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El Festival de Peralada será protagonista del último baile de Sylvie Guillem en España

El Festival de Peralada será protagonista del último baile de Sylvie Guillem en España

El adiós de los escenarios de la mítica bailarina entrará a formar parte de la historia de la danza y del mismo Festival de Peralada. Sylvie Guillem está haciendo este 2015 su última gira mundial que el próximo 24 de julio la traerá al Festival de Peralada. Lo hace con una producción totalmente nueva para decir adiós con gratitud y una gran cantidad de emociones, según explicó la misma Guillem que también ha querido destacar que "He amado cada momento de los últimos 39 años y, hoy, todavía los amo de la misma manera. ¿Y por qué parar? Muy sencillo, porque quiero terminar mientras todavía sea feliz haciendo lo que hago con orgullo y pasión. "

El público del Festival de Peralada verá el próximo viernes el espectáculo Life in progress con el que la gran bailarina se despide de los escenarios, a sus 50 años. Llega a Peralada para presentar la que será una premiére en el Estado: su último espectáculo junto a estrellas de La Scala y del Forsythe como son Emanuela Montanari, Brigels Gjoka y Riley Watts. En Life in progress, la danza de Sylvie Guillem dará vida a obras de cuatro maestros contemporáneos como Mats Ek, William Forysthe, Akram Khan y Rusell Maliphant.

Será una noche cargada de emociones por diversos motivos: poder admirar y disfrutar de la gran técnica y estilo de esta bailarina, porque será la última vez que la podremos ver sobre un escenario en España y... porque el público de esta noche en el Auditori del Parc del Castell podrá decir que ha sido espectador de uno de los últimos espectáculos de la carrera profesional de Sylvie Guillem.

Rudolf Nureyev dio a Guillem, la que probablemente fue su primera incursión en la danza profesional. Interpretó, cuando era una adolescente, un pequeño papel en Raymonda. A partir de aquí su carrera emprendió un camino ascendente que la ha hecho viajar por todo el mundo para interpretar primeros papeles con muchas compañías. Maurice Béjart creó tres piezas para ella y la incluyó en dos de sus obras más famosas Boléro y Le sacre du printemps.

http://www.festivalperalada.com/es/

Foto: Sylvie Guillem.

Arranca la 76º Quincena de San Sebastián,  con una propuesta artística ambiciosa

Arranca la 76º Quincena de San Sebastián, con una propuesta artística ambiciosa

El próximo uno de agosto arranca en el Kursaal donostiarra la Quincena Musical de San Sebastián con la Mahler Chamber Orchestra (días 1 y 2) y obras de Prokofiev, Beethoven y Mozart. Será el inicio de una nueva edición centrada en consolidar un novedoso modelo que sin renunciar al rigor, la variedad y la calidad de sus propuestas, ha conseguido una total y muy sana sostenibilidad en tiempos de crisis.

Con los abonos confirmados al 100% para la edición de 2015 y algunas funciones agotadas a un mes de su inauguración con el 78% de la previsión de venta de localidades cubierta, el interés que ha despertado cuenta con el apoyo de un público que ve como platos fuertes la ‘Tosca’ que se representará los días 13 y 15, con Ainhoa Arteta como protagonista y el espectáculo ‘Voces’, de Sara Baras, con las entradas agotadas.

La serie sinfónica, con la Mahler Chamber en la apertura y sucesivamente la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de Cadaqués, la Sinfónica de la Radio de Colonia –estas tres con el Orfeón Donostiarra- y la Filarmónica de Oslo para el cierre el 30 de agosto, también han sido favorablemente acogidas por el público con los programas que serán dirigidos, por este orden, por batutas como la de Yuri Termikanov, Alberto Zedda, Jukka-Pekka Sarastre o Vasily Petrenko.

La presencia de solistas como Grigori Sokolov (día 10 en el teatro Victoria Eugenia), para muchos el mejor pianista del mundo, o Javier Perianes, el español con más presencia internacional, al lado de la Filarmónica de San Petersburgo, así como propuestas líricas, de música antigua, barroca o programas pedagógicos y solidarios de amplia presencia dentro del calendario –como el previsto cada año con los fondos del Ciclo de Música Antigua, que destina esta temporada el dinero recaudado de las entradas a la asociación ADELA-Gipuzkoa para la Esclerosis Lateral Amiotrófica-, conforman al donostiarra como uno de los festivales más señeros pero mejor adaptados a la modernidad de Europa.

http://www.quincenamusical.eus/

Foto: Grigori Sokolov

Lang Lang in Paris, Nuevo disco del pianista para Sony Classical con obras de Chopin y Tchaivosky

Lang Lang in Paris, Nuevo disco del pianista para Sony Classical con obras de Chopin y Tchaivosky

Lang Lang y Chopin han sido desde hace muchos años una combinación ganadora. En 2012, The Chopin Album se convirtió en uno de los álbumes de mayor éxito de la superestrella del piano. Tchaikovsky también ha ocupado un lugar destacado en su carrera, sobre todo cuando con solo 17 años logró un éxito internacional en el Festival de Ravinia con la Chicago Symphony Orchestra, y la posterior primera grabación en DG unos años más tarde.

Para Lang Lang fue todo un sueño poder realizar en el Salón de los Espejos de Versalles su reciente recital, que trasladó después al estudio de grabación en la capital francesa en forma de este Lang Lang in Paris, con el mismo programa. El recital privado de Versalles será publicado  en DVD y Blu-ray este otoño, para acompañar el lanzamiento del álbum de estudio. Ambos productos de audio y vídeo comparten el mismo repertorio. Filmado en 4K usando una gran variedad de cámaras y ángulos el video, el resultado promete ser espectacular.

Lang Lang vuelve a Chopin, del que selecciona las cuatro conocidas Scherzi para mostrar su capacidad interpretativa y su reconocido dominio técnico. El programa también incluye las 12 Estaciones de Tchaikovsky, encargadas por una revista musical en 1875.

Lang Lang está considerado uno de los mejores pianistas del mundo, si no el más grande. Conocido por su precisión y fantasía, pese a su aún corta edad ya ha colaborado con las mejores orquestas del mundo y con directores como Mehta, Barenboim o Rattle. Además de su carrera musical, con la que ha revolucionado la imagen de la música clásica en los últimos años, se dedica apasionadamente a compartir música con la gente joven, lo que le valió su reciente nombramiento como Embajador de Buena Voluntad por UNICEF.

CONTENIDO DEL CD:

CD 1

Frédéric Chopin (1810-1849)

Scherzi

1.    Scherzo no 1 in B minor op 20 (1831/2)

2.    Scherzo no 2 in B-flat minor, op 31 (1837)

3.    Scherzo no 3 in C-sharp minor, op. 39 (1839)

4.    Scherzo no 4 in E major, op 54 (1842)

 

CD 2

Peter Tchaikovsky (1840-1893)

The Seasons op 37a, (1875/6 )

1.     January: At the Fireside (A major)

2.     February: Carnival (D major)

3.     March: Song of the Lark (G minor),

4.     April: Snowdrop (B-flat major)

5.     May: Starlit Nights (G major)

6.     June: Barcarolle (G minor)

7.     July: Song of the Reaper (E-flat major)

8.     August: Harvest (B minor)

9.     September: The Hunt (G major)

10.   October: Autumn Song (D minor)

11.   November: Troika (E major)

12.   December: Christmas (A-flat major)

www.sonyclassical.es

Foto: Portada del CD.

 

Boadella reescribe la leyenda negra del Don Carlo de Verdi, por primera vez en El Escorial

Boadella reescribe la leyenda negra del Don Carlo de Verdi, por primera vez en El Escorial

El dramaturgo y director artístico de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, Albert Boadella, presenta un nuevo montaje de la ópera de Giuseppe Verdi Don Carlo en el Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial.

