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Lorenzo Palomo

Lorenzo Palomo

Publicado: Febrero 2018
Fulgor orquestal

El maestro Lorenzo Palomo celebra su quinto disco en Naxos como una fiesta, con fulgores y los aromas cordobeses de la ciudad que lo vio caminar, entrar y salir de los cafés, entre inacabables charlas culturales y musicales. Es la Sinfonía Córdoba una de las cuestiones que se tratan en esta entrevista, su particular homenaje a la ciudad de los patios floreados, la luz y la belleza de la mujer andaluza. Con la participación de algunos de los nombres más importante de la actual interpretación española, Lorenzo Palomo, el mismo que intercambiaba ideas con Giuseppe Sinopoli en su etapa como miembro estable de la Deutsche Oper Berlin, mientras su música se difundía por todo el mundo, celebra que este disco y la Sinfonía Córdoba sean candidatos a los Grammys como “mejor composición clásica”.

En su nueva grabación en Naxos Records, sello para el que ha grabado ya su quinto disco, agrupa dos obras orquestales como la Sinfonía Córdoba y Fulgores… ¿Qué nos puede decir de ellas?

La Sinfonía Córdoba fue una iniciativa de Lorenzo Ramos, que apenas tomó posesión del cargo como Director Titular de la Orquesta de Córdoba, me comentó su deseo de que la compusiese, ya que anteriormente yo ya había compuesto mi Sinfonía a Granada, y él mismo dio los pasos para que la AEOS (Asociación Española de Orquestas Sinfónicas) y SGAE me hiciesen el encargo. Acogí el proyecto con el mayor cariño y me puse a trabajar con la máxima ilusión. El estreno en Córdoba despertó una gran expectación y, con el Gran Teatro abarrotado de público, la estrenó con gran éxito la Orquesta de Córdoba, dirigida por Lorenzo Ramos. Por otra parte, Fulgores la compuse por un deseo especial de Rafael Frühbeck de Burgos, quien, después de haber dirigido mis Nocturnos de Andalucía con Pepe Romero como solista muchísimas veces, en España y fuera de ella, me brindó la idea de componer una obra combinando el violín con la guitarra, añadiendo así al repertorio sinfónico una formación solística prácticamente nueva. El maestro se entusiasmó con mi nueva obra. Dirigió su estreno con la Orquesta de Valencia, actuando como solistas Alexandre da Costa, violín, y Pablo Sainz Villegas, guitarra. Posteriormente, Rafael Frühbeck la programó en la Philharmonie de Berlín con la Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín y con la Orquesta Filarmónica de Hamburgo, pero, desgraciadamente, el maestro ya no pudo dirigir estos conciertos por su enfermedad y su fallecimiento. En Berlín dirigió la obra Pedro Halffter y en Hamburgo el director vienés Leopold Hager. Ahora saldrán a la luz estas dos obras con el sello Naxos.

¿Podríamos decir que, por haberse criado en Córdoba, la Sinfonía Córdoba es como su “Sinfonía Doméstica”…?

Muchísimas gracias por el símil. He intentado plasmar en la Sinfonía Córdoba la esencia, el encanto, la fascinación, el embrujo que emanan de noche sus callejuelas, sus rincones, sus jardines y ese sabor a historia que acompaña siempre de la herencia que dejaron las razas y pueblos que pasaron por ella, de los romanos, de los árabes, de los judíos y de los cristianos. Un fascinante y riquísimo caleidoscopio de escenas y colores que se extiende por toda la ciudad.

Tras sus Nocturnos de Andalucía, una obra que ha cosechado y cosecha éxitos allá donde va, y que le vinculó más estrechamente a Frühbeck de Burgos, como usted ha citado, ahora, con Fulgores, crea una senda concertante con la guitarra, más el violín…

Ese es mi deseo, que la novedad que ofrece la unión del violín con la guitarra haga expandirse Fulgores en el mundo sinfónico y siga la suerte de mis Nocturnos.

La nómina de intérpretes en esta grabación recoge lo mejor de este país…

Los intérpretes son excelentes, cada uno en su especialidad y en su cometido. Ana María Valderrama, solista de Fulgores, es una joven violinista con un gran talento, con una gran técnica y posee además una gran sensibilidad que subyuga en los pasajes líricos. Ana María lo tiene todo para triunfar. Rafael Aguirre es, sin duda, uno de los nuevos grandes valores de la guitarra. Su prodigiosa técnica le permite resolver con fascinante facilidad los pasajes más complicados y difíciles que se encuentre en una partitura. Su sentir es hondo y cautiva su fraseo de artista ya maduro cuando canta con la guitarra. Por su parte, Pablo García López, tenor, y Javier Riba, guitarra, tienen una intervención corta en la Sinfonía Córdoba, pero añaden con exquisito arte las pinceladas de sabor popular que he querido introducir en la Sinfonía Córdoba. Por supuesto, no me olvido de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, que destaca como una de las mejores orquestas de nuestro país y este puesto de excelencia lo comparte con Jesús López Cobos, uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos en España y más allá de nuestras fronteras.

Nos ha llegado la noticia que la Sinfonía Córdoba está como candidata de Naxos para los Grammys como “mejor composición clásica”…

Efectivamente, me ha alagado muchísimo que Naxos haya seleccionado mi Sinfonía Córdoba como su candidata para los Grammys como “mejor composición clásica”. En cualquier caso, lo gane o no lo gane, la nominación de Naxos de mi obra es ya de por sí un premio.

¿Qué artistas (intérpretes y directores) han influenciado más en el desarrollo de su carrera como compositor?

La primera fue Montserrat Caballé, que me “bautizó” en el mundo profesional con el estreno de mi ciclo de canciones Del atardecer al alba, que compuse para satisfacer sus deseos. Montserrat lo estrenó, acompañada de Miguel Zanetti, en el Carnegie Hall de Nueva York y en el Covent Garden de Londres. Luego lo siguió cantando durante años. Igualmente debo citar, entre los maestros que más contribuyeron al desarrollo de mi carrera como compositor, en primer lugar a Rafael Frühbeck de Burgos, que dirigió mis obras por gran parte del mundo hasta que falleció, a Miguel Ángel Gómez Martínez, a Jesús López Cobos, al guitarrista Pepe Romero y a las sopranos Ainhoa Arteta y María Bayo.

¿En qué música se encuentra trabajando en la actualidad?

Acabo de componer mi nuevo ciclo de canciones Sendero mágico, por encargo del CNDM con motivo de la próxima XXV edición del Ciclo Lied. Lo estrenará Ainhoa Arteta, acompañada por Roger Vignoles, el día 10 de diciembre en el Teatro de la Zarzuela. En la actualidad también estoy terminando de orquestar mi nueva composición titulada Rumbalina, para el clarinetista Joan Enric Lluna.

Está en su plena madurez compositiva… ¿Es este país un buen lugar para los compositores?

Yo creo que sí, sobre todo en la actualidad en la que disfrutamos de medios para poder interpretar y propagar nuestra música, tenemos estupendas orquestas y maravillosos auditorios. Hace cuarenta o cincuenta años, España tenía sólo tres orquestas, la Nacional, la de Barcelona y la de Valencia (de la que fui Director Titular). La creación de la Orquesta de RTVE dio un gran impulso a la música en nuestro país, los sueldos de los músicos fueron poniéndose poco a poco al nivel de algunas orquestas europeas y también poco a poco fueron naciendo orquestas y auditorios que fueron enriqueciendo la vida musical de España. Si nos comparamos con la vida musical de hace cincuenta años, veremos que la diferencia es abismal. En aquellos años eran las bandas las que mantenían un poco viva la vida musical de nuestro país. De ahí salieron los grandes instrumentadores de banda, como el catalán Juan Lamote de Grignon.

¿Qué haría que todavía no ha hecho?

A veces pienso lo bonito que sería irme con Brigitte a una islita del Caribe una semanita entera, sin hacer nada, disfrutando del sol y de la brisa del mar bajo las palmeras.

Seguramente nuestros lectores piensen lo mismo… Un abrazo maestro y gracias por su tiempo.

http://lorenzopalomo.com/es/

Por Gonzalo Pérez Chamorro 

Foto: El maestro Lorenzo Palomo con Rafael Frühbeck de Burgos en Tokyo. 

The Pochekin Brothers

The Pochekin Brothers

Publicado: Febrero 2018
“Descubrir obras desconocidas es una parte significativa de nuestra filosofía musical”

Con un disco dedicado a dúos de Mozart, M. Haydn, Glière y Prokofiev en el sello Melodiya, Ivan Pochekin y Mikhail Pochekin firman uno de los mejores trabajos en este género hasta la fecha.

Como un combate de esgrima entre caballeros y hermanos, este disco pone en alternancia dos tipos de arcos, la viola y el violín, ¿cómo se llevan tímbricamente ambos? ¿Quién gana el combate?

En este disco presentamos dúos para violín y viola y para dos violines. El mismo nombre del disco “La unidad de los contrarios” (“The Unity of Opposites”) tiene que ver con nuestras personalidades, tanto en la vida, como en la música. Somos totalmente diferentes y, en cuanto a la música, cada uno tenemos nuestras propias ideas e intereses. No obstante, cuando interpretamos juntos tratamos de completarnos el uno al otro. Somos hermanos y nos divierte mucho tocar juntos. Por lo tanto, en nuestro caso no se trata de un combate, sino de una unión. Y en cuanto al timbre de los instrumentos, en nuestro disco presentamos dos combinaciones bastante diferentes: mientras las partes de 2 violines en los Dúos de Glière y en la Sonata de Prokofiev tienen absolutamente la misma importancia, en el dúo de viola y violín, este último lleva la parte principal y la viola lo acompaña, especialmente en el Dúo de Haydn.

Desde los dúos clásicos de Mozart y Haydn a los dúos rusos de Glière y Prokofiev, el disco repasa algunas obras originales para esta combinación…

Se podría dividir nuestro disco en dos partes: la primera tiene los Dúos de Mozart y de Michael Haydn, la segunda la componen la Sonata de Prokofiev y 12 Dúos de Glière. Para nosotros tiene mucha importancia las relaciones entre las obras y entre los compositores. Compuestos en 1783, los de Mozart y Haydn están unidos por la historia de su creación, además de por la estrecha amistad entre estos compositores. Lo mismo podemos decir sobre los vínculos entre otros dos compositores representados en nuestro disco, aunque más bien deberíamos hablar sobre la relación entre el maestro y el discípulo, puesto que en los años 1902-1903 Glière enseñaba la composición y el piano al jovencísimo por el aquel entonces Prokofiev. Por tanto, podemos ver la afinidad entre los estilos de los dos autores rusos. Aunque Prokofiev se fue mucho más lejos en su búsqueda de armonía y su música tiene indudablemente una estructura más sofisticada que la de Glière, pero el talento lírico y melódico es lo que sin duda une a estos dos creadores.

