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La vida musical alemana en su día a día

La vida musical alemana en su día a día

Publicado: Diciembre 2018
Viajes musicales europeos

La vida musical alemana es para cualquier degustador de música clásica una invitación que propone gran variedad y riqueza en sus promesas. Aprovechando el pasado puente de Todos Los Santos, nos fuimos a visitar algunas ciudades principalmente de Hesse para asistir a conciertos y representaciones de ópera, tomando como premisa que no fueran espectáculos dominados por grandes nombres, o mejor dicho, nombres muy conocidos del firmamento clásico. La idea es tomar el pulso a la actividad cotidiana de ciudades alemanas que supuestamente no son de la primera división. Esta es la crónica del viaje.

El primer día, 31 de octubre, asistimos a un concierto dedicado a los jóvenes. Frankfort remodeló la Ópera Antigua en auditorio con dos salas- la Mozart Saal y la Grosser Saal-. El concierto previsto para los días 1 y 2 de noviembre se tocaba también el día previo pero destinado a un público joven -precios más baratos- y con la mitad del programa. La orquesta era la HR Orchestersinfonie bajo la dirección del oboísta François Leleux, y las dos obras que interpretaron fueron el Concierto para oboe en Do M de F.J. Haydn y las Variaciones sobre un Tema de Haydn Op.56 de Brahms. Ambas obras fueron explicadas por Leleux de una manera divertida y correcta, poniendo ejemplos musicales para su mejor comprensión, y en el caso del Concierto para oboe, en el que además de dirigir tocaba la parte solista, con ejemplos sobre la técnica del oboe como la respiración continua. Dotado de una técnica portentosa, este concierto, poco conocido dentro de su producción y poco tocado frente a su rival el Concierto de Mozart en la misma tonalidad de DoM, es una obra refrescante con dos allegros de original estructura, el primero por su introducción y el último por tener forma de tema con variaciones.

La interpretación fue refinada, aunque no es necesario llevar los tempi al extremo de no poder seguir ni la melodía plagada de semicorcheas del oboe. Como propina tocó el primer movimiento, La Cigarra y la Hormiga, de los Cinco Piezas para oboe solo que escribiera Antal Dorati, obra de dificultad superior y donde Leleux mostró su vis narrativa al mostrar claramente el desarrollo de la fábula sólo con su oboe. En cuanto a las Variaciones sobre un tema de Haydn, de nuevo dio la sensación de que Leleux atropellaba la música, de que no dejaba respirar las frases. Su estilo de dirección es grandilocuente, con gestos exagerados en todo momento que no dan reposo tampoco al espectador. Que la orquesta es de calidad y se ajustó en todo momento a sus indicaciones, va de suyo. Aunque no muy conocida, la Hessische Runkfunk Sinfonieorchester con su titular Andrés Orozco-Estrada, es de un nivel sobresaliente y con una temporada plagada de propuestas interesantes, como esta de hacer conciertos explicados y  más cortos en duración destinados a los jóvenes, futuros asistentes de sus temporadas.

En la ciudad de Mannheim, hoy sin especial relevancia pero otrora sede de la famosa Orquesta de Mannheim que impulsara el estilo clásico con autores como Stamitz o Vanhal, tiene su sede el Nationaltheater Mannheim. Este tipo de teatros, que no funcionan “a la stagione”, tienen un cuerpo estable de cantantes -también en sus secciones de ballet y teatro- que son los encargados de sacar adelante todos los títulos. Algunos teatros se pueden permitir lo que se denomina Festliche Opernabende, donde en el título de ese día cantan artistas invitados de renombre. Además de las producciones que tienen rodando, van añadiendo -y quitando- títulos, quizá unos siete u ocho por año. El día 1 de noviembre tenían programado Meistersinger,  segunda representación de la première del 28 de octubre. Vaya por delante que fue un espectáculo sensacional, extraordinario y que ojalá pudiera ser visto por cualquier amante de la ópera porque sin lugar a dudas se haría wagneriano al momento.

La producción es del londinense Nigel Lowery, apreciado regista desde su Anillo del ROH de 1994-95. Ambientada en la Nürnberg de Durero, tiene algo de la pintura de la época tanto en la perspectiva con columnas del primer acto como en el vestuario colorido de tonos mates, y también en las pelucas tipo ‘sota de oros’ de la baraja española. Especialmente atractiva es la caracterización de cada uno de los Maestros Cantores, alguno cojea, otro encorvado, el de más allá duro de oído, el de más acá barrigón y adormilado… además de asociar a cada uno con un objeto bien en el sombrero bien en la mano.

El movimiento escénico fue claro y preciso, quedando algo más borrosa la escena 2 del Desfile de los Gremios en el acto tercero. Todos los cantantes eran de la casa, y sorprende ver el buen nivel que tienen: aunque visiblemente fatigado al final, el Hans Sachs de Thomas Jesatko posee buen fraseo y color, aunque quizá le falta algo más de humanidad a su construcción del personaje. Sobresaliente también la pareja amorosa, la Eva de Astrid Kessler, con una magnífica caracterización de adolescente atolondrada en su andar apresurado, y el Walther de Tilmann Unger, de voz bella y flexible y al que auguramos una buena carrera, siendo quizá algo más confuso su caracterización como si de Lohengrin se tratara, melena rubia y traje blanco impoluto de capa corta, como si esperara el siguiente cisne. Otra gran sorpresa son el bajo Sung Ho como Veit Pogner, excelente color y prestación, y el Beckmesser de Joachim Goltz, con su atuendo de escribano y que en la escena de su clase con Hans Sachs fue acompañado en escena por una arpista tocando una pequeña arpa diseñada para la ocasión.

El David de Christopher Diffey recibió un caluroso aplauso de parte del público por su simpática actuación, vocalmente impecable. En cuanto a la orquesta, demostró su flexibilidad y buen hacer bajo el mando del titular del teatro desde 2016/17 Alexander Soddy, lanzado hacia el estrellato y con un bagaje importante de premieres en diferentes teatros, habiendo sido asistente de Simone Young y Kirill Petrenko. Tiene todas las cualidades necesarias, imaginación musical, buen gesto, buen fraseo, y capacidad de concertación para hacer una larga carrera, a pesar de que aún por aquí no suene su nombre mucho. En definitiva, solo por este Meistersinger ha merecido la pena el viaje musical.

El día 2 de Noviembre nos esperaba Ariadne auf Naxos en Frankfort, teatro que ha recibido por cuarta vez el premio según la revista Opernglas al mejor teatro de ópera alemán. Con sus 500 espectáculos anuales, de todo tipo y dirigido a todos los públicos, es una maquinaria de alta precisión de realizar espectáculos operísticos. Dentro de la rueda de estrenos, nuevas producciones y repeticiones de sus espectáculos, asistimos al título straussiano en la regie de Brigitte Fassbaender estrenado en octubre de 2013 y que cada año se recupera unas seis o siete veces. La producción, ambientada en los años 20 del pasado s.XX utiliza tres colores como base: negro, blanco y rojo, con un claro sabor a la arquitectura y publicidad de los años 20 en Viena y el grupo artístico Die Sezession. Con unos decorados monumentales y de gran profundidad, en el prólogo con los camerinos de los artistas en los lados y una gran escalinata en el centro, y en la ópera con una pared en perspectiva de fuga y cuatro sillas y puertas de mayor a menor de manera exagerada, es un acierto sobre todo la mezcla de los elementos cómicos con el drama de Ariadna en la segunda parte.

El elenco vocal tenía el gran aliciente del debut de la soprano sueca Christina Nilsson, soprano dramática de voz poderosa pero dúctil, que sonó brillante sin forzar en ningún momento y con un legato y musicalidad de alta cálida. Presten atención a este nombre que sonará con fuerza en los próximos años. También Paula Murrihy como Compositor mostró voz redonda y bien proyectada, además de buena actriz como mostró durante sus apariciones en el segundo acto. El papel más difícil de la ópera, Zerbinetta con su tremenda aria Grossmächtige Prinzessin, fue encarnado por la jovencísima Elizabeth Sutphen, hasta la temporada pasado miembro de la Opernstudio de la Ópera de Frankfurt, es decir, de la cantera. A pesar de contar con un voz pequeña, resolvió con pasmosa facilidad toda su intervención; sin mayor esfuerzo alcanzó los sobreagudos e hizo de las coloraturas una melodía bien trazada como si fueran de primero de canto. Además se movió por el escenario de forma totalmente natural sin entorpecer esto su desempeño. Algo más flojo el Bacchus de Vincent Wohlsteiner, tosco en sus maneras y sin mayor dinámica que el fuerte estentóreo. La dirección de Christoph Gedschold, un habitual de los teatros centroeuropeos, estuvo atenta aunque en algún momento tapara algunas voces.

Y finalizamos nuestro viaje en la preciosa Wiesbaden con un soleado día el 3 de Noviembre. La ópera de Wiesbaden no puede competir en medios con Mannheim ni por supuesto Frankfurt, pero la belleza del edificio de finales del x.XIX no tiene parangón. En el programa Alcina de Haendel en su vuelta a escena esta temporada en la producción de Ingo Kerkhof de abril de 2016. La producción es de una sencillez aplastante: escalinata que ocupa todo el escenario en el Acto 1, muro a pocos metros del proscenio en el Acto 2, y espacio vacío con el muro colgado en oblicuo en el Acto 3; pero funciona de maravilla y la ausencia de utilería y cualquier otro decorado u objeto hace que nos centremos en las emociones de los personajes, bien movidos por el escenario. También destaca la buena iluminación, sobre todo al final del segundo acto con Ombre pallide y los focos laterales en el tercer acto.

La versión realizada altera el original en algunos aspectos, siendo el más importante la ausencia del niño Oberto y su aria del tercer acto, la supresión de los Balli, y también de arias, en concreto cuatro en el primer acto, las dos de Oronte en el segundo, y algunas partes B y repeticiones en las arias da capo, como en la famosa de Ruggiero Verdi Prati del primer acto. Con esto se consigue que la duración, incluido el descanso, sea de 2h45’, lo cual es idóneo, en lugar de las 3 horas largas del original. No obstante, la historia se entiende perfectamente, cosa nada fácil en estos libretos de óperas haendelianos. Los solistas son todos del ensemble de la casa, muy jóvenes, sin ningún nombre afamado, pero de un nivel medio alto, con dominio de la coloratura y el estilo barroco, entregados a su papel y buenos actores. La parte más sobresaliente, por número de arias y belleza, es para Cristina Pasaroiu como Alcina, que cantó el punto culminante de la velada en el aria del segundo acto Ah, mio cor y el Ruggiero de Lena Belkina, aunque Marion Eckstein como Bradamante resolvió con brillantez la temible coloratura de sus arias del primer acto. La orquesta, propia del teatro y de unos 25 músicos incluidos los dos claves  y tiorba para el continuo, tocó con estilo barroco depurado, y buena articulación y afinación bajo la dirección del experimentado laudista Konrad Junghänel, fundador de Cantus Cölln, al que aún le quedan unas cinco representaciones más de este título en su reposición.

PD. Alemania no es sólo óperas y conciertos. Si tiene la fortuna de visitar este país como destino musical, no olvide buscar por internet Kirchenmusik en la ciudad donde se aloje, y podrá encontrar sorpresas como la que escuché el domingo 4 de noviembre en la Misa de la Catedral de San Bartolomé, donde se cantaron las Musikalischen Exequien de Schütz dentro de la liturgia. Como despedida presenté mis respetos a Paul Hindemith, quien fuera nacido en Hanau, a 20 kilómetros de Frankfurt, estudiara y fuera miembro de la Orquesta de la Ópera de Frankfurt con solo 20 años, en su domicilio Kuhhinterturm transformado en pequeño museo dedicado a su memoria en 2011.

por Jerónimo Marín

Foto: Ariadne auf Naxos en Frankfort, en la regie de Brigitte Fassbaender (foto de Barbara Aumueller)

IX Festival Int. de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”

IX Festival Int. de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”

Publicado: Diciembre 2018
Entrevista a Carmen Mayo

Del 5 al 9 de diciembre se celebra en el Auditorio “Ciudad de León” la IX edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”. Una oportunidad única para disfrutar del mejor repertorio camerístico y del talento de jóvenes intérpretes procedentes de todo el mundo, dada la gran popularidad del festival en el ámbito internacional. Para saber más de este evento, hablamos con Carmen Mayo, pianista y catedrática de Música de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Valencia, y directora artística del festival. 

