bosque de Bomarzo, como antes sucediera con Las torres de Babel, Los viajes de Gulliver o El Bosco. Ahí es nada. Se va a por todas. Nada de ñoñerías, de concesiones; tras la diversión y el disfrute de los chavales hay educación pura y dura. Pero con sentido. Unos 1000 niños han gozado de esta experiencia durante estos años, en un ambiente colectivo donde la inclusión se convierte en otro motor.

Y no menos de 1000, quizá contando con algún que otro papá, contemplaron este espectáculo, el último por ahora, guardando un silencio y prestando una atención sorprendentes. Todos pendientes del escenario, donde, alrededor de un decorado que se iba transformando para acabar convirtiéndose en una de las esculturas más famosas del parque de los monstruos del enigmático jardín de Bomarzo, la finca inmortalizada por Mugica Laínez (y por Ginastera), un grupo de chavales de entre 12 y 17 años se montaron su función: una mezcla de canto, música instrumental, poesía, danza y expresión corporal, con músicas diversas, unas veces de su propia cosecha compositiva, otras recordando al huidizo y descerebrado Gynt o al egoísta y ambicioso Fafner.

Nos decía una niña de no más de 12 años antes de comenzar: “es mucha responsabilidad, pero nos lo pasamos muy bien y hemos aprendido un montón”. Esto no tiene precio. Pero aunque el resultado estético no fuera genial (que está al borde de serlo con todas las consecuencias), estos chicos ya saben que existe un lugar y una obra literaria capital. E incluso al margen de este aprendizaje indirecto, está la experiencia que se les ha permitido vivir, quizá no solo inolvidable para todos ellos sino, sin que lo sepan, crucial para su formación, y no solo como personas con mimbres para acabar amando la cultura y la creación sino, quién sabe, como futuros profesionales de las artes escénicas.

¿Es todo esto extraordinario? No debería de serlo. Este modo de operar debería de ser norma en los colegios. Pero ni estos cuentan con muchos profesores como los responsables del programa que ha dado vida a este espectáculo, tan dispuestos a funcionar como correa transmisora del conocimiento, en este caso entre la dirección del cerebro Palacios y ellos mismos, ni tan participativos como para situarse al lado del alumno en el proceso creativo. Felicidades a todos ellos, pues a nadie se le escapa que este gremio no es precisamente el más motivado en esta España de hoy, no ya tacaña en Cultura, sino, lo que es peor, en Educación. 

Pedro González Mira 

Alumnos del Colegio Real Armada, Instituto Felipe II y Centro de Educación Especial Princesa Sofía, Orquesta Arcos-Iuventus, CTE (colaboran otras instituciones). Director: Fernando Palacios. En el bosque de Bomarzo.
“Todos creamos”, CNDM. Auditorio Nacional de Música, Madrid. 

Enlaces de Internet a los 4 proyectos anteriores:

https://youtu.be/dCDVCthtG8E

https://youtu.be/d0oceaL_H9s

https://youtu.be/zCz_9TosH4I

https://youtu.be/OpQuScPXD-E 

Foto: El autor de esta crónica junto a parte de los felices chavales que han participado En el bosque de Bomarzo, dentro del programa pedagógico “Todos creamos”, del CNDM. 

La música de la Ruta de la Seda llega a Madrid

La música de la Ruta de la Seda llega a Madrid

Publicado: Mayo 2018

Los artistas Wang Zhongshan, Jiang Kemei, He Ziyu y Fang Ziqi llegan a Madrid dentro una gira de conciertos con carácter cultural con un concierto que lleva el título de “Escuchando a China 2018” y que tiene por objetivo representar China con el lenguaje de la música. Tras su paso por Munich y Budapest, actuarán en Madrid en el Auditorio Nacional de Música el 29 de mayo, con el pianista y compositor Carlos Bianchini, como artista invitado.

Los sonidos de instrumentos tradicionales chinos como el guzheng o el huqin, sonarán con fuerza en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, compartiendo protagonismo con el violín y el piano, en un concierto que pretende representar China con el lenguaje de la música y a la vez establecer un puente de unión con la cultura española, a través de obras conectadas con nuestro país y con la presencia de un músico invitado, el pianista y compositor español Carlos Bianchini.

El concierto, que tendrá lugar el próximo 29 de mayo, dará la oportunidad de conocer al público español a grandes figuras de la música tradicional china, como Wang Zhongshan, intérprete de guzheng (un instrumento parecido a una cítara de medio tubo con puentes móviles y 21 cuerdas que se puntea con los dedos) y uno de los artistas más conocidos de su país. Es el presidente de la Sociedad Guzheng de la Asociación de Músicos Chinos, docente de Música China en el Conservatorio de Música de China y, sobre todo, un maestro en la expresión de los pensamientos racionales a través del lenguaje musical emotivo y siempre en la búsqueda del valor de la “verdadera armonía entre el instrumento y el artista”, así como “del aprendizaje de la naturaleza”. Interpretará obras compuestas por él mismo, tradicionales y de compositores contemporáneos para este instrumento.