No hay mucho repertorio original para el dúo violín-viola, por lo que en muchos casos habrá que echar mano de arreglos y transcripciones…

En este sentido hemos tenido mucha suerte, porque Iván, además de tocar el violín, domina la viola, lo que por supuesto enriquece el repertorio de nuestro dúo y nos da oportunidad de hacer una programación muy variada. Además de obras de cámara, que se podrán escuchar en nuestro disco, las obras para violín y viola con orquesta cuentan con unas verdaderas obras maestras como el Concierto de Bruch o la Sinfonía Concertante de Mozart. Por cierto, esta última es una de nuestras obras favoritas, y la escogimos para el concierto de nuestro estreno como dúo con la Orquesta Nacional de Rusia esta temporada, la 2017/2018. Con respecto a las transcripciones, también están presentes en el repertorio de nuestro dúo pero tratamos no darle tanta relevancia, lo principal para nosotros es que la música sea interesante, y no es tan importante si se trata de una obra original, o de una transcripción.

La grabación respeta muy bien los armónicos de cada instrumento, es de una calidad sonora muy grande, lo que enriquece una música muy poco usual como los 12 Dúos Op. 49 de Glière…

Resultó genial grabar el disco en la Sala Grande del Conservatorio de Moscú, este lugar impresiona por su acústica, estoy seguro que esta sala es una de las mejores del mundo por sus características sonoras. En cuanto a los 12 Dúos de Glière, lamentablemente, se interpretan con muy poca frecuencia, en general no estoy seguro si hubieran sido grabados anteriormente… Según nuestro punto de vista, Glière compuso una obra interesantísima y creó un mundo melódico único; por lo general, el descubrir para el público obras desconocidas es una parte significativa de nuestra filosofía musical. En nuestros proyectos como solistas cada uno de nosotros presta a esta actividad una atención especial. Así, Ivan grabó para Naxos los Conciertos ns. 5 y 6 de Paganini, que se interpretan con poca frecuencia, mientras yo (habla Mikhail) presento esta temporada una programación para violín y piano formada por las obras de Medtner y Roslavets, compositores rusos de la primera mitad del siglo XX.

¿Qué desarrollo en conciertos va a tener este disco?

Tenemos previstos los conciertos  y presentaciones en varias ciudades, entre ellas en Berlín, Moscú, Munich y muchas otras. También tenemos programada una gira por Rusia. Y por supuesto, queremos presentar esta programación al público español. Por cierto, la programación del disco se traduce con facilidad y de una manera completa en el formato de un concierto en dos partes: en la primera, las obras de Mozart y Haydn para violín y viola y, en la segunda, las de Glière y Prokofiev, éstas para dos violines.

Son rusos pero también españoles… ¿Cómo llegó su familia a España?

Todo comenzó en 1999 cuando nuestros padres tomaron la decisión de trasladarse a  Madrid. Toda nuestra familia se dedica a la música: nuestra madre es profesora de violín y nuestro padre es luthier, construye violines, violas y cellos en su taller. El clima de aquí es ideal para su trabajo, puesto que aquí tenemos sol prácticamente todo el año. Hay otros acontecimientos importantes de nuestra carrera musical ligados a España: ambos hemos estudiado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Un lugar especial ocupa en la vida de Mikhail el Premio “Pablo Sarasate” que ganó en 2008 y lo que le dio oportunidad de tocar el famoso violín Stradivari “ex-Boissier”, que en su día había pertenecido al maestro Sarasate y que se conserva actualmente en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como nuestros padres viven en Madrid, aprovechamos cualquier ocasión para venir aquí. A todos nosotros nos encanta España.

http://melody.su/en/catalog/classic/37599/

Por Lucas Quirós 

Foto: Los hermanos Pochekin, dúo violín y viola, en este “enfrentamiento” musical.
Crédito: Evgeny Evtyukhov 

Francisco Valero-Terribas

Francisco Valero-Terribas

Publicado: Febrero 2018
Recuerdos de un director

Tras una alabada Traviata y numerosos conciertos en España y Sudamérica, el director de orquesta Francisco Valero-Terribas ha cerrado un pletórico 2017, que se prolonga con un 2018 igualmente prometedor. Con él hemos hablado sobre un año triunfal y sobre los nuevos proyectos en este nuevo ciclo.

Ha cerrado un año 2017 con numerosas actuaciones en España y presencia en el extranjero. ¿Qué podríamos destacar?

Efectivamente, ha sido un año con actuaciones muy especiales. Comenzó con una producción muy personal de La Traviata en el Palau de la Música de Valencia, que tuvo una gran repercusión e impacto y que tuvimos que reponer en dos ocasiones. Además, guardo un especial recuerdo de los conciertos con la Orquesta Sinfónica de RTVE, rescatando una bellísima Segunda Sinfonía de Bizet, la Gala Lírica con el Centre de Perfeccionament “Plácido Domingo” del Palau de les Arts y la Orquesta de Valencia, el Requiem de Mozart con la Orquesta de Extremadura, el proyecto de Stravinsky, con los excelentes solistas de la Orquestra Simfònica de les Illes Balears y los conciertos en Oporto, Rio de Janeiro y Sao Paulo.

Siendo una de las óperas más representadas de la historia, ¿qué tuvo de personal esta producción de La Traviata?

La Traviata que presentamos en Valencia ha tenido más de 4.000 espectadores, de los que una gran parte no es habitual en las salas de conciertos. Aunque el estreno fue en el Palau de la Música, las dos reposiciones han sido en “Espai Rambleta”, que tiene un sello y un público muy diferente. En cualquier caso, cuando elaboras una interpretación de primer nivel y consigues emocionar, tanto al melómano conocedor de las mejores producciones internacionales como al neófito que descubre el mundo de la ópera, es muy satisfactorio a todos los niveles. La ópera, con calidad y honestidad, emociona y mueve masas.

Su presentación en Brasil ha constituido, cómo se suele decir, un éxito de crítica y público…

La acogida fue magnífica, tanto por parte de los músicos como del público. Tuve un concierto de temporada en Rio de Janeiro con la Orquestra Petrobras Sinfônica. Es una orquesta excelente con una gran plantilla, que constituye un referente en toda Latinoamérica. Propuse una primera parte con música española, que tuvo una gran acogida por parte del público y que particularmente me hacía mucha ilusión presentar. En la segunda parte interpretamos la Sinfonía n. 2 de Sibelius y quedé sorprendido por la calidad y ductilidad de los profesores, que estuvieron a un nivel envidiable en una preciosa y enorme sala de conciertos. Posteriormente, en Sao Paulo, dirigí en la Sala de Conciertos del Museo de Arte a la Sinfônica Heliópolis. Se trata de una orquesta basada en “El Sistema”, con unas particularidades e idiosincrasia muy diferente al trabajo que se desarrolla en Venezuela, lo que le ofrece un sello brasileiro verdaderamente interesante, que ya es reconocido en Europa.

Situarse al frente de una orquesta, como la Sinfónica Heliópolis, cuyo podio y proyecto está regido por nombres como Zubin Mehta o Isaac Karabtchevsky, debe ser un reto importante…

Sí, desde luego. Es un reto y un aliciente a la vez dirigir una orquesta que tiene estos referentes. La Orquesta Sinfónica Heliópolis es el máximo exponente de un proyecto social y formativo que tuve la oportunidad de conocer de primera mano y que me dejó tremendamente impactado por su envergadura, proyección y sensibilidad social. Está gestionada por el Instituto Baccarelli, una institución que realiza una labor extraordinaria con una gestión impecable. Es increíble el trabajo que desarrolla y la calidad artística de sus miembros, músicos que ocuparán los primeros atriles de las mejores orquestas de todo el mundo en breve. Es muy satisfactorio encontrar jóvenes con esa vocación e interés en nuestro mundo actual tan desprovisto de valores. Hicimos una Quinta Sinfonía de Prokofiev realmente espectacular.

Y sobre los proyectos y actuaciones para 2018…

Pues se presenta con muchos proyectos, nuevas invitaciones y con muchísimo repertorio sobre el atril. Las formaciones de las que soy responsable artístico tienen una temporada ambiciosa y tanto la Orquesta de Cámara Eutherpe en Valencia, como la Joven Orquesta Leonesa, van a disponer de grandes ciclos con solistas de primer nivel. El curso para pianistas y directores y la propia Fundación Eutherpe en León están de aniversario y hemos de darle el trato distinguido que merecen. También tengo compromisos para regresar a Sudamérica y nuevas invitaciones en España. Además de ópera, ballet y oratorio, que junto al repertorio sinfónico me van a ocupar durante gran parte del 2018.

http://valeroterribas.com/

Por Blanca Gallego 

Foto: El director Francisco Valero-Terribas hace balance de un espectacular 2017.


Zala Kravos

Zala Kravos

Publicado: Febrero 2018
La pianista más joven del mundo

Con un debut discográfico arrollador (Ars Produktion), en el que combina música del romanticismo (Brahms, Chopin y Liszt) con una obra escrita para ella por Albena Petrovic-Vratchanska, Zala es el nombre a retener de la nueva generación de pianistas.

¿Qué se siente, para un músico de su edad, el tener ya una grabación discográfica?

No quiero engañarle, pero debo admitir que no tengo ninguna sensación especial por esto. Esta intensa experiencia ya pertenece al pasado, de hecho, he “renovado” mi repertorio y creo que no interpretaré en un tiempo la mayoría de las obras que grabé. ¡Hay mucha más música por descubrir! Una de mis pasiones es la lectura, y este disco es exactamente como la primera página de un libro; una vez la has leído, pasa la página y prosigues la lectura, atrapándote cada vez más y más en la historia que te cuenta…

¿Y cuál es la historia de este disco?

Jean Muller, mi profesor de piano en el Conservatorio de Luxemburgo, que también es un pianista aclamado internacionalmente, fue quien me sugirió que grabará mi primer disco en solitario. Le estoy muy agradecida por este consejo porque fue la decisión correcta. Un primer disco, un debut discográfico, es como una tarjeta de presentación. Estudie la mayoría de estas obras en la Music Chapel Queen Elisabeth con Maria João Pires, una increíble artista, y con sus asistente Sylvia Theresa, una brillante y joven pianista y profesora. Les debo mucho. Actualmente estoy estudiando nuevo repertorio con Louis Lortie, el nuevo maestro residente, y con su asistente Avedis Kouyoumdjian desde Viena.

Comenzó a tocar el piano con 5 años… Y ha mencionado que llevaba interpretando el repertorio del disco desde hace varios años. Estas son obras de compositores con vidas intensas y experiencias musicales. De este modo, ¿piensa que estas interpretaciones son una manera de desarrollar un concepto de la obra y que cambiarán con el paso de los años?

Soy más o menos consciente de numerosos detalles, a través de los cuales una audición atenta puede adivinar mi juventud, porque se necesita tiempo y experiencia. Yo misma estoy impaciente y tengo curiosidad por saber cómo tocaré con el paso del tiempo. Mientras que mis futuras interpretaciones seguramente serán diferentes, espero que los oyentes también sean convincentes y personales, con todo el respeto posible a las partituras y estilos. 

La obra de Albena Petrovic-Vratchanska es sorprendentemente diferente en comparación a las piezas románticas. ¿Por qué decidió grabarla?

Grabar Crystal Dream en mi debut discográfico fue una elección del corazón y un modesto reconocimiento a la contribución de Albena en mi desarrollo como músico.

Ser la dedicataria de esta obra a su edad es de una amabilidad impresionante… ¿Cómo ocurrió?