Este año el festival celebra su IX edición, pero ¿cómo surge la idea de celebrar este festival y con qué objetivo?

La idea surge en el año 2010 cuando la Fundación MonteLeón, con sede en León, decide ampliar su abanico de actividades culturales y extenderlo también al ámbito musical. Mi actividad profesional de muchos años, como pianista y como docente especialista en música de cámara desde 1990 en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, era conocida en León; así como también la experiencia que tenía en organizar diferentes ciclos de conciertos. Así que cuando me preguntaron a qué faceta musical se podría dedicar una parte del interés cultural que tenía la Fundación, les contesté sin dudar que a la Música de Cámara. Y dentro de ella, nos pareció que sería maravilloso poder ayudar a los jóvenes músicos  y promover su carrera en los comienzos de la misma, cuando todo suele ser bastante complicado. De esta manera nació el objetivo: la difusión y promoción del talento de jóvenes agrupaciones de intérpretes en música de cámara.

El Festival MonteLeón se ha consolidado ya como un referente entre los festivales internacionales de música de cámara, ¿ha influido esto en el número de participantes? ¿Qué número de participantes ha habido este año y de qué países?

¡Desde luego! Cada año recibimos más propuestas y cada vez más de fuera de España. Desde la primera edición ha habido una gran participación internacional porque así hemos querido enfocarlo, pero sigue en aumento. Este año hemos recibido 87 propuestas de toda Europa: Alemania, Finlandia, Rusia, Inglaterra, Polonia…  Sudamérica: Colombia, Uruguay, México… Incluso de Canadá.

¿Cuál es el perfil del participante de este festival? ¿Cómo es el proceso de selección de los grupos jóvenes? 

El perfil suele ser el grupo que se ha formado en escuelas de gran nivel (en muchos casos después de terminar su especialización en música de cámara) y que ya tienen una cierta trayectoria musical juntos, incluso la mayoría habiendo ganado premios en importantes concursos internacionales. El festival abre un plazo de presentación de propuestas (suele ser hacia el mes de mayo), y ellos envían por correo su inscripción (gratuita), una propuesta de programa, currículum y una grabación de video de 20 minutos mínimo, con obras de diferentes estilos. Todo ello a:

festivaldemusica@fundacionmonteleon.es

Después examinamos toda esa documentación. Es una ardua tarea, porque ¡son muchas horas de música! Resulta muy difícil seleccionar solo 4 de entre tantas propuestas de verdadera excelencia musical que nos llegan.

Una de las particularidades del festival es la actuación de un grupo invitado de gran nivel internacional como modelo de logro artístico que sirva de referencia a los jóvenes talentos, ¿qué artistas han actuado en anteriores ediciones y quiénes son los invitados de este año?

Hemos sido muy afortunados. Nuestros invitados han sido: Kuss Quartet (2010), Ebène Quatuor (2011), Doric String Quartet (2012), Quartetto di Cremona (2013), Nicolas Altstaedt, cello & José Gallardo, piano (2014), Cuarteto Quiroga (2015), Apollon Musagète Quartet (2016), Daniel Rowland, violín & Natacha Kudritskaya, piano (2017). Los invitados de este año 2018 son el prestigioso Trio di Parma.

¿Qué nos puede adelantar del programa de esta IX edición?

Pues tal vez que tenemos una edición más internacional que nunca y, posiblemente, también la más representativa de lo que suele considerarse la esencia de la música de cámara. Escucharemos música de Beethoven, Schubert, Brahms, Debussy, Ravel, Berg… Abrirá el festival el Trio di Parma, prestigiosos intérpretes de larga y reconocida trayectoria y, a continuación, los siguientes días se podrá escuchar a los jóvenes grupos: Jubilee String Quartet (desde Inglaterra), el Dúo Aust, (clarinete y piano) de Alemania, el Dúo Croisé-Shevchenko (cello y piano) y el festival finalizará el día 9 de diciembre con el Trio Sōra, procedentes de Francia.

http://festivaldemusica.fundacionmonteleon.es/

por Jesús Rovira

Foto: Carmen Mayo, directora artística del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”.
Acred: © Alex Baker 

El anillo maltés

El anillo maltés

Publicado: Diciembre 2018
Belt il-Bniedem (Ciudad de la Humanidad), de Reuben Pace

Lo último que uno espera encontrarse en Malta, mientras pasea por su deliciosa capital, La Valeta, es un ciclo operístico sobre la historia de la isla que ha estrenado en 2018 su primera ópera, Swar, que, como un pequeño anillo maltés, propone un total de tres, que completarán hasta la actualidad el ir y venir histórico de la isla, muy cambiante y colonizada por las civilizaciones mediterráneas, que han desarrollado en Malta un esplendor artístico incomparable y ciertamente curioso, pues los vestigios culturales provienen de los cuatro punto cardinales.

“Esta noche cenamos a las 20 horas”, me confirma Reuben Pace, el compositor de Belt il-Bniedem (Ciudad de la Humanidad), el proyecto operístico que recoge la historia de Malta y que arranca desde El Sitio de Malta, el truncado pero sangriento asedio que en 1565 sufrió la isla, sede de la Orden de Malta (Orden Hospitalaria de San Juan), por parte del Imperio Otomano. “Trato de captar el alma de esta ciudad y de sus gentes… ¿A qué percibes la historia de esta isla paseando por estas bellas calles?”, me cuenta Reuben Pace con la convicción de quien ama a su tierra y a la que le debe este regalo artístico en forma de tríptico, que ha contado con la ayuda del Arts Council Malta y del Ministerio Maltés de Educación y Empleo, así como de la Embajada de España en Malta y de Acción Cultural Española, a través de su programa para la Internacionalización de la Cultura Española, ya que el ensemble orquestal, procedente en su base de la Orquesta Filarmónica de Malta, estuvo dirigido por un joven pero ya sensacional músico, el valenciano Robert Ferrer (en este mismo número se reseña su disco Balada en Naxos).

Reuben Pace no descansa un segundo y su teléfono se enciende constantemente de la misma manera que por La Valeta uno va encontrando arte tras cada esquina y en cada calle. “Mi música acaba de interpretarse en la Musikverein de Viena”, me cuenta con su fervor mediterráneo mientras sus ojos se engrandecen al citar la ciudad musical por excelencia. Todos cansados, cesamos la visita nocturna a la ciudad y nos emplazamos directamente para el día siguiente, 14 de noviembre, que verá la premiere de Swar, la primera de las óperas maltesas.

No me puedo dormir, la ciudad me ha dejado una impresión muy intensa. El viajero de nuestros días puede enviar fotos por whatsapp al instante y recibir la aprobación de sus destinatarios, mientras las redes sociales aplauden la belleza del lugar. No han sido las ganas de conocerla, es algo real y universal, La Valeta, Malta, las Tres Ciudades, son de una belleza indescriptible. “Una ópera sobre Malta…”, pienso mientras el sueño me vence. “Es justo lo que le faltaba a este lugar…”.

La ciudad antigua de La Valeta, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980, es una de las zonas históricas más densas del mundo: en un área de 55 hectáreas se agrupan 320 monumentos. Pero cruzar su azul bahía del Mediterráneo en barco es adentrarse en las 3 Ciudades. Senglea, Vittoriosa y Cospicua, también llamadas por el nombre de La Cottonera, son una triada de ciudades fortificadas de la isla que se han convertido, por derecho propio, en una de las visitas obligadas. Birgu, o también Vittoriosa, fue un nombre muy pronunciado por Reuben Pace; algo me advertía de su importante presencia en la trama de la ópera.

Ya en el Mediterranean Conference Centre, edificio de usos múltiples originario del siglo XVI que acogió el estreno (bien pudo haber sido en el histórico Teatro Manoel, el tercer teatro más antiguo de Europa aún en funcionamiento) se palpaba el nerviosismo de los malteses y la curiosidad de los que se acercaban a la puerta. La ópera estaba a punto de empezar… No hay telón, el decorado de la escenografía a base de paneles móviles permite ver su funcionalidad y efectividad, siendo el escenógrafo Michael Moxham, con mucha trayectoria teatral y operística.

La música de Pace surge con fuerza, repele la banalidad y no recurre a tics; su lenguaje es muy teatral, sabe combinar la energía de la intensa orquestación (a pesar de una orquesta de cámara) con una habilidad innata para desarrollar la acción. La música y la acción del texto (libreto de Gorg Peresso) se retroalimentan y ambas fluyen para mejorar a la otra. De hecho, el inusual final de la ópera, en la que plantea el interrogante sobre quien son los buenos y quien son los malos, acaba en un acorde sin resolución, que deja al oyente aturdido y con la obligación de pensar. Para el elenco se contó con un reparto maltés, ya que este idioma, de difícil asimilación si no se ha nacido en la isla, supone un hándicap. Pero nada de esto impidió escuchar a unos cantantes convencidos (excelente la María de la maltesa residente en Londres Nicola Said) y a un director orquestal que, sin ser maltés, pero nacido en el Mediterráneo, supo llevar la obra y destacar lo mejor de ella, que son muchos sus momentos, como la misma Malta que la protagoniza, inagotable en su belleza.

http://www.cityofhumanity.org/

por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: Una escena de la primera ópera que conforma el tríptico Belt il-Bniedem, del compositor Reuben Pace.
Crédito: Fabian Radu

Teatro Massimo de Palermo

Teatro Massimo de Palermo

Publicado: Diciembre 2018
L’elisir di Danisinni

La popular ópera de Gaetano Donizetti, una de las más interpretadas de todas las óperas del compositor de Bérgamo, cuyo estreno tuvo lugar en el Teatro della Canobbiana de Milán hace casi doscientos años, involucró el pasado mes de septiembre a todo un vecindario como protagonistas activos de una nueva y singular producción en la Piazza Danisinni, comisariada por el Teatro Massimo de Palermo.

Al aire libre; en el corazón de la capital de Sicilia y a escasos metros de la catedral, todo un barrio transformado en escenario natural para L’elisir d’amore. Una interesante iniciativa de la Fundación Teatro Massimo di Palermo en un inesperado paisaje de pequeños jardines y huertos con granjas de caballos, burros, patos, gallinas y la carpa del circo social “Danisinni circus”. Un mundo creado en las tierras confiscadas a la mafia, gracias al esfuerzo del incansable y rockero fraile franciscano Mauro Billetta, párroco de Sant’Agnese, que desde hace más de treinta años busca un destino mejor para sus feligreses transformando el complejo y pequeño distrito, olvidado y abandonado a su suerte durante décadas. Para el alcalde Leoluca Orlando, presidente de la Fundación Teatro Massimo: “El renacimiento de Danisinni en los últimos años convierten al olvidado distrito en un símbolo y modelo para Palermo”.

OperaCamion

¿Cómo puede llegar la ópera a un nuevo público heterogéneo y no elitista, para que no se vea como un evento inaccesible, sino como un evento cultural y de entretenimiento inteligente? La respuesta de Fabio Cherstich fue: OperaCamion. Su objetivo: devolver la ópera a sus raíces populares, trasladando el espectáculo desde los majestuosos teatros, donde los precios son prohibitivos para los más desfavorecidos, a las calles.