Se estrenará este sábado 25 de julio en San Lorenzo de El Escorial, en cuyo monasterio vivieron (y hoy reposan sus restos) los protagonistas de esta obra, inspirada en el drama homónimo de Friedrich Schiller. Las representaciones serán en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial los días 25, 27 y 29 de julio.

El tenor José Bros dará vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II, que será encarnado por el bajo canadiense John Relyea. El director musical chileno Maxiliano Valdés, al frente de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, será el encargado de conducir al elenco. Esta nueva revisión de Don Carlo es una coproducción entre los Teatros del Canal y el Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial.

Junto a José Bros y a John Relyea subirán al escenario el barítono Ángel Ódena, quien cantará en el rol de Rodrigo, marqués de Posa, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano argentina Virginia Tola, como Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo soprano Ketevan Klemoklidze como Princesa de Éboli; Luiz Ottavio Faria como el inquisidor; o el bajo Simón Orfila, que hará las veces del fraile. La escenografía es obra de Ricardo Sánchez Cuerda, que ya trabajó con Boadella en la espléndida escenografía de Amadeu, y la iluminación a cargo de Bernat Jansa.

Un Don Carlo verídico

La ópera Don Carlo, además de una de las cumbres operísticas de Giuseppe Verdi, fue una forma especialmente efectiva de irradiar, tres siglos después, el fenómeno propagandístico de la ‘leyenda negra’ contra la poderosa España de Felipe II. Una visión basada en difundir una imagen especialmente sombría, cruel y sometida a la autoridad despiadada de la Inquisición. Esto, sin ser del todo falso, no equivale ni de lejos a lo que en realidad fue y significó la sociedad española del Renacimiento. El libreto de Don Carlo, basado en el texto homónimo de Schiller, expone una realidad trastocada a pesar de utilizar los verdaderos protagonistas históricos para desarrollar el relato.

Y esto es, precisamente, a lo que la propuesta escénica de Albert Boadella quiere dar la vuelta con el fin de restituir en la medida de lo posible la realidad histórica de aquella España. Su intención es darle a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica, que consigan aportar al drama matices hasta ahora desconocidos en los distintos montajes”. Entre otras cosas, el personaje de Don Carlo manifestará los ademanes de la demencia que en realidad sufría y en la que coinciden los historiadores. 

Y este no es un hecho banal, ya que es precisamente la locura del infante la causa de la compleja relación con su padre y de sus enloquecidas intrigas respecto a Flandes que motivaron su encierro. Don Carlo terminará por quitarse la vida con su propia espada, lo que para Boadella significa una estricta aproximación a la verdad histórica, “pues su muerte no fue una orden expresa de su padre, sino que falleció a causa de su desquiciada actitud durante el cautiverio. Una actitud suicida en la alimentación que le llevó a provocarse él mismo un deterioro letal para su salud”.

En cuanto a Felipe II, Boadella adelanta que en su versión “será presentado como un monarca de mayor humanidad, en contraste a la cruel conducta, casi siempre muy acentuada, con la que se le muestra en todas las versiones de la ópera”. Para ello, dice, “trataré de dar carácter a un hombre con las enormes contradicciones del poder y la dolorosa tragedia que significa la situación moral y mental de su hijo primogénito, o lo que es lo mismo, de su heredero en el trono”.

¿Y cómo expresará el amor hacia Isabel de Valois? “Los feroces celos de Felipe serán justamente la expresión de ese amor hacia su mujer, con la que mostrará gestos cariñosos en ciertas situaciones”.

La interpretación es la clave

El director de escena ha realizado esta nueva orientación del argumento “sin cambiar una sola frase del libreto y, por supuesto, tampoco de la partitura”. El cambio esencial se basa en la actuación. “Todo debe ser realizado a través de la interpretación de los protagonistas y de ligeros cambios en el desarrollo de las situaciones que no afecten a la música”.

Esta complejidad ha llevado a Albert Boadella a crear lo que él mismo define como “partitura visual”. Para ello ha trabajado durante meses con actores que han interiorizado cada uno de los roles, sus movimientos en el escenario. Ha grabado estos ensayos y ha armado un guión que finalmente ha sido la base del trabajo escénico con los cantantes.

Versión italiana con matices

Cuando se toma la decisión de poner en marcha un nuevo Don Carlo, hay que tener en cuenta las diversas versiones de la ópera que el propio Verdi presentó, llevado generalmente por el afán de perfeccionismo. Boadella se ha decantado por la versión italiana, pero con matices, y así lo explica: “Utilizaré la versión de cuatro actos eliminando el acto inicial de Fontainebleau. De esta versión cortaré, en la escena del auto de fe, el fragmento de la salida del cortejo real con el anuncio posterior del heraldo. Felipe II no saldrá del templo sino que entrará junto a Isabel para ser rápidamente abordado por Carlos y los representantes flamencos. También cortaré la revuelta popular y la correspondiente intervención del inquisidor entre los amotinados. Sin embargo, justo antes, mantendré la entrada del rey después de la muerte de Rodrigo –amigo y confidente de Don Carlo–, añadiendo el diálogo de Carlos y Felipe con el concertante posterior y el coro de nobles que acompañan al monarca. Así mismo, en el final de la ópera, después del suicidio de Carlos, y mientras este muere en los brazos de su padre, dejaré el coro de monjes, tal como acaba en la versión original francesa”.

Vestuario, escenografía y arte

El vestuario será otro punto clave de este nuevo Don Carlo. Ideado por Pedro Moreno, marcará con precisión la época en que suceden los hechos en contraste con la moderna escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda. Esta feliz disparidad termina por convertirse en uno de los indudables atractivos de la propuesta.

Moreno, como Boadella, ha tenido en el arte del Renacimiento, tan presente y crucial en la vida de Felipe II, una de las referencias prioritarias para llevar a cabo su creación.

Foto: Imagen del ensayo general.

www.teatroauditorioescorial.es

 

La temporada 2015-16 se presenta llena de nuevos retos para Celso Albelo

La temporada 2015-16 se presenta llena de nuevos retos para Celso Albelo

Los próximos 4, 7, 10 y 13 de septiembre el tenor canario volverá a subirse al escenario de la Wiener Staatsoper para inaugurar el curso del primer teatro austríaco con Rigoletto, uno de los títulos más representados de Giuseppe Verdi. Con su Duque de Mantua, un personaje que ha paseado por coliseos como el San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, la Opéra de Monté-Carlo, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de A Coruña o el Teatro de La Maestranza de Sevilla, Albelo inicia una temporada brillante que incluye otros destacados compromisos como Anna Bolena de nuevo en Viena, Lucia di Lammermoor en la Opéra Royal de Wallonie (Bélgica), su esperado debut en la Metropolitan Opera de Nueva York con Maria Stuarda o su vuelta a teatros como la Deutsche Oper berlinesa y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con I Capuleti e i Montecchi o el Teatro Real de Madrid con I Puritani.

En las funciones de Rigoletto en Viena Albelo compartirá escenario con Ambrogio Maestri (Rigoletto), Aleksandra Kurzak (Gilda), Michele Pertusi (Sparafucile) y Elena Maximova (Maddalena), quienes estarán dirigidos musicalmente por Evelino Pidò; está previsto que la función inaugural, el 4 de septiembre, se pueda ver en directo en streaming en todo el mundo, además de ser retransmitida a una pantalla gigante en frente del Vienna City Hall (en la popular Rathausplatz).