Hace años, Albena, una pianista de Luxemburgo, profesora de piano y compositora (de origen búlgaro), fundó el Club des Artistes en Herbe (Club de Artistas Florecientes), del cual llegué a ser miembro cuando tenía solo siete años. Aquella militancia me dio muchas oportunidades de tocar en público, incluyendo orquestas. En 2013, Albena decidió escribir Crystal Dream para mí con la intención que me familiarizara con el lenguaje y estilo contemporáneo y moderno. En comparación con las partituras normales, es un verdadero desafío, completamente diferente, hasta en lo visual, otorgando al intérprete mucha libertad. Al principio estaba perdida y no podía leerla. Recuerdo que le pregunté a Albena si podía ayudarme… En 2015 ella compuso otra obra para mí, Mystery Dream, la cual es más compleja y presenta diferentes cambios.

Salvo más concursos pianísticos y clases, ¿cuáles son sus planes musicales? ¿Se centrará en música del siglo XIX y contemporáneo o desearía abarcar otros repertorios? O quizá otros géneros musicales como la música de cámara…

En la actualidad estoy involucrada en mucho más repertorio que el del disco, que es más o menos temático. Por ejemplo, adoro Ravel y su Concierto para piano en sol mayor lo estoy preparando junto al Primero de Prokofiev. El año pasado toqué dos de los Conciertos tempranos de Mozart y ahora estoy estudiándome una de sus Sonatas. También toco Bach, especialmente por las pruebas académicas a las que todavía me tengo que someter. Tengo siempre gran atracción por la música de cámara, pero no he tenido tiempo ni las oportunidades de tocarla, si exceptuamos algunas piezas para dúo de piano, con dos pianistas ya bastante maduros, pero también con mi joven hermano Val. Desde el año pasado, esto está cambiando: participé en el EMCY (European Union of Music Competitions for Youth), donde interpreté un Trío de Brahms. Estoy preparada para otra experiencia similar a los Concursos de Música para Jóvenes de la Unión Europea (EMCY) y, lo más importante, he comenzado a ensayar con Benjamin Kruithof, un joven y premiado cellista de Luxemburgo, con vistas a preparar un recital común.

Está usted muy decidida en como encaminar su carrera musical. ¿Hay algo más que quiera hacer? ¿Y con qué cosas y actividades también disfruta?

Continúo con mis estudios, como los de este año a distancia. Además de la música y lo que concierne a mis estudios, siempre he tenido diversas actividades que disfruto y practico: deportes, vida social, redes sociales últimamente, etc. También, como le dije, leo mucho. No quiero llegar a ser una adicta de lo que rodea a la música y creo que un buen músico, un artista verdadero, debe tener un sólido bagaje cultural y ricas y variadas experiencias vitales. Todas estas son cosas que suman en el crecimiento de una persona y un artista. Vi no hace mucho tiempo el filme de Kubrick Shining (El resplandor); del que podría agregar que “todo el tiempo dedicado al trabajo y no jugar, hace de Jack un zoquete”.

http://zalakravos.eu/

http://www.ars-produktion.de/lounge/eng/artists/zala_kravos/zala_kravos.php

http://www.grooves.land/product_info.php/products_id/2098079323/language/es

Por Lucas Quirós

Foto: La joven pianista Zala Kravos, que ha realizado su primera grabación en el sello Ars Produktion. 

Igor Ijurra

Igor Ijurra

Publicado: Enero 2018
Entre coros y orquestas

Es uno de los directores de coro de referencia en España. Desde 2005 es el director del Orfeón Pamplonés, merecedor de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2016, y desarrolla en paralelo una creciente actividad al frente de otros prestigiosos coros y como director de orquesta.

A diferencia de los directores de orquesta, los directores de coro son los grandes desconocidos para el público y para los medios musicales, ¿por qué cree que es?

Existen muchos menos coros que orquestas profesionales. Si una orquesta tiene 15 o 20 semanas de abono en su temporada, su coro no llega a actuar ni en la mitad de los programas y la temporada de conciertos a capella de los coros es bastante exigua. Además, en las orquestas hay continuamente directores invitados, cosa que no ocurre en igual medida con los coros.

Desde 2005 está al frente de uno de los coros con más prestigio de nuestro país, el Orfeón Pamplonés, que recibirá muy pronto la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, uno más de sus muchos reconocimientos. ¿Cómo valora su trabajo con él?

Siempre me da pudor hablar de mi trabajo y prefiero que sean otros quienes lo juzguen, pero objetivamente en los últimos años hemos logrado algunos hitos muy importantes: primer coro español en actuar en el Carnegie Hall con Valery Gergiev, primer coro español en actuar en los Proms de la mano de Juanjo Mena, actuaciones en Nueva York con la New York Philharmonic y el maestro Frühbeck, nuestro proyecto de Carmina Burana con La Fura dels Baus… Y en junio de 2018 seremos el primer coro en debutar en el Festival de Noches Blancas de San Petersburgo… Creo que coro y director hemos crecido a la vez, y hemos tenido unos años brillantes que después del 150 aniversario, celebrado en 2015, han abierto una nueva etapa. Y este nuevo galardón, del que estamos muy orgullosos, es de todos los que han formado el Orfeón en estos 152 años.

Hace solo unos días ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Madrid y Juanjo Mena en la Novena de Beethoven en el Auditorio Nacional…

Juanjo Mena, junto a Valery Gergiev, son nuestros dos directores de Honor y lo son por sus méritos y porque nuestra relación con ellos es muy estrecha. Juanjo, que además fue uno de mis primeros profesores de dirección, es una persona muy especial. Trabajamos en su etapa con la BOS (Ein Deutsches Requiem, Elias), en los Proms (Misa en fa menor de Bruckner) con la BBC en 2015, siempre con obras de envergadura. Nuestros conciertos bajo su batuta tienen el plus de ser dirigidos por uno de los más grandes. Con él sudamos, disfrutamos y aprendemos.

Además de su trabajo al frente del Orfeón Pamplonés, tiene en su agenda interesantes proyectos con otros coros e incluso como director de orquesta…

A los directores de coro desgraciadamente se nos dan pocas oportunidades de dirigir a un coro y una orquesta, cosa que sí pasa a la inversa, y no lo entiendo. He tenido la gran oportunidad de dirigir el pasado mes de diciembre el Messiah de Haendel-Mozart en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Málaga, lo que ha supuesto un gran reto. Además, debuté en noviembre como director preparador del Coro Nacional y en mayo debutaré con el Coro de la Comunidad de Madrid con una doble labor: preparando la obra Lur Kantak de Antón García Abril y dirigiendo un concierto a capella de abono del Coro con repertorio de compositores españoles. Es una etapa de crecimiento y de aprendizaje que la estoy viviendo con mucha ilusión. Soy un afortunado y estoy muy agradecido a los que depositan su confianza en mí.

Aparte de su labor en la dirección, ¿qué otras facetas musicales le interesan?

He impartido durante muchos años cursos de dirección, pero lo que me tiene más ocupado los últimos años es la recuperación y difusión de obras de autores vasco-navarros. Intento aportar mi granito de arena para dar a conocer, mediante conciertos, conferencias o edición de partituras, el inmenso patrimonio coral que tenemos, muchas veces minusvalorado por nosotros mismos. En especial a Lorenzo Ondarra (1931-2012), que fue premio nacional de música en 1969, un perfecto desconocido salvo en mi tierra, cuya obra coral es de una grandísima calidad. Sin olvidarme de autores actuales y de los Eslava, Gorriti, Donostia, Remacha, Aldabe…

Cuéntenos un poco sobre su formación y trayectoria…

Era tenor de la Coral de Etxarri Arantaz (mi pueblo natal) y comencé a dirigir a los 19 años. Aunque estudiaba derecho, comencé a acudir a cursos de dirección en España y en el extranjero y luego estudié dirección de coros en Musikene con Gabriel Baltes. Además he realizado cursos de dirección de orquesta y de canto, pero la verdadera escuela es dirigir a diario tu coro, que es quien te enseña, y cómo no, aprender de directores como Frühbeck, Juanjo Mena, Ernest Martínez, Ros-Marbá, Gergiev, Jurowski… Ver cómo gestionan un ensayo, cómo solucionan un problema, por qué una frase es mejor llevarla así y no de otra manera… Los momentos que he pasado en casa de Juanjo o con el maestro Frühbeck estudiando Carmina Burana en Washington son impagables.

www.igorijurra.com

Por Blanca Gallego

Foto: El director Igor Ijurra, afamado director del Orfeón Pamplonés, es también director de orquesta.
Crédito: Iñaki Zaldúa

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra

Publicado: Enero 2018
“Me exijo conocer cada detalle de la partitura”

El joven maestro español regresa al podio del Teatro de La Zarzuela con una nueva producción de la ópera española Maruxa.

Para un director joven con muchas horas de vuelo en el repertorio italiano ¿Qué opina de la ópera Maruxa?

Es una obra maestra del género lírico español. Combina de manera elegantísima el sutil aroma del folklore gallego, con una enraizada tradición musical europea de su tiempo, que Vives maneja de manera muy ecléctica. A momentos navega en aguas puccinianas, otras veces parece impresionista... Incluso la influencia de Wagner y Strauss es palpable. Es una ópera interesantísima que, si no se ha representado más a menudo, ha sido sólo por la tremenda dificultad vocal de los roles protagonistas. En la nueva producción del Teatro de la Zarzuela el público podrá ver dos repartos extraordinarios, tanto a nivel vocal como actoral.

¿Ha dirigido otras obras de Amadeu Vives? ¿Cómo considera a este compositor en relación a otros que se centraron en el repertorio de zarzuela?

Curiosamente, es la primera vez que dirijo una obra completa de Vives; aunque parezca extraño, nunca he tenido ocasión de dirigir Doña Francisquita, salvo algunos fragmentos en concierto. Este primer encuentro confirma mi amor por este compositor, uno de mis favoritos en el género zarzuelístico, junto con Chapí y Barbieri.

¿Qué dificultades o ventajas ofrece la versión operística de Maruxa, teniendo en cuenta que fue primero compuesta como zarzuela?

Creo que en su versión operística se mantiene mejor la tensión dramática, el verismo que la impregna se nos revela más claramente. Vives era consciente de ello, y creo que esta es la versión que él consideraba definitiva.

4- Siendo su debut en este título, ¿cómo concibe la preparación y el estudio de una partitura a la que se enfrenta por primera vez?

Siempre con gran respeto y dedicación. Me exijo conocer cada detalle de la partitura, e imaginar exactamente lo que quiero de cada compás; luego, sin embargo, me gusta recibir las ideas de los cantantes, y tengo una mentalidad muy abierta a la hora de integrarlas en mi interpretación. Somos un equipo, y no entra en mi “credo” imponer mi versión, me resulta mucho más interesante construirla con mis solistas. Con el transcurrir de los ensayos surgen constantemente cosas nuevas, detalles que haces de manera diferente con un reparto u otro...

Siendo un director todavía joven, lo cierto es que ya tiene una larga experiencia y su carrera se ha consolidado en el circuito internacional. ¿Qué diferencias encuentra entre la época de directores como Alberto Zedda, con quien usted tuvo una estrecha relación, y el período que usted está viviendo?

