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Interesante programa doble en el Palau de les Arts

El Palau de les Arts de Valencia acoge, entre el 25 de marzo y el 25 de abril, un interesante programa doble. Se trata, de una nueva producción de La vida breve, de Falla, que se completa con Cavalleria rusticana, de Mascagni, en la producción del madrileño Teatro Real.

Giancarlo del Monaco dirige escénicamente estos dos montajes que contarán con un magnífico reparto. Cristina Gallardo-Domâs interpretará a Salud; Jorge de León, a Paco; María Luisa Corbacho, a la abuela; Felipe Bou, al Tío Sarvaor; Sandra Ferrández, a Carmela, e Isaac Galán a Manuel. El elenco se completa con el tenor Antonio Lozano, la cantaora Esperanza Fernández, la mezzosoprano Natalia Lunar y el guitarrista Juan Carlos Gómez Pastor.

Por su parte, Anna Smirnova protagonizará a Santuzza de Cavalleria rusticana; Jorge de León y Aleksandrs Antoneko a Turiddu; María Luisa Corbacho a Mamma Lucia; Gevorg Hakobyana Alfio y Natalia Lunar como Lola. La Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat se encargarán de la interpretación musical, a las órdenes de Lorin Maazel. Una cita que no debe perderse.

Foto: Cristina Gallardo-Domâs.

“El árbol de Diana”, en el Real

Una nueva producción de El árbol de Diana, de Martín Soler, se recupera en el Teatro Real.

Tras el éxito de las producciones de Il tutore burlato –dentro del Proyecto Pedagógico en colaboración con la Universidad Carlos III- y del primer montaje moderno en nuestro país de Il barbero di buon cuore, que constituyó toda una revelación y despertó el interés de la crítica especializada internacional, el Teatro Real prosigue con su labor de recuperación de la obra de Martín y Soler, con una nueva producción de El árbol de Diana, una de sus obras más importantes.

En el elenco, hay que destacar la presencia de las sopranos rusas Lyubov Petrova, recordada por su encantadora Zerbinetta en Ariadne auf Naxos, y Ekaterina Lekhina, que compartirán escenario con Pavel Breslik y Dmitry Korchak, Marco Vinco y Simón Orfila.

La dirección musical correrá a cargo de Octavio Dantone, director de la prestigiosa Academia Bizantina. El mexicano Francisco Negrín se encargará de la dirección escénica en lo que supondrá su primer trabajo para el Teatro Real, quien ya se encargó del aplaudido montaje de Una cosa rara, del autor valenciano.

En cartel, del 17 al 26 de marzo.

Foto: Lyubov Petrova.

“Me llamo Manuel de Falla”

El Archivo Manuel de Falla, a través de su servicio pedagógico, ha editado la guía didáctica “Me llamo Manuel de Falla”.

Eescrita por Gonzalo Roldán; es un interesante trabajo pedagógico que, a través de un lenguaje atractivo, adaptado a los alumnos de Educación Primaria, pretende acercar a los más pequeños la vida y obra de Manuel de Falla.

La guía incluye una cuidada selección de imágenes, que han sido recuperadas del Archivo, así como un CD, que incluye una selección de algunas de las piezas más representativas del legado musical del autor, interpretadas por artistas de prestigio.

El disco incluye –entre otras- la Serenata Andaluza, interpretada por Alicia de Larrocha; el “Intermedio” de La vida breve, por el Coro de Valencia y la Orquesta Ciudad de Granada, a las órdenes de Josep Pons; “Cubana”, de Cuatro piezas españolas, con el propio Manuel de Falla al piano; “El paño moruno”, de Siete canciones populares españolas, con María Barrientos, acompañada al piano por Falla; una selección de El sombrero de tres picos, por la Orquesta Sinfónica de Madrid, a las órdenes de Fernández Arbós; “Sortilegio” y “Danza del fin del día”, de El amor brujo, por la Orquestra de Cambra Teatre Lliure, dirigida por Josep Pons, o una selección de El retablo de Maese Pedro, por la Orquesta Sinfónica de RTVE, a las órdenes de Ernesto Halffter, con Isabel Penagos, José Mª Higuero, Pedro Farrés y Genoveva Gálvez, como solistas.