El huqin

Así mismo, la conocida intérprete de huqin (un instrumento de cuerda con arco, con caja hexagonal y dos cuerdas), Jiang Kemei, que ha realizado recitales en escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York, el Konzerthaus de Berlín o el Musikverein de Viena, y ha tocado junto a orquestas como la Sinfónica de Chicago, la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Orquesta Sinfónica de Ottawa, la Orquesta Filarmónica de Tokyo o la Orquesta Nacional China de Taiwán, entre otras, mostrará en Madrid a través de obas con títulos tan sugerentes como El reflejo de la luna sobre la primavera de Huishan o El enrojecimiento de la floración de los melocotones. Su estilo de interpretación, que combina aspectos tradicionales y contemporáneos, así como de elementos populares y académicos, ha sido definido como sencillo y profundo, exquisito y natural al mismo tiempo. En numerosas ocasiones, en China se hace referencia a este estilo único como “el modelo de interpretación Jiang Kemei”.

Fang Ziqi y He Ziyu

La interpretación de música europea correrá a cargo de la pianista china Fang Ziqi y de He Ziyu, el jovencísimo violinista de 19 años, ganador de importantes certámenes internacionales, como el Concurso Internacional Mozart en Salzburgo o el prestigioso Concurso Yehudi Menuhin en Londres y que, pese a su juventud, ha actuado como solista con orquestas como la Filarmónica de Viena en el Musikverein de Viena, donde debutó con tan solo 18 años, siendo uno de los solistas más jóvenes de su historia. También ha actuado junto a la Rundfunkorchester Munich, la Orquesta Philharmonia de Londres o la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia, entre otras. 

Juntos interpretarán varias piezas para violín y piano, como la Habanera Op. 83 de Saint-Säens, obra escrita y dedicada a su buen amigo el compositor y violinista Pablo de Sarasate, en un guiño a la cultura española, así como obras de Paganini y Sibelius. 

Flor de jazmín

El ensemble completo interpretará una de las piezas musicales más conocidas del folklore chino de Nankín, Flor de jazmín, una obra que se consideró como el segundo himno nacional chino y obra emblemática de la cultura de China.

El concierto de Madrid contará también con la actuación de un músico invitado local, el pianista y compositor Carlos Bianchini, que cuenta con una sólida formación clásica y jazzística, y muestra en cada una de sus obras como compositor rasgos propios de su formación académica, influencias de grandes compositores románticos e impresionistas y elementos del mundo del folk y el jazz, usando siempre como lenguaje prioritario su personal estilo de composición expresivo y minimalista, sonoro y apasionado.

En el concierto del día 29 de mayo en el Auditorio Nacional interpretará tres obras para piano compuestas por él: Dos Piezas en sol menor Op. 4, obra incluida en su disco Sonata dels Infants (2018), Tema y Variaciones en re menor Op. 10, estrenada en el Festival Forte Piano de Holanda en 2017 y su Fantasía Op. 8 “Biking the Big Apple”, estrenada en 2013 en la ciudad de Nueva York y que recrea un recorrido en bicicleta por Manhattan. 

Fang Ziqi, He Ziyu (dúo de piano y violín
Obras de Saint Saëns (Habanera), Paganini (Variaciones “Nel cor più non mi sento”) y Sibelius (Humoresque n. 3). 

Wang Zhongshan (Guzheng, instrumento de cuerda tradicional chino)
Obras de Wang Zhongshan (Agua y tinta, El loco ebrio -adaptación de Wang Zhongshan-, Vista de otoño), La danza del clan Yi, Wang Jianmin (Amarres nocturnos en el Puente de Arce), Lou Shuhua (Canción del bote pesquero en el crepúsculo), Reflejos rojizos al atardecer en el río. 

Jiang Kemei (Huqin, instrumento de cuerda tradicional chino)
Obras de Hua Yanjun (El reflejo de la luna sobre la primavera de Huishan), Las profundidades de la noche, Jiang Kemei y Shen Dan (El enrojecimiento de la floración de los melocotones), El regreso de los hermanos del ejército rojo. 

Ensemble (Wang Zhongshan, Jiang Kemei, He Ziyu, Fang Ziqi, Carlos Bianchini)
Flor de jazmín 

Carlos Bianchini (pianista y compositor)
Dos Piezas en sol menor (Romanza & Nocturno), Tema y Variaciones en re menor,
Fantasía Op. 8 “Biking the Big Apple” (compuesta en 2013 durante el periodo en el que Carlos Bianchini residía en New York, donde recrea un recorrido que realizaba en bicicleta por Manhattan).  

Por Lucas Quirós

Foto: Cartel del concierto. 

