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La Orquesta Sinfónica RTVE inaugura la 64ª edición del Festival Internacional de Santander

La Orquesta Sinfónica RTVE inaugura la 64ª edición del Festival Internacional de Santander

El Festival Internacional de Santander ha querido sumarse a la celebración del 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica RTVE, nacida bajo la batuta del maestro Igor Markevitch,  en 1965. Por este motivo se ha elegido un programa para el concierto con dos obras de Falla y Stravinsky, que fueron interpretadas por la Orquesta en sus primeros conciertos.  

En la primera parte la Orquesta ofrecerá ‘El Sombrero de tres picos’, del compositor gaditano, y en la segunda, ‘El pájaro de fuego’ de Stravinsky. Las dos obras fueron compuestas para los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev. El carácter que impregnó Diaghilev a los ballets le ha hecho pasar a la historia como el más influyente del siglo XX. Diaghilev unió a los mejores bailarines del momento con los compositores más innovadores.

En el marco del festival, se celebra la XVIII edición del Concurso Internacional de Piano de Santander, Paloma O´Shea.  La Orquesta RTVE acompañará a los finalistas del certamen en los ensayos del 2 de agosto y en los conciertos finales, el 3 y 4 de agosto, con los seis pianistas seleccionados. La 2 y Radio Clásica transmitirán estos conciertos, que también  se podrán seguir en la web de RTVE.

El Concurso, considerado uno de los más prestigiosos del mundo en su especialidad, está abierto a jóvenes pianistas de gran talento y tiene como objetivo darles a conocer y ayudarles en sus carreras artísticas. Por ello, el certamen no se limita a su aspecto meramente competitivo sino que, además, tiene la dimensión de un Festival o punto de encuentro entre los futuros grandes intérpretes de nuestro siglo.

http://festivalsantander.com/

Foto: Pablo González.

La Orquesta Barroca de Sevilla presenta su temporada de conciertos 2015/2016

La Orquesta Barroca de Sevilla presenta su temporada de conciertos 2015/2016

La OBS cumple su vigésimo aniversario y lo celebra con el Teatro Lope de Vega como su nueva sede, que dará acogida a 10 de los 12 conciertos de la Temporada en su programación. Fabio Bonizzoni, Sergey Malov, Enrico Onofri y Riccardo Minasi son algunos de los directores que se pondrán al frente de la OBS durante esta Temporada. Los abonos de la Temporada (para los 8 espectáculos en el Teatro Lope de Vega) están ya a la venta en la taquilla del propio teatro, en www.generaltickets.com y a través de www.orquestabarrocadesevilla.com 28 de julio de 2015. La Orquesta Barroca de Sevilla ha presentado hoy su 4ª Temporada de conciertos en Sevilla 2015/2016, que contará con 10 programas y 12 conciertos (ya que dos espectáculos se repetirán en días consecutivos) a desarrollarse en dos espacios de la ciudad, un amplio programa de actividades paralelas y la presencia de directores y solistas de relevancia internacional: los directores Fabio Bonizzoni, Wilbert Hazelzet, Manfredo Kraemer, Sergey Malov, Andoni Mercero, Riccardo Minasi y Enrico Onofri; las sopranos Alicia Amo, Yetzabel Arias Fernández, Julia Doyle, Roberta Mameli y Benedetta Mazzucato; el bajo Fulvio Bettini, y el contratenor Gabriel Díaz.

Las actividades de esta Temporada comenzarán el próximo mes de septiembre con un programa dedicado a la poco conocida viola o violoncello da spalla, dirigido por Sergey Malov, y finalizarán en mayo de 2016 con un programa de música francesa a cargo del flautista holandés Wilbert Hazelzet. La calidad de las propuestas, directores y solistas vuelve a ser el eje de la programación. Destaca la cita con Fabio Bonizzoni y la propuesta escenificada de esta temporada, Apollo e Dafne (o La terra è liberata), cantata profana de George Frideric Handel, que será presentada en colaboración con Producciones Imperdibles); directores como Sergey Malov y Riccardo Minasi se estrenarán al frente de la orquesta, mientras que se consolida la colaboración con Enrico Onofri, quien dirigirá dos programas de la Temporada: el Proyecto Atalaya de las Universidades Andaluzas y La Senna Festeggiante, serenata de Antonio Vivaldi.

Coincidiendo con su vigésimo aniversario, el Teatro Lope de Vega se convierte en la nueva sede de la OBS, con 10 de los 12 conciertos de la Temporada incluidos en su programación. La Iglesia de la Anunciación dará cabida a los espectáculos ligados a la Universidad de Sevilla, como son el concierto de presentación del Proyecto Atalaya de las Universidades Andaluzas y el ya tradicional Concierto de Santo Tomás. Asimismo, se auguran acontecimientos importantes para esta Temporada, en la que se prestará especial atención a proyectos de carácter social, tal como se adelantó la temporada pasada. Orquesta Barroca de Sevilla Premio Nacional de Música 2011 Pero no todo serán conciertos. El próximo mes de septiembre se presentará la programación de la segunda edición de la Academia de Música Antigua de Sevilla (AMANT), un proyecto que se inició la temporada pasada gracias a la colaboración de varias instituciones de la ciudad, organizado por la Orquesta Barroca de Sevilla y liderado por la Universidad de Sevilla. Una selección de los directores y solistas invitados impartirá un máximo de 8 clases magistrales de diversas especialidades vocales e instrumentales, actividad que correrá paralela al Curso de Contextualización Histórica y Apreciación de la Música (cuyas conferencias pueden consultarse ya en la web del Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla) y ensayos abiertos. Las entradas para los conciertos y los abonos de Temporada están ya a la venta en las taquillas del Teatro Lope de Vega (de 11 a 14 horas durante julio y agosto, y en su horario habitual de 11 a 14 y de 17.30 a 20.30 horas a partir de septiembre, lunes y festivos sin función cerrada) y a través de internet en www.orquestabarrocadesevilla.com y www.generaltickets.com.