Tras el reciente éxito en su debut australiano cantando I Puritani en la Victorian Opera, Albelo llegará a Viena en septiembre tras un verano en el que también se le podrá escuchar en Macerata con Rigoletto (17, 25, 31 de julio y 9 de agosto) y en la Quincena Musical de San Sebastián y el Festival Internacional de Santander (25 y 26 de agosto respectivamente) con el Stabat Mater, de Rossini, junto a la Orquesta de Cadaqués, dirigida por Alberto Zedda.

http://www.celsoalbelo.com/

Foto: Celso Albelo.
Acred: © Fidelio Artist - Joan TOMÀS

Lorenzo Ramos, director de la Orquesta de Córdoba, presenta la nueva temporada

Lorenzo Ramos, director de la Orquesta de Córdoba, presenta la nueva temporada

Superado un año de interrogantes en torno al futuro de la Orquesta, afrontamos una nueva temporada con la ilusión y la profesionalidad que nos caracteriza, pero siempre con una atenta mirada, realista, a la situación que aún atravesamos y con la que, a la vista de los años transcurridos desde el comienzo de la crisis, parece que viene a instalarse un nuevo modelo de gestión en todas las formaciones orquestales: lograr el difícil equilibrio entre ofrecer una programación lo más variada e interesante posible, que fidelice al público, pero a la vez en armonía con los recursos disponibles. Creemos que esta nueva temporada que les presentamos cumple con ambas premisas.

Si en algo se diferencia de a la anterior es que hay más variedad, que el repertorio sinfónico-coral vuelve a tener una presencia protagonista y que la música española recupera un lugar relevante, que sin duda merece y que había perdido la temporada anterior.

Los programas sinfónico-corales serán cuatro: dos de abono y los dos extraordinarios,

protagonizados a partes iguales por nuestros colaboradores habituales: el Coro de Ópera Cajasur y el Coro Ziryab. Destacable es, sin duda, la primera ejecución de la maravillosa Oda a Santa Cecilia de Haendel y la recuperación de dos grandes piezas que no se interpretaban desde hace más de una década: el Magnificat de Bach y la Sinfonía nº 2, Canto de alabanza, de Mendelssohn.

En cuanto al repertorio orquestal avanzamos un paso desde las sinfonías de Haydn que

interpretamos la pasada temporada, con la programación de tres sinfonías centrales de Schubert y retrocedemos otro desde las sinfonías Brahms a las de Schumann, de quien ofreceremos, al igual que hiciéramos con las de Brahms, la primera integral en una misma temporada de sus cuatro sinfonías. Tendremos asimismo ocasión de contrastar dos de las versiones orquestales más conocidas de Peleas y Melisande: la Suite de Fauré y la de Sibelius. Obras de Mozart, al que dedicamos un monográfico, de Mendelssohn, Weber, Wagner, Dvorak, Smetana, Grieg y Respighi completan el repertorio clásico, romántico y del siglo XX que iremos desgranando a lo largo de la temporada.

El repertorio español estará representado por Usandizaga, al que recordaremos en el centenario de su defunción. Gaos, Cano, Granados, Turina y Chapí, del que se interpretará por primera vez en Córdoba su única sinfonía, completan el abanico. Sin ser de autor español, la pieza central del Concierto del Día de Andalucía será la Sinfonía española de Laló. Isel Rodríguez, nuestra concertino, actuará como solista. Al plantel de solistas se unirán, en el terreno instrumental, Jesús Miquel Villalba, también miembro integrante de nuestra formación, Ona Cardona y el ganador o la ganadora del II Concurso de Jóvenes Intérpretes Andaluces. En el vocal, las colaboraciones son también eminentemente de artistas españoles y andaluces: Concepción Martos, María Alonso, Amanda Serna, Lucía Tavira, Juan Luque, Virginia Blanco, Alba Moreno, Irina Lévin, Pablo García López y Manuel Montesinos. Destacable es el debut con la Orquesta de Córdoba de la soprano cordobesa Auxiliadora Toledano, quien nos deleitará con piezas líricas en la Gala de Año Nuevo. Álvaro Albiach, Juan Luis Pérez, Rubén Gimeno y el ganador o la ganadora de la III edición de nuestro Concurso de Dirección, serán nuestros directores invitados.

Deseamos que esta nueva temporada también sea de su agrado y esperamos seguir contando con su apoyo. Si algo ha quedado patente este año ha sido que contamos con el respaldo de la ciudadanía y de los aficionados cordobeses para que ésta siga siendo su Orquesta y de todos los andaluces. Gracias de todo corazón.

http://orquestadecordoba.org/

Foto: Lorenzo Ramos

La Orquesta Filarmónica de Málaga presenta su nueva temporada en su XXV aniversario

La Orquesta Filarmónica de Málaga presenta su nueva temporada en su XXV aniversario

La Orquesta Filarmónica de Málaga (OFM) ha presentado su nueva temporada, 2015/2016, en la que celebra su XXV aniversario desde su fundación por lo que tendrá un destacado protagonismo, en el que se incluye un programa dedicado al cumpleaños de la OFM. Además, la Filarmónica malagueña, en palabras de su director titular y artístico, Manuel Hernández Silva, ha insistido en que “la excelencia de nuestra orquesta se consigue solamente con una programación que abunde en el repertorio universal, sin olvidar la música de nuestro tiempo”.

Se destacó que se contará con directores de la talla de Yoav Talmi, Nicholas Milton o Jordi Casas, así como la de Pedro Peláez, ganador del Primer Premio del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces. Entre la nómina de solistas estarán Amaury Coeytaux, Alexander Korsantia o Josef Spacek, sin olvidar la presencia del Coro de Ópera de Málaga y de la Coral Cármina Nova.

Cabría también destacar, en el tradicional concierto de Navidad, la interpretación de la Sinfonía nº 9, de Ludwig van Beethoven.

En la IV edición del ciclo La Filarmónica Frente al Mar recorre un variadísimo repertorio en concierto: viola,  violonchelo, piano, clarinete y coro, con la misma reivindicación que desde sus inicios, juventud y nacionalismo.

Este año, con un concierto más que la temporada anterior, se contará con la participación del Coro de Ópera y de Paula Coronas, así como de la ganadora del Segundo Premio del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces (Marta Sánchez) y del ganador del Concurso de Dirección de Córdoba (Sebastian Perlowski).

Respecto al IX ciclo de Conciertos de Cámara, que también suma un concierto,  destacar la presencia de grupos de la propia OFM e invitados de lujo internacionales como el  Cuarteto Varèsse (Francia) y el Trío de Winne (Holanda).También  actuará la ganadora del Premio del Público del I Concurso de Jóvenes Talentos Musicales Andaluces (Marina Peláez).

Foto: Manuel Hernández Silva.                                                                                        

www.orquestafilarmonicademalaga.com

 

 

Constituido el grupo de trabajo de Gestión del Patrimonio Musical en España

Constituido el grupo de trabajo de Gestión del Patrimonio Musical en España

A raíz de su creación en el seno de la Conferencia Sectorial de Cultura, el grupo de trabajo de Gestión del Patrimonio Musical en España se ha reunido por primera vez. El citado grupo, formado por expertos provenientes de instituciones competentes dentro este ámbito del Estado y de las comunidades autónomas, persigue la puesta en común de acciones encaminadas a la consideración, preservación, catalogación, conservación y difusión del patrimonio musical en nuestro país.

Durante la reunión de constitución, los participantes acordaron cuatro áreas de actuación: documentos musicales, objetos museables, órganos y patrimonio inmaterial musical.

Digitalización de grabaciones sonoras

En relación con los documentos musicales, entre los primeros objetivos figura la redacción de unas recomendaciones sobre procedimientos de digitalización de grabaciones sonoras y el consensuar unas medidas para la catalogación de estos fondos conforme a estándares que permitan compartir la información en catálogos colectivos y plataformas como Europeana.

Por otra parte, el Grupo destacó la necesidad de elaborar un protocolo general de actuación para la correcta conservación de los instrumentos musicales custodiados en museos y otras instituciones similares y un protocolo específico de actuación en órganos.

A la reunión constitutiva del grupo de trabajo asistieron representantes de las comunidades autónomas y, por parte de la Secretaría de Estado de Cultura, el subdirector general de Música y Danza, que preside el grupo, el director del Centro de Documentación de Música y Danza del INAEM, la coordinadora del Plan Nacional de Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial, la jefa de servicio de Fondos Especiales de la Subdirección General de Coordinación Bibliotecaria, la responsable del Censo-Guía de Archivos de España e Iberoamérica, la consejera técnica de la subdirección general de Cooperación Cultural con las Comunidades Autónomas y dos técnicos de la subdirección general de Música y Danza.