Escuchando a China 2018
Conciertos de la Ruta de la Seda
“Hablando en el lenguaje de la música”
Auditorio Nacional de Música, Madrid
29 de mayo de 2018
Entradas: Taquilla del Auditorio y
www.entradasinaem.es
Tel. 902224949 / 985679668 

Violina Petrychenko

Violina Petrychenko

Publicado: Mayo 2018
Dando voz a Vasyl Barvinsky

El pasado mes de abril, en su acertada crítica (página 59), Juan Carlos Moreno nos hablaba de un disco con música de Vasyl Barvinsky, “compositor ucraniano nacido en 1888 y fallecido en 1963, que sufrió en carne propia la represión del régimen soviético: acusado de ser un espía inglés o un agente de la Gestapo, tanto da, en 1948 fue arrestado y enviado al Gulag, donde permaneció diez años”. Nos gustó tanto esta historia, que en estas páginas entrevistamos a Violina Petrychenko, la encargada de dar vida a “la voz silenciada de Vasyl Barvinsky”, como así se llama la grabación de la pianista.

“La voz silenciada de Vasyl Barvinsky” es el título del disco… ¿Quién fue Barvinsky?

Barvinsky es uno de los más importantes compositores de Ucrania, país para el que ha dado tanto por la cultura y la música que le debemos eternamente su entrega. Tuvo una carrera muy exitosa como pianista y compositor, y estuvo durante casi veinticinco años como rector del Conservatorio de Lviv. Fue también el primer compositor ucraniano cuyas obras fueron publicadas fuera de su país (Alemania, Austria, Estados Unidos e incluso Japón). Su música fue conocida y famosa no solo en Ucrania, muchos pianistas la interpretaron en Polonia, Inglaterra y Canadá.

Su importancia en Ucrania es por tanto tremenda…

Exacto, como le decía, desarrolló la actividad musical profesional en Ucrania. Escribió el primer ciclo de preludios para piano, la primera sonata pianística y los primeros quintetos y sextetos con piano de la historia de la música ucraniana. Desarrolló la vida cultural en el Oeste de Ucrania. No solo fue un brillante pianista y un talentoso compositor, fue también un excelente crítico musical y nos dejó unos escritos muy interesantes de la vida cultural de su momento. Se convirtió en el primer compositor profesional del Oeste ucraniano, llamado entonces Galicia, como la región española. Y como es lógico, sirvió de modelo para muchísimos jóvenes compositores de entonces.

Esta grabación con obras para piano de Barvinsky será uno de los primeros registros internacionales de su obra…

Sí, verdaderamente es el primer CD dedicado exclusivamente a su música para piano. Para mí no deja de ser una sorpresa que haya tan pocas grabaciones discográficas de música ucraniana, en general. En el caso de Barvinsky puedo comprenderlo un poco, ya que su música fue desterrada y prohibida durante un largo tiempo, pero la situación vivida por otros compositores ucranianos es diferente: Kosenko, Revutskiy, Kolessa, Lyudkevitsch. Nosotros, los ucranianos, tenemos mucha música interesante que mostrar al mundo, mi proyecto es mostrarla. Para mí, como pianista, es muy excitante poder ser la primera pianista que ofrezca al público europeo y les abra las puertas a estos repertorios.

Como Aleksandr Solzhenitsyn, Vasyl Barvinsky también fue encarcelado en un Gulag…

Sí, como Solzhenitsyn y muchos otros grandes artistas, la vida de Barvinsky se tornó muy trágica hacia el final. En 1948 él y su mujer fueron enviados al Gulag por un periodo de diez años; hasta el último día sirvió a su causa sin desfallecer.

Y como en la muy simbólica foto que reproducimos en esta entrevista, ¡sus obras fueron quemadas en público…!

Me gustaría decirle que no fue cierto, pero desgraciadamente así fue. Y aun peor es que se le forzó a firmar un documento donde él “autorizaba” quemar sus obras frente al mismo conservatorio donde estuvo ejerciendo durante años y donde había sido director. “Nuestra nación”, decía Barvinsky, “no tiene sitio para compositores como tú…”.

¿Está interpretando esta música en conciertos?

Sí, en la actualidad interpreto en cada recital obras de compositores ucranianos y bastante música de Barvinsky.

Al escuchar el disco, tanto Rachmaninov como otros compositores bisagras entre el Romanticismo y el siglo XX parecen ser influencias claras en Barvinsky...

Barvinsky fue un gran experto en la música de su tiempo. No podría decirle exactamente si Rachmaninov fue una fuerte influencia. Pero desde luego amaba la obra de su maestro, Vitešlav Novak y también estaba interesado en la música checa y polaca. Adoraba igualmente la música de su compatriota Mykola Lysenko; tuvo encuentros con Kosenko y otros creadores ucranianos. Rachmaninov, Scriabin, Szymanowski, Kosenko y Barvinsky fueron contemporáneos, porque como decimos habitualmente, en su tiempo se influenciaron los unos de los otros.

http://accelerando.audio/album/violina-petrychenko-the-silenced-voice-of-vasyl-barvinsky/

Por Blanca Gallego

Foto: “A Barvinsky se le forzó a firmar un documento donde él autorizaba quemar sus obras frente al mismo conservatorio donde estuvo ejerciendo durante años y donde había sido director”, nos relata Violina Petrychenko.
Acred: Accelerando 

Concurso Internacional de Música de Cámara

Concurso Internacional de Música de Cámara

Publicado: Mayo 2018
“Antón García Abril”

La séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril” ya está en marcha, y se celebrará durante los días 26, 27 y 28 de septiembre de 2018 en Baza (Granada).

