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Música Viva - Últimas Noticias
RITMO de mayo. Lucía Martín, Fabio Biondi, Klaus Heymann, Lipatti, Bernstein...

RITMO de mayo. Lucía Martín, Fabio Biondi, Klaus Heymann, Lipatti, Bernstein...

La revista RITMO de mayo de 2017, en su número 907 (#Ritmo907), en cuya editorial del mes, “Educación musical”, analiza en la nueva situación política española, que precisa de pactos entre las distintas fuerzas legislativas, lo que debería comportar una mayor sensibilidad cultural y social en las propuestas y decisiones de nuestros políticos respecto al futuro de la educación, presenta en portada a la directora Lucía Marín, un talento para la batuta que acaba de dirigir con éxito a la JORCAM. Igualmente entrevistamos a Fabio Biondi, violinista y director que hará un programa Vivaldi para el CNDM, y a Klaus Heymann, el visionario fundador y presidente del grupo Naxos, con ocasión de los 30 años del sello. Profundizamos en contenidos como Zoltán Kodály y el compositor Franz Schreker.

En nuestra sección de crítica, incluimos tres secciones: conciertos, con la actualidad nacional e internacional; ópera, desde los coliseos más importantes del mundo y españoles; y crítica de discos, en pequeño y amplio formato, además de un homenaje al centenario de Dinu Lipatti. Nuestros discos recomendados del mes vienen capitaneados por la edición dedicada a Leonard Bernstein, “The Composer”. Todos estos contenidos, además de reportajes y pequeñas entrevistas, secciones de opinión en “La gran Ilusión”, “Mesa para 4” y la tribuna libre, firmada por Ana Vega Toscano, y la sección especial dedicada a Twitter, todo, firmado por prestigiosos críticos nacionales e internacionales, forma parte del completo número primaveral de mayo de RITMO.

www.ritmo.es

El Teatro Arriaga produce y lleva a escena un montaje actual y espectacular de L’Orfeo

El Teatro Arriaga produce y lleva a escena un montaje actual y espectacular de L’Orfeo

La dirección escénica es de Barbora Horáková Joly, una de las directoras jóvenes más importantes de Europa, nominada al premio de Mejor Directora en el prestigioso Ring Award.

Bajo la dirección musical de Karel Valter, destacan las voces de Jonathan McGovern, Marysol Schalit y José Manuel Zapata, acompañados por Alicia Amo, Ismael Arroniz, Anna Alàs i Jové y José Manuel Díaz.

La impactante escenografía de Eva Maria Van-Acker, las proyecciones dibujadas en vivo del artista Hervé Thiot, y la música electrónica de Janiv Oron sitúan en el siglo XXI a un L’Orfeo que realza la obra de Monteverdi.

Merecen mención las coreografías de Adrian Boissonet, la delicia vocal del coro San Juan Bautista Abesbatza, dirigido por Basilio Astúlez, y la energía de la Orquesta Barroca de Sevilla.

El viernes 5 y el sábado 6 de mayo tendrán lugar las dos representaciones, ambas a las 20:00.

El Teatro Arriaga ya trabaja denodadamente en su gran producción propia de la presente temporada, que llevará a escena L’Orfeo, la gran pieza del compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643), considerada la primera ópera de la historia. Este nuevo espectáculo, el más importante de los que el Teatro Arriaga ha impulsado este año coincidiendo con el 450 aniversario del nacimiento de Monteverdi, se estrenará los días 5 y 6 de mayo (viernes y sábado) en el Teatro Arriaga, con sendas funciones que darán comienzo a las 20:00 horas. El público podrá disfrutar de una gran ópera con una música maravillosa, sin duda, gracias a sus siete voces solistas, un coro, una orquesta y hasta evocadores matices de música electrónica en algunos pasajes, pero L’Orfeo será mucho más, puesto que el espectáculo está escenificado y coreografiado e incluso cuenta con una performance de creación audiovisual en directo. Todo ello, por si fuera poco, se desarrolla en el marco de una escenografía impactante, de manera que el resultado es una producción espectacular.

L’Orfeo, con dramaturgia de Ludovic Allenspach, está dirigido por la brillante directora checa (pero afincada en Suiza) Barbora Horáková Joly, una de las más pujantes directoras jóvenes de Europa, como demuestra el hecho de que en este preciso instante opte al máximo galardón en el prestigioso Ring Award, la competición internacional que premia, por parejas, a los mejores directores de escena jóvenes de teatro musical. Horáková Joly opta a este premio, que se decidirá a finales de junio, formando equipo de dirección con Cornelia Schmidt, y juntas compiten con otras dos parejas de directores que han llegado a la final en un certamen al que se presentaron más de 300 directores de escena. Hablamos, pues, de una directora en boga y Calixto Bieito (con quien Horáková Joly ha colaborado en varios proyectos) ha confiado a ella la tarea de pilotar la primera gran producción del Teatro Arriaga desde que asumió su dirección artística.

Obviamente, toda la puesta en escena de L’Orfeo pivotará alrededor de la maravillosa música de Monteverdi. La dirección musical de este montaje corre a cargo del también checo Karel Valter, cuya batuta, firme y apasionada, ha sido guía para numerosos artistas y orquestas en toda clase de producciones musicales, desde pequeños ensembles a grandes óperas.

El espectáculo cuenta con intérpretes locales e internacionales. Destacan, por su papel de solistas, los siete cantantes principales de la obra, entre quienes merecen mención especial Jonathan McGovern, barítono inglés que interpreta el papel de Orfeo, gran protagonista, y la soprano suiza afincada en Alemania Marysol Schalit, cuya voz y expresividad da vida a los papeles de La Musica, Speranza y Ninfa. También tiene un peso específico en la obra el tenor José Manuel Zapata, ejerciendo de Apollo. Junto a ellos, y con una importancia simbólica alta porque interpreta a Eurídice, personaje clave en la historia que se relata, actúa la soprano burgalesa (afincada en Álava) Alicia Amo. El magnífico y plural elenco vocal lo completan el bajo leonés Ismael Arroniz en la piel de Caronte, la mezzosoprano catalana Anna Alàs y Jové, a quien pudimos disfrutar recientemente en el Arriaga en otro montaje “monteverdiano”, el de Combattimento, y que en L’Orfeo cumple los roles de Proserpina y Messagiera, y el barítono vasco José Manuel Díaz, como Plutone.

Asimismo, la fuerza de la composición de Monteverdi encuentra otros aliados en esta nueva producción. El coro de chicos y chicas jóvenes San Juan Bautista Abesbatza – SJB, dirigido por Basilio Astúlez, ofrecerá momentos vocales deliciosos y ágiles escenas coreografiadas, gracias a un trepidante trabajo corporal realizado con el coreógrafo francés Adrien Boissonet, quien se ha encargado de diseñar el movimiento escénico de los artistas y los pasajes de danza del espectáculo. Además, la Orquesta Barroca de Sevilla pondrá su calidad e intensidad interpretativa al servicio de L’Orfeo, dotando al conjunto de mayor fuerza si cabe.

Grandiosa puesta en escena

La escenografía diseñada por Eva-Maria Van Acker (también se ha encargado del vestuario) llamará poderosamente la atención del público. Utilizando un enorme andamiaje y elementos como el agua y la tierra, la artista belga ha creado un escenario grandioso, oscuro, de aspecto algo gótico y de carácter apocalíptico, que penetra hacia el patio de butacas y refleja con exuberancia una imagen de ruina y devastación, acorde con lo que transmite por momentos la propia pieza de Monteverdi, con esos cantos que exhiben la más profunda emoción humana, manifestada de múltiples maneras durante la lucha de un hombre, Orfeo, enfrentándose a un enemigo al que nadie podemos vencer: la muerte.

Como inspiración estética y visual, la directora, Barbora Horáková Joly, ha tomado como referencia la guerra de Bosnia, recordando a una amiga suya que huyó de aquel conflicto, y en general el concepto mismo de la Guerra, para crear una ciudad bombardeada y derruida, como marco de la desesperación entre la que se ha de abrir paso la música, que nos alivia y nos reconforta, cuando nada parece tener sentido en la vida. Porque los protagonistas de L’Orfeo, como los pueblos afectados por las guerras, siempre se han apoyado en el canto y en la música para alimentar la esperanza y para estar unidos, encontrando ese momento de felicidad entre la oscuridad y la barbarie. La música es a la guerra lo que Euridice a Orfeo: ese breve instante de felicidad. El montaje también reivindica, en cierta forma, la cultura y el arte como herramientas para la reconstrucción.

Otro aspecto a destacar de la puesta en escena es la iluminación, y es que los juegos de luces diseñados por Michael Bauer contribuyen decisivamente a la construcción de los espacios y especialmente de los ambientes.

Nuevos lenguajes para L’Orfeo

El compositor de música electrónica Janiv Oron, conocido en la escena internacional de la música electrónica como excelente DJ y también por ser miembro de la formación Goldfinger Brothers, aportará durante las funciones un colchón sonoro al espectáculo, si bien su utilización no responde a ninguna pretensión de incluir música nueva en la pieza, sino a la de utilizar otro lenguaje para expresar, en un estilo más actual y propio de nuestra generación, las mismas emociones que transmitió Monteverdi, un autor ya de por sí siempre contemporáneo, no en vano fue un adelantado a su época. En este sentido, es preciso recalcar que el espíritu del L’Orfeo original se mantiene en todo momento y esta ópera es una oportunidad inmejorable para descubrir al propio Monteverdi y la belleza de su música.

Otro gran artista que brindará en vivo su arte para este L’Orfeo es Hervé Thiot. Apreciado por sus performances en las que mezcla distintas disciplinas artísticas, esta vez materializará su creatividad a través de dibujos en directo desde un iPad que serán proyectados sobre unas pantallas que habrá en el escenario. De esta forma, durante cada representación, las imágenes creadas y proyectadas por Thiot reforzarán los sentimientos que se expresan o sugieren en la acción de la propia ópera.