Alberto Zedda era en verdad un director con un pensamiento modernísimo, probablemente el más moderno y “juvenil” que he conocido... Pero, obviamente no todos los de su generación eran así. Creo que hoy en día la tiranía que imponían algunos directores de su época, es un concepto trasnochado. Yo me considero un colaborador de la orquesta; con una función específica e importante, sin duda, pero un humilde colaborador. Para mí, dirigir es un acto de música de cámara “ampliado”, donde todos los músicos, del primero al último, son fundamentales. Si la música se hace desde esa perspectiva, se convierte en un hermoso acto de comunicación.

Usted se ha prodigado tanto en el repertorio operístico como en el sinfónico. ¿Qué le ofrece cada uno?

Con ambos disfruto muchísimo, en cada uno se experimentan emociones diferentes. En el sinfónico se ensaya de manera intensiva, en pocos días se prepara un programa, y tienes la misión de obtener un producto perfectamente terminado en muy poco tiempo. Dependes muchísimo de tu preparación previa y de tu capacidad para comprender la arquitectura musical de las obras. La ópera se ensaya más tiempo, varias semanas; esto permite la creación de vínculos humanos y artísticos muy interesantes, y te permite más margen de experimentación interpretativa; es más fácil obtener un fruto maduro de todo ese trabajo. Pero luego cada función es diferente, una vez que sales al foso dependes totalmente de tu técnica y de tu capacidad para mantener la cohesión entre foso y escenario... Ambos mundos son fascinantes, y creo que para un buen director es fundamental dirigir tanto ópera como sinfónico, los dos géneros se enriquecen mutuamente.

¿Qué compositores son los que más le interesan, tanto en el terreno operístico como en el sinfónico? ¿Por qué?

En sinfónico Dvorák, Scriabin, Mahler, Bruckner, Strauss... Tengo un espíritu post-romántico y algo eslavo... Aunque la verdad es que mi repertorio es muy amplio y me gusta dirigir de todo, desde el barroco al contemporáneo. En ópera tengo especial feeling con Rossini, Verdi y Puccini, aunque adoro la ópera francesa y alemana. Adoro a Bizet, Massenet, Wagner o el propio Richard Strauss.

¿Qué significa para usted regresar al Teatro de La Zarzuela tras seis años sin haber dirigido en ese escenario?

Es una “vuelta a casa” muy especial. Es el teatro donde aprendí a amar la zarzuela y la ópera de niño, mientras el Real estaba en obras. Al empezar mi carrera, entre 2006 y 2012, tuve la ocasión de dirigir más de 100 funciones en él; el foso de la Zarzuela me hizo crecer mucho como director. Estos 6 años de ausencia se han hecho raros... Estoy muy agradecido a Daniel Bianco por darme la oportunidad de volver a este teatro tan querido.

¿Qué futuros proyectos tiene?

Conciertos con la Orquesta Sinfónica de Navarra y un hermoso proyecto con la Orquesta Joven de Galicia. A continuación dirigiré Turandot en Las Palmas, Il Barbiere di Siviglia en Santiago de Chile y Tancredi en Bari, y un concierto con Mariella Devia en el Teatro Real. A lo largo de 2018 se publicará mi DVD de Manon Lescaut de Puccini filmado para Unitel, y mis grabaciones de Ricciardo e Zoraide y Aureliano in Palmira de Rossini para Naxos; con este sello grabaré también L’Equivoco Stravagante en el Festival Rossini de Wildbad este verano.

http://josemiguelperezsierra.com/

Por Lucas Quirós 

Foto: Dirigir es un acto de música de cámara ampliado, donde todos los músicos, del primero al último, son fundamentales; si la música se hace desde esa perspectiva, se convierte en un hermoso acto de comunicación”, afirma Pérez-Sierra.
Crédito: © Rafa Martín

 

El lenguaje de la poesía

El lenguaje de la poesía

Publicado: Diciembre 2017
Bernhard Hofstötter, guitarra barroca


Tras cuatro discos dedicados a la música barroca para laúd, en su nuevo CD, nominado para los International Classical Music Awards 2018 (ICMA), Bernhard Hofstötter redescubre la música para guitarra barroca de un compositor largamente olvidado en el tiempo, el francés François Campion (aprox. 1686-1747).

¿Qué puede decirnos sobre François Campion y su música para guitarra barroca?

Cuando la gente piensa hoy en la guitarra barroca, la mayoría piensan en acordes rasgados. Y el rasguedado es, de hecho, uno de los aspectos importantes de la música escrita para este instrumento. Particularmente, a comienzos del siglo XVII fueron publicados en Italia numerosos Libros, los cuales solo contenían las secuencias de acordes para el rasgueo. En las siguientes décadas, sin embargo, la música para guitarra barroca desarrolla más allá que esos relativamente simples acordes “paternales”. De muchas maneras, la música de François Campion puede ser considerada como la cima de este desarrollo. Escribió música de la mayor complejidad para el instrumento. Debido a que la guitarra barroca tiene un limitado rango tonal, las escalas fugadas son toda una sorpresa.

Campion, según tengo entendido, publicó “Nouvelles Découvertes Sur la Guitarre”…

Sí, en 1705 publicó en París su único Libro para guitarra, que tituló “Nouvelles Découvertes Sur la Guitarre”. Es uno de los últimos libros que fueron publicados para guitarra de cinco órdenes, que es el instrumento al cual nosotros nos referimos como a la guitarra barroca de hoy. Este Libro posiciona a Campion, con Robert de Visée, como uno de los más selectos representantes de la escuela francesa para guitarra del siglo XVII. Y como añadido, Campion fue un notable teórico y miembro de la Académie Royale de Musique, la posterior Opera de París…

Me lo imagino como una eminente figura pública de la sociedad de entonces… ¡teniendo en cuenta que también conversaba con Voltaire!

Pero eso no es lo único. Cuando Campion murió en 1747, su sobrino depositó la copia personal del compositor del “Nouvelles Découvertes” en lo que es actualmente la Bibliothèque Nationale en París. Produce a lo largo de su vida anexos de su propia firma en su copia personal, por lo que probablemente tenía en mente la publicación de otro libro para guitarra que nunca llegó a fraguarse definitivamente. Entre esas piezas, están, por ejemplo, una ¡Passacaille consistente en 36 variaciones! O cuatro fugas completas. Otra pieza consiste en la imitación del canto de los pájaros, etc. En suma, estas piezas son de la mayor originalidad, creatividad e innovación y confirman a Campion como un maestro verdadero poseedor del conocimiento de los postreros secretos del instrumento. Las piezas manuscritas con sus numerosas correcciones por el propio compositor son el foco en el que he centrado las obras del disco. Es también una manera de mostrar el profundo proceso compositivo de Campion.

En el CD emplea una guitarra construida aproximadamente en 1640. ¿Qué nos puede decir de este instrumento?

La guitarra barroca que se puede escuchar en el disco es realmente única. Debido a sus rasgos estilísticos, ha sido atribuida a Matteo Sellas, uno de los más distinguidos constructores de laudes y guitarras en Venecia en el siglo XVII. Es casi un milagro que la guitarra haya sobrevivido en tan buen estado de conservación. Contrariamente a otros instrumentos originales, las modificaciones realizadas en el siglo XIX, como los irreversibles cambios en la tabla armónica o un acortamiento del mástil, este instrumento nos ha llegado hoy con el sonido de hace 400 años y nos permite vislumbrar como eran las guitarras de entonces. Y el sonido es completamente diferente de cualquier guitarra barroca construida en la actualidad con las cuales me he encontrado… Por supuesto, la guitarra que se escucha en el disco probablemente suene más diferente que una guitarra del siglo XVII. Pero también sabemos, por ejemplo, que en el siglo XVIII cientos de laúdes que tenían doscientos años tenían gran demanda por parte de los laudistas. Por consiguiente, creo que un instrumento como la guitarra usada en el disco puede brindarnos una imagen muy certera e incluso cerrada del sonido limpio buscado por compositores e intérpretes del periodo barroco.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

La verdad es que son bastantes para mencionarlos en este momento y con poco espacio. Hay mucha y buena música que desearía grabar, tanto antigua como moderna. Actualmente estoy trabajando en mucha música antigua para laúd del Renacimiento, al mismo tiempo que en una pieza que el afamado compositor Vache Sharafyan escribió para mí. También tengo que decir que aunque los instrumentos que empleo prosperaran en siglos anteriores, no es ninguna razón para considerarlos como piezas de museo, en mi opinión. De hecho, estos instrumentos permiten la expresión de una amplia variedad de emociones. Estos instrumentos tempranos de cuerda pulsada se parecen a la poesía, están directamente relacionados con ella, ya que nos hablan directamente al alma.

por Lucas Quirós

http://www.bernhardhofstotter.org/

Foto: Bernhard Hofstötter ha grabado en una guitarra barroca de 1640 piezas de François Campion.
Crédito: Ángel Benda 

Alfonso Gómez

Alfonso Gómez

Publicado: Diciembre 2017
Ante los espejos de Maurice Ravel

Tras Debussy, Ibarrondo, Françaix y sus discos con compositores románticos y contemporáneos españoles, comienza una integral discográfica dedicada a Ravel, ¿cuáles son los aspectos esenciales de esta música, según su punto de vista?

Ravel era un compositor por una parte extremadamente moderno y por otra un creador que estaba mirando siempre hacia atrás, hacia el pasado. Reinterpretó el barroco, clasicismo y romanticismo musical europeo en un idioma moderno e individual y abrió camino a compositores como Olivier Messiaen o la escuela espectralista francesa. Era un compositor tan polifacético y complejo que no me atrevo a ponerle el adjetivo de “impresionista”. Por otra parte, siempre me ha fascinado su rigor y constante autocrítica, su minucioso trabajo en el que no sobra ni falta una sola nota y que no acaba hasta que la obra haya sido destilada al completo.

¿Tiene referencias interpretativas en Ravel?

¡Claro! Las más importantes quizás sean las grabaciones que él mismo nos dejó en las pianolas de la marca “Welte-Mignon”. Ravel nunca fue lo que se dice un virtuoso y la calidad de las grabaciones no es especialmente sensacional, pero nos pueden dar una idea muy aproximada de sus intenciones. También colaboró muy intensamente con pianistas como Ricardo Viñes, Henriette Fauré y Vlado Perlemuter, quienes dejaron por escrito diversos aspectos de su colaboración y cuya documentación es extremadamente valiosa. Grabaciones de referencia son también las de Gieseking y Casadesus en los años 50, por citar algunas.

Es profesor en las Universidades de Friburgo y Stuttgart, ¿cómo se compagina la docencia con la actividad concertística?

Significa muchísimo trabajo, pero tengo que decir que las universidades alemanas son más comprensibles que los conservatorios españoles en cuanto a la carrera concertística de sus docentes. Donde somos muy rigurosos es en el nivel, preparación y exigencia en las clases.

¿Qué le llevó a Alemania?

Después de mis estudios en Vitoria y en Rotterdam no quise darme por vencido y amplié mis conocimientos con el maestro Tibor Szász en la Universidad de Friburgo. El país, su altísima calidad cultural y el valor que la sociedad da al arte y a la música me atraparon literalmente como un imán, por lo que decidí quedarme a vivir allí después de mis estudios. Intuí por entonces que era el país idóneo para desarrollar al máximo mis posibilidades y hasta el día de hoy, sigo pensando que fue la decisión correcta. De eso hace ya 16 años y ahora tengo la doble nacionalidad.