La historia de este certamen tiene un origen único, y quizá infrecuente en un evento de estas características. Fue creado en el año 2012 por iniciativa de la entonces directora del conservatorio de Baza (Paqui García Vázquez), junto a un equipo de profesores. Entre sus objetivos estaba el fomentar la importancia de esta especialidad y hacer de este concurso un atractivo punto de encuentro entre intérpretes de primer nivel, en formaciones muy diversas. Además, supone una puesta en valor del repertorio camerístico y del patrimonio musical español.

La idea fue bien acogida por el Ayuntamiento de la ciudad y la Diputación de Granada y, gracias a este fundamental patrocinio, ese mismo año se materializó la primera edición del concurso. Un año antes, había tenido lugar la remodelación del auditorio del centro, espacio que fue dedicado a la figura de Antón García Abril. La elección del compositor para dar nombre al auditorio responde a la admiración de la comunidad educativa por su persona, su trayectoria internacional y, principalmente, su música. Desde entonces, el maestro García Abril siempre ha mostrado su agradecimiento y cercanía a los miembros de este conservatorio.

6 Ediciones de éxito

El éxito de esta iniciativa se ha manifestado desde el principio, y a lo largo de las anteriores seis ediciones, en las que el alto nivel interpretativo de los grupos de música de cámara ha sido siempre un distintivo. Desde 2012, han participado más de 500 jóvenes procedentes de España y de distintos países de Europa, Asia y América, dando buena cuenta del carácter internacional con el que nació este concurso. En la todavía breve historia del concurso algunos de los grupos de cámara premiados proceden de países como Rusia, Reino Unido, Alemania, Francia, Italia o Letonia; así como participantes de todos los rincones de España y de otros países como Austria, Polonia, Suiza, Finlandia y México.

El Concurso está dirigido a todo tipo de formaciones instrumentales. Este año se esperan un total de 30 grupos de música de cámara, como en los años anteriores. Podrán participar concursantes desde los 16 años en adelante y sin límite de edad, en grupos de un mínimo de dos instrumentistas y un máximo de nueve. El programa es de libre elección, y está permitido el estreno de obras de música de cámara, así como la transcripción de obras para agrupaciones que no disponen de repertorio original. Además de los tres premios principales, valorados en un total de 5.400 euros, se añaden otros dos pequeños premios de 500 euros cada uno: premio a la mejor interpretación de una obra española, y premio a la mejor interpretación de una obra de García Abril, respectivamente.

Actualmente, se encarga de la organización de este certamen la Asociación Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril”, formada por las mismas personas que lo crearon y pusieron en marcha. Junto a ella participan en este proyecto común el profesorado y alumnado del conservatorio de Baza, garantizando así la continuidad y desarrollo de este evento internacional.

Este año, Antón García Abril (que próximamente celebrará su 85º aniversario) volverá a ser el presidente del jurado, formado a su vez por otros 4 miembros de reconocido prestigio en el ámbito de la música. En la última edición (septiembre de 2017), el maestro manifestó con estas palabras su satisfacción por el nivel de los grupos participantes:

 “Un nivel que se hubiese dado en Berlín, en Nueva York, en Madrid, en la mejor ciudad del mundo, habría estado en un altísimo nivel. Pero se ha dado en Baza, una ciudad físicamente pequeña pero grande por espíritu, y por lo que significa mantener este concurso y llevar adelante la ilusión de todo este trabajo” (García Abril, Baza, 2017).

Por su  interés y singularidad, este proyecto cuenta con importantes apoyos y colaboraciones, como las del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Clásica de Huéscar, el FIAPMSE (Fórum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa) y el Ciclo Momentum Toledo, festivales que ofrecerán un concierto a los grupos ganadores. Entre todos, esperamos que la séptima edición vuelva a ser un éxito.