Otro elemento novedoso que ha introducido Horáková en este montaje es la utilización en algún momento de spoken word, es decir, de recitado, con algunos guiños al euskera y al castellano. Hay que recordar que la ópera L’Orfeo se interpreta mayormente en italiano, con sobretítulos en castellano y euskera.

Acerca de L’Orfeo

Orfeo es el símbolo por excelencia de la condición artística, que brinda esperanza y coraje a las almas heridas. Al abrigo de una favola in musica, esta obra maestra del nuevo género que nace, la ópera, no solo nos habla del mito de Orfeo que pierde a Eurídice después de salvarla del infierno, sino que también expresa el poder mágico de la música por su capacidad para llenar de paz y elevar el mundo que nos rodea.

El poeta, músico y profeta pelea contra la debilidad, en un mundo oscurecido, constantemente amenazado por la muerte. Intenta el imposible de dar la vuelta a la única certeza de la humanidad, que es la frontera invencible entre la vida y la muerte. En su inframundo, Orfeo trata de enfrentarse a sus miedos, creyendo que luchando puede recuperar a su difunta Eurídice, que representa su breve instante de felicidad. El principio parece liberador, pero el camino por el inframundo devuelve a Orfeo sus miedos y su solitaria existencia como artista que afronta la condición humana.

Sobre Monteverdi

Claudio Giovanni Monteverdi (Cremona, 1567 – Venecia 1643) es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Compuso la que se considera como la primera ópera de la historia, L’Orfeo, sobre un poema de Alessandro Striggio para los carnavales en Mantua. Fue estrenada en la Accademia degl’Invaghiti, en Mantua, en febrero de 1607, y el 24 de febrero del mismo año en el Teatro de la corte de Mantua. Este genio de la música obtuvo un resultado sonoro exquisito combinando a la perfección en sus composiciones armonías y disonancias.

L’ORFEO GAZTEA

Con motivo de esta nueva producción de L’Orfeo, el Teatro Arriaga va a desarrollar una iniciativa, denominada “L’Orfeo gaztea”, que pretende acercar la ópera al público joven y a la vez alimentar la interactividad entre el propio Teatro Arriaga y la juventud, permitiendo el acceso gratuito al Ensayo General del día 3 de mayo a las 20:00 a todas las personas menores de 30 años que sigan al Arriaga en Facebook. Por tanto, quien desee aprovechar esta oportunidad única de disfrutar de un gran espectáculo solamente tendrá que cumplir esos dos requisitos: ser menor de 30 años y ser o hacerse fan del Teatro Arriaga en Facebook.

Para conseguir la entrada gratuita (se dará una por persona), quien tenga interés deberá acercarse a las taquillas o a la Oficina de Información del teatro, mostrar el DNI y acreditar que sigue al Teatro Arriaga en las redes sociales. Se entregarán todas las entradas disponibles hasta agotar el aforo.

ENTRADAS

  • De 15 a 54 euros
  • A la venta en www.teatroarriaga.com, a través del teléfono 946 850 850 o en las taquillas del teatro en horario de venta anticipada.


L’Orfeo
de Claudio Monteverdi (1567-1643) 

Dirección Musical · Karel Valter
Dirección de escena · Barbora Horáková Joly
Escenografía y figurinista · Eva-Maria Van Acker
Coreógrafo · Adrien Boissonet
Iluminador · Michael Bauer
Compositor e intérprete musical · Janiv Oron
Artista performance · Hervé Thiot
Dramaturgia · Ludovic Allenspach
Asistente dirección · Lucía Astigarraga
Asistente escenografía · Cristian Magallanes
Coro · San Juan Bautista-SJB
Director coro · Basilio Astúlez
Orquesta · Orquesta Barroca de Sevilla
Director artístico orquesta · Pedro Gandía Martín
Maestro repetidor · Carlos Imaz 

Intérpretes ·

JONATHAN McGOVERN - Orfeo
MARYSOL SCHALIT - La Musica, Speranza, Ninfa, Pastor
JOSÉ MANUEL ZAPATA - Apollo, Pastor
ALICIA AMO -  Euridice
ISMAEL ARRONIZ -  Caronte, Pastor
ANNA ALÀS I JOVÉ - Proserpina, Messagiera
JOSÉ MANUEL DÍAZ – Plutone, pastor 

www.teatroarriaga.com 

Foto: Marysol Schalit encarna a La Musica, Speranza, Ninfa y Pastor.

Mujeres en Música, M en M, diálogos de creación entre Estados Unidos y España

Mujeres en Música, M en M, diálogos de creación entre Estados Unidos y España

Se trata de un proyecto de colaboración respaldado por la New York Women Composers, Inc. (Estados Unidos) y la Asociación de Mujeres en la Música (España), cuyos objetivos son:

Crear un puente cultural entre ambas asociaciones mediante el diálogo y el fomento de las relaciones profesionales

Crear y desarrollar una plataforma para el intercambio de ideas y estrategias entre compositoras de uno y otro país

Crear oportunidades para promover nuevas obras musicales de mujeres compositoras de Estados Unidos y España y presentarlas al público

Ayudar a crear nuevas audiencias para estas obras tanto en Estados Unidos como en España.

Para ello, en esta primera edición, M en M presentará dos conciertos, uno en Madrid y otro en Nueva York en los próximos meses. El 25 de mayo tendrá lugar el primero de ellos, en el Paraninfo del Instituto Internacional, sede del American Space Madrid* [calle Miguel Ángel 8], a las 7.00 p.m., que llevará por título:

Evocación de Cervantes 

En este concierto se escucharán obras de compositoras actuales, tanto españolas como norteamericanas, a las que se solicitaron obras en torno a las figuras de Cervantes y Shakespeare, con motivo del 500 aniversario celebrado el año pasado. El concierto será interpretado por la mezzo soprano Anna Tonna y la pianista Isabel Pérez Dobarro, ganadoras del Premio 2016 Seed Grant otorgado por la New York Women Composers para la realización de este proyecto, con la mezzo soprano invitada Nan-Maro Babakhanian y las flautistas Marta Femenía Gala Kossakovsky. **

El concierto estará precedido por una mesa redonda, a las 6.30 p.m. presidida por Marta Espinós, pianista y gestora cultural, representante de la Asociación de Mujeres en la Música, quien se encargará de moderar la charla, en la que participarán Anna Tonna, cantante, Isabel Pérez Dobarro, pianista, y Nan-Maro Babakhanian, cantante. En la mesa redonda se hablará sobre 

  • la situación de la composición musical actual y el papel de las mujeres compositoras en ella
  • a visibilidad de las mujeres creadoras en la sociedad actual y  el desarrollo de las relaciones entre asociaciones de diversos países encaminadas a fomentar el diálogo y la colaboración con el objetivo último de conseguir una mayor presencia del papel de la mujer en todos los ámbitos de la sociedad. 


Tras la mesa redonda y la finalización del concierto se ofrecerá un vino español a los asistentes.  

La entrada para la mesa redonda y el concierto será gratuita, previa reserva en este correo: info@iies.es  Contacto: Laura Turner. 

El acto está patrocinado por American Space Madrid, International Institute in Spain, U.S. Embassy Madrid, y las asociaciones New York Women Composers, Inc. (Estados Unidos) y la Asociación de Mujeres en la Música (España). 

*El American Space Madrid es la plataforma de difusión cultural del Instituto Internacional (International Institute in Spain) situado en el histórico edificio de la calle Miguel Ángel, institución que en los primeros años del siglo XX mantuvo una estrecha relación con la institución Libre de Enseñanza, ya que fue sede de la Residencia de Señoritas de la Residencia de Estudiantes, del Instituto-Escuela colaborador de la Junta de Ampliación de Estudios, y lugar donde se fundó en 1926 el Lyceum Club, que agrupaba a mujeres intelectuales y profesionales de Madrid. Fiel a su origen fundacional, el Instituto mantiene su compromiso de difundir la contribución de las mujeres en todos los ámbitos de la vida pública. 

**En el concierto también se interpretará una pieza de Marga Richter  en homenaje al Memorial Day (Día de los Caídos) festividad que se celebra en EEUU el 29 de mayo en recuerdo de los soldados estadounidenses fallecidos en combate. 

Foto: la pianista Isabel Pérez Dobarro 

 

Crítica - Con cierto desconcierto

Crítica - Con cierto desconcierto

Orquesta Sinfónica de Euskadi

Me consta que no es nada original la expresión que se utiliza a modo de título pero el planteamiento del concierto de abono de la Sinfónica de Euskadi en la sede de Vitoria ha sido cuando menos sorprendente. Mientras en el resto de las capitales la primera parte la ocupaba la Suite de El pájaro de fuero, de Igor Stravinsky en el caso de la capital alavesa la ocupaban cuatro breves obras sacras de Vicente Goikoetxea, compositor natural de la ciudad y al que se quería homenajear con este concierto. La pena es que el centenario del compositor fue en 2016 y la OSE parece llegar unos meses tarde al recuerdo.

Y se me ocurre pensar que ya que se quería homenajear a un compositor vasco, ¿no hubiera sido más lógico llevar las obras de Goikoetxea por las cuatro capitales? Lo mismo se ha hecho con otros compositores con absoluta naturalidad. ¿No es la música de Goikoetxea digna de ocupar los atriles en Bilbao, Donostia y Pamplona? Y si se quiere homenajear a Goikoetxea, ¿no hay obras orquestales del compositor sin tener que recurrir a arreglos de obras sacras?