En la línea de la pasada temporada, se mantienen descuentos para personal universitario, para los miembros de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla y para estudiantes de los Conservatorios públicos de música de Sevilla. La OBS cuenta con el apoyo de Ayuntamiento de Sevilla, Universidad de Sevilla, Junta de Andalucía, Fundación José Manuel Lara, English Language Institute (ELI), Institut Français, Asociación de Amigos de la OBS, Fundación Cajasol, INAEM, Foster Viajes, Iberia y Sevilla Congress & Convention Bureau, así como de medios de comunicación como Diario de Sevilla, El Correo de Andalucía, Radio Televisión de Andalucía, Cadena Ser y El Giraldillo. Como colofón del acto, la OBS aprovechó la cita para presentar su último disco, el número 9 del catálogo de su sello discográfico Prometeo (no olvidemos sus tres primeras grabaciones con los sellos Almaviva, Harmonia Mundi y Lindoro). Bajo el título Música en la Catedral de Sevilla se presenta una selección de obras de Antonio Ripa (1718-1795), compositor turiasonense que ostentó el cargo de maestro de capilla de la Catedral de Sevilla entre 1768 y 1795.

www.orquestabarrocadesevilla.com

Foto: La Orquesta Barroca de Sevilla

Glenn Gould remasterizado, una colección de 81 álbumes, en una caja edición limitada de lujo

Glenn Gould remasterizado, una colección de 81 álbumes, en una caja edición limitada de lujo

Glenn Gould Remastered – The Complete Album Collection incluye grabaciones de Glenn Gould de estudio aprobadas y restauradas a través de la innovadora  tecnología Direct Stream Digital® (DSD) en una edición limitada de 81 CDs. El libro de 416 páginas incluye notas originales (muchas de ellas escritas por el propio Gould), una gran cantidad de documentos, fotos raras, información discográfica completa y un nuevo ensayo introductorio a cargo del biógrafo de Gould, Kevin Bazzana.

En 1955 Glenn Gould firmó un contrato exclusivo con Columbia Masterworks, y permaneció con este sello hasta su muerte en 1982. El primer lanzamiento de Gould, Las Variaciones Goldberg de Bach, publicado en Enero de 1956, tomó al mundo por sorpresa y estableció al pianista Canadiense de 22 años inmediatamente como uno de los intérpretes de clásico más brillantes, originales, carismáticos  provocativos de su tiempo. Nacido en Toronto el 25 de Septiembre de 1932, Gould estudió primero con su madre y luego con Alberto Guerrero en el Conservatorio de Música de Toronto. Comenzó a dar conciertos cuando todavía era un adolescente, mientras su primer recital de radio por CBC en 1950 lanzaba su “romance con el micrófono.” Hacia finales de su adolescencia, Gould ya se había convertido en una personalidad artística. Al principio, favoreció programas poco habituales como Bach, Byrd, Gibbons, Sweelinck, Haydn y Beethoven por un lado, y Schoenberg, Berg, Webern y Hindemith por el otro, aproximándose a los Románticos de forma selectiva. En 1957 Gould se convirtió en el primer Norteamericano que se presentó en la Unión Soviética desde la Segunda Guerra Mundial. Después de menos de una década de conciertos internacionales, Gould se retiró de los escenarios a la edad de 31 años en 1964 para dedicarse a la grabación, el trabajo en televisión, la creación de innovadores documentales de radio, y la escritura de artículos y ensayos.

Pocos artistas son tan fácilmente reconocibles como Gould, cuya agudeza rítmica, limpia articulación y rutilante aplomo técnico continúa siendo su marca individual e indeleble; desde sus audaz y controvertido ciclo de Sonatas de Mozart e Intermezzi de Brahms, hasta sus comprometidas interpretaciones de la música del siglo XX, y por supuesto, su alegre, vigoroso e influyente Bach.

www.sonyclassical.es

Foto. El álbum al completo.

El sello discográfico Orpheus anuncia sus ocho nuevos proyectos para la próxima temporada

El sello discográfico Orpheus anuncia sus ocho nuevos proyectos para la próxima temporada

Apenas un año después de su creación y del lanzamiento de sus dos primeros proyectos con el músico español Félix Ardanaz, el sello Orpheus se ha consolidado en el panorama musical español. Con sede en la Gran Vía madrileña, Orpheus, que nació con el propósito de renovar el mundo de la grabación discográfica en nuestro país, no ha parado de crecer. “Pensamos que era el momento de dar un vuelco a una industria que parecía que llegaba a su fin”, señala Elena Arrieta, directora artística de Orpheus, “y para ello teníamos que hacer de Orpheus un sello distinto basado en cuatro pilares: accesibilidad, protección del artista, promoción y proyectos originales”.

Unos valores que la discográfica ha mantenido firmemente en sus proyectos anteriores y a los que sigue siendo fiel en los próximos: 

  • Accesibilidad: facilitar la grabación a músicos de nivel excepcional es la máxima prioridad de Orpheus y para ello tener un precio accesible es básico. Por alrededor de 2.500€ podrán producir y distribuir sus trabajos.
  • Protección del artista: los intérpretes y creadores son los propietarios del 100% de los derechos de sus obras, del 100% de los CDs fabricados y de los beneficiarios de las ventas. Todos los proyectos son distribuidos a través de las plataformas digitales de internet (Spotify, Itunes, Deezer, Rhapsody, etc.), y físicamente por Sémele en la Península Ibéria, por CD Alliance en América y por Amazon internacionalmente.
  • Promoción: un amplio catálogo de servicios promocionales completa el servicio de fabricación y distribución. Según Elena Arrieta, “un CD es la mejor carta de presentación de un músico, y nosotros ofrecemos una lista larga de servicios de prensa digital y escrita para dar a conocer el trabajo de calidad que realicen nuestros intérpretes y compositores. Ellos han de ser los propietarios de su obra y decidir en todo momento lo que más les conviene”.
  • Originalidad: los proyectos temáticos de gran interés conceptual, la música de creación contemporánea, el apoyo a los jóvenes intérpretes y la difusión del trabajo de músicos excepcionales con un sello claramente personal son prioritarios para Orpheus. 


Fiel a este ideario, en los próximos meses, Orpheus lanzará al mercado ocho nuevos proyectos, que contribuirán a su consolidación en el mercado de la clásica y que van desde el nuevo CD de la compositora Italo-argentina María Eugenia Luc con la Orquesta Sinfonica de Euskadi, los nuevos trabajos de pianistas internacionales como Patrick Hemmerlé (“Variations on Schumann”), Félix Ardanaz (“Vienna”), Evangelia Mitsopoulou con su trabajo en torno a Dante Alghieri o Gustavo Díaz Jerez con su DVD con la Suite Iberia de Albeniz, el segundo disco del Quinto Verger, el CD del duo formado por el  clarinetista Luis Fernández y el pianista Carles Marín con su recorrido por el repertorio romántico o el primer CD de un joven talento, el violinista Javier García Aranda.

www.musicorpheus.com

Foto: Collage de Artistas Orpheus

El Concurso de Piano de Santander da a conocer los 12 pianistas seleccionados para la Semifinal

El Concurso de Piano de Santander da a conocer los 12 pianistas seleccionados para la Semifinal

El Jurado del XVIII Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea, reunido tras finalizar la tercera de las sesiones de recital que han formado parte de la Primera Fase del Concurso celebrada del 25 al 27 de julio en la Sala Pereda del Palacio de Festivales de Cantabria, ha dado a conocer esta noche los nombres de los 12 concursantes que participarán en la siguiente fase del certamen.