Las bases del Concurso pueden consultarse en la siguiente dirección:

http://concursodecamaraantongarciaabril.com/esp/concurso.html

Por Lucas Quirós

Foto: La séptima edición del Concurso Internacional de Música de Cámara “Antón García Abril” se celebrará los días 26, 27 y 28 de septiembre de 2018 en Baza (Granada).
Crédito: Ricardo Cañabate  

25 años del Curso Internacional de Música de Astorga

25 años del Curso Internacional de Música de Astorga

Publicado: Mayo 2018

Del 7 al 15 de julio tendrá lugar la 25º edición de este curso organizado desde la localidad leonesa y dirigido a estudiantes de música a partir de 9 años de cualquier especialidad instrumental

¡Matrícula hasta el 3 de julio!

http://www.cursomusicastorga.es/

Experiencia y experiencias es lo que atesora uno de los cursos de música más veteranos del país. La pequeña ciudad leonesa de Astorga acoge desde hace 25 años a más de 200 músicos todos los veranos convirtiéndose en un referente de lo que es un curso bien organizado. Entrevistamos a la responsable del CIM (Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga”), Milagros Alonso Cepedano, para saber más acerca de este evento. 

Muchos otros cursos han ido desapareciendo durante estos años. ¿Cuál es la clave para que el curso de Astorga no solo siga en funcionamiento, si no que sigue con una tasa de alumnos casi del 100%?

Hay tres motivos principales. La mayor clave del éxito, desde mi punto de vista, es la elección del profesorado. Escogemos a músicos de las mejores orquestas y los mejores conservatorios, a veces también del extranjero. Los hacemos sentir en casa tanto  a alumnos, como a profesores y la experiencia acaba siendo tan buena que muchos repiten y se quedan con Astorga. Por otro lado, está la organización. 25 años de experiencia son un grado. No es fácil aglutinar desde adultos hasta niños de nueve años y que todo el engranaje se mueva de forma perfecta. Hemos aprendido mucho por el camino, hay que tener especial cuidado y atención a los adolescentes que viven en los cursos de música sus primeras experiencias vitales, suele ser la primera vez que han salido de casa y hay que saber gestionarlo. Cuarenta y dos personas, entre profesores, monitores, voluntarios y organización, muy curtidas en lo que es un curso de música de verano y con un gran amor por lo que hacen, se vuelcan durante los 10 días para hacer que el Curso de Música de Astorga vuelva a ser una experiencia fantástica.

Además del contenido musical hay que ofrecer al alumno de cualquier edad una parte lúdica que sea de su interés y eso lo tenemos muy en cuenta. Se ofrecen desde visitas culturales por la ciudad para los más mayores como piscina y actividades deportivas y de ocio para otras edades. Por último, tenemos el apoyo constante del Ayuntamiento de Astorga, esto es un hecho diferencial que aporta calidad al curso, dado que no persigue lucrarse, sino alcanzar la mejor oferta del curso. Aunque casi todo el coste del Curso es sufragado mediante su propia recaudación, que la institución local te respalde a todos los niveles es sin duda algo vital para que el curso dure otros 25 años más. Es una garantía.

¿Cuántas especialidades ofrecéis?

17 especialidades de instrumentos y diferentes formatos lectivos: colectivas, individuales, orquesta, etc. Los cursos de verano suelen ofrecer menos instrumentos, es un hecho diferenciador que el CIM de Astorga cuente con todas las especialidades instrumentales de orquesta y banda que se imparten en las enseñanzas oficiales de música en la Comunidad. Digamos que el formato del curso de Astorga está muy consolidado y es capaz de ofrecer toda esta gama con un alto nivel de rendimiento y calidad.

¿Cómo es el día a día del alumno en el CIM de Astorga?

El alumno se levanta a las 08:30 aproximadamente, ya sea en la residencia de estudiantes que ponemos a su disposición o en otro alojamiento, para estar listo para su primera clase de las 10 de la mañana. Hasta las 13:30 horas tendrá una programación de diferentes tipos de clases. De 13:30 a 16:30 tiene tiempo para comer y visitar las piscinas municipales, uno de los momentos favoritos del alumnado, ¡jajaja…! A las 16:30 continua sus lecciones hasta las 19:30 horas. Después tienen tiempo libre para disfrutar de Astorga siempre supervisados por los monitores, a excepción de los mayores de edad.

¿Lo podemos considerar un curso intensivo?

Es un curso intensivo, pero sobre todo especializado. Creo que el mayor interés para inscribirte en un curso como el CIM de Astorga es la gran posibilidad que da trabajar con un profesor que no es el tuyo. Te abre campo y te abre las miras como músico, en definitiva, te enriquece. Los alumnos suelen aprender mucho en poco tiempo. A nivel personal también suele significar mucho para los alumnos, no dejas de estar compartiendo un tiempo bastante intenso con personas con tus mismas dificultades y a veces ambiciones.

El Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga” está dirigido a todos aquellos estudiantes de música interesados a partir de los 9 años de edad de cualquier especialidad instrumental, ya que el CIM es desde sus inicios el único Curso completo con todas las especialidades instrumentales de Castilla y León, por lo que además de las clases individuales y colectivas los alumnos completan su formación con orquesta, banda, pianistas acompañantes, talleres, etc.

¿Y qué ha aprendido?