Me comentaba un importante maestro español que para él Gaspard de la Nuit es la obra para piano más importante del siglo XX…

Intento evitar frases del tipo “la obra más importante”, “la más difícil”, etc… Hablamos de música, algo que no se puede medir matemáticamente, y el siglo XX fue además especialmente complejo ¿Es más importante la obra de Ravel que la de Debussy, Schoenberg, Boulez o Stockhausen? No creo que nadie tenga respuesta a este tipo de preguntas. Gaspard de la Nuit es sin duda una de las cumbres del repertorio pianístico, pero casi me atrevo a formular que la obra de Debussy influyó más en las generaciones de compositores posteriores.

Tengo entendido que también tiene un proyecto de grabar música contemporánea de creadores alemanes…

Sí, de hecho el disco está ya grabado y en estos momentos se está editando. Lo que está planeado para esta temporada es la grabación del segundo volumen de la obra de Ravel y la integral para piano de Ramón Lazkano, compositor a quien admiro muchísimo, tanto musical como humanamente, para el reconocido sello vienés Kairos.

¿Próximos conciertos en España y en Europa?

Acabo de actuar en el Festival Bernaola de mi querida ciudad natal Vitoria-Gasteiz, donde suelo tocar con frecuencia. En marzo de 2018 daré dos recitales en el Euskalduna de Bilbao, en mayo estaré en la Mostra Sonora de Sueca, en octubre actuaré en San Sebastián y están apalabrados conciertos con diversas orquestas profesionales españolas durante la próxima temporada. Además de mis recitales en Europa, debutaré en breve en Alemania con diversas orquestas tocando el Concierto de Grieg, el n. 3 de Beethoven y el n. 2 de Shostakovich.

por Gonzalo Pérez Chamorro

https://store.cdbaby.com/cd/alfonsogomez1

http://www.alfonsogomez.de/

Foto: El pianista vitoriano afronta una integral discográfica Ravel.
Crédito: Johann Christian Schulz

 

Lucas y Arthur Jussen

Lucas y Arthur Jussen

Publicado: Diciembre 2017
Dos pianos para dos hermanos

A pesar de su juventud, son uno de los dúos de piano más cotizados de Europa, formados junto a Maria Joao Pires y alabados por directores como Sir Neville Marriner o Valery Gergiev, acaban de ofrecer varios conciertos en España.

Con solo 24 y 21 años acabáis de publicar vuestro quinto CD con Deutsche Grammophon y en esta temporada tocaréis en salas como el Concertgebouw de Amsterdam, Konzerthaus de Berlín o Elbphilhamonie de Hamburgo, ¿cuáles han sido las claves para llegar hasta aquí?

Lo más importante es trabajar duro. Nadie va a desarrollar el talento que tenga sin practicar una y otra vez. Una segunda clave es disfrutar de lo que haces. Nos encanta hacer música desde que empezamos a tocar el piano y sigue siendo así. Como tercer punto, podemos citar algo que no siempre está en tus manos, llamémoslo suerte... A veces debes estar en el lugar adecuado en el momento preciso. La gente tiene que creer en ti y darte oportunidades.

En los últimos meses habéis ofrecido en España conciertos con orquestas como la OBC y la Sinfónica de Tenerife y recitales en Girona o Pamplona, ¿cómo han sido estas experiencias?

Nos encanta España como país. Hemos venido desde que éramos pequeños, muchas veces de vacaciones para disfrutar del sol, la estupenda comida y las ciudades. Ahora nada nos hace más felices que poder dar conciertos en España. No importa si es con orquesta o recitales, disfrutamos igual…

A menudo se dice que habéis aportado un soplo de aire fresco a la música clásica. ¿Pensáis que es importante romper los estereotipos para atraer nuevos públicos a la música clásica?

No pretendemos romper estereotipos. Si miramos cualquier auditorio, veremos que la mayoría del público tiene más de 60 años. No hay nada malo en ello, pero sería estupendo si el 50% del público fuera de nuestra edad. No queremos romper normas con fotografías o nuestra imagen, pero queremos ser nosotros mismos. Es algo muy importante para nosotros. A los dos nos apasiona la música clásica, pero también los deportes, la moda o la música pop. A veces es difícil encontrar el equilibrio entre lo que es aceptable para la gente y lo que no, por ejemplo, si te vistes demasiado a la moda, la gente puede fijarse sólo en eso. Por otro lado, hay muchos jóvenes que van a nuestros conciertos en Holanda. Probablemente se debe a que se identifican con nosotros, porque vestimos más a la moda que la mayoría de los intérpretes de música clásica. Nuestra labor es encontrar el equilibrio entre esos diferentes públicos. Los dos son igualmente importantes para nosotros. Y, finalmente, lo que realmente importa es la música.

Vuestro último CD incluye el Concierto para dos pianos y orquesta de Poulenc, que France Musique ha elegido como la mejor grabación nunca hecha de esa obra, ¿cómo fue la elección del programa?

Lo más importante para incluir las tres obras que componen el CD es unir estilos diferentes, porque anteriormente habíamos grabado varios álbumes dedicados a un solo compositor. La conexión entre Saint-Saëns y Fazil Say es bastante grande. Donde El Carnaval de los animales es accesible y lleno de alegría, Night de Say es el contrapunto trágico y oscuro. Entre ambas grabamos el Concierto de Poulenc, que funciona como un puente entre ellos. Poulenc era conocido por su elegante y extravagante personalidad, que destacó en medio de la elite parisina. Recibió influencias de muchos estilos diferentes y se puede apreciar claramente en este Concierto. Por ejemplo, su primer movimiento termina con un gamelán balinés, mientras el inicio del segundo recuerda a Mozart…

¿Cuál es la aportación de los hermanos Jussen como dúo y cuál es la contribución de cada uno de vosotros?

Es muy difícil para nosotros juzgar eso. Lo único que podemos decir es que esperamos ser capaces de transmitir la alegría de la música a nuestro público. Ése es nuestro principal objetivo ahora y lo será en el futuro. En lo que se refiere a cada uno de nosotros, pensamos que los dos aportamos por igual. No hay algo en lo que Lucas sea especialista y que Arthur no tenga o viceversa. La mayor fortaleza del dúo es que los dos estamos al mismo nivel. Solo así se puede alcanzar lo máximo con una composición.

¿Cómo veis vuestra carrera en el futuro? ¿Os veremos de nuevo pronto en España?

No sabemos cómo discurrirá nuestra carrera, pero, por supuesto, esperamos seguir tocando en salas estupendas de todo el mundo. Seguimos teniendo mucho que aprender, esto es algo que no acaba nunca en la música. Y, por supuesto nos encantaría volver a España en un futuro próximo. Así que si nos queréis aquí, volveremos inmediatamente…

por Blanca Gallego

http://arthurandlucasjussen.com/en/home

Foto: Lucas y Arthur Jussen, el dúo de piano de moda.
Crédito: © Peter van der Heyden

 

Andrea Carè

Andrea Carè

Publicado: Diciembre 2017
“Don Carlo es un personaje fascinante”

El tenor italiano, que acaba de cantar Madama Butterfly y Carmen en el Teatro Real de Madrid, debutará este mes en el Palau de Les Arts de Valencia con la ópera verdiana Don Carlo, junto al Rodrigo de Plácido Domingo. Carè conoce al artista madrileño desde que trabajaron juntos en la Royal Opera House de Londres (2013) en una producción de Nabucco editada en DVD. “Fue una experiencia inolvidable”, recuerda Carè. “Él es un artista increíble, con un talento y una energía inmensos. Pocos han conseguido dar tanto en una carrera tan importante. Es un honor volver a compartir escenario juntos, algo muy importante para mí, tanto por el rol que interpretaré como por la suerte de poder cantar con su Rodrigo”.

Hablemos de Verdi, ¿qué otros personajes ha cantado?

Ismaele de Nabucco, Macduf de Macbeth, Alfredo de La Traviata, Gustavo III en Un ballo in maschera, Radames en Aida, así como el rol protagonista de Stiffelio.

¿Cómo define la personalidad de su Don Carlo?

Me gusta darle un carácter frágil, atormentado, pasional y problemático para acercarme lo más posible al personaje histórico y alejarme del estereotipo del héroe que Verdi nunca quiso dibujar ni con la música ni con sus indicaciones escénicas. Es fascinante.

¿Qué dificultades ofrece la versión italiana en relación a la francesa?

He cantado solo la versión italiana en cuatro actos. Creo que la dificultad en esta versión es que entras directamente en el drama y en el conflicto psicológico del personaje, ya que se elimina el primer acto original que le añade dificultad técnico-vocal, pero que ayuda a nivel dramatúrgico dando al intérprete más tiempo para entrar en el rol.

Su carrera le ha llevado a algunos de los mejores teatros del mundo. ¿Cómo afronta sus próximos debuts en el Metropolitan de Nueva York y en la Ópera de Viena?

Todos los teatros son importantes; lo que cuenta es el público. Yo canto e interpreto con el objetivo de brindar mi visión de determinadas obras maestras inmortales con la esperanza de tocar el alma del espectador, regalándole emociones a través de mi voz y de mi interpretación.  

¿Qué papeles son los que le interesan?

Hay muchas obras que quiero explorar, títulos puccinianos y verdianos y repertorio verista de Mascagni, Leoncavallo, Giordano o Cilea. También me siento preparado para afrontar obras de autores como Massenet, Wagner, Janácek o Tchaikovsky.

¿Cuál es su método de trabajo ante un nuevo personaje?

Me gusta comenzar por la historia: el libreto y la fuente de inspiración son fundamentales. En los últimos años, estando muy ocupado en diversas producciones, tengo que encontrar un buen pianista en la ciudad en la que estoy para preparar musicalmente el papel. Después estudio en profundidad el personaje con mi pianista en Turín y, si tengo tiempo, con mi profesora, la grandísima Raina Kabaivanska, para perfeccionar cada aspecto del rol. Y siempre estoy leyendo sobre los personajes que afronto, ajustándome a las diferentes producciones en las que me encuentro sumergido teniendo en cuenta, claro, el punto de vista de los diferentes directores de escena y musicales. En estos 12 años de carrera no siento todavía haber conseguido llegar al fondo de los personajes que interpreto. Es que este es un estudio continuo, un desarrollo ininterrumpido y un proceso de evolución físico-psicológica que te lleva a trabajar muchísimo y a tratar de mejorar siempre. 

 ¿Qué recuerdos guarda del público español tras sus actuaciones en el Teatro Real o en el Liceu de Barcelona?

El público español es de los más exigentes, atentos y expertos en el campo operístico, obviamente junto al italiano. Aquí he vivido funciones llenas de intercambio de energía. Soy muy empático con el público y percibo cuando te vienen a juzgar y a compararte con los grandes del pasado o bien cuando vienen a emocionarse y a dejarse transportar con una mirada y un corazón abierto para gozar una nueva interpretación.