Se trata, por tanto, de una obra pedagógica de primer orden, idónea para que profesores y alumnos de los colegios, así como de otros ámbitos - conservatorios, academias, escuelas de música, etc- puedan descubrir cómo fue la infancia de Falla en Cádiz, sus estancias en Madrid y París, cómo compuso La vida breve o El sombrero de tres picos… En definitiva, una obra educativa idónea para trabajar en las aulas.

La guía va acompañada por el “Cuaderno de un pequeño gran hombre”, de Diego Neuman; una unidad didáctica con la que se pretende guiar a los alumnos de entre 8 a 12 en el aprendizaje de todos los interesantes datos que ha descubierto en la Guía. El Cuaderno puede ser empleado en el ámbito del aula o en familia, de tal manera que los padres tengan la oportunidad de seguir a sus hijos en su acercamiento a la figura del compositor gaditano, así como a la época histórica y cultural que vivió.

Foto: Imagen de la portada de esta interesante obra pedagógica.

49 Semana de Música Religiosa de Cuenca

La crisis ha sacudico de lleno a la 49 Semana de Música Religiosa de Cuenca que, a pesar de las dificultades, tratará de “mantener los mismos criterios de calidad que la significan además de defender los valores de la cultura”, afirma su directora Pilar Tomás.

El programa continúa en la misma línea de años anteriores de apostar por la renovación del repertorio, ofreciendo interesantes estrenos, unidos a importantes recuperaciones históricas; sin olvidar, las grandes páginas del repertorio sacro de todos los tiempos.

La Semana, que se celebrará del 27 de marzo al 3 de abril,rendirá su propio homenaje a Johann Sebastian Bach, no porque sea su conmemoración anual sino por la extraordinaria calidad de su música, fuente de inspiración para tantos compositores posteriores como Shostakovich o Szymanowski. Podrá escucharse la Pasión según San Mateo; la Pasión según San Juan y la Misa en Si menor; un programa íntegro dedicado a sus Motetes y un concierto monográfico dedicado a su obra para laúd.

Uno de los ejes centrales de la presente edición será la recuperación del repertorio mexicano desde el virreinato a nuestros días. Podrán escucharse desde piezas claves del repertorio barroco hasta la música de nuestros días, pasando por conferencias, el monólogo Primero Sueño, de Sor Juana Inés de la Cruz, con música de Marcela Rodríguez, o la muestra El Silencio como punto de partida, de Germán Herrera, con apoyo de la Reseña de Arte Digital Disco Duro. QNK, que incluye proyecciones digitales y un espacio acústico compuesto por el artista.

Fiel a su identidad, la SMR pondrá también el acento en la recuperación del patrimonio musical. Con motivo del 500 aniversario del nacimiento de Antonio de Cabezón, Bernard Brauchli realizará un concierto de clavicordio. Asimismo, conmemoramos el 350 aniversario del nacimiento de Sebastián Durón, uno de los más importantes compositores del Barroco español, nacido en Brihuega (Guadalajara). A lo largo del Miércoles, Jueves y Viernes Santo, en la Iglesia de San Miguel, se recuperarán las Leçons de ténèbres, del compositor flamenco Hector Fiocco. Asimismo podremos escuchar una selección de cantatas que, del compositor mallorquín Antonio Literes, se conservan en el Archivo de la Catedral de Guatemala.

El apoyo de la Semana a la nueva creación se reafirma con el estreno de dos obras de encargo.Se trata de Kamech ch´ab (Recibid lo creado), de la autora mexicana Hilda Paredes (*1957), que será estrenada el 28 de marzo, interpretada por el cuarteto Arditti y el Hilliard Ensemble. El grupo portugués Sond’ar-te electric ensemble presentará la otra obra encargo: Línea de Vacío escrita por el vallisoletano Abel Paúl (*1984). La música contemporánea estará también representada a través de las obras de compositores como Marcela Rodríguez, Miguel Azguime, Enrique X. Macías, Marisa Manchado, Jesús Torres, Wolfgang Rihm, Javier Arias Bal, Alejandra Hernández, Gabriela Ortiz o Ignacio Boca Lobera, entre otros.

Como clausura del Festival, el Sábado Santo se presentará el espectáculo The Marriage, de Peter Greeenaway. La cinta se basa en el cuadro “Las Bodas de Caná”, de Veronese. A partir de su trabajo en el Monasterio de San Giorgio en Venecia, Greenaway recrea la acción y la vida social del cuadro. Esta coproducción de la Fondazione Cini y la SMR se acompañará de un concierto, a cargo de La Venexiana y de Schola Antiqua, en el que recuperará parte del material inédito de Paolo Ferrarese, monje benedictino en San Giorgio, que estaba activo en la época de la pintura en el refectorio del monasterio. Se trata del legado musical escrito para el Sábado Santo de este compositor.