Si a esto añadimos que la parte coral, fundamental, la abordan una sesentena de coralistas de cuatro formaciones vitorianas distintas reunidos ad hoc para el concierto las consecuencias pueden ser las que vivimos en el concierto: falta de empaste, problemas de afinación, desequilibrio entre las cuerdas y, en consecuencia, una sensación agridulce al final de los breves veinte minutos de las cuatro obras sacras elegidas. El bis fue casi impuesto por un director, que pareció no creerse nunca el proyecto.

Teniendo en cuenta que la segunda parte del concierto la ocupaba una amplia selección de la ópera Gernika, de Francisco Escudero, el desasosiego aumenta. ¿Cabe mayor desequilibrio en el planteamiento del concierto? Además, hubo de utilizarse una nueva masa coral, la Sociedad Coral de Bilbao para esta parte, lo que no habla bien de la buena gestión de los recursos.

De Gernika se ofrecieron cuatro escenas que ocupaban casi una hora y uno se sigue haciendo preguntas: ¿no hubiera sido más conveniente ofrecer en solitario la obra completa, más teniendo en cuenta el 80º aniversario del bombardeo de la villa vizcaína? Después de la grabación que misma orquesta, coro y director hicieron en 2008 estábamos ante una oportunidad única de volver a escuchar esta obra tan ambiciosa. Al menos en este caso pudimos disfrutar de una interpretación creíble y sentida de la soprano Carmen Solís, la mejor voz con diferencia, que aportó además una más que correcta pronunciación del euskera.

El resto de voces, masculinas todas ellas cumplieron con holgura su cometido, siendo Federico Gallar un pérfido Podio, militar castellano autor de la muerte de la joven Gernika , interpretando Fernando Latorre con autoridad al abuelo de la villa vasca y Miguel Ángel Arias un excesivo rey de Castilla, con algún problema en la afinación. Gustavo Peña tiene un centro bello pero en la parte aguda mostró problemas evidentes que comprometieron su interpretación.

El grupo coral, que casi actúa más que canta estuvo a la altura y José Ramón Encinar se volcó en una partitura que reivindicó al final del concierto, levantándola ante un público vitoriano (¡oh, sorpresa!) frío como un témpano.

Enrique Bert

Teatro Principal, de Vitoria-Gasteiz. Gasteizko Abesbatza, Sociedad Coral de Bilbao y Orquesta Sinfónica de Euskadi. Obras de V. Goikoetxea y F. Escudero. Dirección musical: José Ramón Encinar.

Foto: José Ramón Encinar.

 

Crítica - Orquestra Camera Musicae & Sabine Meyer

Crítica - Orquestra Camera Musicae & Sabine Meyer

Tarragona & Madrid

Meyer sabe transmitir su optimismo y entusiasmo ante una obra tan deliciosamente profunda y emotiva como es el “Concierto para Clarinete” Kv. 622 de Mozart. 

Con una interpretación tan soberbia como eficaz, una perfección expresiva sin caer en otras tentaciones que no sean la de expresar los sentimientos que el genio de Salzburgo nos transmite con su legado. Un perfecto fraseado colorista, que resulta más efectivo dado el “clarinete di basetto” presentado por la solista. Con ello le permitió llegar aún más fácilmente a los agudos y graves, destacando esta obra maestra escrita para el amigo y cofrade masón de Mozart, Anton Stadler dos meses antes de la muerte del primero. Siempre sale la incógnita de como una persona, sabiéndose en sus últimas horas puede sacar tal serenidad, fluidez y gracia de su interior. Meyer nos lega ese perfecto equilibrio entre el clasicismo y romanticismo, la geometría y la tempestad, la razón y los sentimientos. De los impresionantes gestos virtuosos del primer y último movimiento perfectamente ejecutados, pasamos al contraste de soledad interior del adagio, toda una corriente de melancolía con un tono suave pero no abrumador que sacan toda la belleza expresiva que tal obra necesita. Una verdadera complicidad entre solista y director sacando un máximo rendimiento. 

Y es que al finalizar todo amante, tanto de la música como de la literatura y el cine, no puede dejar de pensar esa frase que no legara la escritora Karen Blixen: “Yo tenía una granja en África, al pie de las colinas del Ngong…”

La segunda parte estuvo presidida de nuevo por este tándem de amor/ comprensión entre Grau y Tchaikovsky. En este caso la “Serenata para Cuerdas” op. 48. En 1880, entre un periodo de estabilidad emocional, escribió el compositor ruso esta deliciosa obra. Con una compacta sección de cuerdas, Grau supo dar toda la expresividad con que la partitura conmueve a los melómanos con la melancólica belleza de sus melodías, que emociona por su romanticismo inspirándose en las que Mozart compuso anteriormente. Las cuerdas expresaron su gran intensidad en toda su emotividad y sabor autóctono ruso del último movimiento, la nostalgia de la Elegía, la calma del primer movimiento en forma de sonata, la belleza casi insoportable de sus frases líricas casi sin alegría del vals, de un alma comunicativa, elegante y evocadora, apasionada y profunda…

Una exquisita velada musical en una maratón de cuatro conciertos que acabó el lunes, 24 de abril, en Madrid, como en la siguiente crítica nos relata María Parra

Luis Suárez

Vini-Vidi-Vinci

La Orquestra Camera Música OCM, proveniente de Tarragona, se presentaba este lunes en Madrid en el Auditorio Nacional (dónde lo hiciera dos años atrás con la pianista Judith Jáuregui), esta vez con la legendaria clarinetista alemana Sabine Meyer y como colofón final a una intensa maratón de 4 días que les ha llevado por  los escenarios catalanes del Auditori Josep Carreras de Vilaseca, Teatre Tarragona y Palau de la Música de Barcelona.

Programa integrado en la primera parte, por el Concierto para Clarinete y Orquesta de Mozart en La M, KV 622, partitura que acompaña desde hace tiempo y que domina a la perfección Meyer y que ha tenido la ocasión de redescubrir, en esta ocasión, bajo la batuta y visión de Tomàs Grau, director titular de la OCM. Pulcritud, entusiasmo y entrega fue la premisa de esta solista de lujo que optó por el « clarinete di basseto » para abordar la que es considerada como « La Obra » por antonomasia del repertorio para clarinete y  que fue arropada por una orquesta atenta y equilibrada. El Adagio, de una belleza sublime, encontró momentos de lirismo y diálogo con una cuerda que arriesgó en todo momento sin perder un ápice de intensidad y claridad.

En la segunda parte la OCM ofreció la « Serenata para orquesta de cuerdas » en Do M, op.48 de Chaikovski, uno de sus compositores fetiches, especialidad de la casa. Sorprendió el trabajo compacto en todas y cada una de las secciones de la cuerda. Intensidad y expresividad a partes iguales, con diálogos equilibrados. Los pianíssimos sorprendieron por lo cristalinos, siempre al límite, pero desbordando emoción y manifestando el espíritu atormentado del compositor ruso en ese momento.

Ante un público entregado y atento, que ocupó la casi totalidad de la platea, ofrecieron como bis, en la primera parte, el quinteto de Mozart con clarinete y en la segunda parte un emocionado « Cant dels Ocells ».

Impresionante trabajo la de esta Orquesta y su fundador, director artístico y titular, Tomàs Grau, formación que cumplió el año pasado 10 años de andadura y de consolidación en el panorama musical español, mostrando un trabajo concienzudo y de excelencia y que se ha ido ganando la confianza de solistas de talla internacional, afianzando una programación sólida y estable en su ciudad de origen, Tarragona así como en el Palau de la Música de Barcelona.

ORQUESTRA CAMERA MUSICAE & SABINE MEYER.
Dirección de TOMÀS GRAU.
Teatre de Tarragona & Auditorio Nacional de Madrid.
Obras de Mozart y Chaikovski. 

María Parra 

Foto: Orquestra Camera Musicae & Sabine Meyer.

 

XXXV Temporada D’Òpera a Sabadell y XXIX Cicle Òpera a Catalunya presentan Carmen de Bizet

XXXV Temporada D’Òpera a Sabadell y XXIX Cicle Òpera a Catalunya presentan Carmen de Bizet

Teatre La Faràndula de Sabadell
Miércoles 3 de mayo, 21 h - Viernes 5 de mayo, 21 h – Domingo 7 de mayo, 18 h 

Gira:

10 de mayo MANRESA, Teatre Kursaal - 12 de mayo SANT CUGAT DEL VALLÈS, Teatre - Auditori

14 de mayo GRANOLLERS, Teatre Auditori  - 16 de mayo REUS, Teatre Fortuny

19 de mayo VILADECANS, Atrium - 21 de mayo VIC, Teatre L’Atlàntida

24 de mayo GIRONA, Teatre Municipal - 26 de mayo, Teatre Tarragona                                                                   

LAURA VILA Carmen
ENRIQUE FERRER Don José
MAITE ALBEROLA Micaëla
TONI MARSOL Escamillo
JUAN CARLOS ESTEVE Zúñiga
ALBERT CABERO Morales
BEATRÍZ JIMÉNEZ Frasquita
ASSUMPTA CUMÍ Mercedes
JORDI CASANOVA Remendado
JOAN GARCIA GOMÀ Dancairo
Director de orquesta SANTIAGO SERRATE
Director del coro DANIEL GIL DE TEJADA
Director de escena CARLES ORTIZ
Asistente de escena ANNA PONCES
Diseño de escenografía JORDI GALOBART
Iluminación NANI VALLS
Vestuario AAOS
COR AMICS DE L´ÒPERA DE SABADELL
CORAL DE L’AGRUPACIÓ PEDAGÒGICA DE SANT NICOLAU. Directores: Laura Obradors y Francesc Membrives
ORQUESTRA SIMFÓNICA DEL VALLÈS
Concertino Teimuraz Janikashvili 

Ópera en 4 actos (sobre titulada en catalán).
Texto de Giuseppe Henry Meilhac y Lidovic Halévy, basado en la novela de Prosper Merimée.
Estrenada en la Òpera-Comique de París, el 3 de marzo de 1876.
Bizet murió tres meses después del estreno en París, sin una buena acogida y no pudo ver el estreno en Viena, ni gozar ahora sí, del gran éxito en todo el mundo de su última ópera. 