Usted tuvo la fortuna de estudiar con Pavarotti ¿Qué enseñanza le dejó? 

He tenido mucha suerte: soy alumno de Raina Kabaivanska y de Pavarotti recibí buenos consejos. Era un hombre lleno de amor por la música y por este extraordinario arte que es la ópera. Sus enseñanzas fueron fundamentales en lo que se refiere a la gestión de la proyección del sonido, por el control cuidado del passaggio y por el fraseo que permite aproximarse al agudo más seguro y controlado, aunque mi voz sea particularmente oscura y pesante para el registro de tenor.  

¿Tiene proyectos futuros en España?

Estamos viendo posibilidades. Por lo pronto ya es seguro La Gioconda en el Liceu de Barcelona y Don Carlo en el Real de Madrid.

DON CARLO
Palau de Les Arts, Valencia
9, 12, 15, 18 y 21 diciembre 2017
Dirección musical
Ramón Tebar
Dirección de escena, escenografía e iluminación
Marco Arturo Marelli
Reparto
Plácido Domingo, Andrea Carè, María José Siri, Alexánder Vinogradov, Violeta Urmana, etc. 

por Lucas Quirós

http://andreacare.it/ 

Foto: El tenor Andrea Carè, que afronta el papel de Don Carlo en el Palau de Les Arts de Valencia.
Crédito: © Juan Carranza

 

Barcelona Clarinet Players

Barcelona Clarinet Players

Publicado: Diciembre 2017
Vientos homogéneos

Un minucioso trabajo camerístico y una cuidada y enérgica puesta definen a este cuarteto de clarinetes, que acaban de publicar su CD Czernowitzer Skizzen, en el sello Orpheus Classical.

¿Cómo surgió Barcelona Clarinet Players?

El grupo nace en el seno de la Banda Municipal de Barcelona,  con el propósito de potenciar el mundo de la música de cámara para nuestro instrumento, además de propiciar un enriquecimiento personal y profesional.

¿Cómo es el repertorio para un cuarteto de clarinetes?

Aunque hay obras para esta formación, al no ser un conjunto muy común, el repertorio no es extenso. Aún así, una de las premisas para crear el grupo era que queríamos un repertorio nuevo que se adaptara a nuestra forma de entender la música. De esta manera, prácticamente la totalidad de obras que interpretamos están compuestas expresamente por encargo nuestro.

Os definís como un grupo en el que la fusión y la innovación son elementos importantes. ¿Cómo hacéis que estos conceptos estén presentes en vuestros conciertos?

Intentamos, siempre que sea posible, interacturar con otras disciplinas artísticas. En nuestros proyectos hemos tenido la oportunidad de trabajar con el poeta Arnau Pons (Premio Nacional de Traducción 2015), la pintora Marina Comas, la coreógrafa y bailarina Sol Picó (Premio Nacional de Danza 2016) y el reconocido internacionalmente Clown Leandre.

Vuestro segundo CD, tras “Toma café”, con obras de Iturralde, está dedicado a la obra Czernowitzer Skizzen, del compositor austriaco Alexander Kukelka, ¿qué os atrajo de esta música y por qué decidisteis grabarla?

De esta obra nos atrajo su belleza y su estructura interna, que mantiene la tensión del primer al último movimiento. Además, es una pieza muy idiomática y muy bien instrumentada, donde todos los clarinetes son protagonistas. Decidimos realizar la grabación a raíz de las reiteradas peticiones del público que escuchaba alguno de los movimientos interpretados en concierto, y que nos pedían si la teníamos en disco, por ello decidimos grabarla.

¿Qué aporta Barcelona Clarinet Players a Czernowitzer Skizzen?

Esta es la segunda versión que se puede encontrar en el mercado, y difiere de la existente en que hemos hecho una interpretación mucho más íntima y recogida, más reflexiva, gracias al interés que nos despertó la historia de la ciudad de Czernowitz.

Habéis trabajado mucho con compositores españoles contemporáneos, ¿por qué creéis que el clarinete resulta un instrumento tan atractivo para los nuevos compositores?

El clarinete es un instrumento que permite multitud de sonoridades, es muy flexible y está presente en estilos de música muy diversos. Algunos compositores han mostrado un gran interés por la homogeneidad sonora del grupo, otros se entusiasman explorando sus posibilidades, otros buscan su pulcritud de sonido, etc. Cada compositor que nos ha escrito, ha encontrado una sonoridad particular al grupo, cosa de la que estamos especialmente orgullosos.

¿Cuáles son vuestros próximos proyectos?

Esta temporada hemos estrenado dos obras para cuarteto y banda sinfónica, The Musketeers de Óscar Navarro con la Banda Municipal de Palma de Mallorca y Juan Miguel Romero como director; y Kelarnit de José Rafael Pascual Vilaplana, con la Banda Municipal de Bilbao y el propio compositor a la dirección. Se trata de un proyecto ambicioso que consta de tres obras más compuestas por Salvador Brotons, Luis Serrano y Jesús Santandreu. Está planeada su grabación para el 2019 con la North Texas Wind Symphony y su director Eugene Corporon. Además, hemos grabado un disco con obras de Magrané, Guix, Vivancos, García-Tomás y Castellarnau, que se está editando y saldrá el próximo año con el sello Seed Music. En paralelo, tenemos tres proyectos más, que se diferencian de los anteriores por su formación y estética. El primero es un monográfico con obras de Enric Palomar, y que cuenta con la colaboración del cantaor Pere Martínez. El segundo, Black Pool Suite, es una composición jazzística de Joan Vidal y que contará con el propio compositor a la batería y con Marco Mezquida al piano. Y el tercero son conciertos educativos, desde el exitoso Planeta Clarinet, producido por L’Auditori de Barcelona, hasta Clarinens y El viaje de Till, diseñados por el propio grupo.

Durante un siglo y medio, hasta 1918, la ciudad de Czernowitz fue un lugar sin igual en Europa: un ejemplo de multiculturalidad, de diversidad y de convivencia. El compositor austríaco Alexander Kukelka lo retrató en Czernowitzer Skizzen, una composición con una marcada influencia de la música judía y con reminiscencias de compositores como Brahms, Kodály, Bartók o Stravinsky, que forma el segundo CD de Barcelona Clarinet Players grabado con Orpheus Classical.

por Blanca Gallego

https://www.bcnclarinetplayers.com/

Foto: El Ensemble Barcelona Clarinet Players.
Crédito: © Ricardo Rios / Visual Art 

Astrid Angvik, directora de Grand Piano

Astrid Angvik, directora de Grand Piano

Publicado: Noviembre 2017
Al servicio del nuevo piano

Hace cinco años nació el sello discográfico Grand Piano, perteneciente al grupo Naxos, con la finalidad de aportar y rescatar nuevos registros pianísticos, descubriendo autores, obras e intérpretes en todo el mundo. En estos cinco años, Grand Piano ha creado un excelente catálogo de más de 130 títulos, creciendo mes a mes, siendo ya un referente en el mercado internacional. Hablamos con Astrid Angvik, directora de Grand Piano y del grupo Naxos.

¿Cómo surgió la idea de Grand Piano?

Convergieron dos situaciones para animarnos a lanzar el nuevo sello. Sentíamos que una nueva comunidad de público y profesionales del piano demandaba una etiqueta que cubriera nuevos repertorios, no grabados, para este instrumento. Al mismo tiempo, a Naxos le estaban llegando gran número de propuestas de grabaciones de piano que no tenían una cabida correcta en nuestra etiqueta base. Las llamadas del mercado eran claras, así que lanzamos el nuevo sello hace ahora cinco años.

De la idea inicial a la realidad actual, ¿tenemos diferencias?

Estoy feliz al poder afirmar que hemos permanecido fieles a nuestra visión original, que era la de explorar el repertorio pianístico aún por descubrir,  especializándonos en ciclos completos de diversos compositores menos conocidos, cuya producción de otro modo habría permanecido ignorada y no registrada. De los más de 130 álbumes que hemos lanzado, el 80% incluye primeras grabaciones mundiales y el 70% implica ciclos completos.

¿Cómo eligen los repertorios?

Hay una dinámica saludable de push and pull. Recibimos muchísimas propuestas, seleccionando aquellas que puedan encajar en nuestro concepto. Por otro lado, los pianistas también nos preguntan qué es lo que nosotros queremos grabar. La semana pasada tuvimos un caso en el que Naxos Japón nos presentó una propuesta concreta de repertorio, lo consultamos con uno de nuestros pianistas accediendo éste a grabarlo, a pesar de que probablemente nunca lo hubiese elegido para incluirlo en uno de sus conciertos públicos.

¿Cómo elige a los intérpretes?

Por lo general, cada proyecto tiene su pianista natural, o de cabecera, que es un experto en ese compositor o repertorio. Muchos de nuestros intérpretes nos sugieren nuevos proyectos. Ahora que ya contamos con un importante cartel de pianistas y conocemos sus tendencias y estilo, nos es mucho más fácil identificar al pianista correcto para cada grabación o propuesta.

¿Han conseguido que Grand Piano sea rentable desde un punto de vista económico?

Seremos rentables siempre y cuando podamos seguir vendiendo CDs. El streaming es ideal para los consumidores y para las grandes etiquetas con grandes y mediáticos artistas del pop y rock, pero el modelo de negocio online no funciona aún para géneros más pequeños y especializados. Para generar ingresos de 10.000 dólares, que apenas cubren el coste de una grabación de piano, ¡necesitarías 2.5 millones de descargas en Spotify! Obviamente, ninguno de nuestros discos llegará a estar cerca de estas cifras. De hecho, para casi ningún álbum clásico esto es posible. Así que, a menos que los consumidores online y los servicios de streaming paguen más en un futuro, la financiación para mantener una industria discográfica especializada, en la actualidad, hay que buscarla por otras vías por el momento.

¿Cuántas novedades editan año?

Lanzamos 20-25 nuevos títulos por temporada; normalmente tres al mes durante 9-10 meses del año.

¿Cuáles son sus proyectos editoriales futuros?

Tenemos proyectos en curso, como Manuel Ponce, Satie (Urtext), Cartas Celestes de Almeida Prado, Sonatas de teclado de Kozeluch y compositores armenios; pero el próximo año también tendremos nuevos proyectos con compositores como Anthony Burgess, Arvo Pärt y Witold Lutoslawski. Compositores africanos y,  también, algunas transcripciones emocionantes, incluyendo Paganini y un nuevo arreglo de los Conciertos de Brandemburgo de Bach para dos pianos. Y cuanto más grabamos, más descubrimos… ¡Hay una gran cantidad de música de piano ahí fuera esperando ser descubierta y grabada!

Muchas gracias por sus amables respuestas. Deseamos a Grand Piano muchos años más en su excelente trabajo de búsqueda y recuperación de nuevos repertorios pianísticos, de la mano de sus nuevos grandes intérpretes. Felicidades por sus primeros cinco años de vida. 

GRAND PIANO

5 años del sello internacional del piano independiente 

El piano ha gozado de una especial atención en las grabaciones discográficas, contando siempre con un enorme volumen de registros atendidos por las principales marcas multinacionales. Por otro lado, los pequeños sellos locales también están presentes de forma masiva en el mundo del piano. También, un gran número de concursos internacionales promueven el instrumento y a sus jóvenes intérpretes, con premios, conciertos y grabaciones. 