En la Granja Danisinni se celebró la primera etapa del Proyecto OperaCity de la Fondazione Teatro Massimo, que nace de la experiencia de OperaCamion, que durante dos años recorrió las plazas de Palermo con su versión de Il barbiere di Siviglia, y tendrá su continuidad en 2019. Un proyecto respaldado por GNV, cuyo propósito es un programa de colaboración con el Teatro Massimo para promover la integración y apertura del Teatro a todos los habitantes de Palermo.

Música, emoción, alegría y aplausos para L’elisir di Danisinni. “Un ejemplo de teatro comunitario, un intercambio mutuo y enriquecedor”, según el sovrintendente del Teatro Massimo, Francesco Giambrone. Un espectáculo al que todos los vecinos fueron invitados no solo a los ensayos, sino que, además, estuvieron involucrados en la producción y realización. “Un trabajo colectivo cuyo objetivo fue crear un envolvente espectáculo en un paisaje urbano poético y surrealista, que es único en el mundo: Danisinni”, en palabras de su creador y director Fabio Cherstich. “Un trabajo social colectivo, donde la interrelación entre público y espectáculo es total”, añade Gianluigi Toccafondo, responsable de la escenografía y el vestuario: “He utilizado todo lo que pude encontrar; la carpa del circo, un remolque abandonado, una torre de hierro…”.

Todo comenzó con la llegada de Belcore acompañado por la Banda de la orquesta Massimo Kids, dirigida por Michele De Luca. Entre los cantantes, algunos nombres jóvenes que ya son bien conocidos por el público del Teatro Massimo: Francesco Vultaggio (Dulcamara), Biagio Pizzuti (Belcore) y Giulia Mazzola (Giannetta). La pareja protagonista, que hacía su debut en Palermo, estuvo formada por la soprano milanesa Lucrezia Drei (Adina) y el tenor congolés Patrick Kabongo (Nemorino). Mención especial merecen los chicos del circo Danisinni, que ejercieron de actores y el coro, formado por los vecinos del barrio, entrenados y dirigidos por Manlio Messina.

 

El próximo 19 de enero se inaugurará la stagione 2019 del Teatro Massimo di Palermo, con Turandot de Puccini. El nuevo cartellone, con títulos del gran repertorio operístico y otros menos conocidos, reunirá tradizioneinnovazione y curiosità. Se podrán ver un total de diez operas (seis nuevas producciones) y tres ballets, además de diez conciertos sinfónicos y seis recitales. Entre sus highlights, destacan el estreno absoluto de Winter Journey de Ludovico Einaudi, con firma escénica de Roberto Andò, y texto del escritor irlandés Colm Tóibín (Booker Prize), y el regreso de los concerti di canto con grandes nombres de la escena lírica internacional como Mariella Devia, Ian Bostridge, Anne Sofie von Otter o Waltraud Meier, entre otros.

http://www.teatromassimo.it/

por Lorena Jiménez

Foto: la llegada de Belcore acompañado por la Banda de la orquesta Massimo Kids, en este L’elisir que involucró a todo un vecindario como protagonistas activos de una nueva y singular producción en la Piazza Danisinni, comisariada por el Teatro Massimo de Palermo.
Acreditación: © Franco Lannino

Carmina Antiqva 2018

Carmina Antiqva 2018

Publicado: Noviembre 2018

El InDiCCEx (Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral) presenta el ciclo en los meses de octubre y noviembre, entre los que se podrán escuchar diversos conciertos, como a la soprano lusitana Sandra Medeiros, el dúo Xácara Nueva y Gradualia, con Simón Andueza, que coparán las principales actividades.

La tercera edición de Carmina Antiqva arrancó el fin de semana del 20 y 21 de octubre) con un nuevo “Club de lectura musical”. Los clubes de lectura musical se pusieron en marcha el pasado año y tienen como objetivo dar a conocer repertorio, ediciones, compositores vinculados de una u otra forma con el patrimonio musical extremeño, realizando para ello una lectura-montaje coral.

Si en la pasada edición el foco de atención fue la catedral de Coria (Cáceres), en esta le toca el turno a la ciudad de Badajoz y su entorno. Así, se incluirán obras conservadas en ediciones antiguas de la Catedral de Badajoz, obras de maestros de capilla de la catedral y música del Cancionero de Elvas. Las sesiones se desarrollarán en la Biblioteca del Centro de Estudios Extremeños (en Badajoz) y estarán dirigidas por el director e investigador Alonso Gómez Gallego. Para garantizar el montaje del repertorio se contará con el Coro de Cámara Amadeus.

Arde corazón

El primer concierto tuvo lugar el viernes 26 de octubre. Lo ofrecieron la soprano extremeña Gloria Jaramillo y el vihuelista J. Manzanero San Andrés (dúo Xácara Nueva). Bajo el título Arde corazón, dieron a conocer una selección de obras de los siglos XV-XVII en formato dramatizado que incluyó algunas versiones del maestro de capilla pacense Juan Vázquez.

Gradualia

El segundo concierto es el viernes 2 de noviembre. En esta ocasión, la propuesta viene del grupo Gradualia, formado por Delia Agúndez, soprano; A. Cristina Marco, mezzo, Diego Neira, tenor y Simón Andueza, barítono y director. La formación presentará un programa intitulado In pace, fervor en la península por el oficio de difuntos. En el mismo se hará un recorrido por las composiciones polifónicas de maestros españoles y lusitanos con los que se irán completando las distintas secuencias del oficio y misa de difuntos.

Affetti D’amore

El ciclo finalizará el viernes 16 de noviembre con la formación que Affetti D’amore, integrada por Helena Raposo (laúd), Carmina Gonçalves (viola da gamba) y Sandra Medeiros (soprano). El programa lleva por título Affetti amorosi. Se trata de una selección de obras adaptadas a laúd, viola de gamba y canto, de maestros del siglo XV al XVII europeos. Así, podrán escucharse obras de J. Dowland, P. Guedrónc, T. Hume, H. Purcell, G. Caccini y Juan Vázquez, entre otros. Especialmente interesantes prometen ser las versiones de Duélete de mí, señora y ¿Con qué la lavaré?, de quien fuera maestro de capilla de la catedral pacense (Badajoz, ca. 1505 – Sevilla, febrero de 1563).

Este ciclo forma parte de Extremadura y su Música 2018 / Programación Lírica Extremeña y cuenta con patrocinio de la Consejería de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura y del Área de Cultura de la Diputación Provincial de Badajoz.

www.indiccex.es

por Blanca Gallego

Rafael Sánchez Araña

Rafael Sánchez Araña

Publicado: Noviembre 2018
El primer director canario en la Ópera de París

Este mes de noviembre se abre para usted con La Traviata en Opéra Bastille de París, ¿qué supone para usted esta experiencia?

Sin duda es una oportunidad maravillosa, y estoy seguro que será un fantástico aprendizaje. Ser partícipe en una producción en uno de los templos europeos de la música, con un capolavoro como La Traviata y junto al Maestro Chichon, será una experiencia que exprimiré al máximo.

El mes pasado tuvimos a Karel Mark Chichon en portada, del que usted es director asistente en la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. ¿Nos puede decir en qué consiste el trabajo de director asistente y como lo desarrolla?  

Mi trabajo de asistente es muy versátil. Desde dirigir un ensayo a escribir anotaciones en las particellas, hablar con músicos, producción, organización, o lo que requiera el Maestro y el programa. Chichon es un director que trabaja muy profundamente el sonido y sus balances; es por ello que muchas veces estoy al fondo de la sala, anotando los puntos donde no se percibe la idea que él quiere transmitir de la obra. Para un joven director, trabajar con un Maestro así es encontrar las soluciones directamente en la práctica, viendo cómo se ensaya o cómo se construyen grandes obras. Este tipo de aprendizaje sólo es posible si lo experimentas directamente con un Maestro. Es una suerte y un privilegio p­­­­ara mí trabajar con un director de su nivel profesional y humano.

Usted es además de responsable de la programación de los conciertos escolares y en familia de la Fundación Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, titular de la Orquesta Sinfónica de Las Palmas…

Sí, efectivamente. Soy responsable artístico de la programación de los Conciertos Escolares y Conciertos en Familia de la FOFGC, y sinceramente está siendo una experiencia muy enriquecedora. Una parte importante del trabajo de un director es programar y coordinar; es para mí un orgullo y también una responsabilidad estar al frente de un proyecto pionero en España, que llega cada año a más 30.000 estudiantes. Por otra parte, mi vínculo con la Sinfónica de Las Palmas comenzó hace casi 20 años. Por mi relación directa con la orquesta, comencé a dirigir algunos proyectos y poco a poco se dio la situación natural y de mutuo acuerdo de asumir la titularidad en febrero del 2017.

Háblenos de sus inicios, usted comenzó como violinista, después se formó como director de coro y posteriormente como director de orquesta. ¿Cree que el haber pasado por todos esos estadios le aporta una visión diferente de la música?

Estudié dirección de orquesta en Alemania. Mi formación como violinista y director de coro me ayudó a tener una competencia diferente que el resto de mis compañeros, y esto hacía que las cuestiones relacionadas con el funcionamiento de la orquesta o las voces me resultaran ya bastante familiares. Por otra parte, creo que no es tan relevante el instrumento que se haya estudiado previamente, al final hay un objetivo: la música, y un medio: la dirección de orquesta.

De todos los maestros que ha tenido, ¿se identifica con alguno en particular? ¿Hay alguno que haya marcado de alguna forma su trayectoria?

Mi primer maestro de dirección fue P. Pelucchi (Italia), luego K.H. Bloemeke en Detmold (Alemania) y, por último, G.C. Sandmann en Dresden (Alemania). Cada uno de ellos me ha marcado, pero todos a su vez, de forma diferente. Si tuviera que definir en una palabra lo que han significado para mí, sería: Pelucchi = Ilusión / Bloemeke = Confianza / Sandmann = Confirmación.

¿Qué es dirigir para usted? ¿Cómo entiende este concepto? ¿Dónde está su secreto?

Pienso que no es un concepto estático. El concepto de director de orquesta ha variado mucho en los últimos cien años. Al comienzo, los grandes maestros, autoritarios y severos, marcaron las pautas de lo que sería la dirección. Lo que diferencia a un director de otro es su energía, su presencia, su carisma y, sobre todo, su habilidad para gestionar y organizar un grupo humano. El director de orquesta, en definitiva, es un coordinador de energías que debe tener la capacidad de dejarse sorprender en cada ensayo por los músicos que tiene delante, para que de esta manera puedan, entre todos, emocionarse para emocionar.

El próximo año se cumple el XX aniversario de la Sinfónica de Las Palmas, imagino que tendrán preparados fuegos de artificio… ¿Cómo piensan celebrar la efemérides?

Pues así es, el pistoletazo de salida será con nuestro VII Concierto Popular de Año Nuevo junto a la mezzosoprano Carol García. Luego hay otros proyectos que están encima de la mesa como: un disco con el sello IBS Classical, un Carmina Burana con nuestro coro y un concierto junto a los tenores Pancho Corujo, Celso Albelo y Jorge de León, aunque nos quedan pequeños detalles para terminar de concretarlos.

Además de todo lo que se le viene encima con tal acontecimiento, ¿tiene más proyectos en cartera para los próximos meses?

Sí, tengo múltiples proyectos como una invitación como profesor de “dirección coral e instrumental”, en un Experto de investigación musical en la Universidad de Las Palmas y algunas propuestas de conciertos por Sudamérica y por Europa.

Si el genio de la lámpara se le apareciera y pudiera pedirle 3 deseos musicales, ¿cuáles serían?