Producción y organización:
Associació d’Amics de l’Òpera de Sabadell per Òpera a Catalunya   

Associació d'Amics de l'Òpera de Sabadell   
Plaça Sant Roc, 22, 2n-1a • E-08201 SABADELL (Barcelona)
Tels. (34) 93 725 67 34 - (34) 93 726 46 17 • Fax (34) 93 727 53 21

www.aaos.info 

Foto: Cartel de Carmen. 

El Grupo Talía concluye la celebración de sus 20 años y su VI temporada con “Del 20 al 21”

El Grupo Talía concluye la celebración de sus 20 años y su VI temporada con “Del 20 al 21”

Urbana, extrovertida, mágica, espiritual: música de autores del siglo XX y XXI como Bernstein, Shostakóvich o Stravinski en el último concierto de la VI temporada del Grupo Concertante Talía (GCT) en el Auditorio Nacional. La cita es el 27 de mayo a las 22:30 en la Sala Sinfónica. Orquesta Metropolitana de Madrid y Coro Talía, dirigidos por Silvia Sanz Torre, ofrecen un animado programa titulado Del 20 al 21, no solo por la música que lo integra, sino también por los 20 años del GCT, una celebración que se inició en la pasada temporada bajo el lema #VeinteConLaMúsica y concluye cuando el Grupo Talía ha cumplido ya 21 años.

El programa gustará a todo tipo de público, incluso al que no esté muy habituado a acudir las salas de conciertos: el musical On the town de Bernstein; la famosa Suite de jazz nº 2 de Shostakovich con el tono ligero y popular del music hall y el cabaret; El pájaro de fuego, primer gran éxito de Stravinski; y, para concluir, el rítmico Gloria de John Rutter, músico inglés todavía en activo y uno de los compositores más conocidos y prolíficos de música coral de hoy en día.

Las entradas, con precios de 10 a 25 € ya están a la venta en www.entradasinaem.es y en www.grupotalia.org.

Un día en Nueva York

Leonard Bernstein (1918-1990) fue el primer director nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial. Entre sus obras más populares, además de West side story o Candide, se encuentra On the town que nos cuenta la historia de tres marineros que pasan un día en la ciudad de Nueva York. La Orquesta Metropolitana de Madrid interpretará la suite extraída del musical, conocido también como Un día en Nueva York, que se estrenó en Broadway en 1944. En 1949 fue llevado al cine protagonizado por Gene Kelly, Frank Sinatra y Jules Munshin y la partitura consiguió un Óscar.

La música más popular de Shostakóvich

El músico ruso Dmitri Shostakóvich (1906-1975) fue uno de los compositores más importantes del siglo XX. La primera curiosidad respecto Suite de jazz nº 2, una de sus obras más populares, es que su nombre correcto es Suite para una orquesta de variedades. El error se descubrió en 1999 cuando se encontró una partitura con otra música diferente que era en realidad la Suite de jazz. Sin embargo la música más conocida de Shostakóvich permanece asociada al título equivocado, especialmente su pieza más popular, el Vals nº 2. En esta suite incluyó piezas procedentes de obras anteriores, fundamentalmente de su música para cine. El Vals nº 2 pertenece a la banda sonora de la película de Kalatózov El primer escalón (1955). Décadas después, en 1999, se popularizó todavía más al incluirse en la película Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick.

El ballet que hizo famoso a Stravinski

Ígor Stravinski (1882-1971) tenía 28 años cuando en 1910 estrenó en París el ballet El pájaro de fuego. Esta obra, basada en cuentos populares rusos, le dio fama internacional y fue fundamental para la configuración del estilo y del nuevo lenguaje musical del siglo XX. La música fue estrenada con los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev y fue la primera de sus producciones con música especialmente compuesta para ellos. En la suite se alternan pasajes con ritmos seductores y potentes con otros poéticos y descriptivos.

Un Gloria con mucho ritmo

Finalmente, el Coro Talía se unirá a la Orquesta Metropolitana de Madrid para interpretar una de las obras más atractivas y conocidas Gloria de John Rutter, compositor británico, director de coro, director orquestal, arreglista y productor nacido en Londres en 1945. En la actualidad, vive cerca de Cambridge, pero con frecuencia dirige otros coros y orquestas de todo el mundo.

Del 20 al 21

El 26 de marzo de 2016 se cumplían 20 años del primer concierto del Coro Talía en la Iglesia de los Jerónimos de Madrid bajo la batuta de su fundadora Silvia Sanz Torre. Cumplidos ya 21 años de su creación, el GCT concluye la celebración de su XX aniversario. A lo largo de la pasada y la presente temporada se ha han organizado diferentes acciones, todas ellas bajo el lema #VeinteConLaMúsica. El punto culminante de esta celebración fue el concierto extraordinario celebrado el 18 de junio de 2016 con la interpretación de la Sinfonía nº 9 de Beethoven, a la que se unieron antiguos miembros del coro, incluidas algunas de las voces que participaron en el primer concierto de 1996.

El Grupo Talía hoy

El GCT, como entidad sin ánimo de lucro dedicada a la difusión de la música, cuenta en la actualidad con tres orquestas y un coro: los ya mencionados Orquesta Metropolitana y Coro Talía; y la Madrid Youth Orchestra (MAYO) y la Orquesta Infantil Jonsui, ambas parte de su programa pedagógico orquestal. La actividad del GCT abarca otras actividades divulgativas y pedagógicas como encuentros orquestales, cursos de música, conciertos pedagógicos, ciclos de música en la calle, cineforum musical, conferencias, ensayos con público, etc., que se desarrollan en centros culturales de los distritos madrileños de Hortaleza y Ciudad Lineal.

27 de mayo, Auditorio Nacional: Silvia Sanz Torre dirige a la Orquesta Metropolitana y al Coro Talía con la música más popular de Bernstein, Shostakovich, Stravinski y Rutter

www.grupotalia.org

Foto: Cartel de “Del 20 al 21”.

La Quincena Musical se alía con la BBC Philharmonic y los Proms en Fidelio de Beethoven

La Quincena Musical se alía con la BBC Philharmonic y los Proms en Fidelio de Beethoven

70 espectáculos con grandes intérpretes y orquestas volverán a llenar de música el agosto de San Sebastián

El festival de música clásica más longevo y sostenible de España, la Quincena Musical de San Sebastián, presenta el avance de su exquisita programación para su 78ª edición. Entre los días 1 y 30 del mes de agosto, la capital guipuzcoana acogerá 70 espectáculos, repartidos en 11 ciclos que también se extenderán por toda la provincia, además de Álava, Navarra e Iparralde. Debuts como el de la BBC Philharmonic, obras que serán presentadas por primera vez en la Quincena, así como la recuperación de la ópera para este festival, presentan la cita como una de las más interesantes y atractivas del verano. 

Como es habitual, el grueso del festival se desarrollará en sus dos sedes principales: el Auditorio Kursaal y el teatro Victoria Eugenia. Serán cuatro las orquestas foráneas que se presenten por primera vez en el festival: la BBC PhilharmonicOrchestre Philharmonique du LuxembourgAsian Youth Orchestra y Cincinnati Symphony Orchestra.

El maestro Juanjo Mena, uno de los directores de orquesta más sobresalientes del panorama musical contemporáneo, se pondrá al frente de la BBC Philharmonic; mientras que otro destacado director español, Gustavo Gimeno, que también debuta en el festival, se encargará de llevar la batuta en las dos citas programas a la Orchestre Philharmonique du Luxembourg.

Los Proms londinenses han colaborado con la Quincena Musical en la versión concertística de la única ópera compuesta por Beethoven, “Fidelio”, que ofrecerán acompañados por el Orfeón Donostiarra. La otra obra operística que de la que podrá disfrutar el público del festival es “Las Bodas de Figaro”, considerada como una de las más interesantes creaciones de W.A. Mozart. El emblemático título, que se programa por primera vez en la Quincena, será interpretado por la Orquesta Sinfónica de Euskadi y Easo Abesbatza, bajo las órdenes de la joven directora taiwanesa Yi-Chen Lin. Es la primera vez que una mujer dirige en la Quincena. La 78ª edición acoge también otras obras nunca programadas en el marco del festival hasta la fecha: “Stabat Mater”, de Schubert; la Misa “Nelson”, de Haydn; “El Lago Encantado”, de Liadov; la Sinfonía Nº 1, de Shostakovich; “On The Waterfront”, de Bernstein; “Lincoln Portrait”, de Copland y “Short Ride in a Fast Machine”, de John Adams.

Entre las 70 propuestas de esta edición también destaca la presencia de artistas asiáticos, además de la directora Yi Chen Lin y la Asian Youth Orchestra, un conjunto que reúne a los jóvenes músicos más destacados de todo el continente; destaca el recital que la célebre y mediática pianista china Yuja Wang ofrecerá junto al violinista Leónidas Kavakos. En su debut ante el público de Quincena, la AYO estará dirigida por su director principal, el británico James Judd. Por otro lado, el tradicional encuentro con la danza del Auditorio Kursaal será protagonizado por el Ballet de Víctor Ullate y su última producción “Carmen”. Finalmente, la Cincinnati Symphony Orchestra, bajo las órdenes de su actual director titular, Louis Langrée, clausurará la 78ª edición de la Quincena con dos programas de marcado sabor americano.