El Jurado del Concurso de Santander está formado por grandes figuras internacionales, presidido por Gary Graffman, rector durante muchos años del Curtis Institute de Filadelfia, Jian Li, Tomás Marco y Luis Pereira Leal (vicepresidentes), Michel Béroff, Péter Csaba, Christopher Elton, Homero Francesch, Márta Gulyás, Klaus Hellwig, Eldar Nebolsin y Blanca Uribe.

Los nombres de los pianistas seleccionados son:

NOMBRE y APELLIDOS /  PAIS /  EDAD

Juan Barahona / España / 25

Albert Cano Smit / España / Países Bajos / 18

David Jae-Weon Huh / Corea / 28

Jianing Kong / China / 29

Ke Ma / China / 20

Alexia Mouza / Grecia / Venezuela / 25

Jinhyung Park / Corea / 18

Juan   Pérez Floristán / España / 22

Kazuya Saito / Japón / 25

Akihiro Sakiya / Japón / 26

Alexey Sychev / Federación Rusa / 26

Andrey Yaroshinsky / Federación Rusa / 29 

A partir del 29 de julio, tras la primera Fase de Recitales, tendrá lugar la Semifinal del Concurso que contará con la actuación del Cuarteto Casals. Por último, la Final el 3 y 4 de agosto, dentro del marco del 64 Festival Internacional de Santander, contará con los seis pianistas que determinará el Jurado acompañados por la Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española bajo la dirección del maestro Pablo González. Todas las fases del Concurso, sin excepción, se verán en directo en classicalplanet.com y en rtve.es. La Final se podrá disfrutar en la parrilla de Radio Clásica de Radio Nacional de España y por La 2 de TVE. Asimismo, la Gala de Entrega de Premios también será retransmitida en directo por La 2 de TVE.

El Diario Montañés ha patrocinado la Primera Fase; Grupo Tirso, Textil Santanderina, Café Dromedario y Hoteles Santos los conciertos que integran la Semifinal; Viesgo y Fundación Banco Santander, los dos conciertos de la Final con Orquesta Sinfónica, respectivamente.

El Concurso de Santander está dotado con importantes premios en metálico –cerca de 90.000 euros, a repartir entre Primero, Segundo y Tercer Premio, el Gran Premio de Santander, premios de Laureado y Diplomas– pero, sobre todo, el certamen ofrece al ganador y a los finalistas una serie de actuaciones por prestigiosas salas de todo el mundo. Por su número y relevancia, estas actuaciones sobrepasan con mucho la noción de un trampolín de inicio y constituyen todo un primer tramo de carrera profesional.

Canon patrocinará el Premio del Público, que se concedió por primera vez en 1998, y que se otorga en base a las votaciones realizadas por los asistentes en la Sala Argenta del Palacio de Festivales, a los que se suman los oyentes de Radio Clásica de RNE y espectadores de La 2 de TVE, rtve.es y classicalplanet.com. Los espectadores podrán decidir su ganador después de cada uno de los dos conciertos que engloba la Final del Concurso, los días 3 y 4 de Agosto. En estos canales la votación será online a través de los portales de www.classicalplanet.com y www.rtve.es.

El Concurso de Piano cuenta con la colaboración de numerosas entidades públicas y privadas: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte – INAEM; Gobierno de Cantabria; Ayuntamiento de Santander; Festival Internacional de Santander; Fundación Albéniz; Fundación Botín; Universidad de Cantabria; Editorial Cantabria, El Diario Montañés; Viesgo; Fundación Banco Santander; Café Dromedario, S.A.; Canon; Grupo Empresarial SADISA, S.L.; Grupo Planeta; Grupo Tirso S.A.; Yamaha España; Hinves Pianos; Steinway & Sons, Hamburgo; Hoteles Santos; Joyería Galán; Presmanes Joyeros; Textil Santanderina, S.A.; Agua de Solares; Iberia; Alsa; Renfe; Volvo.

http://www.santanderpianocompetition.com/Default.aspx

Foto: Instantánea de los 12 pianistas seleccionados para las Semifinales del XVIII Concurso de Piano de Santander.
Acred: Elena Torcida.  

El conjunto barroco Forma Antiqva interpreta su Concierto Zapico en El Escorial

El conjunto barroco Forma Antiqva interpreta su Concierto Zapico en El Escorial

El Festival de Verano del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta a la agrupación Forma Antiqva con su Concierto Zapico, un particular programa que se podrá disfrutar el próximo domingo 2 de agosto.

Las obras que conforman el programa de Concierto Zapico se enmarcan dentro del repertorio ibérico-italiano de los siglos XVII y XVIII para clave, guitarra y tiorba. A pesar de que se trata de obras escritas originalmente para solista, los hermanos Zapico las han transcrito y arreglado para poderlas tocar también en dúo o trío. Una costumbre que en realidad, fue tan frecuente como práctica en toda la historia de la música.

Así, cada uno de los Zapico ha sellado un tercio del programa con su personalidad; con su idea de la agrupación, seleccionando sus obras solistas a las que posteriormente se añadieron sus hermanos en un trabajo conjunto muy fructífero y creativo. Podemos concluir que estas obras han madurado durante mucho tiempo, conciertos y lugares.

Centrado en los hermanos Pablo, Daniel y Aarón Zapico, y bajo la dirección de éste último, Forma Antiqva es un conjunto de música barroca de formación variable que reúne a los intérpretes más brillantes de su generación y que está considerado por la crítica como uno de los conjuntos más importantes y prometedores de la música clásica en España.

Su carrera incluye conciertos en los más prestigiosos festivales y ciclos del país: Teatro Real de Madrid, Quincena Musical de San Sebastián, L’Auditori de Barcelona, Auditorio Nacional de Madrid, inauguración de las Temporadas de Ópera de Oviedo y Bilbao, Auditorio de El Escorial o el Palau de la Música de Valencia.