Una conversación larga y profunda con cada uno de estos directores: Leonard Bernstein, Claudio Abbado y Carlos Kleiber…

www.sanchez-arana.com

por Lucas Quirós

Foto: “Lo que diferencia a un director de otro es su energía, su presencia, su carisma y, sobre todo, su habilidad para gestionar y organizar un grupo humano”, afirma el director de orquesta Rafael Sánchez Araña.

Acred: Nacho González Oramas

Sebastian Bohren

Sebastian Bohren

Publicado: Noviembre 2018
Una Sonata con Shostakovich

En un arreglo para percusión y orquesta de la Sonata para violín y piano Op. 134 de Shostakovich, realizado por Michail Zinman y Andrei Pushkarev, el violinista Sebastian Bohren prosigue su andadura discográfica con Sony Classical, tras sus grabaciones previas dedicadas al violín solo de Bach o los álbumes “Distant Light”, “Op. 2” o “Equal”. Como afirma el propio Sebastian, esta Sonata y su arreglo “es como una perfecta extensión de los dos Conciertos para violín compuestos por Shostakovich”.

Como violinista, usted habrá tocado la Sonata Op. 134 en su versión original para violín y piano… ¿Qué diferencias encuentra para el violinista interpretarla en este arreglo con percusión y orquesta realizado por Michail Zinman y Andrei Pushkarev?

No creo que exista una gran diferencia, especialmente en lo que respecta a los violinistas y su parte solista. Este es un detalle importante, ya que Michail Zinman y Andrei Pushkarev han dejado la parte del violín exactamente igual que el original de Shostakovich, no hay ningún cambio. La diferencia real es la manera en que hay que interpretar la parte del violín y su sonido en combinación con el piano o bien con las cuerdas, como es el caso. Con la cuerda, el violín solista puede incidir en aspectos como el color de las texturas, por ejemplo.

¿Qué opinión tiene de esta Sonata? ¿Y de la música final de Shostakovich? Las propias citas que emplea el compositor, por ejemplo suyas o de Berg, ¿la hacen aún más enigmática?

Pienso que esta Sonata, compuesta en el otoño de 1968 en Moscú y dedicada a David Oistrakh, que la estrenó en mayo de 1969, es una obra de un extraordinario balance y equilibrio. En su versión con orquesta de cámara, es como una perfecta extensión de los dos Conciertos para violín compuestos por Shostakovich. Personalmente, al interpretar esta obra no persigo una búsqueda del misterio que hay detrás de la escritura; trato de encontrar el estilo idóneo de cómo tocar esta música y, de este modo, encontrar los mejores colores y el mejor fraseo para darle el máximo contenido a la obra.

¿Qué referencias tiene? Quizá Oistrakh, que fue quien la estrenó…

Para Shostakovich, David Oistrakh es un intérprete fundamental. Pero debo admitir que la manera que yo veo a Shostakovich está influenciada más por la interpretación de esta Sonata de Gidon Kremer. Y también me influye y me gusta Vadim Repin. Creo que el “toque” que le imprime Oistrakh es, por momentos, demasiado noble, para la visión que tengo formada de Shostakovich.

Esta grabación para Sony Classical digital es un registro en vivo, que reafirma más la autenticidad de esta fantástica interpretación, repleta de un mundo sonoro fantasmal…

Gracias. Creo firmemente en las grabaciones en vivo. Si conoces bien la obra, gracias al proceso profundo de estudio, y has realizado los suficientes ensayos con una buena orquesta, se puede grabar en vivo con mayor calidad y autenticidad que en una grabación de estudio.

¿Tiene pensado visitar España en breve?

Estuve en España por primera vez en el pasado verano de 2018, dentro del Festival de Amposta. Adoro este país. Espero poder regresar lo antes posible y espero poder tocar con alguna orquesta.

¿Cuál es su repertorio principal, dónde se desenvuelve mejor?

Mi repertorio es principalmente la música alemana de la gran tradición, desde Bach, Haydn, Mozart, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Beethoven, etc., a los compositores del siglo XX, una parte también muy importante de mi repertorio natural.

También es miembro del Stradivari Quartet…

Toco en el Stradivari Quartet desde 2013. El hecho de hacer música de cámara me ha enseñado grandes secretos y muchos detalles de la música y de cada género y estilo que podrían pasar desapercibidos si no se interpretara intensamente música de cámara.

www.sebastianbohren.ch/en/

https://sonyclassical.lnk.to/SB-Shos

http://web.no-te.com/

por Lucas Quirós 

Foto: El violinista Sebastian Bohren, que ha grabado un arreglo para violín, percusión y orquesta de la Sonata Op. 134 de Shostakovich.
Acreditación: © Marco Borggreve 

Paula Coronas

Paula Coronas

Publicado: Noviembre 2018
Un piano con luz propia

La pianista malagueña Paula Coronas continúa con una imparable trayectoria artística desde la interpretación y la investigación musical, campos en los que su testimonio y sus versiones al piano son ampliamente reconocidas.

En una línea de trabajo incansable, sus programas se distinguen por un cuidadoso criterio de selección de piezas, que la propia intérprete elige con esmero y dedicación, como viene demostrando desde hace tiempo a través de sus interesantes y atractivos recitales, que se caracterizan por su sello personal. Recordemos en este sentido las palabras de la periodista musical Mikaela Vergara, que aparecen como notas al programa del trabajo discográfico más reciente de Paula Coronas, su undécimo disco, titulado “Raíces”, grabado en Málaga en 2015 y dedicado al patrimonio musical malagueño:

“Si tuviera que elegir un adjetivo para definir a Paula Coronas, ése sería entusiasmo: entusiasmo por la música, el conocimiento y las personas. Esta joven artista malagueña ha desarrollado una polifacética carrera asentada en una sólida formación como pianista, pedagoga, investigadora y periodista. Y todo ese bagaje cultural se percibe en su aproximación poliédrica a la obra de arte. Paula Coronas encarna ese perfil de intérprete proactivo e innovador que reúne todas las virtudes necesarias para satisfacer la demanda de nuestra sociedad actual. En cada propuesta integra sabiduría e información, razón, intuición y sentimiento. Ella cree en lo que hace y se involucra al máximo en cada una de las fases del proyecto desde su gestación hasta su puesta en escena final”

(Mikaela Vergara, Raíces, Málaga, 2015)

Sus recientes viajes internacionales con conciertos en Alemania, Hungría e Italia, le han presentado como un valor consolidado dentro de la generación de pianistas europeos con más proyección. Actualmente continúa estudiando y ampliando repertorio, dedicando una gran parte de su tiempo y esfuerzo a la investigación de obras poco conocidas e inéditas. Composiciones de Antón García Abril y Zulema de la Cruz, entre otras, son recreadas con éxito en los dedos y en la interpretación de la pianista: “me considero privilegiada por tener la oportunidad de dar vida a estrenos o páginas de hoy que destacan con luz propia en el panorama musical del momento. Creo que los intérpretes actuales tenemos un compromiso con la creación musical que se hace en nuestro país, reflejo de la sociedad y del interés cultural del presente”.

Artista completa

Antón García Abril, gran compositor actual muy ligado a la trayectoria artística de Paula Coronas, a través de discos, libros y Tesis Doctoral que ha dedicado a su figura, afirma lo siguiente al encontrarse en la pianista:

“La imagen de una artista completa, llena de intuiciones musicales, representante de un perfil muy interesante y necesario en la música española de nuestro tiempo y de nuestro país. En ella confluyen talento, capacidad y temperamento, tres cualidades con las que aborda rigurosamente mi música”

(Antón García Abril, entrevista en “Programa de mano”, de TVE)

Su gira de conciertos en nuestro país permite escuchar a Paula Coronas esta temporada en Sevilla, Jaén, Málaga, Córdoba, León, Ciudad Real, Madrid, Tarragona y otras ciudades españolas, en las que anuncia un programa romántico y español con compositores paradigmáticos como Schumann, Scriabin, Mozart, Debussy, Granados y Albéniz, entre otros.

Como Directora Artística del Ciclo “Miradas al Sur”, con escenarios emblemáticos en Andalucía, y a punto de alcanzar su tercera edición, Paula Coronas presenta interesantes citas con la música en 2019: “estamos trabajando ilusionadamente por dar a conocer e impulsar nuestra música española y contemporánea de calidad. Muy feliz de participar activamente en esta iniciativa que tan magnífica acogida está obteniendo”.

Durante la pasada temporada, la pianista abordó brillantemente el Concierto BWV 1054 de Bach y el Concierto Fantástico de Albéniz como solista con la Orquesta Filarmónica de Málaga, que tuvo ocasión de interpretar dentro de la temporada de abono en el Teatro Cervantes de Málaga, posteriormente en el Auditorio “Maestro Padilla” de Almería y en el Festival de Música Española de Cádiz, donde es requerida habitualmente para actuar. Del mismo modo, en 2019 tiene previsto participar en diversos conciertos con orquesta, entre los que cabe resaltar su intervención al piano junto a la Camerata Atenea, ensemble orquestal integrado exclusivamente por mujeres en los atriles, cuya creación fue puesta en marcha por Paula Coronas hace dos años en el seno del Ateneo de Málaga, institución a la que pertenece como Vocal de Música y por cuya labor de difusión y divulgación musical ha sido premiada recientemente por la Federación de Ateneos de Andalucía.

Un nuevo disco en perspectiva es una de las primicias que la intérprete andaluza nos desvela para el próximo año, que afronta con ilusión y determinación.

http://www.paulacoronas.com/ 

por Blanca Gallego

Foto: La pianista malagueña Paula Coronas, Directora Artística del Ciclo “Miradas al Sur”.
Acreditación: María Eugenia Griñán 

XXIV Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

XXIV Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad

Publicado: Octubre 2018
Música entre piedra y ladrillo

Durante el mes de agosto, el Ciclo Internacional de Órgano de Torreciudad ha llegado a su XXIV edición, en la que ha destacado una vez más el numeroso público, por su incondicionalidad y entusiasmo. La experiencia de todos estos años confirma el acierto de seguir apostando por la combinación de otros instrumentos junto al órgano; en esta ocasión, escuchamos flauta dulce, violonchelo, clarinete y arpa.

El Ciclo acogió en su tercera actuación el estreno absoluto de la obra Ob-audire Op. 156, del compositor Antonio Noguera, que la presentó personalmente a los asistentes. Se trata de una pieza elaborada a partir de algunas melodías propias del santuario, interpretada magistralmente por Maite Aranzabal, organista del santuario de Torreciudad.

www.torreciudad.org

Foto: Deslumbrante interpretación de Justo Sanz (clarinete) y Maite Aranzabal (órgano), con un original programa cargado de viveza.
Acred: J.A. Arregui y Xavier Safont

Segunda temporada de las London Music N1ghts

Segunda temporada de las London Music N1ghts

Publicado: Octubre 2018
Escuchar música con gin-tonic

Vuelve el ciclo al Café Comercial de Madrid con nueve conciertos y veinte intérpretes de reconocimiento mundial que ofrecerán una sorprendente programación: desde el siglo XV hasta nuestros días.

Tras el éxito de la primera edición, en unos días arrancará la segunda temporada de The London Music N1ghts. Esta singular iniciativa, promovida por The London Nº1 y LaFonoteca, volverá a acercar la mejor música clásica a todos los públicos a través de reconocidos intérpretes en un entorno diferente y único como el Café Comercial de Madrid.

A partir de octubre, esta propuesta regresará todos los segundos lunes de cada mes. En total, serán 9 conciertos en los que una veintena de músicos e intérpretes, entre solistas y grupos, abordarán en directo un amplio repertorio musical que abarca desde el siglo XV hasta la música contemporánea.

La segunda edición de The London Music N1ghts contará con un concierto más que la temporada pasada. El ciclo, comisariado por el periodista Benjamín García Rosado, ofrecerá una atractiva programación en manos de un excepcional elenco de artistas, españoles en su mayoría, de gran reconocimiento internacional.