Foto: El Hilliard Ensemble.

Cuando la belleza tiene nombre

Se confirmó como la gran revelación del violín hace seis años y, desde entonces, su trayectoria artística no ha hecho más que confirmar que se trata de una de las grandes intérpretes del momento.

Nos referimos a la joven violinista holandesa Janine Jansen, que el 18 de marzo, compartirá el escenario del Teatro Villamarta de Jerez con el pianista Itamar Golan.

Jansen está en posesión de una importantísima técnica, que pone al servicio de un concepto interpretativo políticamente incorrecto: es una instrumentista de corte tradicional, pero que no desdeña opiniones sobre sonido y maneras filológicamente más avanzadas.

Apenas recurre a la sorpresa ni a las veleidades gratuitas, sino que en sus interpretaciones trata de construir una versión ortodoxa. Y todas estas cualidades artísticas se manifiestan también cuando hace música de cámara, tal y como podrán comprobarlo en su próxima actuación en el Villamarta.

Interpretará la Sonata núm.1, de Brahms; Sonata núm.2, de Bartok; Sonata para violín y piano, de Janacek, y Sonata núm.10, de Beethoven.

Foto: Janine Jansen.

Celebrando el Año Chopin

El madrileño Auditorio Nacional de Música se une, a partir del 6 de marzo, a las actividades conmemorativas del bicentenario del nacimiento del pianista y compositor Frederic Chopin, con un concierto y una exposición.

La Joven Orquesta Nacional de Polonia “Sinfonia Iuventus”, bajo la dirección de Tadeusz Wojciechowski, ofrece un programa integrado por música polaca y española de dos generaciones distintas de compositores. En la primera parte, Wladysław Kłosiewicz interpreta el Concierto para clave, de Falla, obra dedicada a la clavecinista polaca Wanda Landowska; el Concierto para piano y orquesta núm.2, de Chopin, con Janusz Olejniczak -intérprete de la banda sonora de la película de Roman Polański “El pianista”- como solista. Las obras que ocupan la segunda parte vienen de las manos de dos importantes compositores del siglo XX. Por la parte polaca el Concierto para orquesta, de Witold Lutosławski, inspirado en músicas populares de su país, y por la española la laureada Trama, de Joan Guinjoan.

Los asistentes al concierto disponen de una la muestra de documentos y manuscritos del Archivo Manuel de Falla, que bajo el título “Falla-Chopin. La música más pura”, muestran la herencia que dejó el compositor polaco en nuestro gran maestro.

La muestra incluye documentos originales procedentes del Archivo Manuel de Falla, que ilustran la herencia chopiniana en la vida y obra de Manuel de Falla, desde el Nocturno para piano de 1896 hasta su estancia en Palma de Mallorca, donde compone en 1933 la Balada de Mallorca, inspirada en la 2ª Balada, de Chopin, sin olvidar la ópera cómica incompleta Fuego fatuo.

Esta exposición, enmarcada en las actividades del Año Chopin 2010, según el guión original de Luis Gago, ha sido posible gracias a la colaboración del Archivo Manuel de Falla, el Instituto Polaco de Cultura, el Ayuntamiento de Granada, y podrá visitarse hasta el próximo 21 de marzo.

Foto: La Joven Orquesta Nacional de Polonia.

“Jardines de la noche”, de José Luis Greco

El martes, 9 de marzo, a las 19,30 horas, tiene lugar en el madrileño Palacio del Marqués de Salamanca (Paseo de Recoletos, 10), el concierto-presentación del CD “Jardines de la noche”, de José Luis Greco.

Se trata del octavo volumen de la colección “Compositores españoles y latinoamericanos de música actual” de la Fundación BBVA, que ha sido editado por el sello Verso.

Las mezzosopranos Elena Gragera y Magdalena Llamas, acompañadas por el Cuarteto Mondriaan, interpretarán –al igual que hacen en el disco, Mudas (2001) y Celosías (2008), escritas para mezzo y cuarteto de cuerda. El programa se completa con la obra que Greco dedicó al Cuarteto Mondriaan con motivo de su 20 aniversario, Trouble (1991).