Como decíamos, los sellos discográficos, a lo largo de los años, han puesto a disposición del amante del instrumento un ingente número de registros que cubren sin fisuras el repertorio más popular del piano, con grabaciones de los grandes maestros, y decenas de versiones de las principales obras; pero el aficionado avanzado ha ido echando en falta una mayor exploración de repertorios alternativos o infrecuentes, con lo que se abre un espacio para la investigación y producción de grabaciones de nuevas obras para el instrumento rey.

Compositores no habituales

En Grand Piano podemos encontrar un importante número de ciclos y series de compositores no habituales, así como obras poco frecuentes de otros más conocidos. Algunos ejemplos: Mili Alekseyevich Balakirev (1837-1910), George Enescu (1881-1995), Philip Glass (1937), Franz Anton Hoffmeister (1754-1812), Leopold Koželuch (1747-1818), Joachim Raff (1822-1882), Camille Saint-Saëns (1835-1921), Erik satie (1866-1925), Florent Schmitt (1870-1958), Erwin Schulhoff (1894-1942), Alexander Tcherepnin (1899-1977), Jan Hugo Voříšek (1791-1825) O Mieczyslaw Weinberg (1919-1996), entre otros. 

Este mes de noviembre se presenta un CD con música cubana para piano con obras de Ernesto Lecuona, Carlos Fariñas Cantero y Andrés Alén Rodríguez; un CD que se suma al del mexicano Manuel Ponce, al del brasileño Almeida Prado, la música portuguesa, la mexicana o la venezolana, creando poco a poco una muy interesante colección de música para piano latinoamericana. También destaca en el sello el gran número de grabaciones de compositores rusos, la música contemporánea con obras de autores de los países del norte de Europa y una pequeña ventana al Jazz.

Los intérpretes son jóvenes pianistas de todo el mundo, muchos de ellos ganadores o finalistas de los principales concursos internacionales de piano, como por ejemplo el español Josu de Solaun, ganador del Concurso Internacional George Enescu de Bucharest, portada de RITMO en julio-agosto de 2015 y 2016, y que ha sido el responsable de los registros de la obra completa para piano de Enescu en 3 volúmenes. 

El sello Grand Piano celebra su quinto aniversario con la publicación de un estuche especial de 3 CD, tipo sampler, que nos ayuda a recorrer lo principal del catálogo: CD 1 Siglos XVIII y XIX (períodos clásico y romántico); CD 2 1900-1950 (divergencias y nuevo siglo); CD 3 1960 en adelante (música de hoy).

En el presente año 2017 destacamos la finalización de la serie sobre Leopold Koželuch, y el inicio de una nueva colección sobre la música de piano de Erik Satie (edición Urtext), interpretada por Nicolás Horvath. También es digno de mención  la grabación de Giorgio Koukl de la obra completa de piano de la compositora checa Vítězslava Kaprálová (1915-1940), así como el disco que abre la serie de Inga Fiolia y que cubre las obras de teclado de Mikhail Glinka (1804-1857). También cabe reseñar para este mes de noviembre un CD para piano del maestro Lalo Schifrin, gran compositor de bandas sonoras como Misión Imposible, Mannix  o Starsky y Hutch.

Grand Piano, tras estos cinco años de andadura, puede presentarse en el mercado internacional como un sello con más de 130 títulos, la mayoría primeras grabaciones mundiales, apoyado por el talento de jóvenes y reputados intérpretes, con cuidadas ediciones, muy documentadas y bien presentadas. Y además, todo ello dentro de la gran familia Naxos, lo que significa una posición muy activa en el mercado internacional, una eficiente distribución física en todo el mundo, una excelente presencia en las principales plataformas de distribución digital internacional y una amplia cobertura mediática, tanto en los medios de comunicación especializados como en las activas redes sociales e Internet. Podemos afirmar que Grand Piano cumple su compromiso de recuperar autores y obras infrecuentes de la historia del piano, dando visibilidad y promoción a jóvenes grandes intérpretes de todo el mundo.

por Florestán Aguilar

Foto: Astrid Angvik.
Acred: Annabel Lee

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Mario Prisuelos

Mario Prisuelos

Publicado: Noviembre 2017
Compromiso con la música contemporánea

El reconocido pianista madrileño, que con sus extraordinarias interpretaciones ha llevado la música española a las salas de conciertos de todo el mundo, tras el éxito de su anterior grabación dedicada al piano romántico de Marcial del Adalid, fiel a su compromiso con la música actual, presenta en su nuevo CD “Tomás Marco: Piano Works”. Una amplia selección de la música para piano del compositor Tomás Marco, galardonado por la SGAE con el prestigioso Premio Tomás Luis de Victoria, en reconocimiento a su aportación a la música contemporánea.

¿Cómo llega Mario Prisuelos a la música de Tomás Marco?

El primer contacto con la música de Tomás Marco es a través de mi maestro Humberto Quagliata, gran intérprete de la música de su tiempo y de la música de Tomás Marco. Con él empecé a conocer la música de mi época y conocí la de Marco, de quien me atrajo su mundo sonoro y empecé a tocar como primera obra su Soleá, que después he interpretado en muchas ocasiones dentro y fuera de España.

¿Cuándo y cómo surge el proyecto de grabar esta integral de piano?

A raíz del estreno de Movilidad de la escultura, surgió la posibilidad de hacer una grabación con la música de Tomás Marco como celebración de su 75 aniversario, y yo le propuse que podría ser una visión de su obra para piano a lo largo del tiempo. El maestro se ilusionó desde un primer momento con la idea, y decidimos mostrar una grabación muy personal, una fusión entre intérprete y compositor. Contamos con el apoyo de la Comunidad de Madrid y con el magnífico sello IBS Classical, que viene desarrollando una labor estupenda y que, a través de su productor Paco Moya, han realizado un trabajo excepcional.

Como pianista, ¿qué destacaría de la música para piano del maestro Marco?

Para el intérprete su música es siempre un reto, porque detrás de una supuesta sencillez esconde siempre un mundo sonoro muy intenso, hipnótico, en ocasiones técnicamente muy complejo y siempre con una fuerte intención comunicativa. Para mí, es una música que plantea siempre interrogantes y que mantiene un juego apasionante de tensiones entre lo estático y el movimiento.

¿Por qué eligió estas obras en particular?

Movilidad de la escultura era una de las obras que tenía especial interés en grabar, obra que tuve el gran honor de ser dedicatorio y estrené en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. La selección del resto responde al interés por mostrar una visión de la obra para piano de Tomás Marco lo más completa posible, en un instrumento solista al que ha dedicado la mayor parte de su producción. Música que debía estar ahí por motivos algunas veces puramente conceptuales, otras por una necesidad más espiritual y otras, porque, como intérprete, me sentía más identificado en ellas. Al ser una antología de su música para piano, creímos que debía ser una visión de distintos estilos y formas de entender el piano y que todas juntas dieran una idea variada pero completa de su obra. El CD está pensado para escucharlo seguido y quedarse al final de su escucha con una visión de toda una vida compositiva a través del piano.

Como intérprete al que le gusta mantenerse fiel al compositor, ¿qué supuso el hecho de poder trabajar codo a codo con un compositor vivo?

Para mí es maravilloso poder trabajar las obras con los propios compositores, conocer de primera mano sus intenciones, todo aquello que va más allá de la propia escritura. El CD cuenta con cinco obras que son primera grabación mundial, algo muy gratificante y a la vez de gran responsabilidad; un trabajo muy intenso y muy enriquecedor. Es cierto que me exijo siempre la máxima fidelidad a lo escrito por el compositor, pero a veces no es suficiente, surgen dudas y es muy estimulante poder consultar con el compositor. Como intérprete, mi objetivo final es transmitir la intención musical y vital del compositor. Y poder trabajar con Tomás Marco, compositor al que admiro tanto y uno de los grandes nombres de la música en España en sus más diversos aspectos, ha supuesto una oportunidad única.

A lo largo de su trayectoria profesional, aunque sin abandonar nunca el repertorio tradicional, es evidente su compromiso con la música actual ¿Con qué repertorio se siente más a gusto?

Es cierto que adoro la música de mi tiempo. Quizá los siglos XX y XXI son donde me siento más cómodo, me apasiona la gran variedad de estéticas que han estado conviviendo. Me hace sentir muy vivo mostrar al público la música que se está haciendo en este momento. Igual que hubo un momento mágico en el que se mostró por primera vez una Sinfonía de Beethoven o un Cuarteto de Mozart, a mí me apasiona hacer lo mismo con una obra de nuestros días. Aunque también es cierto, tengo una necesidad recurrente de volver a la tradición, necesito sentir ese poso del repertorio tradicional y bucear en él, en la búsqueda de sus características en el timbre, técnica, fraseo o color que después me gusta aplicar en la música actual.

¿Tendremos oportunidad de escuchar este último CD en concierto? ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Están previstos varios conciertos en 2018 con música de Tomás Marco, tanto dentro como fuera de España, en países como Estados Unidos, Francia o Polonia, junto a obras de música española. Entre los próximos proyectos me hace especial ilusión el próximo estreno del Concierto para piano y orquesta de José María Goicoechea, junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra dirigida por Josep Caballé Domenech.

por Jesús Rovira

Foto: Mario Prisuelos.
Acred: Michal Novak 

http://www.marioprisuelos.com/

Carmina Antiqva 2017

Carmina Antiqva 2017

Publicado: Noviembre 2017
Música antigua en Extremadura

El ciclo Carmina Antiqva 2017 se presenta con un enfoque multidisciplinar que acoge un Club de Lectura Musical, en el que se leerán obras de maestros de capilla de las catedrales de Coria y Plasencia, un concierto inspirado en la realidad sonora coetánea a los años de vida del celebérrimo pintor Francisco de Zurbarán, otro concierto de lírica medieval y una conferencia sobre las obras de distintos maestros de capilla que prestaron servicio en las catedrales del norte de Extremadura durante los siglos XVII, XVIII y XIX.

La edición arrancó en la tarde del 28 de octubre con un novedoso formato consistente en leer obras corales vinculadas, de una u otra forma, a la realidad cultural extremeña. El director Armando Possante (Lisboa) conducirá así la lectura de trabajos recientemente transcritos de los archivos catedralicios de Coria y Plasencia. Esta actividad es participativa y se abrirá a cualquier cantor, director de coro, musicólogo, profesor, investigador…, que tenga interés en escuchar y cantar de primera mano las composiciones de los maestros de capilla que antaño prestaron servicios en estos centros religiosos.

Para ello, se dispondrá de reducciones y un coro piloto (Coro de Cámara Amadeus, dirigido por Alonso Gómez Gallego), que facilitará esta labor de montaje. Cabe destacar que la actividad no persigue un trabajo artístico final o presentación como concierto, sino el conocimiento, aproximación a la dificultad real, sonoridad, posibilidades dramatúrgicas, de un patrimonio que gracias a la labor de jóvenes investigadores extremeños se rescata ahora de un injusto olvido. 

El viernes, 3 de noviembre, tendrá lugar el primer concierto a cargo de Eduardo Paniagua con Música Antigua. La agrupación interpretará un programa intitulado Cantigas y canciones de al-Ándalus en Extremadura.