II THE LONDON MUSIC N1GHTS

La crisis de la música clásica copó sus primeras portadas a principios del siglo XX. “Las orquestas agonizan”, sentenciaban los periódicos en grandes titulares. “Las salas de concierto tienen los días contados”, predecían algunas crónicas de la época. Nadie podía imaginar que, cien años después, el número de auditorios, orquestas, intérpretes y ciclos de música superaría el más alentador de los pronósticos. Quédense con este dato: nunca antes en toda la historia se había escuchado ni consumido tanta música clásica como en nuestros días.

La primera edición de las London Music N1ghts, iniciativa promovida por The London Nº1 y LaFonoteca, vino a confirmar esa tendencia. Los artistas de la pasada temporada no sólo agotaron hasta el último rollo de papel de la taquilla sino que consiguieron acercar al público (en su más amplio espectro) a un formato de concierto tan innovador como firmemente asentado en los orígenes de la tradición musical. Porque ¿qué eran las primeras “schubertiadas” sino reuniones informales en las que los compositores daban a conocer sus nuevas partituras entre brindis y delicatessen gastronómicas? ¿Acaso la música de “cámara” no hace referencia precisamente a una pequeña habitación donde los músicos del renacimiento podían tocar en una atmósfera más relajada e intimista?

La segunda temporada del ciclo quiere seguir desmontando viejos mitos asociados al repertorio clásico y a la música de creación contemporánea con una programación atractiva, asequible y equilibrada que pone en valor a toda una generación de artistas (en su mayoría españoles) que han conquistado las grandes salas de concierto. Una vez más, tenemos que agradecer la confianza que cada uno de estos músicos extraordinarios ha depositado en nuestro proyecto. Es un verdadero privilegio poder contar con su presencia en el escenario para seguir colgando el cartel de “no hay entradas” los segundos lunes de cada mes. 

Las obras del programa de este curso abarcan varios siglos: desde el lamento que Juan del Encina compuso a la muerte del príncipe Juan de Aragón hasta un reciente exilio para piano de Mercedes Zavala. Entre medias: una esmerada selección de música para clave (Yago Mahúgo); un arpa histórica al servicio del teatro del Siglo de Oro (Sara Águeda); el último y turbador trío para piano, violín y violonchelo que escribió Schubert (Trío VibrArt); un viaje con destino a “la Spagna” que triunfó en la Europa ilustrada (La Spagna); la Sonata de Franck que conmovió al mismísimo Proust (Ana María Valderrama & Luis del Valle); un pianista al rescate del “Chopin español” (Mario Prisuelos); el soplo de aire fresco de un cuarteto de saxofones (Kebyart Ensemble); un surtido de obras de compositoras contemporáneas de ambos lados del Atlántico (Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro), y un mapa de los sonidos más auténticos y castizos del siglo XVIII (Concerto 1700). 

Madrid servirá de hilo conductor a algunos de los intérpretes, que han aprovechado la ocasión para rendir homenaje a la música que se escuchaba en la época de los Borbones, en 1887 (cuando el Café Comercial abrió sus puertas) o en los felices años veinte del siglo pasado. Quién sabe si el próximo Galdós de nuestras letras recogerá en sus “episodios digitales” alguno de nuestros conciertos. Mientras tanto, seguiremos satisfaciendo la fantasía de los melómanos que alguna vez se preguntaron cómo sonaría la música clásica fuera de un auditorio y ofreciendo a los aficionados una experiencia alternativa al concierto tradicional.

por Benjamín G. Rosado (Comisario)

Yago Mahúgo

Yago Mahúgo abrirá el ciclo este 8 de octubre con una selección de música para clave del siglo XVIII. Según el intérprete madrileño, el ictus cerebral que sufrió hace cinco años le obligó a reaprenderlo todo desde el clave y le permitió sacudirse los pequeños vicios de su pasado como pianista romántico.

Sara Águeda

Sara Águeda es una de las mejores intérpretes de arpa histórica de nuestro país, además de especialista en música antigua con una larga trayectoria en el mundo del teatro. Llegará al escenario del Café Comercial el 12 de noviembre con un repertorio que rinde homenaje al Siglo de Oro español. La propia Sara ofreció un pequeño adelanto de su actuación en la presentación del ciclo, que tuvo lugar el pasado mes de septiembre.

Trío VibrArt

La amistad que une a los tres integrantes del Trío VibrArt (el violinista Miguel Colom, el violonchelista Fernando Arias y el pianista Juan Pérez Floristán) les ha permitido preservar su personalidad como solistas y enfrentarse a los nuevos retos con una libertad inquebrantable. El 5 de diciembre (único concierto que cae en miércoles) interpretarán un programa con obras de Schubert y Shostakovich.

Kebyart Ensemble

El nuevo año dará la bienvenida al cuarteto de saxofones Kebyart Ensemble, un grupo versátil, comprometido y apasionado por la música de cámara que exprime al máximo las posibilidades expresivas de su instrumento. El concierto, que se celebrará el 14 de enero, es un homenaje a los felices años 20 que sirvieron de evasivo paréntesis al horror de las dos guerras mundiales.

Mario Prisuelos

Ya en febrero (día 11), el pianista Mario Prisuelos profundizará en la música que se escuchaba en la capital allá por 1887 (el año de inauguración del emblemático Café Comercial) y nos presentará algunas piezas olvidadas de Marcial del Adalid, a quien muchos conocen como el “Chopin español”.

La Spagna

El ciclo continúa con La Spagna, conjunto barroco fundado por Alejandro Marías (director y viola da gamba). El programa que han preparado para la ocasión sus cuatro integrantes, especializados en el repertorio del renacimiento y el primer clasicismo, quiere recuperar y reivindicar lo que en musicología se conoce como “carácter español” y que tanto marcó a los compositores de la Europa ilustrada. Alejandro Marías también pudo ofrecer el sonido de su cello barroco con Bach en la presentación del ciclo.

Valderrama & del Valle

El 8 de abril será el turno de Ana María Valderrama (ganadora del XI Concurso Internacional de Violín “Pablo Sarasate”) y el pianista Luis del Valle. Los dos jóvenes intérpretes (que son pareja y padres fuera del escenario) rendirán homenaje a la literatura para violín y piano compuesta el mismo año por dos compositores (Franck y Brahms), que no llegaron a conocerse. 

Concerto 1700

El concierto del mes de mayo estará protagonizado por el grupo fundado por el carismático violinista Daniel Pinteño. Concerto 1700 es uno de los ensembles jóvenes más demandados del panorama barroco español. Sus cuatro integrantes y la soprano Aurora Peña nos sorprenderán con un “mapa de los sonidos” que podríamos escuchar durante un paseo imaginario por el Madrid del siglo XVIII.  

Tonna & Pérez Dobarro

Clausurarán la temporada el 10 de junio Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro. El proyecto Women in Music/Mujeres en Música que lideran la mezzosoprano estadounidense y la pianista española, tiene como objetivo promover un amplio catálogo de obras de compositoras de Estados Unidos y España y hacer reflexionar sobre la diversidad en el contexto de la música de creación contemporánea. 

Programa

London Music N1ghts 

8 de octubre, 20h - Yago Mahúgo

12 de noviembre, 20h - Sara Águeda

5 de diciembre, 19h - Trío VibrArt

14 de enero, 20h - Kebyart Ensemble

11 de febrero, 20h - Mario Prisuelos

11 de marzo, 20h - La Spagna

8 de abril, 20h - Ana María Valderrama & Luis del Valle

13 de mayo, 20h - Concerto 1700

10 de junio, 20h - Anna Tonna & Isabel Pérez Dobarro

Escenario: Café Comercial (Madrid) 

www.thelondonmusicnights.com

La imagen de esta excepcional segunda temporada ha corrido a cargo del diseñador Aníbal Hernández, responsable de algunos de los proyectos más icónicos de la capital y creador de un lenguaje visual verdaderamente innovador. 

La primera edición de The London Music N1gths inició su andadura en octubre del año pasado y contó con la participación de artistas como Judith Jáuregui,  Lina Tur y Raquel Andueza y conjuntos como el Cuarteto Quiroga, Neopercusión y Forma Antiqva. Al cierre de su edición, en mayo de 2018, se había colgado el cartel de “no hay entradas” en todos sus conciertos.

Al igual que en la temporada anterior, el precio fijado para las entradas será de 16€ y se podrán adquirir en Ticketbell.com. Además, se ofrecerá la oportunidad de adquirir un paquete que incluye, junto con la entrada, una cena en el restaurante del Café Comercial por 39€. 

The London Nº1 

The London Nº1 es una ginebra única con una personalidad propia, sofisticada y elegante. Se elabora en pequeñas producciones en Londres, dónde si no. La exclusiva y refinada mezcla de sus 12 botánicos le otorga esa complejidad tan especial.

El resultado es una ginebra limpia y cristalina, de un hermoso color azul turquesa, con un aroma fino y elegante y un sabor suave y especiado. Una suma de detalles que conduce a la armonía. Gracias a sus refrescantes notas balsámicas y enebro, The London Nº1 es ideal en diferentes cócteles y muy especialmente para la preparación del gin-tonic. 

www.gonzalezbyass.com  

www.lafonoteca.net

#TheLondonMusicNights 

por Blanca Gallego 

L’Auditori

L’Auditori

Publicado: Octubre 2018
Programación para la temporada 2018-2019

L’Auditori de Barcelona presenta su proyecto artístico para la temporada 2018-2019 y estrena nueva imagen creada por ‎Frederic Amat. Una ‎temporada que profundiza en la conexión entre los diferentes ciclos, generando proyectos ‎transversales de gran envergadura.

Se consolida así el modelo iniciado hace cinco años, que posiciona L’Auditori como el centro de ‎la música de Barcelona con temporadas estables de música sinfónica, antigua, cámara, nueva ‎creación sonora, músicas modernas, jazz y una gran oferta para público escolar y ‎familiar. Todas ellas incluyen importantes colaboraciones internacionales, artistas de primer ‎nivel y varios estrenos y encargos y dotan al equipamiento de una identidad propia dentro ‎del ecosistema musical del país. Concretamente, habrá en ‎L’Auditori 16 estrenos mundiales, 19 estrenos nacionales y 14 encargos.

Música Antigua‎

Jordi Savall inaugurará la temporada con su Capella Reial de Catalunya. Bajo el nombre de El ‎so original, Savall interpretará obras maestras de grandes nombres del repertorio barroco y ‎clásico. Los grandes conjuntos internacionales llenarán la Sala 1 Pau Casals, como la Accademia ‎Bizantina, que representará Marc’Antonio e Cleopatra de Johann Adolph Hasse, con la contralto francesa Delphine Galou y el joven contratenor Valer ‎Barna Sabadus. La temporada será testigo de dos importantes debuts en Barcelona, el de Arcangelo y el del Ensemble Pygmalion. Uno de los programas más ‎sugerentes es el que interpretará el formidable RIAS Kammerchor, en el que la ‎antigua dialogará con la contemporánea en un concierto sin precedentes, con el Requiem de Victoria y el estreno mundial del Requiem de Bernat Vivancos.‎ Otro proyecto de casa, el Bach Zum Mitsingen, acercará el tesoro de Cantatas de ‎Bach con la soprano Miriam Feuersinger y los participantes de la ‎Beca Bach.‎

Festival Llums d’Antiga

La primera edición del Festival Llums d’Antiga se celebrará del 5 al 16 de febrero y se harán ‎conciertos en la capilla de Santa Àgata, en la basílica de Sant Just i Sant Pastor, en la basílica de ‎Santa Maria del Pi y en la Sala 2 Oriol Martorell de L’Auditori. La programación, que ‎acercará los repertorios más lejanos y dará luz a las partituras olvidadas del pasado, gira en ‎torno a dos hilos argumentales: L’état c’est moi, con Luis XIV y el absolutismo monárquico ‎y la Reforma de Lutero.