Mapa del patrimonio musical en España

Con el objetivo de compartir la información sobre esta riqueza cultural, el Centro de Documentación de Música y Danza del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha establecido un instrumento fundamental para los investigadores, intérpretes, programadores, profesionales del sector y al público en general como es el Mapa del patrimonio musical en España que se presentó en el Simposio La gestión del patrimonio musical. Situación actual y perspectivas de futuro celebrado el pasado noviembre, y en el que surgió la iniciativa para la creación del grupo recién constituido.

http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/areas-cultura/artesescenicas.html

Foto: Antifonario Catedral de León

Nueva temporada del Teatro de la Maestranza  en su 25 aniversario.

Nueva temporada del Teatro de la Maestranza en su 25 aniversario.

El Teatro de la Maestranza encara la celebración de su 25 Aniversario con una nueva temporada basada en la calidad artística y el equilibrio entre Tradición y Modernidad que ha caracterizado una trayectoria concebida para atraer a la Ópera y la música de “tradición culta” al espectro más amplio de público. Así, títulos esenciales del repertorio –“Otello” de Verdi, “L´elixir d´amore”, de Donizetti o “El barbero de Sevilla”, de Rossini –en el 200 aniversario de su estreno- regresan al coliseo del Paseo de Colón para celebrar su cita con las nuevas generaciones de espectadores o con aquellas otras que gustan de saborear de nuevo unas creaciones que nunca defraudan. Paralelamente, el Teatro de la Maestranza, desde Sevilla, vuelve a situarse en la esfera de los teatros líricos españoles que apuestan por la innovación protagonizando el estreno absoluto en escena de “Der König Kandaules”, de Zemlinsky, una ópera jamás vista en España.

Ese equilibrio entre osadía y tradición irradia su influjo hacia una nueva temporada diseñada con vocación de abrazar al gran público por un teatro que, conquistada ya con éxito su “primera juventud”, encara la madurez de cumplir 25 años apostando por reforzar los programas pedagógicos que incentiven la curiosidad de las nuevas audiencias disfrutando en familia el descubrimiento del teatro lírico, reforzando su oferta de un género, la danza, de demanda creciente y presentando un ramillete de artistas diversos que nos permitirán disfrutar de un intenso viaje musical por el mundo sentados cómodamente en la butaca de un teatro que continua creciendo junto al calor y la fidelidad de su público.

Ópera

“Otello”, de G. Verdi, una de las óperas de mayor intensidad dramática, ambición musical y exigencia vocal, abre la temporada operística con 4 funciones entre el 31 de octubre y el 9 de noviembre. Al frente de un gran reparto internacional, Gregory Kunde, celebrado tenor norteamericano que ha encarnado el rol bajo la dirección, entre otros grandes maestros, de Zubin Mehta, la impactante soprano Julianna Di Giacomo, que ha cantado en las grandes casas de ópera (Metropolitan, Los Ángeles…) o bajo la dirección de maestros como Gustavo Dudamel  y el barítono Ángel Ódena, una de las grandes voces de la nueva lírica española. En el foso, Pedro Halffter dirige una coproducción de los teatros de los teatros de Nápoles y Palermo sobre un título que ha pasado a la Historia como un ejemplo de pletórica madurez lírica y expresiva compuesta por un “anciano” de 74 años que la estrenó en la Scala de Milán en 1887.

A continuación, una de las producciones estelares del Teatro de la Maestranza, “El barbero de Sevilla”, de G. Rossini, con dirección de escena de José Luis Castro y escenografía de los pintores Carmen Laffon y Juan Suárez, regresa  al mismo escenario donde ya se consagró el día de su estreno como la gran producción genuinamente sevillana sobre uno de los títulos más rotundamente sevillanos de la Historia de la Ópera. Inteligencia escénica, elegancia, agilidad y plasticidad escénica para un hito de la comedia lírica vuelven a cobrar vida en conmemoración de los 200 años de su estreno en Roma en 1816. Giuseppe Finzi, director residente de la Ópera de San Francisco, dirige un amplio reparto capitaneado por el ascendente tenor belcantista Michele Angelini y con Elliot Madore, Renato Girolami y Dmitry Ulyanov, entre otros, en 5 funciones entre el 8 y el 16 de febrero.

 “L´elisir d´amore”, de G. Donizetti, otra joya del gran repertorio desde su estreno en 1832 y una comedia extraordinariamente melódica cargada de bellísimas arias “belcantistas” como “Una furtiva lágrima”, llega en 4 funciones entre el 13 y el 21 de mayo, en una divertida producción de Víctor García Sierra basada en “El Circo”, una serie de pinturas y dibujos del colombiano Fernando Botero marcadas, como su obra, por la viveza del color y una excéntrica ironía. Ópera, pues, del siglo XIX vivificada y reactualizada por uno de los grandes pintores de las últimas décadas. En el reparto, el tenor Joshua Guerrero –habitual de la Ópera de Los Ángeles y que ha cantado bajo la dirección de Gustavo Dudamel- y la soprano granadina María José Moreno, una de las voces españolas de mayor prestigio y proyección internacional de los últimos años.

Con 3 funciones entre el 20 y el 24 de junio, la temporada acaba con el estreno español absoluto, en escena, de “Der König Kandaules” –“El rey Candaulo”, basada en una pieza de Gide- una ópera que Alexander von Zemlinsky dejó inacabada en 1935 y fue completada por el compositor Anthony Beaumont. Estrenada en Hamburgo en 1.996, contribuyó a la revaloración de la obra de Zemlinsky, uno de los grandes creadores de la Viena finisecular. Pedro Halffter dirige una producción de Manfred Schweigkofler para el Teatro Massimo de Palermo de un título que reflexiona sobre la ambición de poder, la atracción sexual y la amoralidad a partir de la historia de un monarca libertino que goza entregando a su esposa al placer con otros hombres.

Ópera para escolares y familias

Entre el 9 y el 11 de diciembre, con 6 funciones para escolares y 1 para familias, una adaptación de la compañía La Baldufa, en clave de humor, del “Guillermo Tell” de G. Rossini abre el programa pedagógico del Teatro. Con dirección de escena de Ramón Molins y producida por el Gran Teatre del Liceu, esta versión cómica de “Guillermo Tell” destinada a la educación primaria, combina diferentes técnicas artísticas como los títeres, las sombras chinas y las proyecciones de animación audiovisual, en una escenografía inspirada en la época medieval hasta conformar un canto a la libertad en el que los personajes, de una forma divertida, muestran sus sentimientos y sus sueños.

El programa destinado al público más joven se refuerza este año con la historia del pequeño esclavizado por dos bribones que le obligan a limpiar chimeneas en el Londres victoriano. “El pequeño deshollinador” es uno de los “pequeños grandes” títulos de la “ópera infantil” que Benjamin Britten (1913 – 1976), inspirándose en un caso real, compuso en 1949. La producción del Teatro de la Maestranza, con dirección de escena de Juan Dolores Caballero, está dirigida musicalmente por Juan Manuel Busto y cuenta con la participación de la Escolanía de Los Palacios (Sevilla). Entre el 27 y 29 de diciembre, el Teatro de la Maestranza multiplica su oferta navideña con un espectáculo diseñado para gozar en familia.

Zarzuela

Estrenada en el Teatro Circo de Madrid en 1854, “Los diamantes de la corona” es una de las partituras fundamentales de Barbieri cuya recuperación por el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 2009, en esta producción con brillante dirección de escena de José Carlos Plaza, fue celebrada unánimemente por la crítica. Inspirada en una ópera cómica francesa de Auber, la historia narra las aventuras de una aristócrata y forajida en el Portugal del siglo XVIII. Oliver Díaz, titular de la Sinfónica Ciudad de Gijón, dirige un amplio reparto en el que destacan Sonia de Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías o Fernando Latorre en un divertido espectáculo lleno de acción trepidante planteado como un cuento infantil que permitirá a los espectadores adultos “recuperar algo de nuestra propia infancia”, en palabras del responsable escénico. Entre el 2 y el 5 de diciembre.