Su intensa agenda internacional les ha llevado a grandes festivales europeos como el Ludwigsburger Schlossfestspiele en Alemania, el Van Vlaanderen en Brujas (Bélgica) o las Summer Festivities of Early Music de Praga. Además, Forma Antiqva se ha presentado en diferentes salas y auditorios de Bolivia, Brasil, Singapur, Australia, Italia, Grecia, China, Japón, Serbia y Francia.

El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid arrancó el 27 de junio con una variada selección de espectáculos encabezada por la producción de la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi y por Danza en cuerpo y alma, un espectacular homenaje a Víctor Ullate, con Lucía Lacarra y Joaquín de Luz como figuras principales. Además se podrá disfrutar del Ballet Víctor Ullate de la Comunidad de Madrid  así como de 14 conciertos en los que grandes agrupaciones musicales, prestigiosos solistas internacionales y destacados directores se subirán al escenario del Teatro Auditorio. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza protagonizarán las noches de la sierra madrileña del 27 de junio al 6 de agosto.

FICHA ARTÍSTICA

Aarón Zapico, clave
Daniel Zapico, tiorba
Pablo Zapico, guitarra barroca 

PROGRAMA 

Fandango de España, José Blasco de Nebra (1702 – 1768)
Fandango, Santiago de Murcia (c1682 – c1740)
Marionas, Gaspar Sanz (c1640 – c1710)
Xácara, Anónimo
Obra por 5º tono. Preludio Grabe y Giga, Santiago de Murcia según Arcangelo Corelli (1653 – 1713)
Preludio, Conte Ludovico Roncalli (s. XVII)
Passacaglia, Giovanni Girolamo Kapsperger (c1580 – 1651)
Bayle del Gran Duque, Anónimo
Improvisaciones sobre Caponas y Chaconas
Cumbees, Santiago de Murcia
Diferencias sobre las Folías, Anónimo
Colascione, Giovanni Girolamo Kapsperger
Passacaglia, Johann Caspar Ferdinand Fischer (1656 – 1746)
Folías Gallegas, Santiago de Murcia
Fandango, Domenico Scarlatti (1685 – 1757) 

Se puede consultar más información de los espectáculos, sus fechas de representación y el precio de las entradas en

www.teatroauditorioescorial.es

Foto: El conjunto barroco Forma Antiqva.

 

La XV edición del Encuentro de Música y Academia de Santander culmina con gran éxito

La XV edición del Encuentro de Música y Academia de Santander culmina con gran éxito

Con el final de las clases magistrales y conciertos por toda Cantabria, el Encuentro de Música y Academia de Santander ha terminado el 23 de julio una décimo quinta edición plena, que ha reunido mucho talento y juventud en torno a la música, elementos distintivos de este festival. Han sido más de 200 obras de casi un centenar de compositores, desde el año 1600 hasta nuestros días, en forma de recitales, música de cámara y conjuntos orquestas.

Desde su llegada a Santander el 1 de julio hasta el jueves 23, los 60 jóvenes procedentes de las mejores escuelas de música de Europa han combinado, con mucho ritmo, las clases magistrales y los conciertos. Han compartido el escenario con sus prestigiosos maestros y han participado en 45 conciertos en 22 localidades de la geografía cántabra, en escenarios tan variados como el Paraninfo de La Magdalena de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), marcos históricos de iglesias y ermitas de pequeños y grandes municipios, junto con teatros, auditorios y centros de cultura, así como las magníficas salas Argenta y Pereda del Palacio de Festivales en Santander.

En este XV Encuentro, las aulas del santanderino Conservatorio Jesús de Monasterio han albergado clases magistrales a cargo de músicos de máximo nivel, como: Zakhar Bron  y Mihaela Martin (violín), András Adorján (flauta), Eduard Brunner (clarinete), Gérard Caussé (viola), y Claudio Martínez Mehner (piano). Al claustro de maestros se han sumado Frans Helmerson (violonchelo), Hansjörg Schellenberger (oboe) y Richard Watkins (trompa).

Los maestros Péter Csaba, Director Artístico del Encuentro, y Fabián Panisello, se han ocupado, respectivamente, de los programas de orquesta sinfónica,  de cámara y ensembles.

Para el concierto inaugural el 7 de julio, el maestro Péter Csaba, dirigió a la Orquesta Sinfónica Freixenet del Encuentro, y contó con el violonchelista Pablo Ferrández con una excelente técnica y el extraordinario sonido de su valioso Stradivarius, de la Nippon Foundation, en las “Variaciones rococó” de Tchaikovsky. El programa de apertura celebraba el aniversario de Sibelius y Tchaikovsky, e incluyó dos obras de Strauss muy contrastadas, (Muerte y Transfiguración; y Don Juan).

Además de estos aniversarios, en el Encuentro se ha tocado la integral de los 24 Caprichos de Paganini. También se ha dedicado un homenaje muy especial al maestro Zakhar Bron con motivo de su 25 aniversario de docencia en Santander, que comenzó en los Cursos de Verano de la Escuela Reina Sofía en la capital cántabra.

Por tercer año el Encuentro ha incorporado a su programación artística en el Palacio de Festivales de Cantabria un concierto extraordinario dedicado a las familias. El maestro Csaba dirigió a la Camerata Viesgo del Encuentro con dos obras bien conocidas y muy queridas por todos los públicos: la “Sinfonía de los juguetes” de Leopold Mozart, el padre, profesor y mentor de su hijo Wolfgang Amadeus, autor de la  segunda obra del concierto la “Serenata nocturna en re”. El concierto fue presentado por María Larumbe e intervino el mago Mag Nani.

El nivel de asistencia de esta edición confirma la consolidación del Encuentro como el gran festival musical de julio en Santander, una actividad cultural de gran calado que el público espera cada verano con renovado interés. El Encuentro cuenta con la colaboración de numerosas entidades públicas y privadas y, muy especialmente, con el apoyo decidido del Gobierno de Cantabria.

Todos los conciertos del Encuentro en las Salas Argenta y Pereda del Palacio de Festivales han sido emitidos en directo por www.classicalplanet.com/LIVE, el portal para la música clásica de la Fundación Albéniz en el marco del proyecto EUROCLASSICAL. Las lecciones magistrales se han incorporado a la sección de Magister de este portal..