Pufff... mucho… Pero sobre todo, como me ha dicho recientemente Joaquín Torre, profesor de violín los últimos 10 años: “El trabajo es intenso, duro y exigente, pero uno siempre se va con la maleta llena de maravillosas vivencias y deseando que empiece la siguiente edición. De nuevo la música, año a año, nos enriquece a todos. El rigor en el trabajo, el cariño, entrega y eficiencia del equipo humano, el extraordinario nivel musical y la gran difusión artística que tiene, son algunas de las razones que hacen de este proyecto imprescindible para  nuestra sociedad”.

¿Cuál es el reto del CIM? ¿Desearíais tener más alumnos?

Nuestro reto es mantenernos. En todos estos años hemos visto caer muchos cursos de referencia, pensábamos que a nosotros también nos iba a afectar y no ha sido así. Para nosotros, lo importante es que se mantenga la calidad y el grado de satisfacción. En cuanto al número de alumnos, no preferimos no sobrepasar los 210 alumnos. Entre 180 y 210 es el volumen que consideramos óptimo para dar un buen servicio.

25 AÑOS DEL CIM

Después de que la tienda de música “Musical Zarabanda” decidiera no continuar con la organización en las primeras ediciones del Curso de Música Ciudad de Astorga, y con la misma ilusión por ofertar para los alumnos de la ciudad de Astorga y de las comarcas cercanas la actividad musical con profesores especialistas y alumnos de otros lugares, para así alimentar las inquietudes y mantener la ilusión del estudio en época estival, Victor Segura Alemany, anterior profesor de oboe del Conservatorio de la ciudad y yo, planteamos a la concejalía de música la continuidad del curso. La apuesta del Ayuntamiento de Astorga y el esfuerzo de los alumnos, familias, padres y de todos los que hemos participado en la organización han hecho que el curso pasara por diferentes etapas y siempre “in crescendo”, llegando al título de internacional y ahora a cumplir las bodas de plata.  Son 25 años en los que han pasado por las aulas y escenarios de Astorga excelentes profesores y solistas y, sobre todo, grandes alumnos que hoy se han convertido en magníficos músicos y profesionales de la música. Seguro que en estos 25 años, Astorga y su CIM, han marcado sus carreras musicales y sus formas de ser y de ver la vida. Astorga marca al que pasa por ella, y Astorga está marcada por la vida musical del mes de julio y lleva 25 años siendo una referencia musical por el Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga”. Enhorabuena a todos los que habéis hecho posible esta gran experiencia.

Ignacio Climent Mateu (primer director del CIM)

Materias y profesores

Violín: Joaquín Torre, Catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Asistente: Sheila Gómez, Conservatorio Profesional Música de Valladolid

Viola: Alan Kovacs, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y Universidad Alfonso X “El Sabio”

Contrabajo: Joaquín Clemente, Orquesta de Cámara de Holanda y Universidad Alfonso X “El Sabio”

 Violonchelo; Aldo Mata, Conservatorio Superior de Música de Castilla y León. Eduardo González, Conservatorio Superior de Música de Castilla La Mancha

Guitarra: Rubén Abel, Conservatorio Superior de Música de Oviedo

Flauta: Christian Farroni, Conservatorio Superior de Música de Barcelona y Orquesta Sinfónica de Barcelona

Oboe: Eduardo Martínez, Escola Superior de Música de Cataluña y Solista de la Orquesta Ciudad de Granada

Clarinete: Miguel Espejo, Solista de la Orquesta de Radio Televisión Española. Asistente: Javier Espejo, Profesor de la E.M.M.D de Pozuelo de Alarcón

Saxofón: Antonio Felipe, Conservatorio Superior de Música de Castilla La Mancha

Fagot: Bernardo Verde, Orquesta Sinfónica del Liceo de Barcelona

Trompeta: Germán Asensi, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española y Centro Superior Katarina Gurska

Trompa: Eduardo Sanz, Solista de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

Trombón: Ximo Vicedo, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española y Centro Superior Katarina Gurska

Tuba: Sergio Finca, Spanish Brass

Piano: Iván Martín, Concertista. Susana Sánchez, Conservatorio Superior de Música de Badajoz

Percusión: Raúl Benavent, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española

Pianistas: Antonio Jesús Cruz, Catedrático del Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada. Miguel Ángel Fernandez, Conservatorio Profesional de Música Ángel Barja de Astorga

 Precios

  • Alumno activo (externo, sin alojamiento): 265 euros
  • Alumno activo interno (media pensión): 325 euros
  • Alumno activo con alojamiento (pensión completa), en la Residencia del IES: 425 euros
  • En el Seminario Diocesano (solo mayores de 17 años): 545 euros


Con el fin de facilitar el abono de la matrícula del curso, se ofrece la posibilidad de fraccionar el pago. También se recuerda que habrá un descuento del 10% sobre el precio de la matrícula del curso (no sobre el alojamiento) para aquellos alumnos que se matriculen antes del 15 de mayo y no fraccionen el pago, además de los descuentos habituales para hermanos o familias numerosas.