Recitales Líricos

El compromiso de la soprano Ainhoa Arteta (Tolosa, 1.964) con la música española la ha llevado a alternar sus grandes éxitos en grandes títulos de Puccini o Verdi con la zarzuela y la canción nacional. Ahora, y junto al pianista Rubén Fernández-Aguirre, Ainhoa Arteta homenajea a Federico García Lorca, el poeta español más “musical” de nuestra Historia reciente. En “La voz y el poeta”, textos de Lorca puestos en música por él mismo o por Anton García Abril y Xavier Montsalvatge, trenzan un delicado y emocionante viaje a nuestras más profundas esencias musicales y poéticas. El 31 de enero.

Vuelve al Teatro de la Maestranza una leyenda viva entre los últimos grandes divos. El barítono italiano Leo Nucci, excepcional “rigoletto” de las últimas décadas, ofrece un recital de canciones y arias de ópera de Verdi, Donizetti y Bellini acompañado por un conjunto de cámara, una formación singular que permitirá al aficionado disfrutar de las sutilidades musicales escondidas en unas partitura de ópera desveladas ahora en la desnudez de un conjunto de cámara y la voz de un cantante, sencillamente, extraordinario.

El Ciclo de Recitales Líricos, que esta temporada presenta un triple abanico de propuestas creativas y eclécticas, concluye el 12 de mayo con el encuentro de la Orquesta Barroca de Sevilla (OBS), una formación que ha cimentado un extraordinario prestigio internacional en la formidable ductilidad, expresividad y calidad de su respuesta instrumental con la soprano milanesa Roberta Invernizzi, una voz admirada del repertorio barroco consagrada bajo la dirección de Harnoncourt, Savall o Biondi, entre otros grandes especialistas del género. En atriles, una de las especialidades de la OBS y la Invernizzi: un conjunto de arias de ópera de uno de los compositores que mejor han escrito para la voz: G. F. Haendel.

Danza

La oferta de danza, tanto clásica como contemporánea, crece atendiendo a la amplia demanda de su público. De un lado, el Mes de Danza, que esta temporada cumple ya 22 ediciones, ofrece en la Sala Manuel García la Muestra Internacional de Danza Contemporánea con cuatro citas entre octubre –días 29 y 30- y noviembre -4 y 5- con espectáculos de excitante vanguardia.

Luego, el 14 y 15 de noviembre, la temporada propone dos citas diversas y complementarias con una de las compañías de referencia en el continente africano, el brillante Ballet Nacional de Johannesburgo, formación muy joven integrada por bailarines de reconocido prestigio internacional tanto en danza clásica como contemporánea. El Ballet de Johannesburgo presenta “Don Quijote” –14 de noviembre- en coreografía de Alexander Gorsky sobre el clásico de Petipa  y la célebre partitura de Ludwig Minkus. Al día siguiente, 15 de noviembre, el Ballet, dirigido artísticamente por  Iain MacDonald ofrece una Gala con extractos de sus más aplaudidas coreografías.

La tradicional cita con la danza clásica acompañada musicalmente en vivo en el arranque de un nuevo año, nos propone esta vez la fusión de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), con el Aalto Ballett Essen, una compañía de gran prestigio de esa ciudad alemana, para representar juntos “Romeo y Julieta” con coreografía de Ben  Van  Cauwenbergh, coreógrafo y bailarín célebre por su participación en el filme “Nijinski”, sobre la impactante partitura que Serguei Prokofiev concibió en 1935 en una explosión de inspiración melódica y complejidad rítmica que sigue cautivando a las audiencias del mundo. Entre el 7 y el 10 de enero.

La cada vez más interesante creación coreográfica andaluza ha encontrado en la Asociación Andaluza de Compañías y Creadores de Danza Contemporánea una activa plataforma para difundir sus trabajos. El encuentro Vertebración que, impulsado por la Asociación esta temporada alcanza su sexta edición, nos propone el 23 y 24 de febrero, en la Sala Manuel García, una nueva cita con la creación andaluza más actual y atrevida.

El Ciclo de Danza concluye brillantemente el 5 y 6 de marzo de 2016 con la actuación estelar del Ballet Nacional de España (BNE) presentando “Sorolla”. Sobre una idea original del director del BNE, Antonio Najarro, el espectáculo se inspira en la colección “Visión de España” que Joaquín Sorolla, en grandes paneles, pintó en 1.911 por encargo de la Hispanic Society de Nuevas York. A partir de su evocación, la propuesta despliega un brillante ejercicio de luz, color y movimiento al servicio de una coreografía de extraordinaria plasticidad.

Grandes Intérpretes

Premiado con más de 20 Grammys, Chick Corea (Chelsea, 1.941) ha liderado desde el piano algunas de las grandes revoluciones de la Historia del Jazz reciente junto a titanes como Miles Davis o al frente de Return to Forever con la que desarrolló el nuevo “jazz fusion”. Ahora, Corea, un músico siempre activo que sabe transformarse a sí mismo y mantenerse a la vanguardia de la creación, vuelve con su nueva banda The Vigil, una formación básicamente eléctrica que despliega una formidable paleta de sonidos de gran influencia latina. El 7 de noviembre de 2015, una cita con un mito.

Por su parte, la pianista japonesa Hiromi Uehara (Hamamatsu, 1.979), que a los 17 años fue catapultada, precisamente, por Chick Corea, penetró en los secretos del jazz con maestros como Ahmad Jamal y Oscar Peterson. Hiromi es una mezcla explosiva de virtuosismo basado en una gran formación clásica y una creatividad punzante sobredotada para la improvisación. Artista de directos energéticos, Hiromi, quien ha colaborado también con Stanley Clarke, acude a su cita en el Teatro de la Maestranza  en su habitual formación de trío para presentar una visión del jazz alimentada por  las influencias del rock progresivo, la música clásica y la fusión. El 14 de marzo.

El 30 de junio, el Ciclo de Grandes Intérpretes finaliza con un singular encuentro en la cumbre. El pianista clásico Javier Perianes (Huelva, 1978) y la cantaora Estrella Morente (Granada, 1.980), dos de los músicos españoles con más proyección internacional del momento, unen sus fuerzas para establecer un sorprendente diálogo en el que nombres como Falla, Poulenc, Lorca o Bizet, entre otros, construyen una visión musical de España con múltiples conexiones, singularmente, francesas. Música de extraordinaria calidad situada más allá de los géneros.

Flamenco

Desde que ganó los dos principales premios nacionales de guitarra flamenca con 14 años, Rafael Riqueni (Sevilla, 1.962) está considerado uno de los compositores y guitarristas más creativos, estilizados y rigurosos del género. Al Teatro de la Maestranza acude el 21 de noviembre para presentar su nuevo disco “Parque de María Luisa”, en el  que afloran la influencia de la música clásica y su vocación conceptual, romántica y preciosista. En la segunda parte del concierto, Riqueni se acompañará de un quinteto para ofrecer una selección de piezas antológicas seleccionadas entre toda su discografía en arreglos únicos que potencian su esencia musical.

Juan Manuel Fernández Montoya  “Farruquito”, (Sevilla, 1982), es heredero directo de la escuela del gran Farruco, esto es, del baile flamenco puro. Su capacidad para la renovación del baile, reconocida en la última Bienal de Sevilla de 2014 con el prestigioso “Giraldillo del Baile”, ha conquistado a las audiencias de todo el mundo y lo han consagrado como un artista único, visceral y emocionante. Los días 15 y 16 de diciembre, presentará su  nuevo espectáculo junto a miembros de su estirpe flamenca.