Como también es habitual en esta cita cultural, la 78 edición de la Quincena Musical de San Sebastián desarrollará sus ciclos paralelos: Música Antigua, Música Contemporánea, Órgano, Jóvenes Intérpretes, Quincena Andante y Jornada Infantil, cuya programación se irá desgranando a lo largo de las próximas semanas. Con estas 70 propuestas, la Quincena persigue repetir en éxito de otras ediciones que lo han consolidado como una cita esencial para los melómanos, además de contribuir a la imagen de San Sebastián como ciudad cultural.

www.quincenamusical.eus

Foto: El destacado director español Gustavo Gimeno (Photo: Marco Borggreve).

Ecos hispanofranceses

Ecos hispanofranceses

Crítica - 59 Premio Jaén de Piano

43 años hace ya que el francés (de raíces germanas) Jean-François Heisser se alzara con el primer premio del longevo Concurso pianístico de Jaén (el año que viene cumplirá sesenta) que organiza la Diputación Provincial. Llegó con 24 años y el pasado jueves volvía con 66 a ponerse delante del público jiennense, entre los que había oyentes que estuvieron presentes en su entronización de 1974. Por tanto, a su indiscutible calidad como solista y músico, al Memorial Rosa Sabater y Javier Alfonso con el que arranca nuestro venerado Premio Jaén, se les unía también lazos emocionales y de “familia”.

El programa escogido no podía ser más exigente y a la vez más cercano, pues transitó vasos comunicantes de dos países vecinos. La música francesa y española del siglo XX jamás estuvo separada por los Pirineos. Heisser, un experto en sendas literaturas, lo ha demostrado en su extensa discografía. En su estilo prima siempre la claridad, la belleza plástica y el color. Es capaz de acercarnos la obra musical casi como si estuviéramos ante una pintura, de forma muy analítica y desnuda, diseccionando cada una de las estructuras y gamas sonoras. Sin dejar de explorar el poder mágico de los silencios. Además despliega una sabia utilización del rubato, ideal para la introspección y la abstracción. Refinado, clásico y de fragancias afrancesadas con una especial escrupulosidad en el cantabile.

El Cuaderno I de la monumental Iberia (curiosamente compuesta en París y una de las partituras técnicamente más difíciles de la historia), la dibujó con pincel fino, moderada acentuación y sin folclorismos patrios, suspendida en el aire gracias a un tempo contemplativo y una depurada línea de canto. La vaporosa Evocación pareció un Preludio más de Debussy. Rutilante y efectivo El Puerto y algunos apurillos en el Corpus sevillano. El Cuaderno III, pese a sus púas, lo salvó con una violencia pacificadora y una rica paleta de colores. Interpretación detallada y minuciosa, casi de orfebrería, siempre más pendiente del detalle que del conjunto.

Reposada lectura y suntuosos tornasoles capaces de crear brumas y calimas sobre el teclado.

Si Schubert es el compositor de la soledad, el barcelonés Federico Mompou es sin duda el del silencio. La selección programada de su cada vez más revisitada “Música Callada” resonó soñadora e intimista, desplegando gran carga de vacío, sensibilidad y nocturnidad, aferrada a un hipnótico tempo. Quizás lo mejor del recital.

La Fantasía Bætica, obra espinosa que escuchó por vez primera cuando vino a concursar a Jaén, sonó poco racial, salvaje, ardorosa y gitana. Rítmicamente holgada y libre, sin lugar para los abrasivos arrebatos flamencos, la ejecutó sin echar mano del látigo. Como fiel alumno de Vlado Perlemuter (colaborador y gran divulgador de su música), Ravel no podía faltar en el programa. La Pavana la condujo con un ojo puesto en el metrónomo y otro en el tarareo lírico, directa y sin sentimentalismos pueriles. Dinámica y fluida, pero deliciosamente cantada en sus pulcro recitar. Radiante y alegre la divertida y ensoñadora Sonatina, una bella flor con infinidad de espinas rítmicas, donde prima el risueño humor y esa viveza que lo embebe todo. Una velada redonda donde volvimos a hermanarnos con el eterno adversario.

Javier Extremera

Jean-François Heisser (piano)
Obras de Albéniz, Mompou, Falla y Ravel.
Concierto Inaugural del 59º Concurso Premio Jaén de Piano.
Lugar: Teatro Infanta Leonor.
 

Foto: Jean-François Heisser (piano), en el Concierto Inaugural del 59º Concurso Premio Jaén de Piano.

Gira 250 Años de la Viola en España por Ashan Pillai

Gira 250 Años de la Viola en España por Ashan Pillai

El violista y pedagogo Ashan Pillai presenta a partir de la semana que viene la gira 250 Años de la Viola en España, una panorámica abarcadora sobre el legado de la música española para viola solo o con acompañamiento de piano que nos descubre los tesoros nacionales del instrumento en nuevas versiones críticas, contando con la complicidad del pianista Juan Carlos Cornelles. Con esta gira se celebra también la histórica recuperación del repertorio de sonatas de oposición para la Real Capilla que supuso el año pasado su proyecto The Royal Palace in Madrid: Eleven Viola Sonatas [1778-1818] y en estos días, el doble lanzamiento discográfico y editorial de su nueva aventura musicológica, The Virtuoso Viola in Spain.

La gira, que comenzará el lunes 24 en Madrid con una presentación en La Quinta de Mahler a las 20:00h a cargo del musicólogo Juan Felipe Cervantes y que incluirá un pequeño adelanto musical a cargo de los artistas, continuará los días consecutivos en el Teatro Auditorio de Cuenca -martes 25, 20:30h- y en la Sala Solé de Barcelona -jueves 27 y viernes 28, 20:00h-.

Esta serie de conciertos coincide con el lanzamiento en abril de su último disco para el sello Nîbius, The Virtuoso Viola in Spain y la publicación en partitura de algunas obras del disco y la gira a cargo de las editoriales Boileau y Clivis. La mayoría de ellas son presentadas por vez primera en nuevas versiones revisadas -a cargo de Pillai, Cornelles y el clavecinista Tony Millán- y también destacan por ser primicia discográfica.

Ashan Pillai es portada en el número de abril de la revista RITMO y en sus páginas podéis encontrar una entrevista con el artista a propósito del proyecto.

http://ashanpillai.com/ES/index.php

Foto: Cartel de la gira 250 Años de la Viola en España por Ashan Pillai.

El Teatro de la zarzuela se reinventa con la versión de ‘Enseñanza libre’ y ‘La gatita blanca’

El Teatro de la zarzuela se reinventa con la versión de ‘Enseñanza libre’ y ‘La gatita blanca’

Enrique Viana es director de escena del montaje, y Manuel Coves director musical

Es una propuesta coral con un reparto integrado por Cristina Faus, Roko, Gurutze Beitia, María José Suárez, Ángel Ruiz, José Luis Martínez, Iñaki Maruri, Axier Sánchez, Mitxel Santamarina y 18 bailarines

La producción cuenta con escenografía de Daniel Bianco (en el primer trabajo artístico que firma para el coliseo desde que se hizo cargo de su dirección), vestuario de Pepe Corzo, iluminación de Albert Faura y coreografía de Nuria Castejón

El escenario será un gran suelo de espejo emplazado en el patio de butacas, y el público se sentará en el escenario real (donde se habilitarán unas gradas que albergarán a más de 200 personas) y en los palcos de los distintos pisos

Con especial interés espera el público desde hace meses el montaje conjunto  de ‘Enseñanza libre’, compuesta por Gerónimo Giménez y estrenada en el Teatro Eslava de Madrid en 1901, y ‘La gatita blanca’, creada por Giménez y Amadeo Vives, y presentada en el Teatro Cómico de la capital en 1905. El Teatro de la Zarzuela albergará ambas joyas del género chico durante 17 funciones, del 6 al 28 de mayo, en un espectáculo concebido como una propuesta única e indivisible. Son muchos los alicientes, y entre ellos destaca, sin lugar a dudas, el vuelco escénico y estético que esta versión libre de Enrique Viana, quien también firma la dirección de escena, le da al propio espacio del Teatro.

Las seiscientas butacas del patio han sido desmontadas y en su lugar se ha instalado el escenario: una gran circunferencia con suelo de espejo, que, entre otros muchos efectos sorprendentes, incluso llega a convertir a la majestuosa lámpara en una protagonista más de la obra. ¿Y dónde ha ido entonces a parar el público? Pues además de los palcos de los diferentes pisos, el respetable ocupa nada menos que el escenario verdadero del Teatro. Para ello, en ese sagrado lugar donde han actuado García Lorca o María Callas, se han instalado unas gradas que albergarán a más de 200 personas.

El maestro Manuel Coves será el encargado de la dirección musical de este, en palabras del propio Viana, “despropósito cómico lirico en un acto”. Estará al frente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), que ocupará un foso nada convencional situado en la zona de la sala donde precisamente está la puerta principal de acceso de público.

El reparto es coral y está integrado por grandes talentos de la canción, de la actuación y de ambas a un tiempo como son la mezzosoprano Cristina Faus, la cantante Roko, la actriz Gurutze Beitia, la mezzosoprano María José Suárez, el tenor y actor Ángel Ruiz, el barítono Axier Sánchez, el actor José Luis Martínez y los actores y cantantes Iñaki Maruri y Mitxel Santamarina. Un cuerpo de 18 bailarines completa el elenco.

Una “locura” escénica

Para esta “locura” escénica, la producción cuenta además con escenografía de Daniel Bianco -en el que es su primer trabajo artístico que firma para el coliseo desde que se hizo cargo de su dirección-, vestuario de Pepe Corzo, iluminación de Albert Faura y coreografía de Nuria Castejón.