En las dos obras programadas en el concierto se percibe el peso que la palabra tiene en la música de José Greco. En el caso de Mudas ha recurrido a tres poemas firmados por Gustavo Adolfo Bécquer, Antonio Machado y Federico García Lorca, respectivamente. Las Canciones Populares de este último están en la base de Celosías, título que cierra el programa. Y es que la sombra del poeta granadino tiene una especial importancia en el universo de este compositor, cuyo padre, el famoso bailarín y coreógrafo José Greco, fue pareja artística de “La Argentinita”, intérprete que llegó a grabar esas canciones con el propio Lorca al piano.

Esta producción discográfica se enmarca dentro de las acciones de la Fundación BBVA para apoyar la música contemporánea. En esa línea se pueden destacar, además de la puesta en marcha con el sello Verso de la colección a la que pertenece el actual trabajo de José Luis Greco, la creación en Neos de la serie Fundación BBVA, así como respaldo al Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA y al Concurso Internacional de Composición Auditorio Nacional de Música.

Además, desde su segunda edición,l os Premios Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento, incorporan una categoría específica de Música Contemporárnea, dotada con 400.000 Euros, y que en su primer año acaba de concedérsele al compositor y director Cristóbal Halffter.

Nuevo disco de Luis Fernando Pérez

Coincidiendo con la inauguración del Festival Musika-Música de Bilbao, que este año ha estado dedicado a “Chopin y a la Generación de 1810”, con un maratón de conciertos de música clásica que se ha celebrado durante el pasado fin de semana, se presentó el último trabajo discográfico del pianista madrileño Luis Fernando Pérez.

Este CD, del sello francés Mirare de Harmonia Mundi, incluye el volúmen I de los Nocturnos del compositor polaco, que se lanza al mercado tras el éxito de su último trabajo discográfico dedicado al Padre Soler.

Fallece D.Antonio Rodríguez Moreno, director de la revista RITMO

D. Antonio Rodríguez Moreno, director de la revista RITMO durante más de 30 años, ha fallecido el miércoles 3 de marzo de 2010, en el hospital de Madrid - Sanchinarro, a la edad de 86 años, tras una larga enfermedad.

La despedida al querido periodista, maestro y mentor de tantas y tantas firmas de la crítica musical española se ha realizado el jueves 4 de marzo, con una emotiva misa en la capilla del Tanatorio Norte de Madrid.

ANTONIO RODRIGUEZ MORENO (1923 - 2010)

Rodríguez Moreno nació en el seno de una familia de gran arraigo musical. Su padre, Fernando Rodríguez del Río, fue pianista, escritor, agente de conciertos y fundador y director de las revistas musicales LIRA ESPAÑOLA y RITMO.

Personalidad marcadamente religiosa y de fuerte vocación periodística, desarrolló toda su vida profesional dentro del mundo de la música clásica. En su juventud colaboró con Radio Nacional de España en programas informativos culturales en torno a la música y ejerció de agente de conciertos para España de gran número de solistas y agrupaciones internacionales.

Asimismo trabajó durante una buena parte de su vida dentro de la Sociedad General de Autores. En 1976, al fallecer su padre, asumió la dirección de la revista RITMO, que ha mantenido hasta el inicio de una grave enfermedad en el verano de 2008.

Antonio Rodríguez Moreno ha publicado innumerables artículos, entrevistas, crónicas y críticas nacionales e internacionales a lo largo de su vida profesional. Abrió la información musical española al exterior con distintos trabajos para agencias internacionales de prensa y festivales europeos y americanos, en los que estuvo presente cuando España vivía su difícil posguerra. Durante varias décadas de sequía musical y cultural en nuestro país colaboró con distintas sociedades de conciertos, asociaciones de amigos de la música y ateneos de toda España. Como consecuencia se pudo escuchar en concierto a importantes solistas y agrupaciones españoles, pero sobre todo de Francia, Italia, Alemania, Suiza e Inglaterra, fundamentalmente.

Su labor como director de la revista RITMO durante más de 30 años estuvo siempre marcada por su empeño en la difusión de la música clásica española, de sus artistas y de sus autores, y no sólo en nuestro país, sino en todo el mundo. RITMO, bajo su dirección, adquirió una notoriedad que la ha llevado a mantenerse, con sus (81 años) de historia, como una de las publicaciones líderes del sector musical en lengua española en todo el mundo.