El Ciclo de Flamenco concluye el 6 de febrero de 2016 con una reunión de tres grandes maestros del cante, el baile y la guitarra flamenca. El creador e investigador José Luis Ortíz Nuevo, responsable de algunas de las reuniones y propuestas más excitantes del flamenco reciente, reúne a este “Trío de Oro” en un espectáculo excepcional que sorprende a tres artistas en el esplendor de la madurez expresiva que caracteriza a los grandes maestros. Al cante, José Valencia. Al baile, Isabel Bayón. Y a la guitarra, Pepe Habichuela.

Conciertos

La experiencia didáctica y musical de “Crecer cantando, crecer soñando” se ha convertido en una de las aventuras musicales de carácter escolar más apasionantes. Una red de centros –el Aula de Música Ian Murray de Aracena, el CEM Osuna y los IES Las Encinas y Cavaleri de Sevilla- coordinados por Internet, realizan un trabajo cooperativo en torno a la música coral compartiendo recursos en una experiencia musical cargada de valores pedagógicos. El 26 de septiembre, y bajo la dirección de Luis Dueñas, Crecer cantando, crecer soñando y BatuKavaleri, asociación juvenil de batucada, presentan “Katharsis”.

Llegada la Navidad, el Teatro de la Maestranza ofrece el 20 de diciembre el tradicional concierto de villancicos populares con orquestación clásica, en el que tanto el público más joven como el más adulto puede disfrutar de un programa compuesto por las piezas navideñas más populares del repertorio elevadas a piezas de un concierto muy jovial. Vladimir Dmitrienco dirige a la Orquesta de Cámara de la ROSS en una entrañable “fiesta musical” con dirección de escena de Maribel Macías.

La Orquesta Joven de Andalucía (OJA), un proyecto formativo de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, ha encontrado en el Teatro de la Maestranza el decidido respaldo para convertir su gran escenario en el escaparate anual de sus brillantes progresos. Una temporada más, la OJA vuelve a su habitual cita con los aficionados el 28 de marzo.

El 29 de abril, la temporada nos propone una auténtica Fiesta de la Música Española. La Orquesta Nacional de España (ONE), bajo la dirección de Pedro Halffter, heredero de una saga familiar de músicos que recorre la historia de la creación nacional, rinde homenaje a Manuel García (1775 – 1832), cantante predilecto de Rossini, compositor, productor y maestro de bel canto y al compositor Manuel de Falla (1876 – 1946), dos de los nombres esenciales de la Historia de la Música Española con un concierto estelar que reivindica la herencia viva de su formidable legado y la esencia imperecedera de la creación musical de raíz netamente española.

Bajo la dirección también de Pedro Halffter, una gala lírica en concierto extraordinario festejará el 30 de abril tres celebraciones decisivas para la Historia de la Música en Sevilla: el XXV aniversario de la creación de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS); el XXV aniversario del inicio de las actividades del Teatro de la Maestranza y el XX aniversario de la fundación del Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza: las tres columnas vertebrales del desarrollo de la música sinfónico-coral y la ópera en la capital de Andalucía. Una gala excepcional, pues, para un triple brindis.

Piano

El Ciclo de Piano de esta temporada tiene nombre de mujer. Entre la nueva generación de pianistas españoles, Judith Jáuregui (San Sebastián, 1.985) destaca por su virtuosismo, intensidad y talento expresivo. Pero también porque, pese a su juventud, muestra un profundo respeto por la tradición y por pianistas tan referenciales para el pianismo español como Alicia de Larrocha. Consagrada muy joven, Judith Jáuregui acude al Teatro de la Maestranza el 21 de febrero con un recital en solitario en un momento creativo de gran reflexión y madurez.

Por su parte, la georgiana Khatia Buniatishvili (1.987) es una de las pianistas de cabecera de la nueva generación de jóvenes que triunfan sobre el teclado mostrando cuotas sorprendentes de madurez, expresividad, temperamento y una técnica sobresaliente que, en el caso de Khatia Buniatishvili, se pliega a una expresión intensamente romántica. El 29 de marzo, cita con una de las grandes intérpretes del momento.

Jóvenes Intérpretes

La gran apuesta del Teatro de la Maestranza por los jóvenes músicos –singularmente, andaluces- de gran talento y proyección de futuro reúne este año a dos intérpretes, para su edad, ya sobresalientes. El violonchelista asturiano Gabriel Ureña (Avilés, 1989) abre el Ciclo el 3 de diciembre con un intenso programa romántico con obras de Beethoven, Schumann y Brahms. Ureña, que con 19 años se convirtió en el chelista principal más joven de las orquestas españolas como solista de la Oviedo Filarmonía, ha ampliado su formación en Viena junto a la gran Natalia Gutman.

Por su parte, el pianista Gregorio Benítez (Ubrique, 30 años), formado en Cádiz, Madrid, Londres o Leipzig, ha recibido clases de Emanuel Ax, Leon Fleischer o de fortepianistas como Malcolm Bilson y ha actuado como solista en Europa y Japón o junto a orquestas bajo la dirección de Adrian Leaper o Sebastián Mariné, así como ha realizado grabaciones para Radio Clásica o NHK. Al Ciclo de Jóvenes Intérpretes acude con un amplio recital con piezas de Busoni, Franck, Beethoven, Messiaen y Manuel Castillo.

www.teatrodelamaestranza.es

Foto: Teatro de la Maestranza.

Jornadas de Zarzuela 2015 der la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero

Jornadas de Zarzuela 2015 der la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero

Tras el rotundo éxito de las dos primeras ediciones de las Jornadas de zarzuela, organizadas por la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, vuelven, por tercer año consecutivo, al Teatro Auditorio de Cuenca, del 25 al 27 de septiembre.

Bajo el argumento general del Teatro de arte, se reconocerá el trabajo de Gregorio Martínez Sierra en el Teatro Eslava de Madrid vinculándolo a la zarzuela en tanto ideas y personas transitaron entre géneros aparentemente dispares.

Historia

Mediada la segunda década del siglo XX, el empresario y dramaturgo Gregorio Martínez Sierra asume la gestión del teatro Eslava de Madrid, hasta entonces referencia para el género más liviano y sicalíptico. A partir de ahí, alternando con una programación dedicada a los títulos más significativos de la zarzuela de moda, se escenificarán otros diseñados con propósito vanguardista, afín a la más innovadora realización escénica de moda en Europa. Coincide todo ello con la llegada a España en 1916 de los Ballets Rusos de Diáguilev cuyo encanto exótico y defensa de la renovación escénica dejará una impronta definitiva.

Las Jornadas 2015

La tercera edición de las Jornadas de zarzuela mantiene la estructura de las anteriores reuniendo en el Teatro Auditorio de Cuenca diversas actividades. Los encuentros incluirán ponencias y mesas redondas donde teorizar sobre el Teatro de arte, con protagonismo de diversos especialistas en la materia. La Universidad de Castilla-La Mancha y la Universidad Complutense de Madrid ofrecen créditos a los inscritos.

La perspectiva práctica la proporcionan varios espectáculos, destacando el espectáculo La pantomima en escena. En él se incluye la representación escénica de El sapo enamorado, obra de Tomás Borrás con música de Pablo Luna, que se recupera con carácter de estreno en tiempos modernos. Junto a esta pantomima, primer proyecto escénico del Teatro de arte se une, en el mismo espectáculo, El corregidor y la molinera de Martínez Sierra y Manuel de Falla, la más famosa de las realizaciones allí estrenadas. La dirección musical será de Nacho de Paz y la escénica de Rita Cosentino.

Previamente, La pantomima al piano permitirá escuchar transcripciones de pantomimas y bailables extraídos de zarzuelas de la época y otras composiciones hoy casi olvidadas, contemporáneas a El teatro de arte. Lo interpretará el pianista Duncan Gifford.