Quince años de Encuentro

El Encuentro de Música y Academia fue creado en 2001 por la Fundación Albéniz, que preside Paloma O´Shea, Directora del Encuentro, siendo desde entonces una actividad docente y artística pionera en España con el objetivo de que jóvenes talentos trabajen y convivan en las aulas y escenarios con los más reclamados maestros de cada especialidad instrumental.

Este año, además de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y el Instituto Internacional de Música de Cámara (Madrid), las instituciones de procedencia de los alumnos seleccionados para participar en el Encuentro han sido: Hochschule für Musik Hanns Eisler y Universität der Künste (Berlín, Alemania) / Erasmushogeschool Koninklijk Conservatorium Brussel (Bruselas, Bélgica) / Sibelius Academy (Helsinki, Finlandia) / Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (París, Francia) / Liszt Ferenc Academyof Music (Budapest, Hungría) / Fondazione Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma, Italia) / Escola Superior de Música, Artes e Espectáculo Instituto Politécnico do Porto (Oporto, Portugal) / Royal Academy of Music, Royal College of Music y Guildhall School of Music and Drama (Londres, Reino Unido) / Musik-Akademie der Stadt Basel (Basilea, Suiza).

Como colofón a la actividad del Encuentro de Música y Academia de Santander 2015, maestros y jóvenes músicos asistieron a la tradicional cena de gala organizada en el Hotel Real de la capital cántabra.

Foto: Péter Csaba.

www.encuentrodesantander.es 

Itzhak Perlman cumple 70 años y Warner Classics publica su obra remasterizada en Abbey Road

Itzhak Perlman cumple 70 años y Warner Classics publica su obra remasterizada en Abbey Road

El 31 de agosto de 2015 es el septuagésimo cumpleaños de Itzhak Perlman, el violinista más aclamado de su tiempo, venerado y reconocido por crítica y público en todo el mundo. Un músico cuya fuerte personalidad artística es todo un referente y un modelo a seguir para una lista interminable de músicos y aficionados. Con más de cincuenta años de carrera, Itzhak Perlman  sigue  siendo una figura en activo de plena actualidad.

Coincidiendo con su 70 cumpleaños, WARNER CLASSICS edita el 28 de Agosto “THE PERLMAN SOUND” una compilación en formato 3CD Digipak que recoge la quintaesencia del arte de Perlman remasterizado en sonido 24-bit/96kHz en Abbey Road Studios. 

El 25 de septiembre de 2015 se publicará la lujosa caja integral Itzhak Perlman: THE COMPLETE WARNER RECORDINGS donde el violinista supremo brilla con todo su esplendor. Esta caja de 77CDs contiene un conjunto de 59 álbumes con las obras grabadas durante un período de más de 30 años para EMI Classics (su sello principal) y Teldec, incluyendo algunas grabaciones no editadas. La caja contiene un libro exquisitamente producido con gran cantidad de fotografías muchas de ellas procedentes de colecciones privadas y nunca antes publicadas.

Las grabaciones documentan sus colaboraciones con las orquestas más grandes e importantes del mundo y los directores más destacados.

Las obras que integran Itzhak Perlman: The Complete Warner Recordings han sido tratadas con el mayor cuidado. Las grabaciones de la etapa analógica han sido cuidadosamente remasterizadas en sonido de 24-bit / 96kHz en los legendarios Abbey Road Studios.

La magnitud de su fama se manifiesta con su  importante  presencia en internet  y las redes sociales, habiendo superado el  millón  de visualizaciones con sus videos en  su canal de YouTube y alcanzando la cifra de  20.000 suscriptores con los que interactúa y discute aspectos del  método y  forma de  tocar  el  violín. Además tiene más de 9.000 seguidores en Twitter  y  350.000 'likes' en Facebook, más que Lang Lang.

Foto: Portada de la edición.

www.warnerclassics.com

El Festival de Peralada será protagonista del último baile de Sylvie Guillem en España

El Festival de Peralada será protagonista del último baile de Sylvie Guillem en España

El adiós de los escenarios de la mítica bailarina entrará a formar parte de la historia de la danza y del mismo Festival de Peralada. Sylvie Guillem está haciendo este 2015 su última gira mundial que el próximo 24 de julio la traerá al Festival de Peralada. Lo hace con una producción totalmente nueva para decir adiós con gratitud y una gran cantidad de emociones, según explicó la misma Guillem que también ha querido destacar que "He amado cada momento de los últimos 39 años y, hoy, todavía los amo de la misma manera. ¿Y por qué parar? Muy sencillo, porque quiero terminar mientras todavía sea feliz haciendo lo que hago con orgullo y pasión. "

El público del Festival de Peralada verá el próximo viernes el espectáculo Life in progress con el que la gran bailarina se despide de los escenarios, a sus 50 años. Llega a Peralada para presentar la que será una premiére en el Estado: su último espectáculo junto a estrellas de La Scala y del Forsythe como son Emanuela Montanari, Brigels Gjoka y Riley Watts. En Life in progress, la danza de Sylvie Guillem dará vida a obras de cuatro maestros contemporáneos como Mats Ek, William Forysthe, Akram Khan y Rusell Maliphant.

Será una noche cargada de emociones por diversos motivos: poder admirar y disfrutar de la gran técnica y estilo de esta bailarina, porque será la última vez que la podremos ver sobre un escenario en España y... porque el público de esta noche en el Auditori del Parc del Castell podrá decir que ha sido espectador de uno de los últimos espectáculos de la carrera profesional de Sylvie Guillem.

Rudolf Nureyev dio a Guillem, la que probablemente fue su primera incursión en la danza profesional. Interpretó, cuando era una adolescente, un pequeño papel en Raymonda. A partir de aquí su carrera emprendió un camino ascendente que la ha hecho viajar por todo el mundo para interpretar primeros papeles con muchas compañías. Maurice Béjart creó tres piezas para ella y la incluyó en dos de sus obras más famosas Boléro y Le sacre du printemps.

http://www.festivalperalada.com/es/

Foto: Sylvie Guillem.

Arranca la 76º Quincena de San Sebastián,  con una propuesta artística ambiciosa

Arranca la 76º Quincena de San Sebastián, con una propuesta artística ambiciosa

El próximo uno de agosto arranca en el Kursaal donostiarra la Quincena Musical de San Sebastián con la Mahler Chamber Orchestra (días 1 y 2) y obras de Prokofiev, Beethoven y Mozart. Será el inicio de una nueva edición centrada en consolidar un novedoso modelo que sin renunciar al rigor, la variedad y la calidad de sus propuestas, ha conseguido una total y muy sana sostenibilidad en tiempos de crisis.