A lo largo de sus años de actividad profesional, el trabajo de Antonio Rodríguez Moreno en la revista RITMO ha sido distinguido por gran número de galardones y menciones, entre las que habría que destacar la Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes, la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Madrid y la Medalla Johann Strauss de Viena.

La huella dejada por Antonio Rodríguez Moreno en el periodismo musical español ha sido muy profunda, pues sus trabajos y responsabilidades han sido semillero de las grandes firmas de la información y crítica musical actual. Él creó en RITMO una auténtica escuela de jóvenes periodistas musicales, que han ido nutriendo de excelentes profesionales al medio.

En las distintas administraciones públicas con las que ha colaborado a lo largo de sus más de 60 años de actividad siempre ha sido considerado como una persona de referencia para la cultura musical española. Independientemente de la ideología política de cada una de ellas, Rodríguez Moreno siempre supo mantener su independencia cultural, por lo que ha sido y es reconocido por los principales gestores musicales públicos en el Estado español.

Cosas de mujeres

Sabíamos que se estaba preparando este libro. Y estábamos atentos a su salida, porque el asunto del que trata tiene muchísimo interés, por varias razones.

Una de ellas es porque nos habla de una mujer y está escrito por una mujer. Hay otras más, obviamentre –que irán apareciendo en este comentario-, pero ésta no es despreciable. Sicológicamente –quizá tanto como orgánicamente- no hay nada menos parecido a un hombre que una mujer –y viceversa- , pero la situación real de los sexos en nuestra organización social es lamentablemente deficitaria para la mujer. Y nos parece que, por eso, de cualquier estudio serio –y éste lo es en grado sumo- que se haga sobre cualquier mujer que por una u otra razón o circunstancia haya tenido una vida relevante debe resaltarse, de entrada, su propia existencia. No estamos haciendo ninguna profesión de feminismo; sólo exponemos una observación basada en estadísticas.

Habla el libro de una mujer profunda, drástica y determinantemente relacionada con la música pero que no fue ni compositora ni intérprete en sentido estricto: garabateó notas para algunas canciones y tocaba bien el piano, pero, al contrario de lo indicado en determinada literatura interesada, cuando no dirigida y controlada por ella misma, no fue un músico. Y está escrito por una mujer que tampoco ha hecho carrera dentro de la cosa musical, pero que conoce a fondo los tiempos creativos, sociológocos e incluso políticos que rodearon a la protragonista. Sin duda, y como todo el mundo sabe, tiempos malos, malísimos, buenos o buenísimos según se mire: o en opinión del hombre de a pie, al que la guerra y la destrucción lo lapida todo, o en la del analista fino, capaz de darse cuenta y comprender que tras las grandes crisis de todos lo géneros, siempre surge un revulsivo creativo que lo pone todo patas arriba para, de los restos, extraer el claro y ya refinado petroleo de la nueva y radicalmente convulsiva creación.

Almudena de Maeztu no es musicóloga ni músico, pero sí experta en arte. Y, a juzgar por algunas descripciones y razonamientos que se pueden leer en el libro, también en arquitectura; se mueve con gran soltura, además, en las áreas política y sociológica en las que está inserta el personaje. Y ha colaborado con José Luis Pérez de Arteaga en la biografía que éste ha escrito sobre Mahler. De manera que, uno, mujer; dos, analista en artes plásticas; tres, mahleriana en mezcla de devoción y obligación (compartir vida con quien más sabe del asunto por estas latitudes, algo obliga); y cuatro, pluma tan inquieta como afilada en busca de menesteres periodísticos útiles pero, antes, vividos, disfrutados, tenía todas las papeletas para meterse en este lío. ¿Que lío? Tratar de situar en su sitio una figura tan insituable como la de Alma María Schindler Mahler Gropius (Kokoschka) Werfel. Y, quizá, algunos paréntesis más.