Enrique Viana explica el porqué de su versión, en la que, naturalmente, se mantienen al completo todos y cada uno de los números musicales, pero cuya historia (“una sola, y no un programa doble”) es radicalmente diferente: “Ambas (las originales) están salpicadas de chistes incomprensibles para el público de hoy y algunos pueden ofender particularmente al femenino”.

Por esta razón, el autor consideró que “tanto la trama como el texto había que cambiarlos de raíz”, y para ello destinó ’Enseñanza libre’ al servicio de ‘La Gatita blanca’ y reescribió la primera completamente dejando de la segunda la trama y los personajes con algunas escenas del original que juzgó “simpáticas e inofensivas”. “De resultas de estas consideraciones quedó esta pieza larga que respeta cada nota de Giménez y cada letra de sus cantables”, explica Viana. Cantables escritos por los libretistas Guillermo Perrín, Miguel de Palacios, José Jackson Veyán y Jacinto Capella.

Todo está listo para este “despropósito cómico lirico en un acto” rebautizado: “‘Enseñanza libre y La gatita blanca’, o ‘Venga usté a pasar la tarde’”, con el que el Teatro de la Zarzuela se reinventa.

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: Cristina Faus. 

 

Teatro Musical de Cámara: Mozart y Salieri en la Fundación Juan March y Teatro de la Zarzuela

Teatro Musical de Cámara: Mozart y Salieri en la Fundación Juan March y Teatro de la Zarzuela

La Fundación Juan March y el Teatro de la Zarzuela presentan un nuevo título dentro de la serie Teatro Musical de Cámara.

Del 22 al 29 de abril de 2017 la Fundación Juan March acogerá siete representaciones de Mozart y Salieri, ópera en un acto y dos escenas con música de Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en un libreto del compositor, inspirado en la obra homónima de Aleksandr Pushkin.

Esta ópera fue estrenada en el Teatro Solodovnikov (Moscú), el 7 de diciembre de 1898, aunque tuvo su estreno privado en el verano de 1897 en la versión original para piano con Serguéi Rajmáninov al como pianista.

De las siete funciones previstas, tres de ellas (los días 24, 27 y 28 de abril) son funciones didácticas para alumnos de secundaria (previa petición), como parte del proyecto didáctico del Teatro de la Zarzuela.

http://www.march.es/musica/detalle.aspx?p6=100914

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: Teatro Musical de Cámara: Mozart y Salieri en la Fundación Juan March y Teatro de la Zarzuela.

Crítica - Apóstol de Bach

Crítica - Apóstol de Bach

Madrid

La pianista canadiense Angela Hewitt hizo su presentación, en el ciclo madrileño Grandes Intérpretes, coincidiendo con un partido de fútbol de relumbrón, no muy lejos del Auditorio Nacional. Quizás por ello la entrada fue de las más bajas de la temporada.

Hewitt ha labrado su prestigio con la interpretación del catálogo para teclado de Bach (de hecho lo ha grabado casi en su integridad). Por eso dedicó la primera parte del programa al alemán (las cuatro Sonatas de Scarlatti también estaban previstas en la primera parte. Pero un consenso inintencionado entre el público y la pianista las movió a la segunda), con las Partitas Nº1 BWV 825 y la Nº 4 BWV 828. Unas lecturas totalmente canónicas, pero llenas de vigor y luminosidad.

El Bach de Hewitt es realmente un ejemplo de lectura moderna, sobre bases objetivas. Pleno de equilibrio. Intachable en su adaptación al piano moderno. Probablemente quería interpretar a Scarlatti junto a Bach, en la primera parte, porque su lectura del italiano se construye sobre los cimientos del alemán. Algo que por estas tierras no deja de ser un poco arriesgado, acostumbrados a un Scarlatti que huela al Madrid clásico o a El Escorial, más que a Weimar o Leipzig. Dejó para el final una breve incursión en el piano impresionista (solvente lectura de la Sonatine de Ravel) y al más inusual, por escaso, de un coetáneo como Chabrier.

Espectacular la Bourré fantasque. Como con su Bach, es en el componente vital donde Hewitt se mueve con mayor equilibrio. Y la pieza de Chabrier lo es por encima de todo. Buena tarjeta de presentación. Y si nos vuelve a visitar, que siga siendo junto a Bach.       

Juan Berberana

Angela Hewitt, piano. Obras de Bach, Scarlatti, Ravel y Chabrier
Fundación Scherzo. Auditorio Nacional, Madrid.
 

 

Crítica - Pléyade de solistas

Crítica - Pléyade de solistas

Sevilla - ROSS

Dos asturianos han pasado por el podio de la ROSS recientemente. A Pablo González empezamos oyéndole una Pulcinella demasiado amable, incluso para el neoclasicismo que la perfuma; luego se empleó a conciencia en el seguimiento del Concertstück, para cuatro trompas de Schumann con solistas de la ROSS. Sin embargo, su Octava puede que sea uno de los Beethoven más impresionantes que hayamos escuchado nunca en directo, lo que nos dice su conocimiento del estilo y la capacidad para transmitirlo a la orquesta, por respetar la intención de la obra y su autor.

La siguiente apuesta volvía a congregar a un grupo de destacados solistas de la ROSS, empezando por la empatía –musical y personal- entre el solista de los segundos Dmitrienco y el de contrabajos, Ciorata. Como casi estas obras suelen quedar al servicio del virtuosismo de los solistas, que éstos aprovecharon con la altura que tienen, que es mucha: Dmitrenco, animador natural de la ROSS, mostró su dominio del instrumento y musicalidad, lo mismo que Ciorata, con un instrumento más pequeño y delicado que el habitual (Bottesini). Qué decir del flautista Juan Ronda, de sonido cada vez más delicado, articulado y expresivo, junto al oboe de José Manuel González, otro gran solista (Desserman y Berthélemy). Todavía quedaba otro dúo “natural”: el de clarinetes Domínguez y Szymyslik para bordar el Konzerstück de Mendelssohn. La dirección de Nacho de Paz resultó funcional en esta primera mitad, y muy desigual en las vibrantes obras de la segunda parte.

En esta línea de aprovechar el gran nivel de los solistas de la orquesta llegaba Onofri, que cambiaba la OBS por la ROSS. Indudablemente se esforzó por acompañar el difícil Concierto de tuba de Vaughan Williams a cargo de Pérez Calleja, que estuvo francamente bien, al igual que Rosario Vega en el trombón sobre el concierto de Tomasi, ambos autores de estéticas convergentes y que aún coincidieron en todo en la propina para trombón y tuba del cordobés Antonio Moreno. Pero en lo que estuvo Onofri inmenso fue en el repertorio afín: Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz de Haydn, apropiadas para el preludio de la Semana Santa y a la proximidad geográfica del Oratorio de la Santa Cueva gaditano, para el que fue compuesto. Lectura nívea, límpida, maravillosamente articulada, destacando tanto ese carácter de recogimiento inherente a las palabras sobre las que se medita como a la alegría esperanzada (y criticada en su momento) que recoge alguno de sus movimientos. De nuevo el concertino invitado Eric Crambes fue el único que llevó el paso en la orquesta, porque todos los directores y compañeros se le atrasan: ¿no hay forma de encontrar un concertino titular que acabe con esta orfandad?

Ian Parkes, Joaquín Morillo, Javier Rizo y Ángel Lasheras / Vladimir Dmitrienco, Juan Ronda Molina, José Manuel González, Miguel Domínguez, Piotr Szymyslik y Lucian Ciorata / Juan Carlos Pérez Calleja y Francisco Rosario Vega. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Pablo González / Nacho de Paz / Enrico Onofri. Obras de Stravinski, Schumann y Beethoven / Rossini, Mendelssohn, Bottesini, Ginastera y Piazzola / Vaughan Williams, Tomasi y Haydn.
Teatro de la Maestranza, Sevilla.


Carlos Tarín

Foto: Un instante de uno de los conciertos de la ROSS.

 

Temporada 2017-2018 del Teatro Real - La Gran Celebración

Temporada 2017-2018 del Teatro Real - La Gran Celebración

En la temporada 2017-2018 el Teatro Real conmemora una doble efeméride: los 20 años de su reinauguración, el 11 de octubre de 2017, y los 200 años de su fundación, el 23 de abril de 2018.

En el ámbito de estas conmemoraciones prosiguen los estrenos de óperas que nunca se interpretaron en el Teatro Real, como la colosal Die Soldaten, de Bern Alois Zimmermann, que se presentará por primera vez en España.

También engrosarán la nómina de las obras inéditas en el Teatro Real Lucio Silla de Wolfgang Amadeus Mozart, Gloriana de Benjamin Britten y Street Scene de Kurt Weill, que se verán por primera vez en Madrid, y Dead Man Walking de Jake Heggie, que se estrenará en España.

Como recuerdo a su historia pasada y reciente, se han programado La favorite ─título que inauguró el Real─ en versión de concierto, y Aida, con una puesta en escena revisada de la célebre producción dirigida por Hugo de Ana en 1998.

La creación actual estará representada por el estreno mundial de El pintor, de Juan José Colomer, con libreto y dirección de Albert Boadella, en colaboración con los Teatros del Canal.

Con el fin de seducir a nuevos públicos y a una audiencia más amplia y diversificada en su temporada festiva, el Teatro Real ha incrementado notablemente las funciones de sus títulos más populares del repertorio lírico como La bohème, Carmen, Lucia di Lammermoor y Aida.

En el marco del Bicentenario el Real reafirma su ambiciosa apuesta por las nuevas tecnologías audiovisuales para llevar la ópera a todo el mundo con retransmisiones en monumentos, plazas, auditorios y ayuntamientos de toda España, retransmisiones en redes sociales, centros escolares, cines y en su plataforma Palco Digital, destacando, en el ámbito internacional, sus proyectos pioneros en Latinoamérica y China.