Por Lucas Quirós

Foto: La música llena las plazas y rincones de Astorga durante el Curso Internacional de Música.  

Constancio Hernáez, Música y Poesía

Constancio Hernáez, Música y Poesía

Publicado: Mayo 2018
Primer disco de la nueva colección de NAXOS "Classics from Spain"

Constancio Hernáez es miembro de la nueva generación de compositores  contemporáneos de nuestro país, y presenta en este mes de mayo su primer disco para la nueva colección del sello Naxos, Classics from Spain. Una exquisita grabación de canciones basadas en poemas de grandes poetas españoles como Gustavo Adolfo Bécquer, Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Pedro Provencio, Ángel García López y Federico García Lorca, con el aval de tres destacados intérpretes como son la soprano Marta Toba, el barítono José Manuel Conde y Sebastián Mariné al piano, que realizan la compleja labor de materializar el sonido ideado por el compositor, ya que han estado en continuo contacto unos y otros durante la grabación del disco.

Las obras del compositor español Constancio Hernáez incluidas en este disco nos ofrecen la integral de sus creaciones para voz y piano. Dentro del amplio catálogo del autor, en el que la música vocal tiene un papel destacado, se suma a otras formas camerísticas en las que se siente igualmente cómodo. Fueron escritas desde el año 2001, fecha de Tres canciones de amor, con textos de Gustavo Adolfo Bécquer, hasta junio de 2017, cuando se dató Nocturnos de la Ventana, de Federico García Lorca, que, por así decirlo, cierra el ya largo homenaje del compositor a célebres poetas españoles.

Un periplo en el que hay que destacar, a pesar del dilatado tramo cronológico, la uniformidad estética en el tratamiento de los textos y el notable material sonoro, exhibiendo el conjunto una gran unidad de estilo.

Orden neoclásico

En la obra, la escritura musical de Hernáez se adhiere al texto con un tratamiento tonal/modal afanoso de comunicar y añadir su propia percepción de los poemas. Los planos establecidos para el piano y la voz discurren con independencia, repartiéndose tensiones y armonías, ritmo y timbres y protagonismo, todo dentro de un orden y estética neoclásicos, con cierto color nacionalista en algunos temas.

Importante es considerar que los poemas de cada uno de los poetas están planteados como si de movimientos de una misma obra  se trataran. Por otra parte, es de destacar, como es habitual en todas sus obras, que la línea del canto sea de naturaleza silábica (una nota por cada sílaba), salvo en los finales de estrofa en la que la última sílaba puede ser de naturaleza melismática (grupo de notas sobre una sola sílaba) y también, muy común en la última sílaba, poner una nota “tenida” a lo largo de uno o más compases.

La construcción de este programa constituye un sólido y ameno peregrinar por esferas diversas en color y en contenido. Estamos ante versos de variada historia y factura: la voz estremecida e íntima de Bécquer; el acento exquisito y quintaesenciado de Juan Ramón; la desbordante y delicada pasión lírica de Cernuda; el duende y donaire de García Lorca; la palabra de García López, siempre tocada de suavidad, y la exacta y cincelada expresión de Provencio. Este elenco de poetas ha sido el incentivo de la imaginación de nuestro compositor.

Fantasía inventiva

Llaman la atención su estructura clara, la fantasía, la capacidad de inventiva, el refinamiento de la armonía… Los planos sonoros vienen decididos por la variedad de tempi, las alturas, los ritmos. No duda Hernáez en utilizar amalgama de compases, intervalos determinantes y unas formas equilibradas de concluir las obras. Y algo notablemente asombroso: en todo momento, los recursos empleados refrescan los temas y mantienen el estilo. ¡Cuántos autores del acervo musical español son evocados en estas páginas, creándose un ámbito de referencias materializado en un universo sonoro lleno de expresividad y de color!

Constancio HERNÁEZ
Música y Poesía 

Canciones sobre textos de poetas españoles. 
G.A. Bécquer, L. Cernuda, J.R. Jiménez, P. Provencio, A.G. López y F.G. Lorca. 
Marta Toba, soprano; José Manuel Conde, barítono; Sebastián Mariné, piano.
8.579027 (CD)
Ean: 0747313902774
NAXOS
Para + Info o comprar el disco haga "clic" en:
CD Música y Poesía
Para + Info del CD en la Web de Naxos, haga "clic" en:
Naxos Música y Poesía
 
Classics from Spain 

La nueva colección de Naxos Classics from Spain, ofrece a autores e intérpretes españoles, o residentes en España, la posibilidad de editar sus trabajos en un sello discográfico, con proyección mundial, que aporta a las obras y a sus intérpretes la promoción nacional e internacional, que tan necesaria es en estos días, para su desarrollo y difusión. El nuevo disco de Constancio Hernáez ya está disponible en el mercado internacional, así como en las principales plataformas de distribución digital de todo el mundo. 