El libro fue presentado el jueves 25 de febrero en Madrid. Y en el acto, en un momento determinado alguien dijo que Alma fue una mujer de armas tomar. Almudena de Maeztu ha hecho en su libro un serio esfuerzo para explicar qué siginifica eso, sin caer en trampas misóginas ni femininistas de tres al cuarto. Es un libro serio, en el que se da información, análisis y opinión; en el que no se incurre en maniqueísmos ni triunfalismos. Alma Mahler fue una persona llena de defectos, y eso queda claro en el libro. Pero también deducimos de su lectura que fue una mujer de una pieza, que vivió desde la libertad y realizándose plenamente en un par de ideas claves. La primera, una admiración incondicional hacia las personas capaces de marcar la diferencia con el resto; y la segunda, una sana capacidad para amar la belleza en todas sus facetas. Pero con un importantísimo corolario: combinación hecha bajo la coherente postura de construir toda una escala de valores vitales en función de ambas cosas. Le hizo, así, feliz su vida con Mahler, plenamente consciente ella de que sus renuncias estaban perfectamente amortizadas con el hecho de estar al lado de semejante credador, aunque, por otro lado, tuviera que ganarse los placeres con mucho esfuerzo, pues lo suyo le costó llegar a comprender y amar la música de su marido. Pero también estuvo a gusto al lado de Gropius, mucho más atractivo físicamente (asunto éste nada baladí para ella), aunque también más anodino que el compositor, y desde luego menos creativamente apasionado, siempre más preocpudo por la socialización de las obras que por la cretatividad pura. Y en el libro también queda claro cómo Alma fue capaz de subirse al imposible carro del hipersexuado Kokoscka y... seguirle el paso sin pestañear. E incluso comienzan a adivinarse sus últimas cuitas con Franz Werfel.... Pero ahí acaba.

Porque habla de lo que indica su título, de Alma Mahler Gropius. Está dividido en tres entradas (Alma, Mahler y Gropius), que engloban 24 capítulos, numerados desde el 97 al 20, o sea, desde 1897 hasta 1920. Faltan, pues, unos cuantos años para que Alma Mahler desaparezca, concretamente 44. La información de que se dispone de todo ese tiempo, como la utilizada para la redacción de este libro, es de muy difícil manejo, porque entre los defectos de Alma estuvo su arte para conseguir tapar todo lo que quiso tapar. De su vida y de las relaciones que mantuvo con sus hombres. En el libro se constata que el musicólogo norteamericano Antony Beaumont tradujo hace algunos años parte de los diarios de Alma; seguramente, hasta que no haga lo propio con el resto será difícil abordar la tarea de seguir escribiendo sobre ella. Pero, vistos los resultados de este libro, ése sería el deseo; que Almudena de Maeztu pudiera proseguir esta maravillosa historia, llevándola al final.

Ahora nueastra recomendación es clara: compren y lean este libro.Para echar un vistazo a la mujer responsable de la existencia de una considerable cantidad de obras maestras del siglo XX, pero también para conocer la vida de una persona absolutamente apasionante en sí misma.

DE MAEZTU, Almudena: Alma Mahler Gropius.
Editorial JP Libros, 329 págs.

Omer M.Wellber, próximo director musical del Palau de les Arts

El maestro israelí Omer M. Wellber (Beer Sheva, 1981) se convertirá, a partir de la temporada 2011-2012 y hasta la temporada 2013-2014, en el nuevo director musical del Palau de les Arts, tras la finalización del contrato de Lorin Maazel con el centro de artes valenciano.

Durante la temporada 2010-2011, Omer M. Wellber asumirá las funciones de principal director invitado y participará de forma activa en la programación del Palau de les Arts con la dirección de doce funciones de ópera y tres conciertos sinfónicos. En la temporada 2011-2012, el maestro milanés Gianandrea Noseda, que ya estuvo al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el concierto ‘Todos con Haití’, se convertirá en el principal director invitado del Palau de les Arts.

Para Omer M. Wellber “es un orgullo entrar a formar parte de este gran proyecto”. Ha elogiado la alta calidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, de la que ha subrayado su juventud y frescura, así como su gran capacidad para transmitir un sonido entusiasta. “Tras ver la interpretación de El anillo del Nibelungo, con Zubin Mehta, puedo decir que no hay ninguna orquesta en la actualidad capaz de tocar la música de Wagner de forma tan entusiasta”.

La intendente del Palau de les Arts Reina Sofía Helga Schmidt ha remarcado que Omer M. Wellber “está considerado como uno de los valores de mayor proyección en el panorama musical internacional. En muy poco tiempo ha consolidado una carrera fulgurante y un amplio repertorio italiano, francés, ruso y alemán, que le ha llevado a dirigir numerosos estrenos en la Ópera de Israel, además de conciertos sinfónicos en La Fenice de Venecia o Verona, y producciones de Aida e Il trovatore en Padua”.