Asimismo, proseguirá el diálogo con otros tipos de música, cuya manifestación más destacada es el Universal Music Festival, del que se celebrará la cuarta edición.

La programación de DANZA estará compuesta por cuatro espectáculos: Carmen, por el Víctor Ullate Ballet (Teatros del Canal); Sorolla, por el Ballet Nacional de España; coreografías de Jacopo Godani por la Dresden Frankfurt Dance Company; y una nueva producción de El lago de los cisnes, por The Royal Ballet.

En la programación de EL REAL JUNIOR destaca el estreno de cinco nuevas producciones del Teatro Real para diferentes edades ─Mi madre la oca, Cine antiguo con músicas nuevas, La cara oculta del piano, la ópera El teléfono, o el amor a tres y el ballet Pulcinella─, la reposición de la ópera Dido & Eneas, a Hipster Tale y de El desván de los juguetes.

El Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la tutela de su director musical Ivor Bolton ─con Pablo Heras-Casado como principal director invitado y Nicola Luisotti como director asociado─, ampliarán notablemente su repertorio, afirmando el creciente prestigio de los cuerpos estables de la institución.

Se editarán dos libros sobre la historia del Real: Joaquín Turina desvelará al lector los entresijos del Teatro desde 1997 y Rubén Amón recorrerá los 200 años de su historia a través de sus artistas, hechos y anécdotas.

En el ámbito de la celebración de sus efemérides, el Teatro Real ha impulsado la realización, la próxima primavera, de la primera reunión internacional del WORLD OPERA FORUM, que convocará a 150 teatros de ópera de todo el mundo, y de un acto conmemorativo que evocará el hecho histórico de que el Teatro Real fuera sede del Congreso de los Diputados entre 1841 y 1850.

 

ÓPERA

Siguiendo la estela de su historia, la nueva programación pretende enriquecer el repertorio del Teatro Real con títulos imprescindibles que todavía no figuran en su acervo musical, como Die Soldaten, de Bern Alois Zimmermann, que por su gran complejidad, dimensión y número de intérpretes sigue sin estrenarse en España 52 años después de su creación.

Esta magna obra del siglo XX, que nació marcada por la imposibilidad de ponerse en escena dilatando los límites de la ópera, sobresale en una programación cuyo marco conceptual es, precisamente, la noción de límite, de frontera como lugar de indefinición y tránsito, clave en el devenir y evolución de los estilos, formas, estéticas y lenguajes artísticos.

Pablo Heras-Casado asumirá el gran reto de dirigir este ambicioso estreno, con una aplaudida coproducción de la Ópera Cómica de Berlín y de la Ópera de Zurich, con dirección escénica de Calixto Bieito.

Lucio Silla, escrita en el siglo XVIII, se ubica también en un espacio resbaladizo entre dos estilos: aunque Mozart la compuso con apenas 16 años, su estructura clásica está ya impregnada de licencias formales que marcarán el lenguaje pre-romántico en el que desembocará la genial producción operística del compositor.  Esta ópera, de 1772, nunca se representó en el escenario del Real, por lo que su presentación con el mismo tándem que acaba de triunfar en RodelindaIvor Bolton en la dirección musical y Claus Guth, en la escénica─ reparará una deuda del Teatro con Mozart y con el público de Madrid.

Enlazando el reciente éxito de Billy Budd con el estreno, la próxima temporada, de Gloriana, el Teatro Real prosigue la presentación de la magnífica producción operística de Benjamin Britten iniciada desde su reapertura. En esta ocasión Ivor Bolton estará acompañado del prestigioso director de escena escocés David McVicar, en una nueva coproducción con Londres (ENO), Nápoles, Amberes y Valencia, cuyo estreno será en Madrid.

Gloriana se encuentra también en la frontera incómoda entre el compromiso con la celebración de la coronación de Isabel II de Inglaterra, en 1953, y el personal lenguaje dramatúrgico de Britten, cuya partitura fue incomprendida y marginada, pese a su indudable calidad artística, que el Teatro Real quiere reivindicar.

Otra obra limítrofe de mediados del siglo XX, arrinconada por su mestizaje, es Street Scene de Kurt Weill, que se encuentra entre el musical y la ópera, sin lograr un espacio confortable entre ambos. Denominada por su autor “ópera estadounidense”, se estrenó en Broadway en 1947, pero no volvería a sus salas. 

Basada en la obra homónima de Elmer Rice, ganadora de un premio Pulitzer, Street Scene es una lograda síntesis entre la ópera europea y el teatro musical americano, destilando la tradición musical de ambos mundos, entre los que se encontraba su autor, Kurt Weill, judío alemán afincado en Estados Unidos. La obra se estrenará en Madrid en una nueva coproducción con las Óperas de Colonia y Monte-Carlo, con dirección musical de Tim Murray ─que vuelve al Real después de su exitosa lectura de Porgy and Bess─, y puesta en escena de John Fulljames, nuevo director artístico de la Ópera de Dinamarca.

Dead Man Walking, estrenada en San Francisco en el año 2000, es también una obra que reivindica “explorar un medio que no sea ni teatro tradicional ni ópera tradicional, sino una verdadera combinación de ambos: un drama musical, una ópera-musical, teatro-ópera” de acuerdo con sus autores: el compositor Jake Heggie y el dramaturgo Terrence McNally.

Basada en el libro de la hermana Helen Prejean ─que originó también la famosa película de Tim Robbins protagonizada por Susan Sarandon y Sean Penn─ la ópera incide en la entrañable y honda relación confesional que se establece entre la monja y el reo condenado a muerte, relegando a un segundo plano las cuestiones relativas a la pena capital que han dado fama al film homónimo.

Para su estreno en Madrid la ópera contará con la producción de la Lyric Opera de Chicago, con dirección de escena de Leonard Foglia y un reparto de lujo encabezado Joyce DiDonato, Michael Mayes y Measha Brueggergosman,  que actuarán bajo la dirección musical de Mark Wigglesworth.

Como colofón a esta serie de óperas híbridas estará el estreno mundial, en los Teatros del Canal, de El pintor, de Juan José Colomer, prolífico y versátil compositor valenciano afincado en Los Ángeles, que debutará en la ópera con la nueva producción del Teatro Real con dirección musical de Manuel Coves y libreto y dirección de escena de Albert Boadella, que prosigue su acercamiento al repertorio lírico que se va imponiendo en los últimos años de su fructífera carrera.

Alternándose con estas propuestas fronterizas, el Teatro Real ha programado cuatro óperas del repertorio operístico, de las que se ofrecerán un gran número de funciones fuera de abono: Carmen, La bohème, Aida y Lucia di Lammermoor.

Carmen, de Georges Bizet, volverá al Real con 18 funciones y tres repartos, en una producción de la Ópera de París que recupera la puesta en escena “naturalista” y taurina de Calixto Bieito estrenada en el Festival de Peralada, en esta ocasión con dirección musical de Marc Piollet.

Dos repartos se alternarán en las 19 representaciones de La bohème, de Giacomo Puccini, en las que el Teatro Real se ha unido una vez más a la Royal Opera House, coproductora de la nueva producción que se estrenará en Londres poco antes de su desembarco en Madrid. La puesta en escena será del prestigioso director teatral inglés Richard Jones y la musical del milanés y pucciniano Paolo Carigniani. Ambos debutarán en el Real.

Para la reposición de la “super-producción” de Aida, de Giuseppe Verdi, que inauguró la segunda temporada del nuevo Teatro Real en 1998, Hugo de Ana, director de escena, escenógrafo y figurinista de la ópera, presentará una revisión de su creación anterior como un homenaje a la reciente historia del Teatro en el 20 aniversario de su reapertura. Tres repartos participarán en las 17 representaciones de la ópera, que tendrá dirección musical de Nicola Luisotti.

La producción de la English National Opera de Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti, traerá nuevamente al Real al director de escena estadounidense David Alden, que dirigió Alcina y el Otello inaugural de la presente temporada. Dos repartos se alternarán en las 15 funciones de la ópera, que estará dirigida musicalmente por el israelí Daniel Oren.

Donizetti ha sido, a lo largo de la discontinua historia del Teatro Real, uno de los compositores más programados y más queridos del público. Su ópera La favorite ─de la que existe la versión italiana La favorita─ fue la primera en subir a escena en el Teatro Real cuando abrió sus puertas en 1850. Para celebrar esta representación inaugural en el año del Bicentenario se han programado dos funciones de la ópera en versión de concierto, con dirección musical de Daniel Oren, con una Gala conmemorativa del 20 aniversario de la Reapertura del Teatro Real el 2 de noviembre.

En versión de concierto se presentarán otras dos óperas con función única: Ariodante, de Georg Friedrich Händel, con Les Arts Florissants dirigidos por William Christie, y Thaïs, de Jules Massenet, bajo la batuta de Patrick Fournillier, con Plácido Domingo en el papel protagonista para barítono.

Las óperas de la temporada ordenadas cronológicamente por las fechas originales de sus estrenos:

1735   Ariodante, de Georg Friedrich Händel 

1772   Lucio Silla, de Wolfgang Amadeus Mozart

1835   Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti 

1840   La favorite, de Gaetano Donizetti 

1871   Aida, de Giuseppe Verdi 

1875   Carmen, de Georges Bizet 

1894   Thaïs, de Jules Massenet 

1896   La bohème, de Giacomo Puccini 

1947   Street Scene, de Kurt Weill 

1953  Gloriana, de Benjamin Britten

1965   Die Soldaten, de Bern Alois Zimmermann 

2000   Dead Man Walking, de Jake Heggie 

2017   El pintor, de Juan José Colomer [sin estrenar]

Junto con la programación operística de la temporada se llevarán a cabo diversas actividades paralelas buscando sus vínculos con la literatura, artes plásticas, cine, fotografía, etc.