Cebrián Alcamines 

www.hernaezmarco.com 

Jesús López Cobos (1940-2018)

Jesús López Cobos (1940-2018)

Publicado: Abril 2018
Nuestros años en la Deutsche Oper de Berlín

A finales de los años 70 vivía yo con mi familia en San Diego, California, donde también vivían con sus respectivas familias Celedonio, Celín, Pepe y Angel Romero, los componentes del famoso cuarteto de guitarras Los Romero. Nuestro frecuente contacto, que era casi a diario, hizo crecer entre nosotros poco a poco una entrañable amistad, que dura hasta el día de hoy. Un buen día, Pepe Romero me llama por teléfono para preguntarme si quería ir con ellos al Hollywood Bowl, de Los Angeles, donde iban a tocar un concierto con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y el director era “un español”. Por supuesto, le dije que sí, y me uní a la caravana de coches de los Romero con dirección a Los Angeles, que está a unas dos horas en coche de San Diego. ¡Poco me imaginaba yo que los azares del destino habían decidido cambiar por completo ese día el rumbo de mi vida!

Finalizado el concierto fuimos a cenar con el “director español”, quien resultó ser nada más y nada menos que Jesús López Cobos, un hombre afable, correcto, sencillo de trato, algo retraído, pero que, apenas iniciamos nuestra conversación, me di cuenta enseguida que estaba ante una persona poco común. Durante la cena nos contó que le acababan de nombrar Director Musical de uno de los tres teatros de ópera de Berlín, concretamente de la Deutsche Oper. Jesús me dijo que ya conocía mi nombre, por mis años como Director Titular de la Orquesta de Valencia y casi, como caído del cielo, me preguntó si me interesaría irme con él a Berlín como asistente suyo, como director de orquesta y como pianista correpetidor del repertorio italiano.

Tras aceptar su invitación, Jesús me indicó que volvería al año siguiente a Los Angeles a dirigir la misma orquesta y que ya me traería noticias sobre mi contrato. Lo anotó en una pequeña agenda y nos despedimos. ¡Cuál fue mi sorpresa cuando al año siguiente me llamó por teléfono exactamente el día que me había indicado el año anterior, para informarme de que ya estaba en Los Angeles y traía consigo mi contrato listo para firmar! Tengo que confesar que era la primera vez en mi vida que un español me sorprendía con tal absoluta puntualidad…

Con enorme ilusión inicié mi trabajo como “flamante” miembro de la Deutsche Oper, cuando mi alegría se vio duplicada al encontrarme cara a cara con la gran Pilar Lorengar, que era la “diva de la casa”, y que me recibió con los brazos abiertos. Luego me fui acostumbrando a trabajar con artistas como Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Luciano Pavarotti, Daniel Barenboim, Dietrich Fischer-Dieskau, Montserrat Caballé, Plácido Domingo, Miguel Ángel Gómez Martínez, Giuseppe Sinopoli, Piero Cappuccilli, Rafael Frühbeck de Burgos, Renato Bruson, Raina Kabaivanska, Christian Thielemann, etc., y naturalmente con Jesús López Cobos...

El Intendente General de la Deutsche Oper, Götz Friedrich, tenía en López Cobos al director musical flexible e ideal para programar las temporadas a sus anchas, siguiendo sus gustos y forma de pensar.

Las grandes dotes de López Cobos como director de orquesta eran, sobre todo, su ductilidad, su naturalidad, su musicalidad, su facilidad en “concertar” a la orquesta y a los cantantes, su elegancia de gesto, su claridad con la batuta y el uso (casi excepcional) de su mano izquierda para indicar la expresividad en el fraseo. Todo indicaba una facilidad innata en el arte de dirigir una orquesta.

Trabajé con él los nueve años que duró su contrato, que decidió no renovar para aceptar la posición de Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati en Estados Unidos. Al abandonar la Deutsche Oper, el Gobierno Alemán le condecoró con la Cruz al Mérito Primera Clase por su contribución a la cultura de Alemania.

Se adaptaba con total facilidad al repertorio más variado, desde Mozart, Verdi, Puccini o Wagner hasta Lulu de Alban Berg o Pelléas et Mélisande de Debussy.

Dirigió muchas de mis obras y complaciendo sus deseos, compuse mis Cantos del alma, cuyo estreno dirigió con la Orquesta Sinfónica de Barcelona. El destino me premió con el privilegio de ser el compositor cuyas obras completaron las últimas tres grabaciones del maestro Jesús López Cobos. La primera de ellas contiene mis Nocturnos de Andalucía con la London Symphony Orchestra y las dos últimas grabaciones con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Como me apuntaba en un correo lleno de emoción Lorenzo Ramos, hijo de López Cobos, estos tres CD cierran con broche de oro nuestros 40 años de relación con su padre.

Descansa en paz, querido amigo Jesús.

Por Lorenzo Palomo

Foto: Lorenzo Palomo con Jesús López Cobos, en Barcelona, durante el estreno de Cantos del alma.

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