La zarzuela-jazz estará protagonizado por el grupo Gran Vía 78, especialmente creada para la ocasión, y permitirá recuperar arreglos para orquestina que hicieron furor en los dancings y cafés de los locos años veinte a partir de una sonoridad hoy olvidada pero muy característica entonces. Estos dos últimos conciertos incluirán títulos conocidos y otros más olvidados, al tiempo que reconocerán el trabajo del compositor Pablo Luna, muy vinculado al proyecto de Martínez Sierra.

Como novedad en esta edición, se incluye el programa Zarzuela para todos dedicado a la promoción de la zarzuela entre el público infantil, tercera edad, asociaciones y diversos colectivos a los que se les ofrece la oportunidad de participar en espectáculos, asistir a los ensayos de los previstos en las Jornadas o conocer a fondo el proceso de producción de alguno de ellos.

La exposición La callada existencia de "El sapo enamorado" permitirá recorrer los pormenores de las obras escénicas estrenadas en las jornadas y adentrarse en otros detalles asociados a la historia del Teatro de arte. Por último, la feria se abrirá a la participación de teatros y espacios escénicos que incluyan en su programación espectáculos líricos, fundamentalmente zarzuela, ya sean producciones propias o contratadas, así como aquellos interesados en incluir este género en su programación. Contará también con la presencia, ya habitual, de entidades y medios de comunicación vinculados a la zarzuela.

Las Jornadas de zarzuela han sido uno de los argumentos fundamentales para la concesión a la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero del Premio Lírico Teatro Campoamor 2014 con el que se reconoce su significativa contribución al mundo de la lírica.

http://www.fundacionguerrero.com/fundacion-guerrero/jornadas-de-zarzuela-en-cuenca_43-ES

Foto: Jacinto Guerrero. 

El Festival Internacional de Santander y Liberbank renuevan el convenio.

El Festival Internacional de Santander y Liberbank renuevan el convenio.

El recital de piano del gran maestro ruso Grigory Sokolov será patrocinado por la entidad bancaria.

La directora ejecutiva del Festival Internacional de Santander, Valentina Granados, y el subdirector general de Banca de Empresa en Cantabria de Liberbank, Javier García Esperanza, han firmado un convenio de colaboración entre ambas entidades mediante el cual, la entidad financiera patrocinará el recital que el pianista ruso Grigory Sokolov ofrecerá el miércoles 12 de agosto en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria. Ambas partes renuevan de este modo el acuerdo de patrocinio que se retomó el año pasado, y que se había mantenido durante décadas, ratificando así Liberbank su apuesta por el Festival Internacional de Santander y su compromiso con esta cita cultural del verano.

“Para Liberbank es todo un orgulloso poder colaborar con el Festival Internacional de Santander ya que es uno de los eventos musicales y artísticos de referencia del verano no solo a nivel regional, sino a nivel nacional e internacional. Este patrocinio refleja nuestro deseo de enriquecer la vida cultural de la ciudad y de Cantabria, así como nuestro compromiso con citas como el FIS que ayudan al desarrollo de la región desde el punto de vista social, cultural y económico”, asegura García Esperanza.

La firma de este convenio de colaboración se enmarca en el programa de patrocinios de empresas privadas que todos los años desarrolla el Festival Internacional de Santander para su celebración. “Contar con el apoyo y la ayuda de empresas y entidades privadas es esencial para que el Festival siga creciendo y mantenga la calidad que el público se merece. Patrocinios como el que tenemos con Liberbank nos permiten seguir trabajando con ilusión para conseguir una programación variada y atractiva, y en esa línea de colaboración seguiremos”, explica Granados.

El Festival Internacional de Santander contará con Liberbank como colaborador principal del recital de piano que el maestro ruso Sokolov protagonizará el 12 de agosto, en la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria, a partir de las 20.30 horas. El público podrá disfrutar del virtuosismo, la calidad artística y la delicadeza del que muchos consideran “el pianista de los pianistas”.

http://festivalsantander.com/

Foto: Valentina Granados y Javier García Esperanza, durante el acuerdo.

Àngel Lluís Ferrando Morales ponencia sobre “Enrique Calvist Serrano (1851-1897)

Àngel Lluís Ferrando Morales ponencia sobre “Enrique Calvist Serrano (1851-1897)

Àngel Lluís Ferrando Morales, del Centro Instructivo Musical Apolo de Alcoy, ponencia sobre “Enrique Calvist Serrano (1851-1897): una aproximación”, dentro del Congreso mundial de clarinete, ClarinetFest®, que tiene lugar entre el 22 y el 26 de Julio de 2015 en Madrid.

La figura de Enrique Calvist Serrano se nos presenta como un caso paradigmático dentro de la historia del clarinete en la España del siglo XIX. Dejando aparte aspectos de su técnica, ciertamente virtuosística, la figura del profesional consolidado que compagina su práctica instrumental con la docencia privada, la composición aplicada y específica a su instrumento y, finalmente, la dirección de las bandas de música, tanto profesionales como amateurs, debió ser fundamental en el Madrid decimonónico, como vamos descubriendo paulatina y progresivamente con los estudios musicológicos y las nuevas informaciones que, poco a poco, van saliendo a la luz. La de nuestro protagonista es, sin duda alguna, una trayectoria interesante que nos permite entender, en toda su magnitud, la labor que realizaban estos músicos brillantes y polifacéticos. También su producción como compositor nos ofrece una visión más fidedigna de la gestión, la práctica cultural, las modas y el consumo de música en la sociedad del momento. Mediante su perfil singular, podemos adentrarnos, igualmente, en los procesos de preparación y posterior selección de los que estaban llamados a ocupar las plazas de las mejores bandas de música del momento, con un nivel que, a tenor de las pruebas documentales, nos sorprende todavía hoy. Las bandas de música del siglo XIX y sus archivos son las entidades que nos acercan a la figura caleidoscópica de nuestro protagonista.

Àngel Lluís Ferrando Morales (Alcoi, 1965) es titulado superior en Dirección de Orquesta y Musicología por el Conservatorio Superior de Aragón, donde estudió con Juan José Olives y Luis Prensa. Ha compuesto, grabado y editado música para teatro, danza, cine y televisión desde 1987 por la que ha recibido varias nominaciones y premios. Además de su trabajo en el campo de la música aplicada ha estrenado varias obras sinfónicas en numerosas ciudades españolas, así como en México, Francia, Alemania, Taiwán y EE.UU. Ha escrito numerosos artículos, críticas y reseñas en revistas especializadas, así como ha impartido cursos para profesores o coloquios sobre temas musicales (CEFIRE, Universidad de Alicante, Universidad de Zaragoza, Universidad de Valencia, Conservatorio Superior de Madrid, Universitat Politècnica de València). Sus últimas aportaciones en el ámbito académico se centran en las relaciones entre la teoría y la terminología musicales con la filología y la literatura catalanas.

Es director de la Corporación Musical Primitiva de Alcoi y la Societat Musical de La Pau de Beneixama (España). En los archivos de estas bandas podemos encontrar algunas copias manuscritas de Enrique Calvist y otros compositores del entorno de la Banda de Alabarderos (Madrid). Desde hace varios años colabora con Pedro Rubio (Bassus Ediciones) en la investigación sobre la figura de  Calvist y la recuperación de su música para banda y clarinete solista. Muchas de estas investigaciones serán presentadas próximamente en una inusual grabación de música española del siglo XIX.

http://adec-clarinete.com/index.php/en/

Foto: Àngel Lluís Ferrando Morales.

Sony Classical: seis nuevos sets de ópera, remasterizados a partir de las cintas originales

Sony Classical: seis nuevos sets de ópera, remasterizados a partir de las cintas originales

Sony Classical ofrece a los amantes de la ópera otros seis nuevos sets de óperas publicadas originalmente en LP, todas ellas extraídas del incomparable catálogo RCA Victor y remasterizadas a partir de las cintas analógicas originales, con un sonido completamente mejorado.