Esta interdisciplinaridad, que propicia el diálogo entre la ópera y otras formas de expresión artística, es posible gracias a la imprescindible colaboración, una vez más, de importantes instituciones culturales como: Biblioteca Nacional de España, British Council, Círculo de Bellas Artes, Escuela de Música Reina Sofía, Filmoteca Española, Fundación Juan March, Goethe Institut, Institut Français, Instituto de Historia y Museo Naval, International Institute, Museo Arqueológico, Museo del Romanticismo, Museo Reina Sofía, Real Academia de la Historia, Residencia de Estudiantes y Teatros del Canal.

GRANDES RETRANSMISIONES, SEMANA DE LA ÓPERA Y UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL

Una de las iniciativas más importantes que desarrolla el Teatro Real para impulsar su apertura a nuevos públicos y el acercamiento de la ópera a la ciudadanía son las retransmisiones nacionales e internacionales de sus espectáculos, que se incrementarán la próxima temporada, incluyendo proyectos pioneros en China y Iberoamérica.

Así, tras el éxito y enorme repercusión de las retransmisiones realizadas en Facebook de I puritani y El holandés errante, el Teatro Real conmemorará sus aniversarios con la retransmisión en directo de Carmen, en octubre de 2017, y de Lucia di Lammermoor, en julio de 2018, en más de 200 espacios de toda España, con pantallas instaladas en plazas y edificios emblemáticos, además de la retransmisión abierta en redes sociales y plataformas online de todo el mundo.

Sus producciones más populares se proyectarán en cines de todo el país, estando ya programadas La Traviata, el 16 de noviembre de 2017, y Madama Butterfly, el 10 de mayo de 2018.

Proseguirán también las retransmisiones de los espectáculos infantiles y juveniles de El Real Junior en centros escolares y cines de todas las comunidades, estando previstas las proyecciones matinales de Sueño de una noche de verano, el 10 de octubre de 2017 ─para celebrar el día internacional de la música─ y El gato con botas, el 6 de mayo de 2018, coincidiendo con los Días Europeos de la Música.

Palco Digital seguirá ofreciendo retransmisiones en directo de gran parte de las producciones del Teatro, ampliando su catálogo de espectáculos online de ópera, ballet y conciertos.

Asimismo, con el impulso del trienio conmemorativo de su Bicentenario, el Teatro Real llevará a cabo nuevas ediciones de dos propuestas artísticas muy diversificadas y ya consolidadas: la Semana de la Ópera, con una creciente participación e implicación del público, y el Universal Music Festival, en verano, que congrega a relevantes músicos de pop, rock, jazz, o flamenco para despedir cada temporada.

CONCIERTOS Y RECITALES

Entre los conciertos destaca el ciclo Voces del Real, que traerá al Teatro a la mezzosoprano Magdalena Kožená (que debuta en el Real) con el concierto Amor: entre el cielo y el infierno; la soprano Patrizia Ciofi y la mezzosoprano Marie-Nicole Lemieux con arias y dúos de Gioachino Rossini; la soprano Angela Gheorghiu y el barítono George Petean con repertorio romántico y el tenor Jonas Kaufmann.

Completan la programación lírica los recitales protagonizados por Ute Lemper ─con obras de Jacques Brel, Edith Piaf, Kurt Weill, Hollaender, etc─ y Patricia Racette, que cantará temas de Cole Porter, Stephen Sondheim y George Gershwin.

Finalmente, dos importantes orquestas invitadas ─la Filarmónica de Viena, con Gustavo Dudamel, y la Orquesta Barroca de Friburgo, con Pablo Heras-Casado─ y el pianista Lang Lang ofrecerán conciertos festivos en el Real, uniéndose a las celebraciones de esta temporada tan especial.

DANZA

La programación de danza estará compuesta por espectáculos protagonizados por cuatro compañías.

El Víctor Ullate Ballet interpretará Carmen en los Teatros del Canal, con coreografía de Víctor Ullate y música de Georges Bizet y Pedro Navarrete, anticipando las funciones de la ópera homónima en el Teatro Real.

El Ballet Nacional de España traerá al Real su espectáculo Sorolla, con coreografías de Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio Navarro y música de Juan José Colomer, Paco de Lucía, Enrique Bermúdez, además de temas populares, con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Manuel Coves.

La Dresden Frankfurt Dance Company interpretará cuatro coreografías de Jacopo Godani: Metamorphers (música de Béla Bartók), Echoes from a Restless Soul (música de Maurice Ravel), Postgenoma y Moto Perpetuo, con música de 48NORD.

The Royal Ballet cerrará la temporada de danza del Teatro Real con su nueva y esperada producción de El lago de los cisnes, con coreografía de Liam Scarlett. La música de Piotr Ilich Chaikovski será interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real en las seis funciones.

EL REAL JUNIOR, EL PROYECTO DE FORMACIÓN Y EL PROYECTO SOCIAL

El Teatro Real reafirma su compromiso con la educación, formación y consolidación del público infantil, juvenil y universitario en colaboración activa con centros educativos y universidades a través de proyectos tan diversificados como El Real Junior, el LOVA (La ópera, un vehículo de aprendizaje), el Club Joven, La Universidad a escena, los talleres La ópera al descubierto, los Cursos monográficos etc., reforzados con una política de incentivos económicos a los menores de 30 y 35 años que les permite acceder a los espectáculos por precios muy asequibles.

En la programación de El Real Junior destaca el estreno de cinco nuevas producciones del Teatro Real para diferentes edades y con distintos formatos: Mi madre la oca, con música de Maurice Ravel, en la Sala principal; Cine antiguo con músicas nuevas, con películas de Charles Chaplin y música en vivo, en la Sala Gayarre; La cara oculta del piano en la Sala de orquesta; la ópera de Gian Carlo Menotti El teléfono, o el amor a tres, en la Sala principal y  Pulcinella, espectáculo de danza con música de Stravinsky en la Sala Gayarre.

Asimismo, se repondrán dos producciones: el espectáculo de títeres El desván de los juguetes y la aplaudida versión para jóvenes de la ópera de Henry Purcell Dido & Eneas, a Hipster Tale en la Sala principal, y continuarán los talleres ¡Todos a la Gayarre! con temas paralelos a la programación de ópera.

También los niños en situaciones desfavorables, ya sean físicas, psíquicas o sociales, continuarán, una temporada más, sus actividades en el Aula Social del Teatro Real, cuyo programa se desarrolla en sus salas utilizando la música como vehículo integrador y terapéutico, con el apoyo de la fundación Acción Social por la Música.

DATOS Y CIFRAS

Se ofrecerán un total de 260 funciones: 116 funciones de ópera repartidas entre 13 títulos; 28 funciones de danza con 4 diferentes compañías; 17 conciertos y recitales líricos; 96 funciones para el público infantil y juvenil; 7 conciertos de ‘Los domingos de cámara’ y 3 proyecciones de ‘Ópera en Cine’.

Entre las 13 óperas programadas habrá 1 estreno mundial, 2 estrenos en España, 5 estrenos en Madrid y 5 nuevos títulos se incorporan a la lista de repertorio del Teatro Real en sus casi 200 años de historia.

Habrá 5 nuevas producciones del Teatro Real (en coproducción con otros teatros), 1 reposición de una producción del Teatro Real, 4 producciones invitadas y 3 óperas en versión de concierto

La programación de Danza se compone de 4 diferentes programas protagonizados por 4 compañías.

Conforman la programación infantil y juvenil de ‘El Real Junior’ 7 producciones del Teatro Real concebidas para diferentes edades (5 nuevas producciones y 2 reposiciones), 18 talleres musicales ¡Todos a la Gayarre! y retransmisiones de los espectáculos en centros escolares y cines de toda España.

Una media de 100 alumnos de las 30 instituciones de enseñanzas universitarias y artísticas que participan en el proyecto ‘Universidad a Escena’, cuyos alumnos conocerán el funcionamiento del Teatro Real y la realización de una ópera de la mano de sus profesionales y artistas.

Se impartirán 9 cursos monográficos y talleres en el marco del Programa de Formación del Teatro

 Se ofrecerán más de 60 actividades gratuitas que incluyen exposiciones, recitales, coloquios y conferencias en el Teatro Real y en instituciones culturales de Madrid, así como retransmisiones de ópera en directo en plazas, cines, auditorios, y centros culturales y escolares de toda España.

Abonos y localidades

Habrá cerca de 300.000 localidades disponibles, incluyendo entradas sueltas y abonos.

 Se ofrecerán 27 categorías de abonos para todos los públicos: 13 abonos de ópera (compuestos por selecciones de entre 5 y 10 títulos de ópera por abono), 4 abonos de danza; 2 modalidades de abonos de conciertos y recitales; 3 tipos de abonos familiares para funciones infantiles y juveniles; 2 abonos Joven (para menores de 30 años), 1 abono de Ópera en Cine, y 1 nueva modalidad de abonos, abono Selección, con dos turnos, compuesto por 2 óperas y 1 espectáculo de danza.

 Habrá 200 abonos para jóvenes con descuentos de 80% (menores de 30 años) y 60% (menores de 35 años).

 Los menores de 30 años podrán disfrutar de una Tarifa plana de 19 euros en las localidades de ópera de ‘último minuto’, incluyendo las funciones de estreno; y 90% de descuento en el resto de espectáculos para menores de 30 años, también en localidades del ‘último minuto’.

 60% de descuento en entradas de último minuto para jóvenes de entre 30 a 35 años

http://www.teatro-real.com/es

Foto: La próxima temporada marca la culminación de la doble celebración del Teatro Real: el 20 aniversario de su reapertura y los 200 años de su fundación.

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