‎La basílica de Sant Just i Sant Pastor y su órgano recientemente restaurado serán los ‎anfitriones del concierto inaugural, que propone un diálogo entre el organista Juan de la Rubia ‎y el poeta Manuel Forcano. En Una nit amb el Rei Sol, de la Rubia improvisará sobre textos de ‎la época que relatan la gran celebración organizada por Luis XIV con motivo de una victoria ‎militar. La programación incluye otras perlas del repertorio de la corte de Luis XIV, como el ‎concierto que Jean Rondeau dedicará a François Couperin, el que Lina Tur y Kenneth Weiss ‎ofrecerán en torno a la compositora Élisabeth Jacquet de la Guerre o el que permitirá ‎descubrir a Justin Taylor, figura revelación del clavicémbalo, sobre la saga de músicos de la ‎familia Forqueray.‎

La línea luterana la dibujará Vox Luminis, uno de los conjuntos vocales de referencia ‎indiscutible en Centroeuropa, con su programa dedicado a la Reforma en la Basílica de Santa ‎Maria del Pi, y el cuarteto Alternative History, que presentará una de sus últimas grabaciones, la dedicada al compositor Josquin Desprez, de quien Lutero fue un gran admirador.‎

El festival lo completan la Accademia del Piacere y Núria Rial, con un programa dedicado a ‎Sebastián Durón, seguramente el compositor español más significativo de la música escénica ‎de la época.

La temporada de cámara acogerá recitales de solistas de renombre internacional ‎como Emmanuel Pahud, Janine Jansen, Chad Hoopes, Lars Vogt, ‎Apollon Musagete Quartet, el trío ‎Sepec-Zimmermann-Queyras, Brad ‎Mehldau, Ian Bostridge, Quartet Casals, Alexander ‎Melkinov, Trío ‎Arriaga, Josep Colom, ‎Trio Pedrell o la visita de Pablo Heras-Casado al frente de la Mahler Chamber ‎Orchestra.

Festival Emergents Barcelona

Este III festival es el espacio más importante donde descubrir a los ‎jóvenes talentos nacionales e internacionales. ‎Durante una semana, ‎L’Auditori ofrece una veintena de conciertos y presenta a un centenar de jóvenes talentos de ‎la clásica y el jazz, que se convertirán en las estrellas del futuro.‎

Por otra parte, las Sampler Sèries ponen en el centro de la temporada al compositor invitado Manuel ‎Rodríguez Valenzuela, de quien se estrenarán dos obras encargo, así como diversos proyectos de improvisación libre con ‎referentes internacionales indiscutibles. El foco internacional de este año estará dedicado a Berlín. Un proyecto de largo recorrido que ‎girará en torno al reconocido compositor y director Enno Poppe, visitando Sampler Sèries el Quartet Diotima.

En cuanto a Escenes, la programación que pone en diálogo la música en directo con las artes ‎escénicas, esta temporada el espectáculo inaugural hará subir al escenario al artista plástico ‎que ha dado vida a toda la imagen de L’Auditori: Frederic Amat.

A estas actividades y ciclos, hay que añadir las Jazz Sessions, que dedican el Retrat d’Artista a Brad Mehldau y celebra los 50 ‎años del Festival de Jazz de Barcelona‎; o Sit Back, el placer de escuchar pop, que se abrirá con ‎el cantautor estadounidense Damien Jurado, así como actividades socioeducativas diversas.

https://www.auditori.cat/es/

por Blanca Gallego 

Foto: Janine Jansen tocará en L’Auditori en la temporada de cámara.
Crédito: © Marco Borggreve

 

Art Insurance Consulting

Art Insurance Consulting

Publicado: Octubre 2018
Garantías para el desarrollo de la actividad artística

El sector artístico y musical es un segmento vulnerable en cuanto al desempeño de su actividad. Son diversos los riesgos que afectan a estos profesionales, desde los contratiempos en el momento de encontrar una sala para realizar una serie de conciertos, la manera en la que muestran su imagen al público, el daño al objeto artístico y a los instrumentos musicales, los contratiempos que pueden surgir a la hora de realizar una actuación y que necesitan la protección especial del evento, e incluso los accidentes que puede sufrir un artista o un músico en el desempeño de su actividad. Por todo ello, Art Insurance Consulting se fundó con el objetivo de proteger todos los aspectos que se derivan de la actividad artística. Su slogan: “garantizamos la actividad artística protegiendo su patrimonio”, es mucho más que un simple slogan; “simboliza el compromiso de esta empresa para con el sector y su especialización concreta y exclusiva dentro del mismo”, afirman sus fundadores Gabriel Abraham y Carmen Redondo, con quien hemos mantenido un encuentro para conocer de manera directa a Art Insurance Consulting.

Art Insurance Consulting es una marca empresarial dedicada al sector artístico por completo, ¿qué les impulsó a su creación?

Gracias a nuestra formación específica en el sector artístico y nuestra trayectoria profesional en el ámbito asegurador conocemos de primera mano las necesidades del primero y ello nos permite plasmarlo en el segundo. A raíz de la puesta en marcha de este proyecto, aportamos nuestra visión para fomentar el arte y la cultura así como en la protección de los riesgos dentro del sector artístico, atendiendo las necesidades y deficiencias existentes hasta nuestra creación, como lo es la falta de especialización en el ámbito dentro del sector asegurador, es decir, nos dedicamos exclusivamente a proteger el patrimonio artístico de nuestros clientes y al mismo tiempo a los profesionales que lo conforman. Esto, junto a nuestro profundo conocimiento del ámbito profesional artístico, nos diferencia tanto en la consultoría de riesgos como en las áreas de management y gestión cultural.

Mejorar el servicio que ofrece el sector asegurador a este segmento, así como fomentar el desarrollo de la actividad artística y cultural, fue el motivo de nuestra creación y es nuestra filosofía de trabajo.

Según su experiencia, ¿cuáles son las carencias específicas en las que trabajan día a día con sus clientes?

Desde Art Insurance Consulting destacamos la necesidad de contar con un enfoque global que garantice la actividad artística en todos sus procesos, desde la presentación del proyecto cultural o la imagen del artista hasta la protección de sus instrumentos musicales, pinturas, esculturas e incluso los propios eventos, como exposiciones, conciertos, etc. También son las instituciones públicas y privadas, así como particulares, los que a su vez se benefician de nuestro objetivo, que es aportar valor, seguridad e integridad al arte en general y a la música en particular, a través de nuestro servicio de asesoramiento profesional y personalizado. El cliente, sea quien sea, desea ser escuchado y que se le de valor a sus necesidades particulares, así como también merece que se le ofrezca una solución adaptada a sus circunstancias, tanto si nos referimos a un artista que desea ser representado, una institución que requiera de proyectos innovadores, como también el análisis de los riesgos específicos de un instrumento musical, una obra de arte, de los profesionales del sector, un coleccionista o cualquier otra entidad.

Es precisamente con esta percepción global, junto al análisis particular de cada caso, como conseguimos que las soluciones aportadas a las personas que confían en nosotros sean únicas y exclusivas para cada uno.

Entonces, su aportación de valor reside en el asesoramiento que proporcionan a los artistas e instituciones. ¿Cómo lo hacen?

Así es, nuestra función principal es el asesoramiento personalizado para artistas, instituciones y particulares, enfocando nuestros esfuerzos a la consecución de sus objetivos. Contamos con varios departamentos para poder abordar todas las necesidades de cada actividad. En el área de management nos centramos en impulsar la imagen del artista y creamos proyectos propios para fomentar la difusión de la cultura a través del área de gestión cultural, mientras que la consultoría de riesgos analiza cada uno de esos aspectos para ofrecer las coberturas necesarias, pudiendo desarrollar la actividad artística con todas las garantías.

En función del servicio que precisen nuestros clientes nos enfocamos en un área o en otra, siempre respetando y escuchando previamente sus deseos y requerimientos, ofreciendo la solución que creemos más conveniente. Igualmente, nuestras áreas de negocio están en constante comunicación para realizar una acción integral e impulsar, fomentar y proteger el arte en todas sus facetas.

En el área que compete a la consultoría de riesgos ¿cuáles son los aspectos que analizan?

Cuando hablamos de riesgos nos referimos a la protección de las personas y su patrimonio. Cualquier actividad artística está expuesta a circunstancias que necesitan ser cubiertas, por ejemplo los accidentes, robos, cancelación de eventos, etc. Nuestra especialización nos permite proteger cualquier eventualidad, algo sumamente importante. La complejidad de algunos riesgos requiere de un asesoramiento especializado en la materia, ya que no se necesitan las mismas coberturas para cada caso, por ello nuestros equipos de trabajo comparten criterios técnicos, analizando la prevención en origen, evaluando lo que no se ha podido evitar y reparando o indemnizando cuando el daño se ha producido. Contamos con diversas entidades para garantizar todos los riesgos. En cuanto a los riesgos de los instrumentos musicales, contamos en exclusiva con Mussap para la protección de estos riesgos. Mussap es la mutua de seguros y reaseguros a prima fija que hemos elegido para cubrir los accidentes, robos, expoliaciones, hurtos y depreciaciones que puedan sufrir los instrumentos musicales de nuestros clientes. La resolución fue unánime a la hora de decidir en quién depositar nuestra confianza y pese a poder escoger cualquier multinacional que presta estos servicios en nuestro país, abogamos por Mussap por la personalización que nos permiten para con nuestros clientes y, lo más importante para nosotros, el trato cercano y humano que nos brindan hace realidad lo que refleja su slogan “entre personas”.

Entonces, las coberturas que ofrecen son especiales para cada caso, ¿de qué manera personalizan la cobertura de un riesgo?

Como especialistas asumimos la responsabilidad que exigen y merecen nuestros clientes, por ello trabajamos constantemente para proporcionarles garantías especiales. No todos los casos requieren de todas las coberturas, por ejemplo en cuanto a los daños materiales, la depreciación de un instrumento musical es una garantía importante para aquellos músicos cuya herramienta de trabajo se revaloriza con el paso del tiempo, en cambio es totalmente prescindible para los alumnos de grado elemental de un conservatorio. Para ilustrar lo anterior, los últimos instrumentos que hemos asegurado con la garantía de depreciación fueron dos chelos Stradivari de 1710 y un arco François Lotte de 1935. No tendría sentido que un cliente abonase la sobre-prima de esta cobertura para un instrumento fabricado en serie y de menor valor.

Anteriormente han comentado que también es su cometido proteger a los profesionales del sector artístico, ¿en qué sentido dan cobertura a sus necesidades?

Como ocurre en toda actividad profesional las personas se exponen a ciertas circunstancias que pueden ocasionar un perjuicio para su salud y por ende a su profesión. Los artistas están expuestos a riesgos concretos por lo que es necesario proporcionar una solución específica. Esto es una breve historia real, ocurrió de la forma más absurda y en un momento cotidiano. Nuestro protagonista se encontraba en su domicilio estudiando la Sonata en si menor de Liszt, cuando en uno de sus descansos decidió aprovechar el momento para servirse un vaso de agua. Se le escurre el vaso de las manos y el acto reflejo fue evitar la caída del mismo con la mala fortuna de que el vaso golpea la encimera, se rompe y el filo del cristal corta los tendones de algunos dedos de la mano derecha del pianista. Lo primero que pensó fue que su carrera profesional había terminado en ese preciso momento ya que no podía articular varios de sus dedos. Simultáneamente se percató de la gravedad del accidente y acudió a urgencias. El resultado: dos operaciones y una ardua y dolorosa convalecencia que se prolongó durante un año. Otra grave consecuencia de este hecho fortuito fue la cancelación de todos los conciertos que tenía programados para esa temporada y todo ello provocaría inmediatamente la pérdida de ingresos de este músico, no obstante y por fortuna conocía nuestra empresa y servicios por lo que pudimos asesorarle con anterioridad de los riesgos a los que estaba expuesto.