La entrega más antigua es la famosa grabación de 1953 de RCA de la obra de Mascagni, Cavalleria Rusticana, con la interpretación de tres de los mejores cantantes de la época: Zinka Milanov, Jussi Björling y Robert Merrill. Una artículo en Gramophone de 1988 decía: “¿Quién, hoy en día, o en cualquier época, llena las bellas frases de Mascagni con un tono tan brillante y con semejante riqueza de sentimiento por el texto como Milanov? Esto es canto auténtico en la escala más grande...Como su soprano, la interpretación de Björling es un ejemplo del estilo spinto del más alto nivel. Como Alfio, Merrill ofrece en el disco una de sus interpretaciones más destacadas.”

En 1956 en la Ópera de Roma, el legendario Pierre Monteux dirige una de sus pocas grabaciones de ópera, La Traviata de Verdi, con la soprano Rosanna Carteri como la heroína Violetta. Gramophone fue nuevamente generosa en elogios, llamando a esta Traviata “una interpretación inmensamente satisfactoria, con un gran reparto y dirección... Rosanna Carteri tiene la voz ideal, entre lírico y spinto, para satisfacer los requerimientos vocales y dramáticos del papel...Cesare Valletti es simplemente el Alfredo ideal… una representación adecuadamente juvenil y emocionalmente vulnerable. Como el padre Germont, Leonard Warren – famoso en el papel en el Metropolitan – canta con el tono suave y el cuidado por las palabras que lo caracterizan.”

Otra de las grandes estrellas de RCA fue la encantadora soprano estadounidense Anna Moffo, y aquí se incluyen dos de sus papeles más celebrados de Verdi. De la grabación de 1965, tenemos a Moffo en el rol de Luisa Miller, “una de sus mejores grabaciones” (Musicweb-international). El resto del reparto no es menos distinguido: “Carlo Bergonzi conserva su aire aristocrático y excelente voz. Cornell MacNeil es perfecto para Miller, el rol barítono del Verdi esencial” (classicstoday.com). Del año anterior, ofrecemos la interpretación de Anna Moffo en el rol de Gilda en Rigoletto, dirigido por Sir Georg Solti. classicstoday.com escribió: “Moffo canta con una gran calidez y atención al texto...y, como consecuencia, la artista resulta muy emotiva... El Rigoletto de Robert Merrill está bien cantado, con el tipo de sonido italianizado que Verdi quería. Alfredo Kraus está en su mejor momento y su Duque es a la vez elegante, amoroso y mordaz... Recomendado.”

Finalmente, de 1973, ofrecemos a Montserrat Caballé en uno de sus papeles más dominantes, la heroína de Norma de Bellini. En 1988, la revista de Ópera de Londres declaró: “En Caballé puedes escuchar los recursos expertos de una gran cantante, claridad, forma, passaggi rápido; Fiorenza Cossotto es una Adalgisa fuerte y sincera y Ruggero Raimondi, como Oroveso, es cálido y grandioso.” Más recientemente, cuando el crítico de Musicweb-international se preguntaba “¿Qué versión recomendaría?” citó a ésta como “la interpretación con la que viviría.” De hecho, todas estas grabaciones lo son: seis nuevos sets de Sony Classical, seis grabaciones legendarias completas que no pueden faltar en ninguna colección de ópera.

DISPONIBLES EL 28 DE AGOSTO

www.sonyclassical.es

Foto: Montserrat Caballé, en su época de la grabación de Norma.

La inscripción a los Másteres de la Esmuc finaliza el próximo 25 de julio

La inscripción a los Másteres de la Esmuc finaliza el próximo 25 de julio

El plazo de inscripción a los másteres de la Esmuc del curso 2015-2016 finalizará el próximo 25 de julio. La inscripción se puede realizar directamente a través de la página web de la Escuela.

La Escuela Superior de Música de Catalunya presenta su oferta de másteres con el propósito de cubrir las necesidades formativas y de especialización de los diferentes ámbitos profesionales de la música. Este año se incorporan nuevos programas como el Máster de Musicoterapia y el de Técnicas de la música contemporánea. Otras propuestas, como el Máster de Flamenco, el Barcelona Jazz Máster y el Máster de Lied Victoria de los Ángeles vuelven a impartirse ante el éxito de la primera convocatoria.

En esta ocasión, la campaña de difusión de los másteres de la Esmuc cuenta con un vídeo promocional que presenta la nueva oferta de postgrado y que puede verse a través del canal Esmuc Cat, de Youtube.

Los másteres que presenta la Esmuc proporcionan una base amplia y sólida para los graduados y profesionales de la música que quieren ampliar sus conocimientos y mejorar sus oportunidades de carrera. Por esta razón, la escuela ha diseñado una oferta destinada a cubrir las necesidades de los músicos en sus diferentes ámbitos de especialización.

Movilidad

La oferta favorece que los estudiantes inscritos puedan iniciarse en tareas de investigación, que podrán desarrollar y perfeccionar en posteriores estudios de doctorado. Los estudios de máster también promueven la movilidad y la incorporación al mercado laboral europeo. El programa se estructura a través de dos tipos esenciales de másteres: los universitarios, realizados de forma conjunta con centros de educación superior; y los másteres propios, que únicamente imparte la Esmuc. Las inscripciones se pueden realizar en la web a través de la información de cada máster.

Másteres universitarios

Estudios Avanzados en Interpretación: Instrumentos de la Música Clásica y contemporánea

Interpretación de la Música Antigua

Barcelona Jazz Master (pendiente de aprobación)

Máster en Flamenco (pendiente de aprobación)

Máster en Lied (pendiente de aprobación)

Música como Arte Interdisciplinar (UB-URV-Esmuc)

Tecnologías del Sonido y de la Música (UPF)

Másteres propios

Composición de Bandas Sonoras y Música para Medios Audiovisuales

Composición Musical con Tecnologías

Pedagogía para músicos (modalidad online)

Musicoterapia

Técnicas de la Música Contemporáne

www.esmuc.cat

Foto: La Escuela Superior de Música de Catalunya.

José Miguel Pérez-Sierra en el Festival Rossini de Wildbad

José Miguel Pérez-Sierra en el Festival Rossini de Wildbad

El director madrileño José Miguel Pérez-Sierra abre el Belcanto Opera Festival Rossini de Wildbad con el concierto de la mezzosopranos Marianna Pizzolato. La mezzosoprano interpretará sus mejores papeles protagonistas de las obras de Rossini, desde “Tancredi” hasta “Zelmira”, así como arias desconocidas o nunca interpretadas del mismo autor. En el 2014 fue galardonada con el “Oscar de la Lírica” como “Mejor Mezzo”. 

Tras este concierto, Pérez-Sierra dirigirá en el mismo Festival la ópera “L’italiana in Algeri” de Rossini, una de las óperas más populares del autor, los días 19 y 22 de julio. El Academie BelCanto ofrece esta obra maestra cómica en formato concierto, pero con algunos elementos escénicos. Los solistas son seleccionados a través de audiciones internacionales y preparados por Raúl Giménez en Barcelona. Antoni Petris dirige una taller de escenario para esta actuación semi-escenificada.

En ambos casos Pérez-Sierra dirige a la Orquesta Virtuosi Brunensis. 

Tras los conciertos en Wildbad, Pérez-Sierra no abandona Rossini, pero se traslada a Santiago de Chile donde dirigirá “Il turco in Italia” durante el mes de agosto (14, 17, 18, 20, 21, 22). Tras pasar por Chile, vuelve a la Opéra-Théâtre de Metz Métropole de nuevo con “Il turco in Italia” (noviembre), al Palacio de la Ópera de A Coruña, en un concierto con Mariella Devia (5 de diciembre), al Palacio Euskalduna Jauregia con “La Sonnambula” (enero-febrero 216) y Palacio de la Ópera de A Coruña con “El holandés errante” (junio 2016).

www.josemiguelperezsierra.com

Foto: José Miguel Pérez-Sierra.
Acred: © JPS - Fidelio Artist

 

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