Con los abonos confirmados al 100% para la edición de 2015 y algunas funciones agotadas a un mes de su inauguración con el 78% de la previsión de venta de localidades cubierta, el interés que ha despertado cuenta con el apoyo de un público que ve como platos fuertes la ‘Tosca’ que se representará los días 13 y 15, con Ainhoa Arteta como protagonista y el espectáculo ‘Voces’, de Sara Baras, con las entradas agotadas.

La serie sinfónica, con la Mahler Chamber en la apertura y sucesivamente la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de Cadaqués, la Sinfónica de la Radio de Colonia –estas tres con el Orfeón Donostiarra- y la Filarmónica de Oslo para el cierre el 30 de agosto, también han sido favorablemente acogidas por el público con los programas que serán dirigidos, por este orden, por batutas como la de Yuri Termikanov, Alberto Zedda, Jukka-Pekka Sarastre o Vasily Petrenko.

La presencia de solistas como Grigori Sokolov (día 10 en el teatro Victoria Eugenia), para muchos el mejor pianista del mundo, o Javier Perianes, el español con más presencia internacional, al lado de la Filarmónica de San Petersburgo, así como propuestas líricas, de música antigua, barroca o programas pedagógicos y solidarios de amplia presencia dentro del calendario –como el previsto cada año con los fondos del Ciclo de Música Antigua, que destina esta temporada el dinero recaudado de las entradas a la asociación ADELA-Gipuzkoa para la Esclerosis Lateral Amiotrófica-, conforman al donostiarra como uno de los festivales más señeros pero mejor adaptados a la modernidad de Europa.

http://www.quincenamusical.eus/

Foto: Grigori Sokolov

Lang Lang in Paris, Nuevo disco del pianista para Sony Classical con obras de Chopin y Tchaivosky

Lang Lang in Paris, Nuevo disco del pianista para Sony Classical con obras de Chopin y Tchaivosky

Lang Lang y Chopin han sido desde hace muchos años una combinación ganadora. En 2012, The Chopin Album se convirtió en uno de los álbumes de mayor éxito de la superestrella del piano. Tchaikovsky también ha ocupado un lugar destacado en su carrera, sobre todo cuando con solo 17 años logró un éxito internacional en el Festival de Ravinia con la Chicago Symphony Orchestra, y la posterior primera grabación en DG unos años más tarde.

Para Lang Lang fue todo un sueño poder realizar en el Salón de los Espejos de Versalles su reciente recital, que trasladó después al estudio de grabación en la capital francesa en forma de este Lang Lang in Paris, con el mismo programa. El recital privado de Versalles será publicado  en DVD y Blu-ray este otoño, para acompañar el lanzamiento del álbum de estudio. Ambos productos de audio y vídeo comparten el mismo repertorio. Filmado en 4K usando una gran variedad de cámaras y ángulos el video, el resultado promete ser espectacular.

Lang Lang vuelve a Chopin, del que selecciona las cuatro conocidas Scherzi para mostrar su capacidad interpretativa y su reconocido dominio técnico. El programa también incluye las 12 Estaciones de Tchaikovsky, encargadas por una revista musical en 1875.

Lang Lang está considerado uno de los mejores pianistas del mundo, si no el más grande. Conocido por su precisión y fantasía, pese a su aún corta edad ya ha colaborado con las mejores orquestas del mundo y con directores como Mehta, Barenboim o Rattle. Además de su carrera musical, con la que ha revolucionado la imagen de la música clásica en los últimos años, se dedica apasionadamente a compartir música con la gente joven, lo que le valió su reciente nombramiento como Embajador de Buena Voluntad por UNICEF.

CONTENIDO DEL CD:

CD 1

Frédéric Chopin (1810-1849)

Scherzi

1.    Scherzo no 1 in B minor op 20 (1831/2)

2.    Scherzo no 2 in B-flat minor, op 31 (1837)

3.    Scherzo no 3 in C-sharp minor, op. 39 (1839)

4.    Scherzo no 4 in E major, op 54 (1842)

 

CD 2

Peter Tchaikovsky (1840-1893)

The Seasons op 37a, (1875/6 )

1.     January: At the Fireside (A major)

2.     February: Carnival (D major)

3.     March: Song of the Lark (G minor),

4.     April: Snowdrop (B-flat major)

5.     May: Starlit Nights (G major)

6.     June: Barcarolle (G minor)

7.     July: Song of the Reaper (E-flat major)

8.     August: Harvest (B minor)

9.     September: The Hunt (G major)

10.   October: Autumn Song (D minor)

11.   November: Troika (E major)

12.   December: Christmas (A-flat major)

www.sonyclassical.es

Foto: Portada del CD.

 

Boadella reescribe la leyenda negra del Don Carlo de Verdi, por primera vez en El Escorial

Boadella reescribe la leyenda negra del Don Carlo de Verdi, por primera vez en El Escorial

El dramaturgo y director artístico de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, Albert Boadella, presenta un nuevo montaje de la ópera de Giuseppe Verdi Don Carlo en el Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial.

Se estrenará este sábado 25 de julio en San Lorenzo de El Escorial, en cuyo monasterio vivieron (y hoy reposan sus restos) los protagonistas de esta obra, inspirada en el drama homónimo de Friedrich Schiller. Las representaciones serán en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial los días 25, 27 y 29 de julio.

El tenor José Bros dará vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II, que será encarnado por el bajo canadiense John Relyea. El director musical chileno Maxiliano Valdés, al frente de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, será el encargado de conducir al elenco. Esta nueva revisión de Don Carlo es una coproducción entre los Teatros del Canal y el Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial.

Junto a José Bros y a John Relyea subirán al escenario el barítono Ángel Ódena, quien cantará en el rol de Rodrigo, marqués de Posa, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano argentina Virginia Tola, como Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo soprano Ketevan Klemoklidze como Princesa de Éboli; Luiz Ottavio Faria como el inquisidor; o el bajo Simón Orfila, que hará las veces del fraile. La escenografía es obra de Ricardo Sánchez Cuerda, que ya trabajó con Boadella en la espléndida escenografía de Amadeu, y la iluminación a cargo de Bernat Jansa.