Nuestro cometido en estas situaciones es poner a disposición de estos profesionales unas garantías especiales que protegen la pérdida de ingresos en caso de incapacidad transitoria, cubriendo aquellos aspectos con mayor vulnerabilidad debido a su profesión, como son las extremidades superiores, la vista, el oído o la voz. 

Además de la consultoría de riesgos, también desarrollan actividades destinadas al desarrollo cultural, ¿cuáles son los objetivos de estas iniciativas?

Desde nuestra empresa creemos que el arte y la cultura deben ser potenciados e impulsados para poder procurar a la sociedad una calidad y una formación cultural que nos induzca a pensar y replantearnos aspectos tanto internos como externos. El arte siempre ha sido un comunicador de ideas y emociones, por ello apostamos por las acciones de management para elevar a artistas cuya obra es buena, pero carecen de los recursos necesarios para poder darse a conocer y transmitir con su trabajo ideas que potencien la dinámica cultural.

Algunas de las acciones a través de las cuales también fomentamos estas acciones son el mecenazgo y la gestión cultural, mediante nuestro prestigio como empresa acompañamos en su trayectoria a varios artistas que a su vez también participan en nuestros proyectos propios. Nuestra forma de proceder incluye la colaboración con centros públicos y privados como conservatorios, fundaciones, orquestas, entidades y administraciones aunando nuestros objetivos comunes para conseguir elevar la calidad de la música, el arte y la cultura. 

Tenemos la firme creencia que Art Insurance Consulting puede aportar recursos nuevos en ese sentido. Abogamos por la colaboración público-privada también y estamos convencidos que, combinando la excelencia de los artistas y fomentando la inclusión de los consumidores del arte, obtenemos más éxito como entidad y realizamos una aportación de valor a nuestra sociedad. Tenemos dos objetivos fundamentales, uno es acercar la cultura a la gente y el segundo es dar oportunidades a los jóvenes talentos. La cultura es algo muy importante y es necesario que sea capaz de aportar valores por medio de la calidad artística, ello diferencia mucho el atractivo de nuestra sociedad tanto de cara al exterior como para quienes la conformamos.

por Lucas Quirós

Foto: Carmen Redondo y Gabriel Abraham, fundadores de Art Insurance Consulting.

Art Insurance Consulting
Consultoría de riesgos | Management | Gestión cultural
Área de actividad especializada en Arte e instrumentos musicales de Balear Salud SL agencia de seguros exclusiva de Mussap Mutua de Seguros a PF
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Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Música y Poesía, la fusión de las artes para la canción de concierto

Publicado: Septiembre 2018
Nueva colección en NAXOS “Classics from Spain”

Hace unos pocos meses, la colección “Classics from Spain” de Naxos inauguró su serie con “Music and Poetry”, canciones del compositor Constancio Hernáez sobre textos de poetas españoles, como Gustavo Adolfo Bécquer, Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Pedro Provencio, Ángel García López y Federico García Lorca. Para ello, Constancio, miembro de la nueva generación de compositores contemporáneos de nuestro país, cuyo estilo radica en un orden neoclásico, en el que la escritura musical de Hernáez se adhiere al texto con un tratamiento tonal/modal, se ha reunido con los intérpretes Marta Toba, soprano; José Manuel Conde, barítono y Sebastián Mariné, piano, con los que interactuó durante el proceso de grabación. En RITMO los hemos juntado en un 4 x 4, que no es el compás binario sino cuatro preguntas similares a los cuatro protagonistas del disco, CD que precisamente alcanzó el tercer puesto de ventas en la lista internacional de Naxos en junio de 2018.

4 x 4
4 preguntas para 4

1. Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

2. Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

3. ¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

4. ¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

 

Constancio Hernáez
Compositor

Este CD nació de la relación personal y profesional de los intérpretes y el compositor, es decir, yo mismo, cuyo germen fue la presentación realizada en la SGAE en febrero de 2016: ello propició el acuerdo de presentarlo al sello Naxos. Creo que todos nosotros hemos aportado algo al repertorio de la canción española, así lo demuestra el proceso fluido e ilusionado en la grabación del disco.

Como compositor, he intervenido desde el año 2000, aproximadamente, en la organización de festivales de música contemporánea; precisamente, fui socio fundador del Festival de Tres Cantos; desde 2008 soy miembro de la junta directiva de la AMCC, organizadora del Festival de Música Contemporánea de Madrid (COMA). 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Desde mi actividad de compositor, y en lo relativo a la canción de concierto, texto y música representan dos lenguajes que tienen que convivir íntimamente, estableciendo entre ellos un juego de protagonismos y sometimientos, ayudándose ambos en beneficio del resultado artístico total. He entendido las canciones como un todo literario-musical, donde cada parte tiene que impulsar a la otra; el resultado debe transcender lo que es música o poesía en sí mismas. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Entiendo que la comunicación entre compositor e intérprete es de suma importancia. Y, en lo que se refiere al proyecto abordado, creo que ha existido un gran entendimiento entre nosotros. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Durante los siglos XX y XXI no hay compositor que no tenga en su catálogo canciones, y especialmente canción española; aunque también es verdad que, salvo casos contados, no hay una gran profusión de este tipo de obras. Según lo veo, éstas han ido a integrarse en el repertorio de cámara de los propios compositores españoles. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que muy importante y decisivo; en este disco aparecen grandes poetas que, a través de su poesía, nos sumergen en mundos de ideas, emociones y sentimientos tan profundos y sinceros, que motivan el intento de hacer buena música; sin hablar de la métrica y de la construcción formal del mismo poema, que te obliga a ser creativo en su concepción rítmica, cosa que, en la composición de música puramente instrumental, no hubiera sido tan necesaria. 

Marta Toba
Soprano

Soy soprano, actriz, profesora de canto y autora de mis propios espectáculos. “Music and Poetry” es mi primera incursión en la música clásica contemporánea y ha sido un estupendo regalo de la vida. Cuando Constancio me envió las canciones, en seguida vi que iba a ser un reto para mí. No era la música a la que estaba acostumbrada a interpretar pero, poco a poco se convirtió en una nueva manera de expresarme y… me enamoré, del proyecto y de mis compañeros. Por eso… un regalo de la vida. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Creo que es música que se ha servido de un texto. Constancio es un autor muy seguro de lo que quiere, tiene siempre muy claro lo que desea transmitir y, aunque no lo hemos hablado, creo que la música rondaba en su cabeza antes que el texto. Aunque ahora ya me quedo con la duda… le preguntaré sin falta… 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Por supuesto que las amplía. Poder preguntarle, en vivo y en directo, qué matiz quería transmitir en uno u otro momento, ha sido un privilegio. Pero en verdad he de decir que estábamos bastante sintonizados, incluso le propuse algún cambio, que él me adquirió sin ningún esfuerzo. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

Yo no soy muy erudita en estos temas, pero imagino que, como en todo, cuando algo no se cultiva, se ve afectado de alguna manera. No obstante, creo que la música y los autores españoles tienen una pasión que prevalece sobre todas las cosas, incluido el abandono, y que a pesar de los pesares, el talento siempre aflora. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Creo que los poetas son los eternos inspiradores de la música. La importancia de la palabra, del verso, de las emociones, del ritmo… siempre evocadores. La música por sí sola puede tocar nuestra alma, sin duda, pero cuándo a eso se le unen unas palabras, un sentimiento… nos llega directamente al corazón. Y además nosotros tenemos la suerte de contar con maravillosos e inspiradores poetas. Por eso, cuando las dos cosas se unen, salen cosas tan maravillosas como “Music and Poetry” de Constancio Hernáez. 

José Manuel Conde
Barítono

Este barítono, que realizó la carrera de canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con cursos de técnica vocal con los maestros Francisco Ortiz, Vicente Sardinero y Pedro Lavirgen, es también licenciado en derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Se ha puesto en la piel de personajes como Germont (La Traviata), Marcello (La Bohème), Escamillo (Carmen), Tonio (Pagliacci) o Renato (Un ballo in maschera), entre muchos otros, actuando en países como Japón, Argentina, Brasil, República Dominicana y, lógicamente, en España, principalmente en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid, entre otros. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

El hecho de que los textos sean poesía, nos traslada a un escenario de música implícita. En este trabajo, Constancio Hernáez ha plasmado en partitura la idea que le sugiere el propio lenguaje poético y, por tanto, una vez interpretada, para mi representa un todo indisociable, y se convierte en un ente homogéneo que rebasa lo musical y lo poético. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Creo que eso depende del autor. En el caso de Constancio, las posibilidades creativas en la interpretación son indudables, ya que él siempre apuesta por esa libertad expresiva dentro de los parámetros básicos del respeto por la obra. Ha habido siempre interacción positiva. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

El momento actual es deficitario en este sentido, y trabajos como este pueden ser estimulantes para que se de una continuidad creativa en “los creadores” y una expectación creciente en “los públicos”. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Absolutamente fundamental. La poesía es la chispa que provoca el incendio de la composición musical, y ambas se retroalimentan mutuamente en el preciado género de la canción clásica. 

Sebastián Mariné
Piano

Sebastián Mariné, reconocido pianista e igualmente compositor, ha actuado como solista con las principales orquestas españolas y ha estrenado tres conciertos para piano y orquesta especialmente escritos para él (V. Ruiz, R. Cavestany y F. Aguirre). Su discografía, además de las Canciones de Hernáez, incluye obras de Stevenson, Rodríguez Albert, Iturralde, Marco, García Abril y Benavente. Como compositor es autor de un catálogo que contiene más de noventa obras en todos los géneros, estrenadas por prestigiosos solistas, orquestas y agrupaciones. Es Profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y también en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. 

Este es un disco que recoge canciones sobre poetas españoles ¿Cómo ve estas obras, como un texto con música o música que se ha servido de un texto?

Como un texto que ha calado muy hondo en un compositor sensible que lo recita musicalmente y lo arropa con un acompañamiento pianístico adecuado a su interiorización del poema. Como ocurre en muchos Lieder románticos, a veces la misma música se repite con distinto texto, pero hay pequeños detalles que cambian sutilmente para diferenciar la intención expresiva de cada estrofa. 

Para un músico de hoy, tener la música de un compositor o intérprete en activo y poder interactuar con él, frena o amplía las posibilidades interpretativas e inventivas…

Depende del compositor. Si es un autor que tiene de su música una idea muy clara, única y excluyente puede frenar la fantasía del intérprete. Pero también la tradición puede frenar la inventiva en el caso de un autor fallecido. Constancio nos ha transmitido desde el principio una gran confianza en nuestra sensibilidad, no imponiendo una visión cerrada de sus canciones sino moldeando nuestra visión de cada una de ellas, sugiriendo detalles que nos ayudaban a introducirnos en el clima de cada poema musicado. Nos hemos sentido muy respetados pero también muy enriquecidos. 

¿Cómo se encuentra España en un género, como la canción culta, que en el siglo XIX prácticamente no se fomentó, cuando en Europa se asentó de manera incuestionable?

En la primera mitad del s. XX se vivió una edad de oro de la canción culta. Los principales compositores (Falla, Nin, Turina, los Halffter, Mompou, Gerhard, Rodrigo, Bacarisse, Guridi, Obradors, Toldrà…), reservaron una parte importante de su producción al género. En cambio, en la época de las vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial sólo pervivió en algún autor esta predilección, favoreciéndose la integración de la voz en pequeños conjuntos instrumentales. Pero creo que es evidente que en las generaciones posteriores se ha vivido un renacimiento del repertorio para este mágico dúo que forman la voz y el piano. 

¿Qué papel juegan nuestros poetas como inspiradores de música?