Su reciente éxito con la orquesta titular de la Scala, en unas memorables funciones de Aida, en las que la propia formación milanesa le vitoreó en pleno con similar entusiasmo al del público, ha supuesto el espaldarazo definitivo a una de las batutas más emergentes y consolidadas del panorama internacional.

Como anécdota, Helga Schmidt apuntó que el propio Plácido Domingo tenía interés en contar con el joven director israelí para la Ópera de Washington.

Las aclamadas actuaciones de Omer M. Wellber en la Staatsoper de Berlín –donde es reiteradamente invitado por Daniel Barenboim– marcan algunos puntos de una carrera meteórica, que sin embargo se ha forjado serenamente a lo largo de los diversos puestos que ha desempeñado, entre otros, los de director residente de la Ópera de Israel y de la Raanana Symphonette Orchestra. Ha dirigido, además, la Israel Sinfonietta, Orquesta de Cámara de Israel, Sinfónica de Jerusalem, Sinfónica de Haifa, Sinfónica Israelí de Rishon LeZion, así como la Orquesta Filarmónica de Israel.

Durante este rápido pero muy intenso camino, el próximo director musical del Palau de les Arts forjó un sólido repertorio operístico, que incluye más de 19 títulos. También un conocimiento profundo del mundo del canto y de la lírica en general. Su trabajo, en estrecha colaboración con Daniel Barenboim, avala la incontestable calidad y consistencia profesional de quien hoy en día es uno de los directores de orquesta más codiciados por los mejores teatros internacionales.

Entre sus futuros compromisos, destacan la inauguración del prestigioso Festival de Viena de 2012, 2013 y 2014, además de Werther y Tosca, en la Scala de Milán; Carmen en la Staatsoper, de Berlín, y conciertos sinfónicos en Tel Aviv con la Filarmónica de Israel, invitado por el propio Zubin Mehta. En junio 2010 ha sido requerido para sustituir a Riccardo Muti, al frente de la orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Helga Schmidt ha avanzado, además, futuras giras y grabaciones del director con la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Galardonado con el premio Riccardo Muti al mejor director joven, empieza a trabajar en 2008 con Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín y en la Scala de Milán. Ese mismo año, la prestigiosa revista Classic Voice lo designa como artista revelación. En 2009, dirige Aida con la formación titular del templo operístico milanés en Tel Aviv, donde cosecha un clamoroso éxito.

Omer M. Wellber atesora, asimismo, una importante trayectoria como compositor y muchas de sus obras han podido escucharse en los auditorios más importantes de su Israel natal.

Foto: El presidente de la Generalitat Valenciana Francisco Camps recibió en audiencia al director Omer M.Wellber y a la intendente del Palau de les Arts Helga Schmidt.

“La fille du régiment”, en el Liceu

Del 7 al 25 de marzo, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona pone en escena una nueva producción de La fille du régiment, de Donizetti, en la coproducción original del Metropolitan, el Covent Garden y la Wiener Staatsoper.

La fille du régiment fue estrenada en París en 1840 en versión francesa, siendo ésta la que ha prevalecido desde su exhumación en el Covent Garden (1966), protagonizada por Joan Sutherland. Donizetti quiso ganarse al público parisino tras la retirada de Rossini y el fallecimiento de Bellini, realizando una obra amable, brillante y contrastada que exige un completo dominio de la técnica vocal, en algún caso al límite de las posibilidades, como el aria “Pour mon âme” del tenor –con los famosos nueve “dos” agudos– y algunas intervenciones de la soprano.

En el reparto figuran Patricia Ciofi, Juan Diego Flórez, Pietro Spagnoli, Victoria Livengood, Àlex Sanmartí, Joseph Robot, Arnau Vilardebó y Ángel Pavlovsky. Laurent Pélly firma el montaje, que contará con la dirección musical de Yves Abel.

Foto: Juan Diego Flórez canta en el Liceu.

Dessì y Armiliato, un dúo ideal para “La Fanciulla del West”

Grabado en 2005, en el Festival Puccini de Torre del Lago en Italia, acaba de salir al mercado el DVD de La Fanciulla del West, publicado por el sello Arthaus Musik en colaboración con RaiTrade.

Los protagonistas de la ópera pucciniana son la soprano Daniela Dessì y el tenor Fabio Armiliato, una de las parejas más consolidadas de la lírica internacional. Ambos cantantes comparten escenario con Lucio Gallo (Jack Rance), Massimo La Guardia (Nick) y Andrea Patucelli (Ashby). El también italiano Ivan Stefanutti firma el montaje, mientras que Alberto Veronesi se encarga de la dirección musical, al frente de la Orchestra Città Lirica.