Un Don Carlo verídico

La ópera Don Carlo, además de una de las cumbres operísticas de Giuseppe Verdi, fue una forma especialmente efectiva de irradiar, tres siglos después, el fenómeno propagandístico de la ‘leyenda negra’ contra la poderosa España de Felipe II. Una visión basada en difundir una imagen especialmente sombría, cruel y sometida a la autoridad despiadada de la Inquisición. Esto, sin ser del todo falso, no equivale ni de lejos a lo que en realidad fue y significó la sociedad española del Renacimiento. El libreto de Don Carlo, basado en el texto homónimo de Schiller, expone una realidad trastocada a pesar de utilizar los verdaderos protagonistas históricos para desarrollar el relato.

Y esto es, precisamente, a lo que la propuesta escénica de Albert Boadella quiere dar la vuelta con el fin de restituir en la medida de lo posible la realidad histórica de aquella España. Su intención es darle a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica, que consigan aportar al drama matices hasta ahora desconocidos en los distintos montajes”. Entre otras cosas, el personaje de Don Carlo manifestará los ademanes de la demencia que en realidad sufría y en la que coinciden los historiadores. 

Y este no es un hecho banal, ya que es precisamente la locura del infante la causa de la compleja relación con su padre y de sus enloquecidas intrigas respecto a Flandes que motivaron su encierro. Don Carlo terminará por quitarse la vida con su propia espada, lo que para Boadella significa una estricta aproximación a la verdad histórica, “pues su muerte no fue una orden expresa de su padre, sino que falleció a causa de su desquiciada actitud durante el cautiverio. Una actitud suicida en la alimentación que le llevó a provocarse él mismo un deterioro letal para su salud”.

En cuanto a Felipe II, Boadella adelanta que en su versión “será presentado como un monarca de mayor humanidad, en contraste a la cruel conducta, casi siempre muy acentuada, con la que se le muestra en todas las versiones de la ópera”. Para ello, dice, “trataré de dar carácter a un hombre con las enormes contradicciones del poder y la dolorosa tragedia que significa la situación moral y mental de su hijo primogénito, o lo que es lo mismo, de su heredero en el trono”.

¿Y cómo expresará el amor hacia Isabel de Valois? “Los feroces celos de Felipe serán justamente la expresión de ese amor hacia su mujer, con la que mostrará gestos cariñosos en ciertas situaciones”.

La interpretación es la clave

El director de escena ha realizado esta nueva orientación del argumento “sin cambiar una sola frase del libreto y, por supuesto, tampoco de la partitura”. El cambio esencial se basa en la actuación. “Todo debe ser realizado a través de la interpretación de los protagonistas y de ligeros cambios en el desarrollo de las situaciones que no afecten a la música”.

Esta complejidad ha llevado a Albert Boadella a crear lo que él mismo define como “partitura visual”. Para ello ha trabajado durante meses con actores que han interiorizado cada uno de los roles, sus movimientos en el escenario. Ha grabado estos ensayos y ha armado un guión que finalmente ha sido la base del trabajo escénico con los cantantes.

Versión italiana con matices

Cuando se toma la decisión de poner en marcha un nuevo Don Carlo, hay que tener en cuenta las diversas versiones de la ópera que el propio Verdi presentó, llevado generalmente por el afán de perfeccionismo. Boadella se ha decantado por la versión italiana, pero con matices, y así lo explica: “Utilizaré la versión de cuatro actos eliminando el acto inicial de Fontainebleau. De esta versión cortaré, en la escena del auto de fe, el fragmento de la salida del cortejo real con el anuncio posterior del heraldo. Felipe II no saldrá del templo sino que entrará junto a Isabel para ser rápidamente abordado por Carlos y los representantes flamencos. También cortaré la revuelta popular y la correspondiente intervención del inquisidor entre los amotinados. Sin embargo, justo antes, mantendré la entrada del rey después de la muerte de Rodrigo –amigo y confidente de Don Carlo–, añadiendo el diálogo de Carlos y Felipe con el concertante posterior y el coro de nobles que acompañan al monarca. Así mismo, en el final de la ópera, después del suicidio de Carlos, y mientras este muere en los brazos de su padre, dejaré el coro de monjes, tal como acaba en la versión original francesa”.

Vestuario, escenografía y arte

El vestuario será otro punto clave de este nuevo Don Carlo. Ideado por Pedro Moreno, marcará con precisión la época en que suceden los hechos en contraste con la moderna escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda. Esta feliz disparidad termina por convertirse en uno de los indudables atractivos de la propuesta.

Moreno, como Boadella, ha tenido en el arte del Renacimiento, tan presente y crucial en la vida de Felipe II, una de las referencias prioritarias para llevar a cabo su creación.

Foto: Imagen del ensayo general.

www.teatroauditorioescorial.es

 

La temporada 2015-16 se presenta llena de nuevos retos para Celso Albelo

La temporada 2015-16 se presenta llena de nuevos retos para Celso Albelo

Los próximos 4, 7, 10 y 13 de septiembre el tenor canario volverá a subirse al escenario de la Wiener Staatsoper para inaugurar el curso del primer teatro austríaco con Rigoletto, uno de los títulos más representados de Giuseppe Verdi. Con su Duque de Mantua, un personaje que ha paseado por coliseos como el San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, la Opéra de Monté-Carlo, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de A Coruña o el Teatro de La Maestranza de Sevilla, Albelo inicia una temporada brillante que incluye otros destacados compromisos como Anna Bolena de nuevo en Viena, Lucia di Lammermoor en la Opéra Royal de Wallonie (Bélgica), su esperado debut en la Metropolitan Opera de Nueva York con Maria Stuarda o su vuelta a teatros como la Deutsche Oper berlinesa y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con I Capuleti e i Montecchi o el Teatro Real de Madrid con I Puritani.

En las funciones de Rigoletto en Viena Albelo compartirá escenario con Ambrogio Maestri (Rigoletto), Aleksandra Kurzak (Gilda), Michele Pertusi (Sparafucile) y Elena Maximova (Maddalena), quienes estarán dirigidos musicalmente por Evelino Pidò; está previsto que la función inaugural, el 4 de septiembre, se pueda ver en directo en streaming en todo el mundo, además de ser retransmitida a una pantalla gigante en frente del Vienna City Hall (en la popular Rathausplatz).