Muchos de los poetas del s. XX españoles eran amigos de compositores, siendo algunos de ellos también estimables músicos (Gerardo Diego, García Lorca). Creo que esta cercanía fue la responsable de esa eclosión que antes comentábamos. Esos poetas (y también anteriores como Bécquer, presente en este CD) han seguido inspirando a los compositores actuales, aunque en las últimas generaciones se está prestando una atención más especial por los poetas coetáneos. 

Para + Informacion:

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por Gonzalo Pérez Chamorro

Foto: de izquierda a derecha, Constancio Hernáez, José Manuel Conde, Marta Toba
y Sebastián Mariné.
Crédito © Emilio Hernáez

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Yo Soy Sinfónica. Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Publicado: Septiembre 2018
Temporada 2018-19

Con Antonio Méndez como director principal, la Orquesta Sinfónica de Tenerife incorpora novedades y apuesta por el repertorio romántico y postromántico.

La Sinfónica de Tenerife ha diseñado para el inicio de la temporada 2018-19 un interesante programa, que incluye el Preludio y Muerte de amor de Tristán e Isolda de Wagner, el Concierto para piano en sol mayor de Ravel y la Sinfonía n. 1 “Titán”, de Mahler. El director principal de la orquesta, Antonio Méndez, estará al frente de este concierto inaugural el próximo viernes 14 de septiembre en la Sala Sinfónica del Auditorio de Tenerife y contará con la presencia como solista invitado de Javier Perianes, uno de los pianistas españoles más destacados en el ámbito internacional.

Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la orquesta ofrece una programación que aúna tradición y modernidad al mismo tiempo que se abre al mundo a través de la música. Nuevos solistas y batutas de calidad contrastada intervendrán como invitados en los 19 conciertos de este ciclo que, del 14 de septiembre al 21 de junio, recogen medio centenar de obras de estilos variados para deleite de todos los públicos.

Antonio Méndez se pone al frente de la formación musical del Cabildo de Tenerife en esta nueva etapa de crecimiento y proyección nacional e internacional, para consolidar la trayectoria de este proyecto artístico en un rumbo acorde con su prestigio. Planteará un trabajo conjunto lleno de novedades, en el que coloca en un lugar privilegiado al gran repertorio romántico y postromántico centroeuropeo, en una temporada cuyos dos ejes fundamentales serán los ciclos dedicados a Brahms y Debussy.

También tendrá especial importancia el repertorio coral, con la participación de destacadas formaciones de la Isla, en un mini ciclo de tres conciertos, dos de ellos bajo la batuta del director principal y el tercero con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez, en el podio.

Esta temporada presenta por primera vez la figura del artista en residencia, que en esta ocasión recae en el músico François Leleux, quien intervendrá en dos programas, en uno como solista de oboe y en otro como director. La relación de solistas que debutan con la Sinfónica de Tenerife en la temporada 2018-19 son Alina Pogostkina (violín), Truls Mørk (violonchelo), Luise Buchberger (violonchelo), Ashop Gupta (piano), François Leleux (oboe), Alexandra Soumm (violín), Ian Bousfield (trombón), Alicia Amo (soprano), Anabel Aldalur (mezzo), Leigh Howard Stevens (marimba), Jorge Luis Prats (piano), Michel Barenboim (violín) y Regula Mühlemann (soprano). Nombres que se suman a otros ya conocidos por el público tinerfeño como Javier Perianes (piano), Cristo Barrios (clarinete), Agustín Prunell-Friend (tenor), David Wilson-Johnson (barítono), Daniel Müller-Schott (violonchelo) y Vestard Shimkus (piano).

La Sinfónica de Tenerife interpretará un total de 47 piezas de 27 compositores, combinando las estéticas de Wagner, Ravel, Mahler, Falla, Shostakovich, Rachmaninov, Tchaikovsky, Prokofiev, Schubert, Mozart, Haydn, Beethoven o Strauss. La composición actual estará asimismo presente con la interpretación de Nocturno Sinfónico, obra con la que Marcos Fernández ganó la IX Edición del Premio de Composición Musical AEOS-Fundación BBVA, y el estreno absoluto de In Memorian, del tinerfeño Agustín Ramos. Además, esta temporada regresa el concierto pop, dirigido por Nick Davies y estará dedicado a la música del grupo The Beatles.

Nuevas batutas serán las encargadas de subir por primera vez al podio de la Sinfónica de Tenerife, como el caso de  Elim Chan, Lorenza Borrani, Nuno Coelho, Lucas Macías, el propio François Leleux y Karl-Heinz Steffens. El nuevo director principal, Antonio Méndez, estará al frente de la inauguración y clausura y dirigirá ocho conciertos. De los 19 programas que conforman la temporada, tres contarán con el director honorario de la orquesta, Víctor Pablo Pérez. Solo James Feddeck y Nick Davies vuelven a reencontrarse con la formación orquestal.

En su apuesta por adaptarse a sus públicos y acercar la música en directo a más personas, la Sinfónica de Tenerife ha creado nuevas modalidades de abonos de 10, 4 y 3 conciertos, que se suman al tradicional Abono de Temporada y al Abono de Bienvenida. Además, entre las novedades de esta temporada es significativo el compromiso de la formación musical del Cabildo por los jóvenes, que se traduce en ofrecer la oportunidad de disfrutar de la temporada completa de conciertos a un precio único de 20 euros a los menores de 27 años. Asimismo, los mayores de 65 años con rentas reducidas tendrán un descuento del 70%. Todos los abonos, plazos, ventajas y precios especiales de las entradas pueden consultarse en las web:

www.sinfonicadetenerife.es

www.auditoriodetenerife.com

Además de los 19 conciertos de temporada, la actividad de la Sinfónica de Tenerife se completa con un amplio catálogo de conciertos en aras de aproximar la música sinfónica a la población de toda la Isla. A su presencia en Ópera de Tenerife, Festival de Música de Canarias, Fimucité o Festival de Música Contemporánea, la orquesta suma conciertos didácticos para público infantil y familiar, programas extraordinarios, el de Navidad, de la mano de la Autoridad Portuaria, los que conforman el Ciclo de Cámara de Tenerife y su ya habitual presencia en los hospitales y centros sociosanitarios, lo que hace que la formación tinerfeña cuente con más de un centenar de actividades a lo largo del año. 

por Blanca Gallego 

Foto: Bajo el lema “Yo Soy Sinfónica”, la nueva temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife promete emociones fuertes.
Crédito: © Igor Studio 

Yuri Pochekin, luthier

Yuri Pochekin, luthier

Publicado: Julio-Agosto 2018
70 años moldeando sonidos

Estimado señor Pochekin, ante todo le felicitamos el día de su 70 aniversario. Y hablando de su arte, ¿qué ha sido lo más importante para usted en todos estos años?

¡Muchas gracias! Lo primero, siendo luthier, es la obra de toda mi vida; no podría vivir de otra manera. Hablando de mi trabajo, claro que siempre me ha gustado crear nuevos instrumentos. En todos estos años he hecho más de 300 violines, violas y violonchelos. Con mucho gusto he restaurado los antiguos instrumentos italianos, incluyendo los exquisitos ejemplos de Stradivari, Guarneri, Guadagnini y muchos otros. Sin duda, para mí las cualidades sonoras siempre han sido lo principal, del mismo modo con los antiguos instrumentos que con los míos propios.

¿Cómo llegó a esta profesión?

Comencé a tocar el violín a los 5 años y luego hice mis estudios de música en la Academia Musical de Gnesin en Moscú. A los 13 y 14 años me aficioné de verdad al arte de luthier. Me fascinaba todo sobre el tema, como la estructura, forma, sonido, etc. A los 17 años, aproximadamente, empecé con pequeñas restauraciones de violines, encerdando los arcos, y pronto ya hice mi primer violín. Y ahora resulta que llevo más de 50 años en la profesión... Supongo que fue difícil para mí cuando decidí dejar de tocar y me dediqué al arte de luthier. Pero me siento muy feliz que fuera así. Y el hecho de que tocara el violín por muchos años, me ha ayudado mucho en mi trabajo acústico con los instrumentos y me ha permitido y me permite escuchar el sonido de una forma particular.

Estudiaba con los más famosos luthiers de segunda mitad del siglo 20, cuéntenos un poco sobre ellos…

En verdad me siento muy afortunado de haber tenido maestros así. Tras ganar el Concurso Nacional de Luthiers de la Unión Soviética en 1974, fui a estudiar a Cremona al “Istituto di Istruzione Superiore Antonio Stradivari”, donde mis maestros fueron Francesco Bissolotti y Gio Batta Morassi. En 1980 fui a Praga para trabajar con Premysl Spidlen en su taller. Todos los maestros eran diferentes y cada uno tenía su propia forma artística. Pero había una cosa en común para todos ellos, su fidelidad fanática al arte y su amor por los violines. 

Entre los músicos con los que ha trabajado, había gente extraordinaria. ¿Entre ellos, quién le impresionó profundamente?

Entre los primeros músicos que me confiaron sus instrumentos, estaban los miembros del legendario Cuarteto Borodin y el violinista Boris Goldstein. En aquel entonces, para un joven luthier como yo, poder trabajar con maestros de ese nivel significaba mucho apoyo y era una experiencia increíble. Posteriormente hicimos amigos artísticos con muchos músicos. En general, me siento muy feliz de haber podido trabajar en Moscú en los años 70 y 80. Fue la temporada del gran apogeo de la escuela rusa. Yo cuidaba durante muchos años los instrumentos de Daniil Shafran, Mikhail Kopelman, Nelli Shkolnikova o Liana Issakadze. También estábamos en contacto constante con los legendarios profesores Yuri Yankelevich, Boris Belenkiy y Zakhar Bron. Cada uno tenía diferentes personalidades y pudimos establecer un contacto creativo muy especial. Por ejemplo, una etapa importante en mi trabajo fue la cooperación con la Colección Estatal de Instrumentos Únicos en Moscú. También trabajé durante varios años con el Teatro Mariinsky y su director artístico Valery Gergiev. Tienen una colección exclusiva de instrumentos italianos antiguos.

En los últimos 20 años vive y trabaja en Madrid. ¿Qué le parece España?

Me mudé a España en 1998. Un año después participé en el Concurso Nacional de Lutheria de José Contreras en Sevilla, donde mi violín y viola ganaron el Primer Premio y la Medalla de Oro, marcando un periodo importante de mi vida española. Si le digo la verdad, yo disfruto trabajando en Madrid. Buen clima y el sol son indispensables para poder crear nuevos instrumentos y aquí, como se puede comprobar, ambos elementos están de sobra durante casi todo el año. También he establecido excelentes relaciones con muchos músicos en España. En Madrid, por ejemplo, tengo buenas amistades con la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Es una escuela maravillosa, donde trabajan los mejores maestros del mundo.

Curiosamente, sus hijos Iván y Mikhail, famosos violinistas que siempre tocan los instrumentos que usted hace, son los primeros probadores de sus creaciones….

Si le digo la verdad, siempre he querido que mis hijos tocasen el violín. Incluso hice ocho pequeños instrumentos con las formas y dimensiones apropiadas para ellos. Es decir; estas formas permitían que cuando el niño creciera, cambiara el violín por uno más grande y no apreciara la diferencia. Ahora, mis hijos ya son mayores. Tienen 31 y 28 años, respectivamente. Cuando interpretan como solistas con una gran orquesta sinfónica tocando los instrumentos que he hecho, siempre me provoca una gran satisfacción…

Yuri Pochekin (Luthier)
Contacto:
yuri_pochekin@mail.ru

www.pochekin.com

por Lucas Quirós 

Foto: Afincado en Madrid desde 1998, Yuri Pochekin es uno de los más prestigiosos luthiers del mundo.
Fotografía de Kirill Bashkirov

 

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