Lírica popular

Con este programa nos acercaremos a la lírica popular y cancioneril del oeste y sur peninsular. En ella oiremos temas recurrentes en la tradición oral, desde la edad media (los anhelos de la amada/o, la morena, temas de corte histórico…) en formatos de jarchas, villancicos, cantigas y canciones antiguas.  

El viernes 10 de noviembre será el turno de la doctora Alicia Martín Terrón, premio de doctorado (UEx 2016), autora de la tesis doctoral “Esplendor y ocaso en las instituciones eclesiásticas del norte de Extremadura: las prácticas musicales en las catedrales de Plasencia y Coria entre 1750-1839”, así como de las ediciones y estudios utilizados en el Club de Lectura Musical. La investigadora placentina ofrecerá una conferencia en la que disertará sobre la música contenida en los archivos de dichas catedrales y las relaciones de sus maestros con otras capillas relevantes del momento como la Capilla Real.  

El ciclo finalizará el viernes 17 de noviembre con el dúo integrado por Cristina Bayón y Sara Águeda. Ambas conformarán un programa que busca recrear los sonidos, textos y aromas coetáneos al pintor fuentecanteño Francisco de Zurbarán. Un concierto inspirado en la pintura del insigne maestro y que llevará por título Entre lo divino y lo humano: Santas vírgenes de Zurbarán, reflejos de la música de un tiempo.

El InDiCCEx desarrollará estas actividades en la Biblioteca del Centro de Estudios Extremeños, en el Museo de Bellas Artes de Badajoz y en el Salón Noble del Palacio de la Diputación, centros todos dependientes de la Diputación Provincial de Badajoz.

A excepción del Club de Lectura Musical, que tendrá una matrícula simbólica de 10 €, todas las actividades gozarán de entrada libre hasta completar el aforo.

por Alonso Gómez Gallego

http://www.indiccex.es/

María Teresa Chenlo en “La Alhambra en Clave”

María Teresa Chenlo en “La Alhambra en Clave”

Publicado: Noviembre 2017
Música de España e Hispanoamérica - El eslabón perdido


Acaba de dar un concierto en la Alhambra de Granada, en el bellísimo Palacio de Carlos V, dentro del ciclo “La Alhambra en clave, 2017”. ¿Nos puede explicar cómo ha sido este ciclo y su organización?

La Alhambra, como espacio de ensueño y creación artística, nos invita a recordar a tres grandes artistas y músicos enamorados de este lugar, Manuel de Falla, la clavecinista Wanda Landowska y su discípulo Rafael Puyana. Los tres estuvieron unidos por una pasión común: restaurar un repertorio olvidado que el romanticismo había desplazado. La feliz coincidencia del legado de Rafael Puyana de su excepcional biblioteca y tres valiosos instrumentos a la Fundación Archivo Manuel de Falla dieron lugar a que el Patronato de la Alhambra y Generalife y la Fundación, con gran acierto, crearan y patrocinaran este ciclo, del que se ha celebrado la segunda edición, en homenaje a estos eximios artistas.

El programa que usted presentó se tituló “Obras para clave españolas y americanas de los siglos XVII al XIX” ¿Cuál era su idea al presentar este programa?

Con motivo del día de la Hispanidad, la organización me pidió que el programa estuviera centrado en la música de España y de la América Hispana. No es la primera vez que hago esta combinación de músicas que, por cierto, siempre son recibidas con gran entusiasmo. El repertorio es tan rico y abundante que en cada concierto puedes variar completamente el programa. Para mí es una satisfacción integrar estas músicas en un mismo concierto, pues yo llevo en mí misma esa integración, nací allí y desarrollo mi actividad aquí.

¿Qué tienen de especial las obras y compositores españoles que usted seleccionó?

La música española de este periodo es abundante y de compositores reconocidos. Creí oportuno elegir compositores poco o menos interpretados. Seleccioné la Sonata V en fa sostenido menor de Manuel Blasco de Nebra. Posee una excelente escritura, con pasajes de virtuosismo, destacando sobre todo su movimiento lento que introduce la Sonata (un Adagio), de honda expresividad; verdadero adelanto al espíritu del romanticismo. Asimismo, elegí una obra de María Rodrigo (1888-1967), una de las primeras compositoras de finales del XIX y principios del XX tristemente olvidada (recientemente se ha recuperado su memoria con un concierto y un disco tras los trabajos musicológicos de José Luis Temes, nos recuerda María Teresa Chenlo). De La copla intrusa, original para piano, realicé una versión para clave. Es una brillante fantasía compuesta en 1931, donde hábilmente mezcla aires andaluces con temas de jota.

Hablando de aires andaluces, también interpretó una Soleá y un Tango  anónimos… ¿Cómo suena este flamenco en su instrumento, propio del siglo XVIII?

Es la primera vez que interpreto obras del flamenco en clave. Fue una inspiración que me provocó el lugar en que iba a tocar y un desafío que me planteé, arriesgándome a probar un estilo de gran intensidad emocional y fruto del mestizaje de las culturas gitana, árabe, judía, cristiana e indiana. Evidentemente, para asumir este riesgo realicé un trabajo previo de gran información y conocimiento del estilo. Tenía que mostrar toda la capacidad de comunicación, de emociones, de placer, alegría y dolor de este arte netamente andaluz. Por otra parte, la estética que fascina del flamenco es su relato verídico basado en su laberinto de melismas, nexo común con la borrachera ornamental del barroco. No olvidemos que ambos son artes que buscan una catarsis para transformar el dolor en alegría. Por otra parte, la sonoridad del clave es próxima a la sonoridad de la guitarra, el alma del toque flamenco.

Las obras americanas también tendrán sus peculiaridades y por eso las elegiría ¿Es así?

Ciertamente. Domenico Zipoli (1688-1726), formado en la escuela europea, desarrolló su actividad en Perú. Es uno más de los casos de trasvase de la escuela europea a América. La obra que interpreté, Sonata I en re mayor, tiene la estructura de la suite pero él ya la llamó sonata. Por otra parte, el cubano Manuel Saumell (1817-1870) en sus Contradanzas (La Siempreviva, La Suavecita y La Paila), transforma la contradanza europea, usando el ritmo hemiólico procedente de la habanera, que tan presente está en la música española. El sevillano Antonio Sáenz, activo en Montevideo, creó un cóctel de danzas criollas y andaluzas mezcladas con trozos de la tonadilla escénica, conjuntando lo de aquí y lo de allí (Boleras Jaleadas de la Media Caña, Trípili y Cachucha). Como broche final elegí un Fandanguito mexicano-huazteco, del que he realizado una versión para clave (Fandango Indiano), que no deja dudas que allí se originó el fandango que luego se transformaría, cuando entró orondo por las puertas del puerto de Cádiz.

Luego la interconexión e intercambio entre las músicas de las dos orillas es grande y fructífera…

Por supuesto. La música de los virreinatos de América, lamentablemente ha sido la gran desconocida, si bien hoy ya se está investigando bastante. Posee tantos ricos elementos que se erige como un auténtico cosmos de música con verdadera fuerza creadora, llena de fuego, fruto de una suma de elementos: imaginación, amplitud de formas, sutileza, refinamiento, sensualidad y, el primordial, la exploración de la tonalidad para mostrar sus posibilidades emocionales. Es un verdadero privilegio poder bucear en los archivos de los distintos países de América y encontrar partituras totalmente olvidadas. Por otra parte, es un sembrado de trampas ya que el material es tan abundante que obliga a decantar con mucho cuidado la selección de las mismas. De todo este rico acervo musical se ha nutrido la música española, así como la americana se nutrió de la que llevó la colonización. Fueron y vinieron. Lo que en musicología se ha dado en llamar músicas de “ida y vuelta”. La interconexión entre estos dos mundos musicales es haber encontrado el “eslabón perdido”. Así lo definió con gran lucidez al terminar el concierto Enrique Gámez, Coordinador de Actividades Culturales del Patronato de La Alhambra y el Generalife.

En este concierto ha usado un clave de tres teclados, nada frecuente, y que ya usó en otra ocasión. ¿Qué posibilidades o ventajas le ha ofrecido este instrumento al interpretar esas obras? Por cierto, este clave es uno de los que donó su maestro, Rafael Puyana, a la Fundación Archivo Manuel de Falla…

Así es. Lo usé precisamente en un concierto homenaje a mi maestro, también en Granada. Es copia de un original de Hieronymus Albrecht Hass de 1740; un ejemplar único en España. Gracias al Patronato y a la Fundación, se le ha hecho una puesta a punto y se conserva en óptimas condiciones. Ya ha sido y está siendo utilizado por diversos clavecinistas. Esa es la fantástica idea de la Fundación.

¿Y su sonoridad?

Su sonoridad y sus posibilidades, al tener los registros de 16 pies y de 2 pies, son innegables. Las investigaciones musicales son continuas y se sigue dando vueltas a cual es el tipo de instrumento idóneo para usar según el periodo o país. El intérprete debe seguir como norma principal e imprescindible el enriquecer la obra con los contrastes sonoros que la partitura le dicte. Es la obra la que pide a gritos los cambios dinámicos necesarios. Si queremos hacer MÚSICA, siempre debemos sentirnos libres de tomar las opciones que nos permitan hacerla en su más alto grado de belleza y no encorsetarnos con prejuicios ajenos a la misma.

¿Finalmente, qué reacción tuvo el público al programa del concierto?

Calurosísima, en los dos pases que se hicieron del mismo. Tuve bravos y, como no podía faltar, oles. Es la mejor recompensa que los intérpretes podemos tener por el trabajo serio y meticuloso con que preparamos los conciertos. En este duro camino del artista, que atraviesa momentos difíciles en nuestro país, comprobar que vale la pena seguir adelante con la seguridad de que el trabajo serio no es en vano, es muy reconfortante.

www.mariateresachenlo.com

Universo clavecinístico

La Alhambra, como espacio de evocación y creación artística, nos invita a recordar a tres grandes artistas unidos por una pasión común en su empeño por recuperar el universo clavecinístico: Manuel de Falla, su amiga la clavecinista polaca Wanda Landowska, y el discípulo de ésta, el afamado clavecinista colombiano Rafael Puyana, maestro de María Teresa Chenlo. Todos ellos mantuvieron una enorme fascinación por la colina roja en la que acabaría viviendo Manuel de Falla y que fue testigo de otras aventuras musicales, como la celebración del I Concurso de Cante Jondo de 1922, o los recitales (ese mismo año decisivo) de Wanda Landowska en el teatrito del Hotel Alhambra Palace.

Los extraordinarios instrumentos que han sido el eje central de este segundo ciclo “La Alhambra en clave”, fueron donados por Rafael Puyana, un músico estrechamente unido a nuestra ciudad como intérprete y como profesor de los Cursos Manuel de Falla, y han sido restaurados gracias al apoyo fundamental del Patronato de la Alhambra y Generalife.

(En la imagen, Manuel de Falla junto a Wanda Landowska, en Granada - foto cedida por el Archivo Manuel de Falla-).

por Lucas Quirós
 

Foto: María Teresa Chenlo
Acred: © Archivo Manuel de Falla

 

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