Tras el reciente éxito en su debut australiano cantando I Puritani en la Victorian Opera, Albelo llegará a Viena en septiembre tras un verano en el que también se le podrá escuchar en Macerata con Rigoletto (17, 25, 31 de julio y 9 de agosto) y en la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander (25 y 26 de agosto respectivamente) con el Stabat Mater, de Rossini, junto a la Orquesta de Cadaqués, dirigida por Alberto Zedda.

http://www.celsoalbelo.com/

Foto: Celso Albelo.
Acred: © Fidelio Artist - Joan TOMÀS

Lorenzo Ramos, director de la Orquesta de Córdoba, presenta la nueva temporada

Lorenzo Ramos, director de la Orquesta de Córdoba, presenta la nueva temporada

Superado un año de interrogantes en torno al futuro de la Orquesta, afrontamos una nueva temporada con la ilusión y la profesionalidad que nos caracteriza, pero siempre con una atenta mirada, realista, a la situación que aún atravesamos y con la que, a la vista de los años transcurridos desde el comienzo de la crisis, parece que viene a instalarse un nuevo modelo de gestión en todas las formaciones orquestales: lograr el difícil equilibrio entre ofrecer una programación lo más variada e interesante posible, que fidelice al público, pero a la vez en armonía con los recursos disponibles. Creemos que esta nueva temporada que les presentamos cumple con ambas premisas.

Si en algo se diferencia de a la anterior es que hay más variedad, que el repertorio sinfónico-coral vuelve a tener una presencia protagonista y que la música española recupera un lugar relevante, que sin duda merece y que había perdido la temporada anterior.

Los programas sinfónico-corales serán cuatro: dos de abono y los dos extraordinarios,

protagonizados a partes iguales por nuestros colaboradores habituales: el Coro de Ópera Cajasur y el Coro Ziryab. Destacable es, sin duda, la primera ejecución de la maravillosa Oda a Santa Cecilia de Haendel y la recuperación de dos grandes piezas que no se interpretaban desde hace más de una década: el Magnificat de Bach y la Sinfonía nº 2, Canto de alabanza, de Mendelssohn.

En cuanto al repertorio orquestal avanzamos un paso desde las sinfonías de Haydn que

interpretamos la pasada temporada, con la programación de tres sinfonías centrales de Schubert y retrocedemos otro desde las sinfonías Brahms a las de Schumann, de quien ofreceremos, al igual que hiciéramos con las de Brahms, la primera integral en una misma temporada de sus cuatro sinfonías. Tendremos asimismo ocasión de contrastar dos de las versiones orquestales más conocidas de Peleas y Melisande: la Suite de Fauré y la de Sibelius. Obras de Mozart, al que dedicamos un monográfico, de Mendelssohn, Weber, Wagner, Dvorak, Smetana, Grieg y Respighi completan el repertorio clásico, romántico y del siglo XX que iremos desgranando a lo largo de la temporada.

El repertorio español estará representado por Usandizaga, al que recordaremos en el centenario de su defunción. Gaos, Cano, Granados, Turina y Chapí, del que se interpretará por primera vez en Córdoba su única sinfonía, completan el abanico. Sin ser de autor español, la pieza central del Concierto del Día de Andalucía será la Sinfonía española de Laló. Isel Rodríguez, nuestra concertino, actuará como solista. Al plantel de solistas se unirán, en el terreno instrumental, Jesús Miquel Villalba, también miembro integrante de nuestra formación, Ona Cardona y el ganador o la ganadora del II Concurso de Jóvenes Intérpretes Andaluces. En el vocal, las colaboraciones son también eminentemente de artistas españoles y andaluces: Concepción Martos, María Alonso, Amanda Serna, Lucía Tavira, Juan Luque, Virginia Blanco, Alba Moreno, Irina Lévin, Pablo García López y Manuel Montesinos. Destacable es el debut con la Orquesta de Córdoba de la soprano cordobesa Auxiliadora Toledano, quien nos deleitará con piezas líricas en la Gala de Año Nuevo. Álvaro Albiach, Juan Luis Pérez, Rubén Gimeno y el ganador o la ganadora de la III edición de nuestro Concurso de Dirección, serán nuestros directores invitados.

Deseamos que esta nueva temporada también sea de su agrado y esperamos seguir contando con su apoyo. Si algo ha quedado patente este año ha sido que contamos con el respaldo de la ciudadanía y de los aficionados cordobeses para que ésta siga siendo su Orquesta y de todos los andaluces. Gracias de todo corazón.

http://orquestadecordoba.org/

Foto: Lorenzo Ramos

La Orquesta Filarmónica de Málaga presenta su nueva temporada en su XXV aniversario

La Orquesta Filarmónica de Málaga presenta su nueva temporada en su XXV aniversario

La Orquesta Filarmónica de Málaga (OFM) ha presentado su nueva temporada, 2015/2016, en la que celebra su XXV aniversario desde su fundación por lo que tendrá un destacado protagonismo, en el que se incluye un programa dedicado al cumpleaños de la OFM. Además, la Filarmónica malagueña, en palabras de su director titular y artístico, Manuel Hernández Silva, ha insistido en que “la excelencia de nuestra orquesta se consigue solamente con una programación que abunde en el repertorio universal, sin olvidar la música de nuestro tiempo”.

Se destacó que se contará con directores de la talla de Yoav Talmi, Nicholas Milton o Jordi Casas, así como la de Pedro Peláez, ganador del Primer Premio del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces. Entre la nómina de solistas estarán Amaury Coeytaux, Alexander Korsantia o Josef Spacek, sin olvidar la presencia del Coro de Ópera de Málaga y de la Coral Cármina Nova.

Cabría también destacar, en el tradicional concierto de Navidad, la interpretación de la Sinfonía nº 9, de Ludwig van Beethoven.

En la IV edición del ciclo La Filarmónica Frente al Mar recorre un variadísimo repertorio en concierto: viola,  violonchelo, piano, clarinete y coro, con la misma reivindicación que desde sus inicios, juventud y nacionalismo.

Este año, con un concierto más que la temporada anterior, se contará con la participación del Coro de Ópera y de Paula Coronas, así como de la ganadora del Segundo Premio del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces (Marta Sánchez) y del ganador del Concurso de Dirección de Córdoba (Sebastian Perlowski).

Respecto al IX ciclo de Conciertos de Cámara, que también suma un concierto,  destacar la presencia de grupos de la propia OFM e invitados de lujo internacionales como el  Cuarteto Varèsse (Francia) y el Trío de Winne (Holanda).También  actuará la ganadora del Premio del Público del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces (Marina Peláez).

Foto: Manuel Hernández Silva.                                                                                        

www.orquestafilarmonicademalaga.com

 

 

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