Considerada por el público y la crítica como una de las parejas artísticas más emblemáticas de los últimos años, el binomio Daniela Dessì/Fabio Armiliato representa hoy en día la esencia viva del repertorio italiano. Herederos directos de la más pura tradición interpretativa de autores como Verdi, Puccini, Mascagni o Giordano, ambos artistas han cantado juntos en casi 300 funciones operísticas, compaginando su actividad en los grandes coliseos con conciertos y recitales por todo el mundo.

Después de debutar con esta ópera pucciniana en Torre del Lago, Dessì y Armiliato han cantado con éxito la Fanciulla del West en Roma y Sevilla. Tras el éxito de dichas representaciones, revistas especializadas como la alemana Das Opernglas han definido a estos cantantes como “las voces perfectas para Minnie y Dick Johnson”.

Para más información o comprar, hacer clic en el link: Fanciulla del West

Estreno de “Paris a nous deux!”, de Jean Françaix, en los Teatros del Canal

El día 7 de marzo, dentro de los programas que la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid ofrece en los Teatros del Canal, se interpreta la ópera en versión de concierto de Jean Françaix Paris a nous deux!

La interpretación musical corre a cargo del Mijansax Quartet y el Coro de la Comunidad de Madrid, a las órdenes de Joan Cabero. Participan como solistas el barítono Alfredo García, los tenores Eduardo Sanatamaría y Farim Karhan, la soprano Cecilia Alcedo, la mezzo Sandra Ciotarelo y la clarinetista Nerea Meyer.

También subtitulada como Le Nouveau Rastignac, con libreto de France Roche y del propio Jean Françaix, fue estrenada el 7 de agosto de 1954 en el Théâtre Municipal de Fontainebleau. Fue un encargo de la compositora Nadia Boulanguer para el Conservatorio Américain de Fontainebleau.

Su argumento, lleno de ironía, reflexiona sobre la ambición que el personaje de extracción humilde, Rastignac, tiene por alcanzar a toda costa un puesto en las altas esferas de un París sumergido en el snobismo y la trivialidad y en cuyas aguas nadan artistas sin talento e impostores de la intelectualidad con una enorme capacidad de seducir a los "salones más importantes de París".

Basado en un personaje que aparece por primera vez en la novela de H. de Balzac "Papá Goriot", Françaix espresa la mirada del músico que es capaz de ver su profesión descubriendo en ella las imposturas a las que muchas veces se aferran quienes nada tienen que decir con su arte.

El programa se completa con Tempus destruendi-tempus aedificandi, de Dallapiccola; Cinco nonsense, de Petrassi, y Comptines de L’Oisellier, de Françaix.

Foto: El compositor de Jean Françaix.

“Marina”, en Alcoy

La Asociación de Amigos de la Ópera de Alcoy presenta, el día 5 de marzo, en el Teatro Calderón de la bella localidad alicantina, la ópera Marina, de Emilio Arrieta.

El reparto lo integran un grupo de jóvenes y destacadas voces. Se trata la soprano Elena Rivera, el tenor Andrés Veramendi, el barítono Andrés del Pino y el bajo Javier Roldán, todos ellos acompañados por el Coro Sasibill de San Sebastián y la Orquesta Sinfónica de Alicante, a las órdenes de Joan Iborra.

Pascual Juan Emilio Arrieta Corera (Puente la Reina, Navarra, 20 de octubre de 1821 – Madrid, 11 de febrero de 1894) fue uno de los más importantes compositores españoles del siglo XIX, que contribuyó al afianzamiento de la zarzuela como género musical.

Autor de cincuenta títulos, el más famoso y el único que permanece en los repertorios habituales hoy en día es Marina en 1855 la convirtió en una ópera en tres actos que fue estrenada con éxito en el Teatro Real de Madrid, en 1871., con libreto de Francisco Camprodón. Nacida como zarzuela,

Desde entonces, es una de las obras favoritas del público. La mayoría de sus arias, coros, dúos, incluso el bello intermedio con su solo de trompa, gozan de una gran popularidad entre los aficionados. Su notable escritura de clara influencia italiana y sus inspiradísimas melodías, la convierten en una de las óperas más importantes de la literatura musical española